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Programa
18 Festival Mil·lenni
Elegant neo soul
La cantautora londinenca Lianne Charlotte Barnes
va decidir fer més cridaner el seu nom per a
convertir-se en Lianne La Havas i iniciar una
carrera que la va fer destacar amb només 21
anys, quan va aconseguir un contracte amb
Warner, que va confiar en ella i la va deixar
treballar fins que va completar el seu primer
àlbum “Is Your Love Big Enough?” (2012). El seu
origen mestís, mare jamaicana i pare grec, posa
un punt exòtic a una imatge que combina
exuberància amb contenció, com la que reflecteix
el seu primer single “Lost & Found”.
La bellesa de les cançons va fer que el seu debut
escalés als primers llocs de les llistes britàniques
sent editat als Estats Units pel prestigiós segell
Nonesuch. Entre els fans estava Prince que la va
convidar a col·laborar al disc “Art Official Age”
(2014). La seva fama és transversal ja que també
ha caigut rendit al seu encant el prestigiós grup
alternatiu Alt-J que aquell mateix any li va
demanar que cantés al seu segon àlbum “This Is
All Yours”. Per la seva banda ella va trucar a Willy
Mason per a fer un duet a la cançó “No Room For
Doubt”, i el seu accent folc permet entendre que
Bon Iver li demanés fer de telonera.
En un viatge a Jamaica amb la seva mare va
trobar la inspiració pel segon àlbum “Blood”
(2015), més sofisticat que l’anterior, fet en
estreta col·laboració amb varis compositors i
productors, entre ells Jamie Lidell. El seu elegant
neo soul té la millor basa en una setinada i dúctil
veu que no sembla la d’una jove de vint anys sinó
la d’una dona més madura, que es llueix tant a les
balades i cançons d’amor, el seu fort, com als
tempos més rítmics o a les incursions jazzístiques,
en una tessitura que la situa a l’estela de cantants
como Corinne Bailey Rae o Laura Mvula.
Elegante neo soul
La cantautora londinense Lianne Charlotte Barnes
decidió hacer más llamativo su nombre para
convertirse en Lianne La Havas e iniciar una
carrera que la hizo destacar con tan solo 21 años,
cuando logró un contrato con Warner que confió
en ella y la dejó trabajar hasta que completó su
primer álbum “Is Your Love Big Enough?” (2012).
Su origen mestizo, madre jamaicana y padre
griego, pone un punto exótico a una imagen que
combina exuberancia con contención, como la
que refleja su primer single “Lost & Found”.
La belleza de las canciones hizo que su debut
escalara los primeros puestos de las listas
británicas siendo editado en Estados Unidos por
el prestigioso sello Nonesuch. Entre los fans
estaba Prince que la invitó a colaborar en el disco
“Art Official Age” (2014). Su fama es transversal
ya que también ha caído rendido a su encanto el
prestigioso grupo alternativo Alt-J que ese mismo
año le pidió que cantase en su segundo álbum
“This Is All Yours”. Por su parte ella llamó a Willy
Mason a hacer un dueto en la canción “No Room
For Doubt”, cuyo acento folk permite entender
que Bon Iver le pidiera hacer de telonera.
En un viaje a Jamaica con su madre encontró la
inspiración para el segundo álbum “Blood”
(2015), más sofisticado que el anterior, hecho en
estrecha colaboración con varios compositores y
productores, entre ellos Jamie Lidell. Su elegante
neo soul tiene la mejor baza en una satinada y
dúctil voz, que no parece la de una veinteañera
sino la de una mujer más madura, luciéndose
tanto en las baladas y las canciones de amor, su
mejor baza, como en los tempos más rítmicos o
en las incursiones jazzísticas, en una tesitura que
la sitúa en la estela de cantantes como Corinne
Bailey Rae o Laura Mvula.
Històrics del pop català
El grup manresà Gossos són una autèntica
institució del pop i el rock català, amb una llarga
trajectòria que supera els vint anys. El primer
disc, de títol homònim, el van publicar el 1994 i
en la seva etapa inicial van fer gala d’un estil en
què dominaven les guitarres acústiques i les
harmonies vocals. Després de vendre més de
30.000 còpies del tercer àlbum “Metamorfosi”
(1997) es consagren amb “Directament” (1998),
gravat junt amb amics com Gerard Quintana, Cris
Juanico o Pemi Fortuny.
Després van buscar públics nous amb el disc en
castellà “De viaje” (2000), per tornar a la seva
llengua materna amb “Cares” (2001) i evolucionar
fins un so més elèctric i contundent amb “El jardí
del temps” (2003). Amb “Oxigen” (2007)
aconsegueixen un gran èxit gràcies al reggae-pop
de “Corren” amb Macaco. La seva obertura de
mires també es pot comprovar a “Batecs” (2013)
–a la cançó del qual “En pau” col·labora Santi
Balmes de Love of Lesbian- i que van presentar al
Festival Mil·lenni.
Ara tornen per estrenar el flamant “Zenit”, el
tretzè àlbum ja de la seva exitosa trajectòria, un
treball que, segons afirmen, simbolitza la
culminació de la seva carrera amb una
combinació perfecta de totes les etapes en un sol
disc. Catorze lluminoses cançons que pretenen
explicar què és el zenit, el punt més alt de les
seves vides com artistes. Al disc hi col·laboren
Alguer Miquel de Txarango, Judith Neddermann i
la secció de metalls Gots de Tuba, ajudant-los a
arrodonir un so que equilibra l’acústic i l’elèctric
en cançons que mesclen folk, pop, rock, reggae i
fins i tot, algun arranjament electrònic.
Históricos del pop catalán
El grupo manresano Gossos son una auténtica
institución del pop i el rock catalán, con una larga
trayectoria que supera los veinte años. El primer
disco, de título homónimo, lo publicaron en 1994
y en su etapa inicial hicieron gala de un estilo en
el que dominaban las guitarras acústicas y las
armonías vocales. Tras vender más de 30.000
copias del tercer álbum “Metamorfosi” (1997) se
consagran con “Directament” (1998), grabado
con amigos como Gerard Quintana, Cris Juanico o
Pemi Fortuny.
Luego buscaron públicos nuevos con el disco en
castellano “De viaje” (2000), para volver a su
lengua materna con “Cares” (2001) y evolucionar
hacia un sonido más eléctrico y contundente con
“El jardí del temps” (2003). amb “Oxigen” (2007)
logran un gran éxito gracias al reggae-pop de
“Corren” con Macaco. Su apertura de miras
también se puede comprobar en “Batecs” (2013)
-en cuya épica canción “En pau” colabora Santi
Balmes de Love of Lesbian- que presentaron en el
Festival Mil·lenni.
Ahora vuelven para estrenar el flamante “Zenit”,
el décimo tercer álbum ya de su exitosa
trayectoria, un trabajo que, según afirman,
simboliza la culminación de su carrera con una
combinación perfecta de todas las etapas en un
solo disco. Catorce luminosas canciones que
pretende explicar lo que es el zénit, el punto más
alto de sus vidas como artistas. En el disco
colaboran Alguer Miquel de Txarango, Judith
Neddermann y la sección de metales Gots de
Tuba, ayudándoles a redondear un sonido que
equilibra lo acústico y lo eléctrico en canciones
que mezclan folk, pop, rock, reggae e incluso
algún arreglo electrónico.
Magnífica veu entre el soul i el folk
Aquest cantautor britànic de vint anys va rebre
grans elogis amb el seu debut “Home Again”
(2012), essent comparat, ni més ni menys, amb
Bill Withers, Randy Newman o Terry Callier. Eren
tots merescuts perquè la seva música soul
connecta a la perfecció amb les arrels del gènere,
gràcies a un elaborat so vintage desenvolupat
amb una estreta col·laboració amb Paul Butler,
productor del disc i la veu líder del grup indie-
rock The Bees.
Originari de Londres, Michael Kiwanuka és fill de
pares ugandesos que van fugir del règim del
terror del dictador Idi Amin Dada. En finalitzar els
estudis d’art i disseny Michael s’inicià com a
guitarrista de sessió en el món de la música. El
seu debut es produí al 2011 amb dos EPs, “Tell
Me a Tale” i “I’m Getting Ready”, que el van
portar a ser tel·loner d’Adele i a firmar un
contracte amb Polydor. El seu sofisticat so, amb
profusió de detalls i arranjaments orquestrals,
també l’emparenta amb l’espiritual Van Morrison
de l’època d’ “Astral Weeks”.
En el seu debut al Festival del Mil·lenni vindrà a
presentar el nou disc “Love & Hate”, que es
publica al maig i tindrà un contingut més
contemporani i experimental ja que ha estat
produït en gran part pel prestigiós mag del so
Danger Mouse (Beck, The Black Keys, Norah
Jones, Red Hot Chili Peppers). El primer single,
amb un títol molt significatiu “Black Man In A
White World”, incideix en la línia clàssica de la
gran música negra, il·lustrat per un magnífic video
en blanc i negre realitzat pel japonés Hiro Murai,
un aclamat director que també ha treballat per
St. Vincent o Flying Lotus.
Magnífica voz entre el soul y el folk
Este cantautor británico veinteañero recibió
grandes elogios tras su debut “Home Again”
(2012), siendo comparado con nada menos que
Bill Withers, Randy Newman o Terry Callier. Y
eran todos merecidos porque su música soul
conecta a la perfección con las raíces del género,
gracias a un elaborado sonido vintage
desarrollado en estrecha colaboración con Paul
Butler, productor del disco y a la voz líder del
grupo indie-rock The Bees.
Originario de Londres, Michael Kiwanuka es hijo
de padres ugandeses que huyeron del régimen de
terror del dictador Idi Amin Dada. Tras estudiar
arte y diseño se inició en el mundo de la música
como guitarrista de sesión. Su debut se produjo
en 2011 con dos EPs, “Tell Me a Tale” y “I’m
Getting Ready”, que le llevaron a ser telonero de
Adele y a firmar un contrato con Polydor. Su
sofisticado sonido, con profusión de detalles y
arreglos orquestales, también lo emparenta con
el espiritual Van Morrison de la época de “Astral
Weeks”.
En su debut en el Festival del Mil·lenni vendrá a
presentar el nuevo disco “Love & Hate”, que se
publica en mayo y tendrá un contenido más
contemporáneo y experimental ya que ha sido
producido en su mayoría por el reputado mago
del sonido Danger Mouse (Beck, The Black Keys,
Norah Jones, Red Hot Chili Peppers). El primer
single, de significativo título “Black Man In A
White World”, incide en la línea clásica de la gran
música negra, ilustrado por un magnífico video en
blanco y negro realizado por el japonés Hiro
Murai, un aclamado director que también ha
trabajado para St. Vincent o Flying Lotus.
La veu d’Spandau Ballet
Tony Hadley com a cantant del grup Spandau
Ballet va ser un dels grans del pop dels anys
vuitanta. La cara més visible del moviment dels
nous romàntics, que van dominar la dècada amb
una imbatible llista de singles que van ser
número u com “Gold”, “Only When You Leave”,
“Lifeline”, l’èpica “Through The Barricades” i, per
suposat, el gran èxit “True”.
El grup es va separar el 1990 fins que es van
tornar a unir el 2009 per la celebrada gira
mundial “Reformation Tour”. Cinc anys després
Spandau Ballet es van unir de nou amb motiu del
llançament de l’aclamat “Soulboys of The
Western World”, al qual narren tant els seus
moments de glòria com les disputes. Aquell
mateix any editen el disc de grans èxits “The
Story” que inclou tres temes nous i una gira que
els va portar al Festival Jardins Pedralbes.
Tony Hadley per la seva banda va contribuir amb
la seva veu al single benèfic “Do They Know It’s
Christmas” i va participar al famós concert Live
Aid celebrat a Londres el 1985. També va actuar
al concert dedicat a Nelson Mandela a l’estadi de
Wembley el 1988. Com a solista ha editat cinc
àlbums, entre ells un dedicat al swing, “Passing
Strangers” (2006), i el recent disc nadalenc “The
Christmas Album” (2015). Per a aquest 2016
promet un nou volum a més d’un disc propi i
concerts als quals mescla la seva devoció tant per
Frank Sinatra i Tony Bennett com pel so
orquestral, a més de rescatar clàssics d’Spandau
Ballet.
La voz de Spandau Ballet
Tony Hadley como cantante del grupo Spandau
Ballet fue uno de los grandes del pop de los años
ochenta. La cara más visible del movimiento de
los nuevos románticos, que dominaron la década
con una imbatible lista de singles que fueron
números uno como “Gold”, “Only When You
Leave”, “Lifeline”, la épica “Through The
Barricades” y, por supuesto, el gran éxito “True”.
El grupo se separó en 1990 hasta que se volvieron
a unir en el 2009 para la celebrada gira mundial
“Reformation Tour”. Cinco años después Spandau
Ballet se juntaron de nuevo con motivo del
lanzamiento del aclamado documental “Soulboys
of The Western World”, en el que narran tanto
sus momentos de gloria como sus disputas. Ese
mismo año editaron el disco de grandes éxitos,
“The Story”, que incluye tres temas nuevos y cuya
gira les llevó a actuar en el Festival Jardins
Pedralbes.
Tony Hadley por su parte contribuyó con su voz
en el single benéfico “Do They Know It’s
Christmas” y participó en el célebre concierto
Live Aid celebrado en Londres en 1985. También
actuó en el concierto dedicado a Nelson Mandela
en el estadio de Wembley en 1988. Como solista
ha editado cinco álbumes, entre ellos uno
dedicado al swing, “Passing Strangers” (2006), y
el reciente disco navideño “The Christmas
Album” (2015). Para este 2016 promete un nuevo
volumen además de un disco propio y conciertos
en los que mezcla su devoción tanto por Frank
Sinatra y Tony Bennett como por el sonido
orquestal, además de rescatar clásicos de
Spandau Ballet.
Herois del rock britànic
Sorgits a Moseley, un suburbi de Birmingham, a
l’ombra de les grans bandes del britpop, Ocean
Colour Scene va prendre forma de quartet sota el
lideratge del guitarrista Steve Cradock, amb un
passat mod al grup The Boys. L’altre vèrtex és el
cantant Simon Fowler. Es van conèixer en un
concert d’Stone Roses, dels quals van rebre una
gran influència inicial, tal com evidencia el seu
àlbum de debut, de títol homònim, editat el 1992
i que va resultar un fracàs comercial.
La seva sort va començar a canviar quan Paul
Weller va quedar encisat de la manera de tocar
de Cradock. Així la seva guitarra es va fer assídua
dels discos i concerts de l’ex The Jam des del seu
segon àlbum en solitari “Wild Wood” (1993). Tot
això sense abandonar el grup, la fama del qual va
seguir creixent quan Noel Gallagher els va
convidar a ser teloners de la gira d’Oasis de 1994.
