PRIMER NÚMERO

2015

Directorio Wire

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redes sociales y esas cosas

contenido

cine y tvletras

fotografíailustración

diseñomúsica

artes escenicasciudad

(some stuff)

Editorial

Tv

Texto: Areli Figueroa

BEE AND

PUPPYCAT

COOL BIG SISTER DE ADVENTURE TIME

Natasha Allegri, mejor conocida por su trabajo como guionista y revisora del storyboard de Adventure Time, ahora nos deleita las pupi-las con su más reciente trabajo: Bee and Pu-ppycat. Allegri ya nos había sorprendido con su creación: Fionna y Cake, spinoff de las contrapartes femeninas de Finn y Jake. Los episodios de Bee and Puppycat, lanzados di-rectamente al canal de Youtube de Cartoon Hangover, ya han logrado captar la atención de la audencia debido a su riqueza visual y al humor surreal al que ya estábamos acostum-brados con su anterior trabajo. Con una gama de colores vibrantes, mucha acción y perso-najes con los cuales nos podemos identificar plenamente, sus cuatro episodios se pasan rapidísimo y nos dejan ansiosos de que su-ban másBee and Puppycat empieza cuando a la prota-gonista, Bee, una joven mujer de 22 años, la despiden de su más reciente empleo y regre-so a su casa en una noche lluviosa, le cae del

Al llevarlo a su casa, y para su gran asombro, descubre que el recién llegado es un gato má-gico llamado Puppycat y que trabaja en una suerte de empleos por encargo. Al más puro estilo nipón, ahora Bee se transforma en una chica mágica, con outfits elaborados, espa-das mágicas, bolsos e incluso, una botarga de gato, con la que ayuda a su compañero a rea-lizar cada trabajo. Bee es inmadura, infantil y distraída pero de gran corazón, mientras que Puppycat quien se comunica mediante extra-ños sonidos agudos, es mandón, gruñón y misterioso pero conforme pasa el tiempo, co-mienza a estimar a su dueña.Los escenarios en donde se envuelven las escenas de acción son bastante parecidos a Ooo, la tierra donde Adventure Time se desarrolla. Los personajes bizarros no faltan, para muestra basta un bo-tón: El primer trabajo de Bee junto a Puppycat

es cuidar en el planeta Pecera a un pez gi-gante que a media historia se transforma en un monstruo.Por otro lado, en el mundo de Bee no es ex-traño encontrar programas dedicados ente-ramente a helados que se derriten, con decir que el programa favorito de nuestros protago-nistas Pretty Patrick no es más que un progra-ma sobre la hora de la comida de un sujeto llamado Patrick. Natasha Allegri, autora com-pleta de esta serie, no nos decepciona y nos hace ver que ella como guionista es bastante sólida. Estos primeros capítulos nos abren la

ventana a la imaginación de Allegri además de sacarnos risas inesperadas. Sólo espere-mos que siga tan original y tan fresca como nos parece; y que además, se aleje de lo que fue Adventure Time. Porque para series como esa (surreal y con una gran mitología detrás) nos basta con una.

Cine

Si eres un cinéfilo de primera línea, simplemente un romántico empedernido, o ambos, toma nota y corre a buscar los Kleenex. Amor trunco, amor imposible, amor verborrágico, amor sincero, amor platónico: en este Top Five, como en la vida, hay para todos los gustos. Y sí, si todas las listas del mundo son caprichosas esta no será la excepción, acá lo único que importa es el amor, y el cine, por supuesto.

1.Su y Chow, Con ánimo de amar (2000):

Su Lizhen (Maggie Cheung) y Chow Mo-Wan (Tony Leung) son vecinos en los años ‘60 en Hong Kong. Ambos tienen parejas ausentes que viajan sin cesar al exterior por trabajo. Para parar un poco con la soledad, empie-zan a pasar tiempo juntos y descubren que el marido de ella y la mujer de él tienen un affaire (sí, no era casualidad que viajaran tan-to y al mismo tiempo). A modo de canalización se les hace costumbre estar juntos hablando de los otros dos ingratos y ¡pum! se terminan enamorando. Pero para ellos no es todo tan simple. Amor de verdad y una fotografía, mu-sicalización y manejo de los climas como sólo Wong Kar-wai sabe hacer.Nota: La historia de él continúa en 2046, con un Chow completamente descreído del amor.

