1001 Canciones

1001 CANCIONESQUE HAY QUE ESCUCHAR ANTES DE MORIR

www.megustaleer.com (c) Random House Mondadori, S. A.

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EDICIÓN DE ROBERT DIMERY

PREFACIO DE TONY VISCONTI

1001 CANCIONESQUE HAY QUE ESCUCHAR ANTES DE MORIR


Título original: 1001 Songs You Must Hear Before You Die

© 2010, Quintessence© 2011, Random House Mondadori, S.A., por la presente edición. Travessera de Gràcia, 47-49. 08021 Barcelona© 2011, Ferran Alaminos Escoz, Eva Cañada Valero, Fernando Davín Pérez, Fernando Nápoles Tapia, Nieves Nueno Cobas, Israel Ortega Zubeldía, Daniel de Santos Loriente, Efrén del Valle Peñamil, por la traducción

Quedan prohibidos, dentro de los límites establecidos en la ley y bajo los apercibimientos legalmente previstos, la reproducción total o parcial de esta obra por cualquier medio o procedimiento, ya sea electrónico o mecánico, el tratamiento informático, el alquiler o cualquier otra forma de cesión de la obra sin la autorización previa y por escrito de los titulares del copyright. Diríjase a CEDRO (Centro Español de Derechos Reprográficos, http://www.cedro.org) si necesita fotocopiar o escanear algún fragmento de esta obra.

Primera edición: febrero de 2011

Edición del proyecto Philip ContosEditor asociado Bruno MacDonaldRedacción Irene Lyford, Fiona Plowman, Frank RitterAsistente editorial Simon WardDiseño Jon WainwrightAsistente de diseño Tom HoweyProducción Anna Pauletti

Dirección editorial Jane LaingEditor Tristan de Lancey

Fotocomposición: Compaginem

ISBN: 978-84-253-4617-0

Reproducción en color por Pica Digital Pte Ltd., SingapurImpreso en China por Toppan Leefung Printers Ltd.

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«Nada más escribirla, ya sabía que era una buena canción pop...», declaró Robert Smith, miembro de The Cure, a Blender.

La canción se gestó en un pequeño piso en el norte de Londres, antes de que Smith la llevara al estudio en el sur de Francia. El batería Boris Wi-lliams le sugirió que aumentara el ritmo, y fue in-troduciendo los instrumentos de uno en uno.

Smith creó una versión instrumental para el programa de la televisión francesa Les Enfants du Rock, que pretendía que este «single fuera conoci-do por millones de europeos».

Pero el plan fracasó: «Just Like Heaven» ni si-quiera llegó al Top 30 en el mercado discográfico de Francia. A pesar de todo, la canción fue la más conocida del grupo.

Se han hecho muchas versiones, desde la re-creación «fantástica y apasionada» de Dinosaur Jr., hasta el discreto intento de Katie Melua. Este úl- timo sirvió para la banda sonora de la película Oja-lá fuera cierto, de 2005, el segundo éxito en ir acompañado de un título inspirado en The Cure, después de Boys Don’t Cry (Los chicos no lloran), del año 1999.

Pero el vídeo original era más cercano a Smith. La canción, tal y como él nos revela, «trata sobre un truco de seducción... Es algo que ocurrió en Beachy Head, en la costa meridional de Inglaterra.

La canción trata sobre la hiperventilación, be-sar y caer al suelo desmayado. Mary [su esposa] baila conmigo en el vídeo, porque era la chica, así que tenía que ser ella. La idea es que una noche como esa vale mil horas de duro y tedioso traba-jo». «Es mi canción favorita de The Cure de todos los tiempos», declaró el director del vídeo, Tim Pope. BM

Just Like Heaven | The Cure (1987)

«Es la mejor canción pop que ha hecho The Cure... Una sola toma y ya era perfecta.»Robert Smith, 2003

