Ideatore e curatore del progetto d’arte domino01:Vittorio Ferri

Artisti cofondatori e curatori del progetto d’arte domino01:TogoSara Montani

Un grande ringraziamento a tutti gli artisti partecipanti.Un ringraziamento particolare a Susan Post per la traduzione.

Tutti i diritti sulle foto sono riservati.

Progetto grafico:Vittorio Ferri

Sito Internet: www.domino01.info

Finito di stampare:nel mese di marzo 2011da GraficadueprintMilano

Worldwide Distributed Art

La storia del progetto.Vittorio Ferri

Mi piace posizionare le origini di questo progetto negli anni settanta, quando in una scuola media di un quartiere popolare di Milano ho avuto la fortuna di avere un maestro di educazione artistica eccezio-nale. Enzo Migneco, questo il nome dell’insegnante, era stato capace di un coinvolgimento totale dei suoi giovani allievi nelle molteplici attività creative, in momenti di cui ancora ricordo con piacere suoni e colori. Tutto era improntato all’insegna del fare e dello sperimentare, con un approccio allegro e giocoso, al di fuori dai rigidi schemi teorici e dalle costrizioni imposte dai programmi scolastici odierni. Gli insegnanti delle scuole primarie possono avere una grande influenza sulla crescita di una persona. Si trovano a plasmare energia pura, fatta di sogni, ambizioni, proiezioni e speranze di giovani menti, in una fase particolarmente predisposta ad assorbire e rielaborare stimoli positivi.

Penso che la mia passione per l’arte sia nata allora.

Sono passati più di trentacinque anni da quel peri-odo. Anni in cui ho completato il mio percorso scola-stico, mi sono laureato in ingegneria, avviato la mia professione tecnica e messo su famiglia.Nel frattempo Enzo, in arte Togo, è diventato un grande artista professionista ed un punto di riferi-mento nello scenario dell’arte contemporanea ita-liana di questo secolo.

The history of the project.Vittorio Ferri

For me, the origins of this project lie in the 1970s when, as a pupil in primary school in Milan, I had an exceptional art instructor, Enzo Migneco.

Enzo inspired his young students to become totally involved in many creative activities, the sounds and colors of which I can still remember with pleasure. Everything was organized to maximize the enjoy-ment of doing and experimenting, with a cheerful and playful approach, very different from the rigid theoretical constraints imposed by today’s school programs.

Teachers in primary schools can have a big influ-ence on the growth and development of a child. They can model pure energy, projecting the dreams, hopes and ambitions of young minds at an age when they are most ready to absorb such stimuli.

I think my passion for art was born in that period.

Thirty-five years have passed since that time, years in which I have completed my schooling with a gradu-ate degree in engineering and started my career and my family. During this same period Enzo, known for his artwork as Togo, became a professional artist, and a point of reference in the Italian art scene of this century.

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L’ho reincontrato un paio di anni fa quando, in un momento nostalgico, mi sono lanciato alla sua ricer-ca. Ad un primo contatto via mail è seguito un suo invito ad incontrarci nel suo studio in Porta Romana, nel cuore di Milano. L’accoglienza è stata molto calda e sincera, con una apertura totale a voler soddi-sfare ogni mia curiosità sulla sua attività di artista, sulle tecniche e strumenti utilizzati, sull’approccio creativo adottato. Ho ritrovato la sua concretezza del metodo comunicativo. Durante l’incontro ha appeso una tela bianca alla parete e ha comin-ciato a dipingere, illustrandomi senza gelosie i suoi trucchi del mestiere, le tecniche di preparazione dei colori, sorprendendomi con l’immediatezza del gesto e la scoperta di contenuti dell’opera che si manifestavano quasi autonomamente durante la fase di improvvisazione.Ed è andato oltre. Mi ha passato il pennello e mi ha chiesto di continuare. Il dipinto, da lui completato successivamente, mi è stato poi donato per cele-brare l’avvenuto reciproco ritrovamento. E con tan-to di richiamo, sul retro della tela, della mia parteci-pazione all’opera.

Ne è nata una bella amicizia, ed una frequentazio-ne pressochè continuativa.Appena posso lo raggiungo nel suo studio, ove mi fa accomodare in poltrona e, conservando un piacevole approccio professore-studente, mi rac-conta di episodi della sua vita.Nel discutere in generale di arte, mi parla spesso di tutta una serie di personaggi che lui definisce ‘belle

I met up with him again a couple of years ago when, in a nostalgic moment I contacted him. Togo re-sponded to my letter with an invitation to meet at his studio in Porta Romana, in the heart of Milan. His welcome was warm and sincere, and he was to-tally open to satisfying my curiosity about his artistic activity, including the tools and techniques he used and the creative approach he adopted. I experienced all over again how clearly he can communicate. During our meeting, he hung a white canvas on the wall and began to paint, demonstrating without re-servation his tricks and techniques of mixing colors, and surprising me with an improvisation in which the immediacy of his gesture transformed before my eyes into the content of a painting. And then he went even further: he passed me the brush and asked me to take up where he had left off. On the back of the painting, which he subsequently completed and gave to me to celebrate our recon-nection, Togo had not only signed his name but had also credited me for my direct participation in its creation.

A beautiful friendship was born, and we began to see each other frequently.Whenever I can, I meet with him in his studio and work as his student as he tells me about the events in his own life.

During our general discussions about art, Togo often spoke of a series of figures that he describes as “belle

A Daniela, Sara e Stefano

persone’, applicando un concetto estetico alla va-lorizzazione umana ed artistica dei suoi amici più stretti e dei suoi riferimenti professionali. Mi ha pian piano introdotto al suo ambiente, invitato ad eventi d’arte e presentato a conoscenti ed amici.

Ho quindi cominciato a frequentare con interes-se il mondo dell’arte contemporanea, vivendolo dall’interno.Ho osservato quale attenzione venga posta in gene-rale dagli artisti non solo ai contenuti creativi del proprio lavoro ma anche ad una continua ricerca di canali e modalità divulgative che permettano la dif-fusione ed una giusta valorizzazione delle loro opere. Ho appreso come un artista debba spesso avere un approccio quasi imprenditoriale per riuscire ad emergere in un mercato caratterizzato da una folta e spietata concorrenza e da contaminazioni specu-lative che poco hanno a che vedere con l’essenza più profonda dell’arte. Ho percepito come il mercato stesso tenda talvolta a condizionare i sogni e le aspirazioni più profonde di questi professionisti e come una momentanea as-senza di riconoscimento o di risultato possa essere motivo di profonda frustrazione.

E’ in questo contesto che ho sentito il desiderio di provare ad apportare, per quanto nelle mie possibi-lità e capacità, un personale contributo alla valoriz-zazione dell’impegno degli artisti che ho conosciuto.

Ciò anche motivato ed attratto dalla consapevo-lezza delle potenzialità di un approccio trasversale interdisciplinare, come ho avuto spesso modo di sperimentare nel fare innovazione di prodotto. Per professione mi occupo infatti di ricerca e svi-luppo in ambito tecnico. Ed ho sempre percepito una certa dualità di interesse artistico/ingegneristico

persone”, the close friends and professional con-tacts he cherishes for both their human and artistic value. I gradually became introduced into his world, invited to art events and presented to his friends and colleagues.

This is how I came to experience this specific world of contemporary art from the inside.

I have observed how carefully artists are, not only with the creative content of their work but also in continuously researching the channels that will allow their work to be seen and appreciated.

I learned that an artist must often take an entrepre-neurial approach to hope to stand out in a market characterized by fierce competition and specula-tive influences that have little to do with the deepest essence of art.

I saw how sometimes the market itself tends to influ-ence the dreams and aspirations of an artist, and how deeply frustrating a lack of recognition can be.

It is in this context that I wanted to do what I could to promote the commitment of the artists I know and admire.

I was also attracted and motivated by the poten-tial for working across disciplines, an approach that I have often had the opportunity to experiment with in my career as an engineer in product innovation.

In my activity of technical research and deve-lopment, I have always felt a certain duality of artistic/technical interest in the issues I face; I often observe purely technical objects with an aesthetic eye or, on the contrary, I tend to apply the same methodology used to develop a technical design

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negli argomenti che affronto; mi ritrovo spesso ad osservare o a pensare oggetti prettamente tecnici con un occhio estetico o, al contrario, tendo ad ap-plicare lo stesso approccio metodologico usato per sviluppare un progetto tecnico quando mi cimento in prima persona con l’arte, per esempio durante l’impostazione concettuale di un mio dipinto o di un mio lavoro su metallo.Per deformazione professionale, nell’avviare un nuovo progetto cerco sempre di rimettere in discus-sione l’esistente ed il pregresso, e di ripartire da zero spaziando con la mente e la fantasia alla ricerca di nuove direzioni e percorsi.

In quest’ottica, osservando le opere di Togo ho rile-vato alcuni aspetti caratteristici del suo lavoro.

Oltre all’utilizzo delle tinte forti con cui ama raffi-gurare la sua terra di Sicilia, tutti i suoi dipinti sono caratterizzati da veloci transizioni di colore, da ra-pide discontinuità geometriche e dall’assenza di re-gole. Gli orizzonti sono spesso inclinati, il passaggio tra il giorno e la notte è netto, il sole talvolta trian-golare e così via. La tavolozza dei colori è inoltre ben definita e ricorrente.

Tale struttura mi ha portato a voler sperimentare mo-dalità di integrazione dei suoi lavori.

Ho provato ad accostare alcune delle sue tele e, manipolandone le immagini a computer, ad unirle in modo da ottenere uno sviluppo sequenziale sen-za soluzione di continuità.

In tal modo ogni dipinto veniva ad essere intima-mente legato al precedente ed al seguente, pur mantenendo la stessa individualità ed indipendenza delle tele originarie.

as when I conceptually approach making my own paintings or works on metal.

When launching a new project I always try to que-stion what it has been done before, and I start from scratch in my mind in imagining new directions and pathways.

In the early stages of the domino01 project I ob-served Togo’s work from this perspective and identi-fied in it some characteristic features.

