2013 08 Color en las Artes 2013 y anteriores CD-Rom.pdf

JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2013

y anteriores : Cuaderno de resúmenes

II



III

Jornada Nacional

del Color en las Artes 2013

y anteriores

Cuaderno de resúmenes

30 de agosto de 2013

Instituto Universitario Nacional del Arte

Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina

Organizado por el Grupo Argentino del Color y el

Área Transdepartamental de Crítica de Artes del IUNA

Prólogo de

María Paula Giglio

Editorial

Mar del Plata Agosto de 2013



IV

Jornada Nacional del Color en las Artes 2013 y anteriores : cuaderno de resúmenes / María Paula Giglio ... [et.al.] ; edición literaria a cargo de María Paula Giglio ; con prólogo de María Paula Giglio. - 1a ed. - Mar del Plata : Universidad Nacional de Mar del Plata; Grupo Argentino del Color, 2013. CD-Rom. ISBN 978-987-544-518-5 1. Arte. 2. Diseño. 3. Actas de Congresos. I. Giglio, María Paula II. Giglio, María Paula, ed. lit. III. Giglio, María Paula, prolog. CDD 701

Fecha de catalogación: 26/08/2013

En este libro se incluyen resúmenes de ponencias orales y conferencias a presentarse en la

Jornada Nacional del Color en las Artes 2013, el día 30 de agosto de 2013, en el Instituto

Universitario Nacional del Arte. Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina. A su vez, se

incluyen las ponencias orales y de pósters presentadas en las anteriores ediciones:

- Jornada Nacional del Color en las Artes 2012, realizada el 22 de junio de 2012 en el IUNA

- Jornada Nacional del Color en las Artes 2011, realizada el 17 de junio de 2011 en la FADU/UBA

- Jornada Nacional del Color en las Artes 2009, realizada el 14 de abril de 2009 en la FADU/UBA

Encontraremos trabajos inéditos que fueron evaluados y aceptados por los miembros del Comité

de esta Jornada.

Los resúmenes están ordenados alfabéticamente por el apellido del primer autor, aclarándose la

forma de presentación (Ponencia Oral o Póster) y por año de Jornada en orden inverso.

© Grupo Argentino del Color

FADU-UBA, Ciudad Universitaria Pab. 3 piso 4

C1428BFA Buenos Aires, Argentina

Tel. (54-11) 4789-6328

E-mail: [email protected]

Web: http://www.fadu.uba.ar/sicyt/color/gac.htm

Diseño de tapa y edición: María Paula Giglio

1º Edición agosto de 2013

Editorial: Universidad Nacional de Mar del Plata

ISBN 978-987-544-518-5

Hecho el depósito que marca la ley 11.723

Impreso en Mar del Plata, Buenos Aires

Argentina



1

Jornada Nacional

del Color en las Artes 2013 30 de agosto de 2013

Organizado por el Grupo Argentino del Color y el Área

Transdepartamental de Crítica de Artes del IUNA.

Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

Comité Organizador Comité Científico Omar Burgos

María Eugenia Bravo

María Paula Giglio

Susana Temperley

María Sofía Vassallo

María Araceli Soto

Omar Burgos

María Eugenia Bravo

María Paula Giglio

Grupo Argentino del Color:

Presidente María Paula Giglio

Vicepresidenta Cristina Manganiello

Secretaria María Eugenia Bravo

Prosecretario Omar Burgos

Tesorera Laura Adela Quaintenne

Protesorera Anahí López

Vocales titulares Susana Geat

Lilia Garcén

María Luisa Musso

Vocales suplentes Silvia Estévez

Fernando Uribelarrea

Cristina Vadji

Órgano fiscalización Roberto Daniel Lozano

Silvia Barrios

José Luis Caivano



2



3

Jornada Nacional del Color en las Artes 2013 y anteriores :

Cuaderno de resúmenes

ÍNDICE

PRÓLOGO 7

JORNADA NACIONAL DEL COLOR 2013 11

PROGRAMA / 2013 13

Resúmenes de CONFERENCIAS / 2013 15

BARDIER, Dardo: COLOR, ARQUITECTURA Y BIOLOGÍA HUMANA 17

CUEVAS RIAÑO, María: PENSAMIENTO SISTÉMICO. DESARROLLO DE ESTRATEGIAS CREATIVAS PARA LA CREACIÓN DE SECUENCIAS

CROMÁTICAS

19

MELITA, Salvador: CROMA Y SATURACIÓN: SUS DIFERENCIAS Y SU

MANIPULACIÓN EN LA CORRECCIÓN DE COLOR DE LA IMAGEN EN EL ENTORNO AUDIOVISUAL

21

PANELES / 2013 23

Resúmenes de PONENCIAS / 2013 33

ACEBEDO, M.F: et. alT.: EL COLOR EN LA CERÁMICA ARGENTINA

CONTEMPORÁNEA, UN ESTUDIO DE CASO

35

BERMEO, Darío: DISCURSO AUDIOVISUAL Y COLOR 37

BURGOS, Omar: LA PALETA DEL PINTOR. LA INTUICIÓN EN LA

MEZCLA DE COLORES

39

BURGOS, Omar: LA VIRGEN DE LAS ROCAS, DE LEONARDO DA VINCI 40

ECHAGÜE, Leonard: COLOR, FIGURA Y FONDO EN LAS PINTURAS CLÁSICA Y MODERNA

41

GIGLIO, MAría Paula: EL COLOR EN EL GRAFFITI Y DOS TEMAS

IMPORTANTES: LA TRANSFORMACIÓN DEL MEDIO AMBIENTE CONSTRUIDO Y EL DESARROLLO SOSTENIBLE

43

LÓPEZ, Mabel: ROJO y NEGRO... y MUCHO MÁS: ¿QUÉ COLORES

PREFIEREN LOS NIÑOS PARA REPRESENTAR LA VIOLENCIA?

45

MANGANIELLO MANGARIELLO, Cristina: EL COLOR DE LA ANTIGÜA PÆSTUM. Color y efectos logrados en las pinturas ambientales, ceramios y

construcciones mortuorias, a través de los restos arqueológicos visualizados

en el museo de sitio de la pcia de Salerno, Italia

47

SÁNCHEZ PÓRFIDO, Elisabet y María Beatriz WAGNER: EL COLOR EN

LA OBRA DEL MAESTRO MIGUEL ÁNGEL ALZUGARAY Y SU

DISCÍPULA GERMAINE BONIFACIO

49

JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2012 51

PROGRAMA / 2012 53

PANEL / 2012 55


ACEBEDO, M. Florencia et alt.: EL COLOR EN ESMALTES CERÁMICOS 69



4

MODIFICADOS. Una herramienta sencilla de medición del color en un esmalte cerámico y sus posibilidades.

ÁLVAREZ, Gabriel: ILUMINACIÓN DE LAS OBRAS DE ARTE. FUENTES

DE LUZ.

71

BECERRA, P., et alt.: EL VÍNCULO ENTRE EL ARTE Y LA INDUSTRIA A TRAVÉS DEL LENGUAJE CROMÁTICO EN EL ARTE POP

73

BURGOS, Omar: LA GIOCONDA, estudio de color 75

BURGOS, Omar, et alt.: NUEVAS INVESTIGACIONES EN OYOLA,

PROVINCIA DE CATAMARCA. VARIACIONES EN LOS PIGMENTOS BLANCOS DE LAS PINTURAS RUPESTRES PREHISPÁNICAS

77

ECHAGÜE, Leonard: ACERCA DE LAS IMÁGENES INFORMÁTICO-

VISUALES COLOREADAS EN LAS EXPRESIONES MULTIMEDIALES

79

GARCÍA Anahí: SIMBOLOGÍA DEL COLOR EN EL CINE 81

GIGLIO, María Paula: COLOR Y CESÍA, ENTRE PRESENCIA Y

APARIENCIA EN EL CONTEXTO DE LA ENSEÑANZA DEL ARTE

83

OYHANDY, Enrique Alberto: NOTAS PARA UNA HISTORIA DEL COLOR EN EL CINE

85

PAUS, Ana María y María Beatriz WAGNER: ESCALAS DE CHEQUEO

DE COLOR PARA USO DIDÁCTICO Y ARTÍSTICO

87

ROSOLIA, Elvia: LOS CAMBIOS EXPERIMENTADOS EN EL TRANSPORTE URBANO DE PASAJEROS DE LA CIUDAD DE BUENOS

AIRES EN RELACIÓN CON EL COLOR.

89

RUBÍN, Manuel: ARMONÍA TÉRMICA ABSOLUTA DEL COLOR 91

SERRA, M.F., et alt.: EL COLOR EN LA EVOLUCIÓN TÉRMICA DE UNA PASTA CERÁMICA NATURAL

93

VIGNOLO, Alejandra: IRIS SCACCHERI Y EL COLOR. 95


PROGRAMA / 2011 99


ANTONIOLI, Gloria: EL COLOR EN LA MIRADA DEL ARTISTA E. ARRIGONI

103

BARRIOS, Silvia y KYONG WOO, Im: ESMALTES ORIENTALES DE

CENIZA

105

BARRIOS, Silvia: SERIGRAFÍA EN LAS ARTES DEL FUEGO. MONOCROMO-FOTOCROMO.

