Новости искусства Art news ВУЗЫ Universities · PDF fileизвестными художниками, как Натан Альтман, Юрий Анненков,

Russian Galery №4

Со ержание/Contents

Новости искусстваArt newsАнонсы выставок/Announcements of exhibitions

Первая московская биеннале молодого искусства «Стой! Кто идет?»/First Moscow Biennale of Young Art “stop! Who’s there?”

ВУЗЫUniversitiesМосковский государственный художественно–промышленный университет им. С.Г.Строганова/s. G. stroganov state University of Art and Industry in Moscow

Обухова Наталия /natalia obukhovaВолосова Светлана/svetlana VolosovaМазур–Князева Александра/Alexandra Mazur–KnyazevaКозлова Дарья /Daria KozlovaСеменова Екатерина/ ekaterina semenovaТрегубова Марина /Marina tregubovaШибаева Марина/ Marina sibaeva

Московский государственный академический художественный институт им.В.И. Сурикова/V. I. surikov state Academic Art Institute in Moscow

Мирек Алексей/Alexey MirekПомелов Федор/Fedor PomelovСалтыкова Татьяна/tatyana saltikovaКочергина Надежда/Kochergina nadezhdaХарина Елена/elena KharinaЛинникова Надежда/nadezhda Linnikova

03

09

18

33

Русская галерея №4

2 Со ержание/Contents

47

52

56

58

60

64

70

71

73

Российская академия живописи, ваяния и зод-чества (РАЖВиЗ)/the Russian Academy of Painting, sculpture, and Architecture (RAPsA)

Лабанова Елена/elena LobanovaПавлов Николай/nickolay Pavlov

Санкт–Петербургский государственный академи-ческий институт живописи, скульптуры и архи-тектуры им. И.Е.Репина/I.e. Repin state Academic Institute of Painting, sculpture, and Architecture in saint Petersburg

Школа юного художникаSchoool of the young Artist Леонид Соломаткин (1837–1883)Отпрыск федотовской школы/Leonid solomatkin (1837–1883)Fedotov’s school offspring

Александр Русаков (1898-1952) Художник со счастливой судьбой/Alexander Rusakov (1898-1952) Artist of Good Fortune

Китайская национальная живопись гохуа/national Chinese Painting Guohua

Инструменты и материалы для художника–графика/Instruments and Materials for Graphic Artist

Масляные палочки/oil sticks

Использование рапидографов/Rapidograph Pen Use

Визуальный метод измеренияпредметов в рисунке с натуры/Visual Method of Measuringobjects While Painting from nature

Russian Galery №4

Анонсы выставок/Announcements of exhibitions

Первая московская биеннале моло-дого искусства «Стой! Кто идет?»/ First Moscow Biennale of Young Art “Stop! Who’s There?”

НоВости искУсстВа/Art NewS

ноВоСТи иСКУССТВа/ARt neWs4


7 августа 2008 года в корпу-се Бенуа Государственного Русского музея открылась выставка произве-дений Веры Михайловны Ермолае-вой. Экспозиция включает около 200 произведений из собраний Русского музея, Санкт–Петербургского музея театрального и музыкального искус-ства, а также из частных коллекций. Выставка в Русском музее предста-вит весь творческий путь художни-цы, который был, к сожалению, недо-лог. Имя Веры Ермолаевой известно

сегодня в основном как ученицы и сподвижницы Казимира Малевича, однако Вера Михайловна — яркая самостоятельная личность. Под вли-янием Малевича она увлеклась беспредметным искусством. В конце 1920-х — начале 1930-х годов в творчестве художницы появились пей-зажи, натюрморты и тематические cерии: «Деревня», «Спортсмены», «Мальчики». На протяжении всей своей жизни В. М. Ермолаева обра-щалась к искусству книжной иллюстрации. Работала рядом с такими известными художниками, как Натан Альтман, Юрий Анненков, Нико-лай Лапшин. В экспозицию включены иллюстрации, созданные Верой Ермолаевой почти к двум десяткам книг, а также ряд прижизненных книжных изданий. На выставке также представлены документы, свя-занные с последними, трагическими, годами жизни художницы.

Источник: rusmuseum.ru

on 7 August 2008 Benois Building of state Russian Museum welcomed an exhibition of works by Vera Mikhailovna Yermolaeva. the exposition includes nearly 200 works from the collections of Russian Museum, saint Peters-burg Museum of theatre and Musical Art, and private collections. the exhibition in Russian Museum presents the artist’s whole career, which, unfortunately, was not long. Vera Yer-molaeva is known as a student and associate of Kazimir Malevich. At that however Vera Mikhailovna was a bright individuality. Influ-enced by Malevich she got interested in non–figurative art. In the late 1920-s early 1930-s the artist started creating landscapes, still–lives, and narrative series like “the Village”, “sportsmen”, and “the Boys”. During her life V. M. Yermolaeva would try her hand at the art of book illustration. she worked with many celebrated artists including natan Altman, Yuriy Annenkov, and nickolay Lapshin. the exposition also featured documents bound with last tragic years of the artist’s life.

Source: rusmuseum.ru

Вера Ермолаева. Яхт–клуб. 1934/ Vera Yermolaeva. Yacht Club. 1934.

Вера Ермолаева. Эскиз праздничного оформления

Витебска. Супрематиче-ское построение. 1920/

Vera Yermolaeva. A Skratch of the Vitebsk festal design.

Suprematism.1920Вера Ермолаева. Дон Кихот и Санчо Панса в лодке. Композиция на тему романа М. Сервантеса «Дон Кихот». 1933–1934/Vera Yermolaeva. Don Quixote and Sancho Panza in a Boat. Composition on M. Cervantes‘s “Don Quixote” Novel. 1933–1934.

Произведения веры МихАйловны ерМолАевой в руССКоМ Музее/WorkS BY VerA MikhAiloVnA YerMolAeVA in ruSSiAn MuSeuM

5ноВоСТи иСКУССТВа/ARt neWs

Russian Galery №4

ЧАСтные КоллеКции в ГцСиВ Государственном центре современного искусства 4 авгу-

ста открылся Фестиваль коллекций современного искусства. По мысли организаторов, фестиваль частных, корпоративных, государственных собраний современного искусства реали-зуется как диалог точек зрения собирателей художественных ценностей, где история культуры рассматривается в драматур-гии реального исторического времени. Фестиваль проходит на нескольких площадках, выставки в рамках мероприятия пока-жут ГЦСИ, Музей и общественный центр А. Д. Сахарова, Музей Аrt4.ru и др. В программе: показ коллекции видеоарта из собра-ния ГЦСИ, выставки Юрия Соболева, Бориса Турецкого, Евгения Рухина и др., круглые столы, посвященные проблемам коллек-ционирования современного искусства. Фестиваль продлится до декабря.

Источник: ncca.ru

PriVATe ColleCTionS in STATe CenTre oF ConTeMPorArY ArT

4 August marked the onset of the Festival of Collections of Con-temporary Art in the state Centre of Contemporary Art. the organ-izers designed this festival of private, corporate, and state collections of Contemporary art as an interchange of art collectors’ views with history of culture being considered in point of real time. the festival has several areas. Its exhibitions will be housed by the state Centre of Contemporary Art, A.D. sakharov Museum and Community Centre, Art4.ru Museum, and other. the program includes demonstration of the collection of video–art of the state Centre of Contemporary Art, exhibitions of Yuriy sobolev, Boris turetskiy, evgeniy Rukhin, and other, as well as panel discussions dedicated to contemporary art col-lecting issues. the festival will run till December.

Source: ncca.ru

Также 7 августа 2008 года в Корпусе Бенуа Государствен-ного Русского музея открылась выставка произведений Николая Михайловича Суетина. Выставка продемонстриру-ет не все, но многие грани искусства художника как единого в своей основе проекта: рисунки, акварели, фарфор. Экспо-нируются работы, находящиеся в собрании Русского музея: супрематические композиции 1920–х годов (как витебско-го, так и ленинградского периода); картина «Женщина с пилой» конца 1920-х, блокадный эскиз к картине «Победа», фарфор 1920-х и 1930-х годов.

Выставка включает большое количество произведений из частного собрания, в частности малоформатные учеб-ные аналитические композиции, выполненные под руко-водством Малевича, конкурсные эскизы мебели для жили-ща рабочего 1927 года, графические серии конца 1920-х — начала 1930-х годов: Крестьянки, так называемые Полу-образы (или Образы Богородицы), большие черно–белые листы с повторяющимися мотивами крестьян, снопов, дири-жаблей, а также рисунки военных лет. Николай Михайлович Суетин был художником мощного и масштабного дарова-ния: станковистом, проектировщиком, эксподизайнером, автором архитектонов, росписей и форм фарфора, произ-ведений декоративно–прикладного искусства.

Источник: rusmuseum.ruОбе выставки продлится до 13 октября 2008.

Николай Суетин. Мужик. 1932 / Nickolay Suetin. A Man. 1932

Николай Суетин. Кре-стьянка с граблями. 1929/

Nickolay Suetin. A peasant woman with a rake. 1929

on 7 August 2008 Benois Building of state Russian Museum also saw the opening of the exhibition of works by nickolay Mikhailovich suetin. Unable to demonstrate all works of the art-ist’s oeuvre, the exhibition will show many of his works as one whole project. they include paintings, aquarelle and porcelain works. the exhibition also features works from the collection of Russian Museum including the suprematic compositions of 1920–s (both of Vitebsk, and Leningrad period), “the Woman with a saw” dated late 1920–s, blockade sketch for “the Vic-tory” painting, and the porcelain works created in 1920–s and 1930–s.

the exhibition features many works from a private collection. they include small analytic study compositions created under the guidance of Malevich, contest sketches of furniture for houses of workers of 1927, graphic series created in late 1920–s early 1930–s: Peasants, so–called Half–images (or Images of the Blessed Virgin), large black and white sheets with repeating motives of peasants, sheaves, and dirigibles, as well as pictures of war years. nickolay Mikhailovich suetin was an artist of great powerful talent: he was an easel painter, designer, expo–design-er, author of architecton projects, decorations, porcelain forms, and works of decorative and applied art.

Source: rusmuseum.ru Both exhibitions will last till 13 October 2008.


6 ноВоСТи иСКУССТВа/ARt neWs

Contemporary art exhibition from Gagosian Gal-lery collection will be held in “Krasniy oktyabr” fac-tory halls located on Bersenevskaya Quay from 18 to 19 october, 2008. the core of the exhibition will be formed by works by artists presented by Gagosian Gallery. they include classics of American art like Willem de Kooning, Cy twombly, ed Ruscha, Richard serra, younger Jeff Koons, and up and coming world star of scottish origin Douglas Gordon. Larry Gago-sian, owner of Gagosian Gallery, is one of the most powerful art–market figures. It was he who made artists like Cecily Brown, Damien Hirst, and Jeff Koons famous all over the world. In autumn 2007 Gagosian already made headway arranging Insight? private art show in Barvikha Luxury Village Centre in Moscow Region. this private exhibition featured works by Pablo Picasso, Damien Hirst, Willem de Kooning, Jeff Koons, and Roy Lichtenstein (total price amounts to 80–90 million dollars). Most of the works were purchased by Russian buyers before the exhibition even started. Gagosian then explained his decision to tap Russian market by saying that “he had very serious Russian purchasers” and “came tempted by them”. some art dealers claim the famous gallery owner will not limit himself to just another gallery and will consider opening a branch in Russian capital. Gagosian opened his Galleries in new–York, Los–Angeles, London, and Rome.

Source: www.gagosian.com , www.kommersant.ru, www.rian.ru, artinvestment.ru

Выставка современного искус-ства из коллекции Gagosian gallery пройдет в помещениях фабри-ки «Красный Октябрь» на Бер-сеневской набережной с 18 сен-тября по 19 октября 2008 года. Ядро выставки составят работы художников, которых представ-ляет Gagosian gallery, — от клас-

сиков американского искусства Виллема де Кунинга, Сая Твомб-ли, Эда Руши, Ричарда Серы до более молодого Джеффа Кунса и восходящей мировой звезды шотландского происхождения Дугласа Гордона. Владелец Gagosian gallery Ларри Гагосян — один из самых влиятельных людей арт–рынка, открывший миру Сеси-лию Браун, Дэмиена Херста, Джеффа Кунса. Гагосян уже при-возил осенью 2007 года в подмосковный центр Barvikha Luxury Village закрытую выставку Insight?, где узкому кругу были пред-ставлены работы Пабло Пикассо, Дэмиена Херста, Виллема де Кунинга, Джеффа Кунса, Роя Лихтенштейна (общей стоимостью в 80–90 миллионов долларов). Большинство картин были рас-куплены русскими покупателями еще до начала выставки. Тогда свое решение освоить российский рынок Гагосян объяснил тем, что у него «были очень серьезные русские покупатели» и он «приехал под их влиянием». По информации источника в арт–кругах, знаменитый галерист не ограничится лишь очередной выставкой, а планирует открыть филиал в российской столице. Филиалы Gagosian Gallery есть в НьюЙорке, Лос–Анжелесе, Лон-доне и Риме.

Источники: www.gagosian.com, www.kommersant.ru, www.rian.ru, artinvestment.ru

выСтАвКА ГАлереи лАрри ГАГоСянА в МоСКве/lArrY GAGoSiAn GAllerY exhiBiTion in MoSCoW

Russian Galery №4


Марк Ротко (Маркус Роткович) родился 25 сентя-бря 1903 в Двинске, в России (ныне Даугавпилс, Лат-вия) в многодетной семье фармацевта. Семья Ротко эмигрировала в США в 1913 году. Американский художник русского происхождения.

Рекордная продажа в прошлом году картины «Белый центр» Марка Ротко (72,84 млн долларов с комиссией аукционного дома, или 65 млн долла-ров без комиссии) вызвала дополнительный «разо-грев» всего рынка американского послевоенного искусства и особенно взлет цен на работы коллег Ротко по жанру. Ротко, при всех особенностях лик-видности его работ, впору было зачислить в разряд «мечта инвестора». Например, работа «Номер 7» (no. 7 (Dark over Light), купленная счастливчиком в 1998 году за 1,6 млн долларов, была продана в 2007 году за 18,75 млн долларов на Christie's. А то, что уровень цен в целом не случаен, подтвердила продажа хол-ста Ротко «Номер 15», которая состоялась в мае 2008 года на sotheby’s: покупатель заплатил 45 млн долла-ров плюс комиссионное вознаграждение аукционно-го дома. Понятно, что такие бюджеты здорово сужа-ют круг потенциальных покупателей вещей Ротко.

Источник: artprice.com

Mark Rotko (Markus Rotkovich) was born into a large family of a pharmacist in the city of Dvinsk in Russia (now Daugavpils, Latvia) on 25 september 1903. Rotko’s family emigrated to the UsA in 1913. He was an American artist of Russian origin.

the record sale of Mark Rotko’s painting “White Cen-tre” (72,84 million dollars with auction house commission fee included, or 65 million dollars without the commission fee) prompted extra warming–up of the market of Ameri-can post–war art and particularly the drastic increase in prices for works by Rotko’s genre colleagues. Despite all the peculiarities of liquidity of works by Rotko they may be regarded as “investor’s dream”. thus his work no. 7 (Dark over Light) bought by a lucky man for 1,6 million dollars in 1998, was sold for 18,75 million dollars at Christies’s in 2007. the fact that the price level is not at all accidental was confirmed by sale of another canvas by Rotko titled “no. 15” that happened at sotheby’s in May 2008: the purchaser paid 45 million dollars plus the commission fee of the auction house. naturally such budgets considerably narrow the cicle of potential purchasers of Rotko’s works.

Mark Rotko. White Centre (yellow and pale–lilac against dark pink) 1950. Canvas, oil. 205,8 x 141. estimate: on request. selling price: 72,4 million dollars. sotheby’s 15.05.07. Lot № 31.

Source: artprice.com

реКорд ротКо «Подтянул» веСь рыноК/roTko’S reCord Wound uP The MArkeT

Марк Ротко. Белый центр (желтый, розовый и бледно–лиловый на темно–розовом). 1950. Холст, масло. 205,8 x 141. Эстимейт: по запросу. Цена продажи: 72,4 млн долл. Sotheby’s. 15.05.07. Лот № 31./Mark Rotko. White Centre (yellow and pale–lilac against dark pink) 1950. Canvas, oil. 205,8 x 141. Estimate: on request. Selling price: 72,4 million dollars. Sotheby’s 15.05.07. Lot № 31.

журнал распространяется через каталоги:оао «агентство роспечать», «Почта россии» и «МК — Периодика», а также путем прямой редакционной и зарубежной подписки. При-глашаем к сотрудничеству руководителей и членов региональных художественных объединений, художников, а также художествен-ные галереи. рассылается в 2000 художественных галерей всего мира.Звоните нам по тел. (499) 257–13–39



Евгений Чубаров — на вершине рейтинга самых успешных стартов 2007 года

Каждый год в аукционных катало-гах появляется около 3 тыс. новых имен. Первая продажа на публич-ных торгах часто устанавливает ценовую планку для всех работ того или иного автора на ближайшее будущее. Галереям труднее продви-гать своих художников, если те не смогли хорошо «показать себя» на аукционах. Приличные продажи на торгах — гарантия успеха на пер-вичном рынке. Итак, кто из совре-менных художников стал главным дебютантом 2007 года?

Аукционов в мире множество, но статус площадки имеет большое значение. Для начинающего худож-ника нет ничего престижнее, чем присутствие в каталогах sotheby’s,

Christie’s и Phillips De Pury & Co. Эти аукционные дома, торгующие про-изведениями таких гигантов, как Джефф Кунс (Jeff Koons), Дэмиен Херст (Damien Hirst) и Питер Дойг (Peter Doig), дают отличную гаран-тию будущего успеха. Самое лучшее сочетание для художника — под-держка нескольких крупных галерей и внимание со стороны коллек-ционеров, обладающих даром визионерства (или считающих, что они им обладают) и потому готовых рискнуть и выложить за его кар-тины, скульптуры или инсталляции суммы с семью нулями! Сейчас больше всего денег на произведения искусства тратят покупатели из России, Индии, Китая и с Ближнего Востока, всегда готовые поддер-жать художников из своих стран. Один из художников, обладающих всеми слагаемыми успеха, — наш соотечественник Евгений Чубаров (р. 1934). 15 февраля 2007 года его крупное (200 х 300) безымянное живописное произведение 1992 года, имеющее в активе продажу в галерее Гари Татинцяна (Gary tatintsian) (1999) и экспозицию в Госу-дарственном Русском музее (2004), было продано в Лондоне на аук-ционе современного русского искусства sotheby’s. Для покупателей из России каталог этих торгов был специально переведен на русский язык. Картина Чубарова с эстимейтом в 40–60 тыс. фунтов в итоге ушла за 240 тыс. фунтов (358 тыс. евро). Шесть месяцев спустя аук-ционный дом Phillips De Pury & Co., пользуясь благоприятной конъюн-ктурой, продал похожую работу художника за 600 тыс. фунтов! Эти успехи в основном и обеспечили Евгению Чубарову первое место в списке самых удачных дебютов на аукционах: четыре работы Чуба-рова в 2007 году принесли в сумме 892 560 евро. Четвертое место в рейтинге занимает, также наш соотечественник, Семен Файбисович. В прошлом году было продано пять его работ на общую сумму 372 398 евро.

Источник: artprice.com

руССКие — в Первых рядАх рейтинГА ToP 50!/ruSSiAnS leAd ToP 50 rATinG!

evgeniy Chubarov tops the rating of the most successful goofs of 2007.

every year nearly three thousand new names appear in auction catalogues. the first sale in an open auction sets a price standard for all works by this or that author for near future. Galleries face more difficulties in prompting their artists, if they failed to show their worth in auctions. Good auction sales guarantee success on primary mar-ket. so which of modern artists became the main debutant of 2007?

With many auctions functioning in the world, the status of the space is crucial. Amateur artists find it most prestigious, if their works appear in sotheby’s, Christie’s, and Phillips De Pury cata-logues. these auction houses selling works by art giants like Jeff Koons, Damien Hirst, and Peter Doig, guarantee future success. the best an art-ist can get is combination of support by some large galleries, and attention of collectors that have a talent of visionariness (or simply believe that they have it), and thus show willingness to risk and plunk whaling sums for this artist’s paint-ings, sculptures and installations. these are pur-chasers from Russia, India, China, and Middle east that spend the greatest sums of money on art works nowadays. they are always ready to sup-port artists that come from their countries. one of the artists boasting all the components of suc-cess is our countryman evgeniy Chubarov (born in 1934). on 15 February 2007 his untitled painting dated 1992 once sold in Gary tatintsian Gallery (1999) and exposed in the state Russian Museum (2004) was sold at sotheby’s Auction of Contem-porary Russian Art in London. specifically for Rus-sian purchasers the catalogue of these sales was translated into Russian. With estimate amounting to 40–60 thousand pounds Chubarov’s paint-ing was finally sold for 240 thousand pounds (358 thousand eURo). six months later Phillips De Pury&Co. Auction House used the favorable environment to sell a similar painting by the artist for 600 thousand pounds! It was this success that ensured evgeniy Chubarov the first place in the list of the most successful debuts in auctions: in 2007 four works by Chubarov yielded 892 560 eURo in total. the fourth place in the rating is also held by our countryman semen Faibisovich. Last year five of his works were sold for an overall amount of 372 398 eURo.

Source: artprice.com

Russian Galery №4


ПервАя МоСКов-СКАя биеннАле МолодоГо иС-КуССтвА «Стой! Кто идет?»/FirST MoSCoW BiennAle oF YounG ArT “SToP! Who’S There?”

В Москве в июле этого года состоялась Первая москов-ская биеннале молодого искусства «Стой! Кто идет?».

Проект разрабатывался совмест-ными усилиями Московского музея современного искусства и Госу-дарственного центра современно-го искусства (ГЦСИ), также к нему присоединились различные худо-жественные организации, галереи и кураторы, заинтересованные в

развитии современного искусства — Государственная Третья-ковская галерея, Центр современного искусства «Винзавод», Центр современного искусства М'АРС и другие. Своей задачей организаторы биеннале назвали «поддержание и стимулирова-ние творческих инициатив авторов нового поколения и предъ-явление произведений новейшего искусства широкой зритель-ской аудитории».

Экспозиции биеннале были «разбросаны» по разным выста-вочным пространствам Москвы и даже Подмосковья. Всего площадок было не менее 10, и на осмотр современного моло-дого искусства заинтересованный зритель должен был потра-тить несколько дней, а в программе были еще концерты, перфо-мансы, видеосеансы, круглые столы и т.д. То есть инвесторов и поклонников современного искусства организаторы занимали разнообразно и плотно.

Конечно, эмоций от увиденного осталось много. Но в целом биеннале производила весьма достойное впечатле-ние, а молодые художники и кураторы очень порадовали креативными идеями и нестандартными подходами. При-ятно удивило и разнообразие формальных и стилистиче-ских решений, представленных молодыми художниками, и даже искушенные посетители выставок нашли для себя нечто любопытное: что–то шокирующее, забавное или просто интересное. Кроме того, интересно было сравнить экспози-

В наши дни в России суще-ствует немало журналов, посвя-щенных искусству, в которых в той или иной мере отображает-ся творческая жизнь известных мастеров кисти и резца. Изло-жение их биографий, как прави-ло, умещается в несколько стан-дартных строк: когда, где и в какой семье родился, и конеч-но, в одной фразе: когда и какое учебное заведение окончил. Последнее особенно обидно. И вот почему. Ведь именно в нем, в альма–матер закладывается то, что потом критики назовут твор-ческим почерком, особенностью художественного стиля мастера. Неужели должно пройти 10–15 лет для того, чтобы сегодняшне-го выпускника заметили?

Редакция журнала «Русская галерея XXI век» придерживает-ся позиции, что неординарного художника можно разглядеть и поддержать пока он еще только, получив диплом, шагнул в худо-жественный мир.

Именно с этой целью этот номер журнала посвящен выпускникам художественных вузов 2008 года.

Редакция журнала поздравляет молодых специалистов и желает им творческих успехов!

Главный редактор журнала

«Русская галерея — XXI век»

Надыкта Светлана

Слово редАКторА


Russian Galery №4


I n July Moscow saw the First Moscow Biennale of Young Art “stop! Who’s there?”. the project was carried out through the joint efforts of Moscow Museum of Con-temporary Art and the state Centre of Contemporary

Art (sCoCt), as well as different art organizations, galleries, and curators interested in development of contemporary art including the state tretyakov Gallery, “Winzavod” Contempo-rary Art Centre, M’APC Contemporary Art Centre, and other. the organizers of the Biennale considered it their objective to “support and stimulate creative initiatives of new generation artists and present latest art works to general public”.

Biennale expositions were distributed among different exhi-bition areas of Moscow and Moscow region as well. the total amount of areas was no less than ten, so to see contempo-rary young art interested viewers had to spend a few days. Besides the program also included concerts, performances, video shows, panel discussions, and other. so the organizers used many various ways to entertain investors and admirers of contemporary art.

of course the event elicited many emotions. on the whole the Biennale made a very good impression, and young art-ists and curators pleased the public with their creative ideas and non–standard approaches. the variety of formal and style solutions demonstrated by young artists was also quite appealing, so even sophisticated visitors of the exhibition could find something interesting there: something shocking, amusing, or just attractive. Besides it was quite interesting to compare expositions in absolutely different exhibition areas like standoffish light halls of the tretyakov Gallery and almost marginal dilapidated vaults of the former “Winzavod”. though the tretyakov Gallery attempted to democratize the exposi-tion, so the pictures shown on the first floor did not hang on walls. Instead they hung on huge boxes designed for picture transportation.

We asked Darya Pyrkina, curator of sCoCt, to tell about the Biennale.

— It was the first time when Moscow welcomed a bien-nale of young art. How did the event go?