He loves to use strong colors to represent his home-land of Sicily, and all his paintings not only make use of this well-defined and recurrent palette but also contain quick color transitions and rapid geometric discontinuities that follow no rules.

The horizons are often aslant, the sun is triangular, and day becomes night quickly, without passing through twilight.

This structure has led me to the desire of testing ways of integration of his works.

I placed some of his paintings side by side and, ma-nipulating their images with the computer, was able to combine them together so that they develop se-quentially in a seamless fashion.

In this way each painting came to be intimately linked to the previous painting, and the next, while maintaining its original individuality and indepen-dence.

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Il secondo passo è stato quello di immaginare di in-tegrare, con la stessa logica, il lavoro di due artisti anche profondamente diversi, ipotizzando un lavoro a due mani in cui venisse gestita la transizione.

Terminata questa fase di prove a posteriori su opere già esistenti, il passo successivo è stato quello di pro-vare a definire un processo operativo di realizzazio-ne di nuovi dipinti, immaginando di coinvolgere un numero maggiore di artisti.

Così è nata l’idea di base di domino01 ovvero della realizzazione di una opera sequenziale a più mani in cui ogni artista dipinga il suo lavoro a metà tra due tele affiancate e passi la tela incompleta, a mò di testimone, all’artista seguente della serie, che a sua volta ne reiteri la procedura.

Luna Crescente Paese Mediterraneo Profondo Mare Mare

Studio di transizione con opere di Togo / Study of transition with paintings of Togo

The second step was to figure out how to use this same logic to manage the transitions when trying to integrate the work of two different artists.

After completing this phase of testing on existing works, the following step was to try to define an operational process of realization of new paintings.Once this was accomplished, the evolution to in-volving more than two artists has been automatic.

In this way the basic idea behind domino01 was born. That is, the implementation of a multi-artist, se-quential work in which each artist creates his pain-ting out of each half of two canvases placed side-by-side, finishing one begun by the artist before him and passing along his incomplete canvas to the fol-lowing artist of the series.

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Il progetto verrà in seguito ripreso e descritto in det-taglio. Mi è sufficiente, in questa fase della trattazio-ne, trasmettere a grandi linee l’idea, che ritengo comunque sufficientemente intuitiva.

Pur nella semplicità del concetto di base ne ho subi-to percepito una elevata potenzialità di evoluzione.

Mi ha attratto l’idea di evidenziare in una opera unica i legami interpersonali esistenti tra gli artisti op-portunamente selezionati. Cosiccome, nell’epoca della informazione e della conoscenza distribuita permessa dalle moderne tecnologie, di dare il via anche in questo settore ad una opera ‘distribuita’ sia in fase di creazione che di eventuale diffusione sul mercato.Mi piace infatti pensare che ogni singola tessera di questo domino (la singola tela) possa mantenere una sua dignità artistica ed una sua individualità espositiva, e possa essere proposta separatamente dalle altre, con questa sua tipicità di contenere il lavoro e la firma dei due artisti che vi hanno operato e di mantenere una intima correlazione con il resto

Studio di transizione con opere di Togo e Sonja Aeschlimann Study of transition with paintings of Togo and Sonja Aeschlimann

The project will be described in detail in a later sec-tion, but this brief explanation should suffice at this stage, to communicate the general precepts of the project.

Despite the simplicity of the basic concept I was im-mediately struck by its high potential for fruitful evolu-tion.I was attracted by the opportunity to highlight, in a single work, the interpersonal links that exist between the artists selected to be the first participants of the project. At the same time I was fascinated by the idea of creating - in this era of distributed informa-tion, knowledge and networking - an artwork that would itself be ‘distributed’, both during its creation and afterwards with its market diffusion

In fact, I like that every single tile of this domino can maintain its own artistic dignity and be exhibited in-dividually, as a separate work containing the signa-ture of the two artists who collaborated on it, even as it retains its intimate relationship to the rest of the series.

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della serie. Mi ha inoltre affascinato l’idea di poter seguire la traiettoria disegnata dalle locazioni degli artisti via via coinvolti e tracciare il posizionamento finale delle singole tessere sul mercato, facendo evolvere la serie nello spazio e nel tempo a livello internazionale.

Da qui la definizione di ‘Worldwide Distributed Art’.

Quando, a fine 2008, ho proposto l’idea a Togo essa è stata accolta con assoluto entusiasmo. Io non avevo ancora finito di pormi domande su taluni aspetti realizzativi che lui era già partito. E con la passione contagiosa che lo contraddistingue ha coinvolto in cascata una serie di seri artisti con cui è in stretto contatto e per cui nutre una grande stima.

Ho chiesto a ciascuno degli artisti coinvolti di descri-vere in prima persona le motivazioni più profonde della propria arte, il loro concetto di arte stessa, la loro opera della serie e la loro visione del progetto specifico. Ogniqualvolta partecipo alla inaugurazio-ne di una mostra percepisco sempre come occa-sione mancata il fatto che non venga data la paro-la agli esecutori delle opere, quando presenti. Chi meglio di loro può presentare se stesso ed illustrare le opere esposte in maniera completa ed approfon-dita, senza artificiose interpretazioni soggettive? E’ per questo che ho voluto coinvolgere gli artisti nella stesura di questo testo in maniera diretta. Per-chè rimanga a noi per primi come documentazione storica del lavoro svolto e costituisca una parte inte-grante del progetto stesso.

Il contributo di ogni artista è riportato nella sessione dedicata alla sua opera nella serie.

I was also fascinated with the idea of being able to trace the path drawn by the location of the artists involved, and to trace where the individual tiles end-ed up on the market, to be able to follow the series in space and time on an international level.

Hence,“Worldwide Distributed Art”, a phrase en-compassing the full range of what I have defined here.

When (end 2008) I proposed this idea to Togo, it was greeted with total enthusiasm. I had not even finished asking myself questions about certain aspects of its realization before he had al-ready started working. And with his distinctive and contagious passion, Togo involved a cascade of serious artists with whom he is in close contact, and whom he holds in great esteem.

I asked each of the artists to describe the deepest motivations for their art, their concept of art itself, and their own contribution to the series and vision of the project.

Whenever I have attended an opening reception to an art exhibition I have felt it to be a missed oppor-tunity when the artists – if present – were not able to publicly introduce their work. Who better than they can explain their work most completely and deeply, without mediating, subjec-tive interpretation? This is why I wanted to involve the participants directly in writing this document, so that it will remain as a historical record of what has been done, thus becoming an integral part of the project.

What follows are the resulting statements of the indi-vidual participating artists.

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Artisti in gioco.Sara Montani

Cosa è domino01: è il primo progetto artistico di Worldwide Distributed Art , così spiega Vittorio Ferri che ne è l’ideatore.

Domino01 è un’opera d’arte originale e singolare, a cui lavora un gruppo di artisti selezionati, ognuno dei quali realizza una tela di 50x100 cm, con l’intento di accogliere un testimone dall’opera che precede la propria e passarne uno a chi dovrà proseguire.

Come le tessere del gioco del domino, ogni artista dà vita a un unicum, una tela che ha la sua au-tonomia e identità espressiva ma diventa parte di un’opera d’arte “dilatata”, che si sviluppa nello spazio e col tempo, consentendo un confronto e un dialogo continuo, mediante tele/tessere affian-cate, in una composizione sequenziale a più mani. Di misura che potrebbe essere infinita.

È l’Arte in gioco o il gioco dell’Arte o forse anche è il Gioco come Vita? Perché la vita di ogni artista è spesso caratterizzata dal confronto e dal rapporto più o meno stretto con altri artisti! Quindi artisti diversi, divisi e uniti, sullo stesso piano, nello stesso gioco-opera d’arte globale.

Domino01, di sghimbescio, affronta anche il tema del gioco nell’arte. Consente di ripensare al ruolo dell’arte nella quotidianità, capace di trasformare l’esistenza.

Quello che conta non è tanto l’idea,ma la capacità di crederci fino in fondo.

“What matters is not the idea a man holds, but the depth at which he holds it.”

Ezra Pound

Artists in play.Sara Montani

Domino01 is the first project of Worldwide Distributed Art, as explained by it’s creator, Vittorio Ferri.

Domino01 is an original and unique artwork, cre-ated by a group of selected artists, each of whom receives and completes a partially painted 50 x 100 cm canvas from the artist preceding them in the se-ries. At the same time they begin a second 50 x 100 cm canvas, to be passed along to, and completed by, the artist following them. As with the tiles in a game of dominoes, each artist creates a unicum, a canvas that has its own autonomy and identity of expression, but which becomes part of a growing work of art that develops over space and time, and allows for both correspondences and an ongoing dialogue to occur through the canvases/tiles. It is a work created by many hands, side by side in a se-quential composition that could go on forever.

Is the Art the interaction, or does the game produce the art? Maybe the game is really Life itself? Because the life of every artist is often characterized by con-frontation and close relationships with other artists! In this way, different artists interacting separately and together, existing on the same plane, play along in the same game-work of global art.

Domino01 also deals with the theme of play in art, helping us to reconsider the role of art in everyday life, and how it can transform our existence.

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Dell’arte, ne sono convinta, come realtà che sa dare significato alla vita e stabilire un rapporto invisibile e forte e ravvicinato con alcuni compagni di viaggio.

Questa la motivazione che più di altre ha convinto la mia partecipazione.

Nella vita il gioco assume un’importanza fondamen-tale e diviene, esso stesso, elemento in cui si concre-tizzano emotività e creatività e immaginazione.Proprio il gioco, nel primo decennio del 1900, con la nascita del movimento futurista, del dadaismo, del surrealismo assume un ruolo significativo nell’arte contemporanea.Il gioco aiuta a superare le regole della rappresen-tazione naturalistica e simbolica per cui l’esperienza artistica assume diverse forme e giunge al fruitore con modalità nuove, quella del gesto, dell’interazione, dell’happening e della performance. Pensiamo a Picasso, a Depero, agli artisti del Bau-haus che sono stati costruttori di giocattoli, di burat-tini e marionette. Pensiamo a George Maciunas e agli artisti di Fluxus, che vogliono abolire i confini fra le varie discipline artistiche, fra artista e pubblico, fra arte e vita, ma anche a Munari la cui vita è stata un dialogo continuo tra arte e gioco.