107

BRAVO, María Eugenia: LOS COLORES PUEDEN SER

COMPLEMENTARIOS SI ENTRE ELLOS VIBRAN

109

BURGOS, Omar, et.alt.: JAGUARES, GUERREROS Y SERPIENTES. PINTURAS RUPESTRES DEL ALTO ANCASTI. PROV. DE CATAMARCA

111

CABRERA SÁNCHEZ, Sara: COLOR EN EL VIDEO ARTE DE BILL VIOLA 113

COX, María Paz: EL COLOR EN TEXTILES PRE- COLOMBINOS DEL

NORTE DE CHILE

115

DE LEÓN, Marcela: APRENDIZAJE DEL COLOR Y SUS FUNCIONES EN

EL AULA

117

ESTEVEZ, Silvia: AZUL – LEJOS 119



5

GIGLIO, María Paula: CESÍA EN EL GRAFFITI. LÍNEAS DE ESTUDIO 121

GRAMÓN, Rubén: ELECCIÓN DE COLORES 123

JOFRÉ, Varinnia: SEMIÓTICA Y RETÓRICA DEL COLOR Y LA CESÍA DE SERES FANTÁSTICOS EN EL ARTE

125

MADERO, Eliana y Lucía MAILLO PUENTE.: UN PRIMER

ACERCAMIENTO A LA PROBLEMÁTICA DEL COLOR

127

MAINERO, Norma: COLOR Y VIBRACIONES ELECTROMAGNÉTICAS DE OCTAVAS

129

MANGANIELLO, Cristina: EL COLOR EN LA PINTURA, TRATAMIENTOS,

EFECTOS Y ESTILOS

131

NISS, María del Carmen: EL PROBLEMA DEL COLOR EN LAS ESCUELAS

DE ARTES

133

OBERLANDER, Gabriela: EL COLOR LUZ EN EL DISEÑO DE TEJIDOS 135

SERRA, Marianella: COLOR COMO FORMA EN EL DESARROLLO

EVOLUTIVO

137

TOMBA, Brian: ARTEMIO ALISIO. EL COLOR EN SUS TRABAJOS

ARTÍSTICOS DE CERÁMICA

139

WAGNER, María: IDENTIFICACIÓN DE NIVELES Y OPOSICIÓN DE

VALOR

141


PROGRAMA / 2009 145

Resúmenes de PONENCIAS / 2009 147 BARRIOS, Silvia: SIMBOLOGÍA DEL COLOR EN LA CERÁMICA CHINA: “EL EJERCITO DE LOS 7000 GUERREROS DE TERRACOTA DEL

EMPERADOR QIN”

149

BRAVO, María Eugenia: LOS COLORES PUEDEN SER

COMPLEMENTARIOS SI ENTRE ELLOS VIBRAN

150

BURGOS, Omar: LA GIOCONDA, ANÁLISIS E INTERPRETACIÓN 151

CARNERO, J.S.: “IMPRESIÓN EN CMYK DE UN GRABADO EN

RELIEVE” ORGANIZACIÓN DE LOS RECURSOS Y LA PREPRENSA.

152

CHERÑAJOVSKY, Nora: EL COLOR COMO VEHICULO DE LA IMAGINACION. PROYECTO DE CREACIÓN COLECTIVA.

153

ESQUIVEL, CARLOS A.: JÓVENES ARTISTAS ROSARINOS. UNA

MIRADA ACTUAL VINCULADA AL COLOR

155

FERRARI, Carina: EL COLOR EN LA OBRA DE LUCIO FONTANA 156

GRASSI, María Celia, Angela TEDESCHI y Norma Emma DEL PRETE

INTEGRACIÓN COMUNICACIONAL Y ESTÉTICA DE FRAGMENTOS DE

LUZ Y COLOR

157

GUERRI, Claudio F. y William S. HUFF: LOS MONOCROMOS DE YVES KLEIN O, PORQUÉ UN EJEMPLO FALLA EN TRANSMITIR UN

SIGNIFICADO CONGRUENTEMENTE

159

GIGLIO, María Paula: DESARROLLO DE TECNOLOGÍAS ARTESANALES SOBRE EL AEROSOL: AMPLIACIÓN DE LA PALETA

DE COLOR EN EL GRAFFITI HIP HOP DE MAR DEL PLATA

160



6

JONES, Alejandra y María JONES: OBTENCIÓN DEL COLOR EN LA CERÁMICA CHULUCANAS

162

MAROTTA, Graciela: EN LA OBRA CONCEPTUAL EL COLOR ES

SENTIDO. EL COLOR, EL ESPACIO Y OTRAS COSAS … EN EL DISCURSO

DE LA OBRA

163

MANGANIELLO, Cristina: COLOR Y FORMA: SIGNOS

ICÓNICOS PARTICULARES DEL TRANSCURSO DEL TIEMPO EN LA

PINTURA Y EN MI PINTURA

164

NISS, María del Cármen, JUAN GRELA G. UN PARADIGMA 165

PINTO, CARLOS: EL COLOR DIGITAL EN LA ILUSTRACIÓN: DEL

LAPIZ DE MADERA AL LÁPIZ ÓPTICO

167

RABUINI, Emilia: BENITO QUINQUELA MARTÍN Y LOS PINTORES DE LA BOCA. El color como medio de expresión de vida de un barrio.

168

RUBÍN, Manuel: TEORÍA DE LA OPOSICIÓN CROMÁTICA 169

TROISI, Roxana: EL USO EXPRESIVO DEL COLOR EN EL FILM "EL

COCINERO, EL LADRÓN, SU MUJER Y SU AMANTE"

170



7

PRÓLOGO

El presente cuaderno de resúmenes es una publicación de la Jornada

Nacional del Color en las Artes 2013 a realizarse el día viernes 30 de agosto

de 2013, en la sede del IUNA, Bartolomé Mitre 1869. 3º piso. Ciudad

Autónoma de Buenos Aires cita en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Tanto esta Jornada, como la del 2012, fueron co-organizadas por el Grupo

Argentino del Color (GAC) y el Área Transdepartamental de Crítica de Artes

del Instituto Universitario Nacional de Artes. Y sus objetivos son, como en

los anteriores, generar un encuentro de discusión e intercambio de ideas,

experiencias y opiniones, en el marco del vasto espectro disciplinar que

aborda la investigación del tema color en el campo de las artes: el color en las

artes dramáticas; el color en las artes multimediales; el color en el cine y el

video; el color en la teoría del arte; el color en la historia del arte; el color en

las artes visuales; el color en los lenguajes performáticos; enseñanza del color

en las artes.

Es por ello que el programa de la Jornada Nacional del Color en las

Artes 2013, además de las ponencias orales, cuenta en esta oportunidad con

conferencias de especialistas, dos paneles con temas específicos y un espacio

de reflexión e intercambio.

Los autores de ponencias son M.F. Acebedo, D. Bermeo, O. Burgos,

V.M. Cola, L. Echagüe, M.P. Giglio, M.A. López, C. Manganiello

Mangariello, E. Moyas, N.M. Rendtorff., E. Sánchez Pórfido, M.F. Serra,

M.B. Wagner.

En tanto, los paneles serán dos y estarán integrados por referentes en el

tema. Uno de los paneles está referido a las experiencias en el campo del

color, que estará integrado por Gracia Cutuli, en su carácter de artista



8

plástica de reconocimiento internacional, que nos hablará del color desde su

experiencia personal en el arte textil; y por Omar Burgos, en su carácter de

artista plástico, anterior presidente del GAC e integrante del grupo de los

Artistas del GAC, que reflexionará sobre la labor de los artistas del GAC. Y

otro, que incorporamos en la presente Jornada, referido a la enseñanza del

color en las artes, que estará integrado por Rodolfo Agüero, en su carácter

de docente y Decano de Artes Visuales / IUNA, María Cuevas Riaño, en su

carácter de Profesora de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad

Complutense de Madrid, y Salvador Melita, en su carácter de Profesor de la

Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata.

Los investigadores que están a cargo de las conferencias son: Dardo

Bardier (Uruguay) con el tema “Color, arquitectura y biología humana”,

María Cuevas Riaño (España) con su estudio “Pensamiento sistémico.

Desarrollo de estrategias creativas para la creación de secuencias

cromáticas” y Salvador Melita (Argentina) refiriéndose al “Croma y

saturación: sus diferencias y su manipulación en la corrección de color de la

imagen en el entorno audiovisual”.

Y como anticipamos, y porque creemos necesario encontrarnos no solo

para la difusión y actualización en el tema sino también para reflexionar,

intercambiar ideas tanto en lo referente a la investigación del color en las

artes como en la enseñanza del color en las instituciones de arte, es que para

esta Jornada se dispuso un espacio de reflexión e intercambio que nos

permitirá comenzar a organizar un mapa de situación desde lo disciplinar,

analizar los avances, requerimientos y necesidades en la formación, y

actualizar la agenda del color en las artes.

.Como aporte a este intercambio, la presente publicación digital, cuenta,

no solo con los resúmenes de los trabajos presentados en la Jornada Nacional

del Color 2013, sino también de las ediciones anteriores: 2012, 2011 y 2009.

Aprovechamos la oportunidad de comentar que el GAC es una asociación

civil sin fines de lucro creada en el año 1980. Sus fines son: estimular

estudios e investigaciones de problemas relacionados con el color y hacer

conocer sus resultados, divulgar información en todas las áreas relacionadas,

promover la vinculación e intercambio con asociaciones similares del

extranjero, mantener un centro de documentación especializada, lograr una



9

integración de los distintos campos que abordan el estudio del color: ciencia,

tecnología, arte, diseño, arquitectura, industria, etc. El G.A.C. a su vez, forma

parte de la Asociación Internacional del Color (AIC) y es la entidad que

representa a la Argentina ante dicha asociación.

Regularmente el GAC organiza cursos, conferencias y congresos

nacionales cada dos años desde 1989, publica las actas con los trabajos

presentados en los congresos, así como una revista y boletín con artículos e

información sobre actividades e investigaciones sobre color que se realizan

en el país y en el exterior.

En lo que refiere a la labor del GAC en las Artes, se puede encontrar

información en la http://gac-artes.blogspot.com.ar/

Finalmente, queremos agradecer especialmente a las autoridades del Área

Crítica de Artes del IUNA la oportunidad y colaboración para realizar la

presente Jornada Nacional del Color en las Artes, ya que consideramos es el

ámbito idóneo para el desarrollo de la misma.