Ja en boca de tots, quan es publica el seu segon
àlbum “Moseley Shoals” (1996) es converteixen
en súper vendes gràcies a singles com “The
Riverboat Song”, “The Day We Caught the Train”,
“You've Got It Bad” i “The Circle”.
Després han editat deu discos d’estudi, l’últim
dels quals va ser “Painting” (2013). Aquest 2016
celebren el 20è aniversari de “Moseley Shoals” i
per això realitzaran una gira on l’interpreten al
complet, que passarà per la sala Apolo l’1 de
desembre dins de la programació del Festival
Mil·lenni. Al repertori inclouen, a més, altres
clàssics de la seva edat d’or, com “Hundred Mile
High City” i “Get Blow Away” del tercer àlbum
“Marchin’ Already” (1997) o “So Low” i “Profit In
Peace” del quart “One From The Modern” (1999),
en el que suposa una mescla infalible entre rock i
psicodèlia.
Héroes del rock británico
Surgidos en Moseley, un suburbio de
Birmingham, a la sombra de las grandes bandas
del britpop, Ocean Colour Scene tomó forma de
cuarteto bajo el liderazgo del guitarrista Steve
Cradock, con un pasado mod en el grupo The
Boys. Su otro vértice es el cantante Simon Fowler.
Se conocieron en un concierto de Stone Roses, de
los que recibieron una gran influencia inicial, tal
como evidencia su álbum de debut, de título
homónimo, editado en 1992 y que resultó un
fracaso comercial.
Su suerte empezó a cambiar cuando Paul Weller
quedó prendado de la manera de tocar de
Cradock. Así su guitarra se hizo asidua de los
discos y conciertos del ex The Jam desde su
segundo álbum en solitario “Wild Wood” (1993).
Todo ello sin abandonar el grupo, cuya fama
siguió creciendo cuando Noel Gallagher los invitó
a ser teloneros de la gira de Oasis de 1994. Ya en
boca de todos, cuando se publica su segundo
álbum “Moseley Shoals” (1996) se convierten en
superventas gracias a singles como “The
Riverboat Song”, “The Day We Caught the Train”,
“You've Got It Bad” y “The Circle”.
Desde entonces han editado diez discos de
estudio, el último de los cuales fue “Painting”
(2013). Este 2016 celebran el 20º aniversario de
“Moseley Shoals” y por ello realizarán una gira,
en la que lo interpretan al completo, que pasará
por la sala Apolo el 1 de diciembre dentro de la
programación del Festival Mil.lenni. En el
repertorio incluyen además otros clásicos de su
edad de oro, como “Hundred Mile High City” y
“Get Blow Away” del tercer álbum “Marchin’
Already” (1997) o “So Low” y “Profit In Peace” del
cuarto “One From The Modern” (1999), en lo que
supone una mezcla infalible entre rock y
psicodelia.
Pop efervescent
L’ascens de la cantautora francesa Jeanne Galice,
alies Jain, ha estat fulgurant gràcies al gran èxit
de la cançó “Come” inclosa en el seu primer i únic
àlbum “Zanaka”. Publicat el novembre del 2015,
ja ha superat la xifra de doble disc de platí. La
seva popularitat també ha augmentat al nostre
país des de que el single ha estat seleccionat per
El Corte Inglés a l’anunci de la seva col·lecció de
tardor. Arriba, doncs, al moment oportú per a
descobrir, gràcies al Festival Mil·lenni, el talent
d’aquesta jove i cosmopolita artista.
Nascuda a Tolosa, Jain va tenir una infància
viatgera seguin al seu pare, empleat d’una
companyia petrolera. Això l’ha portat a viure al
Congo, Dubai y Abu Dhabi abans d’estudiar art a
París. El seu periple vital es reflecteix en una
música les maquetes de la qual va començar a
penjar de ben jove a MySpace. Allí la va
descobrir Yodelice qui la va ajudar a llençar la
seva carrera convertint-se en productor del seu
primer EP “Hope” que inclou la celebèrrima
“Come”, utilitzada com a jingle a diversos països i
que ha estat remesclada, entre altres, per Femi
Kuti.
El títol de “Zanaka”, que significa nen en llengua
malgaix, és un homenatge a la seva mare, amb
ancestres de Madagascar. I la influència africana
es trasllueix en cançons com “Makeba”, un
homenatge explícit a la cantant sud-africana
Miriam Makeba. També el reggae aflora a “You
Can blame Me” o “So Peaceful” com a substrat
de cançons pop que mesclen instruments
orgànics amb programacions electròniques.
Destaca també per la seva cuidada posta en
escena en uns concerts als quals apareix amb
vestits de color blanc i negre que, diu, utilitza
com a contrast de la seva colorista música.
Pop efervescente
El ascenso de la cantautora francesa Jeanne
Galice, alias Jain, ha sido fulgurante gracias al
gran éxito de la canción “Come” incluida en su
primer y único álbum “Zanaka”. Publicado en
noviembre del 2015 ya ha superado la cifra de
doble disco de platino. Su popularidad también
ha aumentado en nuestro país desde que el
single ha sido seleccionado por El Corte Inglés
para el anuncio que presenta su colección de
otoño. Llega, pues, en el momento oportuno
para descubrir, gracias al Festival Mil·lenni, el
talento de esta joven y cosmopolita artista.
Nacida en Toulouse, Jain tuvo una infancia
viajera siguiendo a su padre, empleado de una
compañía petrolera. Eso la ha llevado a vivir en el
Congo, Dubái y Abu Dabi antes de estudiar arte
en París. Su periplo vital se refleja en una música
cuyas maquetas empezó a colgar a temprana
edad en MySpace. Allí la descubrió Yodelice que
le ayudó a lanzar su carrera convirtiéndose en
productor de su primer EP “Hope” que incluye la
celebérrima “Come”, utilizada como jingle en
varios países y que ha sido remezclada, entre
otros, por Femi Kuti.
El título de “Zanaka”, que significa niño en lengua
malgache, es un homenaje a su madre, cuyos
ancestros eran de Madagascar. Y la influencia
africana se trasluce en canciones como
“Makeba”, un homenaje explícito a la cantante
sudafricana Miriam Makeba. También el reggae
aflora en “You Can blame Me” o “So Peaceful”
como sustrato de canciones pop que mezclan
instrumentos orgánicos con programaciones
electrónicas. Destaca también por su cuidada
puesta en escena en unos conciertos en los que
siempre aparece con vestidos de color blanco y
negro que, dice, utiliza como contraste de su colorista música.
Cantaor lliure
Miguel Poveda torna al Festival Mil·lenni i al Gran
Teatre del Liceu amb el seu lloat espectacle
poètic i musical “Sonetos y poemas para la
libertad” al qual posa en joc la literatura, i ho fa a
través del sonet, una de les formes poètiques
més adequada per a l’expressió del sentiment
amorós. Transita, versiona i s’acomoda a la
perfecció en la pell dels textos d’alguns dels
nostres millors poetes: Quevedo, Rafael de León,
García Lorca, Borges, Miguel Hernández, Pablo
Neruda, Aute, Gil de Biedma o Joaquín Sabina.
Una collita que té molt a veure amb el sentiment
de l’artista, la reflexió sobre el destí i també el
reconeixement als grans de la literatura i la
música. Es tracta de 15 cançons plasmades en
disc amb l’ajuda de Pedro Guerra i del poeta Luis
García Montero, amb la producció musical de
Joan Albert Amargós, l’aportació indispensable de
Chicuelo a la guitarra i la complicitat impagable
de Miguel Ríos, Ana Belén i Joaquín Sabina.
L’art de posar música a la poesia no és fàcil ja que
resulta complicat adaptar els versos al compàs,
però Miguel Poveda se surt amb la seva en un
treball que és íntim i a la vegada grandiós –amb
arranjaments orquestrals, elements jazzístics i
fins i tot, guitarres elèctriques-, d’acord amb un
constant aprenentatge que li permet transitar
amb la veritat pel cante jondo i la copla, les
arrels i la fusió, fins a aconseguir emocionant art
amb majúscules.
Cantaor libre
Miguel Poveda vuelve al Festival Mil·lenni y al
Gran Teatre del Liceu con su loado espectáculo
poético musical “Sonetos y poemas para la
libertad” en el que pone en juego de nuevo a la
literatura, y lo hace a través del soneto, una de
las formas poéticas más adecuada para la
expresión del sentimiento amoroso. Transita,
versiona y se acomoda a la perfección en la piel
de los textos de algunos de nuestros mejores
poetas: Quevedo, Rafael de León, García Lorca,
Borges, Miguel Hernández, Pablo Neruda, Aute,
Gil de Biedma o Joaquín Sabina.
Una cosecha que tiene mucho que ver con el
sentimiento del artista, la reflexión sobre el
destino y también el reconocimiento a los
grandes de la literatura y de la música. Se trata de
15 canciones plasmadas en disco con la ayuda de
Pedro Guerra y del poeta Luis García Montero,
con la producción musical de Joan Albert
Amargós, el aporte indispensable de Chicuelo al
toque de la guitarra y la complicidad impagable
de Miguel Ríos, Ana Belén y Joaquín Sabina.
El arte de poner música a la poesía no es fácil ya
que resulta complicado adaptar los versos al
compás, pero Miguel Poveda se sale con la suya
en un trabajo que es íntimo y a la vez grandioso -
con arreglos orquestales, elementos jazzísticos e
incluso guitarras eléctricas-, acorde con un
constante aprendizaje que le permite transitar
con verdad por el cante jondo y la copla, las
raíces y la fusión, hasta lograr emocionante arte
con mayúsculas.
Música i humor
El duo Antílopez, format pels andalusos Ángel
Márquez i José Félix López, està revolucionant el
panorama musical amb un estil que ells mateixos
defineixen com “chiripop absurd depresiu”. Una
combinació de música i humor que ha portat a
aquesta estranya parella a omplir totes les sales
on actuen i convertir-se, gràcies als seus vídeos i
a Internet, en un autèntic fenomen social que
compta entre els seus fans confessos a Martirio,
Vanesa Martín, Manuel Carrasco, Carlos Latre o
José Tomás. També han caigut rendits als seus
peus programes com “Buenafuente” o “El
Hormiguero”.
Bevent de la teatralitat de grans artistes com,
Nacha Guevara o Les Luthiers, les seves cançons
sonen fresques, rodones i amb lletres plenes de
sentit de l’humor tal i com reflecteixen alguns
títols “Polka miseria”, “Arizona wifi”,
“Analfanauta” o “Musa en paro busca poeta”.
Fusionant el pop amb la cançó d’autor i el jazz
amb el flamenc, les seves veus es complementen
a la perfecció ja que són amics des de la infància.
Porten publicats tres discos, promocionats en els
seus corresponents espectacles, “Ser músico”
(2010), “Por desamor al arte” (2013) i
“Desprendimiento de rutina” (2015), que els han
portat a convertir-se en el relleu de Sabina, Javier
Krahe o Kiko Veneno mesclats amb l’humor de La
Trinca, Faemino y Cansado i Lina Morgan. Són
músics i còmics, showmans i poetes, cronistes de
la realitat i herois de barri que han aconseguit
connectar amb un públic molt divers gràcies al
boca-orella.
Música y humor
El dúo Antílopez, formado por los andaluces
Miguel Ángel Márquez y José Félix López, está
revolucionando el panorama musical con un
estilo que ellos mismos definen como “chiripop
absurdo depresivo”. Una combinación de música
y humor que ha llevado a esta extraña pareja a
llenar todas las salas donde actúan y a
convertirse, gracias a sus videos y a Internet, en
un auténtico fenómeno social que cuenta entre
sus fans confesos a Martirio, Vanesa Martín,
Manuel Carrasco, Carlos Latre o José Tomás.
También han caído rendidos a sus pies programas
como “Buenafuente” o “El Hormiguero”.
Bebiendo de la teatralidad de grandes artistas,
como Nacha Guevara o Les Luthiers, sus
canciones suenan frescas, redondas y con letras
llenas de sentido del humor tal como reflejan
algunos títulos: “Polka miseria”, “Arizona wifi”,
“Analfanauta” o “Musa en paro busca poeta”.
Fusionando el pop con la canción de autor y el
jazz con el flamenco, sus voces se complementa a
la perfección ya que son amigos desde la infancia.
Llevan publicados tres discos, promocionados en
sus correspondientes espectáculos, “Ser músico”
(2010), “Por desamor al arte” (2013) y
“Desprendimiento de rutina” (2015), que los han
llevado a convertirse en el relevo natural de los
Sabina, Javier Krahe o Kiko Veneno mezclados
con el humor de La Trinca, Faemino y Cansado y
Lina Morgan. Son músicos y cómicos, show
manes y poetas, cronistas de la realidad y héroes
de barrio que han conseguido conectar con un
público muy diverso gracias al boca-oreja.
Del rock a la cançó d’autor
El que va ser líder del grup Standstill busca nous
camins en solitari, però Enric Montefusco, encara
que ara toqui amb altres músics i utilitzi textures,
conserva al seu àlbum de debut “Meridiana”, que
s’editarà aquest octubre a través del seu propi
segell Buena Suerte i amb distribució de Sony
Music, totes las essències que el van convertir en
un gran referent de l’escena alternativa
espanyola i en un dels més lliures.
En aquesta nova aposta el músic barceloní
s’envolta d’un elenc de col·laboradors que, en
directe inclou
a Pere Jou (Quart Primera), Aleix Puig (Quartet
Brossa) i Ramon Rabinad, per elaborar un
cançoner que estrena el single “Todo para
todos”, amb guitarra acústica, palmes i un
malenconiós acordió, en una estètica diferent
que s’apropa a la música popular, tot cercant les
arrels, tal como indica el títol del disc, que fa
referència al seu lloc d’origen, a l’avinguda on es
va instal·lar la seva família. Intensitat, emoció
biogràfica i contingut social en un repertori que
es va començar a desvetllar a l’última edició del
Mercat de Música Viva de Vic amb èxit de crític i
públic, i que per fi, s’estrena a la seva ciutat.
Del rock a la canción de autor
El que fuera líder del grupo Standstill busca
nuevos caminos en solitario, pero Enric
Montefusco, aunque ahora toque con otros
músicos y utilice mimbres más acústicos,
conserva en su álbum de debut “Meridiana”, que
se editó este octubre a través de su propio sello
Buena Suerte y con distribución de Sony Music,
todas las esencias que lo convirtieron en un gran
referente de la escena alternativa española y en
uno de los más libres.
En su nueva apuesta el músico barcelonés se
rodea de un elenco de colaboradores que, en
directo incluye a Pere Jou (Quart Primera), Aleix
Puig (Quartet Brossa) i Ramon Rabinad, para
elaborar un cancionero que estrena el single
“Todo para todos”, con guitarra acústica, palmas
y un melancólico acordeón, en una estética
diferente que se acerca a la música popular,
buscando las raíces, tal como indica el título del
disco, que hace referencia a su lugar de origen, a
la avenida donde se instaló su familia.