— It is indeed the first time when we arranged it as a biennale. But within the period from 2002 to 2006 we, namely the team of sCoCt, arranged an annual festival of young art, and we attracted other partners and other spaces just as well. And at some point

ции в таких разных пространствах, как, например, чопорные светлые холлы Третьяковки и почти маргинальные, полураз-рушенные своды бывшего «Винзавода». Правда, в Третьяков-ке предприняли попытку демократизировать экспозицию, и на первом этаже повесили картины не на стены, а на огром-ные ящики, предназначенные для перевозки картин.

Рассказать о биеннале в целом мы попросили куратора ГЦСИ Дарью Пыркину.

— Биеннале молодого искусства проводится в Москве впервые. Как сложилось это мероприятие?

— В формате биеннале оно действительно проводится в пер-вый раз. Но с 2002 по 2006 год мы, то есть команда ГЦСИ, про-водили ежегодный фестиваль молодого искусства, и мы точно так же привлекали других партнеров и другие площадки. А в какой–то момент стало очевидно, что проектов становит-ся слишком много, и нам интересно стало привлекать других кураторов с другими взглядами, другой стратегией. В первую очередь мы обратились в московский Музей современного искусства, который тоже с начала 2000–х годов проводил еже-годный смотр творчества молодых художников, который назы-вался «Мастерская». Изначально это была отчетная выставка их школы «Свободные мастерские», но постепенно она разрослась, и мы однажды даже принимали их выставку на своей террито-рии в ГЦСИ. Они тоже несколько раз принимали у себя наши фестивали. В общем, мы решили все это объединить. Потом присоединился фонд stella. Потом присоединился «Винзавод», присоединилась галерея М'арс, у них тоже есть молодежный проект «Марсово поле», который в этот раз вошел в рамки биен-нале, присоединилась Третьяковская галерея и другие галереи и кураторы с большей или меньшей степенью вовлеченности.

— а как происходил отбор участников, формирование экспозиций?

— Изначально была сформирована кураторская группа из пяти человек: Анна Зайцева от «Винзавода», Дарья Камыш-никова от Музея современного искусства, Владимир Лева-шов от stella Art Foundation, Ирина Яшкова от Центра совре-менного искусства и я. Был объявлен открытый конкурс с правом подачи заявок от художников и кураторов. А парал-лельно мы искали площади, так как понимали, что такое количество проектов на наших имеющихся площадях не раз-местить. При этом кто–то из участников–галерей предлагал свои проекты. Как, например, Зверевский центр искусств, у



них получилось две смены: в первую смену они приняли наш (биеннале. — М.Л.) проект, во вторую — организовали свой в рамках биеннале. Третьяковская галерея тоже приняла часть наших проектов и организовала свои собственные в ответ. Арт–лагерь Веретьево тоже активно участвовал в нашей про-грамме. Он, правда, далековато от Москвы расположен, и не получил должного освещения, хотя там были интересные вещи. Вообще, молодым художникам не так часто удается поработать в ландшафте, а там на откуп им отдали огромное свободное пространство.

— Было много различных выставочных проектов, много площадок. Как–то тематически все это было объединено? Какая–то общая глобальна тема у биеннале была?

— Я категорически против общей предзаданной темы. Я счи-таю, что если задать изначально художнику тему, то, во–первых, его ограничиваешь в определенном смысле, а во–вторых, полу-чаешь такое сочинение на заданную тему, абсолютно школьное, плоское. Художнику эта тема не интересна, но он очень хочет участвовать. Другие кураторы, напротив, считают, что тема должна быть задана, так как она служит ориентиром для худож-ника и подтягиваются именно те авторы, которым эта тема инте-ресна, остальных можно отфильтровать. Мне это кажется неин-тересным. Важно, что художник делает в принципе, а потом уже по результатам этих отсмотренных заявок можно группировать тематические проблемные проекты — мы, естественно, не дела-ли выставки сборной солянки. Хотя некоторое время назад сами художники, когда к ним обращался куратор с предложением принять участие в выставке, спрашивали: «А какая тема?», сей-час они уже спрашивают: «А какой бюджет?»

— То есть темы формулировались каждым отдельным куратором?

— Да, так и было. И, например, Даша Камышникова задала тему изначально, Ира Яшкова тоже, а у меня проект сложился по результатам бестематического просмотра. Я поняла, что есть такая тема, которая интересна большому числу художников. Точно так же поступал Володя Левашов, который отсматривал весь этот шквал и выделил для себя некие интересные идеи. А

it became obvious that there were too many projects. Besides it became interesting for us to attract other curators with other view-points and strategies. We first turned to Moscow Museum of Con-temporary Art that had arranged an annual show of works by young artists called “the studio” since 2000–s too. Initially it was simply a current exhibition of their school “Free studios”, but eventually it grew, and once sCoCt even housed their exhibition. several times they welcomed our festivals too. so we made up our mind to unite them. then stella fund joined us. the next ones to have joined us were “Winzavod” and M’apc Gallery with its “Marsovo Pole” youth project that now was included into the Biennale. the tretyakov Gal-lery, other galleries, and more or less involved curators also decided to join us.

— And how did you choose participants and form expo-sitions?

— Initially we formed a curator group of five people includ-ing Anna Zaitseva representing “Winzavod”, Darya Kamysh-nikova representing the Museum of Contemporary Art, Vladimir Levashov representing stella Art Foundation, Irina Yashkova rep-resenting Contemporary Art Centre, and me. We announced a competition for artists and curators to make applications. And at the same time we searched for exhibition areas, as we understood that we would not be able to fit so many projects in the areas we had. At that some participant–galleries offered their projects. thus Zverev Art Centre had two shifts: during the first shift they welcomed our (Biennale — M.L.) projects, and during the second one they arranged their own project within the framework of the Biennale. the tretyakov Gallery too roomed some of our projects and organized its own ones in response. Veretyevo Art Camp took an active part in our program too. But it is located quite far from Moscow, so it did not have sufficient coverage, although it fea-tured quite interesting works. As a matter of fact young artists do not often have a chance to work in landscape, and there they had huge free area at their disposal.

— There were a lot of different exhibition projects and areas. Were they thematically united? Did the Biennale have a common global theme?

Russian Galery №4


Аня Зайцева вообще выбрала специфический ход — она при-гласила взрослых художников, которые отбирали работы моло-дых.

— и в чем же отличие молодых художников от немоло-дых?

— В принципе, сам круг проблем, которые волнуют молодых художников, не сильно отличается по сравнению с контекстом современного искусства вообще. Как был круг тем (экологиче-ская тематика, социально–политическая и т.д.), так он и оста-ется, только несколько под другим углом зрения… Ведь в чем особенность этого молодого поколения? Оно сформировалось в несколько ином мире с другими проблемами, в глобальном мире, буквально пронизанном интернетом.

— В рамках биеннале выставлялись абсолютно раз-ные молодые художники, и представляли они такие же разные произведения: и картины, и рисунки, и худо-жествнные объекты, и звуковые перфомансы, к при-меру. а каково вообще сейчас соотношение традици-онных видов искусства, то есть живописи, графики, скульптуры, и актуальных, новых его видов: перфоман-сов, видеоарта, арт–объектов и т.д.? Как они уживались в рамках данного мероприятия? Какими средствами преимущественно молодые художники хотят выражать свои мысли?

— Я бы сказала, сейчас не важно как, важно что. Как — важно в смысле качества, хорошо ли это сделано, то есть адекватно ли поставленная задача ее воплощению. Картины никто не отме-нял. Зачастую даже самые радикальные художники тоже пишут картины. Я не считаю, что стоит сталкивать традиционные и нетрадиционные формы искусства. Тем более, что сегодня, например, уже существует история видеоарта, которая насчи-тывает десятилетия и является классическим художественным приемом.

— а какие открытия удалось совершить в процес-се осуществления этого проекта? новые имена, стили, направления, необычная проблематика, нестандарт-ные решения?

— I strongly object to a common predetermined theme. I believe that if one specifies a theme for an artist, one limits him in a way, and so one gets a trivial school–like composition on a specific theme. the artist may not like the theme, but he is eager to take part in the event. Whereas other curators believe that the theme is to be speci-fied, since it serves a guideline for the artist, so the event attracts the artists that find this theme interesting, and all others may be filtered out. I do not find it interesting. It’s important what the artist does in general, and then proceeding from the results of the applications seen one can group thematic problem projects — naturally we did not do a motley crew. some time ago artists themselves used to ask cura-tors that turned to them: “And what’s the theme?”, whereas now they ask: “What’s the budget”?

— You mean that the themes were formulated by each individual curator?

— that’s right. so, Darya Kamyshnikova initially specified the theme, so did Ira Yashkova. Whereas I composed the project after non–systematic browsing. I realized there was a theme that most artists found interesting. Vladimir Levashov did the same thing. He browsed the whole mass to choose some inter-esting ideas. And Anna Zaitseva did quite a unique move: she invited mature artists to choose works by young ones.

— So how do young artists differ from mature ones?— Well, the range of problems young artists find appeal-

ing does not differ much from contemporary art context. the scope of themes (ecology, socio–political theme, etc.) remains unchanged. Young artists simply view it differently. Do you know why young generation is so peculiar? It grew up in a somewhat different world with different problems. they grew up in a global world literally penetrated with the Internet.

— The Biennale welcomed absolutely different art-ists representing different works including paintings, drawings, art objects, and sound performances. What is the ratio between traditional arts like painting, graph-ics, sculpture, and latest ones like performances, video–art, art objects, and other? How did they get on with each other within the framework of this event? What



— Для меня открытие, прежде всего, что в России есть огром-ное количество молодых художников. Если до биеннале их было известно несколько десятков, причем с большинством из них я уже работала, то открытый прием заявок показал, что есть еще много других, неизвестных еще никому имен. С другой стороны, было много некачественных, беспомощных заявлен-ных работ, авторам которых явно не хватало систематического образования.

— Сейчас уже можно подвести первые итоги прошедшей биеннале. Что нового вы зафиксировали в развитии совре-менного искусства?

— Многие отмечали, что молодые художники слишком роб-кие. Не знаю, с чем это связано. То ли с неуверенностью в своих силах, то ли сказывается опять же отсутствие образования и общая дезориентация в художественном пространстве. Это с одной стороны, а с другой стороны — проблема в общей ориен-тации современного общества на рынок. И многих художников соблазняет возможность славы, поэтому они пытаются делать что–то такое, что будет принято рынком, что сразу будет нра-виться.

— но в целом, тем не менее, мероприятие получилось любопытным, интересным. Вы собираетесь продолжать, то есть через два года объявить новый конкурс заявок, отбирать проекты и так далее?

— Обязательно. Важно открывать новые имена. А за два года сформировать новое поколение художников, согласитесь, вполне реально.

К чести организаторов следует отметить размещенные почти в каждой экспозиции поясняющие экспликации, комментарии художников и кураторов. Четкие и лаконичные сопровождаю-щие тексты немало помогали посетителям в постижении сути произведений.

Тем не менее, еще более интересно узнать мнение самих кура-торов. Мы поговорили с Анной Зайцевой, куратором выставки «Яблоки падают одновременно в разных садах», прошедшей на территории Центра современного искусства «Винзавод».

— Как сложился твой проект, прошедший в рамках биеннале молодого искусства?

are the means young artists mainly use to express their thoughts?

— I would say that today it is not important how they do it, it ’s important what they do. By how I mean the quality — whether the work is done well, namely whether the objective corresponds to its embodiment. nobody has called off paint-ings. From time to time even the most radical artists create paintings. I do not think that we should cause a clash between traditional and non–traditional art forms. Besides today the history of video–art comes to decades, and the art itself has become a classic artistic technique.

— And what discoveries did you make while arranging this project? Did you find some new names, styles, trends, some unusual problems, or non–standard solutions?

— First of all I discovered that there is a huge amount of young artists in Russia. Before the Biennale I knew a few doz-ens of young artists, and with most of them I had worked before. And public reception of applications revealed many other names nobody knows about. on the other hand there were many feeble low–quality works by authors that obviously lack systemic education.

— Can you now sum up the Biennale? Did you see any new trends in contemporary art development?

— Many people mentioned that young artists were too timid. I do not know why it is so. It may be due to lack of self–confidence, or lack of education, or general bewilderment in art. this is for one thing. For another thing the problem is that modern society is oriented at the market. Many artists are enticed by an opportunity to become famous, so they do something that will be accepted by the market, something that will be liked at once.

— And still the event was quite interesting and attrac-tive. Are you going to continue and in two years time announce a new application competition, choose projects, and other?

— Absolutely. It ’s important to reveal new names. And it looks quite real that in a two–years time a new generation of artists will appear.

Russian Galery №4


— Прежде всего я задалась вопросом, чем отличается молодое искусство от «взрослого». Затем отметила немало-важное обстоятельство: наши «взрослые» художники зача-стую не знают молодых и наоборот. Практика, когда уже состоявшийся мастер становится преподавателем художе-ственного вуза, у нас имеет гораздо меньшее распростра-нение, чем в некоторых других странах, по крайней мере в отношении тех российских художников, творчество кото-рых принято причислять к современному искусству. Больше того, если андеграундная жизнь советских времен и 1990–х во многом определялась живым общением (по выражению К. Звездочетова, «междусобойчиками»), то сегодня и эти формы творческого взаимодействия отошли на второй план и сменились стратегиями индивидуального успеха и конку-ренцией, объектом которой становится внимание зрителя, прессы, кураторов, галеристов, коллекционеров и пр. В под-готовке выставки для биеннале мне хотелось приостановить действие этой логики. Мне хотелось прежде всего отвечать на вопрос, каким образом происходит взаимодействие раз-ных художнических поколений. Я обратилась к художникам, которых уже можно назвать состоявшимися, с предложени-ем сделать свой индивидуальный выбор и пригласить к уча-стию в проекте тех молодых коллег, кого они сами считают значимыми, перспективными, интересными.

— Состоявшиеся художники были чем–то ограниче-ны? Какими–то условиями, темой?

— Этот проект изначально не хотел навязывать участни-кам общую тему. Его скрепляет только принцип совместной работы художников над своей экспозицией или совместное создание нового произведении. Особая интрига этой исто-рии состояла в угадывании того, что предложат известные художники в новом для многих из них амплуа. Можно было предположить, что кто–то будет искать соратников кто–то, напротив, предпочтет сделать свой выбор в пользу молодо-го художника совершенно чуждого, далекого и тем привле-кательного.

— а почему проект получил такое странное назва-ние?

to the credit of the organizers be it said that almost every exposition featured explaining explications, as well as artists’ and curators’ comments. the accompanying texts were clear and laconic, and they much helped viewers to comprehend the essence of works. still it is even more important to know the opinion of the curators themselves. We talked to Anna Zaitse-va, curator of “Apples Fall simultaneously in Different Gardens” exhibition held at “Winzavod” Contemporary Art Centre.

— How did your project go within the framework of the Biennale of young art?

— First of all I asked myself a question how young art dif-fered from adult one. then I noticed one important fact: our mature artists do not often know young ones, and visa versa. the tradition when a mature master becomes a teacher of an art school is not so widely spread here as in some other coun-tries. It particularly concerns those Russian artists whose oeu-vre is usually considered to be contemporary art. Moreover, if underground life of the soviet times and 1990–s was mainly determined by live communication (K. Zvezdochetov calls it “parties”), then today these forms of creative interaction rel-egated to the sidelines. they were replaced by strategies of individual success and competition meant to attract atten-tion of the audience, press, curators, galleries, collectors, and other. While preparing an exhibition for the Biennale I wanted to halt this logic. First of all I wanted to answer the question, how different generations of artists interact. I turned to artists that can already be called mature and suggested they should make their own choice and invite the young colleagues they consider significant, promising, and interesting to take part in the project.

— Did you somehow limit the mature artists? Did you stipulate some conditions or themes?

— Initially the project did not mean to impose a common theme on participants. the only thing that sealed it was the principle of artists’ joint work over their exposition or joint creation of new works. the special intrigue of the event was guessing what celebrated artists would offer in the role that was new to many of them. We could assume that some of them



— Название выставки — цитата из Гете. Создавая совмест-ные проекты с молодыми художниками, взрослые масте-ра — пользуясь поэтической цитатой — возделывали свой сад. Где же будет суждено упасть созревшим плодам — посмотрим. Просто «время созрело».

Помимо русских художников и кура-торов в рамках биеннале были показа-ны и зарубежные коллеги. Это было тем более интересно, что в одном простран-стве, например галереи ВХУТЕМАС, были выставлены произведения рус-ских, израильских и немецких худож-ников. Т.е. помимо временного аспекта (взрослое–молодое) зрителям предо-ставили возможность пространственно-го сопоставления.

Данный проект мы попросили про-комментировать координатора галереи ВХУТЕМАС, куратора выставки «Libre libra» Марию Трошину.

— Как сложился твой проект? — Изначально была не концепция,

а были объекты, были эти несколько художников, под которых мы придумали концепцию и даже нашли еще несколько русских художников, как бы созвучных по своим идеям западным коллегам. Кроме того, мне показа-лось интересной возможность общения культур. В проекте представлены дизайнерские объекты, так как наша галерея занимается архитектурной тематикой и объектами, которые связаны с архитектурой.

— Чем тебя заинтересовало участие в биеннале? Како-ва была цель проекта?

— Цель — это жизнь галереи: чтобы приходили люди. А потом эти люди придут со своими идеями, и, может быть, получится новая выставка. Один художник говорит одно, другие — другое и при этом по–другому выражает свои мысли, и смысл — понять друг друга через искусство. То есть коммуникация между людьми через искусство, через объ-екты.

— Что означает название выставки?— LIBRe LIBRA — в дословном переводе это свободные весы.

То есть выставка получилась собранной из нескольких раз-ных идей, и идеи эти — это такое свободное падение, некое балансирование… Здесь нет в принципе конфликта или про-блемы, но неизвестно, чем все это закончится.

Итоги прошедшей биеннале еще предстоит подвести и организаторам, и участникам. Но бесспорно, что основной своей цели устроителям мероприятия достичь удалось — широкую московскую публику с молодым искусством они познакомили, причем профессионально и широко, им уда-лось привлечь к участию в биеннале большое количество как художников и кураторов, так и зрителей.

Теперь же нам всем остается лишь наблюдать развитие: с одной стороны — самой биеннале, которая вновь состоится через два года, а с другой стороны — развитие и «взросле-ние» тех молодых художников, с которыми мы уже позна-комились во время этой биеннале. Ведь как писал художник В.А.Фаворский: «До сорока лет художников много, а после сорока — единицы».

Мария Липатова искусствовед, член Ассоциации искусствоведов

would look for companions–in–arms, while others instead would prefer to choose young artists they had little in common with, which made them par-ticularly attractive.

— Why did you give the project such a strange name?

— the name of the exhibition is Goethe quotation. Quoting poets we may say that while doing joint projects with young artists mature masters tilled their garden. Where ripe fruit will fall — we’ll see. simply “the time is ripe”.

Besides works by Russian artists and curators the Biennale also featured works by foreign colleagues. It was particularly inter-esting, because one area, like VKhUteMAs, roomed works by Russian, Israeli, and German artists. so besides time aspect (adult–young) the audience had an opportunity of spatial comparison.

We asked Maria troshina, coordinator of VKhUteMAs Gallery and curator of “Libre Libra” exhibition, to comment on the project.

— How did your project go? — Initially we did not have any concept. We only had objects

and several artists, and to satisfy them we came up with a con-cept and even found some Russian artists whose ideas were accordant with those of their Western colleagues. Besides, the idea of cultural interaction seemed interesting to me. the project presented designer objects, since our gallery engages in architecture and objects bound with architecture.

— Why was it interesting to you to take part in the Bien-nale? What was the objective of the project?

— the objective was gallery life: to attract people. And eventually these people will come up with their ideas, and we could probably arrange a new exhibition. one artist may say so, others — so, and at that they express their thoughts dif-ferently, and the idea is to understand each other through art. namely communication between people goes through art and objects.

— What does the name of the exhibition mean?— the phrase LIBRe LIBRA means “free scale”. namely we

used several different ideas to arrange the exhibition, and those ideas referred to some free fall, some sort of equilibra-tion. Although it does not have any conflict, or problem, it ’s still unclear how it will all finish.

the Biennale is still to be summed up by both the organiz-ers, and the participants. However it is out of question that the organizers have managed to achieve their main objective — they acquainted general Moscow public with young art in a professional and broad manner, and got many artists, cura-tors, and viewers to take part in the Biennale.

And now we all can only watch the development of the Biennale itself that will be held again in a two years time, and the development and maturing of the young artists we got acquainted with during this Biennale. Remember the words of V.A. Favorskiy: “there are plenty of artists younger than forty, but there is only a handful of artists younger than forty”.

Maria Lipatova, Arts critic, member of the Association of Arts Critics

Russian Galery №4

Московский государственный художественно–промышленный универ-ситет им. С.Г.Строганова/S. G. Stroganov State university of Art and industry in Moscow

обухова наталия /natalia obukhovaволосова Светлана/Svetlana VolosovaМазур–Князева Александра/Alexandra Mazur–knyazevaКозлова дарья /daria kozlovaСеменова екатерина/ ekaterina Semenovaтрегубова Марина /Marina TregubovaШибаева Марина/ Marina Shibaeva

Московский государственный академический художественный инсти-тут им.в.и. Сурикова /V. i. Surikov State Academic Art institute in Moscow

Мирек Алексей /Alexey MirekПомелов Федор/Fedor PomelovСалтыкова татьяна/Tatyana SaltikovaКочергина надежда/nadezhda kocherginaхарина елена /elena kharinaлинникова надежда/nadezhda linnikova

российская академия живописи, ваяния и зодчества (рАЖвиз)/ The russian Academy of Painting, Sculpture, and Architecture (rAPSA)

Павлов николай/nickolayPavlovлабанова елена/elena labanova

Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры им. и.е.репина/i.e. repin State Academic institute of Painting, Sculpture, and Architecture in Saint Petersburg

ВУЗЫ/uniVerSiTieS


18 ВУЗы/UnIVeRsItIes

МоСКовСКий ГоСудАрСтвенный худоЖеСтвенно–ПроМыШленный универСитет иМ. С.Г.СтроГАновА/ S.G. STroGAnoV STATe uniVerSiTY oF ArT And induSTrY in MoSCoW

Художественно–промышленный университет был осно-ван графом С.Г.Строгановым в 1825 году в Москве и первоначально именовался как «Рисовальная школа в отношении к искусствам и ремеслам». Ее создание

было вызвано запросами отечественной культуры, социально–экономического развития страны того времени, когда традици-онные художественные ремесла уступали позиции наступаюше-му промышленному производству. В это время стал необходим специально подготовленный художник, который был связуюшим звеном между художественными ремеслами с их традиционной схемой передачи творческого мастерства «от отца к сыну» и новы-ми требованиями быстро развиваюшейся национальной про-мышленности.

Основатель школы С.Г.Строганов — представитель известной в стране фамилии богатейших промышленников, участник Отече-ственной войны 1812 года, поборник просвешения, с 1831 года — попечитель Московского учебного округа, выступаюший за раз-витие национального искусства.

В период наибольшего pacцвета Строгановского училиша предреволюционного периода была воспитана плеяда талант-ливых художников, вошедших в историю русского изобра-зительного и декоративно–прикладного искусства. Среди них скульптор Н.А.Андреев — автор памятника Н.Б.Гоголю в Москве, скульптор С.С.Алешин, известный театральный худож-ник В.Е.Егоров — автор сценографии спектакля «Синяя птица», впоследствии ведущий художник советского кино, прекрасный педагог–методист и ученый, оставивший ряд книг по компози-ции А.Н.Барышников, Н.Н.Соболев — крупнейший специалист по русскому прикладному искусству, издавший ряд капиталь-ных трудов: «Стили в мебели», «Русская набойка», «Чугун-ное литье в русской архитектуре», крупнейший художник–сценограф Ф.Ф.Федоровский, многие годы бывший главным художником Большого театра в Москве.

В числе преподавателей училиша предреволюционного деся-тилетия многие были его выпускниками: талантливые худож-ники и педагоги Н.А.Андреев, С.С.Алешин, В.Е.Егоров, П.П. Пашков, Н.Н.Соболев, Ф.Ф.Федоровский, а также выпускника-ми других институтов: известные архитекторы С.Б.Ноаковский, И.Б.Жолтовский, Л.Н.Кекушев, А.М.Рухлядов, А.Б.Шусев, Д.П.Сухов, Ф.Ф.Горностаев, Ф.О.Шехтель, крупнейшие художники: М.Б.Врубель, К.А.Коровин, С.И.Ягужинский, К.К.Первухин и др.

Russian Galery №4

19ВУЗы/UnIVeRsItIes

the University of Art and Industry originally named “Painting school in regard to Arts and Crafts” was founded by earl s. G. stroganov in 1825. It was estab-lished due to needs of domestic culture and social and

economic development of the country of the day, when traditional crafts gave way to upcoming commercial production. this period saw growing demand for specially educated artists to be a link between crafts with their tradition to pass on creative mastery from father to son and new requirements of the rapidly develop-ing national industry.

s. G. stroganov, founder of the school, came from a family of rich manufacturers well–known in the country. He fought in the Patriotic War of 1812, supported enlightenment, and since 1831 he served as a trustee of Moscow Academic District advocating development of national art.

the palmy days of stroganov school of pre–Revolutionary peri-od brought about a whole pleiad of talented artists that went down in history of Russian painting and decorative and applied art. they included n. A. Andreev, author of the monument to n. V. Gogol in Moscow, sculptor s. s. Aleshin, V. e. Yegorov, well–known scene designer, author of scenography for “Blue Bird” play and eventually the leading designer of the soviet film industry, A. n. Baryshnikov, a wonderful educationist and a scientist that wrote several books on composition, n. n. sobolev, the greatest expert in Russian applied art that published a few fundamental works including “styles of Furniture”, “Russian Printed Cloth”, and “Cast Iron in Russian Architecture”, and F. F. Fedorovskiy, great scene designer that worked as a senior designer at Bolshoy thea-tre in Moscow for many years.