María Paula GIGLIO

Presidenta del Grupo Argentino del Color

http://gac-artes.blogspot.com.ar/



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12



13

PROGRAMA / 2013

JORNADA DEL COLOR EN LAS ARTES 2013 Viernes 30 de agosto de 2013 Sede del IUNA, Bartolomé Mitre 1869. 3º piso. Ciudad Autónoma de Buenos Aires

9:00 hs ACREDITACIÓN

9:30 hs APERTURA

Oradores

SOTO, María Araceli Directora del Área Transdepartamental de Crítica de

Artes del IUNA

GIGLIO, María Paula Presidenta Grupo Argentino del Color.

Presentación GAC. Futuros eventos, jornadas y

congresos.

10:00 hs MESA 1 Moderadora: Susana TÉMPERLEY

Autores Ponencias orales Institución

10:10 hs BURGOS, Omar La virgen de las rocas, de Leonardo da

Vinci

10:30 hs ACEBEDO, M.F.

SERRA, M.F.

COLA, V.M.

MOYAS, Ernesto

RENDTORFF,

N.M.

El color en la cerámica argentina

contemporánea, un estudio de caso

CETMIC (CONICET-

CIC) Centro de

Tecnología de

Recursos Minerales y

Cerámica

10:50 hs MANGANIELLO

MANGARIELLO,

Cristina

EL COLOR DE LA ANTIGÜA

PÆSTUM

Color y efectos logrados en las pinturas

ambientales, ceramios y construcciones

mortuorias, a través de los restos

arqueológicos visualizados en el museo

de sitio

Facultad de Bellas

Artes, UNLP

11:10 hs GIGLIO, María

Paula

El color en el graffiti y dos temas

importantes: la transformación del

medio ambiente urbano y el desarrollo

sostenible

GEAP - FAUD /

UNMDP

11:30 hs BERMEO, Darío Discurso audiovisual y color Instituto Universitario

Patagónico de las

Artes

11:50 hs Preguntas

12:00 hs CONFERENCIA 1: Dardo BARDIER

Tema COLOR, ARQUITECTURA Y BIOLOGÍA HUMANA Arquitecto-urbanista-

constructor.Cineasta.

Investigador.

Montevideo, Uruguay

12:45 hs PAUSA PARA EL ALMUERZO



14

14:00 hs MESA 2 Moderadora: María Eugenia BRAVO


14:00 hs SÁNCHEZ PÓRFIDO,

Elisabet

WAGNER, María Beatriz

El color en la obra del maestro

Miguel Ángel Alzugaray y su

discípula Germanine Bonifacio

Facultad de Bellas

Artes, UNLP

14:20 hs BURGOS, Omar La paleta del pintor. La intuición

en la mezcla de colores.

14:40 hs LÓPEZ, Mabel Amanda Rojo y negro... y mucho más: ¿qué

colores usan los niños para

representar la violencia?

Programa Color,

Sec.Invest., FADU,

UBA

15:00 hs ECHAGUE, Leonard Color, figura y fondo en las

pinturas clásica y moderna

Instituto de la

Espacialidad Humana

- FADU - UBA

15:20 hs Preguntas

15:30 hs CONFERENCIA 2: María CUEVAS RIAÑO

Tema PENSAMIENTO SISTÉMICO. DESARROLLO DE

ESTRATEGIAS CREATIVAS PARA LA CREACIÓN DE

SECUENCIAS CROMÁTICAS

Fac. de Bellas Artes,

Univ. Complutense de

Madrid, España

16:30 hs CONFERENCIA 3: Salvador MELITA

Tema CROMA Y SATURACIÓN: SUS DIFERENCIAS Y SU

MANIPULACIÓN EN LA CORRECCIÓN DE COLOR DE LA

IMAGEN EN EL ENTORNO AUDIOVISUAL

Depto de Artes

Audiovisuales, Fac.

Bellas Artes. UNLP

17:30 hs PAUSA

18:00 hs PANEL 1: EXPERIENCIAS EN EL CAMPO DEL COLOR

Moderadora: Eugenia BRAVO

Gracia CUTULI Artista textil

Omar BURGOS Artistas del GAC

18:45 hs PANEL 2: ENSEÑANZA DEL COLOR EN LAS ARTES

Moderadora: María Paula GIGLIO

Rodolfo AGÜERO

Decano de Artes Visuales, del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA).

Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.

María CUEVAS RIAÑO

Profesora de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid.

Madrid, España

Salvador MELITA Profesor titular de Dirección de Fotografía de la Facultad de Bellas Artes de la

Universidad Nacional de La Plata. La Plata, Argentina

19:45 hs ESPACIO DE REFLEXIÓN E INTERCAMBIO

20:45 hs CIERRE



15

Resúmenes de CONFERENCIAS / 2013



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17

COLOR, ARQUITECTURA Y BIOLOGÍA HUMANA

Arq. Dardo Bardier

[email protected]

www.coloruruguay.bligoo.es

www.arielenlinea.wordpress.com

(Conferencia)

Las obras y servicios, realizadas y mantenidas por los humanos, interaccionan

intensamente con éstos y los integran sinérgicamente a unidades inclusivas.1 El ser-

humano, en sus plurales escalas de organización (órganos, personas, colectividades,

especie), siempre se complementa con otras partes de la realidad (su ámbito, su

equipaje, su equipamiento, su territorio) para formar unidades funcionales reales.2

Los proyectistas necesitan saber, pues, de obras, de servicios, de humanos (en sus

diversos niveles de organización), de sus interacciones y de las unidades concretas

resultantes. Es necesario no omitir ninguno de estos factores si se quiere evitar graves

errores que cuestan mucho dinero, trabajo, inconvenientes, accidentes y casi infinitas

disfuncionalidades y pérdidas de oportunidades, a las personas, a las instituciones y al

país.

¿Dónde nos enseñan cómo es el ser humano al que vamos a servir? ¿Cómo

hacemos orgánicamente para ver los colores?

La enseñanza e investigación de la Biología Humana relacionada con el uso que

se le va a dar a las obras y servicios, es creciente en muchos países. En Uruguay la

enseñanza de la arquitectura, que desde hace mucho tiempo estudia la ergonomía (de

medidas, movimientos y poco más), no profundiza suficientemente el estudio de la

biología del uso y de la percepción humana del color, y de sus consecuencias en todo

el hacer humano.

Conviene y urge investigar, entre los aspectos de la biología humana, los que más

inciden en la arquitectura, urbanismo, diseño, paisajismo y planificación territorial; y

sobre todo, los más relacionados con la percepción visual del usuario de a uno, de a

cien, de a mil.

Aquí sugeriremos la necesidad de criticar la fuerte relación entre la biología

humana de la percepción y del color, y el uso que la población hace normalmente de

lo que proyectan y construyen los especialistas.

Desplegaremos un breve y provisorio análisis (y síntesis) de varias situaciones en

las que el efecto de la arquitectura y del urbanismo sobre los usuarios depende

notablemente del cómo se ha previsto su percepción. Por este camino surgirán muchos

temas a investigar.

1 CRITICA A LA NOCIÓN DE UNIDAD, partes I, II, III, IV y V en la Revista de filosofía ARIEL, números 9, 10, 11, 12 y 13. 2 ESCALAS COOPERANTES, capítulo IX: Ética Entera.

http://www.coloruruguay.bligoo.es/



18

Dardo BARDIER Arquitecto-urbanista-constructor. Cineasta. Investigador del color y de la percepción

humana. Escritor. Filósofo.

(Montevideo 1944) ha aplicado sus ideas sobre escalas en muchas obras y proyectos

arquitectónicos, así como en su actividad docente en varios centros educativos.

Su interés por las técnicas y artes visuales se refleja en la realización de decenas de

películas de corto, medio y largometraje -algunas premiadas en festivales-, en la

fundación de la revista Fotocine y en sus investigaciones sobre percepción visual,

publicadas en su libro anterior De la visión al conocimiento y en múltiples artículos y

conferencias.

Siempre comprometido con su ámbito a escala local, ha realizado tareas gremiales y

vecinales en Uruguay, fundando la revista Solís y la asociación de vecinos Solyagua.

Texto extraído de su libro Escalas de la realidad

Libro ESCALAS DE LA REALIDAD Este libro, concebido como un desarrollo critico de desopilante rigurosidad, parte de la nocion de escala para elaborar una nueva concepcion general basada en el modo en que nuestras

percepciones modelan su lado cuantitativo. Las escalas expresan el lado cuantitativo de la

realidad. Ellas nos permiten percibir el mundo segun sus magnitudes. Muchas ciencias, tecnicas y ambitos culturales utilizan ampliamente la nocion de escala, pero en muy pocos lugares se

explica que son, y en menos casos se ha teorizado sobre ellas de modo general. En este trabajo,

Dardo Bardier comienza realizando un sencillo despliegue, al alcance de todo lector, de la nocion de escala. Luego se introduce en sus particularidades: las escalas asombrosamente

vacias, las escalas repletas, las realidades mono-escalares, las pluri-escalares y las omni-

escalares. Sin olvidar las sorprendentes imposibilidades que se encuentran al hacer maquetas reducidas a escala. El lector ira internandose, paso a paso, en el lado cuantitativo de la

realidad, descubriendo progresivamente la escasez de escalas que podemos contemplar

mediante nuestros sentidos, y sus consecuencias en la util concepcion del mundo que estos nos sugieren dia a dia. Texto extraído de http://www.librosenred.com/autores/dardobardier.html

Libro DE LA VISIÓN AL CONOCIMIENTO La investigación de la percepción visual humana y comparada descubre estrategias de la especie, la sociedad y la persona para lograr económicamente información de la realidad. Unas tienen

millones de años, otras milenios y otras años. La existencia de esas estrategias y sus capacidades denuncia qué proporciones hay entre el aporte de las cadenas causales provenientes del objeto y

las cadenas causales activas o pasivas aportadas por el sujeto. Ello permite desandar el camino

de los procesos perceptivos hasta la realidad misma. Y esto nos aporta nociones menos ingenuas de cómo es la realidad atendida.