Intensidad, emoción biográfica y contenido social
en un repertorio que se empezó a desvelar en la
última edición del Mercat de Música Viva de Vic
con éxito de crítica y público, y que por fin, se
estrena en su ciudad.
Gran revelació
La cantautora vigatana Núria Graham,
d’ascendència irlandesa i basca, va començar a
cridar l’atenció amb la maqueta “First Tracks”. El
seu àlbum de debut, “Bird Eyes” (2015), va
comptar amb una sèrie de notables padrins,
començant per l’editora El Segell del Primavera,
continuant per la producció de seus paisans de La
Iaia i acabant per Adam Green, responsable de la
pintura de la portada. Des de llavors la seva
carrera ha estat fulgurant i, amb només 20 anys,
ha passat de ser la promesa a gran realitat del
pop.
És quelcom que demostra com de sol·licitada ha
estat, així que se la pot escoltar col·laborant a
l’últim disc de Quimi Portet, “Os bipolar”, al
projecte “La Pols i l’Era” de Guillamino o actuant
amb Gudi, bateria del grup Germà Aire, el que
suposa una evidència de la interconnexió que
existeix a la poblada nova escena de Vic. Una
altra mostra d’aquesta complicitat és que al seu
grup milita Jordi Casadesús (La Iaia), alternant-se
als teclats, baix i guitarra.
Ella, a més de cantar, toca la guitarra i fa els
passos al teclat per donar forma a un pop elegant
i sofisticat que abasta diferents estats d’ànim,
passant de la malenconia dream pop a explosions
de ritme emfatitzades per penetrants aguts
vocals. És una admiradora de St. Vincent, de la
que ha estat telonera, i el seu darrer disc és l’EP
“In The Cave”, que inclou una versió del “Toxic”
de Britney Spears, té un so més guitarrer i el títol
del qual és un homenatje a la Jazz Cava de Vic,
centre neuràlgic de l’escena musical de la ciutat.
Gran revelación
La cantautora vigatana Núria Graham, de
ascendencia irlandesa y vasca, empezó a llamar la
atención con la maqueta “First Tracks”. Su álbum
de debut, “Bird Eyes” (2015), contó con una serie
de notables padrinos, empezando por la editora
El Segell del Primavera, continuando por la
producción de sus paisanos de La Iaia y acabando
por Adam Green, responsable de la pintura de la
portada. Desde entonces su carrera ha sido
fulgurante y, con tan solo 20 años, ha pasado de
ser promesa a gran realidad del pop.
Es algo que demuestra lo solicitada que ha
estado, así se la puede escuchar colaborando en
el último disco de Quimi Portet, “Os bipolar”, en
el proyecto “La Pols i l’Era” de Guillamino o
actuando junto a Gudi, batería del grupo Germà
Aire, en lo que supone una evidencia de la
interconexión que existe en la poblada nueva
escena de Vic. Otra muestra de esta complicidad
es que en su grupo milita Jordi Casadesús (La
Iaia), alternándose a los teclados, bajo y guitarra.
Ella, además de cantar, toca la guitarra y hace sus
pinitos al teclado para dar forma a un pop
elegante y sofisticado que abarca diferentes
estados de ánimo, pasando de la melancolía
dream pop a explosiones de ritmo enfatizadas
por penetrantes agudos vocales. Es una
admiradora de St. Vincent, de la que ha sido
telonera, y su último disco es el EP “In The Cave”,
que incluye una versión del “Toxic” de Britney
Spears, tiene un sonido más guitarrero y cuyo
título es un homenaje a la Jazz Cava de Vic,
centro neurálgico de la escena musical de la
ciudad.
Violinista prodigiós
L’incansable Ara Malikian enllaça projectes i gires.
Després de l’enrenou que li va suposar la
presentació de “15” ara torna amb un disc i
espectacle nou -que estrenarà al Festival
Mil·lenni a l’igual que al Teatro Real de Madrid-,
“La increíble historia de Violín”; un instrument
convertit en personatge en majúscula, fins i tot
amb extremitats, tal i com reflecteix l’expressiva
foto promocional, un bodegó amb granada i
tasses de cafè que sembla sortit d’una pel·lícula
de Tim Burton.
El protagonista de la seva nova història és un violí
que va néixer a Mòdena i va viatjar fins a El Líban
per a trobar-se amb un petit Ara de tres anys, a
qui el seu pare, també violinista, va ensenyar a
tocar i del que ja no se separaria. Junts
descobririen a Paganini i viatjarien al llarg dels
anys per tots els gèneres musicals que anaven
aprenent allà on paraven.
Viatjar, escoltar, fusionar, així fins a arribar al
rock i la música pop. I en tan noble tasca
d’enderrocar prejudicis musicals segueix
embrancat, conciliant virtuosisme amb sentit
teatral en un repertori que no té inconvenient en
mesclar “Les quatre estacions” d’Antonio Vivaldi
amb el “Kashmir” de Led Zeppelin i el “Paranoid
Android” de Radiohead amb el “¡Ay, pena, penita,
pena!” de Lola Flores.
Violinista prodigioso
El incansable Ara Malikian enlaza proyectos y
giras. Tras el ajetreo que le supuso la
presentación de “15” ahora vuelve con un disco y
espectáculo nuevo -que estrenará en el Festival
Mil·lenni a la par que en el Teatro Real de
Madrid-, “La increíble historia de Violín”; un
instrumento convertido en personaje en
mayúscula, incluso con extremidades, tal como
refleja la expresiva foto promocional, un bodegón
con granada y tazas de café que parece sacado de
una película de Tim Burton.
El protagonista de su nueva historia es un violín
que nació en Módena y viajó hasta El Líbano para
encontrarse con un pequeño Ara de tres años, al
que su padre, también violinista, enseñó a tocar y
del que ya no se separaría. Juntos descubrirían a
Paganini y viajarían a lo largo de los años por
todos los géneros musicales que iban
aprendiendo allá donde paraban.
Viajar, oír, fusionar, así hasta llegar al rock y la
música pop. Y en tan noble labor de derribar
prejuicios musicales sigue enfrascado,
conciliando virtuosismo con sentido teatral en un
repertorio que no tiene inconveniente en mezclar
“Las cuatro estaciones” de Antonio Vivaldi con el
“Kashmir” de Led Zeppelin y el “Paranoid
Android” de Radiohead con el “¡Ay, pena, penita,
pena!” de Lola Flores.
Gaiter universal
El Festival del Mil·lenni ha perfilat amb el temps
una personalitat que li ha valgut el
reconeixement i el prestigi del qual gaudeix avui
en dia. A això ha contribuït el pas d’una sèrie
d’artistes que s’han convertit en emblemàtics. El
més significatiu i entranyable és el gaiter gallec
Carlos Núñez que sempre torna a Barcelona per a
acomiadar l’any amb grans concerts.
En aquesta ocasió comptarà amb un convidat
especial, el seu amic i mentor Paddy Moloney.
Junt al mític músic irlandès rendirà tribut al grup
The Chieftains, emblema de la música celta del
qual va ser fundador. L’estreta relació de Núñez
amb aquesta institució de la música tradicional es
remunta a quan el van convidar a gravar la banda
sonora de la pel·lícula “L’illa del tresor” (1990).
Altres moments destacats van ser l’àlbum
“Santiago” (1996) i la seva interpretació amb
orquestra a la plaça de l’Obradoiro l’any Xacobeo
del 2010.
L’inquiet músic gallec també ha estat d’actualitat
pel seu concert sorpresa homenatge a Francis
Ford Coppola –realitzat en motiu de l’entrega al
cineasta del Premio Princesa de Asturias- en el
qual va interpretar bandes sonores de les seves
pel·lícules, entre elles una tarantel·la d’“El
Padrino”, a més d’obsequiar-lo amb una muñeira.
Gaitero universal
El Festival Mil·lenni ha perfilado con el tiempo
una personalidad que le ha valido el
reconocimiento y el prestigio del que goza hoy en
día. A ello ha contribuido el paso de una serie de
artistas que se han convertido en emblemáticos.
El más significativo y entrañable es el gaitero
gallego Carlos Núñez que siempre vuelve a
Barcelona para despedir el año con grandes
conciertos.
En esta ocasión contará con un invitado especial,
su amigo y mentor Paddy Moloney. Junto al
mítico músico irlandés rendirán tributo al grupo
The Chieftains, emblema de la música celta del
que fue fundador. La estrecha relación de Núñez
con esta institución de la música tradicional se
remonta a cuando lo invitaron a grabar la banda
sonora de la película “La isla del tesoro” (1990).
Otros momentos destacados fueron el álbum
“Santiago” (1996) y su interpretación con
orquesta en la Plaza del Obradoiro en el año
Xacobeo del 2010.
El inquieto músico gallego también ha estado de
actualidad por su concierto sorpresa homenaje a
Francis Ford Coppola -realizado con motivo de la
entrega al cineasta del Premio Princesa de
Asturias- en el que interpretó bandas sonoras de
sus películas, entre ellas una tarantela de “El
Padrino”, además de obsequiarle con una
muñeira.
Flamenca de cor
La cantaora gaditana Niña Pastori torna al
Festival Mil·lenni després de l’èxit recollit amb
l’estrena del seu nou disc “Ámame como soy”,
amb el qual s’apropa als ritmes llatins amb la
col·laboració de Rubén Blades, Juan Luis Guerra,
Pancho Céspedes i Sara Baras. Al seu actual
repertori també versiona Alejandro Sanz (“La
música no se toca”) els cubans Pablo Milanés,
amb la cançó que titula l’àlbum, i Amaury
Gutiérrez (“Remolino”).
María Rosa García, la Niña Pastori (San Fernando,
1978), atresora als seus 38 anys, 10 àlbums, 20
anys de carrera, més de 2 milions de còpies
venudes i tres Grammy llatins. La cantaora de
prodigiosa veu, que va encandilar Camarón,
segueix vivint a la seva estimada Cadis, al costat
de la família, amb el seu marit, productor i mà
dreta, el percussionista Julio Jiménez ‘Chaboli’, i
les seves dos filles. Allà va créixer escoltant els
grans del cant flamenc, com el paisà Chano
Lobato, un dels referents junt a Enrique Morente.
Últimament combina els escenaris amb
aparicions en programes amb aparicions de
televisió. Va ser jurat de “Levántate”, ‘talent
show’ que buscava el millor duo format per pares
i fills. Ara ha tingut un pas fugaç per l’edició VIP
del concurs “MasterChef Celebrity”, abans de
tornar als escenaris per reviure un disc de cantes
que agermanen la seva ànima flamenca amb
ritmes llatins. Una cosa que es pot permetre
perquè té un públic fidel que la respecta, més
enllà de les cançons que interpreta, per la seva
forma de cantar. I és que, tal i com afirma, el que
ella fa no és flamenc pur però li pot agradar a
qualsevol que l’escolti sense prejudicis.
Flamenca de corazón
La cantaora gaditana Niña Pastori vuelve al
Festival Mil·lenni tras el éxito cosechado el año
pasado en el estreno de su nuevo disco “Ámame
como soy”, en el que se acerca a los ritmos
latinos con la colaboración de Rubén Blades, Juan
Luis Guerra, Pancho Céspedes y Sara Baras. En su
actual repertorio también versiona a Alejandro
Sanz (“La música no se toca”) y a los cubanos
Pablo Milanés, con la canción que titula el álbum,
y Amaury Gutiérrez (“Remolino”).
María Rosa García, la Niña Pastori (San Fernando,
1978), atesora a sus 38 años, 10 álbumes, 20 años
de carrera, más de 2 millones copias vendidas y
tres Grammy latinos. La cantaora de prodigiosa
voz, que encandiló a Camarón, sigue viviendo en
su querida Cádiz, al lado de la familia, con su
marido, productor y mano derecha, el
percusionista Julio Jiménez ‘Chaboli’, y sus dos
hijas. Allí creció escuchando a los grandes del
cante flamenco, como el paisano Chano Lobato,
uno de sus referentes junto a Enrique Morente.
Últimamente combina los escenarios con
apariciones en programas de televisión. Fue
jurado de “Levántate”, ‘talent show’ que buscaba
al mejor dúo formado por padres e hijos. Ahora
ha tenido un paso fugaz por la edición VIP del
concurso culinario “MasterChef Celebrity”, antes
de volver a los escenarios para revivir un disco de
cantes de ida y vuelta hermanando su alma
flamenca con los ritmos latinos. Algo que se
puede permitir porque tiene un público fiel que la
respeta, más allá de las canciones que interprete,
por su forma de cantar. Y es que, tal como afirma,
lo que ella hace no es flamenco puro pero le
puede gustar a cualquiera que lo escuche sin
prejuicios.
Referent del festival
Hi ha artistes com Carlos Núñez o Raphael que
s’han convertit en emblemàtics del Festival
Mil·lenni. En aquest grup referencial també cal
situar a Salvatore Adamo. La fidelitat del cantant
Italo-belga la demostra la seva presència al cartell
en tres de les quatre últimes edicions, convertint
el Palau de la Música en un temple al qual de
manera invariable rep les mostres d’afecte del
seu públic, rendit a les elegants maneres d’un
cantant pel que sembla que no passa el temps.
Unint en el seu repertori balades d’acusat
romanticisme amb temes extravertits, que
recorden que l’edat no té perquè diluir l’esperit
juvenil de l’era dels ‘guateques’, enfila unes
actuacions a les quals fa gala d’un sentit de
l’humor i d’unes dots ‘entertainer’ que
converteixen els seus espectacles en molt més
que una successió de cançons clàssiques. No per
res l’escenari acaba ple de flors i regals que els
seus fans li entreguen, en constants complicitats
que indiquen que l’intercanvi de sentiments no és
només unidireccional de l’escenari a la platea.
I com a Adamo no li agrada acomodar-se, després
del seu homenatge a Gilbert Bécaud ha tornat
amb un nou disc, “L’amour n’a jamais tort”,
tretze cançons que tal i com indica el títol, parlen
sobretot de l’amor. Amb lletres escrites per ell ha
buscat una certa modernitat en l’apartat musical.
Per això es va posar en mans de l’arreglista
Andrew Powell, que ha treballat amb Kate Bush i
Alan Parsons, i d’una abundant nòmina de músics
belgues entre els quals destaca Alex Callier, líder
del grup trip-pop Hooverphonic.
Referente del festival
Hay artistas como Carlos Núñez o Raphael que se
han convertido en emblemáticos del Festival
Mil·lenni. En este grupo referencial también cabe
situar a Salvatore Adamo. La fidelidad del
cantante italo-belga la demuestra su presencia en
el cartel de tres de las cuatro últimas ediciones,
convirtiendo el Palau de la Música en un templo
en el que de manera invariable recibe las
muestras de afecto de su público, rendido a las
elegantes maneras de un cantante para el que no
parece que pase el tiempo.