Autor | Robert Smith, Simon Gallup, Porl Thompson, Boris Williams, Laurence TolhurstProductor | David Allen, Robert SmithDiscográfica | FictionÁlbum | Kiss Me Kiss Me Kiss Me (1987)

Influido por: Another Girl, Another Planet The Only Ones (1978)Influencia en: Taking Off • The Cure (2004)Versiones: Dinosaur Jr. (1989) • Goldfinger (1999)30footFALL (1999) • In Mitra Medusa Inri (2001) Gatsby’s American Dream (2005) • Katie Melua (2005)


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Después de haberse sumergido de lleno en el rock alternativo de los primeros años ochenta, estos fa-voritos de la radio universitaria finalmente publi-caron un verdadero superéxito. La clave estaba en lo que el cantante y creador de las letras, Michael Stipe, le dijo a la revista Rolling Stone: «Era una can-ción inventada, no una historia real».

Su primer éxito en los Top 10 de los Hot 100 de Billboard hizo que se les tuviera en cuenta. «Yo quería escribir una canción que incluyera la pala-bra “love” porque no lo había hecho todavía», insis-tió Stipe. Pero lo que muchos interpretaron como un mensaje romántico era, en realidad, algo más oscuro. Tal y como explicó Stipe: «La canción sue-na como una historia de amor hasta un determina-do verso («Un simple apoyo para ocupar mi tiem-po»), y luego se pone fea. Me pareció que era demasiado cruda como para grabarla».

Cruda o no, este éxito contribuyó a que Docu-ment lograra un disco de platino, y colocó a R.E.M. entre los mejores grupos. «Solíamos tocarla en los conciertos, y yo me fijaba en el público y había pa-rejas besándose. Pero la letra es... salvajemente anti-amor... La gente me decía que era “su canción”. ¿Que esa era tú canción?», nos recuerda el guitarris-ta Peter Buck.

«The One I Love» marcó el comienzo de una fructífera relación con Scott Litt, quien llegó a pro-ducir otros cinco álbumes de R.E.M. y realizó mez-clas para Nirvana, los seguidores de R.E.M.

Después del éxito alcanzado con Document, R.E.M. firmó un contrato multimillonario con War-ner Bros., que les llevó a realizar actuaciones en grandes estadios de fútbol. Y en esos recintos es donde el estribillo de esta canción «Fire!» ascendió hasta los cielos. SF

The One I Love | R.E.M. (1987)

«A estas alturas, probablemente sea mejor que crean que se trata simplemente de una canción de amor.»Michael Stipe, 1987

Autor | Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills, Michael StipeProductor | R.E.M., Scott LittDiscográfica | I.R.S. Álbum | Document (1987)

Influido por: Break It Up • Patti Smith (1975)Influencia en: Morning Glory • Oasis (1995)Versiones: Butthole Surfers (1989) • Moog Cookbook (1996) • Sufjan Stevens (2006) Otros temas: It’s the End of the World as We Know It (and I Feel Fine) (1987) • Everybody Hurts (1992)


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«El primer verso de “Fairytale of New York” es “No-chebuena, nena, en el calabozo”. Con ese comien-zo ya sabes que no se trata de una canción de Na-vidad como otra cualquiera», comentó el antiguo mánager de The Pogues, Frank Murray.

El título se inspiró en la novela de J. P. Donleavy, A Fairy Tale of New York (1973) y la canción tardó dos años en escribirse. Ha sido elegida en muchas ocasiones como la pieza favorita de Navidad en Reino Unido y no llegó al puesto número uno de las listas al ser derrotada por «Always On My Mind» de Pet Shop Boys.

En busca del éxito internacional, Murray se llevó a The Pogues de gira por EE.UU. Durante un brote de neumonía, Shane MacGowan perfeccionó la le-tra para un dúo que tenía intención de cantar con Cait O’Riordan. Después de que esta dejara el gru-po, Steve Lillywhite le ofreció la canción a su esposa, la cantante Kirsty MacColl. Según opina MacGowan, «Kirsty fue la que hizo que el disco fun-cionara. Ella tenía justo la personalidad que se ne-cesitaba. Había mucha química entre nosotros».