Many of the school’s teachers of the pre–Revolutionary decade were its graduates including talented artists and teachers n. A. Andreev, s. s. Aleshin, V. e. Yegorov, P. P. Pashkov, n. n. sobolev, F. F. Fedorovskiy. Among them there also were graduates from other Institutes like celebrated architects s. B. noakovskiy, I. B. Zholtovskiy, L. n. Kekushev, A. M. Rukhlyadov, A. B. shusev, D. P. sukhov, F. F. Gornostaev, F. o. shekhtel, as well as the great artists M. B. Vrubel, K. A. Korovin, s. I. Yaguzhinskiy, K. K. Per-vukhin, and other.

In 1918 stroganov school was transformed into “the First Free state studios”, and then — into VKhUteMAs, Higher Art and technical studios.

Обухова Наталия /Natalia Obukhova

Трегубова Марина/Marina Tregubova

Волосо-ва Свет-лана/Svetlana Volosova

Мазур–Князева Александра/Alexandra Mazur–Knyazeva

Козлова Дарья /Daria Kozlova

Семенова Екатерина/ Ekaterina Semenova

Шибаева Марина/ Marina Shibaeva



В 1918 году Строгановское училище преобразовано в «Первые свободные государственные мастерские», затем — во ВХУТЕМАС.

ВХУТЕМАС в 1928 году реорганизован в Московский высший художественно–технический институт — ВХУТЕИН, который в 1930 году разделился на несколько самостоятельных институтов: Архи-тектурный, Художественный (ныне имени Сурикова), Полиграфи-ческий, Текстильный.

В 1945 году Строгановское училище было воссоздано с наимено-ванием «Московское центральное художественно–промышленное училише (бывшее Строгановское)».

В 1952 в МВХПУ (б.Строгановское) открывается аспирантура, образован Диссертационный совет по присуждению ученых сте-пеней кандидата искусствоведения.

1958г. — Строгановское училище переезжает в новое, занимае-мое и поныне здание (арх. И.В.Жолтовский и Г.Г.Лебедев) по Воло-коламскому шоссе, 9. Начинается значительное расширение спи-ска специальностей и организация новых кафедр.

С 1965 года начинается реорганизация МВХПУ (б.Строгановское). В училище появляются три факультета:

Промышленное искусство, Интерьер и оборудование, Монументально–декоративное и прикладное искусство.

В 1970 году МВХПУ становится головным вузом среди аналогич-ных высших учебных заведений и факультетов страны: учебные программы, разработанные в училише как типовые, применяются в других вузах.

В 1994 году училище переименовано в «Московский художественно–промышленный институт им. С.Г.Строганова».

А с 1995 года институт переименовывается в «Московский государственный художественно—промышленный универси-тет им. С.Г.Строганова». Открыт совет по защите докторских диссертаций и докторантура.

В 1999 году вводится специальность: реставрация как новая форма подготовки — в виде бакалавриата и магистратуры. В настоящее время Московский государственный художественно–промышленный университет им. С.Г.Строганова представляет собой хорошо организованное художественно–творческое учеб-ное заведение, сложившаяся общая структура которого предопре-делена требованиями обеспечения высокого профессионального уровня подготовки дизайнеров, художников–проектировщиков декоративного искусства и монументалистов. Многообразие тре-бований, предьявляемых к каждому выпускаемому университе-том специалисту, лежит в основе организации учебного процесса. Лекционные курсы и семинарские занятия обшеакадемических кафедр дополняются основной — творческой подготовкой, кото-рая проводится профилируюшими кафедрами. Главное внимание уделяется практической, творческой работе в многочисленных аудиториях и мастерских.

В 2005 году наш университет отметил свое 180–летие. Сегодня МГХПУ — наиболее многопрофильный художественный универ-ситет — проводит подготовку художников по пяти специальностям и 17 специализациям: проектированию интерьеров и мебели, раз-работке декоративных и мебельных тканей, готовит специалистов в различных областях дизайна, историков и теоретиков искусства, художников монументальной живописи и скульпторов, художни-ков по изделиям из металла, керамики и стекла, реставраторов монументальной живописи, мебели и художественного металла.

Широкий диапазон специальностей позволяет выпускникам вуза работать практически во всех основных сферах художествен-ного творчества, создавать все многообразие предметного мира, формирующее среду обитания человека, его труда и отдыха, инте-рьеров жилых и общественных зданий, городскую среду.

Контактная информация: 125080, Москва, Волоколамское шоссе, 9.

Тел.: (495)376–16–68; 915–50–53

In 1928 VKhUteMAs was reorganized into Moscow Higher Institute of Art and Industry — VKhUteIn which eventually in 1930 divided into several independent institutions including the Institute of Architecture, Institute of Art (currently surikov Insti-tute), Printing Institute, and textile Institute.

1945 marked the recreation of stroganov school that was now named “Moscow Central school of Art and Industry (former stro-ganov)”.

In 1952 Moscow University of Art and Industry (former stroga-nov) started a postgraduate study programm and formed a thesis Committee awarding Ph.D. degrees in art history.

In 1958 stroganov College moved to a new building which it occupies till nowadays (designed by I. V. Zholtovskiy and G. G. Lebedev). It is located at Volokolamskoe shosse, 9. the period also saw a considerable increase in special subjects and new department formation.

1965 marked the beginning of reorganization of Moscow Uni-versity of Art and Industry (former stroganov). three new depart-ments appeared in the College. they included:

Industrial art, Interior and Design, Monumental and Decorative art, and Applied art.

In 1970 Moscow University of Art and Industry (former stroga-nov) became the leading university among similar higher schools and departments of the country: curriculums developed in the College as typical ones were also adopted in other colleges.

In 1994 the College was renamed as “s. G. stroganov Institute of Art and Industry in Moscow”.

And a year later in 1995 the Institute was renamed as “s. G. stroganov University of Art and Industry in Moscow”. the Univer-sity started a doctoral program and formed a thesis Committee awarding Doctoral degrees.

In 1999 the list of specialties of the university included a new one — the school started bachelor’s and master’s programs in restoration. today s. G. stroganov University of Art and Industry in Moscow is a well–organized artistic and creative school whose general structure is predesignated by requirements to provide high level of professional education of designers, decorative art designers and monumental art painters. the University specifies various requirements to its graduates, which serves the basis of curriculum organization. Lectures and seminars of general edu-cation program are supplemented with the main creative training conducted by teachers of major departments. special attention is given to practical creative work in numerous classrooms and stu-dious.

In 2005 our University celebrated its 180th anniversary. today Moscow state University of Art and Industry offers expertise in 5 specialties and 17 sub–specialties including design of interi-ors and furniture, design of decorative and furniture upholstery; it prepares specialists in different fields of design, historians and theorists of art, monumental art painters and sculptors, artists for metal work, ceramics, and glass, restorers of monumental paint-ings, furniture, and metalworks.

such wide range of specialties allows graduates to work in vir-tually all main spheres of art, and to create a diverse object world that forms living environment of people, their labor, and rest, as well as interiors of dwelling and public buildings, and urban envi-ronment.

Contact details: 125080, Moscow, Volokolamskoe Shosse, 9.

Tel.: (495)376–16–68; 915–50–53

Russian Galery №4


обухова наталия/natalia obukhova

Родилась в 1986 году в Москве.1996–2000 училась в ДХШ№3 имени Ватагина.2000–2002 училась в классе С.В.Приборы.2002–2008 училась в МГХПУ им. С.Г. Строганова, факультет Монументально–декоративного и прикладного искусства, отделение Художественная обработка стекла.Участник молодежных выставок с 2004 года.

Дипломная работа:объемно–пространственная композиция «Цветы»На идею диплома автора навел образ цветка, стоящего на окне. Витраж для ее исполнения является наиболее выразительной техникой. С помощью витража для композиции на окне в кон-тожурном освещении можно добиться наиболее интересных графических и цветовых эффектов.Основным мотивом «Цветов» стали стилизованные почти до геометрических форм растительные мотивы. Каждый цветок состоит из трех плоских витражей и перпен-дикулярных им полосок бесцветного стекла, которые скрепля-ют цветные части и обеспечивают витражу устойчивость без дополнительных опор. Все цветы сделаны в технике тиффани.

Каждая форма может быть и само-стоятельным эллементом и рабо-тать в комплекте. В итоге семь про-стых форм можно составлять вме-сте в любых комбинациях в любой последовательности, в зависимости от желаемого эффекта.Обьемно–пространственная компо-зиция «Цветы» предназначена для украшения интерьера или экспони-рования на выставке.

Born in Moscow in 1986.In 1996–2000 she studied at Vatagin Children’s Art school #3In 2000–2002 she studied in the studio of s.V. PriboraIn 2002–2008 she studied decorative glass processing majoring in monumental, decorative, and applied art at s.G. stroganov she has taken part in youth exhibitions since 2004.

Graduation work:Three–dimensional spatial composition “The Flowers”the author came up with the idea for her Graduation work when she saw a flower on a window–sill. the most impressive technique to depict it was stained–glass. With the help of stained–glass for com-position on a window in back light one can achieve some very inter-esting graphic and colour effects. the main motif of “the Flowers” was floral motif stylized to almost geometric forms. each flower consists of three planed stained–glass windows and strips of colourless glass perpendicular to them. they fasten colour parts mak-ing stained–glass windows durable without any additional supports. All flowers are made with the use of the tiffani technique. each shape may be both an inde-pendent element, and a compo-nent integrated into the struc-ture of composition. Finally seven simple shapes may be differently combined in any order depending on the desired effect.three–dimensional spatial com-position “the Flowers” is designed for interior or exhibitions

1 Обухова Н. Объемно–пространственная композиция «Цветы». 2008г. Стекло./N. Obukhova. Three–dimensional spatial composition “The Flowers”. 2008. Glass.

2 Обухова Н. Витражи «Детские платья». 2006г. 35Х40, стек-ло, сушеные цветы, билеты, кружево/N. Obukhova. Glass Paintings Children’s Dresses. 2006. 35Х40, glass, dried flowers, tickets, lace.

3 Обухова Н. Витраж «Лето». 2005г. 40Х40, стекло, грампла-стинка, вырезки из журналов, билеты, пробки от бутылок./N. Obukhova. Glass Painting Summer. 2005. 40Х40, glass, disc, press–cutting, tickets, bottle corks.

1

2

3


ВУЗы/UnIVeRsItIes22 ВУЗы/UnIVeRsItIes


Волосова Светлана/svetlana Volosova

Родилась в 1988 г. в городе Чебоксары. В 2001 г. окончила Чебоксарское художествен-ное училище. В 2008 г. окончила МГХПУ им. Строганова факультет Декоративно–прикладного искусства, специализация — художник по керамике.С 2000 г. участвует в художественных выставках.

Дипломная работа: Парная композиция «адам и ева».Автор поставил задачу показать физиологиче-ские различия Адама и Евы, отражения кото-рых мы находим в библии (Ветхий Завет). Ева, вкусив плод с древа познания, восприняла грех иначе, нежели Адам. Вот эту сложную психоло-гическую проблему автор постарался раскрыть в своей работе.Грехопадение– это переход из состояния сча-стья, блаженства, полной гармонии человека с самим собой, природой, богом, в состояние страха, отчаяния, безысходности и ужаса.Материал, используемый для лепки,– крупно-зернистый шамот. В декорировании скульптуры использованы оксиды металлов, потечные гла-зури и эмали.Данная скульптурная группа может экспони-роваться как на открытом воздухе, например в парке; так и прекрасно дополнять интерьер жилого дома, либо зимнего сада.Размеры композиции:Адам — 1,3х 90 см. Ева — 70 х1,36 см.

svetlana was born in the city of Cheboksary in 1988. she finished Cheboksary Art school in 2001. she graduated from s.G. stroganov state University of Art and Industry, where she studied decorative and applied art majoring in ceramics.since 2000 she has taken part in art shows.

Graduation work: Pair composition “Adam and Eve”.the author set herself a task to show physiological differences of Adam and eve depicted in Bible (the old testament). After eating the fruit of the tree of knowledge eve took the sin differently than Adam. this is the complicated psychological issue the author tried to elabo-rate in her work. the fall of man is transition from the state of happiness, bliss, and har-mony with oneself, nature, and God, into the state of fear, despera-tion, despair, and terror. the material she used for modeling was coarse–grained chamotte. For decorating her sculpture she used metal oxides, Majolica glaze and enamel.such sculpture group can be exhibited in both open air, somewhere in a park, and serve an ideal supplement in a house, or a winter garden. Composition dimensions:Adam — 1,3x 90cm. eve – 70 x 1,36cm.

Волосова С. Эскиз (в материале) к диплому. 2008г. Шамот, эмаль,глазурьS. Volosova. A Diploma Study. 2008. Chamotte, enamel, glaze

Russian Galery №4


Russian Galery №4

Волосова С. Адам и Ева. 2008г. Шамот, эмаль,глазурь. 1,3х90, 70х1,36S. Volosova. Adam and Eve. 2008. 1,3х90, 70x1,36

Волосова С. Эскиз (в материале) к диплому. 2008г. Шамот, эмаль,глазурьS. Volosova. A Diploma Study. 2008. Chamotte, enamel, glaze



Russian Galery №4


Родилась в 1985году во Владимире. В 2008 году окончила Московский государственный художественно–промышленный университет им. С. Г. Строга-нова. Член ТСХ России.Участник молодежных выставок с 2004 года.

Дипломная работа: Фуршетный набор для картинной галереи.В своем дипломном проекте автор выбрала тему — фуршетный набор для картинной галереи. Это попытка наполнить эстети-кой не только предметы в зале, но и, возможно, самого зрителя, с бокалом в руке. Нейтральность цвета обусловлена необходи-мостью фуршетного набора сочетаться с самыми разнообраз-ными картинами на стенах галереи. Цвет рождается в момент наполнения бокала, и это цвет напитка, который играет еще богаче в окружении белого и прозрачного и который может варьироваться в зависимости от стилистики и эмоционального содержания экспозиции. Необходимость вносить и выносить фуршетный набор из зала заставила автора подумать о созда-нии модульной системы в конструкции стекла. Поле состоит из модулей, каждый на шесть бокалов по 200 мл. Таким образом эти модули легко переносятся с места на место и с легкостью выдерживают приходящийся на них вес жидкости. Еще это позволяет варьировать количество бокалов в зависимости от масштабов мероприятия.

Born in the city of Vladimir in 1985. In 2008 she graduated from s.G. stroganov state University of Art and Industry in Moscow. she is a member of the Creative Union of Artists of Russia.she has taken part in youth exhibitions since 2004.

Graduation Work: Buffet lunch set for picture gallery.For her graduation work the author chose the theme “buffet lunch set for picture gallery”. thus she attempted to give aesthetics to objects in the hall, and probably the audience itself holding glasses in their hands. she chose neutral colours, since the buffet lunch set is to combine with various pictures hanging on gallery walls. the colour appears when one fills the glass, and that is the colour of the bev-erage that effervesces even wilder when surrounded by white and transparent colours and varies depending on the style and emotional component of the exposition. the necessity to bring the buffet lunch set in and out of the hall made the author consider creating a module system in glass construction. the field is made up of modules that can be easily moved from place to place and can easily hold the weight of liquid poured therein. It also allows one to vary the number of glasses depending on the event.

Мазур–Князева александра/Alexandra Mazur–Knyazeva

Мазур–Князева А. Фуршетный набор для картинной галереи.. 2008г./A. Mazur–Knyazeva. Buffet lunch set for picture gallery. 2008.



Козлова Д. Фрагмент из композиции для росписи в посольстве. Тема «Питер». 2007г. левкас, темпераD. Kozlova. Fragment of a composition for decoration in an Embassy. St. Petersburg Theme. 2007. Ivory ground, tempera

Козлова Д.Эскиз росписи читального зала Российской государственной библиотеки. 2008г. левкас,темпера,190х75D. Kozlova. Sketch of decoration of a reading hall in Russian State Library. 2008. Ivory ground, tempera, 190х75

Russian Galery №4


Darya was born in the city of Kirov on 22 october 1980. At the age of 11 she entered an art school.In 2001 she obtained her Diploma in painting from Kirov Art school, and a year later in 2002 she entered s.G. stroganov state University of Art and Industry to study monumental art. In 2008 she defended her graduation thesis on decoration of a reading hall in Russian state Library.since 2000 she has taken part in youth and professional exhibitions of city, zonal, and all–Russian significance.

Graduation Project on decoration of a reading hall in Russian state Library “Thought and Time” theme Russian state Library is a broad–scoped institution. Its funds offer publications of different domains of science, culture, and art, as well as foreign literature. It also houses a museum with prized publications and manuscripts, namely it holds all people’s knowledge about the world. the library is to carry forward and maintain this knowledge through time.the main objective of the graduation artist was to convey the ideological and notional content of the room by pictorial means remaining within the frame-work of the projects developed by architects. the colour range is based on contrast of cold and warm shades that supplement and enrich each other. the work the author creat-ed is harmoniously bound with inte-rior space. It becomes integral and complete due to its interaction with all components of the ensemble that creates an integral artistic image. the pictorial structure of her graduation work is a devoted associate of man. It is harmonious and appealing to many people.

Козлова Дарья/Daria KozlovaРодилась 22 октября 1980г. в г. Кирове. В 11 лет поступила в художественный лицей.В 2001 г. окончила Кировское художественное училище по специальности живопись. В2002 поступила в Московский государственный художественно–промышленный универ-ситет им. С. Г. Строганова, на кафедру монументальной живописи. В 2008г. успешно защитила диплом по проекту росписи читального зала Российской государственной библиотеки. С 2000 года является участником молодежных и профес-сиональных выставок городского, зонального и общерос-сийского значения.

Дипломный проект росписи читального зала Российской государственной библиотеки. Тема — «Мысль и время»РГБ не имеет узкого профиля. Ее фонды включают издания различных областей наук, культуры, искусства, иностран-ную литературу, музей с ценными изданиями и рукописями, т.е. все знания человечества о мире. Библиотека призвана переносить и сохранять эти знания через время.Главная задача художника–дипломанта заключалась в том, чтобы живописными средствами отобразить идейно–смысловую нагрузку помещения в рамках проекта, зало-женного архитекторами.Колористическая гамма построена на контрасте холодных и теплых тонов, дополняющих и обогащающих друг друга.Созданное автором произведение органично связано с про-странством интерьера и приобретает цельность и закон-ченность благодаря его взаимодействию со всеми состав-ляющими ансамбля, создающего целостный художествен-ный образ. Образный строй дипломной работы неизменно сопутствует человеку, гармоничен и обращен ко многим людям.

1 Козлова Д. Фрагмент росписи читального зала. 2008г. левкас, темпера,275х205/D. Kozlova. Fragment of reading hall decoration.2008. Ivory ground, tempera, 275х205

2 Козлова Д. Фрагмент из фризовой композиции. 2005г. левкас, темпера, 200х195/D. Kozlova. Fragment of a frieze composition. 2005. Ivory ground, tempera, 200х195

3 Козлова Д. Фрагмент росписи теа-трального плафона.2006г. левкас, темпера,1840х1760/D. Kozlova. Fragment of decoration of a theatre plafond. 2006. Ivory ground, tempera, 1840х1760

1 2 3



Семенова екатерина/ekaterina semenova

Родилась в 1980году в пос. Ареда Чернышевского р–на Читин-ской обл.Окончила Мелитопольское училище культуры в 1999 г.В 2008 г. окончила МГХПУ им. С. Г. Строганова, отделение худо-жественного стекла.Участник выставок с 2006года.Участвовала в двух международных симпозиумах (Симпозиум художественного стекла в г. Гусь–Хрустальный, 2007, симпози-ум художественного стекла в г. Львов, 2008 г.)

Дипломная работа: обьемно–пространственная композиция «архаика»Архаика (от греческого archaikos — старинный, древний) ранний этап в развитии какого–либо явления. При выборе темы автор исходил именно из этого определения архаики. Архаика выступает как символический, собирательный образ погружения в древнюю историю, глубину веков. Образ погружения не в океан, но в «память океанов». Память, сохранив-шая те формы, что когда–либо принимала жизнь в ее развитии и многообразии, тех следах, которые она оставила. След на воде — на изменяющейся и динамичной стихии — это парадоксальный образ, являющийся ключевым в замысле. Текущая, вечно изме-няющаяся вода олицетворяет в одно и то же время как быстротеч-ность и забвение, но и постоянное и неизменное возрождение, незыблемое величие океана. Столь противоречивая, невероятно пластичная стихия находит свое наиболее органичное вопло-щение в стекле.Воплощение данного замысла автор представил в технике моллирования (тип — контррельефное моллирование в форме). Для работы было выбрано простое оконное стекло. Объемно–пространственная композиция «Архаика» предназна-чена для украшения интерьера или экспонирования на выставке.

Born in 1980 in the village of Areda, Chernyshevsk district, Chita region.In 1999 she graduated from the College of culture in Melitopol.In 2008 she graduated from of s. G. stroganov state University of srt and Industry in Moscow, where she studied at the department of art glass.she has taken part in exhibitions since 2006.she took part in two international symposiums including the sympo-sium of Art Glass held in the city of Gus–Khrustalniy in 2007, and the symposium of Art Glass in the city of Lvov in 2008

Graduation Work: Three–dimensional spatial composition “Antiquity” Antiquity (comes from Greek archaikos, which means old, ancient) refers to an early stage of development of any event. When choosing the theme the author judged from antiquity definition. Antiquity serves as a symbolic generalized image of dipping into ancient history, into remote ages.this image is an image of dipping into the “memory of oceans”, rath-er than ocean. this memory maintained the forms taken by life in its development and variety, the traces it left. trace on water surface — this changing and dynamic element — is a paradoxical image which is meant to be the key one. Flowing ever–changing water embodies both fleetness and oblivion, as well as constant invariable revival and unsheakable grandeur of the ocean. such controversial and amazingly plastic element is organicly embodied in glass. the author realized her idea in the technique of sagging (type–counter–relief sagging mold). For her work she chose simple clear window glass. three–dimensional spatial composition “Antiquity” is designed for interior or exhibitions.

Семенова Е. Атомы. 2007 г. Гутная техника. 13x15смE. Semenova. Atoms. 2007. Furnace glassblowing technique. 13х15cm.

Семенова Е. Снежные люди. Гутная техника с декорирова-

нием пескоструйной обработкой. 45см.

E. Semenova. Snowmen. 2007. Objects made in furnace

glassblowing technique, decorated with sand-blast

finish. 45cm.

Russian Galery №4


Семенова Е. Океан. Моллирование, простое бесцветное стекло. 2007 г. 20х25 смE. Semenova. The Ocean. Technique — sagging, ordinary colorless glass, 2007. 20x25cm.

Семенова Е. Ракушки. 2007г. Гутная техника. 20х25 см.E. Semenova. Shells. 2007. Furnace glassblowing technique. 20х25cm.

Семенова Е. Архаика. 2008г. E. Semenova. Antiquity. 2008.




30

Russian Galery №4


Russian Galery №4

31

Трегубова Марина/Marina tregubova

Родилась в 1983году, г. Дятьково, Брянская обл.В 2001 году окончила Дятьковскую художественную школу, где училась у заслуженного работника культуры Лукьянцева Юрия Павловича.В 2008 г. окончила МГХПУ им. С.Г. Строганова, отд. худ. стекло.В 2007 г. симпозиум в г. Гусь–Хрустальный. Работа «Танец».В 2007 г. выставка в Галерее ХХI века.

Дипломная работа: «Многорукие великаны» под руковод-ством Феряева Александра Борисовича. Композиция выполнена из листового строительного стекла. Данная композиция предназначена для выставочных экспози-ций. Но она так же может использоваться и в интерьерах.

Born in 1983 in the city of Dyatkovo, Bryansk region.In 2001 she finished an art school in Dyatkovo, where she studied under the guidance of Yuriy Pavlovich Lukyantsev, Honoured cultural worker. In 2008 she graduated from the department of art glass of s. G. stro-ganov state University of Art and Industry.In 2007 she took part in a symposium held in the city of Gus–Khrus-talniy presenting “the Dance” work.In 2007 she took part in the exhibition in the Gallery of the XXI cen-tury.

Her Graduation work made under the guidance of Alexander Boriso-vich Feryaev was titled “The Multi–Armed Giants”. this composition is made of structural plate glass and designed for exhibition expositions. However it can be also used in interiors.

Трегубова М. Многорукие великаны. 2008г.M. Tregubova. Multiarmed Giants. 2008



Родилась в 1980 в г. Екатеринбурге. В 2001 окончила Екатеринбургское художественное училище им. И. Д. Шадра, отделение живописи. В 2008 окончила Московский госу-дарственный художественно–промышленный университет им. С.Г.Строганова, кафедру монумен-тально– декоративной живописи. Участвовала на молодежных и городских выставках.

Дипломная работа: «Кинемато-граф».Для диплома автор предложил сде-лать роспись на длинной фризовой стене на втором этаже киноконцертно-го театра «Космос» в г. Екатеринбурге. Тема диплома: «Кинематограф». Кине-матограф автор попробовал решить через разные сюжеты из жизни, через темы, которые больше всего нас вол-нуют. Это тема любви, войны, веры, материнства. Сдержанный колорит и прием как бы наслоения кадров помог-ли автору создать ощущение кино. На довольно монохромном фризе можно заметить небольшие цветовые акцен-ты. Введены они для того, чтобы оста-новить зрителя, заострить его внима-ние на наиболее важных моментах.

Marina was born in the city of ekaterinburg in 1980. she obtained her Diploma in painting from I.D. shadra Art school in ekaterinburg in 2001. In 2008 she graduated from s.G. stroganov state University of Art and Industry in Moscow, where she studied monumental and decorative art. she took part in youth and city exhibitions.

Graduation work“Cinema”For her graduation work the author chose to decorate a long framed wall on the second floor of “Cosmos” cinema and concert theatre in ekaterinburg. the author experimented with cinema through different plots from life and the most urgent themes including love, war, and maternity. Restrained colour and the method of shot juxtaposition helped the author to create a feeling of a movie. on rather a monochromatic frieze one can notice some subtle colour accents introduced to make viewers stop and draw their attention to the most important moments.