Così tanti artisti si sono interessanti al fenomeno del gioco, analizzandolo e reinterpretandolo in diverse varianti: un museo personale portatile, racchiuso in una scatola è la celebre “Boîte en valise” di Marcel Duchamp.

Il gioco concede una libertà infinita all’immaginazione e permette di scoprire stimolanti e curiose combina-zioni.

Ecco quindi che il gioco con differenti sfaccettature e modalità partecipa all’arte del Novecento, ac-

I believe art is something which can give meaning to life and can establish invisible, but strong and close relationships with fellow travelers.

This has been for me the most persuasive motivation for participating in domino01.

In life, play is of fundamental importance, and be-comes the activity by which emotion, creativity and imagination become tangible. In the early part of the 20th century, with the birth of Futurism, Dadaism and Surrealism, play began to have a significant role in contemporary art.

Play helps to overcome the rules of naturalistic and symbolic representation, so that the experience of art can take many forms and inspire the artist in new ways, for example through gesture, social interac-tion, ‘happenings’, and performance.Picasso, Depero and the artists of the Bauhaus were manufacturers of toys, puppets and marionettes. George Maciunas and the Fluxus artists wanted to abolish the borders between different artistic disci-plines, and between artist and viewer, art and life. Munari’s life, also, has been an ongoing dialogue between art and play.

Likewise, many other artists have been interested in the phenomenon of the game, analyzing and re-interpreting it in different versions, such as Marcel Duchamp’s “Boite en Valise”, a portable personal museum enclosed in a box.

Play allows for freedom and endless imagination, opening the door to stimulating and unusual com-binations.

Hence the different facets and interpretations of play have become part of the art of the twentieth

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cogliendo anche gli elementi di casualità e provvi-sorietà, accettando i fatti dell’inconscio e della fan-tasia, elementi questi che si ritrovano al medesimo livello nell’attività ludica. L’arte pare presa a pretesto per giocare, osservare, sperimentare, reimpostare regole. Sono esperienze forti: per affrontarle occorrono quindi compagni di avventura con i quali condivi-dere confronti, emozioni e alleanze.

Queste le motivazioni che mi hanno catturato.

Però con quale tecnica affrontare il lavoro? Non poteva essere solo una, visto che di confronto e dialogo in domino01 si parla. Dovevano essere forzatamente due anche nella mia tessera: scelsi quindi un’acquaforte e i colori acrilici. Questa l’origine dell’idea. Quindi ho iniziato il lavoro considerando il colore rosso di quella a sinistra, di Togo, perché con esso mi riuscisse di realizzare nella parte di mia compe-tenza, una nuova direzione, concentrica, basata su linee di forza rosse, che ben si sarebbero prestate ad esaltare il contrasto con la parte bianco/nera, realizzata a collage di carta da incisione riportante l’acquaforte.

Nella parte centrale della tessera di Togo campeg-gia una macchia nera, così nella mia tessera la con-centricità degli elementi e delle tracce rosse accla-ma la centralità chiaroscurale della composizione.

Ma come affrontare la tessera successiva, legan-dola a questa e alla seguente destinata a Cannaò?Bisognava far reggere l’equilibrio tra la tessera 002 di Togo e la tessera 004: ho scelto quindi di utilizzare la stessa carta con l’acquaforte e di riprendere il colore verde visibile nella parte di sinistra della tesse-

century, incorporating the casual and impermanent nature of our lives, fully embracing fantasy and the unconscious. Making art seems almost an excuse to play, observe, test, to reset the rules. These are strong experiences, and fellow adven-turers who come along to share and compare our emotions and alliances will be required to confront them as well.

Theses are the reasons I was captivated by domi-no01.

Now, how to approach this work?It must be in more than a single technique, because domino01 is by definition about confrontation and dialogue. Two techniques were necessary to com-plete my tile; I chose to do an etching with the addi-tion of acrylic colors. Here is how my idea was born.

I began by considering the red color coming in from the left, from Togo, with the objective of having the paint take a new, concentric path, based on red lines of force which would work well to enhance the contrasting black and white collage of etched en-graving paper.

In the central part of Togo’s tile stands a black spot, so in my tile the concentricity of the elements and the red traces speak to this chiaroscuro centrality of the composition.

But how to deal with the next tile, linking it to my first one and the following one assigned to Cannaò?

I had to hold the balance between Togo’s 002 tile and the 004 tile: I chose to use the same paper with the etching, and to pick up on the green visible in the left side of Togo’s paintings, and conferring to the composition a linear opposite trend, descen-

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ra di Togo, conferendo quindi alla composizione un andamento lineare contrario, discendente, che fa-vorisse nel contempo, una spinta all’uscita dal qua-drato per porgersi, aperta, alla tavola successiva. Se il gioco diventa un elemento necessario per svi-luppare ambiti di creatività, l’arte sa rimettere in di-scussione le regole costituite e si pone come voce critica energica all’interno del sistema.

Domino01 raccoglie quindi queste preziose eredità: le fa sue e le rielabora con opere che raccontano di sorprese e meraviglia e imprevisti, dove il singolo artista, pur nell’autonomia dell’io, si guarda a fian-co, si rimette in gioco, nell’intento di giungere al noi, con un’opera che si evolve senza limiti o frontiere.

ding, that could permit at the same time a force leaving the square, opening up for the next artist.

When play becomes essential to developing areas of creativity, art calls into question the established rules, standing as a strong critical voice within the system.

Domino01 has taken on this precious legacy of play: it incorporates play, and reworks it in an artwork that speaks of surprise and wonder and unexpected evo-lutions, in which the individual artists have retained their autonomy but set aside their egos to join the game, becoming part of a fellowship in a work that evolves without limits or boundaries.

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domino01: la prima serie.Vittorio Ferri

Ho già accennato in precedenza al concetto di base del progetto, ovvero alla integrazione del la-voro di alcuni artisti selezionati, attraverso la connes-sione sequenziale dei loro dipinti con una modalità operativa ‘evolutiva’. Dipinti che si susseguono l’un l’altro come le tessere di un domino, e si integrano in una unica opera che si sviluppa nello spazio e nel tempo senza soluzione di continuità, e senza la pos-sibilità di predirne una evoluzione o di prevederne un termine. Penso che, in estrema sintesi, le caratteristiche del progetto possano riassumersi in quattro termini: innovazione, interazione, integrazione ed interna-zionalità. Il loro significato, sebbene di immediata comprensione, sarà ripreso ed approfondito nella trattazione che segue, relativo alla illustrazione della prima opera concreta del progetto.

Domino01 è contemporaneamente il nome del pro-getto globale e quello della prima serie operativa del progetto, quella maggiormente ‘prototipale’ che ci ha permesso di testare sul campo tutti gli a-spetti realizzativi ed organizzativi, e a cui seguiranno ulteriori implementazioni.Questa prima serie è stata realizzata su tele di di-mensione 50x100 cm.Ogni artista ha realizzato il proprio lavoro a metà tra le due tele affiancate, dipingendo da solo e nel proprio studio ognuna di esse parzialmente, e pas-sando la seconda tela incompleta, cioè dipinta solo

domino01: the first series.Vittorio Ferri

In the previous pages I’ve already mentioned the basic concept of the project, which integrates the work of a select group of artists through the sequen-tial adjoining of their paintings by means of an ‘evo-lutionary’ operating mode. Paintings follow one another like the tiles in a game of dominos, and are combined into a single artistic work that develops seamlessly in space and time, without a predetermined trend or a foreseeable end. I think that the design characteristics can be con-cisely summarized with four terms: innovation, inte-raction, integration and internationality.

The meaning of these words will be further discussed in the following exposition of the first practical work of the domino01 project.

Domino01 is both the name of the overall project and of the first operating series of the project, the prototype that allowed us to test in the field all a-spects of realization and organization, and which will be followed by further implementations.

This first series was made on multiple canvases, each one being 50 x 100 cm in size. Each artist’s work was created alone in his or her studio by painting on only 50 x 50 cm, exactly half, of each of two canvases positioned side by side, finishing one already begun by another artist, and

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nella prima metà 50x50, al suo successore. Questi la ha utilizzata come prima tela di ingresso alla quale ne è stata affiancata una nuova, ed il processo si è ripetuto in cascata. Come detto in precedenza, questo metodo è deri-vato da una naturale ricerca di un approccio inno-vativo che uscisse in qualche modo dagli schemi, che fosse caratterizzato da aspetti intrinseci di sep-pur semplice ed immediata originalità.Ciò risulta evidente dall’aspetto caratteristico delle singole tessere. La loro netta divisione in due metà da una linea verticale, la presenza contempora-nea di due contenuti artistici anche estremamente diversi , le due firme, il non esaurirsi dell’opera nella tessera specifica e l’intimo legame con le tele adia-centi conferiscono al lavoro una precisa identità.Il passaggio simbolico del ‘testimone’, ovvero della tela incompleta che ha viaggiato dalla sede di un artista a quella del successivo, ha costituito un mo-mento fondamentale di quella continuità operativa raccontata dai dipinti. Ho osservato, durante l’attuazione del progetto, come alcuni partecipanti siano stati molto sensibili alla scelta del loro successore nella serie. La pre-ferenza si indirizzava in maniera naturale a quello considerato più vicino, per motivi personali e profes-sionali.E’ da questo aspetto che ho avuto conferma di come il lavoro si prestasse effettivamente a mettere in evidenza questi legami, a fare emergere il con-testo generale in cui un artista opera.Lo spirito di gruppo, laddove non inizialmente pre-sente come è avvenuto per gli artisti non italiani, è stato creato e si è naturalmente sviluppato a po-steriori. Questo progetto ha dato il via ad una se-rie di ulteriori momenti di aggregazione tra i parte-cipanti, quali momenti di incontro e confronto, l’organizzazione di mostre collettive comuni, la partecipazione ad iniziative con fini sociali ed uma-

sending along the second, only partially completed painting to the next artist, who in turn would repeat the cascading process, completing the canvas they receive in response to what was on it, while also beginning the next canvas in the series.As mentioned earlier, this method derived from a search for an innovative approach to creativity, a way of breaking old patterns, which also address some intrinsic aspects of simple and immediate origi-nality.This clearly manifests itself in the characteristic ap-pearance of the individual tiles: their sharp division along a vertical line into two halves, the presence of two extremely different artistic temperaments and two signatures. The fact that each tile of the work is not in itself a complete narrative, but rather is inti-mately linked to its adjacent tiles gives the series its distinctive identity. In a symbolic transfer, the artists experience of ‘wit-nessing’ the incompleted work as it was passed along from studio to studio was fundamental to the expression of continuity in the paintings.During the implementation of the project I have ob-served how some participants were very sensitive to the choice of their successor in the series. It naturally came to pass that an artist would select another with whom they felt either a personal closeness or a professional connection. This aspect of the project confirmed for me that the methodology is effective in highlighting these con-nections, bringing out the general context in which an artist works. The team spirit, even when not present initially as was true for the non-Italian artists, came about in a natural way, a posteriori. The domino01 project has initiated a series of other gatherings among partici-pants, including meetings and collective exhibitions, participation in social and humanitarian initiatives, and so on.

