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Nicolás Bacal

Andrés Denegri

Juan Pablo Ferlat

Mariano Giraud

Hernán Kerlleñevich

Marcos Mangani

Fabián Nonino

Sebastián Pasquel

Javier Plano

Juan Rey

Juan Camilo Leon Sarmiento

Claudia Valente

Curaduría: Jazmín Adler y Silvana Spadaccini

VISCERAL1 5 - 3 0 d e s e p t i e m b r e 2 0 1 5B u e n o s A i r e s - A r g e n t i n a

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VISCERAL ahonda en los resquicios del cuerpo y de la propia historia, en los intersticios de aquello indecible que súbitamente irrumpe en la configuración de heterodoxas crónicas sobre sí. La muestra reúne obras de doce artistas que abordan las nociones de autobiografía y autorretrato desde distintas perspectivas, pivotantes entre la insondable intimidad y la crudeza implícita en el mismo acto de exhibición.

La tecnología atraviesa la producción de los artistas, concebida en todos los casos como medio material, estético y conceptual que habita las operaciones y discursos involucrados en cada una de las propuestas.

VISCERAL pretende poner en jaque la noción de “artes tecnológicas”, desplegando un abanico de propuestas que desbordan las fronteras impuestas por las clasificaciones. Escultura, dibujo, grabado, fotografía, video e instalación se alternan e imbrican en proyectos que asimismo entrelazan dispositivos mecánicos, electrónicos y/o digitales. Una multiplicidad de técnicas, disciplinas, soportes y formatos combinados en sugestivas poéticas contemporáneas; obras porosas, permeables, que evaden definiciones y exploran libremente estos cruces.

Como una cinta de Moebius, figura insinuante cuya cara única barre con la distinción entre el adentro y el afuera, la representación de lo íntimo entraña cierto gesto de desobedecimiento de las categorías que rigen el ordenamiento del mundo. En determinadas

Jazmín Adler. Buenos Aires, 1985. Licenciada en Artes (UBA) y Doctoranda en Teoría Comparada de las Artes (UNTREF). Miembro del colectivo Ludión: exploratorio latinoamericano de poéticas/políticas tecnológicas (Instituto Gino Germani, FCS-UBA). Es docente de “Historia de las Artes Electrónicas”, “Teoría y Estética del Arte Interactivo” y “Desarrollo, Gestión y Producción de Proyectos de Arte Electrónico” en la Maestría en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas (UNTREF), y profesora adjunta en la Universidad Maimónides. Durante los últimos años trabajó en la curaduría de las muestras Tecnopoéticas (Museo de Arte Contemporáneo, Santa Fe), Mecánicas de Pensamiento: obras en proceso (Museo Castagnino, Rosario), VISCERAL (Panal, Buenos Aires) y Sincronías en abismo (Buenos Aires Photo). Desde 2014 integra el equipo curatorial de Fase – Arte + Ciencia + Tecnología (Centro Cultural Recoleta).

obras, como las de Juan Pablo Ferlat, Marcos Mangani, Juan Rey y Mano de Mariano Giraud, el cuerpo del artista es replicado, fragmentado o transformado partiendo desde un lógica especular. En otros trabajos, resuenan retratos de antepasados, sucesos familiares y reminiscencias de la infancia, cuya manifestación en el presente parece advertir la (re)construcción de la propia historia. Tal es el caso de los proyectos de Andrés Denegri, Fabián Nonino, Sebastián Pasquel, Javier Plano y Juan Camilo Leon Sarmiento. Por su parte, las propuestas de Nicolás Bacal, Hernán Kerlleñevich, Claudia Valente y la obra basada en la explosión del transbordador Challenger, de Mariano Giraud, devienen de la evocación de recuerdos, imágenes y objetos que instituyen modos específicos de percibir la realidad, enhebrar el pensamiento y situarse en el aquí y ahora.

Desde el momento en que diluye los bordes entre interior y exterior, cualquier tentativa de autorrepresentación procura imprimir continuidad a un conjunto de elementos discretos y profundamente subjetivos: historias, recuerdos, imágenes, sueños. Se trata de instantes efímeros en los cuales lo íntimo emerge hacia la superficie. A fin de cuentas, toda autobiografía supone el acto visceral de enfrentarse a una suerte de fuera de sí, un permanente desencuentro con nosotros mismos o, quizás, un encuentro siempre diferido, incompleto y fugaz.