TOP 5:HISTORIAS DE AMOR EN EL CINEtexto: Almendra Castillo

2.Céline y Jesse, Before Sunrise (1995):

Julie Delpy y Ethan Hawke interpretan a estos dos chicos sensibles que se conocen en un tren en Europa y se gustan tanto que deciden pasar la noche juntos en Viena desatendiendo sus respectivos planes (¿Querías romance?). Ella europea y él americano, saben que es muy probable que no se vuelvan a ver, pero antes de despedirse deciden encontrarse seis meses más tarde en el mismo lugar. Una his-toria de amor-amor con diálogos sagaces.Nota: como ya sabrán, este ya clásico de Linklater tiene dos secuelas: Before Sunset (2004) y Before Midnight (2013)

3.Brandon y Lana, Boys don’t cry (1999):

Brandon (Hilary Swank) es un chico trans que huye de un pueblito conservador en Ne-braska (Lincoln) a otro pueblito, también en Nebraska (Falls City). En Falls City conoce a Lana (la inmaculada Chloë Sevigny), se ena-moran perdidamente y por un tiempo es todo color de rosa para los dos. El problema es que Lana tiene un novio (al que al principio no le importa demasiado que le hayan robado la novia) que compendia todos los prejuicios Peirce basada en una historia real.

4. Bob y Charlotte, Lost in translation (2003):

Charlotte (Scarlett Johansson) y Bob (el ge-nio de Bill Murray) se conocen en un hotel en Tokio. Ella está aburridísima mientras su ma-rido trabaja todo el día y él está aburridísimo mientras hace una publicidad ridícula para una bebida japonesa. Los dos tienen un vacío existencial insoportable y, claro, se terminan haciendo amigos. Comen juntos, miran tele en la cama, van a un karaoke. Sí, esta pelícu-la de Sofia Coppola es una que vimos todos pero que no podía faltar. Lo mejor: la escena final, él la va a buscar, le dice algo al oído, se dan un beso seco y suena The Jesus and Mary Chain con Just Like Honey. Hermoso.

5.René y Song, M. Butterfly (1993):

René (Jeremy Irons) es un diplomático fran-cés que trabaja en China en los años ‘60. En una reunión de trabajo conoce a Song, una reconocida e intrigante cantante de ópera que lo deslumbra. Después de muchos intentos, consigue seducirla y viven durante un tiempo un amor apasionado hasta que por motivos políticos deben separarse. Pasados los años, se vuelven a encontrar en Francia, pero ella no es quien parecía ser. Otra historia de amor trunco en esta película de Cronenberg. Basa-da en hechos reales..

Letras

Qué tienen en común los cigarros, la pólvora y las gabardinas? El género hardboiled y la novela noir están más presentes que nunca.“Necesitaba un trago, necesitaba un excelen-te seguro de vida, necesitaba unas buenas vacaciones, una casa en el campo. Lo que tenía era una gabadina, un sombrero y una pistola” –Phillip Marlowe, Adiós Muñeca.Desde que Stieg Larsson escribió la trilogía Millenium (en la cual se basa la película La chica del dragón tatuado) la novela negra ha regresado al consciente colectivo. Sin embar-go, es por lejos la única (y la mejor) obra hard-boiled que ofrece el mundo literario. Todos re-conocemos la ambientación: calles oscuras y llenas de rufianes, el aire viciado por el humo del cigarro de los protagonistas, una mujer fa-tal que sabe usar tan bien un revólver como sus encantos y finalmente, un cínico detective que usa más su malicia que su raciocinio.Precisamente por esto último es a lo que el género debe su nombre. En inglés hardboiled es un término que se usa en un contexto mu-cho menos rudo y sofisticado que las nove-las desiganadas por él, es una palabra para referirse a los huevos duros, es decir, al pro-ceso de endurecer un huevo sumergiéndolo en agua hirviendo. Por ello, se utiliza también para describir a la gente que se ha endurecido (se ha vuelto cínica) debido a la presión del ambiente tan duro que la rodea, tal y como los protagonistas de este género de novela de detectives. No obstante y a pesar de que har-dboiled y noir suelen usarse indistintamente, hay sutiles diferencias. Normalmente noir se utiliza para describir a las películas con una estética en particular, películas en blanco y negro con elementos comunes a las novelas hardboiled, pero cabe destacar que es cine