Uniendo en su repertorio baladas de acusado
romanticismo con temas extrovertidos, que
recuerdan que la edad no tiene porque diluir el
espíritu juvenil de la era de los guateques,
enhebra unas actuaciones en las que hace gala de
un sentido del humor y de unas dotes de
‘entertainer’ que convierten sus espectáculos en
mucho más que una sucesión de canciones
clásicas. No por nada cada vez el escenario
termina lleno de flores y regalos que sus fans le
entregan, en constantes guiños que indican que
el intercambio de sentimientos no es solo
unidireccional del escenario a la platea.
Y como a Adamo no le gusta dormirse en los
laureles, tras su homenaje a Gilbert Bécaud ha
vuelto con un nuevo disco, “L’amour n’a jamais
tort”, trece canciones que, tal como indica el
título, hablan sobre todo del amor. Con letras
escritas por él ha buscado una cierta modernidad
en el apartado musical. Para ello se puso en
manos del arreglista británico Andrew Powell,
que ha trabajado con Kate Bush y Alan Parsons, y
de una abultada nómina de músicos belgas entre
los que destaca Alex Callier, líder del grupo trip-
pop Hooverphonic.
Explorar nous territoris
Chambao és el grup de María del Mar ‘Lamari’
Rodríguez Carnero que, a més de ser la cantant
ha compost la majoria de les cançons del seu nou
disc “Nuevo ciclo”, a la tornada d’un viatge que
va realitzar en 2015, després d’haver tancat
quinze anys de trajectòria d’una banda en
continu canvi i progressió, des del seu inicial
“Flamenco Chill” fins a “10 años around the
world”. Són noves versions dels seus temes més
cèlebres als quals els acompanyen un elenc de
convidats que van d’Enrique i Estrella Morente a
Toumani Diabaté passant per Lila Downs,
Macaco, Estopa, Ricky Martin, Cesaria Evora o
Rosario.
Les sorpreses del nou treball comencen amb el
single “Camino libre”, que marca el canvi de
rumb de la formació malaguenya, amb un
ballable ritme funk i unes percussions molt
influenciades per l’idíl·lic paisatge uruguaià de
Cabo Polonio que li va inspirar la cançó. L’estreta
connexió amb aquest país també es fa evident al
tema “En la raíz”, dedicat a la Família Núñez
encarregada de gravar els ritmes de canbombe
que inclou. Per la seva banda “Dentro de mi
pecho” és una chacarera, una dansa tradicional
argentina que compta amb la guitarra de Jorge
Drexler.
La connexió llatinoamericana l’evidencia la
coproducció del porto-riqueny Eduardo Cabra,
conegut com Visitante 13 quan milita a Calle 13.
Amb ell Lamari s’ha interessat en explorar camins
nous, cent per cent orgànics, que recalen en
diversos estils. Allò andalús aflora a “Imagina”
amb Juanito Makande, el frondós afrobeat
omple “Dondandaré”, a “Mejor versión” és Jorge
Pardo qui emfatitza a la flauta un ritme reggae,
amb “Aquí y ahora” investiga els ritmes
marroquins i a “La danza del tiempo” el violí
d’Ara Malikian posa accent oriental.
Explorar nuevos territorios
Chambao es el grupo de María del Mar ‘Lamari’
Rodríguez Carnero que, además de ser la
cantante ha compuesto la mayoría de las
canciones de su nuevo disco “Nuevo ciclo”, a la
vuelta de un viaje que realizó en 2015, tras haber
cerrado quince años de trayectoria de una banda
en continuo cambio y progresión, desde su inicial
“Flamenco Chill” hasta “10 años around the
world”. Son nuevas versiones de sus temas más
célebres en los que les acompañan un elenco de
invitados que van de Enrique y Estrella Morente a
Toumani Diabaté pasando por Lila Downs,
Macaco, Estopa, Ricky Martin, Cesaria Evora o
Rosario.
Las sorpresas del nuevo trabajo empiezan con el
single “Camino libre” que marca el cambio de
rumbo de la formación malagueña, con un
bailable ritmo funk y unas percusiones muy
influenciadas por el idílico paisaje uruguayo de
Cabo Polonio que le inspiró la canción. La
estrecha conexión con este país también se hace
evidente en el tema “En la raíz”, dedicado a la
Familia Núñez encargada de grabar los ritmos de
canbombe que incluye. Por su parte “Dentro de
mi pecho” es una chacarera, una danza
tradicional argentina que cuenta con la guitarra
de Jorge Drexler.
La conexión latinoamericana la evidencia la
coproducción del portorriqueño Eduardo Cabra,
conocido como Visitante 13 cuando milita en
Calle 13. Junto a él Lamari se ha interesado en
explorar caminos nuevos, cien por cien orgánicos,
que recalan en varios estilos. Lo andaluz aflora en
“Imagina”, junto a Juanito Makande, el frondoso
afrobeat llena “Dondandaré”, en la “Mejor
versión” es Jorge Pardo quien enfatiza a la flauta
un ritmo reggae, con “Aquí y ahora” investiga en
los ritmos marroquíes y en “La danza del tiempo”
el violín de Ara Malikian pone acento oriental.
El més elegant dandi del pop
El grup d’Irlanda del Nord The Divine Comedy,
que lidera el gran Neil Hannon, publica per fi el
seu onzè àlbum, l’esperat “Foreverland”, sis anys
després de “Bang Goes The Knighthood”. Segons
explica va de trobar la mitja taronja i viure feliços
per sempre... i sobretot, el que ve després de
viure feliços per sempre. La ironia i el sentit de
l’hummor d’aquest dandi del pop impregnen las
seva música des dels celebrats dos primers
discos, entre els quals cal destacar “Liberation”
(1993), “Promenade” (1994) o “Casanova”
(1996).
Entre les etiquetes que s’han utilitzat per definir
la seva música estan les de pop de càmera, art-
pop o pop barroc. El terme barroc li escau perquè
la seva música sofisticada està plena de referents
cultes. Així, “A Short Album About Love” es una
referència al cinema de Kieslowski i al seu
currículum hi figuren des d’adaptacions de Noël
Coward a col·laboracions amb Tom Jones i Ute
Lemper al celebrat àlbum “Punishing Kiss” (2000).
El grup va entrar al nou mil·lenni amb
“Regeneration” (2001), un disc produït per Nigel
Godrich (Radiohead), abandonant l’orfebreria
orquestral per a apropar-se al més orgànic brit-
pop. A partir d’aquí The Divine Comedy passa a
ser el projecte personal de Neil Hannon que torna
a recuperar la sofisticació d’abans amb con
“Absent Friends” (2004), al qual col·labora Yann
Tiersen. La versatilitat d’aquest ‘crooner’ pop,
que es a més un dels millor i més originals
compositors del Regne Unit, l’ha portat al punt
d’escriure musicals, òperes i música coral.
El más elegante dandy del pop
El grupo de Irlanda del Norte The Divine Comedy,
que lidera el gran Neil Hannon, publica por fin su
onceavo álbum, el esperado “Foreverland, seis
años después de “Bang Goes The Knighthood”.
Según explica va de encontrar a la media naranja
y vivir felices para siempre… y sobre lo que viene
después de vivir felices para siempre. La ironía y
el sentido del humor de este dandy del pop
impregnan su música desde los celebrados
primeros discos, entre los que cabe destacar
“Liberation” (1993), “Promenade” (1994) o
“Casanova” (1996).
Entre las etiquetas que se han utilizado para
definir su música están las de pop de cámara, art-
pop o pop barroco. Lo de barroco les va como
anillo al dedo porque su sofisticada música está
llena de referentes cultos. Así, “A Short Album
About Love” es una referencia al cine de
Kieslowski y en su currículo figuran desde
adaptaciones de Noël Coward a colaboraciones
con Tom Jones y Ute Lemper en el celebrado
álbum “Punishing Kiss” (2000).
El grupo entró en el nuevo milenio con
“Regeneration” (2001), un disco producido por
Nigel Godrich (Radiohead), abandonando la
orfebrería orquestal para acercarse al más
orgánico brit-pop. A partir de ahí The Divine
Comedy pasa a ser el proyecto personal de Neil
Hannon que vuelve a recuperar la sofisticación de
antaño con “Absent Friends” (2004), en el que
colabora Yann Tiersen. La versatilidad de este
crooner pop, que es además uno de los mejores y
más originales compositores del Reino Unido, le
ha llevado incluso a escribir musicales, óperas y
música coral.
Inventors del clit rock
El grup britànic de rock alternatiu Skunk Anansie
practiquen -en paraules de la seva emblemàtica
cantant Deborah Dyer, alies Skin- el clit rock, una
amalgama de rock dur i ràbia feminista negra. No
en va entre les seves influències cal citar a Rage
Against The Machine, Pearl Jam o Nirvana. El
primer single, el controvertit “Selling Jesus”, va
aparèixer a la banda sonora de “Días extraños”
(1995), un thriller de ciència ficció. Aquell mateix
any van debutar amb l’àlbum “Paranoid &
Sunburnt”que conté un altre tema fonamental,
“Little Baby Swastikkka”.
La carrera del grup es va consolidar amb “Stoosh”
(1996) i “Post Orgasmic Chill” (1999), que
recorden a la seva gira actual tocant temes
emblemàtics com “Hedonism (Just Because You
Feel Good)”, “Twisted (Everyday Hurts)” o
“Charlie Big Potato”. Però quan tot anava bé la
banda se separa el 2001. Skin inicia una carrera
en solitari que la va portar a publicar
“Fleshwounds” (2003) i “Fake Chemical State”
(2006) i a alternar la seva faceta de DJ amb icona
de la moda. El grup es va reformar 2009 publicant
el grans èxits “Smashes & Trashes”.
La nova etapa es va consolidar amb
“Wonderlustre” (2010) i el seu “You Saved Me”
apareixent a la banda sonora de la pel·lícula
fantàstica “Sucker Punch: Mundo Surreal” on
també figura el seu remix de l’“Army Of Me” de
Björk. La mort del bateria Robbie Francis els va
portar a titular “Sad Sad Sad” el single del seu
cinquè àlbum “Black Traffic” (2012). Ara es
troben immersos en la presentació del seu
flamant “Anarchytecture”, un títol que fa
referència a la intersecció entre estructura i caos,
llibertat i fronteres.
Inventores del clit rock
El grupo británico de rock alternativo Skunk
Anansie practican -en palabras de su
emblemática cantante Deborah Dyer, alias Skin-
el clit rock, una amalgama de rock duro y rabia
feminista negra. No en vano entre sus influencias
cabe citar a Rage Against The Machine, Pearl Jam
o Nirvana. El primer single, el controvertido
“Selling Jesus”, apareció en la banda sonora de
“Días extraños” (1995), un thriller de ciencia
ficción. Ese mismo año debutaron con el álbum
“Paranoid & Sunburnt” que contiene otro tema
fundamental, “Little Baby Swastikkka”.
La carrera del grupo se consolidó con “Stoosh”
(1996) y “Post Orgasmic Chill” (1999), que
recuerdan en su actual gira tocando temas
emblemáticos como “Hedonism (Just Because
You Feel Good)”, “Twisted (Everyday Hurts)” o
“Charlie Big Potato”. Pero cuando todo iba viento
en popa la banda se separa en 2001. Skin inicia
una carrera en solitario que la llevó a publicar
“Fleshwounds” (2003) y “Fake Chemical State”
(2006) y a alternar su faceta de DJ con la de icono
de la moda. El grupo se reformó en 2009
publicando el grandes éxitos “Smashes &
Trashes”.
La nueva etapa se consolidó con “Wonderlustre”
(2010) y su tema “You Saved Me” apareciendo en
la banda sonora de la película fantástica “Sucker
Punch: Mundo Surreal” en la que también figura
su remix del “Army Of Me” de Björk. El
fallecimiento del batería Robbie Francis les llevó a
titular “Sad Sad Sad” el single de su quinto álbum
“Black Traffic” (2012). Ahora se hallan inmersos
en la presentación de su flamante
“Anarchytecture”, un título que hace referencia a
la intersección entre estructura y caos, libertad y
fronteras.
Americana evolutiva
Corizonas és un supergrup, simbiosi del trio de
rock val·lisoletà Arizona Baby, liderat pel cantant i
guitarrista Javier Vielba, i del quintet madrileny
de surf-rock Los Coronas, fundat per Fernando
Pardo de Sex Museum. Després de coincidir el
2010 en les seves gires respectives decideixen
treballar junts per a explorar noves vies. Primer
com a Dos Bandas y un Destino, amb un àlbum en
directe, “El concierto”, al qual ja apuntaven
maneres amb un so americana que va de Calexico
a Wilco passant per The Jayhawks.
Ja com Corizonas, el grup debuta amb “The News
Today” (2011). La influència de la música d’EUA la
reflecteixen les lletres en anglès, el so country-
rock de “The Deceiver” i el fronterer d’“El
Rancho”, amb trompetes de gust spaghetti
western. També un banjo i les harmonies vocals
de “Run To The river”, el rock sureny de “Nothing
is Sacred” o la delícia acústica que el tanca, “The
Queen of Hearts”.
Ara donen un pas important en la seva evolució
amb “Nueva dimensión vital”, que presenten al
Festival Mil·lenni. Amb lletres en castellà, el canvi
també afecta al seu estil, més obert i personal.
Així, la precisió melòdica els porta a compondre
“Luces azules”, en l’estela del millor Manolo
García. Les tornades van unides a picades d’ull,
com el fragment del discurs de Charles Chaplin a
“El gran dictador” que inclouen a “La cuerda que
nos dan” o l’existencialisme de Sartre que
impregna “Para qué”. L’ajuda de col·laboradors
com Depedro, que posa el seu lliscant steel-guitar
a “Lluvia de abril”, i arranjaments de violoncel,
theremin o fiscorn els porten a competir a la lliga
de Bunbury, Amaral o Leiva.
Americana evolutiva
Corizonas es un supergrupo, simbiosis del trío de
rock vallisoletano Arizona Baby, liderado por el
cantante y guitarrista Javier Vielba, y del quinteto
madrileño de surf-rock Los Coronas, fundado por
Fernando Pardo de Sex Museum. Tras coincidir
en 2010 en sus respectivas giras deciden trabajar
juntos para explorar nuevas vías. Primero como
Dos Bandas y un Destino, con un álbum en
directo, “El concierto”, en el que apuntaban
maneras con un sonido americana que va de
Calexico a Wilco pasando por The Jayhawks.