Jazmín Adler – Silvana Spadaccini

Silvana Spadaccini. Buenos Aires, 1978. Licenciada en Artes (UBA) y Especialista en Organizaciones sin Fines de Lucro (UdeSA-CEDES). Investigadora en medios audiovisuales, publicó artículos, participó de grupos de estudio y congresos y obtuvo becas de investigación sobre cinematografía y crítica cinematográfica. Fue coordinadora de programación del Espacio Fundación Telefónica, institución en la que también realizó tareas en el área de educación. Actualmente está a cargo de la coordinación editorial del Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero y gestiona proyectos sobre arte y tecnología y medios audiovisuales de manera independiente. En 2015 trabajó en la curaduría de la muestra VISCERAL (Panal, Buenos Aires). Desde 2014 integra el equipo curatorial de Fase – Arte + Ciencia + Tecnología (Centro Cultural Recoleta).

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Nicolás Bacal

Las imágenes de la serie son el resultado fotográfico de una situación imaginaria, en la que diferentes personas deciden construir y fotografiar, sobre las camas de sus habitaciones, una misma intervención escultórica realizada con cintas métricas. El trabajo es realizado de la manera más doméstica posible. Si bien la fotografía pareciera sugerir haber sido tomada por la

misma persona que construyó e iluminó este sol doméstico obsesivo; la escena podría representar también la potencia de los pensamientos e idealizaciones propios de la soledad en nuestros dormitorios. Un poco a la manera de un contacto cercano del tercer tipo-en el que diferentes personajes deciden construir, esculpir o pintar una misma montaña luego de haber presenciado objetos voladores no identificados- la gravedad de mi órbita alrededor tuyo es una sicigia y un colapso sincrónico de intimidades.

La gravedad de mi órbita alrededor tuyo

Fotografía digital96 x 143 cm2009

La arquitectura de la soledad

Xilografía180 x 250 cm

2015

Dibujé diferentes comentarios e inter-venciones sobre el Cambridge Star Atlas, utilizándolo como cuaderno de notas. Después agrandé y transferí cada carta del atlas en pares de placas de madera multilaminada y con la ayuda de un equipo de gente, tallamos todo el diseño en la madera. Finalmente entintamos la madera utilizando offset color cyan e imprimimos a mano con cucharas de madera.

El resultado son 20 dípticos de 180 X 250 cm. que completan todo el cielo que podemos observar desde la tierra. El proyecto comienza en un nivel individual e introspectivo, salta luego a un nivel urbano, definido por los materiales de construcción, para finalmente llegar a la representación astronómica del atlas mismo como un zoom-out de lo inefable.

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Andrés Denegri

En América Latina, las décadas del 70 y el 80 fueron años oscurecidos por dictaduras militares que implementaron una política de terror y exterminio. Muchos de los que vivieron su infancia en ese período tienen una historia personal compuesta por una trama compleja.

Grito trabaja con recuerdos autobiográficos, imágenes que retumban en la cabeza y palabras que se atoran en la garganta. Filmaciones en Súper 8 mm son revisadas por una mirada que intenta echar luz al paradójico vínculo entre los afectos y la ideología.

Esta pieza es la cuarta obra de la serie autobiográfica del autor, compuesta por dos instalaciones –Un martes (2006) y Día 1(2007)– y un loop de video –El ahogo (2007). En 2013 se realizó una quinta obra de esta serie, se trata de una instalación con proyector y película de 35mm: Grito (instalación).

Grito

Súper 8 mm / DV 21 minutos2008

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Juan Pablo Ferlat

Perpetuum Golem

Fotografía digital150 x 225 cm2015

El proyecto Perpetuum Golem / Máquina Mnemosyne tiene como objetivo la creación de un dispositivo cuyo trabajo es el de fabricar y derretir una escultura de cera de forma cíclica e ininterrumpida.

La tecnología de esta máquina se basa en sistemas de fabricación aditiva e impresión tridimensional, construyendo una escultura / retrato en escala 1:1 del rostro del artista mediante la acumulación de pequeñas gotas de cera de abejas, cuya posición está automática y precisamente controlada.

Perpetuum Golem / Máquina Mnemosyne es un artefacto de escritura sin fin, donde se enlazan principio y final, de tal manera que cada repetición produce una pieza única e irrepetible, producida por la sinergia de la máquina y su medio ambiente en el momento presente.