Шибаева Марина/shibaeva Marina

1 Шибаева М. Тайная вечеря (фрагмент дипломной композиции). 2008г. 3х1,2 м. Акрил, темпера/ M. Shibaeva. The Last Supper (fragment of the diploma composition). 2008. 3х1,2 m. Acrylic, tempera.

2 Шибаева М. Фрагмент рабочего эскиза росписи. 2008г./M. Shibaeva. Fragment of a Study. 2008.

3 Шибаева М. Панно. Крещение

Руси.2006г. 1х1 м. Акрил, темпера/ M. Shibaeva. Panel. Russia Christening 2006. 1х1 m. Acrylic, tempera.

1

3

2

Russian Galery №4


МоСКовСКий ГоСудАрСтвенный АКАдеМиЧеСКий худоЖеСтвенный инСтитут иМ.в.и. СуриКовА/V. i. SurikoV STATe ACAdeMiC ArT inSTiTuTe in MoSCoW

Московский государственный академический художественный институт им.В.И. Сурикова является подлинным достоянием русской куль-туры, уникальным явлением художественного

образования, не только сохраняющим исконные традиции, но и развивающимся в русле современного общекультурно-го процесса. Датой основания института считается 1934 год. Тем не менее, институт отстаивает свою преемственность, духовное родство с Московским училищем живописи, ваяния и зодчества, основанным в 1843 году. Несмотря на череду исторических событий и структурных преобразований исто-рия Московского училища завершилась в 1918 году, когда оно было преобразовано во Вторые свободные государственные художественные мастерские. В них в русле общих процес-сов революционного времени структура и методы обучения открыто противопоставлялись академическим традициям. Вследствие этого отказа от традиций очень скоро возникла необходимость в разработке новой методики. Это и явилось поводом для создания в 1920 году ВХУТЕМАСа — единых Высших художественно–технических мастерских и в 1927 году ВХУТЕИНа — Всесоюзного художественно–технического института. В 1930 году в связи с реформой высшего обра-зования факультеты ВХУТЕМАСа и ВХУТЕИНа были распре-делены по различным ведомствам, а графический факуль-тет ВХУТЕИНа был передан полиграфическому институту. В 1934 году на базе графического факультета полиграфиче-ского института был создан Московский институт изобра-зительных искусств. В 1939 году реорганизованное учебное заведение стали именовать Московским государственным художественным институтом, руководителем которого стал известный художник, искусствовед, блестящий организа-тор и педагог И.Э. Грабарь. Именно он сумел собрать вокруг себя художников, известных мастеров, чей талант и педаго-гический дар способствовали восстановлению лучших тра-диций московской реалистической школы. Среди них — С.В. Герасимов, А.А. Дейнека, А.В. Лентулов, В.А. Фаворский, А.А. Осмеркин, К.Н. Истомин, Г.М. Шегаль.

Первый выпуск художников–станковистов состоялся в 1942 году в Самарканде, куда был эвакуирован московский инсти-тут. Именно тогда, в тяжелые военные годы, усилиями пер-вых педагогов были заложены основы той системы обучения, которая в своих главных направлениях продолжает действо-вать и сегодня.



the Institute is a true heritage of Russian culture and a unique insti-tution of art education that maintains the perennial traditions, and what is more develops in the tideway of modern comprehensive cultural process. the Institute’s foundation year is considered to be

1934. However the Institute upholds its succession and consanguinity with Moscow College of Painting, sculpture, and Architecture founded in 1843. Despite the chain of historical events and structural transformations the history of Moscow College finished in 1918, when it was transformed into the sec-ond Free state Art Workshop, where in the tideway of common processes of the Revolutionary period structure and methods of education were straight-forwardly opposed to academic traditions. Due to such abandonment of tra-ditions it soon became essential to develop new methods, which prompted foundation of VKhUteMAs or single Higher Art and technical studios in 1920, and VKhUteIn or All–Union Higher Institute of Art and Industry in 1927. A few years later, in 1930, due to the reform of higher education depart-ments of VKhUteMAs and VKhUteIn were distributed among different institutions, and the department of graphics of VKhUteIn was turned over to the Printing Institute. In 1934 the department of graphics of the Printing Insti-tute served as the basis for Moscow Institute of Fine Arts. In 1939 the reorga-nized institution was renamed to Moscow state Art Institute whose head was I. e. Grabar, a celebrated artist, arts critic, brilliant organizer, and a teacher. It was he who managed to gather many artists and famous masters whose tal-ent and teaching skills favored restoration of the best traditions of Moscow Realistic school. they included s.V. Gerasimov, A.A. Deineka, A.V. Lentulov, V.A. Favorskiy, A.A. osmerkin, K.n. Istomin, and G.M. shegal.

the first class of easel painters graduated from the University in the city of samarkand, where Moscow Institute had been evacuated, in 1942. It was then, during hard war years, when the first faculty laid down the foundation for the system of education that has maintained its major trends till nowadays. In 1947 the Institute came under the jurisdiction of the Academy of Arts of the UssR. In 1948, when the 100th anniversary of the birth of V.I. surikov was cel-ebrated, the Institute was named after the wonderful painter. since 1992 by virtue of the decree of the Art Academy Presidium the word “academic” was included into the name of the Institute, and being a structure of the Academy V.I. surikov state Academic Art Institute in Moscow was now a particularly prized site of cultural heritage of peoples of the Russian Federation.

the institute features five departments including the department of paint-ing, graphics, sculpture, architecture, and theory and history of art. the aca-demic process is managed by outstanding masters of fine art, corresponding members of Russian Academy of Arts, People’s and Honoured artists of Russia including A.A. Bichukov, t.t. salakhov, M.M. Kurilko–Ryumin, A.I. Rukavish-nikov, V.M. sidorov, M.V. Pereyaslavets, o.M. savostyuk, and B.A. Uspenskiy.

training at creative departments lasts six years, whereas at the department of arts criticism training it lasts five years.

• Department of painting is the largest one. In its seven studios (four studios of easel painting, one of battle–scene painting, one of monumental painting, and one of theatre and scenery painting) there study more than two hundred students.

• Department of graphic arts students study in three creative studios includ-ing the one of easel graphic art, one of graphic art and placard, and one of book art.

Мирек Алексей/Alexey Mirek

Помелов Федор/Fedor Pomelov

Харина Елена/Elena Kharina

Кочергина Надежда/Nadezhda Kochergina

Салтыкова Татьяна /Saltyikova Tatyana

Линникова Надежда /Linnikova Nadezhda

В 1947 году институт был переведен в ведение Академии художеств СССР. В 1948 году, когда отмечалось 100–летие со дня рождения В.И. Сурикова, институту было присвоено имя этого замечательного живописца. С 1992 года на основании решения президиума Академии художеств в наименование института включено название «академический», и как струк-тура Академии, МГАХИ им. В.И. Сурикова стал относиться к особо ценным объектам культурного наследия народов Рос-сийской Федерации.

В структуре института пять факультетов: живописи, гра-фики, скульптуры, архитектуры, теории и истории искус-ства. Учебным процессом руководят видные мастера изо-бразительного искусства, действительные члены, члены–корреспонденты Российской академии художеств, народные и заслуженные художники России: А.А. Бичуков, Т.Т. Салахов, М.М. Курилко–Рюмин, А.И. Рукавишников, В.М. Сидоров, М.В. Переяславец, О.М. Савостюк, Б.А. Успенский.

• Продолжительность обучения на творческих факультетах составляет шесть лет, на факультете искусствоведения — пять лет.

• Факультет живописи самый многочисленный. В семи мастерских (четыре станковых, батальной, монументальной и театрально–декорационной) обучается более 200 студен-тов.

• На факультете графики студенты обучаются в трех твор-ческих мастерских: станковой графики, искусства графики и плаката, искусства книги.

• Факультет скульптуры развивает лучшие традиции рус-ской реалистической школы, которая всегда была базой в подготовке студентов–скульпторов.

Russian Galery №4


• Факультет архитектуры — самый молодой в истории института (основан в 2001 году). Методика преподавания на факультете основана на академических традициях русской классической школы.

• Факультет теории и истории искусства готовит специ-алистов в области теории и истории искусства, музейно–выставочной и антикварной работы.

• Неотъемлемой частью учебного процесса является лет-няя учебно–творческая практика, которую проходят студенты всех факультетов, выезжая в самые живописные места Рос-сии, где под руководством педагогов работают на пленэре.

• Завершающим этапом обучения студента является дипломная работа. Это может быть картина, монументальная роспись, оформление спектакля, иллюстрации к книге, серия графических листов или скульптурная композиция.

Свидетельством признания русской академической худо-жественной школы является тот факт, что начиная с 1937 года в институт приезжают учиться начинающие художники из разныx стран ближнего и дальнего зарубежья. Это явилось основанием открытия в институте подготовительного отделе-ния для иностранных граждан, на котором они изучают рус-ский язык, проходят подготовку по специальности (рисунок, живопись, композиция, скульптура), знакомятся с культур-ными ценностями Москвы, Санкт–Петербурга и других горо-дов России. 3анятия проходят в течение года и завершаются началом вступительных экзаменов в МГАХИ им.В.И.Сурикова или другие вузы. Дальнейшее обучение в вузе зависит от их способностей, уровня знаний и интересов.

В институте ведется подготовка научно–педагогических и научных кадров в системе послевузовского и дополнительно-го профессионального образования через:

— аспирантуру по творческо–исполнительским специаль-ностям: живопись, графика, скульптура и архитектура

— аспирантуру по специальности «изобразительное декоративно–прикладное искусство и архитектура» по защи-те кандидатских диссертаций на соискание ученой степе-ни кандидата искусствоведсния в диссертационном совете института;

— творческую стажировку по специальности — живопись, графика, скульпура и архитектура.

В 2003 году в институте открыта объединенная творческая мастерская под руководством выдающихся мастеров изо-бразительного искусства: З.К. Церетели — президента Рос-сийской академии художеств, народного художника СССР, профессора А.А. Бичукова — ректора МГАХИ им. Б.И. Сури-кова, вице–президента Российской академии художеств, народного художника РСФСР, профессора Т.Т. Салахова — вице–президента Российской академии художеств, народно-го художника СССР, профессора.

Открыта также новая мастерская по реставрации и воссо-зданию произведений скульптуры и живописи, крайне акту-альная на сегодняшний день (здесь будут готовить реставра-торов по станковой и монументальной живописи и скульпту-ре, форматоров, литейщиков и специалистов по другим спе-циальностям — тех, без которых невозможно существование монументального и станкового искусства).

Московский государственный академический художе-ственный институт им. В.И.Сурикова — это живой развиваю-щийся организм, призванный отвечать духовным, культур-ным, образовательным запросам своего времени.

109004, Москва, Товарищеский пер., 30. Тел. (495) 912–56–72.

Факультеты живописи, скульптуры, теории изобразительного искусства — Товарищеский пер., 30 (ст. м. «Таганская», Марксистская»).

Факультет графики — Лаврушинский пер., 15 (здание напротив входа в Тре-тьяковскую галерею) (ст. м. «Новокузнецкая», «Третьяковская»).

Тел. (495) 953–64–67

• Department of sculpture develops the best traditions of Russian realistic school that has always served as a basis for training sculptor students.

• Department of architecture — is the youngest one in the institute’s history (founded in 2001). teaching methods at the department are based on aca-demic traditions of Russian classic school.

• Department of theory and history of art trains specialists in theory and his-tory of art, as well as in museum and exhibition, and antiquarian business.

• An inseparable part of training is summer educative and creative internship obligatory for students of all departments that go to most picturesque places of Russia, where they participate in plein air sessions under the guidance of their teachers.

• the final stage of students’ training is graduation work which may be a painting, monumental painting, performance design, book illustrations, series of graphic sheets, or a sculpture composition.

A sign of recognition of Russian academic art school is the fact that since 1937 the Institute has welcomed amateur artists from different near– and far–abroad countries, which prompted foundation of university–preparatory school for foreign citizens where they learn Russian, take speciality training, and see cultural objects of Moscow, saint Petersburg, and other Russian cities. studies last one year to finish with entry exams to V.I. surikov state Academic Art Institute in Moscow or other Institutes of higher education. Further train-ing at Institutes of higher education depends on their abilities, knowledge, and interests.

the Institute prepares educational–research specialists and scientists pro-viding post–graduate programs and additional professional education activi-ties via:

— post–graduate course in creative and performing specialities like painting, graphic art, sculpture, and architecture

— post–graduate course in “Decorative and Applied art and Architecture” requiring candidates to defend a Ph. D. thesis for the degree of Ph. D. in arts history in the Institute’s thesis committee;

— creative internship in specialties like painting, graphic art, sculpture, and architecture.

2003 saw the foundation of a united creative studio managed by outstand-ing masters of fine art including Z.K. tsariteli, President of Russian Academy of Arts and People’s artist of the UssR, Professor A.A. Bichukov, head of V.I. surikov state Academic Art Institute in Moscow and People’s artist of RsFsR, and Professor t.t. salakhov, vice–President of Russian Academy of Arts and People’s artist of the UssR. the Institute also opened a new studio on restora-tion and recreation of sculpture works, which is quite urgent nowadays (it will train restorers of easel and monumental paintings and sculptures, moulders, foundry workers and other specialists — those one cannot imagine monumen-tal or easel art without). V.I. surikov state Academic Art Institute in Moscow is a living developing institution meant to meet spiritual, cultural, and educational demands of the time.

109004 Moscow, Tovarishcheskiy Per., 30 Tel. (495) 912–56–72

Departments of painting, sculpture, and theory of fine art — Tovarishcheskiy Per., 30 (“Taganska-ya” and “Marksistskaya” Metro stations)

Department of graphic art — Lavrushinskiy Per., 15 (building opposite the entrance to the Tretya-kov Gallery) (“Novokuznetskaya”, “Tretyakovskaya” Metro stations)

Tel. (495) 953–64–67



Мирек алексей/Аlexey Mirek

Alexey was born in Moscow on 9 March, 1985.In 2001 he finished V.A. serov Children’s Art school.In 2008 he obtained his Diploma in painting from V.I. surikov state Academic Art Institute in Moscow.He is a prize winner of all–Russian competition “new names” since 2007 he has taken part in youth art exhibitions.

Graduation Work In a Studio.

1 Мирек А. В мастерской (предваритель-ная работа). 2007г. Х.,м. 105х90/Mirek A. In a Studio (preliminary work). 2007. Canvas, oil. 105х90

2 Мирек А. Интерьер мастерской. 2006г. Х.,м. 80х90/ Mirek A. Studio Interior. 2006. Canvas, oil. 80х90.

3 Мирек А. Кормушка в лесу. 2005г. Х.,м. 85х78/Mirek A. Feeding Rack in a Forest. 2005. Canvas, oil. 85х78

21

Родился 9марта 1985г. в городе Москве.В 2001 году окончил ДХШ им. В.А.Серова.В 2008 году окончил Московский государственный академи-ческий художественный институт им. В.И.Сурикова, факультет живописи.Дипломант Всероссийского конкурса «Новые имена»С 2007 года участник молодежных художественных выставок.

Дипломная работа «В мастерской».

Russian Galery №4


Мирек А. В мастерской. 2008г. Х.,м. 143х283 A. Mirek. In a Studio. 2008. Canvas, oil. 143х283

3



Помелов Ф. Праздник в Тарусе. 2008 г. Х.,м. 207 х 260 F. Pomelov. Festival in Tarusa. 2008. Canvas, oil. 207 х 260

Помелов Ф. Церковь Леонтия на Заровье, Ростов Великий 2007г. Х.,м. 60 х 80

F. Pomelov. Leontiy's Church in Zarovye, Rostov the Great. 2007. Canvas, oil. 60 х 806

Russian Galery №4


Помелов Федор/Fedor Pomelov

Родился в 1974 году в городе Протвино Московской области.В 2001 году окончил Московское государственное академиче-ское художественное училище «Памяти 1905 года», отделение живописи.В 2003 году награжден дипломом Российской академии худо-жеств.В 2003 году принят в Союз художников России. В 2008 году — победитель IV Межнационального конкур-са молодых художников «Москва–город мира», награжден диплом I степени в номинации «Живопись».В 2008 г. кончил Московский государственный академический художественный институт им. В.И. Сурикова, факультет живо-писи, мастерская Т.Г.Назаренко.Участник более 50 выставок.

Тема диплома: «Праздник в Тарусе».Тема праздника в Тарусе возникла не случайно. Маленькая провинциальная Таруса — излюбленное место художников и поэтов. Старинные улочки, заокские дали стали источником вдохновения и для Федора Помелова. Благоже-лательная аура этих мест легли в основу картины «Праздник в Тарусе».

Помелов Ф. Город-ской пейзаж 2006г.

Х.,м. 207 х 260 F. Pomelov. City

Landscape. 2006. Canvas, oil.

207 х 260

Помелов Ф. Тарусская площадь. 2006 г. К.,м. 75 х 92 F. Pomelov. Tarusa Square. 2006. Cardboard, oil. 75 х 92

Fyodor was born in the city of Protvino, Moscow region, in 1974.In 2001 he obtained his Diploma in painting from Moscow state Academic Art College named in memory of the 1905 Revolution.In 2003 he was awarded with the Diploma of Russian Academy of ArtsIn 2003 he was granted membership of the Union of Artists of Russia In 2008 he won the IV International Competition of young artists “Moscow–City of the World” and received the First–Degree Diploma in the category “Painting”In 2008 he obtained his Diploma in painting from V. I. surikov state Academic Art Institute in Moscow, where he studied under the guidance of t. G. nazarenko.He has taken part in more than 50 art shows.

Graduation work theme: “Festival in Tarusa”.His choice of the theme of a festival in tarusa was not accidental. small provincial tarusa is a beloved place of artists and poets. old streets and the oka river expanses served Fyodor Pomelov as a source of inspiration. Favorable aura of these places prompted creation of the “Festival in tarusa” painting.



Салтыкова Татьяна/tatyana saltyikovaРодилась в 1976 году в городе Тольятти.В 2002 году окончила Пензенское художественное училище им. К.А.Савицкого отделение живописи.В 2008 году окончила Московский государственный академи-ческий художественный институт им. В.И.Сурикова факультет живописи. Мастерская В.Н.Телина.С 2007 года участник молодежных выставок.

Тема дипломной серии работ «Фламенко» — танец страсти, сдерживающей, внутренне бунтующей. Своей эмоционально-стью, пластикой, цветовыми контрастами он и привлек автора. Первоначальной задумкой была тема изображения репетиции фламенко. А позже эскизные поиски привели автора к образу самого танца.

1 Салтыкова Т. Серия «У Чистых прудов». Сверчков переулок.2006г. Х.,м. 90х135/T. Saltykova. By the Clean Ponds Series. Sverchkov Lane.2006. Canvas, oil. 90х135

2 Салтыкова Т. У Чистых прудов. В Малом Харитоньевском. 2006г. Х.,м. 90х165/T. Saltykova. By the Clean Ponds. In the Maliy Kharitonyevskiy Lane. 2006. Canvas, oil. 90х165

3 Салтыкова Т. Рынок. 2006г. Х.,м. 60х80/ T. Saltykova. The Market. 2006. Canvas, oil. 60х80

4 Салтыкова Т. На берегу Азовского моря. 2002г.Х.,м. 70х100/T. Saltykova. On the Shore of the Sea of Azov. 2002. Canvas, oil. 70х100

1 2

4

tatiana was born in the city of tolyatti in 1976.In 2002 she got a Diploma in painting from K.A. savitskiy Art school in Penza.In 2008 she graduated from V.I. surikov state Academic Art Institute in Moscow, where she studied painting under the guidance of V.n. telin.since 2007 she has taken part in youth exhibitions.

the theme of her graduation work series was “Flamenco” — a dance of restrictive and intrinsically raging passion. It was its emotional plastique and colour contrasts that attracted the author. the author initially meant to depict flamenco rehearsal, however further sketch search brought her to the image of the dance itself.

Russian Galery №4


Салтыкова Т.Фламенко. Скрытая страсть. 2008г. Х.,м. 155х232T. Saltykova. Flamenco. Hidden Passion. 2008. Canvas, oil. 155х232

Салтыкова Т. Фламенко. Брава! 2008г. Х.,м. 168х110T. Saltykova. Flamenco. Bravo! 2008. Canvas, oil. 168х1103



Родилась в 1979 году в городе Северодвинске.В 2002 году окончила Ивановское художественное училище, отделение живописи.В 2008 году окончила Московский государственный академи-ческий художественный институт им. В.И.Сурикова факультет живописи, театрально–декоративное отделение. Мастерская М.М. Курилко–Рюмина.Участник художественных выставок с 2006 года.Работы находятся в галереях и частных коллекциях в России и за рубежом.

Диплом: декорации к опере «Борис Годунов».«Борис Годунов» — великая русская опера, слияние мощной народной, правдивой музыки М.П. Мусоргского и замечатель-ной поэзии А.С.Пушкина. Не иллюстрировать, а создать цель-ный образ среды, единый организм для всего спектакля стало для автора очень интересной задачей. Совместные поиски с преподавателями привели к рождению образа сводчатого про-странства, образа времени.

nadezhda was born in the city of severodvinsk in 1979.In 2002 she obtained her Diploma in painting from Ivanovo Art College.In 2008 she obtained her Diploma in theatre and decorative art from V.I. surikov state Academic Art Institute in Moscow, where she studied painting under the guidance of M.M. Kurilko-Ryumin.she has taken part in art shows since 2006.Her works are held in galleries and private collections in Russia and abroad.

Кочергина надежда/nadezhda Kochergina

6 Кочергина Н. Канал Грибоедова. 2007г. Х., м. 80х90/ N. Kochergina. The Griboedov Channel. 2007. Canvas, oil. 80х90

7 Кочергина Н. Крымский дворик. 2007г. Х., м. 70х75/ N. Kochergina. Crimea Backyard. 2007. Canvas, oil. 70х75

8 Кочергина Н. Соловки после дождя. 2006г. Х., м. 120х90/N. Kochergina. Solovki after Rain. 2006. Canvas, oil. 120х90

6

1 2 3

Russian Galery №4


Graduation work: scenery for “Boris Godunov” opera.“Boris Godunov” is a great Russian opera embodying powerful faith-ful folk music by M.P. Musorgskiy and wonderful poetry by A.s. Pushkin. the author deemed it interesting to create a whole image of atmosphere, a unified whole for the performance, rather than sim-ply illustrate it. the search she performed together with her teachers resulted in an image of vaulted space and time.

Диплом:

1 Кочергина Н. В келье Чудова монастыря. Орг. темп. 122х86/N. Kochergina. In Chudov Monastery Cell. 2008. Fiberboard, tempera. 122х86

2 Кочергина Н. Коронация. Орг. темп. 122х86/N. Kochergina. Coronation. 2008. Fiberboard, tempera. 122х86

3 Кочергина Н. Палаты. Орг. темп. 122х86/ N. Kochergina. Chambers. 2008. Fiberboard, tempera. 122х86

4 Кочергина Н. У Василия блаженного. Орг. темп. 122х86/ N. Kochergina. At St. Basil’s. 2008. Fiberboard, tempera. 122х86

5 Кочергина Н. Эскиз костюмов бояр. Орг. темп. 122х86/ N. Kochergina. Boyars’ Dresses Sketch. 2008. Fiberboard, tempera. 122х86

7 8

4 5



Харина елена/elena Kharina

elena was born in the city of Kerch on 30 July 1980.From 1996 to 2001 she studied at P.P. Benkov Republican Art school in the city of tashkent In 2002 she entered V.I. surikov state Academic Art Institute in Moscow, where she studied in V.n. telin’s studio. In 2008 she graduated from the Institute with honors.In 2007 she took part in All–Russian Youth exhibition and got a Diploma from the Union of Artists of Russia for her successful participation in this art show.In 2007 she took part in P.M. tretyakov Fourth All–Russian Competition for Young Artists.

Graduation work “Uzbek Motives”.this is how the author explains the choice of her graduation work: — Uzbekistan is my second motherland, where every moment of life and every household detail seem to be penetrated with warmth and light. I am so happy that I lived and grew up in this sunny region, where people respect their culture and develop traditions. the themes for my works I draw from life. I try to demonstrate that peo-ple here lead an unhurried life out of work and away from the world. they always eat with solemnity taking meal as a ritual. And for a more acute plastic expression I sometimes add some convention and decorativeness.

Родилась 30 июля 1980 года в г. Керчь.1996–2001 — учеба в республиканском художественном учи-лище им. П.П.Бенькова, г. Ташкент.В 2002 году поступила в Московский государственный акаде-мический художественный институт им. В.И.Сурикова., училась в мастерской В.Н.Телина.Окончила в 2008 году с отличием.2007 год — участвовала во всероссийской молодежной выставке, за которую была награждена дипломом за успешное участие от Союза художников России.2007год — участие в IV Всероссийском конкурсе молодых художников им.П.М.Третьякова.

Дипломная работа — серия картин «Узбекские мотивы».Автор так объясняет выбор темы своего диплома:– Узбекистан для меня вторая родина, где каждый момент жизни, каждая деталь быта пропитаны теплом и светом, и я рада, что жила и росла в этом солнечном краю, где люди ува-жают свою культуру и продолжают традиции. Для своих картин беру мотивы из жизни, показывая, что живут неспешно, живут вне работы, вне мира, когда подходят к трапезе, они священно-действуют, это ритуал. А для наиболее острого пластического выражения кое–где ввожу некоторую меру условности и деко-ративности.