negro sólo si el protagonista (o el punto de vista de la narración) es alguien que no sea el detective. Hardboiled queda reservado para las obras donde el detective es el eje de la narrativa.Este tipo de novela surgió en Estados Unidos a principios del siglo XX en respuesta al éxito de novelas de detectives basadas en el tra-bajo de Arthur Conan Doyle. Las novelas in-glesas describían cómo el detective llegaba a la resolución de un misterio ayudados por su sagaz mente y un afilado uso de la lógica. Los escritores estadounidenses pensaron que si bien eso era interesante (y literariamente no-table puesto que ponía al límite la capacidad narrativa del autor), la mayoría de los críme-nes no se resolvían de manera tan impecable, es decir, dudaban de la credibilidad de perso-najes como Sherlock Holmes. Por ello, sus no-velas introducían un nuevo tipo de detective: un antihéroe que resolvía crímenes ayudado por sus contactos en el mundo subterráneo, su malicia en asuntos de la calle e incluso, mera suerte. Además, la ambientación era de desolación y abandono: un retrato más fiel de lo que sucede en el mundo del crímen, la co-rrupción de la policía y la mala suerte de los desamparados.Los autores más destacados del género son Dashiel Hammet y Raymond Chandler. El primero escribió “El Halcón Maltés” libro que codificó la apariencia del detective con su personaje Sam Spade gracias a la película homónima que se hizo. El segundo influyó de sobremanera en la narrativa que a pesar de ser desde el punto de vista de un cínico detectiva, conservaba un tono profundo e in-clusive un poco poético. Representantes más actuales de la novela hardboiled son James

Ellroy, autor de La Dalia Negra, Alicia Gimé-nez Bartlett quien ha escrito sobre una comi-saria quien resuelve crímenes y Paco Ignacio Taibo II, principal promotor de la novela negra en México.Tramas complicadas que a veces no atan to-dos sus cabos, personajes no tan entrañables y ambientaciones pesadas y deprimentes son lo que nos ofrecen estas obras. Pero con ello viene su recompensa, vivir con el detective lo más pesado del mundo subterráneo desde la comodidad y seguridad de nuestros asientos.

Fotografía

FOTOGRAFÍAS Y CUENTOS DE HADASLAURA MAKABRESKUtexto: Miguel Vázquez

En los últimos años, la fotografía análoga ha sido retomada, no sólo por los fotógrafos pro-fesionales que buscan darle un aspecto espe-cial a sus trabajos, sino también por jóvenes que ven en el film una oportunidad de expre-sión que no puede conseguirse por otros me-dios. Laura Makabresku tiene 23 años, vive en Croacia y desde hace diez fue diagnostica-da con esquizofrenia:Aunque la fotografía es el arte de la luz; a mí me ha ayudado a estar cómoda con mi obs-curidad interior, a crear una zona donde la es-quizofrenia (la hermana fea del arte) se puede relajar y hasta divertir.Sus imágenes muestran escenarios cotidia-nos, envueltas de un misterio del que sola-mente puedes ser un cómplice silencioso. Sus retratos son sencillos, pero te dejan con una extraña fascinación que te permite entrar a su

mundo, donde la fotografía es una terapia.Comenzó usando un equipo digital, pero no era el soporte indicado para traer a la realidad las imágenes que estaban en su mente, por lo que ha utilizado cámaras Zenit y, en este momento, una Kiev 88CM, ambos equipos so-viéticos, el primero de una manufactura muy cuidada, fácil de usar y prácticamente indes-tructible. El segundo de un uso más complejo así que las tomas requieren una mayor plani-ficación.Laura es, además, una coleccionista de obje-tos personales, puedes contactarla y, si quie-res, enviarle un poco de tu cabello.