Ya como Corizonas, el grupo debuta con “The
News Today” (2011). La influencia de la música
de EE. UU. la reflejan las letras en inglés, el
sonido country-rock de “The Deceiver” y el
fronterizo de “El Rancho”, con trompetas de
sabor a spaghetti western. También un banjo a lo
porche trasero y las armonías vocales de “Run To
The river”, el rock sureño de “Nothing is Sacred”
o la delicia acústica que lo cierra, “The Queen of
Hearts”.
Ahora dan un paso importante en su evolución
con “Nueva dimensión vital”, que presentan en el
Festival Mil·lenni. Con letras en castellano, el
cambio también afecta a su estilo, más abierto y
personal. Así, la precisión melódica les lleva a
componer “Luces azules”, en la estela del mejor
Manolo García. Los estribillos van unidos a
guiños, como el fragmento del discurso de
Charles Chaplin en “El gran dictador” que
incluyen en “La cuerda que nos dan” o el
existencialismo de Sartre que impregna “Para
qué”. La ayuda de colaboradores como Depedro,
que pone su deslizante steel-guitar a “Lluvia de
abril”, y arreglos de chelo, theremin o fliscorno
les llevan a competir en la liga de Bunbury,
Amaral o Leiva.
Explosiva banda de metalls
Definint de nou el que deu ser una banda de
metalls, Lucky Chops ha creat un so únic amb una
energia que sona a través de tot el món amb un
èxit viral, llançant una carrera que es dirigeix fins
a cims incommensurables. Aquest sextet
novaiorquès s’ha imposat com a missió capturar
la força d’una banda de rock i fusionar-la amb el
sentit ballable de la música electrònica.
El grup, que va començar tocant al carrer i al
metro, s’ha passat uns anys explorant gran
varietat d’estils i direccions musicals fins a crear
quelcom poderós que ha merescut una creixent
atenció des de que es van convertir en la banda
de la casa d’un ‘talk show’ de la MTV nomenat
“Girl Code Live”. Des d’aleshores s’han posicionat
com els successors naturals de bandes com The
Soul Rebels o la Dirty Dozen Brass Band.
El grup l’integren Leo P. (saxo baríton), Daro
Behroozi (saxo tenor), Josh Holcomb (trombó),
Joshua Gawel (trompeta), Raphael Buyo (tuba) i
Kevin Congleton (bateria). I el seu repertori es
composa d’explosives versions de clàssics del
pop, el funk i el soul en clau ‘brass band’ entre els
que es troben “My Girl” (The Temptations), “I
Want You Back” (The Jackson 5), “Funkytown”
(Lipps Inc), “I Feel Good” (James Brown), “Hello”
(Adele) o “Problem” (Ariana Grande).
Explosiva banda de metales
Redefiniendo lo que debe ser una banda de
metales, Lucky Chops ha creado un sonido único
cuya energía resuena a través de todo el mundo
con un éxito viral, lanzando una carrera que se
dirige hacia cumbres inconmensurables. Este
sexteto neoyorquino se ha impuesto como misión
capturar la fuerza de una banda de rock y
fusionarla con el sentido bailable de la música
electrónica.
El grupo, que empezó tocando en la calle y en el
metro, se ha pasado varios años explorando gran
variedad de estilos y direcciones musicales hasta
crear algo muy poderoso que ha merecido una
creciente atención desde que se convirtieron en
la banda de la casa de un ‘talk show’ de la MTV
llamado “Girl Code Live”. Desde entonces se han
posicionado como los sucesores naturales de
bandas como The Soul Rebels o la Dirty Dozen
Brass Band.
El grupo lo integran Leo P. (saxo barítono), Daro
Behroozi (saxo tenor), Josh Holcomb (trombón),
Joshua Gawel (trompeta), Raphael Buyo (tuba) y
Kevin Congleton (batería). Y su repertorio se
compone de explosivas versiones de clásicos del
pop, el funk y el soul en clave ‘brass band’ entre
las que se encuentran “My Girl” (The
Temptations), “I Want You Back” (The Jackson 5),
“Funkytown” (Lipps Inc), “I Feel Good” (James
Brown), “Hello” (Adele) o “Problem” (Ariana
Grande).
Reinventar el pop
Nouvelle Vague, el grup que van crear i lideren
Marc Collin i Oliver Libaux, ajudats per músics
d’estudi i diverses vocalistes, va començar com
una idea extravagant: versionar cançons de
l’època new wave i post punk en un estil lounge i
bossa nova, transformant himnes masculins en
delicadeses cantades per dones, amb un cool
accent francès. I va funcionar. Al primer àlbum
van transformar el “Love Will Tears Us Apart” de
Joy Division en carícia brasilera i el “Guns of
Brixton” de The Clash en delícia acústica.
A Jello Biafra o John Lydon no els hi va fer molta
gràcia, però l’èxit va continuar amb el segon
àlbum “Bande à part” (2006) i la inclusió de les
seves versions a anuncis publicitaris. Amb el
tercer àlbum, “3” (2009), van portar el concepte a
una nova dimensió, amb arranjaments més
radicals i convidant als autors de les cançons a fer
duets amb les vocalistes. Així, Martin Gore de
Depeche Mode canta a “Master And Servant” i
Ian McCulloch de Echo & The Bunnymen a “All
My Colours”. Després van fer el mateix amb el
pop francès a l’àlbum “Coleurs sur Paris” (2010),
junt a un elenc de cantants que inclouen a
Vanessa Paradis, Camille, Yelle, Emily Loizeau o
Coralie Clement.
Després d’un llarg hiatus, al qual s’han dedicat a
compondre música per a hotels i a produir a
altres artistes, tornen amb un àlbum d’aniversari
amb el títol provisional “Nouvelle Vague by
Nouvelle Vague and Some Friends”. Un disc
recopilatori tori especial que inclourà noves
remescles de temes del seu catàleg, quatre
versions ja editades però regravades a la China,
l’ Índia, Mèxic i Hongria amb músics locals, quatre
versions noves de The Ramones, Cocteau Twins,
The Associates and Richard Hell i, sorpresa,
quatre cançons originals, les primeres que
componen.
Reinventar el pop
Nouvelle Vague, el grupo que crearon y lideran
Marc Collin y Oliver Libaux, ayudados por músicos
de estudio y diversas vocalistas, empezó como
una idea extravagante: versionar canciones de la
época new wave y post punk en un estilo lounge
y bossa nova, transformando himnos masculinos
en delicadezas cantadas por mujeres, con un cool
acento francés. Y funcionó. En el primer álbum
transformaron el “Love Will Tears Us Apart” de
Joy Division en caricia brasileña y el “Guns of
Brixton” de The Clash en delicia acústica.
A Jello Biafra o John Lydon no les hizo mucha
gracia, pero el éxito continuó con el segundo
álbum “Bande à part” (2006) y la inclusión de sus
versiones en anuncios publicitarios. Con el tercer
álbum, “3” (2009), llevaron el concepto a una
nueva dimensión, con arreglos más radicales e
invitando a los autores de las canciones a hacer
duetos con las vocalistas. Así, Martin Gore de
Depeche Mode canta en “Master And Servant” y
Ian McCulloch de Echo & The Bunnymen en “All
My Colours”. Luego hicieron lo propio con el pop
francés en el álbum “Coleurs sur Paris” (2010),
junto a un elenco de cantantes que incluye a
Vanessa Paradis, Camille, Yelle, Emily Loizeau o
Coralie Clement.
Tras un largo hiatus, en el que se han dedicado a
componer música para hoteles y a producir a
otros artistas, vuelven con un álbum de
aniversario cuyo titulo provisional es “Nouvelle
Vague by Nouvelle Vague and Some Friends”. Un
recopilatorio especial que incluirá nuevas
remezclas de temas de su catálogo, cuatro
versiones ya editadas pero regrabadas en China,
India, México y Hungría con músicos locales,
cuatro versiones nuevas de The Ramones,
Cocteau Twins, The Associates and Richard Hell y,
sorpresa, cuatro canciones originales, las
primeras que componen.
A flor de pell
Tres anys després de “8 lunas” la cantautora
canària Rosana torna amb les noves cançons de
“En la memoria de la piel”. És el vuitè àlbum
d’estudi i inclou onze temes inèdits, compostos i
produïts per ella mateixa, que reflecteixen el
millor de la Rosana d’ara, en una reinvenció que
reprèn la seva essència per modernitzar-la.
Avalada pels més de 10 milions de còpies que
porta venudes, estrena nou single “El cielo que
me das”, un tema contagiós carregat de bones
vibracions i que defineix la línia del seu nou
treball.
La peculiaritat d’aquest disc, a la portada del qual
apareix abraçant un nadó, es troba a la seva
producció, donat que és un viatge per diversos
estils musicals que no havien estat explorats per
l’artista. A més, enllaça el so orgànic dels
instruments amb arranjaments que es realitzen
per computador, per a donar major profunditat a
les cançons. Així, la balada “Puede ser”, acaba
inflamada per guitarres elèctriques.
Les cançons de l’àlbum pertanyen totes a una
mateixa època. Van començar a néixer i prendre
forma després d’un parèntesi de la l’última gira
internacional Rosana, el juny de 2015, al tornar
dels Estats Units. Va ser un període molt creatiu
al qual va composar 50 melodies; una collita
abundant on va tenir on escollir. Per explicar el
títol de “En la memoria de la piel” diu que la pell
va més enllà del que ens envolta, que només
notes quan ens toquen o ens acaricien. Per
exemple, al escoltar una melodia que et posa els
pels de punta. Això indica que la pell té vida
pròpia, memòria i ànima.
A flor de piel
Tres años después de “8 lunas” la cantautora
canaria Rosana vuelve al Festival Mil·lenni con las
canciones nuevas de “En la memoria de la piel”.
Es el octavo álbum de estudio e incluye once
temas inéditos, compuestos y producidos por ella
misma, que reflejan lo mejor de la Rosana de
ahora, en una reinvención que retoma su esencia
para modernizarla. Avalada por los más de 10
millones de copias que lleva vendidos, estrena su
nuevo single, “El cielo que me das”, un tema
contagioso cargado de buenas vibraciones y que
define la línea de su nuevo trabajo.
La peculiaridad de este disco, en cuya portada
aparece abrazando a un bebé, se encuentra en su
producción, ya que es un viaje por diversos
estilos musicales que no habían sido explorados
por la artista. Además, enlaza el sonido orgánico
de los instrumentos con los arreglos que se
realizan por computador, para dar mayor
profundidad a las canciones. Así, la balada
“Puede ser”, acaba inflamada por guitarras
eléctricas.
Las canciones del álbum pertenecen todas a una
misma época. Empezaron a nacer y tomar forma
tras un paréntesis después de la última gira
internacional de Rosana, en junio de 2015, al
regresar de Estados Unidos. Fue un periodo muy
creativo en el que compuso 50 melodías; una
cosecha abundante entre la que tuvo donde
escoger. Para explicar el título de “En la memoria
de la piel” dice que la piel va más allá de algo que
nos envuelve, que solo sientes cuando nos tocan
o nos acarician. Por ejemplo, al escuchar una
melodía que te pone los pelos de punta. Eso
indica que la piel tiene vida propia, memoria y
alma.
Retorn en gran
La cantant cordovesa Índia Martínez torna als
escenaris per presentar el seu setè disc “Te
cuento un secreto”, després de renovar el seu
contracte amb Sony, la companyia que l'ha portat
a posicionar-se com una de les dones del pop
espanyol que ha aconseguit major èxit al nostre
país i a Llatinoamèrica. L'àlbum és el seu primer
material completament inèdit des que va publicar
“Camí de la bona sort” (2013), i el de la seva
reaparició des del rotund èxit de “Dual” (2014),
l'àlbum de duos amb el qual va aconseguir el disc
de platí.
Abans de l'edició, a la fi d'octubre, ha anat
desvetllant a la seva pàgina d'internet alguns
secrets que tenia molt ben guardats, com el del
seu amor pel piano, amb el qual cada dia practica
més per poder acompanyar-se d'ell en directe.
Un altre secret és el de la seva afició per dibuixar,
que mostra en un video realitzant un retrat de
Prince Royce, cantant de bachata novaiorquès
d'origen dominicà que col·labora en el tema
“Gris”. Una altra intimitat que ha desvetllat és la
que li agraden els esports de risc i per això ha
realitzat un video en el qual salta amb
paracaigudes per il·lustrar el single “Ángel”.
Amb un Goya i tres nominacions als Grammy,
Índia Martínez és sens dubte una de les joves
artistes amb major projecció. La seva impactant
veu, que neix de la fusió del flamenc i del pop, ha
provocat que moltes de les estrelles nacionals i
internacionals de la cançó hagin volgut
col·laborar amb ella, des d'Enrique Iglesias a
David Bisbal passant per Manuel Carrasco,
Vanesa Martín, Raphael, Estopa, Franco de Vita,
Pitingo o Rachid Taha. La polièdrica personalitat
d'Índia Martínez es desvetllarà en el Festival
Mil·lenni, que acull la seva enigmàtica gira
batejada com a “Tour Secreto”.
Retorno a lo grande
La cantante cordobesa Índia Martínez vuelve a los
escenarios para presentar su séptimo disco “Te
cuento un secreto”, tras renovar su contrato con
Sony la compañía que la ha llevado a posicionarse
como una de las mujeres del pop español que ha
logrado mayor éxito en nuestro país y en
Latinoamérica. El álbum es su primer material
completamente inédito desde que publicó
“Camino de la buena suerte” (2013), y el de su
reaparición desde el rotundo éxito de “Dual”
(2014), el álbum de dúos con el que consiguió el
disco de platino.
Antes de la edición, a finales de octubre, ha ido
desvelando en su página de internet algunos
secretos que tenía muy bien guardados, como el
de su amor por el piano, con el que cada día
practica más para poder acompañarse de él en
directo. Otro secreto es el de su afición por
dibujar, que muestra en un video realizando un
retrato de Prince Royce, cantante de bachata
neoyorquino de origen dominicano que colabora
en el tema “Gris”. Otra intimidad que ha
desvelado es la de que le gustan los deportes de
riesgo y para ello ha realizado un video en el que
salta con paracaídas para ilustrar el single
“Ángel”.
Con un Goya y tres nominaciones a los Grammy,
India Martínez es sin duda una de las jóvenes
artistas con mayor proyección. Su impactante
voz, que nace de la fusión del flamenco y el pop,
ha provocado que muchas de las estrellas
nacionales e internacionales de la canción hayan
querido colaborar con ella, desde Enrique Iglesias
a David Bisbal pasando por Manuel Carrasco,
Vanesa Martín, Raphael, Estopa, Franco de Vita,
Pitingo o Rachid Taha. La poliédrica personalidad
de India Martínez se desvelará en el Festival
Mil·lenni, que acoge su enigmática gira bautizada como Tour Secreto.
