“El arte no reproduce lo

visible; lo hace visible” Paul Klee.

Henri Matisse. "La raya verde". 1905, Copenhague

Es el retrato de Amèlie Parayre, la esposa del pintor Henri Matisse(1869-1954). En la época en que fue pintado,

ambos llevaban ya varios años casados. Dentro del fauvismo, Matisse representa la tendencia hedonista, la que refleja la alegría de vivir.Matisse dejó claras sus ideas acerca de la importancia del color en esta sentencia: "cuando pongo verde, no es yerba; cuando pongo azul, no es el cielo. Se trata de un tema de gran sencillez, el rostro de una mujer vista de frente, realizado con gran economía de medios y basado en el uso y la combinación de tonos puros: amarillo, rojo y azul, elegidos arbitrariamenteEn realidad no estamos viendo a la señora del pintor, sino la imagen que éste crea de ella a través del empleo de esos colores tan vivos, tan contrastados unos con otros que, pese a la arbitrariedad en su elección, crean un conjunto que nos demuestra el afán del artista por pintar dando una primacía absoluta al color.

La línea verde que da nombre al cuadro, divide el rostro en dos bajo el cabello y da luminosidad y relieve por la combinación de los colores: la masa de los cabellos negros con reflejos azules‑morados encuadra el rostro, cuyos tonos amarillentos en la parte derecha y rosados en la parte izquierda se realzan a través de los trazos negros azulados de las cejas, de los contornos de una parte del perfil y del rojo del vestido. Es una pintura figurativa, pero muy antinatural debido al empleo arbitrario del color, sin ninguna función descriptiva.La clave de la obra de Matisse está en el orden, entendido como claridad en la forma. Sus cuadros tienen composiciones simples y claras. Este sentido del orden lo aprendió de las obras de Cézanne. Para realizar un cuadro, Matisse, tenía primero una clara visión en la mente, luego venía la elección de los colores basada en la observación, en el sentir y en la misma naturaleza de cada experiencia

No hay modelado ni profundidad, son aspectos que no interesan al pintor. La composición, en este caso muy simple, está en función de los planos de color. Lo más destacable de este lienzo es, pues, el color y su forma de combinarlo consiguiendo dar calor y cuerpo al rostro de la mujer al colocar la línea verde que resalta los tonos amarillos y rosados de las mejillas.

El grito. Munch. Expresionismo.

Wasily Kandinsky. Arco Negro. Grupo El Jinete Azul dentro del

expresionismo

Wasily Kandinsky(1866-1944) nació en Rusia, podemos considerarlo como un europeo cosmopolita. No en balde, viajó ampliamente por el continente y acabó teniendo la nacionalidad alemana. Su trayectoria, no se limita exclusivamente a la pintura; estudió Derecho, fue profesor (dio clases en la Bauhaus) y escritor, autor de dos grandes obras sobre la teoría del arte.En 1910 Kandinsky da a conocer su "primera acuarela abstracta". Se da así un paso absolutamente novedoso en la historia de la pintura: el objeto, cualquier objeto, desaparece del cuadro. De esta manera la pintura alcanza una absoluta autonomía. Ya no depende de la naturaleza, ni de la realidad, ni de las personas; sólo de la voluntad del artista, de su mundo interior, de su estado de ánimo. Para Kandinsky, es la libertad absoluta del creador.Un año más tarde, Kandinsky participa en Munich en la creación del grupo "El jinete azul", cuyo nombre se debe, precisamente, a una de sus obras. Mientras, sigue experimentando en el abstracto, creando obras diversas, a las que llama impresiones, improvisaciones y composiciones, según el motivo que las inspira. En todas ellas encontraremos líneas gruesas, manchas de color, algunas formas geométricas y, en ocasiones, una tímida presencia de lo figurativo, más evocativa que real.

Los primeros pasos de Kandinsky serán en el Expresionismo, que propugna que lo único importante en el arte, no era la imitación de la naturaleza, sino la expresión de los sentimientos a través de una selección de líneas y colores. A partir de ello, Kandinsky llegó a la reflexión de que ¿no sería más puro el arte suprimiendo todo lo referente al tema, a la naturaleza, y basarse únicamente en la creación de efectos de color y de forma?Ese fue el punto de partida que inspiró a Kandinsky para llegar al arte abstracto.