Evitando el sentimentalismo de estos singles festivos, MacGowan llevó a las listas de éxito la suerte de un vagabundo y una fulana drogada que no habían triunfado en Broadway. Nick Cave de-claró: «Normalmente no se oyen canciones navi-deñas tan totalmente desesperanzadoras. Se de-berían hacer más canciones de este tipo». SO

Dado su estado, no sorprende que Guns N’Roses nos cuenten historias diferentes sobre el origen de sus canciones. Según el bajista Duff McKagan: «Yo escribí los acordes de esa canción cuando me tras-ladé a Los Ángeles por primera vez, no conocía a nadie y estaba un poco deprimido». Según el gui-tarrista Slash, la canción nació después de un con-cierto en San Francisco: «A mí me salió la introduc-ción... Duff e Izzy [Stradlin] la cogieron... y, mientras, le fui metiendo los cambios de acordes». En la no-che de estreno en Los Ángeles, en 1985, McKagan anunció: «Esta canción la acabamos de escribir hoy mismo».

La aportación de Slash «Donde las chicas son gordas y con tetas grandes» fue vetada al poco tiempo. Según escribió el biógrafo Marc Canter, «El verso anterior a “dime a quién vas a creer” era dife-rente a lo que apareció en el álbum. Duff cantaba muchos de los versos del final, mientras que Axl [vocalista del grupo] hacía los coros de fondo».

Rose explicó a la prensa: «La letra trata de estar en la jungla. El estribillo es como volverse al Medio Oeste o algo así. Me recuerda a cuando yo era chi-co». En Appetite for Destruction insistió en que apa-reciera «un sintetizador gritando», lo cual no era del gusto de Slash. A pesar de ello, participó en «Sweet Child o’ Mine» y «Welcome to the Jungle», grandes éxitos de Appetite..., y llegó a ser uno de los grandes del rock. BM

Fairytale of New York The Pogues (1987)

Paradise City Guns N’ Roses (1987)

Autor | S. MacGowan, J. FinerProductor | Steve LillywhiteDiscográfica | StiffÁlbum | If I Should Fall from Grace with God (1988)

Autor | Guns N’ RosesProductor | Mike ClinkDiscográfica | GeffenÁlbum | Appetite for Destruction (1987)

Desafiando las reglas del rock, Axl Rose actúa con una camiseta de Guns N’ Roses en 1987. Pwww.megustaleer.com

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Los británicos Depeche Mode no tardaron nada en modificar el sonido de sus sintetizadores después de que Vince Clarke dejara el grupo en 1981. Su música comenzó a tener un aire más oscuro, lo que les hizo alejarse de la música comercial, pero les garantizó unos seguidores fieles. Cuando sacaron Black Celebration, en 1986, eran góticos con cueros falsos en busca de un éxito.

Este les llegó con «Never Let Me Down Again», que estaba lleno de fuertes ritmos, una guitarra maltratada y un estribillo irresistible. Había algo de humor negro en «Prométeme que estaré tan segu-ro como en casa / siempre y cuando recuerde quién lleva los pantalones», pero tal y como Dave Gahan vociferaba el efecto de «Never let me down», por encima de los coros wagnerianos, era totalmente escalofriante. Sin embargo, fue uno de los temas de Depeche Mode que menos éxito tuvo en su tierra natal en media década. Gore, sin alterarse, aseguró al Record Mirror: «Está bien ser más una banda de culto que un grupo de mucho éxito».