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nitari, e così via.In quanto detto risulta chiaro l’aspetto di interazione. Mi piace però anche evidenziare l’ulteriore aspetto di integrazione. Per definizione, integrare significa completare ag-giungendo ciò che manca, completare l’intero mettendo insieme i suoi componenti.Il termine integrazione viene inoltre spesso utilizzato per riferirsi a modalità di inserimento che prevedano una reciprocità, un reciproco adattamento fra sin-golo e gruppo. Tutto ciò è avvenuto spontaneamente tra i parteci-panti e, di riflesso, tra le loro opere.L’integrazione è avvenuta benchè, in questa prima serie, nessun vincolo o tema specifico aggregante sia stato imposto alla libera espressione e creatività di ogni artista. Ognuno è stato libero di scegliere i soggetti ed applicare transizioni più o meno nette, al limite inesistenti, in base alla propria interpretazione e sensibilità personale.La serie domino01 può essere vista contemporanea-mente come opera d’arte unica oppure, zooman-do sui suoi componenti, come successione di opere d’arte. Trovo affascinante questa dualità secondo cui an-che la singola tela possieda una sua dignità arti-stica ed una sua indipendenza espositiva, che le permetta di vivere di vita propria e di essere pro-posta separatamente ed indipendentemente dalle altre. Mantenendo tuttavia saldo lo stretto legame originario, intimo ed indissolubile, con l’opera che la precede e con quella che la segue e, in definitiva, con tutta la serie.Un sito web dedicato ( www.domino01.info ) si pro-pone di tener traccia e documentare nel tempo tale legame, seguendone e documentandone sia le fasi operative di realizzazione, che la localizzazio-ne finale delle singole tele.

Now that I have tried to clearly explain the concept of interaction, I would like to focus now on the as-pect of integration. By definition, to integrate means to complete by adding what is missing, to complete the entire by putting together its components. The term integration is also often used to refer to in-sertion modes involving reciprocity, a mutual adap-tation between individuals and groups. All these kinds of integrating happened spontane-ously between the participants and , consequently, between their paintings. This integration was achieved in this first series even though no specific unifying theme or constraint has been imposed on the free expression and creativity of each artist. Everyone was free to choose their subjects and ap-ply more or less definite transitions between pain-tings, depending on his or her own interpretation and personal preference. The series domino01 can be simultaneously seen as a single work of art or, zooming in on it’s components, as a succession of art works.

I am fascinated by this duality, and with the way in which each individual canvas has its own artistic dignity and autonomy, allowing it to be exhibited independently from the others and live its own life, while at the same time maintaining the tight origi-nal link with the paintings that precede and follow it. The individual tiles are intimately linked together by means of the process… integrated, ultimately, with the entire series. A dedicated website [ www.domino01.info] is aimed at tracking and documenting this relationship over time, following both the operational phases of evo-lution and the final location of the individual tiles.

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2009

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Le opere e gli artisti in dettaglioWorks and artists in detail

Elenco artisti partecipanti:List of participating artists:

Togo

Sara Montani Michele Cannaò

Alvaro Occhipinti

Ignazio Moncada

Augusto Sciacca

Susan Post

Alberto Venditti

Sonja Aeschlimann

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Tessera N° / Tile N° 001Tessera di apertura Opening tile

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Tessera N° / Tile N° 001Tessera di apertura Opening tile

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Tessera N° / Tile N° 002Parte sinistra: Connessione Left side: Connection

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Tessera N° / Tile N° 002Autore della parte destra: TogoAuthor of right side: Milano - Italia

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Tessera N° / Tile N° 003Autore della parte sinistra: TogoAuthor of left side: Milan - Italy

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Togo

Fare pittura, esprimersi per immagini è il modo migliore che posseggo per raccontare.

Non è questa una professione facile; si presuppone che si assuma chiarezza via via negli anni.L’esperienza accumulata ha un grande valore e una grande forza. A questa va aggiunta la rigorosa tenuta del controllo dell’immagine che deve essere in sintonia col sentire dell’autore e la capacità di mantenere quella freschezza e spontaneità nel segno e nel colore che costituisce la maniera più autentica del fare poesia.Quando avvio il mio lavoro non faccio mai schizzi preparatori ma mi affido alla memoria che è un ottimo filtro par vedere le cose nella loro essenzialità. Spesso l’opera nasce da forme geometriche elementari che si ricompongono sulla tela a creare lo scheletro del racconto.E’ il soggetto che sceglie me. Io faccio dei tentativi d’approccio sulla tela fino a che questa non prende l’iniziativa. A quel punto non mi resta che seguirla.

Ho aperto e chiuso la serie delle opere di domino01. E’ mia la prima immagine e anche l’ultima. Nell’invitare i partecipanti a questo progetto si è tentato di stabilire un flusso, una continuità che, pur lasciando a ciascun artista la propria autonomia, creasse tra loro un sottile legame.Nei miei due riquadri ho dipinto uno dei miei soggetti più liberi e aperti: una idea di mare che esce dai confini del proprio spazio e invade quello successivo suggerendo un aggancio attraverso il segno e il colore.

I pittori invitati a domino01 sono artisti riconosciuti ma soprattutto amici che stimo e con i quali, in varie altre occasioni, ho percorso un tratto di strada. La scelta non è stata casuale ma ho considerato la necessità che il loro lavoro permettesse, con una certa facilità, un legame possibile.Sono quindi stati privilegiati pittori nell’area della ricerca aniconica, meno rigida nel racconto e più aperta nella composizione.

Questa prima idea di domino01 potrebbe, quindi, essere la prima pietra di un progetto allargato che, spez-zati gli spietati individualismi che contraddistinguono gli artisti, permetterebbe di creare liberi flussi di colore e immagini.

Togo

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Togo

Painting, expressing myself in images, is the best way for me to tell stories.

But being an artist is not an easy profession; the clarity that you achieve only comes gradually over the years. This accumulated experience has great value and great strength, and must be incorporated into the image through rigorous control, while expressing the artist’s point of view and maintaining the freshness and spon-taneity of color and mark. This is the most authentic way of creating poetry.

When I start my work I never do sketches. Instead I rely on memory, which acts as an excellent filter for see-ing things in their essence. Often the work will begin with basic geometric shapes, which recompose on the canvas to create the skeleton of the story. It is the subject that chooses me, rather than the other way around. I try to approach the canvas until it takes the lead, whereupon I just have to follow.

I opened and closed the series domino01 - my images are the first and also the last. By inviting participants to this project we tried to establish a flow, a continuity that could create a subtle link between panels, while allowing each artist to retain their autonomy. In my two squares I painted one of my most free and open subjects: an idea of the sea that escapes the boundaries of it’s own space and invades the next, suggesting a link through mark and color.

The artists invited to domino01 are all recognized artists, but many are also friends whom I esteem and with whom I walked a part of the way during several occassions in my life. The choices were not random, be-cause we took into consideration the possibility and ease with which their work could be linked together. Painters who worked abstractly were therefore favored, as they could be less constrained by narrative con-tent, and more flexible in their composition.

This initial idea of how to structure domino01 could therefore be the first building block in a broader project that will counter the innate individualism typical of artists, permitting the collaborative creation of freely flow-ing colors and images.

Togo

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Tessera N° / Tile N° 003Autore della parte destra: Sara MontaniAuthor of right side: Milano - Italia

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Tessera N° / Tile N° 004Autore della parte sinistra: Sara MontaniAuthor of left side: Milan - Italy

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Sara Montani

Le esperienze più varie, di teatro come di pittura, scultura, incisione e fotografia connotano da sempre il fare sperimentale del mio lavoro: anche nell’insegnamento, la pittura e la scenografia hanno dato voce al mio sentire più profondo con l’utilizzo di ogni possibile mezzo espressivo.Le tele presentano spesso reminiscenze fossili, madreperlacee rielaborazioni di reperti, testimoni di una ricer-ca non solo semantica ma anche escatologica. Il sogno e la fantasia volano, la materia viene piegata alla volontà di narrare. E non m’ importa la materia, conta l’emozione.

Da sempre nel lavoro, d’artista e didattico, ho ritenuto fondamentale saper coniugare le conoscenze cul-turali e tecniche con la continua scoperta di ciò che il rapporto con il nuovo può generare.Il mio intento più caparbio è stato ed è ininterrottamente, quello di sostenere il valore della creatività. Che è di tutti. In particolar modo in quest’ultimo decennio, procedendo con la ricerca calcografica, ho raggiunto la con-sapevolezza che l’incisione, quale testimonianza di una tecnica antica, dalle svariate opportunità inventive, sia una continua azione reciproca tra tradizione e innovazione.La regola della realizzazione della matrice e della successiva stampa al torchio calcografico, può diventare, attraverso interventi di volta in volta nuovi e diversi, trasgressione e originalità, può essere l’opportunità di conferire all’immagine una vita autonoma, un’immagine che diviene unica e irripetibile.Questa necessità dell’operare, che è scelta consapevole, assurge a ruolo di metodo e contemporanea-mente lo bandisce. Con il “Metodo di Non Avere un Metodo”, le immagini impresse dal torchio si ripetono, foglio dopo foglio, quasi ossessivamente, diversificandosi l’una dall’altra attraverso interventi unici sulla matrice: si esalta così intenzionalmente la diversità che le connota e le differenzia dal multiplo.