El estudio de la evolución del conocimiento humano y de nuestros sentidos nos acerca a una

masa gigante de procedimientos orgánicos, normalmente hechos por los humanos, muy efectivos para la recepción y tratamiento de la información operativa como ser vivo. Ello es

extraordinariamente fructífero en el descubrimiento de temas de investigación relacionados con

la percepción, la realidad y sus interacciones Texto extraído de http://mec.gub.uy/innovaportal/v/20463/39/innova.front/bardier_dardo?carpeta=19844

http://www.librosenred.com/autores/dardobardier.html

http://mec.gub.uy/innovaportal/v/20463/39/innova.front/bardier_dardo?carpeta=19844



19

PENSAMIENTO SISTÉMICO. DESARROLLO DE ESTRATEGIAS

CREATIVAS PARA LA CREACIÓN DE SECUENCIAS

CROMÁTICAS

Maria CUEVAS RIAÑO

Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid, España

[email protected]

(Conferencia)

El objetivo de esta ponencia es presentar la complejidad conceptual del trabajo

cromático de un conjunto de artistas contemporáneos: François Morrellet, Max Bill,

Julián Gil, Ryszard Winiarski, Shizuko Yoshikawa, Manfred Mohr, Kenneth

Martin,… Abordo este trabajo desde el pensamiento sistémico. Desde la posibilidad

de observar una obra y simular un proceso creativo que nos lleve a pensar

sistémicamente la propuesta de su autor: cómo se ha generado el proyecto y qué áreas

de conocimiento lleva implícitas. El fin último de la presentación no es sólo conocer

la metodología y sistemas creativos que están utilizando este grupo de artistas

seleccionados sino contribuir al desarrollo de estrategias creativas para la generación

de secuencias cromáticas que puedan ser útiles a artistas o diseñadores emergentes.

Los sistemas generales de orden cromático, armonías y contraste, que a lo largo de la

historia del arte se han definido han jugado un papel muy significativo en la totalidad

del pensamiento creativo y el desarrollo de proyectos de sus protagonistas. Las obras

de todos los autores estudiados en esta presentación, aunque muy diferentes en sus

propuestas estéticas, tienen unas características comunes: manejan un conjunto de

conceptos, herramientas y variables que sirven para experimentar, aprender y

comprender las posibilidades creativas que les permite el color. Sus sistemas son el

resultado de observar, ordenar y estructurar su mundo de conocimientos cromáticos y

sus experiencias creativas personales. Conocer estos usos nos va a permitir ampliar

nuestro campo de disfrute del color tanto sensitiva como intelectualmente.

Cada sistema sujeto a análisis muestra una forma de configurar procesos de trabajo

que nos permiten gestionar estéticamente el color y responden al uso de unas

estrategias intelectuales que definen un proceso de trabajo complejo que combina

acciones intuitivas y racionales. Los procesos comienzan seleccionando el sistema

cromático adecuado para el desarrollo de un proyecto estético determinado y

realizando sobre él un conjunto de trazados, estructuras o redes de tonos relacionados

conocidos que sirva para subdividir el espacio cromático en superficies de color

relacionadas y proporcionales entre sí.

Los resultados obtenidos son un conjunto de sistemas generativos que nos ayudan a

comprender las propuestas cromáticas de cada uno de los autores estudiados y a

mailto:[email protected]



20

ampliar nuestro concepto actual del uso de las armonías y contrastes del color

utilizando un nuevo criterio que ya no solo atiende a las propuestas perceptivas sino

que busca encontrar estructuras en sistemas ordenados conocidos: contadores,

secuencias numéricas, órdenes geométricos,… para aprender en que se basa su mundo

de relaciones y aplicarlo al color. Estas nuevas formas de gestionar el color responden

a un uso creativo más acorde con el mundo complejo en el que nos encontramos hoy

día.

Maria CUEVAS RIAÑO Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid, España

[email protected]

Profesora de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid,

UCM, Madrid, España. Miembro del grupo de investigación de la UCM:

Investigación cromática: aspectos técnicos, formales y de significado en la expresión

del color a través del arte y del grupo de investigación de la UFV (Universidad

Francisco de Vitoria): Peregrinación Creativa: Fotografía, video y algo más... Ha

participado en congresos e impartido conferencias y seminarios relacionados con la

tecnología, el color y las poéticas constructivas del espacio de representación.

Autora del libro “Estructuras Lógicas en las Artes Plásticas” y co-autora de los

libros “Introducción al Color”, “Distorsión, equívocos y ambigüedades. Las

ilusiones ópticas en el arte”, “Matemáticas, arte y diseño”, “Arte, ciencia y

tecnología. Experiencias docentes y creativas”. Ha publicado artículos en catálogos

y sitios web sobre procesos constructivos y principios ordenadores de obras de

creadores contemporáneos; pensamiento sistémico y metodologías docentes en las

aulas de Bellas Artes.

Líneas de investigación: complejidad y orden; pensamiento sistémico; color; poéticas

estructurales: de las estructuras físicas a las estructuras conceptuales; ilusiones

ópticas; pensamiento conectivo: arte, ciencia y tecnología.

Ha coordinado las exposiciones “El diseño dice” y “Cartográfica, Madrid diseña”,

en la Central de Diseño, Matadero Madrid, y formado parte del Comité científico del

3er Encuentro BID de Enseñanza y Diseño.




21

CROMA Y SATURACIÓN: SUS DIFERENCIAS Y SU

MANIPULACIÓN EN LA CORRECCIÓN DE COLOR DE LA

IMAGEN EN EL ENTORNO AUDIOVISUAL

Salvador MELITA

Departamento de Artes Audiovisuales, Fac. de Bellas Artes. UNLP.

[email protected]

Los términos croma y saturación son a menudo confundidos, ambos definen de alguna

manera la intensidad del color y puntualmente en algunos sistemas de orden, el

crecimiento de la intensidad de color son llamados indistintamente de una u otra

manera.

Baso este trabajo en la diferenciación que hace Munsell entre ambos conceptos.

Me sirvió para comprender esta diferencia, interpretarlo a traves de un sistema de

notación de color basado en el sistema zonal de Ansel Adams.

En el mismo, cada color es nombrado por la zona en que expone cada uno de sus

componentes (RGB) tanto en una pelicula como en un sensor de video. Asi un gris

medio sería 5,5,5 y un rojo 7,3,3. Trazando en una pagina de este atlas las lineas que

plantea Munsell como de croma y saturación constantes, encontré que la saturación,

de forma parecida a lo que plantea la química, sería el gris del fondo y el croma lo que

está por encima de ese gris.

Es decir que lo que indistintamente llamamos croma o saturación, y en la mayoría de

los casos saturación, deberíamos llamarlo croma, dado que es la variable que crece en

sentido horizontal si lo vemos en una página de un atlas.




22

En general, estas variables no se encuentran diferenciadas en los softwares de

corrección de color. Cuando uno modifica la “saturación” hay variación tanto arriba

como debajo de la señal, es decir si la aumentamos, crece el croma y la saturación

baja y viceversa. Esto puede producir en algunos casos que al elevar demasiado el

croma aparezcan distorciones o ruido electrónico en la reproducción. Si los

pudiéramos trabajar por separado, la intensidad del color, croma, podría aumentar

descendiendo la saturación, contenido de gris, sin alterar la señal en las altas luces.

La aplicación utilizada para las pruebas, con la que ejemplificaré en la presentación,

es el corrector de color Scratch de Assimilate, que posee diferentes herramientas para

realizar la corrección.

Este proceso se ha tornado de vital importancia en la producción actual y ha

aumentado notoriamente la cantidad de coloristas, los que en muchos casos carecen de

formación de teoría del color, lo que les facilitaría mucho su operación permitiendoles

conceptualizar de otra manera la tarea que realizan.

Salvador MELITA Departamento de Artes Audiovisuales, Fac. de Bellas Artes. UNLP.

[email protected]

Curric: Director de fotografía, Docente. Se ha especializado en el tema del color y da

un curso de Introducción al Color (aplicado a la imagen audiovisual) en la UNLP,

UNICEN y EICTV (Cuba).

Actualmente completa su formación como instructor de Assimilate Scratch.

(corrección de color)




23

PANELES / 2013

CURRÍCULUM DE LOS PANELISTAS

PANEL 1 EXPERIENCIAS EN EL CAMPO DEL COLOR

Gracia CUTULI

Omar BURGOS

PANEL 2 ENSEÑANZA DEL COLOR EN LAS ARTES

Rodolfo AGÜERO

María CUEVAS RIAÑO

Salvador MELITA



24



25

Rodolfo AGÜERO

Currículum Abreviado

Nació en Buenos Aires-Profesor Nacional de Grabado y Dibujo-E.N.B.A.

“Prilidiano Pueyrredón”. Se ha desarrollado en el campo del Grabado como

así también en objetos gráficos , libros de Artista ,instalaciones y desde los

años 90 en el campo digital.

Fue seleccionado mediante Jurados en 37 Bienales Internacionales de

Grabado en seis de ellas ganó Premios.

Desde el año 1974 realiza exposiciones individuales, llevando en la

actualidad más de 25 muestras en Argentina – Alemania- España –EEUU – y

últimamente en Rusia.

Participó en numerosos Grupos de Arte Gráfico: Grupo Gráfico Buenos

Aires-4 para el 2000 – y Gráfica Experimental- .

Pertenece a varios comités de publicaciones entre ellos a la Editorial y

Revista Cuatrimestral “Vacío de Perros”.

Ha obtenido 18 distinciones, siendo las más importantes para el autor:

1974- Gran Premio Nacional de Honor del X Salón Nacional de

Grabado y Dibujo.

1978- Premio de la Primera Trienal Latinoamericana de Grabado-

Asociación Internacional de Críticos de Arte- Asociación Argentina

de Críticos de Arte-

1997- Gran Premio de Grabado- Banco de la Provincia de Buenos

Aires.

2008- Premio Fundación “Alberto Trabucco” Académia Nacional

de Bellas Artes.

2011- Premio Municipal “Manuel Belgrano” - LVI Salón

Municipal- Ciudad Autónoma de Bs. As.