No obstante, la canción y su álbum fueron un éxito en EE.UU., con fans acudiendo a ver este nue-vo giro del grupo. En una de sus actuaciones en la película 101 empezaron con un movimiento on-dulante de los brazos que todavía se repite. Esta innovación sirvió para revalorizar a los Depeche Mode en su tierra, lo que se reforzó en 1990 con su obra maestra, Violator. MH

Mucho antes de que Wham! hiciera las paces en 1986, la gente creía que George Michael tenía todo lo necesario para triunfar en solitario. Pero pocos hubieran predicho lo rápido que ascendería de ídolo de quinceañeras a icono del pop. Solo le hizo falta un álbum, pero qué álbum.

Faith contaba con siete singles, vendió millones y ganó un Grammy. «Antes de que Wham! se disol-viera yo era muy introvertido y depresivo... Ahora ya he superado esa etapa... y tengo fe y optimis-mo», recordaba Michael.

El título era de una sencillez sorprendente. Des-pués de un suave toque de órgano, que recordaba a «Freedom» de Wham!, la canción se lanzaba con un rápido rasgueo de guitarra acústica. The Dam-ned, las leyendas del punk, «se habían olvidado una guitarra en el Denmark’s Puk Studio. Era una guitarra horrible con el cuerpo de aluminio. Eso es lo que se oye, y se convirtió en la firma de sonido del disco. Él decía que quería un ritmo como de Bo Diddley... lúgubre y seco», le contó Chris Porter a Craig Rosen, de Billboard.

«Faith» se convirtió en uno de los grandes éxi-tos de Michael, sobre todo en EE.UU., donde se convirtió en el single más vendido en 1988. El ví-deo sirvió de ayuda, aunque el cantante admitió: «Si te fijas, en el vídeo, a veces llevo un guante y otras veces no. Eso es porque me había hecho ro-zaduras en los dedos con las cuerdas». JiH

Never Let Me Down Again Depeche Mode (1987)

Faith George Michael (1987)

Autor | Martin L. GoreProductor | Depeche Mode, Dave Bascombe, Daniel Miller Discográfica | MuteÁlbum | Music for the Masses (1987)

Autor | George MichaelProductor | George MichaelDiscográfica | EpicÁlbum | Faith (1987)


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INXS ya habían tenido éxito tanto en EE.UU. como en su Australia natal a comienzos de los años ochenta, pero tuvieron que esperar a 1987 para lle-gar a todo el mundo. La clave estuvo en este numerito provocativo, con un vídeo en el que se podía ver al guapo de Michael Hutchence.

El guitarrista Andrew Farriss escribió la música antes de volar a Hong Kong a reunirse con el can-tante. «Llegó el taxi que me tenía que llevar al ae-ropuerto. Le dije al conductor que esperara: “Por favor, no se vaya, tengo que ir al aeropuerto, pero antes tengo que terminar de escribir una canción”. Me miró, como diciendo “Vaya tipo raro. Sí, claro, escribir una canción, no hay problema, tío”».

Dio la casualidad de que Hutchence había es-crito una letra la noche antes de que llegara Fa-rriss: «Andrew estaba escuchando unas cintas con material suyo, y yo... cogí un micrófono y me puse a cantar la letra de “Need You Tonight”. Empecé a cantar directamente hasta el final de la canción —me paré al final— y eso es exactamente lo que se oye en el disco». El único cambio con respecto al máster —recuerda Farriss— es que le pusimos una pausa en medio».

Aunque nunca tuvieron intención de publicar-la como single, las reacciones de sus amigos al oír la grabación les convencieron de lo contrario. «Fue todo muy fortuito... Debe ser el secreto de su éxito, estoy convencido», admitió Farris. BM

Cuando U2 empezó a trabajar en la continuación de The Unforgettable Fire (1985), según el guitarris-ta The Edge «no pasaba nada muy emocionante... “With or Without You” en realidad era un patrón de acordes; no tenía melodía ni acompañamiento de guitarras». Incluso después de algunos cambios «With or Without You» seguía sonando horrible». El bajista Adam Clayton estaba de acuerdo: «El estri-billo se repetía una y otra vez. Era difícil encontrar-le... algo nuevo que añadir».