1 2

Russian Galery №4


1 Харина Е. Ослик. 2008г. Х.,м. 125х170/E. Kharina. Baby Donkey. 2008. Canvas, oil. 125х170

2 Харина Е. Материнство. 2008г. Х.,м. 120х170/E. Kharina. Maternity. 2008. Canvas, oil. 120х170

3 Харина Е. В юрте. 2008г. Х.,м. 140х200/E. Kharina. In a Jurt. 2008. Canvas, oil. 140х200

4 Харина Е. Продавец ковриков. 2008г. Х.,м. 130х145/E. Kharina. Carpet Seller. 2008. Canvas, oil. 130х145

Харина Е. Музыка Азии. 2006г. Х.,м. 130х150/E. Kharina. Music of Asia. 2006. Canvas, oil. 130х150

Харина Е. Плов. 2007г. Х.,м. 100х80/E. Kharina. Pilau. 2007. Canvas, oil. 100х80

3 4



Линникова надежда/nadezhda Linnikova Родилась в 1982году в городе Краснодаре.Окончила краснодарскую художественную школу №1.В 2008 году окончила Московский государственный академи-ческий художественный институт им. В.И.Сурикова факультет живописи. Мастерская В.Н.Телина.В 2005 году участие в выставке «Шолоховская весна».В 2007 году награждена дипломом Союза художников России за успешное участие во всероссийской выставке «Молодые художники России».

Тема диплома: «Святки». Святочные традиции удивительно сохранились на Кубани по сей день. С 6 по 19 января,11 святоч-ных вечеров. Действие на картине происходит 13 января, в ста-рый Новый год. Один из любимых святочных казачьих обрядов — вождение красавицы — Маланки. Она является символом чисто-ты, доброты, трудолюбия. Считалось, что с ее вхождением в дом приходит радость,счастье, достаток. В руке у Маланки — веник, украшенный цветами. Козу водили мужчины, она являлась сим-волом плодородия. Все это сопровождалось песнями(колядками), плясками, шутками. Дети тоже с удовольствием принимали уча-стие в этом своеобразном народном театре. Ряженых гостей бла-годарили пирогами, конфетами, деньгами. Народные праздники очень важны, они обьединяют людей, способствуют развитию творческих способностей, в песнях и обрядах передают новым поколениям мудрость и заветы наших предков.

nadezhda was born in the city of Krasnodar in 1982.she finished Krasnodar Art school №1.In 2008 she obtained her Diploma in painting from V. I. surikov state Academic Art Institute in Moscow, where she studied under the guidance of V.n. telin.In 2005 she took part in the “sholokhov spring” exhibition.In 2007 she was awarded with the Diploma of the Union of Artists of Russian for her successful participation in “Young Artists of Russia” All–Russian exhibition.

Her graduation work theme was “Christmas Tide”. Amazingly Christmas–tide traditions have survived in Kuban region till nowadays. From 6 to 19 January there are 11 Christmas evenings. the paint-ing’s story happens on 13 January, the so–called old new Year. one of the favorite Christmas Cossack traditions is passage of the beauty Malanka. she is a symbol of pureness, kindness, and diligence. It was believed that when she entered the house she brought joy, happiness, and prosperity. Malanka holds a broom decorated with flowers. Men used to walk a goat, which was a symbol of fertility. It was all accom-panied by songs (called kolyadkas, which means Christmas carols), dances, and jokes. Children were happy to take part in this makeshift folk theatre. Dressed up guests were thanked by cakes, sweets, and money. Folk festivals are very important, since they unite people and favor development of creative abilities. songs and rituals pass on wis-dom and percepts of our ancestors to next generations.

Линникова Н. Святки. 2008г. Х., м 190х225N. Linnikova. Christmas Tide. 2008. Canvas, oil 190х225

Russian Galery №4


роССийСКАя АКАдеМия ЖивоПиСи, вАяния и зодЧеСтвА (рАЖвиз)/The ruSSiAn ACAdeMY oF PAinTinG, SCulPTure, And ArChiTeCTure (rAPSA)

Российская Академия живописи, ваяния и зодчества (РАЖВиЗ) — высшее учебное художественное заведе-ние. Основана в 1987 народным художником СССР Ильей Сергеевичем Глазуновым. С этого года по настоящее

время он является ректором академии. Активную педагогиче-скую деятельность Илья Глазунов начал в МГХИ имени Сурико-ва, в котором возглавлял мастерскую портрета. Именно сорат-ники и ученики Глазунова по мастерской портрета составили будущий профессорско–преподавательский костяк академии. За 20 лет существования академии в ее стенах трудились такие выдающиеся деятели современной художественной культуры, как проф. Петр Петрович Литвинский, проф. Александр Сергее-вич Трофимов, проф. Борис Николаевич Кокуев. В настоящее время проректором академии по научной работе является Миха-ил Сергеевич Лебедянский, профессор искусствоведения, автор известных монографий. В разное время в академии преподава-ли такие известные современные художники, как Олег Штых-но, Дмитрий Слепушкин, Вячеслав Клыков, Александр Шилов, Михаил Шаньков, Лейла Хасьянова, Владимир Штейн и др. Главной отличительной особенностью метода художественного образования в академии является строгая ориентация учащихся на изучение русского и европейского художественного наследия. Так, по окончании первого курса молодые художники отправля-ются на практику в Санкт–Петербург. Обязательными летними заданиями являются исполнение копий с картин старых мастеров в Эрмитаже и рисование античных слепков в музее Академии художеств. Илья Глазунов — один из немногих руководителей художественных заведений, который регулярно организовывает поездки учащихся за границу, возрождая тем самым традиции пенсионерства Императорской академии художеств. Студентам удалось побывать в Италии и Испании, воочию увидеть шедев-ры Уффици и Прадо, архитектуру Рима, Венеции и Флоренции. Результаты подобного воспитания сказываются в высоком уров-не профессионализма и мастерства учащихся. Сегодня Россий-ская академия живописи, ваяния и зодчества, пожалуй, является, одним из немногих художественных заведений в России и Евро-пе, сохраняющим и развивающим традиции европейской реа-листической художественной школы, основанные на глубоком изучении натуры и неустанном осваивании ремесла.

Контактная информация:103009, Москва, Камергерский проезд, 2

(отделения архитектуры и скульптуры). Тел. (495) 292–42–32, 292–33–74. 101000, Москва, ул. Мясницкая, 21.

Тел. администрации: (495) 921–07–02, 925–06–51

the Russian Academy of Painting, sculpture, and Architec-ture (RAPsA) is a higher art school founded by Ilya sergeevi-ch Glazunov, People’s Artist of the UssR, in 1987. since then and up to nowadays he has been the head of the Academy.

Ilya Glazunov started his intense career as a teacher at surikov state Academic Art Institute in Moscow, where he was in charge of a por-trait studio. those were his colleagues and students he had taught at the portrait studio that eventually formed the faculty of the Academy. For 20 years of its existence the Academy had many outstanding personalities of modern artistic culture working in it. they included Professor Peter Petrovich Litvinskiy, Professor Alexander sergeevich trofimov, and Professor Boris nikolayevich Kokuev. today the Vice Provost for Research of the Academy is Mikhail sergeevich Lebedyan-skiy, professor of art history and author of well–known monographs. At different times many famous modern artists taught at the Acad-emy. they included oleg shtykhno, Dmitriy slepushkin, Vyacheslav Klykov, Alexander shilov, Mikhail shankov, Leila Khasyanova, Vladimir shtein, and other. the main distinguishing feature of artistic educa-tion at the Academy is exact orientation of students at study of Rus-sian and european art heritage. thus after the first year young artists go to saint Petersburg for internship. In summer they are supposed to copy paintings by old masters kept in Hermitage and paint antique impressions in the museum of the Academy of Arts. Ilya Glazunov is one of those few deans of art schools that regularly arrange foreign trips for students, thereby reviving the traditions of pensioners of the emperor’s Academy of Arts. students had a unique chance to visit Italy and spain, and see masterpieces by Uffizi and Prado, as well as architecture of Rome, Venice, and Florence for themselves. such edu-cation results in high professionalism and mastery of students. today the Russian Academy of Painting, sculpture, and Architecture may be one of the few art schools in Russia and europe that maintain and develop traditions of european realistic school based on thorough study of nature and incessant mastering of art.

Contact details:103009 Moscow, Kamergerskiy proezd, 2

(department of architecture and sculpture). Tel. (495) 292–42–32, 292–33–74

101000 Moscow, Myasnitskaya St., 21 Front office tel.: (495) 921–07–02, 925–06–51



Лабанова елена/elena Labanova

Родилась 24 декабря 1981 года в городе Орле.В 2002 году окончила Орловское художественное училище.В 2008 году окончила Российскую академию живописи, вая-ния и зодчества.С 2007 года участник молодежных выставок.

elena was born in the city of orel on 24 December 1981.she graduated from orlov Art school in 2002.she graduated from Russian Academy of Art, sculpture, and Architecture in 2008.since 2007 she has taken part in youth exhibitions

Лабанова Е. В старом парке. 2008г. Х.,м. 180х122E. Labanova. In Old Park. 2008. Canvas, oil. 180х122

Russian Galery №4


1

2

3

1 Лабанова Е. Северный ветер. 2006г. Х.,м. 50х90/E. Labanova. North Wind. 2006. Canvas, oil. 50х90

2 Лабанова Е. Поэзия осени. 2005г. Х., м. 46х90/E. Labanova. Autumn Poetry. 2005. Canvas, oil. 46х90

3 Лабанова Е. Облака. 2006г. Х.,м. 105х70/ E. Labanova. The Clouds. 2006. Canvas, oil. 105х70



Павлов николай/ nickolay Pavlov

Павлов Николай родился в 1980г. в маленьком старинном городке Козьмодемьянске на Волге в семье художника Павлова Михаила Львовича.Первоначальное художественное образование получил в худо-жественной школе, где преподавал его отец (ныне художник г.Москвы) В 1996г. поступил в Йошкаролинское художественное училище, учился у заслуженных художников Марийской АССР В. Д. Курочкина и В. А. Чеботкина. В 2002г. пишет дипломную работу «Рутка, деревня, которой нет». В свой работе он поднима-ет актуальную тему затопленных деревень в связи со строитель-ством Чебоксарской ГЭС. Уже ранние работы художника удиви-тельно серьезны, умение превратить простой мотив в психологи-ческую проблему жителей Волги. («Волжские катера». 2005г.)В 1999 г. семья переезжает в Москву.В 2002 г. Николай поступил на первый курс Российской академии живописи ваяния и зодчества имени Ильи Глазунова, где наи-большее влияние на него оказывают профессора М.Ю Шань-ков , В.А.Штен, О.Ф. Штыхно.После окончания третьего курса он выбирает мастерскую пейзажа под руководством профессора А.П. Афонина . Участник выставки студентов Российской ака-демии живописи ваяния и зодчества «Манеж — Москва 2007» представлены работы: «Осенний пейзаж», «Речные дали» ... В 2008г. пишет дипломную работу «Козьмодемьянск XIXвека». Старинный маленький город. Композиционный центр — синий дом, где жил дед, бабушка, мать, отец, родился я, каждый день из окна видел, как тонуло солнце в Волге. До революции Козьмодемьянск был одним из важнейших лесопромышлен-ных центров России. Экологические последствия пуска Чебок-сарской ГЭС оказались трагичны для города. Река, которая на протяжении многих столетий был источником благосостояния Кузьмы, его кормилицей, Волга–матушка в одночасье сдела-лась Волгой–мачехой, из ласковой превратилась в немилосерд-ную, город может уйти в небытие — утонуть.

nickolay Pavlov was born into a family of the painter Mikhail Lvovich Pavlov in the ancient city of Kozmodemyansk on the Volga River in 1980.He first studied painting at an art school where his father was a teach-er (now he is a Moscow painter). In 1996 he entered an Art College in Yoshkar-ola to study under the guidance of V. D. Kurochkin and V. A. Chebotkin, honored artists of Mariy-el AssR. In 2002 he finished his graduation work titled “Rutka, the village that does not exist”. In his work he elaborated the urgent theme of villages inundated due to construction of a hydroelectric power station in the city of Chebok-sary. the artist’s early works featured stunning earnestness and an

Павлов Н. Козьмодемьянск XIXвека. 2008г. Х., м. 101х20N. Pavlov. Kozmodemyansk of the XIX century. 2008. Canvas, oil. 101x20

1

Russian Galery №4


2

“Kozmodemyansk of the XIX century”. It’s an old small city. the compositional centre is a blue house, where my grandfather, my grandmother, my mother, and my father lived. It was there where I was born. every day I saw the sun sinking in the Volga. Before the revolution Kozmodemyansk was one of the key pulp and paper regions in Russia. environmental implication of Cheboksary hydro-electric power station start-up turned out to be a tragedy for the city. the river that was a source of Kuzma’s prosperity and his bread-winner, Mother Volga turned into a stepmother in a flash. the once caressing river became merciless. the city may pass into nothingness, it may sink.

1 Павлов Н. Рутка, деревня, которой нет. 2002г. Х., м. 280х90/N. Pavlov. Rutka, the village that does not exist. 2002. Canvas, oil. 280х90

2 Павлов Н. Волжские катера. 2005г.Х., м. 100х60/N. Pavlov. The Volga Launches. 2005. Canvas, oil. 100x60

2

ability to turn a simple motif into a psychological problem of dwellers along the Volga (“the Volga Launches”, 2005). In 1999 the family moved to Moscow. In 2002 nickolay entered I. Glazunov Academy of Painting, sculp-ture and Architecture, where he was much influenced by Profes-sors M. Y. shankov, V. A. shten, and o. F. shtykhno.After finishing his third year he chose the studio of landscape run by Professor A. P. Afonin. He took part in the exhibition of works by students of Russian Academy of Painting, sculpture, and Architecture “Man-ezh – Moscow 2007” presenting his works “Autumn Landscape”, “River expanses”… In 2008 he created his graduation work titled



САнКт–ПетербурГСКий ГоСудАрСтвенный АКАдеМиЧеСКий инСтитут ЖивоПиСи, СКульПтуры и АрхитеКтуры иМ. и.е.реПинА/ i.e. rePin STATe ACAdeMiC inSTiTuTe oF PAinTinG, SCulPTure, And ArChiTeCTure in SAinT PeTerSBurG

Высшая школа мастеров русского искусства и центр художественной жизни страны — «Академия трех знат-нейших художеств» — была основана по инициативе И.И.Шувалова и М.В.Ломоносова указом Сената в 1757

году. Занятия начались в 1758 году сразу в нескольких классах — живописном, скульптурном, архитектурном и медальерном. А через шесть лет 4 ноября 1764 года высочайшим указом импе-ратрицы Екатерины II были утверждены «Привилегия и Устав Императорской Академии трех знатнейших художеств» — зако-нодательное признание правительством самоценности и само-стоятельности художественной деятельности. Сегодня об этой знаменательной дате напоминают выложенные мозаикой на полу вестибюля академии римские цифры — MDCCLXIV.

Уже в первые годы в академии сложилась и в дальнейшем совершенствовалась строго последовательная система обучения.

Начинали с рисования — на первых порах постигали про-стое черчение без линейки, затем переходили к копированию образцов (гравюр с картин лучших мастеров или рисунков), гипсовых античных образцов и, наконец, рисунок с обнажен-ной натуры. Параллельно с рисованием живописцы начинали писать с обнаженной натуры, скульпторы — лепить ее, а архи-текторы занимались изучением ордеров, обмерами, отмывкой архитектурных элементов, проектированием небольших деко-ративных и парковых сооружений, а затем и созданием мас-штабных объемно–пространственных композиций.

И сегодня основой учебного процесса является принцип преем-ственности лучших традиций отечественного и мирового искус-ства. На пяти факультетах учатся более 700 студентов на дневном и 500 на заочном отделении из России и зарубежных стран.

Опираясь на свой богатый творческий опыт, развивая и обновляя его применительно к потребностям меняющегося времени, академия уверенно смотрит в будущее, не забывая о традиционном сознании высокой общественной роли худож-ника и долга служения его Отечеству.

Контакты:199034, Санкт–Петербург, Университетская наб., д.17,

Санкт–Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина.

Тел.: (812)323–67–68; 323–21–11; 323–61–89,323 –74–61

Higher school of Russian art masters and centre of country’s art life — “Academy of three noblest Arts” — was established on the initiative of I. I. shuvalov and M. V. Lomonosov by senate’s decree in 1757. the Institute opened in 1758 offering its stu-

dents courses in painting, sculpture, architecture, and medal art. And six years later, on 4 november 1764, Catherine the Great issued an imperial decree approving “the Privilege and Regulations of the Imperial Acade-my of three noblest Arts” — government’s legislative acknowledgement of value and independence of art. today one can remember this signifi-cant date when looking at the Roman numerals — MDCCLXIV — paved on the floor of the Academy’s vestibule.

During the first years of its existence the Academy formed and eventually developed a pretty logical system of education.

students started with drawing — they first learned to draw with-out a ruler, then they passed on to copying samples (prints of the best masters’ paintings and drawings), antique plaster samples, and finally painting from naked nature. Along with drawing painters started painting from nature, sculptors modelled it, and architects studied orders, did measuring and washing of architectural elements, designed small decorative and park structures, and eventually created large volumetric and spatial compositions.

today as well the basis of education process is the idea of continu-ity of the best traditions of domestic and world art. Five departments feature more than 700 full–time students and 500 part–time students from Russia and foreign countries.

Relying on its abundant creative experience the Academy develops and renews it as applied to requirements of changing time. the institution is optimistic about its future, though it does not forget about traditional con-fession of artists’ high social role and duty to serve the Motherland.

Contact details:199034, Saint Petersburg,

Universitetskya Nab., 17I.E. Repin State Academic Institute of Painting, Sculpture, and Architecture in Saint Petersburg

Tel.: (812)323–67–68; 323–21–11; 323–61–89,323 –74–61

4

Russian Galery №4


1 Бузыкина А.В. Покров. Эскиз росписи южной стены храма Иконы Казан-ской Божьей Матери в г.Ярославле. Х., темпера. Мастерская профес-сора А.К.Крылова. Оценка ГАК — отлично. Похвала ГАК/A.V. Buzykina. Holy Protection. Sketch for decoration of south wall of Our Lady of Kazan Cathedral in Yaroslavl. Canvas, tempera. Professor A.K. Krylov’s studio. Mark from State Certification Commission — excellent. Praised by State Certification Commission.

2 Кудрявцева И.А. Старая Рига. Х., м. Мастерская профессора О.А.Еремеева. Оценка ГАК — отлично/I. A. Kudryavtseva. Old Riga Canvas, oil. Professor O.A. Yeremeev’s studio. Mark from State Certification Commission — excellent

3 Чжан Гуансюй (гр. Китая) Тибет Х., м. Мастерская профессора О.А.Еремеева. Оценка ГАК — отлично. Похвала ГАК./Zhang Guangxu (China) Tibet Canvas, oil. Professor O.A. Yeremeev’s studio. Mark from State Certification Commission — excellent. Praised by State Certification Commission.

4 Чигина М.С. Вечер Х., м. Мастерская профессора В.В.Загонека. Оценка ГАК — отлично. Похвала ГАК./M.S. Chigina. Evening Canvas, oil. Professor V.V. Zagonek’s studio. Mark from State Certification Commission — excellent. Praised by State Certification Commission.

5 Шведцов Д.Ю. Ночное Х., м. Мастерская профессора В.В.Пименова. Оценка ГАК — отлично./D.Y. Shvetsov. Nocturnal Canvas, oil. Professor V.V. Pimenov’s studio. Mark from State Certification Commission — excellent

1

2

5

3



1,5 Ли Цзинь (гр. Китая) Китайский театр. Эскиз росписи. Х., м. Руко-водитель — профессор А.А.Мыльников. Оценка ГАК — отлично. Похва-ла ГАК/ Li Jin (China) “Chinese Theatre” Decoration sketch Canvas, oil. Master — Professor A.A. Mylnikov Mark from State Certification Commission — excellent. Praised by State Certification Commission.

2 Князева М.С. Восточная сказка. Эскиз росписи для фойе театра. Х., м. Руководитель — профессор А.А.Мыльников. Оценка ГАК — отлично. Похвала ГАК/M.S. Knyazeva. “Eastern Fairy Tale” Sketch for decoration of a theatre foyer Canvas, oil. Master — Professor A.A. Mylnikov Mark from State Certification Commission — excellent. Praised by State Certification Commission.

3 Цзи Мин (гр. Китая) Свадьба. Эскиз росписи. Х., темпера. Руководи-тель — профессор А.А.Мыльников. Оценка ГАК — отлично/Ji Min (China) “Wedding” Decoration sketch Canvas, tempera Master — Professor A.A. Mylnikov Mark from State Certification Commission — excellent

4 Ларионова О.В. В мастерской. Х., м. Мастерская профессора В.В.Загонека. Оценка ГАК — хорошо/O.V. Larionova. In a Studio Canvas, oil. Professor V.V. Zagonek’s studio. Mark from State Certification Commission — good

5 Мершиева Ю.С. А.Ахматова и А.Модильяни. Х., м. Мастерская про-фессора В.В.Загонека. Оценка ГАК — отлично/Y.S. Mershieva. A. Akhmatova and A. Modigliani Canvas, oil. Professor V.V. Zagonek’s studio. Mark from State Certification Commission — excellent

5

1

4

2

3

6

Russian Galery №4

ШкоЛа ЮНоГо ХУДоЖНика/SCHOOL OF tHe yOUNG ArtISt

леонид Соломаткин (1837–1883)/leonid Solomatkin (1837–1883)

Александр русаков (1837–1883)/Alexandr rusakov (1837–1883)

Китайская национальная живопись гохуа/national Chinese Painting Guohua

инструменты и материалы для художника графика/instruments and Materials for Graphic Artist

Масляные палочки/oil Sticks

использование рапидографов/rapidograph Pen use

визуальный метод измерения предметов в рисунке с натуры/Visual Method of Measuring objects While Painting from nature


56 СУ ьБа ХУ ожниКа/FAte oF tHe ARtIst

отПрыСК ФедотовСКой ШКолы…/FedoToV’S SChool oFFSPrinG…

Впервые выставленная в 1864 году картина художни-ка Л.И.Соломаткина «Славильщики–городовые» имела необычайный успех и у критиков (В.В.Стасов назвал ее «чудесным свежим отпрыском федотовской школы»),

и у публики. Она принесла автору заслуженную славу, первую серебряную медаль Академии художеств и материальное возна-граждение. П.М.Третьяков назвал ее «прелестной», желал, но не мог приобрести, так как картина была уже продана. А в последу-ющие годы художник исполнил не менее 18(!) авторских повто-рений этого произведения, отличающихся друг от друга некото-рыми деталями интерьера при неизменном сюжете.

Родился Леонид Иванович Соломаткин в бедной крестьян-ской семье в 1837 году в городе Суджа Курской губернии. Рано потеряв родителей, с малых лет он вел бродячую жизнь: сопро-вождал обозы, служил у странствующих торговцев, был подпа-ском, чумаком (торговцем–перевозчиком). В детстве и юности он исходил и исколесил почти всю Украину. Уже тогда он много рисовал, делая наброски с уличных канатоходцев, акробатов, шарманщиков с голодными и замерзшими обезьянками, нищих и бродяг.

Случайно узнав от знакомого художника о существовании в Москве художественного училища, в которое принимали людей всех сословий — был бы талант, он отправился в старую столи-цу.

В Московское училище живописи, ваяния и зодчества буду-щий художник поступил в 1855 году и проучился там пять лет в мастерской А.Н.Мокрицкого. Учеба Соломаткину давалась легко, но он по–прежнему нуждался, вынужден был работать часто за весьма скромные заработки. В 1861 году художник уехал в Петербург, где поступил вольноприходящим учеником в Академию художеств (по одной из версий — чтобы избежать службы в армии). Однако занимался он недолго, хотя и пред-ставил на академическую выставку 1862 года работу «Именины дьячка», а 1864 — знаменитых «Славильщиков», за каждую из которых получил серебряную медаль.

Однако успех не сделал Соломаткина счастливым. Он посто-янно нуждался, жил впроголодь, ютился в ночлежках и все с большей неохотой ходил в академические классы, которые и вовсе оставил в январе 1866, получив звание художника тре-тьей степени и чин 14–го класса, самый низший по приня-той тогда Табели о рангах. Преобладающей темой его картин стала жизнь городских низов. «У питейного дома», «В тракти-ре», «Прохожий у забора», «Постоялый двор», «Пирушка», «За пенсией», «Веселая жизнь у кабака», «После ночного обхода»,

L.I. solomatkin’s painting “City Christmas Waits” first exhib-ited in 1864 rang the bell with both arts critics (V.V. stasov called it “a wonderful fresh offspring of Fedotov’s school”) and the public. It brought well–deserved fame, the first

sliver medal of the Academy of Arts, and material remuneration to its author. Calling it “charming” P.M. tretyakov wanted to purchase it, however he failed to do so, since the painting had already been sold. During further years the artist made no less than eighteen (!) author’s copies of this work with slightly different interior details and unchanged plot.

Leonid Ivanovich solomatkin was born into a poor peasants’ family in the city of sudzha, Kursk region, in 1837. He lost his parents at an early age, so since childhood he gypsied accompanying strings of carts, working for strolling salesmen, working as a herdsboy and a tchoomak (salesman and cart–driver). In his childhood and youth he traveled through the length and breadth of the Ukraine. At that time already he painted a lot making sketches from street rope–walkers, acrobats, organ–grinders with hungry cold monkeys, beggars, and tramps.

When he accidentally learned about Moscow Art school that accepted talented individuals of all classes, he left for the old capital.

the future artist entered Moscow school of Painting, sculpture and Architecture in 1855. For five years he studied there under the guidance of A.n. Mokritskiy. studies never troubled him much, however he was still hard up, so he often had to work for modest earnings. In 1861 the artist left for saint Petersburg, where he was an auditor at the Academy of Arts (one version claims he studied to avoid military service). However he did not do it long, although he exhibited his work “sexton’s name Day Celebration” at the aca-demic exhibition in 1862, and a couple of years later in 1864 he exhibited his famous “City Christmas Waits” winning a silver medal for each of them.

However such success did not make solomatkin happy. He con-stantly lived in want starving and taking shelter in dosshouses, so he attended academic studies with growing reluctance. Finally in January 1866 he dropped his studies after receiving the title of the third–degree artist and the fourteenth–class rank, the lowest one in the then table of ranks. the prevalent theme of his works was life of city lower classes. His canvases include “At the Public House”, “In the tavern”, “A Passer–by at the Fence”, “the Inn”, “the Feast”, “For the Pension”, “Joyous Life at the Bar”, “After a night Round”, and “the Homeless”. some paintings like “the organ–Grinder”, “the Rope–Walker”, and other depict the world of strolling actors that had attracted the artist since childhood.