Il mio lavoro bandisce quindi il pennello per privilegiare il torchio. Il torchio perché ha in sé quella speciale fascinazione che permette di considerare la magia del caso. Il torchio, come gioco d’azzardo, che accetta la sfida e la rimanda, che modifica, nega o esalta, l’intervento creativo, che mi costringe ogni volta a met-termi in gioco per vincere la sfida. Il torchio che dà voce alla regola e nello stesso tempo alla creatività e all’immaginazione in un mio intimo, silenzioso, continuo e ininterrotto colloquio. Sara Montani

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Sara Montani

The diversity of experiences, from theater to painting, to sculpture, printmaking and photography, has always informed the experimental aspect of my work. In teaching painting and set design as well, I use any possible means of expression to give voice to my deepest feelings. The paintings often represent ancient memories, pearly reworking of things, or evidence of investigations into meaning and eschatology. Dreams and imagination fly, matter is bent to the will to witness. What is important to me is not matter, but emotion.

In both my studio practice and in teaching I have always considered it important to combine cultural know-ledge and techniques with an ongoing discovery of what experiencing new relationships can generate. My most persistent intent has and continues to be to support the value of creativity. That belongs to all. Over the last decade in particular, as I conducted research on chalcography, I have realized that the inci-sion, as testimony of an ancient technique with a variety of inventive opportunities, is a continuous mutual action between tradition and innovation.The rules governing the process of incising the copper plate and of the subsequent print with the chalco-graphic press, can be broken from time to time resulting in something new and different, original and trans-gressive. It can offer the opportunity to breathe life into an image that becomes unique and unrepeatable.The need to keep working, while a conscious choice, becomes the role of the method and at the same time it banishes it.With this “Method of Not Having a Method”, the printed images are run through the press sheet after sheet, almost obsessively, and differ from one another only through unique interactions with the plate. In this way the differences between the multiples are intentionally heightened.

My job, then is to dismiss the brush and give priority to the press. The press has a special charm that allows us to consider the magic of each run. Seeing how the press has accepted my challenge and sends it back amended is like a gamble, enhancing the creative intervention that forces me to get in the game to win the challenge. The press gives voice to the rule and at the same time to the creativity and imagination of my inner, silent and uninterrupted conversation.

Sara Montani

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Tessera N° / Tile N° 004Autore della parte destra: Michele CannaòAuthor of right side: Milano - Italia

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Tessera N° / Tile N° 005Autore della parte sinistra: Michele CannaòAuthor of left side: Milan - Italy

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Michele Cannaò

“Io sono fiero di dirlo, non ho mai considerato la pittura come un’arte di puro piacere, di distrazione. Io ho voluto con il disegno e col colore, dato che sono le mie armi, penetrare sempre più nella coscienza degli uomini e del mondo, affinché questa coscienza ci liberi ogni giorno di più. Io ho sempre cercato di dire alla mia maniera ciò che desideravo essere il più giusto, il meglio, che poi naturalmente era sempre il più bello, come i grandi pittori sanno bene. Sì, io ho la coscienza di aver sempre lottato da vero rivoluzionario con la mia pittura, ma ora ho capito che neppure ciò può bastare. Questi anni di oppressione terribile mi hanno dimostrato che io devo combattere non soltanto con tutta le mia arte ma anche con tutto me stesso.”È Picasso che parla, nel 1937. Una guerra civile in corso e una guerra mondiale alle porte.Ho fatto mie le sue parole e il suo modo di pensare fin dall’inizio della mia avventura di artista e di uomo. Non sarò mai grande come lui ma, come il cristiano assume il Nazareno a suo modello, io non scordo mai che il mio fare nel mondo comporta responsabilità etiche ed estetiche ben precise.Se poi aggiungiamo che via via la pittura, nel corso dei secoli, ha dovuto affrancarsi dalla codificazione che il mondo circostante le attribuiva, allora il compito diventa, ancor oggi, più arduo e interessante.Se c’è una cosa che temo è la monotonia e i mono-toni. Non quelli di Morandi e delle sue tele, che in ogni bottiglia o paesaggio ci faceva intendere un nuovo mondo di piccoli grandi eventi, ma quella furbesca, dell’epoca nostra frastornante, grande produttrice di oggetti e parole e “messaggi” apparentemente scin-tillanti e variopinti ma densi e pregni di una grigia e mortale noia.

Ho sempre inteso l’Arte come metodo e nessun metodo ho assunto nella mia arte. Ho affrontato la figura come astrazione e le “ombre” come oggetti concreti. Il teatro lo frequento per comunicare, la pittura per scomunicare il linguaggio, per alterarne il significato, per non porvi rimedio. Del passato mi interessa la vita, il presente lo vivo al futuro, sconfiggendo la morte delle conoscenze acquisite.Adopero anni, cicli interi per capire qualcosa di più e poi mi perdo nella vita, nel tentare di riconciliarmi con essa. E allora mi invento un progetto che pulsa, che emana i suoi raggi che riscaldino l’ambiente come un’energia alternativa. I miei lunghi percorsi di ricerca, le mie tele, il mio teatro, il mio Kalò Nerò, la mia Cre-denza e il Museo del Fango: nulla, confrontati con quello che farò!Magari io, oggi, con la “pace mondiale e globale” in corso, potessi contribuire a dare quel colpettino per creare quell’effetto domino, paventato da Eisenhower, che costringesse i cretini a dichiaraci guerra, come in Vietnam, per poi perderla, loro, nell’universo intero! Michele Cannaò

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Michele Cannaò

“I am proud to say that I have never considered painting as an art of pure pleasure or simple distraction. I wanted - with color and drawing - to embrace the world, penetrate deeply into human consciousness with a growing awareness and freedom. I have always tried to express in my own fashion what I felt to be true, best and like the great painters, the most beautiful. And yes, I have fought like a true revolutionary with my art, but I now believe that this may not have been enough. These terrible times have shown me that I must fight no only will all my art but also with all myself.”Picasso expressed this sentiment in 1937, during ongoing civil war in Spain and the stirrings of a second World War. I adopted his words and his way of thinking when I began my adventure as an artist and as a man. I know I will never become as important as Picasso, but as a Christian takes as a model the Nazarene, I will never forget that what I do in the world involves both ethical and precise aesthetic responsibilities. When one considers also that over the centuries painting has had to escape the interpretations imposed upon it by the surrounding world, the task of making art becomes still more difficult and interesting. If there is one thing that I fear, it is monotony, and monotones. Not those, like Morandi’s, in which any simple bottle or landscape helps us to see that the world is made up of little ‘big’ events. What I fear are the tricky slick objects and deafening words that appear bright and colorful but are really dense of a grey and deadly boredom.

I have always considered art to be about method, and I am unmethodical in my art. I treat the figure as an abstraction and ‘shadows’ as concrete objects. I use theater to communicate, while painting to excommu-nicate the language, to alter its meaning. I am interested in the life of the past, I live the present in the future, defeating the death of the acquired knowledge. It takes whole cycles of years for me to understand something and then I get lost in life while try-ing to reconcile with it. So I invent an overwhelming project that emanates rays and heats up the surrounding environment like an alternative energy. My long paths of research, my paintings, my theater, my “Kalò Nerò”, my “Credenza” and the “Museum of the Mud”: they are all nothing compared to what I have yet to accomplish! I hope, in today’s worldwide and global peace, to help spread throughout the universe that domino effect, feared by Eisenhower, to force stupids to declare us war, as in Vietnam, and to end in loss and failure!

Michele Cannaò

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Tessera N° / Tile N° 005Autore della parte destra: Alvaro Author of right side: Milano - Italia

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Tessera N° / Tile N° 006Autore della parte sinistra: AlvaroAuthor of left side: Milan - Italy

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Alvaro

1953 – Facciata del Palazzo Zanca di Messina, su un grande drappo, la scritta “Antonello da Messina” campeggia. La prima antologica di questo pittore nella sua città è, come dice Alberto Arbasino in un suo libro di viaggi, il più alto tributo all’artista del ‘400. Egli inoltre dice: “..che Paese era mai quello che poteva permettersi, con le ferite della guerra ancora aperte, un livello filologico così alto?”.Quella visita in una atmosfera da acquario è la svolta. Fino a quel momento della vita (15 anni ) avevo alle spalle prime acerbe letture di classici moderni e una generica passione per l’arte. Alla fine degli anni ’50 sono nel nucleo fondativo del gruppo del “Caffè Nettuno”, punto di incontro di giovani artisti e intellettuali, quasi una fronda della libreria OSPE, indirizzo ufficiale della cultura cittadina. La poetica delle opere legate a questo periodo esistenziale è estrema, nel senso dello sviluppo di un linguag-gio figurativo espressionista di forte derivazione sociale e di denuncia, molto legato alla figura umana, vista generalmente in un contesto (ambiente o paesaggio) desolato o primordiale, in cui prevale nella pittura a olio il colore, violentemente espressionista, col disegno subordinato al colore, da esso derivato.Ma ormai i tempi sono maturi, è il momento dell’emigrazione a Milano, mitizzata e agognata metropoli della cultura europea. E’ l’epopea del “Giamaica”, luogo di incontro dell’intellighenzia internazionale e punto di riferimento di tutti gli artisti.La vita di Milano sconvolge la mia visione del mondo. La conoscenza di artisti affermati, la frequentazione degli studi, dei musei e delle grandi mostre, mi spinge lentamente a un cambiamento/capovolgimento del linguaggio della pittura. Milano è la capitale dell’astrattismo lombardo e della avanguardia. L’influenza è enorme: da una figurazione pop e geometrica c’è stato il salto a un linguaggio astratto o quasi, come diceva Klee: ”con qualche ricordo”. Mi rendo conto che dire astratto è poco, voglio dire con ciò che si è trattato di un attraversamento rapido dell’astrattismo storico (non informale): pittura di impianto geometrico/modulare cromatico, bidimensio-nale, con un impianto narrativo, come dice T. Trini :” segni in luogo delle parole”, o ancora:” stralci di segni tribali, strutture figurali di Africa o di Estremo Oriente. Mai imitati, peraltro, bensì rimembrati, piegati alla strut-tura “generativa” della sua arte”.A Milano inizia un periodo di intensa attività espositiva professionale in spazi pubblici e privati, parallelamente a una lunga serie di viaggi in altre culture, esotiche e no. Alvaro Occhipinti