26

Ejerce la docencia universitaria- Decano del Departamento de Artes

Visuales “Prilidiano Pueyrredón”, IUNA. -Docente de Grabado y Arte

Impreso-Facultad de Bellas Artes –Universidad Nacional de La Plata-

Docente Investigador Categoría 2 otorgado por el Consejo Interuniversitario

Nacional- Integra el Posgrado de Medios Combinados ,dictando

Introducción a los Lenguajes Combinados , Departamento de Artes Visuales-

IUNA-es invitado a seminarios del país y del extranjero.



27

Omar BURGOS

Artista Plástico [email protected]

Prof. Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón.

Taller de dirección de cine con Hector Faber

Taller de dibujo de Roberto Páez.

Taller de Grabado de Aida Carballo.

Taller de Grabado de Stanley William Hayter en el ATELIER 17 en París.

Taller de Dibujo de Aurelio Machi

2003 / 5: Director del Espacio Cultural del Inst. Ciencias Ambientales y Salud, CABA.

2006 – 2008: Vicepresidente Grupo Argentino del Color.

2008 – 2012: Presidente Grupo Argentino del Color.

Como Presidente y miembro de la Comisión Directiva del GAC ha participado del Comité Organizador y

científico de Jornadas y Congresos realizados por el GAC años 2004, 2006, 2008, 2010 y 2012.

2010: Comité Organizador del Congreso Interino de la Asociación Internacional del Color (AIC)

2012: Comité Organizador del Congreso de la Asociación Internacional de Semiótica Visual. Facultad de

Derecho. Univ. de Buenos Aires.

EXPOSICIONES

Desde 1980 expone regularmente en forma

individual y colectiva en distintas salas y museos del

país.

Exposiciones desde el año 2008 en adelante:.

2008 Enero: CEMAV. Centro Municipal de Artes

Visuales. Villa Gesell. Prov. Bs. As.

Febrero: Museo Histórico del Banco de la Provincia

de Buenos Aires. "Dr. Arturo Jauretche" Ciudad de

Bs. As. Marzo: Casa dec la Cultura y Hall municipal

Las Toscas. Prov. Santa Fé. Abril: Salón Blanco.

Municipalidad de Esperanza. Provincia de Santa Fé.

Mayo: Sala Culturarte. Secretaría de Cultura. San

Salvador de Jujuy. Agosto: Dirección de Cultura.

Tres Lomas. Prov. de Buenos Aires. Julio: Museo

Provincial de Artes. Santa Rosa. Provincia de La

Pampa. Casa de Cultura. Saliqueló Provincia de Bs.

As. Septiembre: Sitio Cultura. Secretaría de Cultura

y Turismo. Prov. Tucumán.

Octubre: Museo Provincial de Bellas Artes. "Rosa

Galisteo de Rodriguez". Ciudad de Sta Fé. Casa de

Cultura. Las Flores. Provincia de Buenos Aires.

Noviembre: Museo de Artes "Juan Yaparí" Posadas

Misiones.

2009. Marzo: Centro de Cultura y Turismo Prov. de

Catamarca. Noviembre: Universidad Nacional de

Lomas de Zamora. Prov. de Buenos Aires.

2010: Octubre, Foyer del Teatro Auditorium. Mar

del Plata. Prov. de Buenos Aires. Octubre: Proyecto

Grupo Ancasti, Estación Central. San Fernando del

Valle de Catamarca.

2011: Junio, Centro Cultural Municipalidad de San

Fernando. Julio: Proyecto Grupo Ancasti, Museo del

Senado de la Nación Argentina “Domingo F.

Sarmiento”. Octubre: Proyecto Grupo Ancasti Foro

Cultural Universidad Nacional del Litoral, Santa Fé.

2012: Abril: Centro Metropolitano de Diseño,

CABA. Septiembre: Museo de Arte de la

Universidad Mayor de San Marcos, Lima Perú.

PERFORMANCES

2003: “LA VACA” Espacio Cultural ICAS, con

Santiago Atlante en actuación teatral, Paula Giani y

Jorgelina Herrero Pons en Artes Visuales, Hernán

Fernandez en música y Andrés Bercovich

información en biotecnología.

2004: ANTONIN ARTAUD. Espacio Cultural

ICAS. Con Carlos Piñeiro en actuación teatral,

Guido Fernandez Parmo en proyección de video y

Jorge Mallearel en discurso filosófico.

TEATRO

1989: Escenografía de “El hospital del universo” de

Talo Atlante, Aula Magna, Facultad de Medicina.

UBA.

1990: Escenografía de “El calor de la tetera” de Talo

Atlante, Teatro Parakultural, Teatro Medio Mundo

Varietè. Cap. Fed. 1996: Pintura en vivo de la obra

“Platero y yo” de Juan R. Jimenez, con la actuación

de Carlos Piñeiro, Teatro Colonial. Cap. Fed.

2012: Escenografía de “Agitamdo la bandera de la

libertad” de Talo Atlante. Teatro IFT.

FONDO NACIONAL DE LAS ARTES

Durante el año 2010 y 2012, como integrante del

Grupo Ancasti , el proyecto “Jaguares, guerreros y

serpientes. Historia y estética del arte rupestre de

este catamarqueño”, ha recibido subsidios del Fondo

Nacional de las Artes.




28

Maria CUEVAS RIAÑO

Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid, España

[email protected]

Profesora de la Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid,

UCM, Madrid, España. Miembro del grupo de investigación de la UCM:

Investigación cromática: aspectos técnicos, formales y de significado en la expresión

del color a través del arte y del grupo de investigación de la UFV (Universidad

Francisco de Vitoria): Peregrinación Creativa: Fotografía, video y algo más... Ha

participado en congresos e impartido conferencias y seminarios relacionados con la

tecnología, el color y las poéticas constructivas del espacio de representación.

Autora del libro “Estructuras Lógicas en las Artes Plásticas” y co-autora de los

libros “Introducción al Color”, “Distorsión, equívocos y ambigüedades. Las

ilusiones ópticas en el arte”, “Matemáticas, arte y diseño”, “Arte, ciencia y

tecnología. Experiencias docentes y creativas”. Ha publicado artículos en catálogos

y sitios web sobre procesos constructivos y principios ordenadores de obras de

creadores contemporáneos; pensamiento sistémico y metodologías docentes en las

aulas de Bellas Artes.

Líneas de investigación: complejidad y orden; pensamiento sistémico; color; poéticas

estructurales: de las estructuras físicas a las estructuras conceptuales; ilusiones

ópticas; pensamiento conectivo: arte, ciencia y tecnología.

Ha coordinado las exposiciones “El diseño dice” y “Cartográfica, Madrid diseña”,

en la Central de Diseño, Matadero Madrid, y formado parte del Comité científico del

3er Encuentro BID de Enseñanza y Diseño.




29

Gracia CUTULI

Tel/Fax +54 (11) 4783-7480

celular 011 15 3031 7480

[email protected]

Nace y vive en Buenos Aires. Graduada por las Escuelas Nacionales de Artes

Plásticas y por el IUNA, Buenos Aires. 1960/61 Becada por el gobierno francés,

estudia en Paris en la Universidad de la Sorbona, técnica del tapiz en las

Manufacturas Nacionales de Gobelinos y grabado con Jhonny Friedlaender.

Continúa sus estudios en la UBA.

En 1964 co-funda la primera galería de América especializada en Arte Textil, “El

Sol”, cuya dirección artística ejerce hasta 1970. Desde 1968 dicta conferencias en

museos y universidades del país y del exterior. Desde 1972 dirige cursos y seminarios

oficiales y privados en Argentina y en el extranjero y forma parte de jurados en

salones oficiales y privados. Socia fundadora en 1978 del Centro Argentino de Arte

Textil del cual es presidente por el período 1986-1988. Desde 1991 a 2002 es

profesora titular de Diseño Textil en la Facultad de Arquitectura, Diseño y

Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires. Directora de investigación UBACyT

1998-2000 “El Textil como transmisor de cultura”. Presenta ponencias en Congresos

como miembro del Grupo Argentino de Color de la UBA y del Comité Nacional de

Conservación Textil de Chile en ese país. Desde 1968 publica libros y artículos en el

país y en el extranjero, como corresponsal del International Tapestry Journal,

editada en Portland, Oregon y en la Universidad de Melbourne; continúa en

Textileforum, editada en Hannover.

Desde 1958 diseña y expone alfombras, al mismo tiempo realiza exposiciones de

pintura, dibujo, grabado y arte textil, en 52 muestras personales y 250 de grupo en

museos y galerías oficiales y privados de Argentina, Australia, Brasil, Canadá,

Colombia, Cuba, Chile, España, Francia, Estados Unidos, Hungría, Italia, Japón,

Lituania, México, Perú, Polonia, Senegal, Suiza, Uruguay y Venezuela.

Principales premios: 1972: Diez Jóvenes Sobresalientes del Año, Cámara Jr. de

Argentina, 1974: 1er. Premio en el Salón del Tapiz, Museo Eduardo Sívori, Buenos

Aires; 1978: Gran Premio de Honor, en el 1er. Salón Nacional de Tapices; 1980:

Primer Premio en “Las Artes del Teatro”, Secretaría de Cultura de la Provincia de

Buenos Aires, tapiz emplazado en el Anfiteatro de Mar del Plata; 1982: Premio

Konex de Platino al Tapiz; 1990: Primer Premio Museo Quinquela Martín, Buenos

Aires; 1992: Premio Konex al Arte Textil; 2000: 1er. Premio Pro-Arte de Córdoba.

En 2011 es elegida Miembro de Número de la Academia Nacional de Bellas Artes de

la Argentina.




30

Su obra se encuentra en museos y colecciones públicas y privadas de América y

Europa y es citada y reproducida en Alemania, Argentina, Australia, Brasil, Canadá,

Colombia, Cuba, Chile, Estados Unidos, España, Francia, Gran Bretaña, Holanda,

Italia, Japón, México, Polonia, Senegal, Suiza, Uruguay y Venezuela.

Buenos Aires, julio de 2013



31

Salvador MELITA

Departamento de Artes Audiovisuales, Fac. de Bellas Artes. UNLP.