Леонид Соломаткин (1837–1883)/Leonid solomatkin (1837–1883)

Russian Galery №4

57СУ ьБа ХУ ожниКа/FAte oF tHe ARtIst

Соломаткин Л. Славильщики–городовые. 1872г. Х., м.L. L. Solomatkin. City Christmas Waits. 1872. Canvas, oil

Соломаткин Л. Крестный ход. 1882г. Х., м.L. Solomatkin. Icon–Bearing Procession. 1882. Canvas, oil

Соломаткин Л. Утро у трактира. 1860г. Х., м.L. Solomatkin. Morning at the Tavern. 1860. Canvas, oil

Соломаткин Л. Пожар в деревне. Сцена у парома. 1870г. Х., м.L. Solomatkin. Fire in the Village. Scene at the Ferry. 1870. Canvas, oil

«Бездомные» — таковы названия его полотен. Несколько кар-тин изображают мир бродячих артистов, с детства манивший художника, — «Шарманщик», «Канатоходка» и др.

Неустроенный быт, сырой петербургский климат, пагубная страсть к алкоголю быстро подточили здоровье Соломаткина. Но он по–прежнему много писал, часто за бесценок продавая свои работы. Последние дни его были ужасны: почти слепой, оглохший, изможденный чахоткой, он был подобран где–то на улице и помещен в больницу для бездомных, где и умер 4 (16) июня 1883 года.


Miserable household, damp saint Petersburg climate, and per-nicious alcohol addiction undermined solomatkin’s health. He still painted a lot often selling his works dirt cheap. His last days were horrible: almost blind, deaf, and emaciated by consumption he was picked up in a street and brought to hospital for the homeless, where he died on 4 (16) June, 1883.

Maria Lipatova, Arts critic,

member of the Association of Arts critics



худоЖниК Со СЧАСтливой Судьбой/ArTiST oF Good ForTune

русаков александр(1898–1952)/Alexandr Rusakov (1898–1952)

Родившийся еще в XIX веке, он пережил две русские революции, Гражданскую войну, а потом и Великую отечественную войну — не выезжая из блокадно-го Ленинграда. Он учился у классических художников–традиционалистов, застал бурные авангардные революции в искусстве, пережил «гонения» на

формализм и рассвет соцреализма в искусстве, оставаясь цельным и свободным в своем творчестве. Такую идеальную «художническую» судьбу в столь сложные и запутанные времена, как у художника Александра Русакова, сложно было бы даже придумать…

Александр Исаакович Русаков родился в 16(29) марта 1898 года в городе Севске Орловской губернии в семье земского врача. Когда мальчику было три года, семья переехала в Петербург, где отец перешел на службу в транспортную контору, а мать занималась домом и пестовала будущего художника. Окончив в 1917 году среднюю школу, юный Александр поступил в Академию художеств, где его учителями стали небезызвестные академики О.Э.Браз, Д.Н.Кардовский и Н.Н.Дубовской. В акаде-мии же он познакомился и со своей будущей женой и музой — Татьяной Исидоров-ной Купервассер, ставшей не только его спутницей на всю жизнь и хранительни-цей очага, но и, если можно так сказать, хранительницей его таланта. В 1926 году у них родился сын — Юрий, ставший впоследствии искусствоведом и практически «ангелом–хранителем» таланта отца после его смерти, каким при жизни была жена Александра Исааковича.

Уже после окончания академии художеств в 1924 году молодой художник стал активно участвовать во всех ленинградских выставка, стал членом художественно-го объединения «Круг художников», а с 1932 года — членом Ленинградского союза художников. Однако, денег его деятельность приносила немного, и, чтобы прокор-мить семью, его жена, очень одаренная художница, вынуждена была подрабаты-вать на ниве разнообразного художественного оформления (украшение города к праздникам, оформление выставок, создание плакатов, диаграмм). По словам сына А.Русакова, «она сознательно пожертвовала собой как художником, чтобы дать воз-можность отцу заниматься живописью…».

Во время войны Александр Русаков с женой оставались в городе, и художник продолжал писать столь любимые им пейзажи блокадного Ленинграда. Страст-ный любитель фотоискусства, Александр Исаакович оставил после себя помимо живописного и графического наследия еще и огромного количество фотографий, на которых, как и на своих рисунках, запечатлевал то, что любил — родных, друзей, ленинградские пейзажи, виды из окна мастерской, натюрморты в интерьере своей мастерской.

Умер художник в 1952 году, не проведя ни одной персональной выставки. Однако после смерти признание (а с ним и выставки и приобретение картин музеями и част-ными собирателями) все же настигло А.Русакова, по праву вписав его творчество в искусство ХХ века.


1 Русаков А. Дождь в таллинском порту. 1920-е гг. Тушь,перо,кисть.17х21/A. Rusakov. Rain in Tallin Port.1920s. Indian ink, pen, brush.17х21

2 Русаков А. Блокадный пейзаж. 1942г. Х.,м./A. Rusakov. Besieged Landscape. 1942. Canvas, oil.

3 Русаков А. Дома у Мытной набережной. 1940–е гг.

Акварель,тушь,карандаш.21х29/A. Rusakov. At Home by Mytnaya Quay. 1940s. Aquarelle, Indian ink, pencil. 21х29

4 Русаков А. Невский проспект. 1950–1952гг. Темпера.29х41/A. Rusakov. Nevskiy Avenue. 1950–1952s. Tempera.29х41

1

Russian Galery №4


3

4

2

Born as early as in XIX century he survived two Russian revolutions, the Civil war, and eventually the Great Patriotic War without ever leaving besieged Leningrad. He stud-

ied from classic traditional artists, saw wild avant-garde revolutions in art, and survived persecutions of formalism and the rise of socialist realism in art maintaining integrity and freedom in his oeuvre. In so hard and tangled times one could hardly imag-ine the ideal artistic career the artist Alexander Rusakov had….

Alexander Isaakovich Rusakov was born into a family of a rural doctor in the city of sevsk, orlov region, on 16 (29) March, 1898. When the boy was three years old his family moved to st. Petersburg, where his father started work-ing for a transport company, and his mother did the housekeeping and fostered the future art-ist. After finishing a secondary school in 1917 young Alexander entered the Academy of Arts, where he studied under the guidance of the well-known academicians o.e. Braz, D. Kardovskiy, and n. Dubovskoy. It was the Academy where he met tatiana Isidorovna Kuperwasser, his future wife and muse. she was his lifetime companion and the keeper of the family hearth, and what is more she was the keeper of his talent, if I may say so. In 1926 they had a son whom they called Yuriy. eventually he became an arts critic and after his father’s death he literally turned into a guardian angle of his father’s talent replacing the wife of Alexander Isaakovich who had been on this mission while he was alive.

soon after graduating from the Academy of Arts in 1924 the young artist started to take part in all exhibitions held in Leningrad and became a mem-ber of the “Artists’ Circle” art union. And in 1932 he was granted membership of Leningrad Union of Artists. However his work was not really profitable, so to maintain the family his wife, a very talented artist, had to make some money on various design projects (decorating the city for festivals, design-ing exhibitions, creating placards and diagrams). Rusakov’s son says that “she intentionally sacri-ficed herself as an artist to let the father engage in painting…”

During the war Alexander Rusakov and his wife stayed in Leningrad, and the artist kept painting his favourite landscapes of besieged Leningrad. Alex-ander Isaakovich was a passionate lover of pho-tography, so besides painting and graphic heritage the artist left numerous photographs that like the pictures he created featured his favourite themes including his relatives, friends, Leningrad land-scapes, views from the window of his studio, and still-lives in his studio interior.

the artist died in 1952 with no solo exhibitions to his credit. However after his death recognition (along with exhibitions and purchase of his pic-tures by museums and private collectors) finally caught up with A. Rusakov, and his oeuvre right-eously became a part of the art of XX century.

Maria Lipatova, Arts critic, member of the Association of Arts critics



КитАйСКАя нАцио-нАльнАя ЖивоПиСь ГохуА/nATionAl ChineSe PAinTinG GuohuA

Эта живопись имеет очень древнее происхождение, с тех пор как в Китае был изобретен способ изго-товления бумаги из рисовой соломы. Ее основное отличие от европейских сортов бумаги в том, что

она не проклеена и рисующая краска при нанесении прохо-дит насквозь. Это неудобно художнику, ведь изображение нельзя исправить или стереть, надо делать его заново. Но благодаря тому, что рисунок не стирается и не портится, он может сохраняться долгие годы. И только поэтому мы имеем возможность любоваться работами художников эпохи Тан или Сун. Рисунки, выполненные на рисовой бумаге тушью, говорят о высочайшем мастерстве художников. Здесь нельзя ошибаться, нельзя пробовать, а потом перекрашивать — это исключено. Посмотрите, например, на рисунок: как легко и свободно художник рассказывает о том, что на ветке сидит необыкновенной красоты птица. Сколько изящества, сдер-жанной красоты в этом рисунке и ни следа тяжелой работы. Все исполнено необыкновенно легко и просто. Эта просто-та кажущаяся. Как говорил мой китайский коллега и друг, профессор Лю Баосун, прежде чем нарисовать цветок, надо досконально изучить строение цветка, знать, как он растет, как живет и дышит, другими словами, надо стать цветком. И только после этого путем бесчисленных повторений худож-ник добивается совершенного изображения. Художники гохуа, применяя выработанные в древности приемы (обо-гащение наблюдений по зрительной памяти, использование нейтральной поверхности фона для расширения зритель-ных границ), достигают ощущения неограниченности про-странства. Этому способствуют как вытянутая форма свитка, так и применение рассеянной перспективы (взгляд на мир с птичьего полета), варьирование творческих манер гун–би и се–и. Для современной гохуа характерно сохранение тради-ционных средневековых жанров: жэнь–у («люди»), шань–шуй («горы–воды»), хуа–няо («цветы–птицы»).

К середине XX в. в гохуа наметились два направления: традиционное, с привнесением ярких индивидуальных черт, значительным расширением тематики (Ци Байши, Пань Тянь-шоу, Ли Кэжань, Фу Баоши) и синтезирующее, отмеченное острым интересом к современной жизни, объединяющее ассоциативный язык китайской живописи с европейскими приемами светотеневой моделировки объема, линейной перспективы (Сюй Бэйхун, Цзян Чжаохэ). К концу XX в. среди новых направлений гохуа ведущие позиции занимает тради-ционное.

Для выполнения картины в стиле гохуа, конечно, надо соблюдать все технические правила. Прежде всего готовят-ся кисти и тушь. Кисти хорошие и дорогие вяжутся из меха колонка, белки и др. Дешевле кисти из синтетического воло-

Russian Galery №4


this painting tradition is of a very ancient origin. It has existed since the Chinese invented the method of mak-ing paper of rice hay. this paper is not gummed, and this is its main difference from european paper. so when one

applies paint onto it, it comes through. this is very inconvenient for the artist, as it’s impossible to either correct or erase the depic-tion — it has to be redone. However due to the fact that the picture neither fades, nor worsens, it may be stored for years. this is why we have an opportunity to admire works by artists that lived in the epoch of tan or sun. Drawings made with ink on rice paper speak of supreme mastery of artists that created them. one cannot make mistakes here, one cannot try and then recolor pictures — this is ruled out. thus if you look at a drawing you’ll see how easily and freely the artist can tell about an amazingly beautiful bird sit-ting on a branch. such drawing boasts refinement and restrained beauty with no whisper of hard work. everything’s executed in an outstandingly easy and simple manner. However this simplic-ity is just seeming. As my Chinese colleague and friend professor Lu Baosun once put it “before one can draw a flower one should thoroughly study its structure to know how it grows, lives and breathes”. In other words one should turn into a flower. And only after that by numerous repetitions the artist can achieve a per-fect depiction. By applying methods developed in ancient times (enrichment of observations from visual memory, use of neutral surface of the ground to widen visual boarders) Guohua artists reach the feeling of space unboundedness. this is favored by both the elongated shape of the scroll, and use of diffused perspective (bird’s eye outlook on life), variation of creative manners gun–bi and se–i. Modern Guohua is distinguished by preservation of tra-ditional medieval genres including zhen–u (“people”), shan–shui (“mountains–waters”), and hua–niao (“flowers–birds”).

By mid XX century two tendencies began to show. they includ-ed a traditional one with introduction of bright individual features and considerable increase in theme number (Ch'i Pai–shih, Pan tianshou, Li Kezhan, Fu Baoshi), and a synthesizing one featuring a keen interest in modern life and uniting associative style of Chi-nese painting with european methods of light–and–shade mode-ling of the three–dimensional and linear perspective (Xu Beihong, Jiang Zhaohe). By the end of XX century the traditional tendency became the leading one among new Guohua tendencies.

to make a Guohua painting one should of course follow all technical rules. First one should prepare brushes and ink. Good expensive brushes are made of kolinsky and squirrel fur, and other. Although brushes made of synthetic hair are cheaper, they are no worse. the main requirement to them is that they should absorb a lot of water for the line not to interrupt in bad time due to lack of colour, i.e. ink. the tip of the brush should be very sharp for the artist to draw a most thin line, and of course it should not


62 ШКоЛа юноГо ХУ ожниКа/sCHooL oF tHe YoUnG ARtIst

са, они тоже неплохие. Основное требование к ним: они должны брать много воды, чтоб линия не прерыва-лась не вовремя от недостатка кра-сящего вещества, т. е. туши. Кончик кисти должен быть очень острым, чтоб можно было провести тончай-шую линию, и, уж конечно, не раз-двоенным и «раскоряченным». Такие кисти, естественно, есть, малень-кие и большие, и используются они в зависимости от необходимости быстро прокрывать любую площадь изобразительной плоскости. Следу-ющий компонент — тушь. Она нати-рается каждый раз, перед тем как начать работу. Тушь употребляется сухая, в виде палочки, ее растирают в воде. Для удобства используются специальные сосуды для растира-ния туши, которые тоже могут быть произведениями искусства. Выта-чиваются они из различных пород камня и могут быть в виде черепахи, лягушки, слоненка. Художник, беря в руки красивую кисть, обмакивает ее в тушь, растертую в красивей-шей тушнице. На красивом листе бумаги он должен провести вол-шебную линию. Бумага раскладыва-ется горизонтально на куске фетра, чтобы при рисовании фетр впитывал в себя лишнюю влагу и не позволял туши растекаться кляксами. В верх-ней части лист прижимается тяже-лым бруском, обычно из камня, тоже украшенным резными узорами. Зна-чит, живопись гохуа — это красивый процесс, обряд, а художник — не каторжник, а певец, птица, свобод-но парящая высоко в небе. Поэтому кисть держится особым образом, чтобы она касалась бумаги под пря-мым углом, т.е. вертикально, и рука должна двигаться над поверхностью бумаги, касаясь только концом кисти бумаги. Причем от скорости ведения кисти зависит толщина линии. Стоит

be forked or unwieldy. naturally such brushes may be either small, or big. they are used depending on the neces-sity to rapidly cover painting area of any size. the next component is ink. It should be ground every time before work. the most appropriate ink is dry and stick–shaped. It should be ground in water. to make it easier they use special vessels for ink grinding that can sometimes be works of art themselves. they are turned out of different types of stone, and may look like a turtle, frog, or a baby elephant. the artist takes a nice brush and dips it in ink ground in a most beautiful ink container. the artist should draw an enchanting line on a beautiful sheet of paper. Paper is placed horizontally on a piece of felt for it to absorb moisture odds and prevent ink from blotting and getting smeared. the upper part of the sheet is fastened with a heavy block usu-ally made of stone and decorated with carved patterns. so Guohua painting is a beautiful process and a ritual, and the artist is a singer, a bird freely soaring high in the sky, rather than a convict. therefore the brush should be held in a special way for it to touch paper at the right angle, i.e. vertically. And the hand should move over the surface of paper touching it only with the tip of the brush. notably the speed of moving the brush determines the thickness of the line. once one stops for a moment, the line becomes thicker, since ink gets smeared across paper. this feature can be used when one needs to draw a gentle rich line. In Guohua painting one can use different types of paper. of course, it may be of different colour shades and texture. numerous paper types are available in China. Artists are free to choose paper depending on their objectives. When working with coloured paper one should use hiding paints that resemble water–colours, but feature a finer grinding. the his-tory of Chinese art can be traced back for several millenniums, so we can take pleasure in wonderful samples of Guo-hua painting. the given pictures show succession of work in this technique. First one should make a linear drawing as accurately as possible using a very thin brush. then one should gradually lighten light parts and intensify dark ones. the process has a hard and fast order developed within centuries.

First one should draw the background depicting it in lighter tones. While working one should watch moisture of paper and after the layers applied dry one can cover back planes with dark tones to finally reach the front plane.

Тиан Вы. Водяной замок. 2005г. Тушь, акварель, рисовая бумага, 33х33

Tian Wy. Water Castle. 2005. Indian ink, aquarelle, rice paper, 33х33

Russian Galery №4

63ШКоЛа юноГо ХУ ожниКа/sCHooL oF tHe YoUnG ARtIst

задержать движение, и линия станет толще, так как краска расплывает-ся по бумаге Это можно использо-вать, когда нужна мягкая, бархатная линия. Для живописи гохуа использу-ется бумага различных сортов. Конеч-но, она может быть различных оттен-ков цвета и фактуры. Сортов бумаги в Китае великое множество. Художник подбирает бумагу в зависимости от задачи. При работе на цветной бумаге используются кроющие краски, очень похожие на гуашь, только они тоньше терты. История китайского искусства насчитывает несколько тысячелетий, и мы можем наслаждаться прекрас-ными образцами живописи гохуа. На приведенных иллюстрациях видна последовательность работы в этой технике. Сначала тончайшей кистью рисуется все изображение линейно, как можно точнее. Затем постепенно высветляются светлые места и усили-ваются темные. Весь процесс имеет строго определенный порядок, выра-ботанный веками.

Прежде всего выполняется задний план, в более светлых тонах. При работе необходимо следить за влаж-ностью бумаги и по мере высыхания нанесенных слоев можно перекры-вать более темными тонами задние планы. И так до переднего плана. Если есть необходимость сделать что–то светлее общего тона, применяются кроющие краски светлые. Но очень деликатно и неназойливо. В книжных магазинах Китая сейчас можно купить альбомы для раскраски с последо-вательным показом этого порядка. Практически любой человек, мало–мальски знакомый с изобразитель-ной грамотой, может выполнить при-личную копию. На этом воспитывается любовь к традиционному националь-ному искусству. Кстати сказать, копи-рование входит в обязательную про-грамму обучения рисунку, и выпол-нение копии считается также искус-ством. Есть знаменитые мастера, которые занимались тем, что копиро-вали произведения лучших мастеров древности. Таким образом сохраня-ются произведения живописи гохуа для последующих поколений. Выпол-нение копии с хорошего оригинала многому учит и дает возможность понять технику исполнения. В этом деле требуются кропотливый труд, терпение, умение рисовать, так выра-батывается вкус к изящному. Нацио-нальная живопись гохуа есть выраже-ние достижений великого китайского народа за многие тысячелетия его становления.

Герман Мазурин

If one needs to make something lighter than the general tone, one should use light finish paints. However it should be done very delicately and unobtrusively. today Chinese bookstores offer colour-ing books that logically describe the order. Virtually every person that has at least basic skills of painting can make a good copy. this plants love to tradi-tional national art. By the way, copy-ing is a part of obligatory program of teaching drawing, and copying is con-sidered an art too. some famous art-ists were engaged in copying works by the best masters of ancient times. thus they have managed to keep Guohua works for future generations. Copy-ing a good original one can learn a lot and understand the technique of draw-ing. such drawing requires painstaking work, patience, and an ability to draw. It cultivates taste for the refined. Guo-hua national painting is an expression of achievements accomplished by the great Chinese nation for many millenni-ums of its formation.

German Mazurin

Лий Жуйина. Золотой фазан. 2006г. Тушь, рисовая бумага,65х65Liy Zhuiyna. Golden Pheasant. 2006. Indian ink, rice paper, 65х65



инСтруМенты и МАтериАлы для худоЖниКА ГрАФиКА/ inSTruMenTS And MATeriAlS For GrAPhiC ArTiST

туШьТушь представляет собой жидкость черного цвета, которую в

зависимости от используемой рецептуры можно приобрести на рынке художественной продукции в виде двух основных видов: водостойкой и водорастворимой. Производители выпускают тушь различных видов черного цвета в зависимости от процент-ного содержания пигмента в составе других компонентов. Наи-более существенное различие между ними заключается в сте-пени их светостойкости. Водостойкостью тушь обязана добав-ляемому в ее состав шеллаку (материалу в виде тонких пластин или хлопьев, который используется в производстве лаков). Эта тушь наиболее долговечна. Она может быть разбавлена водой, водостойкие характеристики проявляются только после полно-го высыхания.

Водорастворимая тушь также хорошо смешивается с водой (например, в заливках тональных градаций), но после высыха-ния смывается водой и особо недолговечна; ее нежелательно использовать в комбинации с другими водоосновными сред-ствами. Если вы намерены в каких–либо целях комбинировать водный раствор туши, например, в заливках с акриловой или акварельной красках, берите водостойкую тушь.

Как правило, тушь продается в стеклянных или пластико-вых банках со специальными насадками–пипетками, которые позволяют без труда наполнять тушью любой инструмент, не опасаясь случайного разлива. При покупке туши можно заме-тить, что некоторая часть пигмента оказалась на дне банки в виде осадка. Хорошо встряхните ее и проверьте качество мате-риала на бумаге — линия должна быть однородной, блестяще-го черного цвета. Существует общее правило — не покупайте тушь, если со дня ее изготовления прошло более двух лет. При использовании так называемых рапидографов вам понадобят-ся светостойкие, специально разработанные для этих инстру-ментов виды туши. Речь идет о водостойких и водорастворимых видах туши; они не засоряют инструмент и свободно «ложатся» на рабочую основу плотными линиями.

Некоторые виды туши для графических работ (в особенно-сти основанные не на пигменте, а на красителе) имеют тенден-цию к выцветанию; поэтому выбирайте светостойкий матери-ал. Помимо плотности туши, а также способности не засорять инструмент, она должна быть водостойкой.

цветнАя туШьВ каталогах художественной продукции представлено более

дюжины видов цветной туши, но большинство из них изготав-

indiAn inkIndian ink refers to black liquid available on art goods markets in

two different types including water–proof and water–soluble ones. Manufacturers produce Indian ink of two types of black depending on percentage of pigment among other components. the major dif-ference between them is the degree of lightfastness. Indian ink owes its waterproofness to one of its components called shellac (material marketed in the form of thin plates or flakes used in varnish manu-facturing). such Indian ink is the most durable. It may be diluted with water, and its water–proof characteristics become apparent after drying out.

Water–soluble Indian ink may be easily mixed with water too (for example to render tonal gradations). However after drying out it can be washed with water, so it cannot boast any particular durability. It’s undesirable to use it in combination with other water–based agents. If for some purposes you intend to combine water solution of Indian ink, for example when painting with acrylic or aquarelle colours, you’d better use water–proof Indian ink.

normally Indian ink is sold in glass or plastic jars equipped with special pipette nozzles that help one to easily fill any instrument with Indian ink and prevent spilling. When buying Indian ink one may notice some pigment settled down at the bottom as sediment. shake it thoroughly and test the quality of the material on paper — the line should be homogeneous and shiny black. one general rule says: never buy Indian ink if it has been in storage for more than two years since the date of manufacture. When using so–called Rapidograph pens you will need lightfast types of Indian ink specifically designed for these instruments. It is referred to water–proof and water–soluble types of Indian ink that do not clog the instrument and can be easily applied onto working ground in dense lines.

some types of Indian ink designed for graphic works (in particu-lar the ones based on dye, rather than pig-ment) tend to fade, so you’d better choose a lightfast material. Indian ink should be dense. Besides, it should not clog instruments, and, what is more, it should be water–proof.

Russian Galery №4


ливается на основе малосветостойких красителей. Данная тушь пригодна лишь в тех случаях, когда не требуется светостой-кость (например, в работах, предназначенных для репродук-ций). Кроме того, можно использовать другие жидкие средства. Например, акриловые краски для аэрографа и акварельные краски (прозрачные краски для рапидографов).

ПероПерья используются для графических работ, рисования, пись-

ма. Перо для графики представляет собой довольно гибкий инструмент, что дает возможность наносить линии различной толщины. Перьевые ручки широко рекламируются произво-дителями художественных материалов — потребитель может выбирать инструменты нескольких размеров и форм в зависи-мости от выполняемых функций.

Продолжительность службы перьевых ручек зависит в пер-вую очередь от ухода за ними. Старайтесь избегать накопле-ния на пере осадка, поскольку это непосредственно затра-гивает качество проводимых линий. Перо хорошо очища-ется обычным споласкиванием в проточной воде (из–под крана) Наиболее важный момент очистки — вначале необходимо вынуть перо; в особенности если ручка имеет металлический зажим для фиксации. Металл подвержен корро-зии: если не вынуть перо, его неизбежно заклинит в зажиме. После полной очистки пера и зажима их следует насухо вытереть салфеткой или куском хлопча-тобумажной ткани.

Coloured inkArt goods catalogues feature more than a dozen types of coloured

ink, but most of them are based on insufficiently lightfast dyes. such ink may be applied in cases when lightfastness is not required (for example in works designed for reproductions). Moreover one can use other liquid agents like acrylic paints for airbrushes and aquarelle colours (transparent colours for Rapidograph pens).

PenPens are used for graphic works, drawing, and writing. Graphic pen

is rather a flexible instrument, which allows one to draw lines of dif-ferent thickness. Ink pens are widely advertised by art goods manu-facturers — consumers may choose instruments of different sizes and shapes depending on their functions.