Crudo

Escultura. Impresión 3D pintada con petróleo crudo y sistema de levitaciónEscultura: 10 x 7 x 10 cm / Pedestal: 130 x 30 x 30 cm 2011

CRUDO es el anteproyecto para una máquina de retratos eternos. Una primera experiencia se realizó en el Glaciar Perito Moreno junto al los artistas Charly Nijensohn y Teresa Pereda. Cercano a la tradición de artefactos utópicos de la alquimia, Ferlat descompone este complejo proyecto en una serie de fotografías y esculturas que pueden ser leídas a manera de códices.

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La obra se conforma de una escultura de acero e impresión 3d y una impresión inkjet de una imagen generada por computadora. La escultura es una representación de la explosión y la estela de desintegración provocadas por el accidente del transbordador espacial Challenger, ocurrido el 28 de enero de 1986.

En la imagen que se encuentra en la pared puede verse una interpretación libre de un ente deidad de la destrucción, posiblemente Shiva, el dios hinduista destructor.

Las imágenes de la televisación del accidente del transbordador espacial Challenger son de las mas firmemente impresas en mi cerebro y una de mis primeras experiencias estéticas trascendentales.

Mariano Giraud

Mano

Escultura. Impresión 3D en plástico, esmalte50 x 20 x 10 cm

2014

Challenger

Escultura y fotografía digital. Impresión 3D en plástico, hierro, esmalte, Impresión ink jet165 x 45 x 45 cm2015

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Hernán Kerlleñevich

Noche, te pienso

Cuadro audiovisual. Madera, cartulina, pantalla y parlante37 x 26 x 4 cm2015

Un plano abstracto oscuro, salpicado con puntos de luz intermitente. La obra invita al espectador a una recepción dual. En una dirección busca la escala de un cielo nocturno, con estrellas de luminosidad fluctuante y sonidos cercanos a la naturaleza; en otra, pretende una escala infinitamente más pequeña, la de una red neuronal cuya actividad está asociada metafóricamente al pensamiento de ese mismo cielo estrellado. En esta pieza el ritmo audiovisual es el resultado de la simulación de una red neuronal biológica, realizada con el entorno “Santiago”. Lo que se ve y se escucha es así el ritmo de la naturaleza: un pensamiento nostálgico y un cielo estrellado.

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Marcos Mangani

El registro del tiempo, la revelación y los materiales químicos son los elementos que han constituido la base de la fotografía. Esta serie intenta extremar esos cimientos en un lenguaje tridimensional. Instantes corpóreos solidificados, recuerdos suspendidos. Entiendo la cristalización como la concreción de una cosa, la consolidación de una idea, el cambio de estado, la transmutación, una expresión de síntesis y pureza. La evidencia del paso del tiempo sobre una superficie.

Encuentro en la investigación química una herramienta discursiva que me permite componer con elementos que exceden las funciones y propiedades para las que están normalmente usadas, tanto en el mundo del arte, como en el científico. Enlazar estos dos planos me facilita desarrollar una situación poética de extrañamiento. Vincular estos planos me permite discursar acerca del paso del tiempo y la fugacidad de nuestras vidas.

Sin título

Calco de yeso y cristales de sulfato de cobre35 x 25 x 15cm2014

Inventario de comparación 1

Calcos de yeso, huesos y cristales de sulfato de cobre / 25 piezas

Medidas variables2014

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Fabián Nonino

1 nido de hornero

Instalación interactiva. Nido de hornero y dispositivo electrónico60 x 40 x 40 cm2012

Una imagen me mostraba el pronóstico del clima , y entonces, podía sumergirme en un futuro inmediato. Cada nido de horneros da el pronostico del clima de la ciudad en donde están mis hermanos. Esa información básica y primaria fue mi relación con ellos durante todo el tiempo que estuvimos separados. Tanta incertidumbre durante tanto tiempo me llevó a imaginar una casa ideal para cada uno de ellos. Estos nidos de horneros satisfacen para siempre toda la carencia que alguna vez imaginé. Esa carencia ya no se calma en un hogar. Solo queda esta casa a donde ellos podrán volver cuando quieran.

Los días sin vos

Cartel led, electrónica interna con reloj

100 x 25 x 10 cm2015

Esta pieza es un display de leds en el que se visualiza un texto que dice: … días sin vos. El cartel suma de manera automática la cantidad de días que transcurrieron desde que mi padre murió. Cada día, a las 9 de la noche el cartel se actualiza.

Líneas dibujadas en la pared, representando la cantidad de días que transcurrieron desde que se produjo la muerte de mi padre. Cada día se va sumando una nueva línea en la pared representativa de ese día que se fue. Son diez líneas dibujadas en la pared, similares a las que realizan los presos para llevar la cuenta de los días... en este caso, cuando realizo cada una de las líneas hago una afirmación; cada línea representa una palabra..