[email protected]

Curric: Director de fotografía, Docente. Se ha especializado en el tema del color y da

un curso de Introducción al Color (aplicado a la imagen audiovisual) en la UNLP,

UNICEN y EICTV (Cuba).

Actualmente completa su formación como instructor de Assimilate Scratch.

(corrección de color)




32



33

Resúmenes de PONENCIAS / 2013



34



35

EL COLOR EN LA CERÁMICA ARGENTINA CONTEMPORÁNEA,

UN ESTUDIO DE CASO

M.F. Acebedo12, M.F. Serra12, V.M. Cola12, Ernesto Moyas2, N.M. Rendtorff2

1.Facultad de Bellas Artes, UNLP, La Plata Argentina.

2.CETMIC, Centro de Tecnología de Recursos Minerales y Cerámica (CIC-

CONICET), M.B. Gonnet, Argentina.

(Ponencia Oral)

A todos nos interesan los colores, forman parte de nuestra cotidianeidad, nos visten,

nos marcan las señales de tránsito, refuerzan las publicidades, nos alarman, nos

alivian. Estamos inmersos en un mundo de colores, con una simbología fuerte y

propia de cada cual en este lado occidental del mismo. Por lo tanto no es raro que la

elección del color de una obra implique una serie de complejas decisiones que tienen

que ver con la idea rectora en general; el color puede acompañar la forma, contrariar,

acentuar, puede afianzar el concepto o puede simplemente estropearlo, rechazarlo,

contradecirlo.

En el caso de las obras cerámicas la elección del color es doblemente compleja. El

color en la cerámica es dado por óxidos, pigmentos y esmaltes que son resultantes

luego de su trasformación en el horno a elevadas temperaturas e implican un proceso

que atraviesa los ejes de la elección de las materias primas, la formulación y

preparación del mismo, así como la suma de los procesos químicos y físicos que

suceden durante el tratamiento térmico dependiendo tanto de la temperatura como de

la atmósfera del ciclo de cocción. Cuestiones que poco tienen en común con el color

en otras artes visuales; por ejemplo en la pintura mientras pintamos podemos

observar instantáneamente el resultado final, podemos generar luces sombras y

reemplazar un color por otro al momento. En la cerámica recién observamos el

resultado final luego de su trasformación en el horno, ya que previamente sólo son

polvos en tonos pasteles, que difieren visualmente con el resultado real-final. Al

proyectar una obra, estas características del color en la cerámica, obligan al productor

a tomar la decisión de trabajar en la predictibilidad del color o librarse a los resultados

inciertos e inmanejables.

En este trabajo se analizarán obras cerámicas contemporáneas pertenecientes a una

muestra colectiva exhibida en el Museo de la Fundación Rómulo Baggio en la Ciudad

de Buenos Aires durante el mes de Julio de 2013 en donde exponen 32 artistas

ceramistas contemporáneos de reconocida trayectoria. Las mismas serán clasificadas

por el tratamiento superficial, el color, tamaño, morfología, temperatura de cocción

entre otras clasificaciones. Del análisis de los datos se intentará determinar o no las

tendencias de la producción en la cerámica contemporánea argentina. Siempre

teniendo en cuenta que los resultados se verán afectados por la elección del grupo de

obras estudiadas. Estos resultados permitirán encontrar o identificar las relaciones de

la tecnología con la producción cerámica artística contemporánea.



36



37

DISCURSO AUDIOVISUAL Y COLOR

Darío BERMEO

Instituto Universitario Patagónico de las Artes, [email protected]

(Ponencia Oral)

La industria audiovisual estadounidense más importante, Hollywood, explota en sus

producciones una forma característica de ver el mundo, valiéndose de los recursos de

representación a su alcance. Según Eliseo Verón, La semiosis social (editorial Gedisa.

Barcelona 1996) “… solo en el nivel de la discursividad el sentido manifiesta sus

determinaciones sociales y los fenómenos sociales develan su dimensión

significante”.

En cuanto al discurso audiovisual, la iluminación (luz, sombra y color) potencia su

sistema de significación. De la película “Traffic” de Steven Soderbergh (2000) se

desprende con claridad la manipulación del color para potenciar una mirada

hegemónica. En el ámbito del discurso audiovisual, la iluminación posee un lugar

determinante, es decir, permite estudiar cómo se ve una película a partir del empleo

del color, por presencia o por ausencia. Este trabajo propone un análisis de “Traffic”,

y la confronta con otras producciones del mismo segmento de producción de la

industria. Se busca mostrar que la utilización del color (por presencia o por ausencia)

potencia la producción de sentido en el discurso audiovisual.

Darío Bermeo

Licenciado en Realización de cine, video y televisión.

Facultad de Bellas Artes. Universidad Nacional de La Plata. Argentina

Neuquén, Argentina

[email protected]

Antecedentes docente

2013Profesor de Laboratorio de Prácticas

Trasdisciplinares, ESBA

2011- 2013 Profesor de Arte y Tecnología III,

ESBA

2011- 2013 Profesor de Realización

Audiovisual IV, IUPA

2010 Profesor de Guión II, IUPA,

2009 Profesor de las Jornadas de

Capacitación en Iluminación de la

Tecnicatura Superior en Audiovisual,

IPES Caleta Olivia, Santa Cruz.

2009 Profesor del Seminario de Fotografía

Cinematográfica, IUPA (Instituto

Universitario Patagónico de las Artes)

2009- 2012 Profesor de Taller de fotografía y

cinematografía, IUPA (Instituto

Universitario Patagónico de las Artes)

2005- 2010 Docente de la Cátedra de

Tecnología III a cargo del Prof. Titular

Andrés Senderowicz.. Facultad de Bellas

Artes. UNLP.

2001- 2003 Docente del Curso de ingreso de la

carrera de Comunicación Audiovisual,

en el área Técnico- Realizativa. Facultad

de Bellas Artes. UNLP.

1998- 2004 Docente de la Cátedra de

Iluminación a cargo del Prof. Titular

Salvador Melita. Facultad de Bellas

Artes. UNLP.





38

Antecedentes laborales

2012 Director de Fotografía del programa

piloto “Contando al sur”. Director

Roberto Echegoyenberry. Programa

Polos Audiovisuales.

2010-2013 Iluminador y camarógrafo en RTN

(Radio y Televisión de Neuquén)

2004- 2008 Iluminador y operador de video de

la Productora Claxson para programas

de las señales Infinito, I-SAT, Space,

Playboy, Much Music,

2007 Director de Fotografía “Toro verde” de

Laura Duran. 35mm color. INCAA

2005 Jefe de eléctrico del largometraje

“Nacido y criado” de Pablo Trapero. 35

mm color. INCAA.

2002- 2005 jefe de operadores de transmisión

del Aula Satelital de la UNLP, CeProM

2003 Dirección de Fotografía en el

cortometraje “El señor de los pájaros”

de Camilo Gómez, Historias Breves IV,

producido por el INCAA.

Investigaciones

2001- 1998 Colaborador en la investigación

«Medición y control de la luz para

registro, reproducción y percepción del

color», del Prof. Salvador Melita. UBA,

UNLP.

Seminarios y Cursos

2002 Seminario de Óptica Instrumental,

dictado por el Lic. Luis Martorelli.

L.O.C.E., Facultad de Ciencias

Astronómicas y Geofísicas. UNLP.

2002 Workshop de Kodak. Dictado por el

Director de fotografía Felix Monti

(ADF).

Seminario «El sonido en el espacio audiovisual»

dictado por Michel Chion. Facultad de

Bellas Artes. Universidad Nacional de

La Plata.

Seminario«La banda sonora en el

audiovisual»dictado por Carmelo Saita

Facultad de Bellas Artes. Universidad

Nacional de La Plata.

1998 Seminario de iluminación “Exponer una

historia”. Dictado por Ricardo

Aronovich, Facultad de Bellas Artes.

Universidad Nacional de La Plata.

1997 «Diseño y Discurso Audiovisual» La

televisión y sus miradas. Facultad de

Comunicación y Diseño. Universidad de

Palermo y Université París III. Sorbonne

Nouvelle.

Buenos Aires.

1996 «Diseño y Discurso

Audiovisual»

Facultad de Comunicación y Diseño.

Universidad de Palermo y Université

París III. Sorbonne Nouvelle. Buenos

Aires.

1996 Seminario«El sonido en el espacio

audiovisual» dictado por Michel Chion.

Museo Ricardo Rojas.

Becas

2001-2002 Beca de formación laboral en el

Aula Satelital de la Universidad

Nacional de La Plata

1997 Beca de formación técnica y estudio.

Otorgada por la Universidad

Internacional de Andalucía. Sede

Iberoamericana. LA RÁBIDA, Huelva,

España.

Filmografía

2011 Dirección de fotografía en el

cortometraje “Subjetividad” dirigido por

Néstor Berbel. Full HD Color. Ganador

del concurso nacional de cortos “El

fútbol y otras pasiones”,


cortometraje “Toro verde” dirigido por

Laura Duran. 35 mm Color.


cortometraje «El Chantaje» dirigido por

Leonel Compagnet, 16 mm Color.


cortometraje «El señor de los Pájaros»

dirigido por Camilo Gómez, 35 mm

Color.

Premios y menciones

Tercer premio con el documental «La esquina de

los vientos» Concurso EDELAP, La

Plata.

1998 1° mención con el documental «La

esquina de los vientos» Concurso Museo

Dardo Rocha, La Plata.

1999 1° mención con el documental «El

jardín de la memoria» Concurso Museo

Dardo Rocha, La Plata

.



39

LA PALETA DEL PINTOR. LA INTUICIÓN EN LA MEZCLA DE

COLORES

Omar BURGOS

[email protected]

(Ponencia Oral)

Cuando hablamos de la paleta utilizada por un pintor en particular, entendemos de

manera sintética cómo utilizaba los colores, en general, ese pintor. Así cuando

decimos que M. Vlamink trabajaba con una paleta saturada o que G. Morandi

trabajaba con una paleta desaturada o que F. Zurbarán trabajaba con una paleta baja,

entendemos cómo utilizaban los colores esos pintores en sus pinturas.