Lifetime of ink pens primarily depends on the care you take of them. Don’t let sediment accumulate on the pen, since it directly affects the quality of the lines you draw. You can easily wash your pen by rinsing it under running water (from the tap). What is most important in cleaning is that one should first take the nib out of pen’s body, especially if the pen has a metal clip for fixation. Metal is apt to corrosion, so if you do not take the nib out, it will inevitably stall in the clip. After you fully clean the nib and the clip, wipe them dry with a tissue or a cotton cloth.

rAVen’S QuillInstruments with a bird’s feather as the key component (like raven’s

or hawk’s feather) feature an ultrathin tip, which helps one to suc-cessfully use them on detailed parts of the picture — such quills are ideal to draw hair–thick lines. smaller size of quills makes it necessary to choose special quill–holders needed to safely fasten the quill. With the help of such instruments artists may draw various lines.

Bird quills feature a sharp tip which can easily damage paper surface. try to always keep it in mind. surface fibers of cold–pressed or medium–quality paper clog or choke the nib, so you’d better use paper with a durable and smooth surface.

Bird quills need to be refilled from time to time. At that you should remember that the quantity of ink on the quill affects the character of the line. this of course does not mean that a quill that dried out after drawing with ink cannot be used for further work: but the more ink there is on the tip of the quill, the more saturated the line is.

While drawing with a quill full of ink you should be pretty careful, as sharp, swift brush–strokes and sudden cessation of hand motion may cause accidental spilling of ink, splashes, drops, and paint stains on paper. If you intend to make a sketch with the help of a bird feather, spend some time on checking its abilities — it’s impossible to make a good sketch if the quill does not work perfectly. Always keep a clean wet cloth at hand to remove remains of dry ink off the quill from time to time.

CAlliGrAPhY Penthe main function of such pens is to help the artist to write letters.

Writing nibs feature a wider tip, as compared to usual ones. Art goods manufacturers offer pens of various sizes and shapes including flat nibs, chisel–shaped nibs, skews that make it possible to work either with both left, and right hand, oval, and round nibs.

of course writing pens were not designed for sketches, however they may help the artist to draw a good dynamic line, and in graph-ic works they boast high mobility. Besides, such pens may create a whole range of various brush–strokes depending on width and shape of the nib. Lines drawn with writing pens are always wider and more substantial. some pens are equipped with metal clips that serve a container for ink and guarantee more even lines and more even dye



Перо воронАИнструменты, составным и ключевым элементом которых

является птичье перо (например, перо ворона, ястреба), имеют сверхтонкий наконечник, что обусловливает их успешное при-менение на детализированных участках рисунка, такие перья создают линию толщиной в волос. Меньший размер перьев диктует выбор специальных корпусов–ручек, необходимых для надежного закрепления пера. С помощью этих инструментов художник может наносить линии разнообразного характера.

Птичье перо обладает острым наконечником, способным легко повредить поверхность бумаги, об этом не следует забы-вать. Поверхностные волокна бумаги холодной прессовки и бумаги средних сортов засоряют — или, как говорят, «забива-ют» наконечник пера, поэтому работайте на бумаге с прочной и гладкой поверхностью.

Птичье перо требует периодического наполнения. При этом следует помнить о том, что объем туши на пере влияет на харак-тер линии. Это, конечно, не означает, что высыхающее от туши перо не годится для дальнейшей работы: попросту, чем боль-ший объем туши находится на кончике пера, тем насыщенней характер линии.

В процессе рисования полностью заправленным пером сле-дует быть осторожным: резкие, стремительные штрихи или внезапное прекращение движения руки могут вызвать случай-ный разлив туши, брызги, капли и пятна краски на бумаге. Если вы собираетесь выполнить набросок с помощью птичьего пера, уделите достаточно времени проверке его возможностей: необ-ходимым условием успешного этюда является безукоризнен-ное качество «работы» пера. Всегда держите под рукой чистую, влажную тряпку, чтобы периодически удалять с пера остатки высохшей туши.

Перо для КАллиГрАФииОсновная функция этого вида перьев — помочь художнику в

написании букв. Перо для письма по сравнению с обычным для графических работ имеет более широкий наконечник; произ-водители художественных материалов предлагают такие перья

feed. When working you should hold the pen with a nib in a most natural position like a usual pencil.

While working with such pens you can use various materials like different types of paper, parchment, and tracing paper. normally they are successfully used for work on surfaces of hard, smooth, and texture grounds (hot–pressed paper). nevertheless you are free to experiment with different types of paper, as the odds are that among them you may find a suitable material that you will like.

rAPidoGrAPh PenS Rapidograph pen is an instrument designed to make precise works.

It helps to save time and unlike usual pens it does not need to be con-stantly refilled with dye. It features an inbuilt reservoir for ink that makes its refilling and cleaning easier. A thin wire inside guarantees a stable dye feed for a long time and minimizes the effect of the instru-ment rubbing against paper surface.

From the viewpoint of graphic artists Rapidograph pens offer an opportunity of a better control while working, as compared to the traditional pen. High–quality lines can be produced if the instrument is held perpendicularly to the writing surface. Manufacturers have made sure that nibs made of stainless steel, tungsten, and precious metals come in a variety of sizes. Unlike fountain pens, the nib of a Rapidograph pen produces a line of single width along the whole length. Its width varies from 0.13mm to 2mm. Popular brands of Rapidograph pen manufacturers include Faber Castell, Rapidograph Koh–I–noor, and Pentel. since the instrument is rather expensive, you should provide appropriate maintenance and handling to guar-antee long irreproachable service. Don’t press hard on your Rapi-dograph pen, otherwise you may break off or bend its thinnest nib. three main types of Rapidograph pens include:

rAPidoGrAPh PenS WiTh A reFillABle CAr-TridGe

Instruments of this class feature a plastic cartridge that can be filled with any ink. Among a wide range of instruments the most popular

Russian Galery №4


в самом широком диапазоне размеров и форм: плоские нако-нечники, наконечники в форме стамески и косые срезы нако-нечников, позволяющих работу как левой, так и правой рукой; овальные и круглые наконечники.

Перо для письма, конечно же, было разработано не для выполнения набросков; однако с помощью него художник может создавать замечательную подвижную линию, а в гра-фическом рисунке его действие характеризуется большой мобильностью. Кроме того, это перо в зависимости от ширины и формы наконечника может создавать целую гамму разноо-бразных по характеру штрихов. Линия, нанесенная пером для письменных работ, всегда шире, «весомее». Некоторые перья снабжены металлическими зажимами, служащими резервуа-ром для туши; в этом случае нанесение линии и подача краси-теля осуществляются более ровно. В процессе работы держите ручку с пером в наиболее естественном положении — как обыч-ный карандаш.

Для работы данным видом ручек пригоден целый ряд мате-риалов: различные виды бумаги, пергамент, калька. Традици-онно успешно выполняются работы на поверхностях твердых, гладких или слабофактурных основ (бумага горячей прессов-ки). Тем не менее пробуйте экспериментировать с различными видами бумаги — вполне вероятно, среди них может оказаться подходящий и близкий вам материал.

рАПидоГрАФыРапидограф — инструмент для выполнения точных работ,

помогающий экономить время. В отличие от обычных ручек он не нуждается в постоянном наполнении краской. В нем есть встроенный резервуар для туши, что облегчает его заправку и очистку. Тонкая проволочная нить внутри гарантирует ста-бильную подачу краски в течение продолжительного времени, сводя к минимуму эффект трения инструмента о поверхность бумаги.

С точки зрения художников–графиков, рапидограф по срав-нению с традиционной ручкой предоставляет возможность более полного контроля в процессе работы. Линии высочайше-

models include Koh–I–noor and staedtler Marsmatic 700. Both tools may be had with one of more than 12 different nib options.

rAPidoGrAPh PenS WiTh A diSPoSABle CAr-TridGe.

Instead of refillable plastic cartridges you’re offered an opportu-nity to purchase industrially filled cartridges — you will only need to install your new cartridge. Use of such instruments has a number of shortages (since they are designed for drafting). thus they have twice as few nib options as Rapidograph pens with refillable cartridges. Besides, choice of ink is limited too.

diSPoSABle rAPidoGrAPh PenS.such pens are simply discarded when ink stops flowing from the

inbuilt cartridge. such instruments are distinguished by gentleness of work, and they are ideal for an unhurried method of work. However,



го качества наносятся в перпендикулярном положении инстру-мента к основе. Производители позаботились о многообразии размеров наконечника, который изготавливается из нержа-вейки, вольфрама или драгоценных металлов. В отличие от перьевых ручек наконечник рапидографа дает линию одной толщины на всем ее протяжении, который варьируется в диа-пазоне от 0,13 мм до 2 мм. Упомянем некоторые популярные торговые марки производителей рапидографов: Faber Castell, Rapidograph, Koh–I–noor, Pentel.Поскольку этот инструмент достаточно дорог, должный уход и обращение с ним являются обязательным условием его длительной безупречной работы. (Не нажимайте сильно на рапидограф — есть риск обломить или согнуть тончайший наконечник.) Существуют три основных вида рапидографов.

рАПидоГрАФы С возМоЖноСтью МноГоКрАтной зАПрАвКи

Инструменты данного класса имеют пластмассовый картридж, который можно заполнить любой тушью. Среди большого коли-чества инструментов можно выделить наиболее популярные экземпляры: Koh–I–noor и staedtler Marsmatic 700. Оба инстру-мента можно приобрести в диапазоне более чем 12 различных размеров наконечника.

рАПидоГрАФы С однорАзовыМ КАртридЖеМ

Вместо повторной заправки пластмассовых картриджей у вас есть возможность приобретения емкостей, заправленных про-мышленным способом — необходимо просто вставить новый картридж. Недостатки работы этими инструментами заключа-ются в том, что (поскольку они предназначены для чертежных работ) выбор размера наконечника для них наполовину уступа-ет рапидографам повторной заправки. Кроме того, выбор туши также ограничен.

однорАзовые рАПидоГрАФыРучки данного типа попросту выбрасываются, когда пре-

кращается подача туши из встроенной емкости. Для данных инструментов характерны мягкость в работе; они прекрасно соответствуют неторопливому методу работы. Однако до насто-ящего момента такие рапидографы производятся с наконечни-ком всего лишь нескольких размеров.

ШАриКовАя руЧКАБольшим преимуществом шариковых ручек является то, что

они доступны практически всегда. Источник красителя встро-ен в корпус и, кроме того, паста хорошо воспринимается всеми типами бумаги. Подача пасты–красителя в шариковой ручке осуществляется мгновенно, в результате чего линия приобрета-ет непосредственный, легко текущий характер.

Шариковая ручка коренным образом отличается от рапидо-графа. Для того чтобы линия была четкой, чистой и аккуратной, рапидограф следует держать в строго вертикальном положе-нии. Линию наносят медленным, рассчитанным движением. А поскольку хорошо известно, что проток для туши в рапидо-графе время от времени засоряется, инструмент нуждается в заботливом отношении.

Вместе с тем шариковая ручка — прочный, доступный и недо-рогой инструмент. С помощью шариковой ручки линия нано-сится очень быстро; сама же ручка занимает в руке удобное,

up to nowadays such Rapidograph pens are available with only a few nib options.

BAll–PoinT Penthe major advantage of ball–point pens is their virtually constant

availability. the source of dye is built into the body, and what is more such ink is well absorbed by all types of paper. Instant ink feed system of the ball–pen provides smooth skip–free writing.

Ball–pens differ from Rapidograph pens drastically. For the line to be precise, clear and neat one should hold a Rapidograph pen in a strictly vertical position. one should draw the line making slow cal-culated motions. And since it is well known that ink canals in Rapi-dograph pens can occasionally become clogged, these tools require careful handling.

Whereas ball–pens are durable, affordable, and inexpensive. With the help of a ball–pen one can quickly draw a line, besides it’s easier and more comfortable to hold it. Its major shortage is long period of ink drying — sometimes it takes up to two days. so to prevent dam-age to your picture cover it with a sheet of clean paper. Besides you can use a corner of this safety screen to remove ink odds off the tip of your ball–pen. otherwise the ink accumulated on the tip of the pen may dirty your drawing or make the line look untidy.

one of the most popular pens among artists is Paper Mate fea-turing a thin tip (for sketches). However your choice of pens with either a medium or thin tip depends on the picture you make. Larg-er sketches require a pen with a medium tip, whereas small ones should be made with pens with a thin tip. normally the best results may be achieved by applying a few lines onto paper to see the real width of lines.

Russian Galery №4


комфортное положение. Основной ее недостаток заключается в долгом высыхании пасты–красителя — иногда на это уходит до двух дней. Поэтому во избежание опасности потери рисунка накройте его листом чистой бумаги. Кроме того, уголком этого защитного экрана можно снимать излишки чернил с наконеч-ника ручки. В противном случае паста, накопленная на кончи-ке стержня, может испачкать рисунок, или линия приобретет небрежный вид.

Среди художников большой популярностью пользуется ручка Paper Mate с тонким наконечником (для набросков); однако выбор ручек со средним или тонким наконечниками зависит от выполняемого рисунка. Наброски более крупных размеров требуют ручку с наконечником средней величины; небольшие следует выполнять ручкой с тонким наконечником. Как пра-вило, наилучшие результаты приносит следующая практика: нанесите несколько линий на бумагу, чтобы увидеть реальную толщину линий.

Штриховка шариковой или перьевой ручкой выполняется серией частых вертикальных или горизонтальных линий, либо их комбинациями (перекрестная штриховка). Чем меньше рас-стояние между линиями, тем насыщеннее будет оттенок.

ФлоМАСтеры и МАрКеры Со времени изобретения фломастеры и маркеры постоянно

совершенствовались и претерпели существенные конструктив-ные изменения — их рабочие качества улучшились. Они стали прочными благодаря более долговечным и стойким материа-лам — таким, как фетр, нейлон, пластмасса и пенообразные материалы. Наконечники остаются острыми и твердыми в тече-ние долгого времени, а подача красителя ровная и плавная, что выражается в превосходном качестве линии.

Наконечники варьируются по характеристикам толщины и формы; популярные ручки с тонким наконечником и более тяже-лые маркеры с наконечником в форме долота или клина. Они хорошо подходят для письменных работ и графического рисун-ка. Маркеры AD даже обладают сменными наконечниками; неко-торые из них (в форме клина) для получения разнообразных линий можно подрезать острым лезвием. Маркеры с двумя нако-нечниками удобны для проведения широких и тонких линий с помощью всего лишь одного инструмента. Наконечник маркера в форме кисти изготавливается из мягкого пеноматериала и может применяться как кисть и обычный маркер.

Некоторые инструменты заправляются водостойкими вида-ми чернил, они обладают высокой светостойкостью и высыхают практически мгновенно. Однако эти красители созданы на осно-ве спиртов и рассматриваются специалистами как токсичные; работать ими следует только в проветриваемом помещении.

Маркеры, заправленные водорастворимыми видами чер-нил, нетоксичны и без запаха. Некоторые из них, тем не менее, не светостойкие, и тушь может размазываться на основе, если попытаться слегка растереть какой–либо фрагмент работы. Для предотвращения подобного «бедствия» пользуйтесь способом маскирования бумаги. Кроме того, эти чернила, по мнению многих экспертов, высыхают довольно медленно.

Гамма производимых сегодня маркеров — это калейдо-скоп разнообразных цветовых оттенков. Они включают яркие, пастельные и флуоресцентные разновидности. Еще один инструмент водорастворимого типа — маркер с наконечником в виде кисти — такой, как, например, модель Marsgraphic 3000 Brush marker , которая обладает мягким, эластичным наконеч-ником из пеноматериала. Инструмент может быть использован и как маркер, и как кисть — им можно наносить тонкие и широ-кие, решительные мазки, а также создавать плавные тональные переходы и штриховки.

to do hatchwork with either a ball–pen or a fountain pen you should apply frequent horizontal or vertical lines or their combina-tions (cross–hatch). the less space there is in between lines, the more saturated the shade is.

Felt Pens and Markers since their invention felt pens and markers have been constantly

improved, so they have changed drastically — their functional proper-ties have become much better. they have become more durable due to more wearproof and enduring materials. their tips remain sharp and hard for a long time, and colour is fed evenly and smoothly, which guarantees an outstanding quality of the line.

tips vary in width and shapes. Pens with a thin tip and heavier markers with chisel– or chock–shaped tips are particularly popular. they are very good for writing and graphic works. AD markers even feature exchangeable tips. some of them (chock–shaped ones) may even be trimmed with a sharp razor. two–tipped markers are good to make wide and thin lines with the help of just one instrument. Markers’ brush–shaped tips are made of soft cellular material to be used either as brushes, or as usual markers. some instruments that are filled with water–proof ink feature a high tightfistedness and dry virtually instantly. However such dyes are alcohol–based, so special-ists render them as toxic ones. they may be used in well–ventilated rooms.

Markers filled with water–soluble ink are non toxic and scent–free. though some of them are not lightfast, so ink may smear on the ground, if you try to slightly rub up a part of your work. to prevent such catastrophe you may use paper masking method. Besides, many pundits believe that such ink dries out rather slowly.

the range of markers manufactured nowadays presents a kalei-doscope of various colour shades. they include bright, pastel, and fluorescent ones. Another water–soluble instrument is a marker with a brush–shaped tip like Marsgraphic 3000 Brush marker. It features a soft elastic tip made of cellular material. the instrument may be used either as a marker, or as a brush to apply thin and wide vigorous brush–strokes, and to create smooth gradations and hatchwork.




МАСляные ПАлоЧКи/ oil STiCkS

oil stick (масляная палоч-ка) — это масляные кра-ски, сгущенные до кон-систенции масляной

пастели, сформованные в палочки различного размера.

oil stick предлагает живописцам новый путь, совмещающий кра-сочность, рельефность и долго-вечность масляной живописи с техникой традиционной пастели, позволяющей работать непосред-ственно по основе, без кисти и мастихина.

Именно эта близость к материа-лу, возможность передать на хол-сте динамику и экспрессию дви-жения составляет главную при-влекательность техники рисун-ка пастелью и углем. Но oil stick принципиально отличается от масляной пастели, представляя собой настоящую масляную кра-

ску, то есть масло + пигмент, лишь с небольшим добавлением воска высокого качества. oil stick можно использо-вать самостоятельно или в сочетании с масляными красками в тубах на всех тра-диционных для масла основах. При необходимости палочка краски размягчает-ся с помощью растворителя — скипидара или уайт–спирита. По желанию худож-ник может «выгладить» мазки с помощью разбавителей или лаков или оставить живопись пастозной. Время высыхания — от двух до шести дней в зависимости от толщины красочного слоя. Цвета прекрасно смешиваются между собой. Так же как при работе с красками в тубах, можно использовать ретушные и покрыв-ные лаки. Естественно, выпускать подобные высокотехнологичные материалы по плечу лишь мировым лидерам в области производства художественных кра-сок, таким, как Winsor&newton и sennelier. У Winsor&newton эта серия называет-ся Оil bar (масляный брусок) — 35 оттенков в трех размерах. У sennelier ассорти-мент представлен 55 оттенками в двух размерах.

Обращение sennelier к подобной инновации не случайно. В его лабора-ториях более полутора веков назад была впервые в мире создана масляная пастель — яркая и динамичная живопись импрессионистов требовала новых материалов. В сотрудничестве с художниками этого направления формиро-валась вся красочная палитра этой фабрики.

А. Темникова, ТД «Невская палитра»

oil stick refers to oils thickened to the consistency of oil pastel and formed into sticks available in a variety of sizes.

oil stick offers painters a new technique combin-ing colourfulness, relief, and longevity of oil paint-ing with traditional pastel drawing method that allows one to paint directly on the base with no brushes or palette knives.

this is the closeness to the material and oppor-tunity to convey the dynamics and expression of movement on the canvas that makes the tech-nique of pastel and charcoal drawing so attractive. However oil stick differs from oil pastel drastically, since it is genuine oil paint, namely oil + pigment, with some high–quality wax added. oil stick may be used either independently, or in combination with oil paints in tubes. It may be applied onto all grounds typical of oil painting. If necessary a stick of paint may be softened with the help of dissol-vent like turpentine or white spirit. If desired the artist may smoothen brush–strokes with the help of dissolvents and varnishes, or leave a painting pastose. It takes it from two to six days to dry out depending on how thick the colour layer is. Colours can be easily blended with each other. Just as when working with tube paints one can use retouching or finishing varnishes. naturally production of such high–tech materials can be managed only by the world leaders in manufacturing paints like Winsor & newton and sennelier. Winsor & newton Com-pany produces a series of such paints called oil Bar available in 25 different shades and three sizes. the range offered by sennelier includes 55 shades available in two sizes.

sennelier interest in such innovation is not acci-dental. More than a century and a half ego its labo-ratories created the world’s first oil pastel, as bright and dynamic painting by Impressionists required new materials. Collaboration with artists represent-ing this trend of art brought about the whole colour palette of this factory.

A. Temnikova, “Nevskaya Palitra” Trading House

Russian Galery №4


ПерезАПрАвКА В инструкциях, сопровождающих инструменты для графи-

ческих работ, подробно рассказывается о том, как заправить картридж тушью. Заполняйте тушь только до ограничительной линии на стенке картриджа, оставляя небольшое пространство для воздуха. Очистите все конструктивные элементы инстру-мента бумажной салфеткой, включая участок вокруг соедине-ния наконечника и корпуса рапидографа. Во избежание «ката-строфических» последствий, не заправляйте инструмент тушью поблизости от рисунка.

ПодАЧА туШи Держите инструмент наконечником вниз и слегка постучите

пальцем по корпусу (верхний торец). Попробуйте провести линию на бумаге. Если подачи туши нет, расположите

рапидограф горизонтально и слегка встряхните его. Снова попробуйте провести линию. Если и на этот раз тушь не поступает, переверните инструмент наконеч-ником вверх и осторожно постучите корпусом о твер-дую поверхность. Если наконечник засорен, такая

процедура должна принести положительный эффект. Не трясите инструмент: этим вы лишь осложните поло-

жение.Если эти действия не привели к нормальной подаче туши на

наконечник, то по всей вероятности в нем просто нет туши или рапидограф нуждается в тщательной очистке.

рАСПолоЖение рАПидоГрАФА К руКеРаботайте рапидографом, располагая его либо под неболь-

шим наклоном к поверхности основы, либо вертикально — поль-зуйтесь наиболее удобным для себя вариантом. Угол наклона, при котором в рапидографе осуществляется нормальная пода-ча туши, варьируется в зависимости от размера наконечника. В отличие от обычных ручек рапидограф можно свободно пере-мещать по бумаге в любом направлении.

Наилучшими основами для рапидографа являются твердые, гладкие виды бумаги (горячей прессовки) их качества способ-ствуют созданию чистых, ясных и точных линий. Разновидности туши, специально разработанные для рапидографа, характе-ризуются хорошей текучестью, предоставляя художнику зна-

reFillinG Guides accompanying tools for graphic works feature detailed

instructions on how to go about filling the empty cartridge with ink. When refilling the cartridge try not to go above the bounding line on its wall and leave some space for air. Wipe all constructive elements of the tool with a paper tissue including the junction point of the tip and the body of your Rapidograph pen. to avoid catastrophic conse-quences do not fill the tool with ink in the vicinity of your drawing.

ink SuPPlYHold the tool with its tip down and slightly tap your finger on its

body (its upper butt). try to draw a line on paper. If ink is not supplied place your Rapidograph pen horizontally and shake it gently. then try to draw a line once again. If ink still does not come out, turn the tool with its tip up and carefully tap its body on some hard surface. In case the tip is clogged, such procedure can have an effect. Do not shake the tool, or it may aggravate the situation.

If those actions failed to restore normal supply of ink to the tip, then your Rapidograph pen may be out of ink, or needs a thorough cleaning.

hAnd–Pen diSPoSiTionUse your Rapidograph pen holding it either at a small angle

to the surface of the ground, or vertically — you are free to choose the most convenient option. the tilt angle enough for normal ink supply in the Rapidograph pen may vary, depend-ing on the size of the nib. Unlike usual pens, the Rapidograph pen may be easily moved across paper in any direction.

the best grounds for the Rapidograph pen include hard and smooth types of paper (hot–pressed one), since their properties favour production of clear, distinct, and accurate lines. Ink specifi-cally designed for Rapidograph pens features good fluidity, which allows the artist to feel free while working. It produces clear even lines and dries quickly (water–proof ink does not get smeared and does not dirty the surface of the ground) creating a dense black line, which serves as a perfect base for reproduction printing.

rAPidoGrAPh Pen MAinTenAnCe Any types of ink including the so called anti–clogging ones will

finally cause clogging of the tool if it is not cleaned regularly. Besides

иСПользовАние рАПидоГрАФов/ rAPidoGrAPh Pen uSe



чительную свободу в работе. Они дают четкие ровные линии, быстро высыхают (водостойкие виды туши не размазываются и не загрязняют поверхность основы), создавая плотную линию черного цвета — превосходный фундамент для печати репро-дукций.

уход зА рАПидоГрАФоМЛюбые виды туши, включая так называемые незасоряющие

типы, в конечном итоге вызовут засор инструмента, если регу-лярно не проводить его очистку — при общем аккуратном обра-щении с ним и должном уходе. Необходимо соблюдать следую-щие несложные правила:

если рапидограф не используется более одной минуты, закрывайте его колпачком. Внутри колпачка находится «поду-шечка», которая герметически запечатывает наконечник, что предотвращает высыхание частиц туши внутри него.

Обратите внимание на то, что если вы рисуете на мягких или волокнистых материалах, возможность засорения тонких нако-нечников значительно увеличивается.

Конструктивно рапидограф — довольно прочный инструмент, однако его наконечник может быть легко поврежден при неак-куратном обращении с ним (например, при падении на пол).

В процессе сборки рапидографа после очистки плотно затя-ните пластмассовые части корпуса. Будьте осторожны: при завертывании достаточно хрупкая пластмасса может треснуть. Не используйте ключ, который входит в комплектацию рапи-дографа, за исключением случаев, когда какая–нибудь часть инструмента не поддается отвертыванию вручную.