La AFIRMACION # 1 es la siguiente: cada, día, falta, menos, para, que, estemos, juntos, otra, vez.

Afirmación # 1 Carbonilla sobre paredMedidas variables2015

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Dos momentos de memoria1. Lady Diana era la marca de moda con la que mi madre hizo muchas de sus creaciones. Durante mi niñez estos vestidos me enseñaron un mundo de fantasía y creatividad y despertaron en mi una inquietud hacia el cuerpo, la opulencia de sus apliques y la fantasía nocturna para las que estas ropas hacían gala. Una identidad traducida en medidas, entalles, siluetas y proporciones.

2. En la siguiente escena, la presencia de un cuerpo grande, musculoso, semidesnudo y esculpido. Un perfil de opulencia en

la brillantetez de una piel trabajada con esfuerzo y obsesión. Mi hermano mayor, fisicoculturista, al ritmo de una coreografía lenta y contemplativa, enseña movimientos orográficos para sus múltiples competencias. He aquí el dilema de desarrollar una identidad. Por un lado, diseños y costuras para un cuerpo que se quiere cubrir y por otro, un cuerpo que muestra su desnudez para moldear y conquistar una competencia.

Sebastián Pasquel

Esta instalación está compuesta por un mecanismo cuya función es trasladar un ovillo de hilo de un lugar al otro. En el trayecto la línea esquematiza un recorrido como si se tratase de un signo vital. Estos traslados tienen como intención señalar cartografías, o generar intervenciones que reiteran la idea del tejido como una especie de costura compuesta.

La presión arterial_ 120/80 mm/Hg es el rango normal para un adulto sano promedio mientras está en reposo. La obra apela, además, a cierta estética médica, simulando un monitor clínico en el que reposa la imagen holográfica de un retrato de mi madre.

Recuerdo con mucha claridad la maquina de coser de mi madre..... Singer Facilita 242. ....Este aparato es el génesis de los primeros recuerdos y la estrecha relación que conservo con los oficios y los mecanismos; de aquí deviene mi interés por objetos mecánicos. La instalación conserva fuertemente esta referencia. Pongo en dialogo una serie de artefactos cuya función es destruir progresivamente diferentes placas de yeso grabadas con retratos de mi álbum familiar. Estos mecanismos me recuerdan el ovillo de hilo que lentamente se deshilaba cuando se elaboraba un vestido. Con esta misma lentitud quiero que estos rostros desaparezcan. Quiero presentar una imagen que señale como la presencia y los afectos se extienden a través de los objetos y como esta acción induce a reconstruir a través de una arqueología mental los vestigios del carácter y la sensibilidad de los cuerpos ausentes.

120 80 mm/Hg

Instalación. Caja de luz en madera, agujas y soporte

Medidas variables 2013

Lady _M

Instalación. Vestido, hilos y antenas Medidas variables 2013

f_242

Instalación.Motores y placas de

yeso / 10 piezas 20 x 15 cm c/u

2015

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Javier Plano

‘97

Videoinstalación de dos canales140 x 180 x 60 cm 2015

Dos videocaseteras reproducen cintas VHS hogareñas de la década del 90 a través de monitores de video. Las caseteras se operan solas, adelantando, rebobinando, pausando y ralentizando la cinta en diversos momentos, develando personajes y situaciones.

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Un circuito es un recorrido que suele terminar en el punto de partida. Esta obra se constituye como un dispositivo artístico, una puesta en escena conformada por dos circuitos de diferente naturaleza. Uno, el de las relaciones sociales, un recorrido complejo que enfrentan las ideas para poder circular en el campo de las artes visuales. Otro, el electrónico propiamente dicho, en el que la transformación de la energía se manifiesta físicamente. Juntos, crean una situación performático - social, en la cual un objeto que fue ideado, producido, seleccionado y exhibido como una metáfora de la relación entre aparato y sustancia, propicia el proceso de subjetivación para devenir en obra artística.

Juan Rey

Circuito

Placas PCB (Printed Circuit Board), paneles foto voltaicos y luz testigo / 4

piezas 50 x 70 cm c/u2015

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Recuerdos tangibles es una interfaz reactiva centrada en la proximidad. Relata la historia de mi abuela Cecilia Ramírez y su familia, quienes fueron víctimas del des-plazamiento forzado, en el contexto de los sucesos generados por la violencia en los años cuarenta en Colombia, a raíz de la disputa del poder entre partidos liberales y conservadores.