lauramakabresku.tumblr.com

Ilustración

SUEÑOS PLASMADOS EN PINTURA

ESTELA CUADROtexto: Carlos Hidalgo

Artista plástica, diseñadora e ilustradora; Es-tela Cuadro combina su amplia imaginación con una gran técnica.Nacida en Buenos Aires, Argentina, donde ra-dica actualmente; Estela Cuadro inició su in-terés por la pintura desde los cinco años de edad. Se graduó en la universidad de Bue-nos Aires como diseñadora gráfica, pero su pasión evidentemente está en la ilustración. Sus pinturas cuentan con gamas de colores llamativos, saturación de los mismos, trazos largos y alargados que invitan a perderse en la mente de esta artista.En la mayoría de sus cuadros existe la im-presión de un movimiento interrumpido, una característica que alienta al espectador a ser cómplice del universo que la artista visual ha creado. Su estilo, que se asemeja al surrealis-mo y a la creación de fantasías, caracterizan su obra que va desde el uso de lapiz y tinta, hasta el acrílico. En la actualidad usa técnicas mixtas para lograr el acabado que define su obra.El arte de la bonaerense no está encasillado,

pues Estela gusta de la experimentación en su trabajo. Una segunda vista a sus cuadros permite apreciar los detalles y cada uno de las pinceladas de su genio artístico. En su es-pacio de trabajo es donde su creatividad ex-plota; se puede apreciar la comodidad con la que se expresa pintando de manera continua. La inspiración existe en segundo plano en la obra de Estela, deja que su imaginación tome el control y que los trazos se extiendan cuanto gusten.A lo largo de su carrera, Estela Cuadro, ha participado con parte de su obra en diversas exposiciones donde la gente poco a poco a podido disfrutar de sus cuadros y con la posi-bilidad de adquirirlos en persona tanto como hacer pedidos a encargo desde su Facebook y Correo.Es sueñoEs imaginaciónEs coloresEs pinturaEs Tela A Cuadro.

Diseño

HAROSHI: EL ARTE Y EL SKATEBOARDING

texto: Liliana Sánchez

, Una de las características de los artistas es ver arte dónde la mayoría de nosotros vemos un objeto común. Este artista japonés vio mu-chísimo potencial en una tabla de skate vieja.Haroshi es un artista japonés, que da una se-gunda vida a las tablas de skate que ya cum-plieron su misión, aquellas que han sucumbi-do ante el asfalto, caídas, y demás crueldades para las que fueron fabricadas.

Comenzó a patinar en su adolescencia, y sigue siendo un apasionado de este depor-te hasta la fecha. Inspirado por el vídeo que Rodney Mullen (skater profesional) elaboró en 1993, en el que mostraba una serie de tru-cos nunca antes vistos, entendió a las tablas como el instrumento de una pasión, y comen-zó a ver al skatebording como algo sin límites.Haroshi va a lugares en los que se reúnen a patinar a recolectar pedacería que le pudiera

ser de utilidad. Tras un cuidado proceso de selección, el artista agrupa las capas de las ta-blas y las corta en cubos que son tallados con suma delicadeza y siempre a mano. No añade colores ni pigmentos y permite que los tonos del contrachapado (originalmente procesado e impreso con ilustraciones) compongan la paleta de sus trabajos; dichos tonos son los que dan cierta particularidad a sus obras, que están muy ligadas al mosaico, punto y pixel. De esta forma se originan increíbles y colori-das piezas.Gran parte de su obra es un oda a este de-porte, elabora alegorías visuales sobre lo que significa practicar skatebording, las heridas, perseverancia y sacrifico (un pie separado del resto del cuerpo, una calavera con aparato dental, una cara sonriente hecha de peque-ñas reproducciones de balas)

Música

ENTREVISTA A JACK AND THE RIPPER

texto: Alonso MartzFotografías: Melina Cisneros,

Jack and the Ripper

GIRAS, EXPERIMENTOS, REDES, FILMES Y MELODÍAS

INCANDESCENTESUtilizar el término “escena musical nacional” puede ser una frase que se extinga dentro de un tiempo. Quizás lo adecuado en un futuro simplemente sea decir “escena musical”, pues exis-ten bandas nacionales, que quizás en su propio país no son reconocidos, pero mientras tanto se escuchan demasiado en otros países. La escena se ha tenido que amoldar a los cambios en el medio musical que han revolucionado el negocio en la última década. Las redes sociales y los grupos en linea se han convertido en las mismas escenas. No hay alguna que resalte, sino que existen tantas que ya no se pueden quedar en un solo lugar.

