UD. 5 EL SURREALISMO Y OTRAS VANGUARDIAS (II)

UD. 5:El Surrealismo y otras Vanguardias (II)

• CARACTERÍSTICAS DEL NEOPLASTICISMO:

Piet Mondrian.

• EL CINE EN LA ÉPOCA DE LAS VANGUARDIAS:

Claves del surrealismo cinematográfico. Luis Buñuel.

Claves del expresionismo cinematográfico alemán. El

gabinete del doctor Caligari.

Claves del cines soviético: Eisenstein y El acorazado

Potemkim.

CARACTERÍSTICAS DEL NEOPLASTICISMO:

PIET MONDRIAN 

En la misma época en que Tzara escribía el Manifiesto Dadá, Mondrián junto a Van Doesburg publicaban el Manifiesto De Stijl, opuesto en absolutamente todo al primero.

Si los dadaístas querían destruir el arte y de características destructivas e irracionales, De Stijl pretendía su renovación total de manera racionalista, ordenada y simple.

Con el nombre de "De Stijl" (El estilo) se conoce al grupo de artistas y revista fundados en 1917 por Mondrian y Van Doesburg en la ciudad de Leiden en Holanda, con el objetivo de difundir los principios del neoplasticismo. Doesburg, sintetizó el espíritu y la esencia del grupo con esta frase: "Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo.” 

Architectuuranalyse  (1923) Theo van Doesburg 

En 1921, se abrió al Dadaísmo y en 1922 y 1923 Arp y Schwitters se encargaron de la edición de un suplemento Dadá llamado "Mecano".  En 1925, Mondrian se separó del grupo por desavenencias teóricas con Doesburg. Este último quería que la línea inclinada formara parte del lenguaje neoplasticista, pero Mondrian la sentía como un elemento desestabilizador. 

Victory Boogie Woogie, (1944) Mondrian

Características del Neoplasticismo.

• Búsqueda de la renovación estética y de la configuración de un nuevo orden armónico de valor universal, eliminando todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental.

• Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.

• Planteamiento totalmente racionalista.

• Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.

• Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio, logrado por la compensación de las formas y los colores. Nunca se recurre a la simetría.

• Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).

• Empleo de fondos claros.

Destacan como diseñadores industriales

y gráficos, arquitectos y decoradores.

En la arquitectura se basó en el desarrollo de la técnica, la limpieza, la economía y lógica elemental y pura.

Casa Schröder (1924) Rietveld 

PIET MONDRIAN

Piet Mondrian (1872-1944)

Pintor vanguardista neerlandés, miembro de

De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto

con Theo van Doesburg.

Evolucionó desde el naturalismo y el

simbolismo hasta la abstracción.

Autorretrato (1918) Mondrian

Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los

colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los

colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente

rectangulares) de colores primarios, considerados por él, como los colores

elementales del universo.  

Composición en rojo, amarillo, azul y negro (1921) Mondrian.

Mondrian expresó que el arte no debe ser figurativo, sino que debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente que hay tras toda la realidad fenoménica.

Busca, en suma, un "arte puro", despojado de lo particular. 

EL CINE EN LA ÉPOCA DE LAS VANGUARDIAS:

• El surrealismo cinematográfico. Luis Buñuel.• El expresionismo cinematográfico alemán. El

gabinete del doctor Caligari.• El cine soviético: Eisenstein y El acorazado

Potemkim.

CLAVES DEL SURREALISMO CINEMATOGRÁFICO.

LUIS BUÑUEL.

Proveniente de la poesía y de las artes plásticas, el cine surrealista mantiene muchos de sus grandes motivos:

• Confusión espacio-temporal• Un humor negro, e incluso cruel• Importancia el erotismo• La imagen como un todo más que como una

parte• Importancia del fundido y el montaje, a veces

arbitrario• Universo onírico• Ideado al margen de toda estética y moral• Utilizado para criticar y escandalizar.

Los precedentes del cine surrealista se encuentran en el cine de vanguardia cubista y dadaísta, que comenzó a desarrollarse hacia 1925.

Ejemplos de esta tendencia son Ballet mécanique, de Fernand Léger (pintor cubista) o el filme dadaísta Entreacto de René Clair y Francis Picabia, caracterizado por la creación de metáforas visuales.