Imaginativa reinvenció
La cantautora, guitarrista i pianista Maika
Makovski és una mallorquina d’orígens
macedonis i andalusos. Nascuda el 1983 va
començar des de molt jove a compondre
cançons, i després de viatjar per diversos països
es va establir a Barcelona on va gravar el seu
primer àlbum “Kradiaw” (2005). El seu afany de
coneixement la va portar a Nova York on va
madurar a l’escena alternativa fins a donar forma
a “Kraj so Koferot (2007). Però no va ser fins
“Maika Makovski” (2010) quan les seves cançons
van obtenir difusió internacional gràcies a la
producció de l’afamat John Parish, estret
col·laborador de PJ Harvey.
Va ser a la gira de presentació d’aquell aclamat
disc, junt a una banda on militava Xarim Aresté a
la guitarra, que Maika es va fer popular encara
que des d’aleshores va tenir que suportar les
comparacions amb l’autora de “To Bring You My
Love”. Els seus següents àlbums van ser
“Desaparecer” -banda sonora d’un espectacle
teatral de Calixto Bieito- i “Thank You For The
Boots”, sempre amb cançons en anglès encara
que passant de les atmosferes denses i
ombrívoles a formes més lluminoses.
El gir total a la seva carrera s’ha forjat amb con
“Chinook Wind”, de nou produït per John Parish,
el seu àlbum menys rocker. En ell predominen els
arranjaments de corda i metall i està influït per
un viatge que va realitzar a Macedònia, la terra
natal del seu pare, una experiència que reflecteix
a la cançó “Makedonija”. Un altre tema nou,
“Father”, està inspirat en Shakespeare i el vídeo
del single “Not In Love” l’ha realitzat David
Trueba; és un plano fixe on es desmaquilla i
funciona com a metàfora del seu nou so en el
qual destaca el Quartet Brossa. El prestigiós grup
de corda també l’acompanya en directe en una
recerca que completen bateria, trompa i ella a
les guitarres mesclant subtilesa i intensitat.
Imaginativa reinvención
La cantautora, guitarrista y pianista Maika
Makovski es una mallorquina de orígenes
macedonios y andaluces. Nacida en 1983 empezó
desde muy joven a componer canciones y, tras
viajar por diversos países se establece en
Barcelona donde grabó su primer álbum
“Kradiaw” (2005). Su afán de conocimiento la
llevó a Nueva York donde se curtió en la escena
alternativa hasta dar forma a “Kraj so Koferot
(2007). Pero no fue hasta “Maika Makovski”
(2010) que sus canciones obtuvieron difusión
internacional gracias a la producción del afamado
John Parish, estrecho colaborador de PJ Harvey.
Fue en la gira de presentación de aquel aclamado
disco, junto a una banda en la que militaba Xarim
Aresté a la guitarra, que Maika se hizo popular
aunque desde entonces tuvo que soportar las
comparaciones con la autora de “To Bring You My
Love”. Sus siguientes álbumes fueron
“Desaparecer” -banda sonora de un espectáculo
teatral de Calixto Bieito- y “Thank You For The
Boots”, siempre con canciones en inglés aunque
pasando de las atmósferas densas y sombrías a
formas más luminosas.
El giro total en su carrera se ha fraguado con
“Chinook Wind”, de nuevo producido por John
Parish, su álbum menos rockero. En él
predominan los arreglos de cuerda y de metal y
está influido por un viaje que realizó a
Macedonia, la tierra natal de su padre, una
experiencia que refleja en la canción
“Makedonija”. Otro tema nuevo, “Father”, está
inspirado en Shakespeare y el video del single
“Not In Love” lo ha realizado David Trueba; es un
plano fijo en el que se desmaquilla y funciona
como metáfora de su nuevo sonido en el que
destaca el Quartet Brossa. El prestigioso grupo de
cuerda también le acompaña en directo en una
banda que completan batería, trompa y ella a las
guitarras mezclando sutileza e intensidad.
Homenatge a Mecano
Han passat 25 anys des de que Mecano presentà
la seva última gira “Aidalai Tour” i, dos
generacions després, la seva música segueix molt
present entre el gran públic. Per commemorar
l’aniversari neix Hija de la Luna, un projecte de
tribut al grup més important del pop espanyol.
Un concert que ofereix una reproducció d’aquella
mítica gira, rescatant a més altres grans èxits que
Mecano va interpretar llavors.
L’espectacle ha estat concebut per Robin Torres,
una tot terreny de les arts escèniques que a més
de cantant és ballarina i intèrpret. Després del
seu pas per “La Voz” s’ha embarcat en aquest
projecte, al qual rendeix tribut al grup dels
germans Cano i Ana Torroja, reproduint la màgia
que es vivia aquells concerts multitudinaris als
quals els seus fans cantaven totes i cadascuna de
les cançons, temes com “Me cuesta tanto
olvidarte”, “Maquillaje”, “Cruz de navajas”, “La
fuerza del destino”, “Barco a Venus” o “Mujer
contra mujer”.
Hija de la Luna és un gest de complicitat al títol
“Hijo de la Luna”, una cançó que José María Cano
va escriure originàriament per a Isabel Pantoja. Al
ser rebutjada per la tonadillera va acabar
publicant-se al quart àlbum del grup, “Entre el
cielo y el suelo”, obtenint un gran èxit, fins a
l’extrem de gravar versions en italià i francès.
Homenaje a Mecano
Han pasado 25 años desde que Mecano
presentara su última gira “Aidalai Tour” y, dos
generaciones después, su música sigue muy
presente entre el gran público. Para conmemorar
el aniversario nace Hija de la Luna, un proyecto
de tributo al grupo más importante del pop
español. Un concierto que ofrece una
reproducción de aquella mítica gira, rescatando
además otros grandes éxitos que Mecano no
interpretó entonces.
El espectáculo ha sido concebido por Robin
Torres, una todoterreno de las artes escénicas
que además de cantante es bailarina e intérprete.
Tras su paso por “La Voz” se ha embarcado en
este proyecto, en el que rinde tributo al grupo de
los hermanos Cano y Ana Torroja, reproduciendo
la magia que se vivía en aquellos conciertos
multitudinarios en los que sus fans cantaban
todas y cada una de las canciones, temas
inmarchitables como “Me cuesta tanto
olvidarte”, “Maquillaje”, “Cruz de navajas”, “La
fuerza del destino”, “Barco a Venus” o “Mujer
contra mujer”.
Hija de la Luna es un guiño al título “Hijo de la
Luna”, una canción que José María Cano escribió
originariamente para Isabel Pantoja. Al ser
rechazada por la tonadillera acabó publicándose
en el cuarto álbum del grupo, “Entre el cielo y el
suelo”, obteniendo un gran éxito, hasta el
extremo de que incluso grabaron versiones en
italiano y francés.
Cançons passionals
Diego Martín és un cantautor fet a si mateix. Des
de que a l’escola va descobrir les possibilitats de
comunicació emocional que permeten una
guitarra, una veu i un grapat de cançons.
Autodidacta, va aprendre el seu art escrivint els
primers temes en els moments lliures que li
deixava el treball en una benzinera. Les seves
lletres, planys entorn a l’amor i el desamor, van
cridar l’atenció de DRO Atlantic que el va fer
debutar amb “Vivir no es solo respirar” (2006).
Va ser una fulgurant aparició culminada pel gran
èxit del single “Déjame verte”, un duet amb
Raquel Rosario de El Sueño de Morfeo, seguint
l’estela d’Alejandro Sanz. Convertit en artista
revelació, va augmentar la seva popularitat amb
“Puntos suspensivos” (2007), escrit i compost
íntegrament per ell. En la seva tercera entrega,
“Melicia” (2010) -títol que fa referència a Melilla i
Múrcia, llocs on va néixer i es va criar-, és Malu
qui l’acompanya a “Hacer llover”. El disc el
produeix l’italià Bob Benozzo, que ha treballat
amb Chambao, Vanessa Martín o Ana Belén.
Les guitarres tenen gran protagonisme en la seva
música, com demostra el quart àlbum “Siendo”
(2013) i el single del mateix títol. Però no
solament el rock donat que el reggae també
apareix a “Como contigo ayer”, sense oblidar-se
mai dels seus torrencials mig tempos i balades,
les grans marques de la casa. Com “Desde que te
hiciste aire”, inclosa al flamant “Con los pies en el
cielo” que estrena al Festival Mil·lenni. Un àlbum
precedit pel torrencial single “Yo, que lo hice por
cantar”, el millor indicatiu que el seu cor segueix
inflamat per la inextingible flama de l’amor.
Canciones pasionales
Diego Martín es un cantautor hecho a sí mismo.
Desde que en la escuela descubrió las
posibilidades de comunicación emocional que
permiten una guitarra, una voz y un puñado de
canciones. Autodidacta, aprendió su arte
escribiendo los primeros temas en los momentos
libres que le dejaba el trabajo en una gasolinera.
Sus letras, lamentos en torno al amor y el
desamor, llamaron la atención de DRO Atlantic
que lo hizo debutar con “Vivir no es solo respirar”
(2006).
Fue una fulgurante aparición culminada por el
gran éxito del single “Déjame verte”, un dueto
con Raquel Rosario de El Sueño de Morfeo,
siguiendo la estela de Alejandro Sanz. Convertido
en artista revelación, acrecentó su popularidad
con “Puntos suspensivos” (2007), escrito y
compuesto íntegramente por él. En su tercera
entrega, “Melicia” (2010) -título que hace
referencia a Melilla y Murcia, lugares donde nació
y se crió-, es Malu quien lo acompaña en “Hacer
llover”. El disco lo produce el italiano Bob
Benozzo, que ha trabajado con Chambao,
Vanessa Martín o Ana Belén.
Las guitarras tienen gran protagonismo en su
música, como demuestra el cuarto álbum
“Siendo” (2013) y el single del mismo título. Pero
no solo el rock ya que el reggae también aparece
en “Como contigo ayer”, sin olvidarse nunca de
sus torrenciales medios tiempos y baladas, las
grandes marcas de la casa. Como “Desde que te
hiciste aire”, incluida en el flamante “Con los pies
en el cielo” que estrena en el Festival Mil·lenni.
Un álbum precedido por el torrencial single “Yo,
que lo hice por cantar”, el mejor indicativo de
que su corazón sigue inflamado por la
inextinguible llama del amor.
Gran de la música balcànica
El músic serbi Goran Bregovic torna al Festival
Mil·lenni per a recordar-nos que no és un dels
grans, sinó el més gran, de la música balcànica. Si
més no, el que més ha fet per difundir-la entre el
públic occidental. Les seves visites es compten
per èxits en uns concerts plens de ritme que es
converteixen en una panoràmica dels ritmes i
sons procedents de tota l’àrea dels Balcans. I
això és així des de que es va donar a conèixer
amb les bandes sonores de les pel·lícules d’Emir
Kusturica.
Als impressionants grups que acompanyen
Bregovic mai falten els destacats metalls de la
seva Banda de Bodes i Funerals, secció de corda i
els indispensables cors, repartits entre les
polifonies de les veus femenines búlgares i cors
masculins, passant amb tota naturalitat del
medievalisme de la banda sonora de “La Reina
Margot” a la relectura del clàssic “Ya Ya” de Lee
Dorsey i de la solemnitat coral a la gresca zíngara
de “Kalashnikov”, arrasant sense fissures amb
elegància i sentit de l’humor.
El còctel amb cors i orquestra que proposa,
també acostuma a recórrer les formes dels
gitanos hindús, amb l’ús del cant kathak i el
sampleig o de taula, sense oblidar accents més
pròxims, com és el cas de la seva cèlebre
apropiació d’“Ederlezi”, un tema tradicional amb
un títol que és el nom romaní que és dona a la
festivitat de Sant Jordi. Més que la tristesa dels
funerals, el repertori incideix en la gran festa que
representen les bodes, abordant amb ímpetu el
cocek, un gènere musical i un ball que és una de
las més fascinants manifestacions de la cultura
gitana dels Balcans.
Grande de la música balcánica
El músico serbio Goran Bregovic vuelve al Festival
Mil·lenni para recordarnos que no es uno de los
grandes, sino el más grande, de la música
balcánica. Al menos el que más ha hecho para
difundirla entre el público occidental. Sus visitas
se cuentan por éxitos en unos conciertos llenos
de ritmo que se convierten en una panorámica de
los ritmos y los sonidos procedentes de toda el
área de los Balcanes. Y eso es así desde que se
dio a conocer con las bandas sonoras de las
películas de Emir Kusturica.
En los impresionantes grupos que acompañan a
Bregovic nunca faltan los restallantes metales de
su Banda de Bodas y Funerales, sección de cuerda
y los indispensables coros, repartidos entre las
polifonías de las voces femeninas búlgaras y
coros masculinos, pasando con toda naturalidad
del medievalismo de la banda sonora de “La
Reina Margot” a la relectura del clásico “Ya Ya”
de Lee Dorsey y de la solemnidad coral al jolgorio
zíngaro de “Kalashnikov”, arrasando sin fisuras
con elegancia y sentido del humor.
El cóctel con coros y orquesta que propone
también suele recurrir a las formas de los gitanos
hindúes, con el uso del canto kathak y el sampleo
de tabla, sin olvidar los acentos más próximos,
como es el caso de su célebre apropiación de
“Ederlezi”, un tema tradicional cuyo título es el
nombre romaní que se da a la festividad de San
Jorge. Más que a la tristeza de los funerales, el
repertorio incide en la gran fiesta que
representan las bodas, abordando con ímpetu el
cocek, un género musical y un baile que es una de
las más fascinantes manifestaciones de la cultura
gitana de los Balcanes.
Elegante eclecticismo
El grup Pink Martini, que lidera el pianista
Thomas M. Lauderdale, s’ha convertit en tota una
institució a l’adaptar al seu estil temes molt
diversos que van des de melodies nipones a
músiques tretes del cinema egipci, passant per
clàssics llatins, cançó napolitana, bossa nova
brasilera o estàndards del jazz. To servit amb
arranjaments orquestrals que no escatimen les
seccions de corda, metall i percussió, fins a
convertir-se en la versió contemporània del
lounge exòtic que van fer cèlebre Les Baxter,
Arthur Lyman o Esquivel.
Parafrasejant el títol del seu gran èxit
“Sympathique”, es pot afirmar que tenen una
simpatia que connecta un públic molt divers que
gaudeix amb un elegant eclecticisme que beu del
swing de l’època de Cab Calloway i de
l’exuberància Carmen Miranda, del cinema de
Hollywood i de grooves més acords als temps
actuals permetent tant el lluïment dels
instrumentistes com dels cantants.
Venen al Festival Mil·lenni a presentar el nou disc
“Je dis oui!”, el seu novè àlbum d’estudi, una
panoràmica de 15 cançons en francès, farsi,
armeni, portuguès, àrab, turc, xhosa i anglès que
reafirmen l’esperit global que el grup ha expandit
en els seus 22 anys d’història. Alguns temes, com
“Joli garçon”, formen part de la banda sonora de
la pel·lícula “Souvenir”, protagonitzada per
Isabelle Huppert. Al disc, a més de l’antiga
cantant China Forbes i l’actual Storm Large,
també hi participa Rufus Wainwright fent una
impactant versió de “Blue Moon”.