Afortunadamente, hubo suerte. Cuando The Edge estaba probando un prototipo de guitarra que «conseguía un sustain sin límite, como un violín», el líder de Virgin Prunes, Gavin Friday, le convenció para que volviera a insistir con la canción. Como era habitual, Bono, escribió la letra. «La canción trata sobre el sufrimiento, sexual pero también psicológico; es sobre cómo, al reprimir los deseos, estos se hacen más fuertes», recordó el cantante en la autobiografía del grupo publicada en 2006.

El resultado es que llegaron al número uno en EE.UU. The Edge declaró a NME: «“With or Without You”... era el tema que suavizaba la transición desde lo último que habíamos hecho hasta este disco». Los fans de la serie Friends probablemente recuer-den como «With or Without You» ha acompañado algunos episodios clave de la comedia. La canción sigue siendo uno de los momentos más electrizan-tes de los conciertos de U2. BM

Need You Tonight INXS (1987)

With or Without You U2 (1987)

Autor | Andrew Farriss, Michael HutchenceProductor | Chris ThomasDiscográfica | WEAÁlbum | Kick (1987)

Autor | U2Productor | Daniel Lanois, Brian Eno Discográfica | IslandÁlbum | The Joshua Tree (1987)


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La formación original de Dinosaur Jr. apenas sobre-vivió a la grabación en estudio de su tercer álbum, Bug. Pero sus fricciones fueron las que sirvieron de combustible a su himno más importante: una historia sobre relaciones difíciles con una dinámica suave/!RUIDOSA¡ que reflejaba las tensiones pasi-vo-agresivas entre los miembros del grupo. «En la letra se explicaba que el cantante y guitarra J Mascis era infeliz —declaró el bajista Lou Barlow a Mojo en 2005—. Había un “bicho” en la salsa, que era yo.» Barlow y el batería Murph grabaron sus partes en tres días, y dejaron a Mascis solo para que terminara el álbum, grabando pistas y más pistas de guitarra. Así que «Freak Scene» se convirtió en el momento «guitar hero» de Mascis. Los versos acústicos y dis-cordantes se lanzaban en mitad de unos solos en-sordecedores pero melódicos de guitarra distorsio-nada. La letra se basaba en la frustración que existía entre Mascis y Barlow, describiendo una situación «so fucked, I can’t believe it» [tan jodida que ni me lo puedo creer] —aunque la canción se cerraba con una nota de esperanza para la reconciliación, cuan-do Mascis murmura «When I need a friend, it’s still you» [Cuando necesito a un amigo, todavía estás tú]—. La canción triunfó —llegó hasta el puesto nú-mero siete de las listas independientes de Reino Unido— y fue la que hizo que el grupo firmara con Sire Records, una discográfica importante, aunque sin Barlow, que fue expulsado en mayo de 1989 después de una horrible gira promocional de Bug. (Barlow siguió actuando y formó Sebadoh.) Se ha reconocido la importancia de la canción por su in-fluencia clave en el gusto de Pixies y de Nirvana, y Dinosaur Jr. logró superar la era grunge, aunque nunca volvería a capturar el tedio de la generación X de forma tan precisa como en «Freak Scene». SC

Freak Scene | Dinosaur Jr. (1988)

«El rock and roll iba de coger un puñado de gente diferente, que se odiaran unos a otros, y tocar música muy fuerte.» Lou Barlow, 2005

Autor | J MascisProductor | J MascisDiscográfica | SSTÁlbum | Bug (1988)

Influido por: Schizophrenia • Sonic Youth (1987)Influencia en: Smells Like Teen Spirit • Nirvana (1991)Versiones: Godeater (2001) • Belle & Sebastian (2008)Otros temas: Don’t (1988) • Keep the Glove (1988) No Bones (1988) • Pond Song (1988) • They Always Come (1988) • The Wagon (1991)


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