Ballet Mécanique (1924) Fernand Légerc

En 1929, aparecerá la primera y más

representativa película surrealista,

Un perro andaluz de Luis Buñuel, que

continuaría su trayectoria

cinematográfica con un surrealismo más

combativo en La edad de oro

(1930).

Un perro andaluz (1929) Es un Manifiesto del cine surrealista.

Una colección de sueños y locuras salidas de las inquietas mentes de Dalí y Buñuel.

El título, es una posible referencia sarcástica al tercer vértice del triángulo de genios,

Federico García Lorca.

Fotogramas de « El perro andaluz » (1929) Luis Buñuel y Salvador Dalí.

Luis Buñuel (1900 – 1983) Director de cine

español. Su influencia e

importancia dentro de la historia del cine

está a la altura de los más grandes

directores de todos los tiempos.

Retrato de Buñuel, (1924) Dalí

La gran mayoría de su obra fue realizada

o coproducida en México y Francia,

debido a sus convicciones

políticas y a las dificultades

impuestas por la censura franquista

para filmar en España…

Otras películas de Buñuel:

La Edad De Oro (1930), una sátira surrealista recibida con entusiasmo por la crítica del momento, lo que le supuso una oferta de la Metro Goldwyn Mayer.

Las Hurdes (Tierra sin pan) (1933), documental de denuncia sobre la miseria social española.

Los olvidados (1950), obra maestra de su etapa mexicana, que conjuga surrealismo y realidad social.

Viridiana (1961), realizada a su vuelta a España, no se pudo ver hasta después de la muerte de Franco. Se considera cima de su trayectoria.

Belle de Jour (1967), una mujer entre virgen y prostituta, es objeto de deseo, llevando una doble vida.

El discreto encanto de la burguesía (1972), una de las películas más surrealistas de su última etapa, con una escena de un sueño dentro de un sueño, es otra acertada crítica de la burguesía y de a la iglesia.

Tristana (1970), Una joven hermosa se convierte en la obsesión de un anciano, que a fuerza de tiempo y de paciencia consigue sus favores. Sin embargo, cuando ella conoce a un joven pintor que la enamora, decide cambiar radicalmente el rumbo de su vida.

Tristana (1970), Luis Buñuel

CLAVES DEL EXPRESIONISMO CINEMATOGRÁFICO ALEMÁN. EL GABINETE DEL DOCTOR

CALIGARI.

Expresionismo es la corriente artística que tiene como fin buscar la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva.

Trata de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa.  

En pintura  se caracteriza por colores agresivos, formas disgregadas, líneas

fracturadas, contorsionadas y ondulantes, como "El grito" del

noruego Edvard Munch paradigma de la soledad y de la incomunicación y considerado uno de los puntos de

arranque del Expresionismo.

Todas las versiones de “El grito” muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza al hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial…

El grito (1893 )Edvard Munch

El cine expresionista surge como reflejo de la derrota alemana tras la Primera Guerra Mundial. Muestra una temática muy diferente que va desde el pasado medieval a lo más futuro.

Su técnica se caracteriza por el uso de ángulos extravagantes, decorados irreales y cercanos a la pesadilla. 

Tiene como fin que el espectador tenga la sensación de estar en ambientes grotescos donde se distorsiona con claroscuros violentos. 

El Expresionismo cinematográfico más importante será el que se realice en Alemania y los principales exponentes del cine expresionista alemán serán:Fritz Lang, Murnau y Robert Wiene… 

Fritz Lang.

Características técnicas del cine expresionista: • Escenografía: Utilización de decorados

pintados, como calles y perspectivas en un telón de fondo que representa la prolongación de las calles mediante líneas inclinadas dando la  sensación de un movimiento y vértigo.

• Iluminación: Los directores expresionistas se caracterizaron por dar un toque muy particular a la elaboración del claroscuro acentuando el contraste entre luces y sombras y destacando el exceso de relieve deformado y el contorno de un objeto.

• Personajes: Misteriosos o siniestros que ocupan un lugar especial en las películas pudiendo ser inofensivos o malvados.