Predominan las manchas de color enmarcadas entre las que se destaca “el arco negro”, que da nombre a la obra también aparecen otras líneas negras no relacionadas entre si. Los colores son muy subjetivos. Se armonizan primarios y secundarios aunque predomina una tonalidad suave. Además los colores hacen las líneas. En la obra no existe tema ni composición aparente, ni tratamiento de la luz. Esto se debe a que estamos ante una auténtica abstracción., dominada por tres formas  que parecen a punto de chocar. La línea curva negra no une las formas, acentúa más la tensión entre ellas, igual que la mancha roja entre las formas violeta oscuro y azul. Las formas parecen girar Alrededor del centro con un movimiento violento. La coexistencia y confrontación de los colores y las formas se desencadena por la forma violeta.Kandinsky quiere representar el mundo espiritual a través del color y la línea 

Las señoritas de Avignon. Picasso

Tal vez se trate de un burdel, aunque tomó como modelo de una de ellas a Fernande,

su pareja durante siete años, con la cual

tuvo una relación tormentosa.

El Profeta. Pablo Gargallo. 1933. Cubismo

Relojes blandos. Dalí. 1931. Surrealismo.

Pájaro en el espacio de Brancusi es una figura de tamaño medio realizada en bronce patinado de dorado, apoyada en una

peana en la que se combina un pequeño cilindro de piedra calcárea y un prisma de planta cuadrada de madera.

La escultura del siglo XX se va a caracterizar por buscar establecer nuevas relaciones entre la forma escultórica y el

espacio en el que ésta se sitúa. Uno de los puntos de partida de este interés se encuentra en la obra fundamental de un artista difícilmente adscribidle a ningún

movimiento artístico contemporáneo como es el rumano Constantin Brancusi. El acabado de la forma ahusada y

apuntada , incluso podríamos decir “ aerodinámica”, en este caso es absolutamente minucioso, pulido y brillante, y es una constante en los demás trabajos de Brancusi. De este modo, Brancusi consigue remarcar esa fluidez con la que la forma

parece ascender por el espacio. El tratamiento uniforme pero algo más rugoso de la superficie del cilindro de piedra en la que

apoya contribuye también a subrayar dicha fluidez .Aquí, como en otras obras semejantes, Brancusi reduce la

forma del animal y de su movimiento en el espacio, eliminando lo superfluo (renunciando incluso a la representación de las alas del pájaro), estilizándolos al máximo hasta convertir la esbelta

forma escultórica en concreción esencial del dinamismo del movimiento ascendente del vuelo del pájaro y de su cuerpo en

el espacio. .La forma, establece una nueva relación con el espacio que le

rodea por el que parece adentrarse dinámicamente. 

Formas únicas de continuidad en el espacio. Boccioni. 1940. Futurismo

En su escultura Formas únicas de continuidad en el espacio el artista plasma a representación de una figura humana en pleno movimiento, los elementos del cuerpo no son

claramente discernibles pero por el contrario se aprecia con precisión la fuerza del viento que golpea la figura, la sensación de inestabilidad y el movimiento.

Parece que Boccioni haya fusionado en un solo cuerpo el hombre, los ropajes, el dinamismo y el

viento.Las formas cóncavas y convexas han sustituido el rostro de la singular escultura, los brazos han sido

eliminados y pese al rechazo del artista por la escultura clasicista parece ser que en esta ocasión

Boccioni ha pretendido una revisión de una de las obras clasicistas por excelencia, la famosísima Victoria de Samotracia. No en vano, en ambas

esculturas encontramos la agitación y movimiento producido por el viento pero si en la obra helenista los

paños se pliegan y retuercen debido a la fuerza del viento, en la obra futurista hay una fusión total de los

elementos.La velocidad y el dinamismo se combinan en esta modernísima escultura con un nuevo elemento, el tiempo. La modernidad es la clave del futurismo y Boccioni lo mantiene presente en cada una de las

obras que realiza.