Hoy en España la escena puede estar centrada a la música Folk (por poner solo un ejemplo), pero en Alemania quizás el Black Metal sea lo que esté pegando. ¿Qué le queda a una banda Francesa de Black Metal, mas que moverse a Alemania para estar en la escena? Con unos simples clicks podríamos estar descubriendo a esa banda y esperar (que con mucho apoyo), logren salir de su país y retirarse hacia donde está sucediendo un “todo”. Probablemente lo mejor para una banda sería simplemente crear su arte y esperar a que una hora adecuada llegue. Sin olvidar, claro, que estar en constante movimiento y aprovechar oportunidades es lo que realmente le puede ayudar a un proyecto.

Cuando conocí a David y a Daniel, Gemelos unidos por Jack and the Ripper, tuvimos la oportu-nidad de entablar una amplia conversación sobre estos y distintos temas. Quedo más que cla-ro que a ellos no les interesa firmar con una gran discográfica, o tener los millones de dólares en sus cuentas, simplemente quieren llegar a los oídos de la gente, y si por azares del destino logran hacerlo, ¿Qué mejor?.

Con dos discos en su puerta, podríamos pensar que Jack and the Ripper es un proyecto bebé. Pues si ese fuera el caso, el bebé que es JATR, es un bebé demasiado nutrido y con amplias cicatrices de la experiencia. Es un bebé que ha viajado a distintas partes del mundo, y ha es-tado recolectando la mayor cantidad de utilidades que pueda aprovechar para su propio cre-cimiento. Desde tocar para Red Queen hace casi una década sin saber tocar apropiadamente sus instrumentos, David y Daniel han tomado “pasos de gigante” aprendiendo todo lo que han podido en sus giras y distintas experiencias con sus proyectos. Ahora producen, toman opor-

tunidades, desechan cosas que son innecesarias, y tienen lo esencial, su propio arte, el cual continúan generando mediante canciones, videos y producciones ajenas.

Jack and the Ripper utilizan bases de EDM y las mezclan con los clásicos elementos melódicos que nos evocan a canciones Pop, sin dejar atrás el hecho de que en realidad están creando algo diferente. Complican elementos que son relativamente sencillos, sin hacerlo demasiado elaborado. Trabajan una complejidad extraña y romántica con sus temas.

Hoy probablemente puedo decir que en México no he encontrado algo parecido a ellos, pero no puedo decir lo mismo en el ámbito mundial. Si Jack and the Ripper no entra en alguna ca-tegoría, al menos sabemos que tenemos en el país (no la “escena nacional”) a una banda que puede ser de las más experimentales, y más recomendables que pueden escuchar hoy en día.Checa la entrevista que les hicimos:

Fueron parte de Red Queen, crearon su pro-pio proyecto, han estado de gira en California, han estado en Canadá , volvieron a México. ¿Cómo ha sido su –viaje- hasta ahora?

Daniel: Todos esos viajes nos hicieron darnos cuenta de todos los mitos que hay sobre qué es ser un músico. Hay algo muy romántico en lo que es subirse a una camioneta con tus me-jores amigos e irte y no ver nada más que el siguiente toquin. Nosotros en este momento preferimos lo que es crear la mayor cantidad de música y videos posible. Y volveremos a eso (las giras) pero estamos en una etapa de reformarnos. Cuando terminó Red Queen fue como divorciarse.