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Alvaro

1953 – On the façade of Palazzo Zanca in Messina, stands a large banner with the words “Antonello da Messina.” In his travel book, Alberto Arbasino calls the first retrospective of this painter in his own city the highest tribute paid to this artist of ‘400. He goes on to write: “…what kind of country was the one that could afford, with the wounds of war still open, a so high philological level?”.That visit in a strange atmosphere is the turning point of my life. Up to that moment (I was 15 years old), I had a background of reading the modern classics and a general passion for art. By the end of the 1950s I was a founding member of the core group at the “Neptune Café”, a meeting place for young artists and intellec-tuals, almost a branch of the OSPE library, the official address of the city’s culture. The poeticism of the works from this period in my life is extreme, as I developed an expressionistic figurative language with strong social and oppositional roots, closely tied to the human figure and generally seen in a desolate or primordial environment or landscape, where the prevailing aspect in oil painting was the vio-lently expressionistic color, which the drawing was subject to and derived from.But the time was ripe, it was the moment to move to Milan, idolized and coveted center of European culture. It is the epopee of “Giamaica”, meeting point of the international intelligentsia and reference point for all artists. Life in Milan upset my worldview. Meeting established artists, attending art studios, museums and exhibitions pulled me slowly toward a change – a reversal even – of the language of my painting. Milan is after all the capital of the Lombard abstractionism and of the avant guarde. The influence is enormous: from pop and geometric representation there was the jump to an abstract or almost abstract language, as Paul Klee said: “with some memory.”I realize that the word abstract is not specific enough, and by using this term I mean that it was a rapid crossing of historical abstractionism (not informal): painting with chromatic geometric/modular layout, two-dimensional, with a narrative structure based in “signs instead of words”, as T. Trini says.“Part of tribal marks, figurative structure of Africa or the Far East. Never imitated, however, but remembered, folded into the ‘ge-nerative’ structure of his art.” In Milan there began a period of intense professional exhibitions in public and private spaces, alongside a long series of trips to other countries and culture exotic and otherwise. Alvaro Occhipinti

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Tessera N° / Tile N° 006Autore della parte destra: Ignazio MoncadaAuthor of right side: Milano - Italia

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Tessera N° / Tile N° 007Autore della parte sinistra: Ignazio MoncadaAuthor of left side: Milan - Italy

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IgnazioMoncada

Trovo una profonda sintonia tra le opere di Ignazio Moncada ed il concetto di gioco, l’allegro e gioioso sperimentare col colore più volte richiamato in questo testo. All’interno della sua opera nella serie domino01, caratterizzata dalla sovrapposizione di molteplici ‘stringhe’ e campiture multicromatiche che si rincorrono sulla tela e la attraversano per continuare immaginariamente al di fuori di essa, vedo condensato il tema del confronto, della evoluzione, della interazione momentanea e della integrazione delle differenze che costituisce uno dei principi di base del progetto.

Ciò risulta particolarmente evidente nella opera ‘I Giardini di Galatea’, di cui è riportato un particolare nella parte in alto a destra della pagina.

Richiamando alcuni concetti bene espressi da Luciano Caramel in una Sua illustrazione critica del lavoro di Moncada, nei dipinti di questo artista possono essere riscontrati dei ‘cromosomi’ che perpetuano, nello sviluppo e nella diversità, oltre che nella varietà, certe matrici d’origine. Qui il protagonismo del colore, proposto sulla tela con forte partecipazione emotiva, può essere riferito, come i temi richiamati nei titoli delle sue opere, a quella mediterraneità ripetutamente attribuita con fonda-mento a Moncada e ai suoi lavori. Una mediterraneità di cultura che coinvolge l’invenzione attraverso anche l’emozione, per l’influsso mede-simo dei luoghi in cui l’artista è nato e si è formato.

Vittorio Ferri

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Ignazio Moncada

I find a deep harmony between the works of Ignazio Moncada and the concept of play, the happy and joyful experimenting with color that is often evoked in this text. Inside his paintings of the domino01 series, characterized by the coexistence of many ‘strings ‘ and multi-colored patterns that follow one another across the canvas and beyond it’s borders, I see condensed the basic principles of the entire project: comparison, evolution, interaction in time, and the integration of dif-ferences.

This is particularly evident in the opera ‘The Gardens of Galatea”, a detail of which is shown in the upper right hand of the page.

As Luciano Caramel expressed so well in his critique of the work of Moncada, one can identify some char-acteristic ‘chromosomes’ that run through his paintings, diverse and evolving but perpetuating the original source. Color as protagonist is applied to the canvas with a strong emotional presence and, as mentioned in his titles, is often referred to as ‘Mediterranean’ when attributed to Moncada’s work.

A mediterranean culture where invention is filtered though the emotions, and influenced by the places where the artist was born and raised.

Vittorio Ferri

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Tessera N° / Tile N° 007Autore della parte destra: Augusto SciaccaAuthor of right side: Bergamo - Italia

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Tessera N° / Tile N° 008Autore della parte sinistra: Augusto SciaccaAuthor of left side: Bergamo - Italy

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AugustoSciacca

Io credo che la pittura esprima non solo il bisogno di conoscenza o l’insofferenza a un disagio, ma qualcos’altro, un bi-sogno di spiritualità, di emozioni, di riflessioni, che hanno il fondamento nella cultura che ci ha formato e che ci costruiamo momento per momento. La mia pittura vuole essere innanzitutto metafora dell’universo interiore, che scopro e costruisco ogni giorno in un costante dialogo e confronto con gli universi altrui. Vuole essere al contempo un modo, un’azione e un’espressione di presa di coscienza della realtà, cercando di evitare facili pregiudizi o finalità precostituite. Una ricerca che indaga, si chiede, mette in dubbio anche se stessa, valorizza o denuncia, compartecipa, problematizza o semplice-mente mette in evidenza dei “fatti” che appartengono all’uomo nella sua interezza. L’arte non è codice ma un modo di pensare la vita, una visione del mondo, un modo di essere e di concepire la propria esistenza, un modo di fare che diviene presenza irriducibile. Nel mio operare ho sempre cercato di non perdere di vista certi punti di arrivo della storia del pensiero, certe conquiste artistiche, culturali e sociali della storia dell’uomo, e su questi si è innestata la mia ricerca. Penso al superamento degli schematismi che continuamente cercano di riproporsi, la libertà espressiva è prima di tutto affrancamento da ogni soggezione, come hanno insegnato i veri maestri. La vita è creatività, una messa in gioco continua, è ricerca costante e non stanca ripetizione di formule, pur se indovinate e di successo. Per me l’arte non è un esercizio di stile per l’affermazione individualistica, ma è un linguaggio con grandi potenzialità e io me ne servo con vera libertà per dire delle cose che mi stanno a cuore e nelle quali credo. Io credo che l’artista debba avere una funzione “tellurica”, debba esercitare degli effetti d’onda sugli ordini di senso costituiti e attraverso la sperimentazione e la propria personale sensibilità, far emergere un mondo che non ha ancora immagine e configurare immagini capaci di mantenere la loro espressività nella persistenza del tempo. Io credo a un’emozione e a una riflessione estetica profonda che sommuove inquietudini, che suscita un tellurismo ge-nerativo che riappacifica con le contraddizioni e con il dramma dell’esistenza. Non la semplice suggestione emotiva o il puro godimento estetico, ma lo stimolo alla ricerca di una possibile verità autentica che scardini le soggezioni delle abitudini e delle assuefazioni del quotidiano. E dove il “lampo” dell’emozione sia l’accesso a un ampliamento della co-scienza, a un sentire condiviso. Non ho alcun interesse per la provocazione intesa come scorciatoia, uno strumento che ha l’obiettivo di imporre semplicemente la propria individualità e che si compiace più dell’effetto dell’abbagliare che di far comprendere. Né mi interessa un linguaggio fintamente trasgressivo, privo di vere novità culturali o stilistiche, che porta ad opere concettualmente noiose e storicamente stantie. A me sta più a cuore cercare di rimuovere le incrostazioni del già acquisito, ricollegarmi ai problemi della realtà vera, autentica, che attanagliano il mondo, l’uomo contemporaneo, e che non si risolvono con un atteggiamento puramente ribellistico, ma con la costruzione di una ferma coscienza, frutto di un’intensa riflessione sui nostri comportamenti, sui nostri stili di vita, sui nostri modelli culturali, sui nostri miti e sui nostri valori. Augusto Sciacca

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AugustoSciacca

I believe that painting expresses not only the need for knowledge or sensitivity to suffering, but something else: a need for spirituality, emotion and thought that have the foundation in the culture that forms us and which we build over time. My own painting is mainly intended to be a metaphor for the interior universe which I discover and build every day in a constant dialogue and confrontation with the worlds of those around me. And at the same time it wants to act as a path, and act and an expression of awareness of objective reality, trying to steer clear of personal prejudices or preconceptions. A research that investigates, asks and questions itself, criticizes or praises, shares, questions or simply highlights “facts” that belong to all of humanity. Art is not a code but a way of thinking about life, a vision of the world and a way of both being and conceiving of our existence; a way to act that becomes an irreducible presence. In my work I have always tried not to lose sight of some end points of the history of thought - certain artistic, cultural and social achievements of man – it is on this root that my research has been grafted. I want to get beyond repeating the old ways of doing things, to a freedom of expression that is first and foremost a free-dom from subjection, as taught by the true masters. Life is creativity, a continuous bringing into play and ongoing research, and not a tired repetition of formulas, even if they are successful. For me, art is not an exercise in style for the asserting my individuality, but a language with a great potential that I use to freely say the things that are important to me, that I believe in.I believe that artists must have a “telluric” function – should exert wave effects on the constituted orders of sense – and through experimentation and our own sensibility bring forth a world as yet unimagined, making expressive images capable of lasting throughout the ages. I believe to an emotion and deep aesthetic reflection able to move questions, and that enable us to move towards recon-ciling the contradictions and drama of existence. Not merely the emotional suggestion or the pure aesthetic enjoyment, but the stimulus to break free from the chains of our daily habits and find a form of genuine truth. And where the ‘flash’ of emotion is the access point to an expansion of consciousness, a feeling shared by all who experience it.I have no interest in provocation intended as a shortcut, a tool to impose one own individuality and attract attention rather than permitting greater understanding. Nor am I interested in a falsely transgressive language, with no real cultural or stylistic innovation, which leads to conceptually boring and historically stale works. I am more interested in trying to remove the encrustations of the already acquired and reconnect to the authentic pro-blems of reality that afflict modern man and the world, and that cannot be solved purely with rebellious posturing. The solution instead lies in intense reflection on - and the construction of a firm consciousness of - our actions, lifestyles and cultural models, myths and values.