• Vestuario: Sus personajes se caracterizan por vestir capas y sombreros de copas. Además, sus manos son extremadamente salientes o crispadas.

• Interpretación: Movimientos abruptos y duros componen el rasgo habitual de los personajes. Además, se produce una deformación de los gestos por medio de movimientos intensos que superan la realidad. 

Las tres luces (1921) Fritz Lang

Metrópolis (1927) Fritz Lang

Nosferatu (1922) F.W. Murnau

El gabinete del doctor Caligari (1920)

Dirigida por Robert Wiene, es la película más influyente de este movimiento.

Con esta película surgirá la edad de oro del cine alemán, que junto a "Metrópolis“ de Fritz Lang y "Nosferatu“ de Murnau, que serán las tres películas más conocidas del expresionismo alemán...

“El gabinete del doctor Caligari”

juega con la magia y la adivinación a

través del destino que un director de un psiquiátrico, un

loco vidente, le pronostica a un

joven…

En las escenas de esta película se ven muchas de las característica del cine expresionista como el juego entre las luces y las sombras, que da una visión sobrehumana y gigantesca cuando la propia sombra del doctor se refleja en una pared o el contraste de movimientos con continuas líneas deformadas lo que provoca una auténtica angustia.

CLAVES DEL CINE SOVIÉTICO: EISENSTEIN Y

EL ACORAZADO POTEMKIM.

El acorazado Potemkin (1925) reproduce el motín ocurrido en el acorazado Potemkin en 1905, cuando la tripulación se rebeló contra los oficiales de la armada zarista.

No es solamente la película más importante de Eisenstein y la más representativa de todo el cine revolucionario soviético, sino que, sin duda, se erige como una de las más notables e influyentes de la historia del cine.

El rodaje duró poco más de una semana y durante el mismo, Eisenstein y su operador Eduard Tissé experimentaron con objetivos, focos, plataformas para mover las cámaras, planos desenfocados...

La película tuvo un gran éxito en el extranjero, siendo prohibida en algunos países acusada de revolucionaria.

Se trata de una metáfora de la Revolución Rusa con la representación de las clases sociales que sostienen el zarismo y representadas en el barco (los militares aristocráticos, el clero, los intelectuales, los indiferentes y los cobardes) y los revolucionarios (el pueblo representado por los marineros) y sus aliados (la pequeña burguesía en el puerto, las mujeres, los oprimidos...).

Los rasgos más destacados de esta película son:

La ausencia de protagonistas individuales y la exaltación de los movimientos colectivos. Hay personajes reconocibles pero no articulan la narración.

El uso de rótulos que, más que reflejar diálogos, exponen frases y mensajes que acentúan el sentido de la narración.

La inserción de metáforas visuales, (extendido en el cine mudo) pero que Eisenstein dota de una fuerza especial en su montaje: el plato con el Padrenuestro, los marineros colgados del palo, las sombras de los soldados sobre la madre, el león de piedra que se despierta,...

La abundancia de planos detalle, que dan verdadero valor simbólico a los objetos (el piano, la cruz, las gafas, los gusanos en la carne) o acentúan el dramatismo de la acción (la mano pisada del niño, los ojos de las mujeres, la mano del pope,...). Hay una enorme cantidad (más de 1.000) y variedad de planos (picados, contrapicados…), algo inaudito en su época.

Composiciones lineales oblicuas y triangulares que plasman la tensión de los acontecimientos expuestos.

Una fotografía variada, casi pictórica en las escenas de la bahía con los barcos y los reflejos del sol, fuertemente expresiva en los primeros planos de algunos rostros y con numerosos efectos (desenfoques, claroscuro, sombras...).

Un montaje, como modelo de planificación a base de fragmentos y que, a diferencia del cine americano, no tiene en cuenta factores como el eje de relación, la continuidad o el salto progresivo entre planos primando el ritmo y el choque para acentuar la noción de conflicto.

En suma se busca unir fondo y forma , es decir, el mensaje revolucionario con una estética que provoque esa misma sacudida en los espectadores.

La escalera de Odessa, en la que los cosacos masacran a la multitud

desarmada, es seguramente la secuencia más analizada, elogiada e imitada de la

historia del cine...