Elegante eclecticismo
El grupo Pink Martini, que lidera el pianista
Thomas M. Lauderdale, se ha convertido en toda
una institución al adaptar a su estilo temas muy
diversos que van desde melodías niponas a
músicas sacadas del cine egipcio, pasando por
clásicos latinos, canción napolitana, bossa nova
brasileña o estándares del jazz. Todo servido con
arreglos orquestales que no escatiman las
secciones de cuerda, metal y percusión, hasta
convertirse en la versión contemporánea del
lounge exótico que hicieron célebre Les Baxter,
Arthur Lyman o Esquivel.
Parafraseando el título de su gran éxito
“Sympathique”, se puede afirmar que tienen una
simpatía que conecta con un público muy diverso
que disfruta con un elegante eclecticismo que
bebe del swing de la época de Cab Calloway y de
la exuberancia de Carmen Miranda, del cine de
Hollywood y de grooves más acordes a los
tiempos actuales, permitiendo tanto el
lucimiento de los instrumentistas como de las
cantantes.
Vienen al Festival Mil·lenni a presentar el nuevo
disco “Je dis oui!”, su noveno álbum de estudio,
una panorámica de 15 canciones en francés, farsi,
armenio, portugués, árabe, turco, xhosa e inglés
que reafirman el espíritu global que el grupo ha
expandido en sus 22 años de historia. Algunos
temas, como “Joli garçon”, forman parte de la
banda sonora de la película “Souvenir”
protagonizada por Isabelle Huppert. En el disco,
además de la antigua cantante China Forbes y la
actual Storm Large, también participa Rufus
Wainwright haciendo una impactante versión de
“Blue Moon”.
Més enllà de l’òpera
Stefano Palatchi ha consolidat la seva exitosa
carrera com a cantant d’òpera gràcies a una
admirable vocació teatral, un bell timbre i a les
seves aclamades facultats expressives. Amo d’una
veu poderosa, de greus profunds i de gran
noblesa sobre l’escenari, ha desenvolupat la
serva carrera artística en importants coliseus
operístics, des del Gran Teatre el Liceu de la seva
Barcelona natal fins el Metropolitan Opera de
Nova York. Guanyador d’un Grammy Llatí, s’ha
convertit en un dels baixos espanyols més
importants dels últims temps.
Inquiet, arriscat i sempre amb voluntat d’innovar,
durant els últims anys ha ampliat el seu repertori
amb altres estils musicals, entre els quals destaca
el jazz. Va debutar com a ‘crooner’ de la mà de
Laura Simó i acompanyat pel Francesc Capella
Trío. Després va arribar “Tête à Tête” junt a
Alfonso Vilallonga i el 2015 ofereix el seu primer
espectacle en solitari com a líder d’un quintet,
Stefano Palatchi in Swing. Més tard, a Nova York,
ha treballat un repertori jazzístic que inclou
estàndards i cançons populars en diversos
idiomes.
Ara dóna un pas endavant amb un nou projecte,
en què compartirà escenari amb l’Original Jazz
Orquestra Taller de Músics. Una proposta
sensacional per gaudir de la veu de Palatchi sota
l’impacte musical d’una big band com la OJO.
Més d’una quinzena de músics en acció a
lesordres del reconegut trompetista David Pastor.
Un gran espectacle que el Festival Mil·lenni té el
plaer de presentar.
Más allá de la ópera
Stefano Palatchi ha consolidado su exitosa
carrera como cantante de ópera gracias a una
admirable vocación teatral, un bello timbre y a
sus aplaudidas facultades expresivas. Dueño de
una voz poderosa, de graves profundos y de gran
nobleza sobre el escenario, ha desarrollado su
carrera artística en importantes coliseos
operísticos, desde el Gran Teatre del Liceu de su
Barcelona natal hasta el Metropolitan Opera de
New York. Ganador de un Grammy Latino, se ha
convertido en uno de los bajos españoles más
importantes de los últimos tiempos.
Inquieto, arriesgado y siempre con voluntad de
innovar, durante los últimos años ha ampliado su
repertorio con otros estilos musicales, entre los
cuales destaca el jazz. Hizo su debut como
crooner de la mano de Laura Simó y acompañado
por el Francesc Capella Trío. Luego vino “Tête à
Tête” junto a Alfonso Vilallonga y en 2015 ofrece
su primer espectáculo en solitario como líder de
un quinteto, Stefano Palatchi in Swing. Luego, en
Nueva York, ha trabajado un repertorio jazzístico
que incluye standards y canciones populares en
varios idiomas.
Ahora da un paso adelante con un nuevo
proyecto, en el que compartirá escenario con la
Original Jazz Orquestra Taller de Músics. Una
propuesta sensacional para disfrutar de la voz de
Palatchi bajo el impacto musical de una big band
como la OJO. Más de una quincena de músicos en
acción a las órdenes del reconocido trompetista
David Pastor. Un gran espectáculo que el Festival
Mil·lenni tiene el placer de presentar.
Clàssic del rock
Revólver és el projecte del valencià Carlos Goñi,
un veterà amb tres dècades de carrera a les seves
esquenes ja que va començar en els anys vuitanta
militant en el grup Comité Cisne. El seu nou
projecte, molt influenciat pel rock americà de
Tom Petty i Bob Seger, va començar amb un
àlbum de títol homònim el 1990. La gran
acceptació del públic va arribar amb “Básico”, un
disc acústic en directe a la manera dels
‘unplugged’ de la MTV, gràcies a cançons com “Si
es tan solo amor” o “Dentro de ti”.
El seu següent treball, “El Dorado”, el va
consolidar com un dels referents del pop
espanyol de la dècada dels noranta. Després, en
el nou mil·lenni, va seguir instal·lat a la zona de
confort de l'èxit, gràcies a àlbums com “Sur”,
“8:30 a. m.”, “Mestizo” o “21 gramos”, un
homenatge a la pel·lícula d'Alejandro González
Iñárritu. Amb “Argán”, el seu novè àlbum
d'estudi, va fer un homenatge al Marroc i va
suposar un punt d'inflexió en la seva carrera ja
que barreja el rock amb música africana.
Després d'editar quatre àlbums en directe, tres
volums de “Básico” i “Enjoy”, de moment l'últim
esglaó de la seva carrera és “Babilonia” (2015) un
treball que, segons explica, “neix de la idea que el
poder em causa urticaria. Mai m'ha interessat ni
m'interessarà. Em considero un home lliure dins
del meu entorn i l'única manera de preservar això
és no acostant-me a ell mai perquè et corromprà
tard o d'hora”. Ara es troba immers en la
preparació de la seva continuació, que presentarà
en el Festival Mil·lenni.
Clásico del rock
Revólver es el proyecto del valenciano Carlos
Goñi, un veterano con tres décadas de carrera a
sus espaldas ya que empezó en los años ochenta
militando en el grupo Comité Cisne. Su nuevo
proyecto, muy influenciado por el rock americano
de Tom Petty y Bob Seger, empezó con un álbum
de título homónimo en 1990. La gran aceptación
del público llegó con “Básico”, un disco acústico
en directo a la manera de los ‘unplugged’ de la
MTV, gracias a canciones como “Si es tan solo
amor” o “Dentro de ti”.
Su siguiente trabajo, “El Dorado”, lo consolidó
como uno de los referentes del pop español de la
década de los noventa. Luego, en el nuevo
milenio, siguió instalado en la zona de confort del
éxito gracias a álbumes como “Sur”, “8:30 a.m.”,
“Mestizo” o “21 gramos”, un homenaje a la
película de Alejandro González Iñárritu. Con
“Argán”, su noveno álbum de estudio, hizo un
homenaje a Marruecos y supuso un punto de
inflexión en su carrera ya que mezcla el rock con
música africana.
Tras editar cuatro álbumes en directo, tres
volúmenes de “Básico” y “Enjoy”, de momento el
último peldaño de su carrera es “Babilonia”
(2015) un trabajo que, según explica, “nace de la
idea de que el poder me causa urticaria. Nunca
me ha interesado ni me interesará. Me considero
un hombre libre dentro de mi entorno y la única
manera de preservar eso es no acercándome a él
nunca porque te corromperá tarde o temprano”.
Ahora se haya inmerso en la preparación de su
continuación, que presentará en el Festival
Mil·lenni.
Subtilitat folk
Nascut en una petita ciutat de la perifèria de
Londres, Charlie Cunningham va convertir aviat la
guitarra i el piano en una part important de la
seva vida. Va aprendre els secrets de la
composició i després d’entrenar-se a petits locals
d’Oxford va emprendre un viatge a Sevilla, on va
viure dos anys explorant diferents maneres
d’apropar-se a la guitarra després de
desenvolupar una tècnica que va ser un
catalitzador per a la seva creativitat. Prenent com
a referent les qualitats percutives del flamenc, les
seves cançons s’enlairen entre delicades
floritures i moments introspectius.
Perfeccionista en grau suprem, es va prendre el
seu temps fins a publicar unes suggerents i
emocionants cançons, amb una mirada folk que
no té res a envejar a José González, Ben Howard
o Damien Rice. La seva música, acústica i
intimista, va superar el milió de reproduccions a
Spoty amb el primer EP “Outside Things” (2014).
Els seguidors van augmentar després de publicar
el segon i tercer EPs, “Breather” (2015) i
“Heights” (2016), i penjar a YouTube unes “Live
Sessions” que reflecteixen l’emotiva atmosfera
del seu directe.
En el Festival Mil·lenni presentarà l’àlbum de
debut “Lines”, una col·lecció de temes que sonen
frescos i ja familiars. La connexió amb el flamenc,
evident a “Long Grass” o “Own Speed”, segueix
estant al fons però en la forma les cançons han
guanyat personalitat. A més, recupera alguns dels
temes favorits dels seus fans, com “Lights Off”,
“Breathe” o “While You Are Young”, però en
versions noves. També hi ha estrenes: el lirisme
confident de “Minimum” o el rampell vocal
d’“Answers”, pavimentant nous camins pel que
serà la seva primera gran gira per Europa.
Sutilidad folk
Nacido en una pequeña ciudad de la periferia de
Londres, Charlie Cunningham convirtió pronto la
guitarra y el piano en una parte importante de su
vida. Aprendió los secretos de la composición y
tras entrenarse en pequeños locales de Oxford
emprendió un viaje a Sevilla, donde vivió dos
años, explorando diferentes maneras de
acercarse a la guitarra hasta desarrollar una
técnica que fue un catalizador para su
creatividad. Tomando como referente las
cualidades percutivas del flamenco, sus canciones
se elevan entre delicadas florituras y momentos
introspectivos.
Perfeccionista en grado sumo, se tomó su tiempo
hasta publicar unas sugestivas y emocionales
canciones, con una mirada folk que no tiene nada
que envidiar a José González, Ben Howard o
Damien Rice. Su música, acústica e intimista,
superó el millón de reproducciones en Spoty con
el primer EP “Outside Things” (2014). Los
seguidores crecieron tras publicar el segundo y
tercer EPs, “Breather” (2015) y “Heights” (2016),
y colgar en YouTube unas “Live Sessions” que
reflejan la emotiva atmósfera de su directo.
En el Festival Mil·lenni presentará el álbum de
debut “Lines”, una colección de temas que
suenan frescos y ya familiares. La conexión con el
flamenco, evidente en “Long Grass” o “Own
Speed”, sigue estando en el fondo, pero en la
forma las canciones han ganado en personalidad.
Además, recupera algunos de los temas favoritos
de sus fans, como “Lights Off”, “Breathe” o
“While You Are Young”, pero en versiones
nuevas. También hay estrenos: el lirismo
confidente de “Minimum” o el arrebato vocal de
“Answers”, pavimentando nuevos caminos para
la que será su primera gran gira por Europa.
Gran música
El grup escocès Simple Minds, que lideren el
cantant Jim Kerr i el guitarrista Charlie Burchill, és
una llegenda del pop des dels dies del post-punk i
la new wave, quan van debutar amb “Life In A
Day” (1979), al que van seguir altres clàssics com
“Empires And Dances” i “Sons And Fascination”.
La carrera del grup va viure un moment crucial
amb “New Gold Dream (81-82-83-84)” (1982),
que Kerr va definir com el seu Sant Grial. L’èxit va
continuar amb “Sparkle In The Rain” (1984)
instaurant la seva característica èpica.
Van acabar els vuitanta convertits en banda de
rock d’estadi, després de triomfar als Estats Units
amb la cançó “Don’t You Forget (About Me)” -a la
banda sonora de la pel·lícula “The Breakfast Club”
(“El club de los cinco”)- i l’àlbum “Once Upon A
Time” (1985), convertint-se en competidors d’U2,
amb els que van compartir escenaris. La força del
seu directe ho reflexa el doble àlbum “Live In the
City Of Light” (1987), en una edat d’or que
finalitzaria amb “Real Life” (1991).
El nou mil·lenni va suposar el renaixement que
els va portar a escalar de nou les llistes amb
“Graffiti Soul” (2009). La seva fama va tornar a
créixer gràcies a vàries gires de grans èxits. Però,
lluny d’acomodar-se, van editar el seu setzè
àlbum d’estudi, “Big Music” (2014), queobté
també el reconeixement de la crítica. I segueixen
sense parar. Ara estrenen “Acoustic”, un àlbum al
qual remodelen les seves cançons. Al primer
single, “Promised You A Miracle”, els hi
acompanya la paisana KT Tunstall i l’àlbum es
tanca amb el “Long Black Train” de Richard
Hawley. Les noves versions prescindeixen de
sintetitzadors per a recalcar la seva ànima celta.
Gran música
El grupo escocés Simple Minds, que lideran el
cantante Jim Kerr y el guitarrista Charlie Burchill,
es una leyenda del pop desde los días del post-
punk y la new wave, cuando debutaron con “Life
In A Day” (1979), al que siguieron otros clásicos
como “Empires And Dances” y “Sons And
Fascination”. La carrera del grupo vivió un
momento crucial con “New Gold Dream (81-82-
83-84)” (1982), que Kerr definió como su Santo
Grial. El éxito continuó con “Sparkle In The Rain”
(1984) instaurando su característica épica.
Acabaron los ochenta convertidos en banda de
rock de estadio, tras triunfar en Estados Unidos
con la canción “Don’t You Forget (About Me)” -en
la banda sonora de la película “The Breakfast
Club” (“El club de los cinco”)- y el álbum “Once
Upon A Time” (1985), convirtiéndose en
competidores de U2, con los que compartieron
escenarios. El poderío de su directo lo refleja el
doble álbum “Live In the City Of Light” (1987), en
una edad de oro que finalizaría con “Real Life”
(1991).