David: Yo creo que tu arte es una cosa y la escena es una cosa muy distinta, nosotros con Red Queen estuvimos tocando como 8 años y como 6 de esos años habíamos hecho un par de cosas pero no habíamos dado una gira porque estábamos esperando un hecho solido, pero nos dimos cuenta de lo que único

que podíamos hacer como personas era salir de gira sin promoción alguna. Cuando te vas de gira, solo te das cuenta de que al final del día tu puedes irte a cualquier nicho y todas las reglas son distintas pero al final, cada quién crea su propio mundo.

David mencionó hace un tiempo que : “Los grandes himnos de nuestras vidas están cons-truidos con tres acordes y una idea universal. Eso le parte la madre a cualquier barrera del idioma. ”¿Cómo funciona eso en Jack?

Daniel: Yo creo que lo que David quería decir es que: entre mas sencilla sea la idea, mas honesta y menos te la compliques… con me-nos palabras que uses y des en el clavo, va a ser mucho mejor y se transmitirá más fuerte el mensaje. El arte trivial es complicado y es como lo que pasa ahora con el Dubstep y la escena EDM, proponía, pero se volvió repetiti-vo y se perdió completamente el hilo de lo que estaban haciendo. Mientras Bob Dylan, Len-non u Oasis con 3 o 4 acordes bien dados, y letras que a te digan algo, funciona.

David: -La nota que estés tocando crea una emoción en el cuerpo. Ahora lo veo más uni-versal, como compositor he estado viendo dis-tintas canciones que las ves y te das cuenta de que están en 1, 2 o 3, notas al final del día todo es muy sencillo, los arreglos complican todo, pero en realidad es muy básico.El año pasado lanzaron su Vol. 2. En “The cosmic friends” a la mitad de la pieza integran un Dubstep para hacer un contraste armónico con el resto de la melodía.¿Cómo logran ha-cer ese tipo de mezclas, sin perder la esencia

de cada uno de los géneros?

David: El dubstep lo vemos como algo que aprendimos, que nos gusta, pero caer en eso ya no. Fue lo que hicimos en el principio y nos “desenamoramos” de inmediato pero aún en-contramos momentos en los cuales incorpo-rarlo le da un aspecto distinto.

Daniel: Tratamos que sean melodías armonio-sas

David: ¡Beach Boys!

Daniel: Ajá, al final escuchamos mucho a los Beach Boys, o The Beatles, son melodías que nos terminan atrapando. Con Red Queen que-ríamos ser medio experimentales, y nos que-

ríamos separar de eso. Al final te encierras en tu burbuja y haces lo que quieres.

¿Qué tipo de influencias, ya sea musicales o de otros ámbitos han tenido durante su evolu-ción como banda?

Daniel: A mi me gusta mucho el Folk. Ahora estoy escuchando mucho a Robert Johnson, cosas que nunca hice mucho caso. Pero aho-ra con eso de “less is more” , creo que he caí-do en eso. También a ARCA, quien produjo el nuevo disco de Bjork. Realiza sonidos muy sencillos y mueve la métrica de estos sonidos, y hace cosas que creo que nadie había hecho antes, de forma muy sencilla.

David: Eso para mi yo lo veo… trato de “co-mer” todo lo que es arte. He tratado de escu-char todo lo que sale. Pero quien siento que me ha influenciado últimamente ha sido Bas-quiat. Y tratar de romper el esquema, y ex-presarlo en tu música. Tratar de ver más las cosas como arte y no decir “me gusta Depe-che Mode” y ponerse a hacer música como Depeche Mode”.

Daniel: El proceso de producción no es como “hay que crear arte”, pero el proceso de com-posición si es así.

Ustedes realizan sus propios videos para pro-mocionar sus canciones. ¿Consideran muy importante el acompañamiento visual para sus tracks?

David: Como banda, queremos sacar videos, canciones, queremos hacer muchas cosas y no es como limitarlo a la música. Hay que

maximizarte como personas y crear, crear y crear. Ves a Dalí , a Picasso, se ponían detrás de la cámara haciendo todo tipo de cosas.

Daniel: Creo que lo de los videos nos ayuda mucho a expresar lo que queremos decir. No quieres limitar al público a solo escuchar las canciones. Escuchar a nuestro público, acep-tar el feedback ayuda mucho. Nos decían mu-cho que nuestra música aludía mucho a algo visual, y decidimos hacerles caso. Somos realmente muy abiertos.Hablando de elementos visuales: ¿Podrían mencionarnos algunas de sus películas favo-ritas?