Augusto Sciacca

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Tessera N° / Tile N° 008Autore della parte destra: Susan PostAuthor of right side: Boston - USA

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Tessera N° / Tile N° 009Autore della parte sinistra: Susan PostAuthor of left side: Boston - USA

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SusanPost

Sono contenta di essere stata invitata da Vittorio a partecipare al progetto collaborativo domino01.Per due motivi: credo che in arte sia più importante ciò che è universale piuttosto che ciò che ha stretta-mente a che fare con l’artista che l’ha creata; e riconosco nel concetto di Vittorio il potenziale della sinergia del lavoro con gli altri . Ho percepito di poter raggiungere un risultato superiore alla somma delle sue parti. Il mio personale interesse per l’astrazione si è sviluppato nel corso degli anni 70 quando, adolescente, fre-quentavo il liceo a New York City (e quindi prossima all’università).Nei fine settimana correvo in metropolitana fino alla Art Students League for Life Drawing, e visitavo anche quello che allora era il semideserto quartiere delle gallerie di SoHo. E ‘stato lì, al Paula Cooper Gallery sulla Wooster Street, che ho scoperto la pittura di Elisabetta Murray, Brice Mardin e Jennifer Bartlett, e la scultura di Sol LeWitt, Carl Andre e Joel Shapiro.Mi sentivo come se avessi personalmente scoperto questi artisti. Essi mi hanno toccato in profondità al di là del piacere estetico che avevo provato di fronte ai maestri moderni abitualmente esposti nei grandi musei di New York o anche della soggezione che avevo provato davanti ai Grandi Maestri quando, dodicenne, avevo visitato Firenze. Nessun altro mio conoscente era allora interessato all’arte contemporanea, e ciò ac-cadeva molti anni prima che io cominciassi ad articolare l’attrazione che questa arte ha ora per me.Ora io so che l’arte minimalista e riduttiva è in sintonia con la mia persona perché parla in un linguaggio universale che non è legato ad alcuna conoscenza esoterica della cultura o della storia, e coinvolge in-vece lo spettatore a livello sensoriale, perseguendo ciò con rigore intellettuale. Il mio lavoro recente è stato dedicato a individuare e localizzare esattamente dove e come tale comunicazione avviene sulla superficie di un dipinto. Cerco di trovare modalità che permattano alla pittura di ‘funzionare ed agire’ piuttosto che rappresentare e descrivere. Per fare questo utilizzo ciò che è immediatamente riconoscibile per chiunque - qualità come ‘più scuro di’ o ‘circa la metà’, o ‘quasi diritto’. Le mie composizioni prendono in conside-razione prima di tutto il valore e la proporzione, lasciandomi la libertà di giocare con il colore fino a che la superficie non venga attivata, spesso in un modo che non è del tutto stabile. A titolo di esempio, il rapporto tra sfondo e primo piano a volte può essere poco chiaro, o ondeggiare avanti e indietro tra due o più modi contemporaneamente durante la osservazione del dipinto. Questo aspetto di molteplicità interpretativa si riferisce ad un mio interesse di vecchia data: il rapporto tra apparenza e realtà. Abbraccio l’ambiguità nell’arte come nella vita, i rapporti possono essere sia chiarificati che complicati dal contesto, cosicchè due modi apparentemente contraddittori di guardare a qualcosa possono essere entrambi veri.

Susan Post

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SusanPost

I was excited to be asked by Vittorio to participate in the domino01 collaborative project for two reasons: I believe that what is most important in art is what is universal and therefore not about the artist who created it; and I recognize in Vittorio’s concept the potential for synergy in working with others – that the result would add up to more than the sum of its parts.

My interest in abstraction took on a very personal dimension during the 1970’s, when I was a teenager at-tending high school in New York City (and then nearby at university). On weekends I would ride the subway to the Art Students League for Life Drawing, but also visited what was then the nearly deserted warehouse district of SoHo. It was there at the Paula Cooper Gallery on Wooster Street that I discovered the paintings of Elizabeth Murray, Brice Mardin and Jennifer Bartlett, and the sculpture of Sol LeWitt, Carl Andre and Joel Shapiro. I felt as if I had discovered theses artists for myself – they struck a chord with me beyond the aesthetic pleasure I felt standing before the modern masters regularly in the great museums of New York or even the awe I had felt before the Old Masters as a twelve year old tourist in Florence, Italy. Nobody else I knew was looking at contemporary art, and it would be many years before I could begin to articulate the attraction this work holds for me. I know now that minimalist and reductive art resonates with me because it speaks in a universal language that is not tied to any esoteric knowledge of culture or history, instead engaging the viewer at the level of their senses, pursued with intellectual rigor. My recent work has been dedicated to identifying and locating exactly where and how such communication occurs on the surface of a painting. I try to find ways for paint to ‘behave’ rather than to depict, and make use of what is immediately recognizable by anyone – qualities like ‘darker than,’ or ‘about half’, or ‘almost straight’. My compositions take into account first and foremost value and proportion, leaving me the freedom to play around with color until the surface becomes activa-ted, often in such a way that it is not entirely stable. As an example, the relationship between foreground and background can sometimes be unclear, or waver back and forth between two or more ways at once, as time is spent looking at the painting. This aspect of multiple interpretations relates to a longstanding concern of mine: the relationship between appearance and reality. I embrace ambiguity in art as in life, relationships can be both clear-cut and also complicated by context, so that two seemingly contradictory ways of look-ing at something can both be true.

Susan Post

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Tessera N° / Tile N° 009Autore della parte destra: Alberto VendittiAuthor of right side: Milano - Italia

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Tessera N° / Tile N° 010Autore della parte sinistra: Alberto VendittiAuthor of left side: Milan - Italy

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AlbertoVenditti

A volte passeggio per le sale della Pinacoteca di Brera e mi abbandono ad una disponibilità ad essere cat-turato; e quasi sempre il mio occhio cade su un quadro o un brano di pittura per me nuovo. Riflettendo, il meccanismo non è poi così misterioso, ma è bello abbandonarsi al gioco, perchè è imprevedibile.

Già verso la metà degli anni ’80 incominciai a sentire l’esigenza, nella mia pittura, di un elemento imprevisto, come un accadimento od un incidente. In una natura morta dell’ 88 un colpo di vento faceva volare il pan-neggio e gli oggetti, che così perdevano il loro assetto naturale.

Era come un flusso di energia che entrava all’improvviso nello spazio.

Da allora ho cominciato a lavorare su questa idea, che mi ha stimolato molto e che ho associato al tema del divenire descritto dal celebre aforisma attribuito ad Eraclito ‘panta rei’ ovvero ‘tutto scorre’.

Così come accade nel soggetto del volo rappresentato nelle mie tessere della serie domino01, nei miei di-pinti la tela diviene uno schermo che accoglie il rapido attraversamento delle cose, che entrano da un lato e ne escono dal lato opposto lasciando tracce o frammenti. Ma solo ciò che è caratterizzato da una qualità vera e profonda è destinato a lasciare tracce che durino nel tempo.

E’ quanto del mondo riusciamo a rappresentare dato il tempo concessoci; ma è anche il senso dinamico del divenire e dello scomparire del tutto come il pulsare della vita. E’ la sofferenza ed il sentimento struggente che nasce dalla inafferrabilità delle cose.

Alberto Venditti

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AlbertoVenditti

Sometimes, walking through the rooms of ‘Pinacoteca di Brera’, I abandon myself to a willingness to be cap-tured; and almost always my eye falls on a painting or on a detail of an artwork new for me. Reflecting, the mechanism is not so mysterious, but it’s nice to indulge in the game, because it is unpredictable.

Already in the mid 80s I began to feel the need, in my paintings, of an unexpected element, such as an event or an accident. In a still life painting dated ‘88 a gust of wind blew over the drapery and objects, causing them to lose their natural disposition.

It was like a flow of energy that suddenly entered in space.

Since then I have been working on this idea, which has stimulated me, and which I have associated with the theme described by the famous aphorism attributed to Heraclitus ‘panta rei’ or ‘everything flows’.

As with the subject of flight represented in my tiles of the domino01 series, the canvas in my paintings be-comes a screen that receives the rapid passage of the things that enter from one side and exit from the op-posite, leaving traces or fragments. But only what is characterized by a deep and real quality is destined to leave traces that endure with time.

It is what we are able to represent of world, given the time we have at our disposal; but it also is the dynamic sense of becoming and disappearing of everything as the pulse of life. It is the suffering and the harrowing feeling that comes from elusiveness of things.