La obra indaga en la búsqueda de nuevas formas de contener y representar información, pro-poniendo nuevas formas de interacción.

Juan Camilo Leon Sarmiento

Recuerdos tangibles

Caja de madera con dispositivo electrónico15 x 9 x 15 cm2015

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Génesis de la mirada es una instalación de tres núcleos conectados por una lógica procesual. Materiales y arquitecturas establecen un relato circular y de retroalimentación sobre la construcción de la mirada de una productora visual. La fusión de los conocimientos heredados de un padre constructor y de la tierra que habita, produce un objeto: el Espejo de cobre.

El espejo de superficies articuladas y refractantes se inspira en la arquitectura de los cristales de cobre y actúa según las variables de su crecimiento. La mirada del espectador se asimila a la conducta inteligente de los minerales y posiblemente funcione como clarificador de su pensamiento.

Claudia Valente

Génesis de la mirada

Instalación. Aluminio, madera, luz, papel vegetal, acrílico y dispositivo mecatrónico400 x 400 cm 2015

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PANAL 361, un espacio de intercambio.

Fundado en 2012, PANAL 361 es un universo creativo localizado en el barrio de Abasto en Buenos Aires, Argentina. Es un espacio de 1,500 m2 que cuenta con más de 30 ateliers, donde trabajan diariamente artistas, diseñadores y creativos de diferentes disciplinas.

Desde los espacios comunes puede verse el interior de cada estudio generando una situación de taller/galeria de arte, que enriquece tanto a los propios artistas como a los visitantes. El acceso del público a los estudios está abierto durante las exposiciones y visitas, generando asi permanentemente un permanente “Open Studio”. El artista no trabaja aislado, esta inmerso en una comunidad creativa interdisciplinar.

Tanto los artistas locales que habitan Panal 361, como los artistas interncionales residentes, tienen un período de tiempo limitado de permanencia, asi se asegura una rotación e intercambio de experiencias entre quienes van pasando por los ateliers. Ofreciendo asi oportunidades de experimentación, intercambios culturales y de saberes, lo cual lleva a generar proyectos o nuevas agrupaciones colectivas con un alto nivel de innovación.

Panal 361 cuenta además con un espacio expositivo en planta baja que hace a la vez de galería, multiespacio, auditorio y espacio de formación, donde se realizan los diferentes programas que se desarrollan en Panal 361. Aloja también actividades externas.

Panal 361 genera distintos proyectos y exhibiciones que se desarrollan a lo largo del tiempo. Entre estos se encunetran los programas RIA y RAP –Residencias Internacionales de Arte- y Residencias de Arte Panal 361-. Dichas residencias tienen como principal objetivo incentivar la producción e investigación artística, contribuir al desarrollo creativo y promover la movilidad internacional de artistas a

otras latitudes. Asimismo, Panal 361 es un espacio de exhibición donde se prima la experimentación y las nuevas tendencias artísticas. Todo tiene la intención de impulsar, enriquecer y facilitar el intercambio de ideas, proyectos y procesos creativos.

Equipo Panal 361

Arq. Silvana Ovsejevich Directora y Curaduría General

Directora del Programa de Residencias Internacionales de Arte

Matías Garber Director Ejecutivo

Julieta Penedo Relaciones Institucionales y Curaduría

Sofia Zuluaga

Producción y Coordinación Interna

Ignacio Silberfaden Comunicación

Dan Gak Administración

www.panal361.com

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INDEX

Introducción

Nicolás Bacal

Andrés Denegri

Juan Pablo Ferlat

Mariano Giraud

Hernán Kerlleñevich

Marcos Mangani

Fabián Nonino

Sebastián Pasquel

Javier Plano

Juan Rey

Juan Camilo Leon Sarmiento

Claudia Valente

PANAL 361

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Agradecemos muy especialmente a: Mariela Yeregui, Augusto Zanela Marcelo Marzoni, Mariano Sardón, Jazmín Adler, Silvana Spadaccini y

UNTREF.

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p a n a l 3 6 1 @ g m a i l . c o mf a c e b o o k : p a n a l 3 6 1t w i t t e r : @ p a n a l 3 6 1i n s t a g r a m : p a n a l 3 6 1v i m e o : p a n a l 3 6 1w e b : p a n a l 3 6 1 . c o m . a r

P A N A L 3 6 1 J e a n J a u r e s 3 6 1 , A b a s t o B u e n o s A i r e s , A r g e n t i n a