Daniel: 28 days later de Danny Boyle, Royal Tenenbaums. De hecho en el final de Elysium con Matt Damon, la estaba viendo en el cine y escuché un sonido que con Surround 5.2, creo sonaba bien, regresé a casa tratando de recrearlo, vi que DJ era y medio se desarrolló la línea y de esa armonía comenzó a salir The Cosmic Friends. También vemos muchas co-sas en YouTube.

David: Dig, un documental que presenta la historia paralela entre los Dandy Warhols y Brian Jonestown Massacre. Yo creo que Brian Jonestowne Massacre en 20 años van a ser recordados como ahora los Velvet Un-derground o Television. Y los Dandy Warhols como a … Justin Bieber. Synecdoche, New York. Me encanta que sea este viaje que no sabes realmente qué esta pasando. O la pri-mera del Planeta de los Simios.

Finalmente :¿Cuál es su meta como banda?

Juntos: Crear

Daniel: Y estar orgullosos de lo que estamos creando y poder seguir creciendo en las re-des, y viajar, hacer que la gente se interese en lo que estás haciendo con tal de que se abran muchas puertas. Es un “ride” la vida, y se te va a acabar.

Artes Escenicas

LIMBOUNA VOZ DEL CLOWN

EN MÉXICOtexto: Mariana Suárez

fotografías: Jimena Carranza

Todos nos hemos sentido alguna vez en el limbo, ¿pero cómo sería trasladar esa sen-sación a una imagen plástica, a una imagen viva? ¿Cómo volver esa sensación en belle-za? ¿Cómo decirlo en clown?¿Cómo sería decirlo en clown en México?La creatividad y sentido estético de Gabriela Muñoz, autora e intérprete de esta puesta, es impresionante. Sin duda con esta obra se posiciona como una importante voz del clown mexicano. Compartiendo escena con Ernesto García, logran crear atmósferas mágicas, her-mosas, reflexivas, cómicas y melancólicas en una misma obra. Limbo es un viaje que nos in-vitan a hacer sobre si quienes somos en quien verdad queremos ser.Gabriela cuenta para crear esta puesta un equipo profesional, que denota sincronía (si-tuación difícil de encontrar, pero lógica dado que es el mismo equipo de Perhaps, perhaps,

quizás… su anterior trabajo) pero sobre sobre entregado, cosa que se nota al ver que cada detalle de maquillaje, vestuario, escenografía y producción están cuidados con el corazón. Cosa aparte de mencionar es la música, un deleite que compagina y ayuda a sumergirnos en este mundo onírico.Limbo sin duda alguna es una obra imperdible, que te llevará de la risa al llanto de maneras inesperadas, una obra dónde no te quedaras en tu butaca sentado a esperar, donde es pre-ciso interactuar y dejarte volver parte de este universo. Limbo, más que una obra, es una experiencia que no te puedes perder.

Ciudad

DÉCIMO ANIVERSARIO DEL ZINCO JAZZ CLUB

Un referente de clubes del centro de la ciudad de México es el Zinco Jazz Club. El Zinco eng-loba todas las características de los clubes de jazz neoyorquinos. En Motolinía 20, entre 5 de mayo y Francisco I. Madero, el Zinco recibe a los amantes del jazz en un ambiente elegante entre cortinas de terciopelo rojo, algunas mesas y una clásica barra que conviven con las bó-vedas del Antiguo Banco de México.Grandes exponentes del jazz se han presentado en el foro lo que lo ubica con un merecido prestigio a lo largo de diez años. En el marco de este aniversario el Zinco celebrará junto con sus visitantes, a lo largo del mes de abril, extraordinarios conciertos que incluyen: Jhon Me-deski & A love Electric, Marc Osterer, Louise Phelan; y al grupo de la casa, Zinco Big Band. El Zinco Jazz Club, abre sus puertas de miércoles a sábado entre las 21:00 y las 2:30.

texto: Carlos Hidalgo

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