Alberto Venditti

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Tessera N° / Tile N° 010Autore della parte destra: Sonja AeschlimannAuthor of right side: Zurigo - Svizzera

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Tessera N° / Tile N° 011Autore della parte sinistra: Sonja AeschlimannAuthor of left side: Zurich - Switzerland

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SonjaAeschlimann

Sonja Aeschlimann vive e lavora vicino a Zurigo. Il suo Atelier è tappezzato di grandi opere che lasciano senza fiato. La sua è una pittura astratta, ove il bianco è uno dei colori più ricorrenti. Col tempo ho imparato a non chiederle cosa rappresentassero i suoi lavori; la risposta che quasi sempre ricevevo era ‘just my feeling’. E questa è la chiave della sua arte. I dipinti di Sonja trasmettono le sue emo-zioni più profonde, i suoi temi fondamentali legati alla vita, all’amore, alla morte, alla sua passione sviscerata per le immersioni subacquee. Ama dipingere con la mano sinistra, proprio perchè direttamente collegata alla parte destra del cervello, quella emotiva, irrazionale, visiva e percettiva, in contrapposizione a quella sinistra, verbale ed analitica. Nella sua pittura è evidente come un artista utilizzi percezioni visive per espri-mersi, nello stesso modo in cui uno scrittore usa le parole o un musicista le note.

Ciò anche se talvolta compaiono sulle sue tele parti di scritte pressochè incomprensibili, che mostrano un accenno di ricorso alla parola, quasi il segno di un contrasto interiore tra la necessità di trasmettere chiara-mente un concetto che non si presti ad interpretazioni ed il timore di fare ciò abbandonando la riservatezza che la contraddistingue. Ogni suo dipinto è il frutto di una lunga sequenza di rielaborazioni e stratificazioni successive. Giorno dopo giorno vengono sovrapposti nuovi strati di colore, che possono coprire totalmente o parzialmente i livelli precedenti, fino alla ricerca di un risultato non pianificato, ma considerato appagante a livello sensoriale e pertanto conclusivo dell’opera. E ciò che mi affascina delle sue opere risiede proprio nelle trasparenze risultanti da questo approccio. Spesso soffro a vederla procedere senza esitazione a ricoprire risultati cromatici, da lei giudicati parziali, che avrei il timore di ritoccare per non rovinare la loro bellezza. Anche il marito, Pierre, mi ha confidato che talvolta è disperato perchè questa continua esigenza di ri-visitazione e completamento dell’opera prosegue fino a pochi giorni prima dalle esposizioni, anche dopo aver fotografato i quadri per realizzare i cataloghi, per cui capita che quanto esposto differisca da quanto documentato. L’arte di Sonja necessita di una totale libertà di movimento. Pressochè impossibile riuscire ad imbrigliarla con vincoli o temi specifici da affrontare. Per questo le sono particolarmente grato per aver voluto comunque cimentarsi nel progetto domino01.

Vittorio Ferri

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SonjaAeschlimann

Sonja Aeschlimann lives and works near Zurich, in a studio full of great works that left me breathless when I visited. Hers is an abstract painting, where white is one of the preferred colors.Over time I learned not to ask her what her work represented, as the response I received was almost always “just my feeling’. And this is the key to her art. Sonja’s paintings convey her deepest emotions and her central themes, which are linked to life, love, death and her passion for diving. She loves to paint with her left hand, because it is directly connected to the right side of her brain, the emotional, irrational, visual and perceptive center, as opposed to the left, verbal and analytical side. In her painting it is evident how an artist uses visual perception to express, in the same way a writer uses words or a musician notes.

At times incomprehensible written words appear in parts of her canvasses, hinting at or signifying an inner conflict between the need to clearly convey a concept so that it cannot be misinterpreted, and her fear that in doing so she is abandoning her characteristic discretion.

Each of her paintings is a result of a long series of revisions and successive layers. Day after day there are new layers of overlapping color, which may cover all or part of the previous levels, until she arrives by chance at a result that satisfies her on a sensory level and allows her to finish the piece. What fascinates me most in her work are the trasparencies she achieves with this approach.

Often it pains me to see her painting over area of her canvas - without hesitation - which I would not have touched for fear of destroying their beauty but which she considered only partially realized. Her husband, Pierre, has told me that sometimes he is desperate because in her constant need for revision and comple-tion, the work continues until a few days before an exhibition, even after he has photographed the paintings for the catalog, so that what is exhibited often differs from what is documented.

Sonja’s Art requires total freedom of movement, and is almost impossible to constraint it with specific rules or issues or intents. For this reason I am particularly grateful to her for having decided to nevertheless participate in the domino01 project.

Vittorio Ferri

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Tessera N° / Tile N° 011Autore della parte destra: TogoAuthor of right side: Milano - Italia

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Tessera N° / Tile N° 012Autore della parte sinistra: TogoAuthor of left side: Milan - Italy

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Tessera N° / Tile N° 012Parte destra: Chiusura di questa prima serie Right side: Closure of this first series

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Domino01: Evoluzioni future.

Il progetto domino01 ha attualmente mosso un im-portante primo passo, sin qui documentato.

Come intuibile, esso si presta a tutta una serie di e-voluzioni sia rimanendo in ambito pittorico, che spin-gendosi a toccare qualsiasi altro settore della crea-tività e della espressione artistica, con potenzialità di sviluppo esponenziali.

Tali evoluzioni della serie domino01 sono attual-mente in fase di valutazione e definizione e daranno il via ad innumerevoli nuove serie, in cui saranno sperimentati nuovi meccanismi di confronto ed in-tegrazione, e saranno coinvolti nuovi giocatori, per il piacere di fare arte insieme.

Worldwide distributed art !

... il resto sarà storia :-)

Domino01: Future evolutions.

The domino01 project has taken some very impor-tant first steps, as documented in the previous pages.

As can be imagined, it could lend itself to any number of forms as it evolves, with the potential for exponential growth within the field of painting or in directions that touch other kinds of creativity and ar-tistic expression.

These evolutions of domino01 series are currently un-der evaluation and development and will permit the launch of several new series, in which new mecha-nisms will be tested for interaction and integration, and new players will be involved, for the pleasure of making art together.

Worldwide distributed art!

…the rest will be history : -)

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VittorioFerri

Penso sia capitato a tutti di percepire, davanti ad un quadro, uno stato di piacevole estasi contemplativa. La reazione è soggettiva e difficilmente razionalizzabile. Le cause possono essere molteplici; si può essere colpiti da un accostamento di colori, da un soggetto, da una tecnica realizzativa, da una idea. E’ una sensazione che mi piace descrivere con il termine tecnico di ‘risonanza’, ovvero quel fenomeno fisico per cui un oggetto posto vicino ad un corpo vibrante avente la stessa frequenza propria, entra spontanea-mente in vibrazione.Nello stesso modo, l’artista creatore dell’opera riesce a trasmettere una emozione all’ osservatore quando entrambi si trovano allineati sulla stessa frequenza. E’ la magia dell’opera d’arte.

Personalmente, mi ha sempre attratto l’utilizzo di forme geometricamente perfette come il quadrato, o la possibilità di ottenere elementi artisticamente apprezzabili mediante il ricorso a forme semplici, come piani o segmenti. Anche nei miei lavori sono recentemente affascinato dalla linearità ed essenzialità che deriva dall’ affiancamento di tagli rettilinei paralleli su lastre metalliche lucidate. Segmenti passanti su un piano, nulla di più. Vi ritrovo la definizione di John Pawson del minimum, ovvero la perfezione che un oggetto raggiunge quando non è più possibile migliorarlo per sottrazione. E’ la qualità di un oggetto in cui ogni ele-mento o dettaglio sono stati ridotti e condensati all’essenziale. E’ ciò che risulta dall’omissione del superfluo.

Chiudo citando una bella definizione di arte tratta dalla recente pubblicazione “Invenit” dell’amico Paolo Baruffaldi, artista e gallerista di Venezia. L’arte non è solo riproduzione della realtà e neppure esercizio di abilità tecnica. E’, o dovrebbe essere, il luogo dell’invenit. Un’idea, un progetto, una capacità tecnica espressioni dell’artista ‘inventore’ che non rinuncia al proprio ruolo di intellettuale per essere o solo mercante o solo artista. Semmai dovrà porsi come sintesi di imprenditorialità e creatività, con l’obiettivo di essere veramente nella contemporaneità storica del proprio tempo con l’attenzione e la preoccupazione per il futuro della società di appartenenza. Inventare, progettare, fare ...

Invenit, pinxit, fecit ...

Vittorio Ferri

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I think everyone has experienced at one time or another, in front of a painting, a pleasant state of ecstatic contemplation. The reaction is highly subjective and difficult to rationalize. It can be caused by a variety of things: a combination of colors, a subject, a technique, an idea.It is a feeling that I like use the technical term ‘resonance’ to describe; that is, the physical phenomenon where an object placed near a vibrating body with the same eigenfrequency begins to vibrate spontane-ously. Likewise the creation of the artistic work is able to transmit an emotion to the observer when both are aligned to the same frequency. It’s the magic of art.

Personally, I have always been attracted by the use of geometrically perfect shapes such as the square, or the ability to achieve aesthetically satisfying results through the use of simple shapes such as planes and seg-ments. In my own work I am fascinated by the simplicity and linearity obtained by creating straight parallel cuts on polished metal plates, through nothing more than segments on a plane. I find in this the definition of minimum given by John Pawson, who describes it as the perfection achieved when it is no longer possible to improve an object by subtraction. It is the quality of an object where each element or detail has been reduced and condensed to the essentials. It is what results by the omission of the superfluous. I close by mentioning a beautiful definition of art found in the recent publication “Invent”, by my friend Paolo Baruffaldi, artist and gallery manager in Venice.Art is not only a reproduction of reality, nor the exercise of technical skill. It is, or should be, the place of inven-tion. An idea, a project, a technical capacity, an expression of the artist ‘inventor’ that must not neglect the role of intellectual by being only a merchant or an artist. He must make a synthesis of creativity and entrepre-neurship, with the goal of being truly part of the contemporary history of his time and with care and concern for the future of our society. Inventing, designing, doing…

Invenit, pinxit, fecit ...

Vittorio Ferri

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