Así mismo sucede cuando hablamos de la paleta utilizada por un pintor en una de sus

pinturas en particular. Así cuando decimos que P. Picasso en “La alegría de vivir” de

1946 trabajaba con una paleta de complementarios o que C. Monet en Les glaçons

utilizó una paleta alta, entendemos cómo utilizaron los colores esos pintor, en esas

pinturas en particular. Lo mismo sucede con algunos movimientos de pintura, así

decimos que el cubismo analítico trabajó con una paleta monocromática o que el

fauvismo trabajó con una paleta saturada.

Así entonces podemos definir una determinada estética cromática de un movimiento

de pintura, de un pintor en general o de una pintura en particular mediante la síntesis

gramática de su paleta.

Si bien la definición de una paleta no da precisiones acerca de los colores utilizados,

nos orienta hacia los colores que vamos a encontrar en dichas obras, movimientos o

pintores.

Pero la paleta en sí, como instrumento, tiene una funcionalidad singular y una relación

inalienable con la pintura y nuestra imaginación, esa relación es aquello que rige las

búsquedas de color en la paleta y es sobre lo que trata el presente trabajo.

Esta relación entre la imaginación, la pintura y la paleta, simple de comprender,

compleja y posiblemente innecesaria de racionalizar en la práctica de la pintura,

siempre me produce asombro.

Cuando la pintura que estamos haciendo necesita un color, suele ser muy específico,

muy preciso. Su búsqueda puede resultar sencilla o muy compleja, según cómo se

encuentre nuestra sensibilidad en ese momento; pero para hacer ese color que

necesitamos en la paleta, debemos hacer otro; porque uno es el color en la paleta y el

mismo es otro en la tela. El color que preparamos en la paleta, por efecto de contraste

simultáneo, indefectiblemente varía cuando lo ponemos en la tela. Varía el valor?

Varía la saturación? O varían ambos ? Si en la paleta lo percibimos distinto, cómo

sabemos si el color está listo?




40

LA VIRGEN DE LAS ROCAS, DE LEONARDO DA VINCI

Omar BURGOS

[email protected]

(Ponencia Oral)

En 1483 aparentemente, Leonardo habría recibido un encargo de la Confraternidad de

la Inmaculada Concepción de Milán, para pintar la imagen de la Virgen con el niño

Jesús y San Juan, que adornaría el altar de la Iglesia de San Francisco el grande de

Milán.

El cuadro ocuparía el panel central de un retablo que llevaría a los costados otras dos

obras con ángeles músicos y que fueron encargadas a los hermanos Ambrogio y

Evangelista da Predis y que se conservan actualmente en Londres.

La obra tiene dos versiones, una conservada en el museo del Louvre que se considera

la obra original de Leonardo y la versión de la National Gallery de Londres, que se

supone hecha en colaboración.

La escena tiene lugar en las montañas. Jesús sentado bendice a San Juan, que es

protegido por la virgen con su manto. La mano izquierda de la virgen, en perfecto

escorzo, se alza en suspenso; insinuando, con la mano del ángel, como estratos sobre

la cabeza de Jesús. Tras el niño Jesús, un ángel que señala a San Juan y San Juan

arrodillado acerca sus manos a Jesús en gesto de rezo.

La pintura plantea al espectador algunos enigmas. ¿Qué simboliza? ¿Qué encuentro

mítico representa, si no hay en la Biblia ningún relato de un encuentro de Jesús y San

Juan de niños? ¿Por qué el ángel que está atrás del niño Jesús involucra con la mirada

al espectador en la escena y señala a San Juan?

El presente trabajo presenta un análisis compositivo de la obra y su estética cromática,

así como una reseña del contexto histórico en el que fue realizada.

Omar BURGOS

Artista plástico.

Estudió con Roberto Páez, Aida Carballo, Aurelio Macchi y Stanley W. Hayter.

Investigador independiente en Historia y teoría del Arte. –

Fue Presidente del Grupo Argentino del Color durante el período 2008-2012.

Integrante del Grupo Ancasti en el marco de Beca para Proyectos Grupales del

Fondo Nacional de las Artes 2009-2010-2012.




41

COLOR, FIGURA Y FONDO EN LAS PINTURAS CLÁSICA Y

MODERNA

Leonard ECHAGUE

Instituto de la Espacialidad Humana - FADU – UBA

[email protected]

(Ponencia Oral)

1- El presente trabajo pretende introducir el tema de la figura y el fondo en las artes

pictóricas clásica y moderna respecto de los modos de manchar cromáticamente las

superficies pintadas, y notando que:

- En pintura clásica se hacen figurar elementos visibles de posibles escenas reales que

son representadas pictóricamente.

- En el arte pictórico moderno, se pintan formas de diverso tipo, sin la obligatoria

pretensión de representar, por imitación, alguna referencia externa al propio hecho de

apreciación pictórica sensible de las formas visibles en la obra, y también entendiendo

a las obras como propias críticas de la representación clásica.

Se tomarán como casos para la discusión de los temas propuestos a obras de:

Brueghel, Vermeer, Klimt, Seurat, Van Gogh, Cezanne, Duchamp, Mondrian,

Malevich, Espinosa, Lozza, Mele y Maldonado.

2- En el arte clásico la técnica de la perspectiva renacentista apunta producir la

ilusión perceptiva de la profundidad espacial de la escena, otorgando un soporte

geométrico para las ubicaciones de las formas que representan las escenas por medio

de trazados que regulan sus tamaños y ubicaciones sobre el lienzo.

Los modos de establecer figuras y fondos pintados como valores significativos de

conjuntos identificables de manchas coloreadas son observables en las pinturas

clásicas de escenarios naturales en donde, además, el concepto de paisaje de fondo

expresa:

- el conjunto cromáticamente manchado sobre el que se recortan las figuras visibles

frontalmente

- el espacio posiblemente real que contiene a la escena representada con objetos y

personas.

Los ejemplos representativos del arte clásico corresponderán a pinturas de escenarios

naturales.

3- En la segunda mitad del Siglo XIX hay autores que pueden ser considerados parte

del intermedio conceptual entre los artes clásico y moderno pues ellos pintan sin

perder aún la referencia a personas o escenas naturalistas posiblemente reales, pero

establecen notables cambios en las modalidades de producción pictórica, afectando

esto a los conceptos de figura y de fondo involucrados. En particular en las pinturas

de Seurat y de Van Gogh por medio del manejo cromático.




42

4- El arte moderno intenta la producción intrínseca de sentidos pictóricos provocada

por la apreciación sensible de la composición, apelando al color de modo esencial en

los casos de Mondrian y Malevich, y por proceder a la ruptura del cuadro rectangular

en los casos del arte concreto argentino (Lozza, Espinosa, Maldonado, etc.). En estos

últimos casos ya quedan disueltos los valores diferenciales entre figura y fondo.

Leonard ECHAGUE

-Licenciado en Psicología - UBA

-Doctor en Diseño Gráfico- FADU - UBA - Directores de Tesis: Tomás

Maldonado y Gastón Breyer

- Posdoctor en humanidades - CEA - U.N.Córdoba

-Profesor Adjunto en Cátedra de Matemática II - FADU -UBA -1996 a 2005

-Profesor Adjunto en Cátedra de Morfología - FADU -UBA -1997 a 1999

-Profesor Adjunto en Instituto de la Espacialidad Humana. FADU -UBA -2004 a

2013

-Profesor Adjunto en Cátedra de Introd. Arquit. Contemp. FADU -UBA -2009 a

2013

-Profesor Adjunto en Cátedra de Introd. Tipos Construct.. FADU -UBA -2013

-Investigador Categoría II en el Programa de Incentivos del MCE.

-Integrante de Proyecto UBA-CYT A009 - 2008-2010 - Nuevos aportes a los estudios

interdisciplinarios sobre color en relación a la arquitectura y los diseños: el color en

prácticas del habitar , dirigido por José Luis Caivano

-Integrante de Proyecto UBA-CYT 100283 - 2011-2014 - El color y la luz en los

espacios urbanos, los diseños y el contexto de prácticas sociales y semióticas

humanas, dirigido por José Luis Caivano

-Director de Proyecto UBA-CYT AA26 - 2000.

-Director de Proyecto UBA-CYT A614 - 2003.

-Director de Proyecto UBA-CYT A006 - 2004 a 2008.

-Director de Proyecto UBA-CYT 200694 - 2010 a 2012.

PRODUCCIÓN PRESENTADA DE INVESTIGACIÓN –

35 Publicaciones con referato e ISBN/ISSN.

25 Presentaciones en reuniones científicas sin publicar.

PRODUCCIÓN PRESENTADA DE DOCENCIA –

6 Publicaciones con referato.

2 Publicaciones sin referato.

2 Presentaciones a congresos y otros eventos.

4 producciones de material didáctico sistematizado.



43

EL COLOR EN EL GRAFFITI Y DOS TEMAS IMPORTANTES: LA

TRANSFORMACIÓN DEL MEDIO AMBIENTE CONSTRUIDO Y EL

DESARROLLO SOSTENIBLE

María Paula Giglio

Grupo de Estudios sobre Acciones Proyectuales, Facultad de Arquitectura, Urbnismo

y Diseño de la Universidad Nacional de Mar del Plata

[email protected]

(Ponencia Oral)

Esta ponencia se basa en el estudio del graffiti artístico vinculado a la cultura hip-hop

que se desarrolla en la ciudad de Mar del Plata, Argentina. En particular, nos

referimos al color en el graffiti desde la perspectiva de dos temas que forman parte de

la construcción social del graffiti: el primer tema se refiere a la transformación de la

apariencia visual del medio ambiente construido a través del color como una forma de

habitar la ciudad; y el segundo, se refiere al desarrollo de tecnologías artesanales,

elaboradas por artistas del graffiti, como aproximación al desarrollo sostenible.