El nuevo milenio supuso un renacimiento que les
llevó a escalar de nuevo las listas con “Graffiti
Soul” (2009). Su fama volvió a crecer gracias a
varias giras de grandes éxitos. Pero, lejos de
dormirse en los laureles, editaron su decimosexto
álbum de estudio, “Big Music” (2014), que
obtiene también el reconocimiento de la crítica. Y
siguen sin parar. Ahora estrenan “Acoustic”, un
álbum en el que remodelan sus canciones. En el
primer single, “Promised You A Miracle”, les
acompaña la paisana KT Tunstall y el álbum se
cierra con el “Long Black Train” de Richard
Hawley. Las nuevas versiones prescinden de
sintetizadores para hacer hincapié en su alma celta.
Blues-rock del desert
Els pioners del blues del desert van ser el grup
Tinariwen instaurat un poderós so que mescla
l’electricitat del rock amb els cants propis de la
tradició tuareg. Inspirats per ells sorgeix una nova
generació entre la qual destaca Tamikrest, grup
que debuta el 2006 sota el lideratge d’Ousmane
Ag Mossa, cantant, guitarrista i compositor. A
l’igual que ell els membres de la banda són
originaris de Kidal, una ciutat ubicada al nord-est
de Mali.
Quan participaren al mític Festival Au Desert, a
prop de Timbuktu, entraren en contacte amb el
grup Dirtmusic que lidera Chris Eckman (The
Walkabouts) i al qual militen Hugo Race (Bad
Seeds) i Chris Brokaw (Codeine, Come). Els van
convidar a participar al seu segon àlbum, “BKO”
(2010), i van quedar tan contents amb el seu
treball que Eckman es va convertir en el seu
productor a més d’endur-se’ls de gira per Europa.
Des de llavors han mantingut una estreta relació i
tots els discos del grup -“Adagh”, “Toumastin”,
“Chatma” i “Taksera”- han estat editats pel
prestigiós segell alemany Glitterbeat.
Tamikrest van debutar a Espanya al festival
Tanned Tin del 2013, conreant aplaudiments
unànimes i tornen a la primavera del 2017 per
presentar al Mil·lenni el seu cinquè àlbum,
“Kidal”, que surt el 17 de març i en el qual
equilibren perfectament els seus elements
rockers i meditatius. Ha estat gravat a Bamako,
amb Mark Mullholland (de l’Afro-Haitian
Experimental Orchestra de Tony Allen) a la
producció, mentre que David Odlum, guanyador
d’un Grammy pel seu treball amb Tinariwen, s’ha
encarregat de les mescles.
Blues-rock del desierto
Los pioneros del blues del desierto fueron el
grupo Tinariwen instaurando un poderoso sonido
que mezcla la electricidad del rock con los cantos
propios de la tradición tuareg. Inspirados por
ellos surge una nueva generación entre la que
destaca Tamikrest, grupo que debuta en 2006
bajo el liderazgo de Ousmane Ag Mossa,
cantante, guitarrista y compositor. Al igual que él
los miembros de la banda son originarios de
Kidal, una ciudad ubicada en el noreste de Mali.
Cuando participaron en el mítico Festival Au
Desert, cerca de Timbuktu, entraron en contacto
con el grupo Dirtmusic que lidera Chris Eckman
(The Walkabouts) y en el que militan Hugo Race
(Bad Seeds) y Chris Brokaw (Codeine, Come). Los
invitaron a participar en su segundo álbum,
“BKO” (2010), y quedaron tan contentos con su
trabajo que Eckman se convirtió en su productor
además de llevárselos de gira por Europa. Desde
entonces han mantenido una estrecha relación y
todos los discos del grupo -“Adagh”,
“Toumastin”, “Chatma” y “Taksera”- han sido
editados por el prestigioso sello alemán
Glitterbeat.
Tamikrest debutaron en España en el festival
Tanned Tin del 2013, cosechando aplausos
unánimes, y volverán en la primavera de 2017
para presentar en el Festival Mil.lenni su quinto
álbum, “Kidal”, que saldrá el 17 de marzo y en el
cual equilibran perfectamente sus elementos
rockeros y meditativos. Ha sido grabado en
Bamako, con Mark Mullholland (de la Afro-
Haitian Experimental Orchestra de Tony Allen) a
la producción, mientras que David Odlum,
ganador de un Grammy por su trabajo con Tinariwen, se ha encargado de las mezclas.
Cantautora en la seva plenitud
La malaguenya Vanesa Martín ha tornat als
estudis per gravar “Munay”, continuació dels
seus grans èxits “Directo” (2015) i col·lecció de
cançons noves des de “Crónica de un baile”
(2014). El single “Complicidad” mostra a una
cantautora en plenitud, amb un so renovat
després de viure una temporada a Los Angeles,
on ha gravat sota la supervisió del productor Eric
Rosse (Maroon 5, Tori Amos, Pablo Alborán) i
amb l’ajuda de prestigiosos músics d’estudi com
el bateria Matt Chamberlain (Alanis Morissette,
David Bowie), el baixista Mark Browne (Lenny
Kravitz, Elton John) o el guitarrista Michael Carey
(Robbin Williams, Michael Bublé).
“Munay” és una paraula d’origen quítxua que
significa, segons explica, l’amor del creador per la
creació, l’amor a la natura, a un mateix i als
altres. Diu que és un sentiment que deu guiar
cadascun dels moviments i l’ha escollit perquè la
seva música flueix pel poder de l’amor. En un
altre dels seus singles, la balada “Inmunes”, parla
de deixar de costat les excuses i de fingir
indiferència per tornar a l’origen d’un amor que,
més enllà de l’orgull, potser tingui remei i es torni
a convertir en un misteri.
L’ exultant “Santo y seña” està plena de records
de “cómo hacíamos caer la lluvia de los árboles
después del sexo” i d’un amor incondicional que
les estrofes repeteixen “le consiento sus
maneras y me gusta hasta la forma en que me
miente”. L’amor convuls i entregat també
impregna la romàntica “Te has perdido quién
soy”, amb imatges poètiques que parlen de
passions imperfectes i que porten a la
protagonista a obrir-se camí entre els esbarzers.
No és d’estranyar que la seva veu també soni a la
banda sonora de “La novia”, la pel·lícula de Paula
Ortiz inspirada por la tragedia “Bodas de sangre”
de Lorca.
Cantautora en su plenitud
La malagueña Vanesa Martín ha vuelto a los
estudios para grabar “Munay”, continuación de
sus grandes éxitos en “Directo” (2015) y colección
de canciones nuevas desde “Crónica de un baile”
(2014). El single “Complicidad” muestra a una
cantautora en plenitud, con un sonido renovado
tras vivir una temporada en Los Angeles, donde
lo ha grabado bajo la supervisión del productor
Eric Rosse (Maroon 5, Tori Amos, Pablo Alborán)
y con la ayuda de prestigiosos músicos de estudio
como el batería Matt Chamberlain (Alanis
Morissette, David Bowie), el bajista Mark Browne
(Lenny Kravitz, Elton John) o el guitarrista Michael
Carey (Robbin Williams, Michael Bublé).
“Munay” es una palabra de origen quechua que
significa, según explica, el amor del creador por la
creación, el amor a la naturaleza, a uno mismo y
a los demás. Dice que es un sentimiento que
debe de guiar cada uno de los movimientos y la
ha escogido porque su música fluye por el poder
del amor. En otro de sus singles, la balada
“Inmunes”, habla de dejar de lado las excusas y
de fingir indiferencia para volver al origen de un
amor que, más allá del orgullo, tal vez tenga
remedio y se vuelva a convertir en misterio.
La exultante “Santo y seña” está llena de
recuerdos, de “como hacíamos caer la lluvia de
los arboles después del sexo” y de un amor
incondicional cuyas estrofas repiten “le consiento
sus maneras y me gusta hasta la forma en que me
miente”. El amor convulso y entregado también
impregna la romántica “Te has perdido quién
soy”, con imágenes poéticas que hablan de
pasiones imperfectas y que llevan a la
protagonista a abrirse camino entre las zarzas. No
extraña, pues, que su voz también suene en la
banda sonora de “La novia”, la película de Paula
Ortiz inspirada por la tragedia “Bodas de sangre”
de Lorca.
Feliç aniversari
Pau Donés torna disposat a reverdir els bons
temps del seu grup Jarabe de Palo. Per això ha
preparat amb detall l’espectacle “50 Palos”, que
presentarà al Gran Teatre del Liceu de Barcelona.
En ell repassarà el repertori més conegut, que no
és poc, dels seus 20 anys de carrera, però aquesta
vegada no en clau de rock sinó interpretat a
piano i veu.
El doble sentit del títol fa referència a l’edat que
ha complert Pau Donés, nascut l’11 d’octubre de
1966 a Montanui, un municipi muntanyenc de la
comarca d’Osca de la Ribagorça. Barceloní
d’adopció, després de passar per diversos grups i
dedicar-se a la publicitat, un viatge a Cuba va ser
providencial per trobar la inspiració que donaria
lloc a “La flaca”, la cançó que va titular el seu
primer àlbum el 1996 i que es convertiria en gran
èxit, després d’incloure’l a un anunci publicitari.
Va ser per aquest dotat cantautor arribar i
moldre! I també posar-se una enorme pressió a
sobre que va superar amb els següents discos ,
“Depende” i “De vuelta y vuelta”, que el van
confirmar com un súper vendes al mercat llatí. El
nou mil·lenni va ser igual d’enfeinat, amb més
discos, gires i duets amb Chrissie Hynde de The
Pretenders, Jorge Drexler, Lamari de Chambao o
Carlos Tarque de M-Clan, fins a arribar a “Somos”
(2014) i a la dràstica aturada.
Cumpleaños feliz
Pau Donés vuelve dispuesto a reverdecer los
buenos tiempos de su grupo Jarabe de Palo. Por
eso ha preparado con detalle el espectáculo “50
Palos”, que presentará en el Gran Teatre del
Liceu de Barcelona, cerrando el Festival Mil·leni
2016-2017. En él repasa el repertorio más
conocido, que no es poco, de sus 20 años de
carrera, pero esta vez no en clave de rock latino
sino interpretado a piano y voz.
El doble sentido del título hace referencia a la
edad que ha cumplido Pau Donés, nacido el 11
octubre de 1966 en Montanui, un municipio
montañés de la comarca oscense de la Ribagorça.
Barcelonés de adopción, tras pasar por varios
grupos y dedicarse a la publicidad, un viaje a
Cuba fue providencial para encontrar la
inspiración que daría lugar a “La flaca”, la canción
que tituló su primer álbum en 1996 y que se
convertiría en mega éxito, tras la inclusión en un
anuncio publicitario.
Fue para este dotado cantautor llegar y besar el
santo y también meterse una enorme presión
encima que superó con sus siguientes discos,
“Depende” y “De vuelta y vuelta”, que lo
confirmaron como un superventas en el mercado
latino. El nuevo milenio fue igual de ajetreado,
con más discos, giras y duetos, con Chrissie
Hynde de The Pretenders, Jorge Drexler, Lamari
de Chambao o Carlos Tarque de M-Clan, hasta
llegar a “Somos” (2014) y el drástico parón.
Mite de la cançó
Als 82 anys Paco Ibáñez segueix pujant als
escenaris per tornar al Festival Mil.lenni per
recordar-nos que segueix sent un mite de la
cançó i un activista cultural. Els seus emotius
concerts es converteixen en poliglotes exercicis
de memòria poètica en els quals mai falten els
seus grans referents: Lorca, Alberti, Góngora,
Quevedo, Cernuda, Machado, Brassens, Neruda,
León Felipe, el Miguel Hernández de “Andaluces
de Jaén” o l'imprescindible José Agustín Goytisolo
de la fonamental “Palabras para Julia”.
Marcat des de la seva infància per la tragèdia de
la Guerra Civil i l'exili, va ser París, la ciutat de la
llum, que el va acollir. Allí es va impregnar de la
chanson i del moviment existencialista, fins a
arribar a ser un símbol de la resistència cultural
des de que al 1964 publica el seu primer disc.
Cinc anys després aconsegueix l'alçada de mite
gràcies al seu concert en l’Olympia de París.
Recollit en un àlbum doble es convertirà en un
gran clàssic, mescla de poesia i cançó protesta, i
en símbol de la lluita antifranquista.
Les paraules que va pronunciar al 1983, després
de rebutjar la medalla de l’“Ordre de les Arts i les
Lletres” que li va atorgar el ministre de Cultura
del Govern de François Mitterrand, són molt
significatives del seu tarannà llibertari i
insubornable: “Un artista ha de ser lliure en les
idees que pretén defensar. A la primera concessió
perds part de la teva llibertat. L'única autoritat
que reconec és la del públic i el millor premi són
els aplaudiments que es porta un a casa”.
Mito de la canción
A los 82 años Paco Ibáñez sigue subiéndose a los
escenarios para volver al Festival Mil·lenni para
rememorar que sigue siendo un mito de la
canción y un activista cultural. Sus emotivos
conciertos se convierten en políglotas ejercicios
de memoria poética en los que nunca faltan sus
grandes referentes: Lorca, Alberti, Góngora,
Quevedo, Cernuda, Machado, Brassens, Neruda,
León Felipe, el Miguel Hernández de “Andaluces
de Jaén” o el imprescindible José Agustín
Goytisolo de la seminal “Palabras para Julia”.
Marcado desde su infancia por la tragedia de la
Guerra Civil y el exilio, fue París, la ciudad de la
luz, que lo acogió. Allí se empapó de la chanson y
del movimiento existencialista, hasta llegar a ser
un símbolo de la resistencia cultural desde que en
1964 publica su primer disco. Cinco años después
alcanza la estatura de mito gracias a su concierto
en el Olympia de París. Recogido en un álbum
doble se convertirá en un gran clásico, mezcla de
poesía y canción protesta, y en símbolo de la
lucha antifranquista.
Las palabras que pronunció en 1983, tras
rechazar la medalla del “Orden de las Artes y las
Letras” que le otorgó el ministro de Cultura del
Gobierno de François Mitterrand, son muy
significativas de su talante libertario e
insobornable: “Un artista tiene que ser libre en
las ideas que pretende defender. A la primera
concesión pierdes parte de tu libertad. La única
autoridad que reconozco es la del público y el
mejor premio son los aplausos que se lleva uno a
casa”.
El festival col·labora amb Música a V
La música que cura
Associació sense ànim de lucre dedicada a la
millora de les estades hospitalàries de pa
familiars i personal sanitari a través
en directe.
El festival colabora con Música en V
La música que cura
Asociación sin ánimo de lucro dedicada a la
mejora de las estancias hospitalarias de
pacientes, familiares y personal sanitario a través
de la música en directo
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sense ànim de lucre dedicada a la
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