Чем чаще работаете рапидографом, тем реже приходится его чистить. Вот лишь самый общий пример: используя инструмент только раз в неделю, промывайте его с той же периодичностью. Если же вы отложили рапидограф на какое–то время, сперва его необходимо очистить. Кроме того, инструмент следует очищать перед каждой новой заправкой.

оЧиСтКА рАПидоГрАФАИнструкции по очистке легко выполнимы: нужно открутить

детали корпуса и осторожными постукивающими движениями удалить излишки туши из задней его части на бумажную салфет-ку. Отвернуть наконечник от основания корпуса и вымыть оба компонента в теплой проточной воде или специальном раство-ре для очистки рапидографов. При использовании водостойких видов туши раствор для очистки рапидографов эффективнее обычной воды. Прополоскайте детали в чистой воде, стряхните остатки жидкости, затем насухо протрите бумажной салфеткой наконечник и детали корпуса, наконец, соберите инструмент.

Недорогим и эффективным средством очистки, способным удалить остатки воды и очищающего раствора сквозь отверстие наконечника, является шприц. Укрепите корпус и наконечник рапидографа на шприц и погрузите в чистую воду. Промой-те наконечник под давлением несколько раз. Когда он станет достаточно чистым, повторите процесс, используя вместо воды раствор для очистки рапидографа. Наконец, промойте рапи-дограф водой, чтобы удалить остатки очищающего раствора. Стряхните остатки жидкости и насухо вытрите детали бумажной салфеткой.

Есть еще одно средство для очистки рапидографа: его дей-ствие особенно эффективно в случае, если регулярно очистку инструмента не проводили, в результате рапидограф был край-не засорен. Это ультразвуковой очиститель. В каталогах упо-минаются несколько моделей, цена которых колеблется в диа-пазоне от 35$ до 160$ . Если вы планируете большие объемы графических работ тушью, ультразвуковой очиститель оправда-ет затраты.

cautious handling and proper maintenance, one should stick to the following simple rules:

If you do not use your Rapidograph pen for more than a minute, close it with a cap. Inside the cap there is a special pad that hermeti-cally seals the nib, which prevents drying of ink particles inside it.

Please note that if you draw on soft or fibrous material, the chance that thin nibs will get clogged increases considerably.

structurally the Rapidograph pen is rather a durable tool, however its nib can be easily damaged if the tool is handled carelessly (for example, if it falls onto the floor).

When assembling your Rapidograph pen after cleaning it make sure you have tightened the plastic parts of its body fast. Do it care-fully, as when tightened this rather fragile plastic may crack. Avoid using the key delivered together with your Rapidograph pen except in the cases when you cannot unscrew a part of the tool by hand.

the more often you use your Rapidograph pen, the more seldom you need to clean it. Here is a most common example: if you use this tool just once a week, rinse it with the same regularity. But if you put the tool aside for some time, you first need to clean it before use. Besides, your tool should be cleaned before every refilling.

rAPidoGrAPh Pen CleAninGCleaning instructions are easy to follow: turn off details of the body

and making delicate tapping movements remove ink odds from its rear part onto a paper tissue. then turn the nib off the base of the body and wash both components in warm running water or special solution designed for Rapidograph pen cleaning. If you use water–proof ink it would be more efficient to use solution for cleaning Rapi-dograph pens, rather than usual water. Rinse details in clean water, shake off water odds, then use a paper tissue to wipe the nib and the details of the body dry, and finally assemble the tool.

A cheap and effective tool for cleaning that can remove water and cleaning solution odds through the hole of the nib is a syringe. Fas-ten the body and the nib of your Rapidograph pen onto the syringe and soak it in clean water. Clean the nib under pressure several times. When it is clean enough repeat the process using solution for clean-ing Rapidograph pens instead of water. then finally rinse your Rapi-dograph pen in water to remove cleaning solution odds. shake off liquid odds and use a paper tissue to wipe the details dry.

You can also use another device to clean your Rapidograph pen: it’s particularly efficient if you did not clean your Rapidograph pen regu-larly, and consequently the tool is very clogged. the device is known as “ultrasonic cleaner”. Catalogues offer a few models whose prices vary from 35$ to 160$. If you’re going to make a lot of graphic works with ink, the ultrasonic cleaner will pay off.

Russian Galery №4


При изображении предметов с натуры живописец точно передает и соблюдает их пропорции в картине с помощью визу-ального метода измерения предметов.

Всякое построение, прорисовка любого предмета на холсте и проведение измерения основных размеров данного предмета начинается с определения его серединной линии и линии осно-вания, на практике ее часто называют «следочком».

Линия основания предмета (так называемый следочек) — это короткая лилия, она прорисовывается параллельно нижнему краю холста, показывает, а каком месте и на каком плане карти-ны располагается данный предмет.

Серединная линия формы предмета берет свое начало от линии основания предмета. Серединная линия предмета про-рисовывается строго вертикально и параллельно боковому краю холста.

рАССМотриМ ПоСтроение Серединной линии1. Серединная линия делит собой форму предмета на две рав-ные части.2. С серединной линии начинается построение любого предме-та, от нее откладываются все размеры (высота, ширина, длина) и с ней сверяется каждая часть формы изображаемого пред-мета.3. Построение серединной линии и прорисовка всех размеров формы предмета производится с помощью полоски бумаги и карандаша.4. Полоска плотной белой бумаги с достаточно ровными кра-ями (размером 5х40 см) всегда помогает художнику прове-сти все построения в рисунке точно, довольно быстро, линии

визуАльный Метод изМеренияПредМетов в риСунКе С нАтуры/ ViSuAl MeThod oF MeASurinGoBjeCTS While PAinTinG FroM nATure

If you want to depIct mountaIns of a beautIful style and want them to look natural, content yourself with large crack–ridden stones and draw them from nature.

Giotto di Bondone

ЕСЛИ ХОЧЕШь ИЗОБРАЗИТь ГОРы КРАСИВОГО СТИЛЯ, И ЧТОБы ОНИ КАЗАЛИСь НАТУРАЛьНыМИ, УДОВОЛьСТВУЙСЯ БОЛьШИМИ КАМНЯМИ, ПОЛНыМИ ТРЕщИН, И НАРИСУЙ ИХ С НАТУРы.

ДжоТТо Ди БонДоне

When depicting objects from nature the painter accurately conveys and observes their proportions in a painting by using a visual method of object measuring.

Before contouring, drawing any object on the canvas, or measuring the main sizes of the object, one should find its mid line and base line which is often called a trace line.

the line of object’s base (the so–called trace line) refers to a short line drawn in parallel to the bottom edge of the canvas. this line indi-cates in what place and in what plane of the painting the object is.

the mid line of object’s shape starts from the line of object’s base. the mid line of the object is drawn vertically in parallel to the lateral edge of the canvas.

Васильев Ф. Болото в лесу. Осень. 1860г. Х., м.F. Vasilyev. Swamp in the Forest. Autumn. 1860. Canvas, oil



выполнить ровными и соблюсти в них параллельность, если таковая имеется.5. Употребление линейки при построении формы в искусстве рисунка не рекомендуется, ибо линейка слишком усложняет, запутывает и затягивает процесс прорисовки форм.

рАССМотриМ визуАльный Метод изМере-ния ПредМетов в иСКуССтве риСунКА С нАтуры1. Визуальный метод измерения предметов, которые находятся на различном расстоянии от художника, производится каран-дашом, где четыре пальца лежат на карандаше и одновременно держат его, а пятый, большой палец, своим ногтем точно заме-ряет необходимое расстояние следующим образом. Например, необходимо измерить общую высоту предмета. На вершину, то есть самую высокую точку предмета, наводится острый кончик грифеля нашего карандаша, который вы вертикально держите в руке, а самая нижняя точка предмета фиксируется ногтем боль-шого пальца. Таким образом, любые производимые замеры укладываются в расстояние от острого кончика грифеля каран-даша до середины карандаша или на всю длину карандаша.2. При визуальном измерении ваша рука должна быть всегда вытянута, но ни в коем случае не согнута в локте, в противном случае все размеры будут искажены.3. Необходимо также при этом измерении один глаз закрывать, так как увеличивается прицельное видение.4. При выполнении замеров карандаш может располагаться как горизонтально, так и вертикально, в зависимости от того, чтовы измеряете, ширину или высоту натуры.5. Затем на вытянутой руке, сохраняя пальцами руки данный замер (например, это высота предмета), вы определяете, на сколько остальные части формы предмета меньше этой макси-

leT uS See hoW The Mid line iS drAWn.1. the mid line divides the shape of the object in two equal parts.2. Drawing of any object starts with the mid line, since it is the line used to protract all sizes (height, width, and length) from and to verify every part of the shape of the object being depicted with.3. to draw the mid line and depict all sizes of object’s shape one can use a strip of paper and a pencil.4. A strip of dense white paper with rather even edges (measuring 5x40cm) can help the artist to rapidly and accurately make all draw-ings, draw even lines, and observe parallelism if there is such.5. It’s not recommended to use rulers while depicting the shape in a painting, since rulers make everything too complicated and tangled. Besides they make the process of shape depicting much longer.

leT uS exAMine The ViSuAl MeThod oF MeASurinG oBjeCTS in The ArT oF PAinTinG FroM nATure1. Visual method of measuring objects placed at a different distance from the painter can be applied with the help of a pencil with four fingers being on the pencil and holding it, and the fifth thumb meas-uring the distance needed with its nail as follows.For example, when you need to measure the general height of an object, direct the sharp tip of the lead of the pencil held vertically at the top, i.e. the highest point of the object, and fix the lowest point with your thumb nail. thus any measurements made will go into the distance from the tip of pencil lead or along the length of the pencil.2. When applying visual measuring method always hold your arm stretched. You should never bend your elbow, otherwise all sizes will be distorted.3. When applying such measuring method you should close one eye to increase precision sight.

Поленов В. Христос и грешница. 1888г. Х.,м.V. Polenov. Christ and the Sinner. 1888. Canvas, oil

Russian Galery №4


мальной высоты предмета, при этом один глаз также остается закрытым.6. При проведении замеров необходимо определить макси-мальную высоту, ширину и размер наиболее узкого места в форме предмета и другие размеры частей объекта.7. Такой визуальный метод измерения и построения форм предметов существует в изобразительном искусстве уже на протяжении многих столетий и остается неизменным.8. Полученный замер или отрезок вы отмечаете карандашом на полоске белой бумаги, в виде черточек–засечек.9. Если необходимо разделить данный замер на две равные части, стоит лишь согнуть полоску бумаги, на которой отме-чен этот отрезок, и линия сгиба покажет вам точную середину отрезка.10. Так, отмечая полученные размеры (высота, ширина, длина) черточками–засечками пли сгибами па полоске бумаги, снова и снова сопоставляя, сравнивая размеры частей формы между собой и под конец работы опять сверяя их с натурой, вы смо-

4. When doing measurements you can hold the pencil either horizon-tally, or vertically depending on the objects you intend to measure, width or height of nature.5. then holding your arm stretched and keeping the measurement with your fingers (say, it’s object’s height) you can find out to what extent the rest parts of object’s shape are smaller than this maximum height of the object. At that one eye should also remain closed.6. When doing measurements you should find out the maximum height, width, and size of the narrowest place of object’s shape, as well as other sizes of object’s parts. 7. such visual method of measuring and drawing objects’ shapes has been used in fine art for many centuries and it has not at all changed.8. notch the measurements or sections you got on a strip of white paper using a pencil. 9. If you need to divide this measurement in two, you should simply bend the strip of paper with this section indicated on it, for the fold line to show the exact middle of the section.10. thus when indicating the sizes (height, width, and length) with notches or folds on a paper strip you can learn proportional volumetric object shape drawing by constantly verifying and comparing the sizes of shape parts with each other, and verifying them with nature at the end of work. of course, at first lessons one can hardly observe exact proportions of objects, however with practice you mastery will grow. Remember, the more measurements of the object you do, the more you compare them and the more differences you find between them, the more accurately you will convey the proportions of this object in your painting.

For example, when measuring the bottom of a vase, you should hold the pencil horizontally. the tip of the pencil should coincide with the beginning of the bottom, and the thumb, as mentioned above, should fix the end of the bottom on the pencil.

then holding your arm stretched you should keep this measure-ment of the bottom to define how many bottoms can go along the length of the vase. such method of object’s sizes measuring should be done starting with the base of the vase. At that one eye should remain closed.

Васнецов В. Ковер–самолет. 1880г. Х.,м.V. Vasnetsov. The Magic Carpet. 1880. Canvas, oil



жете научиться пропорциональному, объемно-му построению форм предметов. Конечно, на первых занятиях точные пропорции предметов вряд ли будут соблюдены, но с опытом умение ваше непременно будет возрастать. Помните, чем больше замеров предмета вы выполните, проведете между ними сравнения и определите их разницу, тем точнее будут переданы пропор-ции данного предмета в вашей картине.

Например, измеряя донышко вазы, карандаш располагается горизонтально, острый кончик карандаша совпадает с началом донышка, а большой палец руки, как уже говорилось выше, фиксирует конец донышка на карандаше.

Затем на вытянутой руке, сохраняя данный замер донышка, вы определяете, сколько таких донышек располагается по высоте этой вазы. Такое определение размеров предмета лучше вести от основания вазы, при этом один глаз также остается закрытым.

Если в рисунке с натуры приходится произво-дить визуальные измерения крупных и доволь-но сложных по форме предметов (например, крупная ваза сложной формы, или фигура животного, человека, или вы пишете портрет и т. д.), прежде всего необходимо найти в форме данного предмета наименьший по размеру эле-мент. Именно этот элемент будет своеобразной единицей измерения изображаемого объекта, послужит инструментом измерения. Такая единица измерения изображаемого объекта называется модулем.

В качестве модуля — единицы измерения формы предмета в искусстве рисунка используются не привычные в повседневной жизни сантиметры, а некая часть этого изображаемого предме-та, имеющая небольшой удобный размер.

Возможно, это ширина основания предмета, либо это макси-мальная, то есть наибольшая ширина предмета в целом, либо его максимальная высота или самое узкое место в форме пред-мета и т. д.

Например, для того чтобы точно передать форму и пропор-ции сложной но форме вазы, мы избираем модулем — едини-цей измерения — горлышко вазы или ее донышко и определяем, сколько таких донышек укладывается в ее общей высоте и в ее максимальной ширине. Таким образом, мы будем знать основ-ные размеры предмета.

Этим донышком определяются все пропорции вазы, то есть все размеры вазы сверяются с ее донышком.

Модулем — единицей измерения фигуры человека мы выби-раем высоту головы и определяем, сколько раз высота головы укладывается по всей максимальной высоте фигуры, по длине рук, ног, торса и т.д. При изображении предметов многоуголь-ной формы, например гипсовой плиты с орнаментом, модулем является самое ближнее к наблюдателю ребро плиты, куба пли призмы, стола, стула и т. д. В таких формах все размеры будут определяться относительно ближнего ребра, так как его раз-меры меньше всех искажены ввиду близкого расположения к наблюдателю.

Помните, что при написании натюрморта необходимо точно передать размеры не только каждого предмета в отдельности, но и верное соотношение, сочетание размеров всех предметов.

Например, высоту яблока как самого маленького предмета натюрморта художник просчитывает и сверяет с высотой всех предметов натюрморта (то есть сколько раз высота яблока укла-дывается в высоте рядом стоящей вазы, бокала или подсвечни-ка и т. д.). Может быть, в высоте вазы помещается два яблока с половиной или три яблока с четвертью и т. д.

If when painting from nature you have to do visual measurements of large and complex–shaped objects (like a large vase of a complex shape, or the figure of an animal or a person, or if you paint a portrait, etc.) you should first find the smallest element of the object’s shape. this element will be a unit of measurement of the object being depict-ed and will serve as a tool of measurement. such unit of measurement of the object being depicted is called “module”.

In the art of drawing one does not use centimeters habitual in everyday life as a module, a unit of measurement of object’s shape. Instead one uses a certain part of the object being depicted with the most convenient size.

It may be the width of object’s base, i.e. the largest width of the object on the whole, or its maximum height, or the narrowest place of object’s shape, etc.

thus to accurately convey the shape and proportions of a complex–shaped vase, we choose the neck or the bottom of the vase, as a module, a unit of measurement, to find out how many such bottoms can go along its general height and its maximum width. thus we will know the main sizes of the object.

With the help of this bottom one can determine all proportions of the vase, i.e. all the sizes of the vase are verified with its bottom.

As a module — unit of measurement of person’s figure — we choose the height of the head to determine how many head heights may go along the maximum height of the figure, length of arms, legs, torso, etc. When depicting objects of multiangular shape like a plaster slab with ornaments the module is the closest to the observer edge of the slab, cube, prism, table, chair, or other. In such shapes all sizes will be determined relatively to the closest edge, since its sizes are less distort-ed than those of others due to its closest location to the observer.

Remember that when painting a still–life you should accurately convey sizes of each object individually and what is more the right correlation and combination of sizes of all objects.

thus the artist should estimate and verify the height of an apple as the smallest object in a still–life with the height of all objects of the still–life (i.e. how many times the height of the apple can go in the height of a vase, glass, candlestick, or other places nearby). the height of the vase may hold two apples and a half or three apples and a quarter, etc.

Айвазовский И. Радуга. 1880г. Х.,м.I. Ayvazovskiy. The Rainbow. 1880. Canvas, oil

Russian Galery №4

77

78


Russian Galery №4

ЖурналРусская галерея – XXI век

RUssIAn GALLeRY — XXI CentURY © Издательский дом «ПАНОРАМА», № 4 / 2008

Выходит 6 раз в год

ШЕФ–РЕДАКТОР Кирилл МоскаленкоГЛАВНыЙ РЕДАКТОР Светлана Надыкта

ПРЕДСТАВИТЕЛь В ВЕЛИКОБРИТАНИИ Татьяна Ли тел: 0798 320–4812

РЕДКОЛЛЕГИЯ Татьяна Бойцова, искусствовед, начальник отдела

информации Союза художников

России

ЛИТЕРАТУРНыЕ РЕДАКТОРы Олеся Крапивка, ИСКУССТВОВЕД Мария Липатова

ВыПУСКАЮщИЙ РЕДАКТОР Светлана ФоминаДИЗАЙНЕР ОБЛОЖКИ Юлия МиронцеваДИЗАЙНЕР/ВЕРСТАЛьщИК Даша Гашек

КОРРЕКТОРы Татьяна Белова, Альбина Галиева

ПЕРЕВОД Наталья КочетковаФОТОГРАФ Антон Михайлов

ОТВЕТСТВЕННыЙ СЕКРЕТАРь РЕДАКЦИИ Григорий Москален-ко

УЧРЕДИТЕЛь © Издательский дом «ПАНОРАМА»ИЗДАТЕЛь © Издательский дом «ПАНОРАМА»ГЕНЕРАЛьНыЙ ДИРЕКТОР Кирилл Москаленко

ФИНАНСОВыЙ ДИРЕКТОР Галина ИгнатоваМЕНЕДЖЕР ПРОИЗВОДСТВА Елена Смирнова

РАСПРОСТРАНЕНИЕ Светлана Максимова телефон: (495) 945–1473

МЕНЕДЖЕР ПО СВЯЗЯМ С ОБщЕСТВЕННОСТьЮ Татьяна Петропав-лова

телефон: (499) 257–1339 [email protected]

Адрес редакции:Москва, Верхняя ул., д. 34. Тел /факс: (499) 257–1339

Почтовый адрес редакции: 107031, Москва,

а/я 49 ИД «Панорама» e–mail: russgal21@mail. ru

Отпечатано в типографии ООО «Стрит–Принт» Тираж 7000 экз.

Журнал на 2–е полугодие 2008 г. распространяется через каталоги:

ОАО «Агентство Роспечать», «Почта России» и «МК — Периодика»,а также путем прямой редакционной и зарубежной подписки.

Журнал зарегистрирован Федеральной службой по надзору за соблюдением законодательства в сфере массовых

коммуникаций и охране культурного наследия. Свидетельство о регистрации ПИ № ФС 77–22072 от 24. 10. 2005 г.

Перепечатка без разрешения редакции ЗАПРЕщЕНА.

Magazine Русская галерея – XXI векRUssIAn GALLeRY — XXI CentURY © «Panorama» Publishing House, № 4 / 2008 Issued six times per year

CHIeF eDItoR Kirill MoskalenkoeDItoR–In–CHIeF svetlana nadyktaRePResentAtIVe In GReAt BRItAIn tatiana Leetel. : 0798 3204812eDItoRIAL BoARD tatiana Boytsova, Art's critic, Head of office of

information of the Union of Artists

of Russia

LIteRARY eDItoR olesya Krapivka,ARt CRItIC Maria LipatovaCoMMIssIonInG eDItoR svetlana FominaBooK CoVeR DesIGneR Julia MirontsevaDesIGneR/ MAKeR–UP Dasha GashekPRooF–ReADeRs tatiana Belova, Albina GalievatRAnsLAtIon natalia KochetkovaPHotoGRAPHeR Anton MikhailoveXeCUtIVe eDItoR Grigoriy MoskalenkoFoUnDeR © «Panorama» Publishing HousePUBLIsHeR © «Panorama» Publishing HouseDIReCtoR–GeneRAL Kirill Moskalenko FInAnCIAL DIReCtoR Galina IgnatovaPRoDUCtIon MAnAGeR elena smirnovaDIstRIBUtIon svetlana Maximova phone: (495) 945–1473MAnAGeR PR tatiana Petropavlova phone: (499) 257–1339 [email protected]

editorial office address: Moscow, Verkhnaya st., 34. tel /Fax: (499) 257–1339

editorial office mailing address: 107031, Moscow, PoB 49 «Panorama» Publishing House e–mail: russgal21@mail. ru

Printed in the printing–house of stret–Print Circulation 7000 copies.

Magazine in the 2nd half of the year 2008 is distributed via catalogues: «Rospechat Agency» Public Corporation», «Russian Post» and JsC «MK — Periodica», and also through direct editing and foreign subscription.

Magazine registered by Federal service for surveillance on Legislation observance in the sphere of Mass Communications and Cultural Heritage Protection. Registration certificate № Fs 77–22072 issued on 24. 10. 2005

Reprinting without the editor’s prior permission MAY not tAKe PLACe.


А также ПО СИСТЕМЕ АДРЕСНОЙ ПОДПИСКИ (про-изводится издательством). Оплату адресной подпискиследует произвести по реквизитам:

НП ИО «Перспектива», ИНН 77025 37832/КПП 770201001, Вернадское ОСБ 7970, г. Москва, Сч. №

40703 81073 81801 33848, БИК 044525225, к/сч № 30101 81040 00000 00225.

Банк получателя Сбербанк России, г. Москва

ВНИМАНИЕ! В платежном поручении обяза-тельно укажите «За подписку на журнал «РУС-

СКАЯ ГАЛЕРЕЯ — XXI ВЕК» 2–е полугодие». Цена подписки указана ниже.

Возможна подписка на журнал через отде-ления Сбербанка России по форме ПД–4.

В графе «Назначение платежа» платежного документа следует написать: «За подписку на

журнал «Русская галерея — XXI век» на 2–е полугодие» (три номера) и соответственно

оплатить 630 руб. Доставка включена. НДС не взимается. Справки по телефону:

+7 (495) 945–14–73 9.00–17.00 (время московское)

ПРАЙС–ЛИСТ НА РАЗМЕщЕНИЕ РЕКЛАМНОЙ ИНФОРМАЦИИ

В ЖУРНАЛЕ:

Payment terms:Payment requisites (eURo) «Panorama» not–for–Profit organization,Address: Pechatnikov str., 22, building 1, 107045, Moscow, Russia.Account №40703978838180233849, Bank Beneficiary: sBeRBAnK Vernadskoe branch 7970, Moscow, Russia, sWIFt: sABRRUMM Payment requisites (UsD) «Panorama» not–for–Profit organization, Address: Pechatnikov str., 22, building 1, 107045, Moscow, Russia.Account №40703840238180233849, Bank Beneficiary: sBeRBAnK Vernadskoe branch 7970, Moscow, Russia, sWIFt: sABRRUMMthe client pays for the bank subscription fees transfer services. the bank letter should contain: the title of the periodical, the period the payment has been made for. For delivery to be carried out one should: specify the exact address, to which the periodical should be delivered, and send a copy of thebank letter confirming the payment has been made.editorial office address: Russia, 107031, Moscow, PoB 49 «PAnoRAMA» Publishing House, phone/fax +7(499) 257–13–39,e–mail: russgal21@mail. ru subscription through subscription agenciesto effect subscription it is necessary to address to one of the partners of JsC «MK–Periodica» in your country or to JsC «MK–Periodica» directly.Address: Russia, 129110 Moscow; 39, Gilyarovsky street, JsC «MK–Periodica» tel. : (495) 681–9137, 681–9763; fax (495) 681–3798e–mail: info@periodicals. ruInternet: http://www. periodicals. ru

РАЗМЕР МОДУЛЯСТОИМОСТЬ ПУБЛИКАЦИИ

(руб)

1/1 полосы 45 000

2–я полоса обложки 90 000

3–я полоса обложки 70 000

MODULE SIZE PUBLICATION PRICE ($)

1/1 page 1 500

Second cover page 3 000

Third cover page 2 500

Subscription ratein 2008, delivery included

Half–year subscriptionrate (three issues) $

90

RAte sHeet FoR PRInt ADVeRtIseMentIn tHe MAGAZIne

For further information, please contact: +7 (499) 257–13–39

Каталог агентства «Роспечать» индекс 20239

Каталог российской прессы «ПОЧТА РОССИИ» индекс 61869

Подписаться на журнал Русская галерея – XXI век

можно на почте в любом отделе-нии связи.

Справки по телефону: +7 (499) 257–13–39

Dear sirs! «PAnoRAMA» Publishing House offers an opportunity for foreign readers to regularly receive «Russian Gallery — XXI Century» Magazine.

Documents

Новости искусства Art news ВУЗЫ Universities · PDF fileизвестными художниками, как Натан Альтман, Юрий Анненков,