En la ciudad de Mar del Plata, como en otras ciudades, existen grandes

tensiones entre las diversas formas de habitarla y cada una contribuye a la

construcción del medio ambiente.

Con respecto al primer tema, observamos que los graffiteros se reconocen a

sí mismos como "sujetos urbanos". Son productores de la ciudad y son, en tanto “son

en la ciudad”. Ellos hacen visibles los lugares donde han pintado y su forma de

habitar es a través del color.

Si bien, los muros urbanos son lienzos posibles de ser pintados, ellos no

seleccionan cualquier lugar. A menudo prefieren los muros deshabitados, ignorados,

abandonados, con caos visual, o invisibilizados, y por lo general, son lugares de

tránsito o paso. Piensan en la mirada del caminante, su espectador, en los efectos que

quieren lograr, y en la posibilidad de mostrar su arte de forma masiva a pesar de saber

que puede ser efímera.

Además, debido a que comúnmente los estilos de letras de la cultura hip-hop

son ilegibles, el color alcanza una gran importancia en el impacto visual, es decir,

predomina una estética colorística. Observan y planean sus estrategias. Y a través del

color, pueden modificar la apariencia visual del medio ambiente construido. Estos

lugares se convierten en "lugares para ser mirados".

Por otro parte, analizamos el desarrollo sostenible, desde el desarrollo de

tecnologías artesanales, en el rellenado de latas de pintura en aerosol, en la generación

de nuevos colores por mezcla, y en el rediseño de los picos a través de intervenciones

(cortes, adiciones, sustracciones, etc.), a fin de lograr ampliar la carta de colores,

mejorar la calidad de los trazos y efectos, tanto por el crecimiento artístico, la




44

superación de las limitaciones económicas, y la escasez de insumos en el mercado

regional.

El desarrollo sostenible en términos ecológicos y el cuidado del medio

ambiente, está en manos de los fabricantes de pinturas en aerosol a través del

cumplimiento de los estándares de gestión de medioambiente, pero también recae en

los artistas del graffiti, aunque esto no siempre sucede por compromiso ecológico.

La investigación, que se lleva a cabo desde el año 2001, tiene diferentes

unidades de análisis, entre ellas, los graffitis, los elementos que se utilizan para la

actividad, y los propios graffiteros, a través de la observación de sus acciones,

estrategias y habilidades, tanto individuales como grupales, y del rastreo en sus relatos

acerca de las experiencias sobre el habitar la ciudad, y de los saberes construidos e

incorporados.

María Paula GIGLIO

GEAP / FAUD / UNMDP

[email protected]

Currículum abreviado

- Licenciada en Artes, orientado a la enseñanza de las Artes (especialidad Artes

Visuales), y Profesora de Artes Visuales (especialidad Pintura).

- Alumna de la Maestría en Educación Artística en la Facultad de Humanidades y

Artes de la Universidad Nacional de Rosario.

- Docente, investigadora y artista plástica

- Profesora Adjunta en la carrera de Diseño Industrial de la Facultad de

Arquitectura, Urbanismo y Diseño de la Universidad Nacional de Mar del Plata.

- Co- Directora del Grupo de Estudios sobre Acciones Proyectuales, GEAP-

FAUD/UNMDP

- Directora del Grupo de Extensión desde el Arte, GEA-FAUD/UNMDP

- Integrante de Comités Científicos y Comités Organizadores en eventos vinculados

con el color y la forma.

- Ha participado numerosos eventos académicos.

- Actual Presidenta del GRUPO ARGENTINO DEL COLOR (GAC), período 2012-

2014.




45

ROJO y NEGRO... y MUCHO MÁS: ¿QUÉ COLORES PREFIEREN

LOS NIÑOS PARA REPRESENTAR LA VIOLENCIA?

Mabel Amanda LÓPEZ

Programa Color, Secretaría de Investigaciones, Facultad de Arquitectura, Diseño y

Urbanismo, Universidad de Buenos Aires

[email protected]

(Ponencia Oral)

El trabajo se enmarca en el Proyecto: “Visión de la violencia de los niñ@s de

primaria de México y Argentina, a través uso del color y la representación gráfica”,

integrado por un equipo interdisciplinario de investigadores del Programa Color,

FADU-UBA y de la Facultad de Psicología, UNAM, México. Dentro de los objetivos

de la investigación, se procederá a identificar e inventariar los colores usados por los

niños para hacer visible la violencia y la no violencia. Se relacionarán los colores con

las objetos, símbolos y escenas representadas, y con el cuestionario respondido por los

niños autores de los dibujos. Nos preguntaremos: ¿Cuál es la representación gráfica de

la violencia en niñ@s de 11 años en México y en Buenos Aires? ¿Qué colores utilizan

para representar la violencia? ¿Hay diferencias entre ambos grupos, cómo se

interpretan? ¿Predomina un manejo realista del uso del color en los personajes y

objetos dibujados, o hay disrupciones retóricas, que manifiestan de modo simbólico el

color de lo violento?

La violencia en tanto problema social involucra a la niñez como víctimas y

victimarios. El temor se agudiza en la población infantil, que no puede canalizar su

angustia, generando estados de depresión, de agresión (bulling en las escuelas), de

desesperanza. Por eso se considera importante saber qué opinan los niñ@s de la

violencia, cómo la perciben y, si es posible, cómo la sienten, buscando sus respuestas

a través de un medio familiar y no peligroso: el dibujo. Cuando el niñ@ dibuja con un

tema específico, cuenta sus vivencias personales que emergen y se manifiestan a

través del mecanismo de la proyección, gracias al lenguaje del inconsciente que habla

de sí mismo y de su relación con el ambiente. Es un medio de comunicación

interpersonal (involuntaria y voluntaria) y por lo tanto es otro lenguaje no verbal,

silencioso, con información oculta.

Para esta presentación se focalizará el manejo del color en la representación de la

violencia y no violencia en un corpus de análisis conformado por 200 dibujos. La

muestra abarca unos 100 sujetos: niños escolares de 11 años de escuelas de la Ciudad

de Buenos Aires, a quienes se les solicitan 2 dibujos. Según lo observado, el negro

para expresar la muerte, o la violencia del color rojo para representar la sangre de

heridas son constancias en los dibujos; signos cromáticos codificados en la cultura.

Sin embargo, los sentidos atribuidos tanto a esos como a otros colores deben recrearse

en el análisis interpretativo de cada caso, y en función de la iconografía y el relato

escenificado para alcanzar la plenitud de su sentido.




46

MABEL AMANDA LÓPEZ CV RESUMIDO

Doctora en Diseño, Facultad de Arquitectura, Diseño y Urabismo, UBA y

Licenciada en Letras por la FFyL, Universidad de Buenos Aires.

Codirectora del Programa de Investigaciones Color, Luz y Semiótica Visual,

Secretaría de Investigaciones, Facultad de Arquitectura y Diseño,

Universidad de Buenos Aires.

Ha obtenido por concurso la categoría II en la carrera del docente-

investigador, Ministerio Nacional de Educación. Ganadora de Beca

Doctoral UBA (2002-2006).

Profesora co-titular de la materia Color, en el Postítulo en Comunicación

Visual (posgrado) en la Universidad de Rosario, desde 2002.

Profesora Adjunta de la asignatura Comunicación, cátedra Ledesma en la

carrera de Diseño Gráfico en la FADU-UBA, donde ejerce la docencia

desde 1993.

Profesora asociada de la asignatura Semiología de la imagen, en la carrera

de Diseño Gráfico en la Universidad de Belgrano, desde 1998.

Tiene 11 libros publicados (como autora, coautora y editora) y 43 artículos

en revistas y capítulos de libros. Ha presentado 66 trabajos en congresos y

jornadas nacionales e internacionales.

Actualmente desarrola una investigación interdisciplinaria binacional con

la Dra Georgina Ortiz de la Universidad Autónoma de México, analizando

el color y la representación gráfica de la violencia en dibujos infantiles en

México y Buenos Aires.

LÍNEAS DE INVESTIGACIÓN

comunicación en la enseñanza del diseño

interrelaciones entre lenguaje verbal y lenguaje visual

semiótica del color, semiótica visual, comunicación visual, retórica visual

color en relación con la comunicación y el diseño

enseñanza del color

lectura de la imagen fotográfica



47

EL COLOR DE LA ANTIGÜA PÆSTUM

Color y efectos logrados en las pinturas ambientales, ceramios y construcciones

mortuorias, a través de los restos arqueológicos visualizados en el museo de sitio

de la Pcia de Salerno, Italia

Cristina MANGANIELLO MANGARIELLO

Universidad Nacional de La Plata, Facultad de Bellas Artes

[email protected]

(Ponencia Oral)

Objetivos: rescatar de lo expuesto y visualizado en el sitio y museo de Pæstum, en

cuanto al color y efectos empleados artísticamente por los antiguos greco-lucanos de

la zona, como sintaxis y Semiosis

Resultados:

Hace tal vez un poco más de 2500 años, se desarrolló una ciudad costera de la Magna

Grecia, en la actual Provincia de Salerno: PÆSTUM.

Ciudad de rituales místico-religiosos, que atraviesa varios períodos, finalizando en el

romano, para quedar cubierta por un pantano. A principios del s. XIX, en el período

napoleónico, comenzó a interesar, pero por la diferente estética con la pompeyana,

que se consideró superior, fue no tenida mayormente en cuenta. Hoy día puede

recorrerse y disfrutar lo mismo de su riquísimo museo de sitio, descendiendo apenas

del ferrocarril en la estación del mismo nombre.

Los colores empleados en este período con fines pictóricos, fueron el blanco, el

verdecían y una variedad de tierras que van del ocre amarillo, a las tierras sombra.

En los ceramios, a modo de engobe, van del ocre al negro.

Cuáles serían las características estéticas particulares en el uso del color?

En cuanto a lo pictórico, fondos plenos, blanco, ocre o rojo terracota, donde se dibuja

linealmente en modo sensible y se rellena en parte a tinta plena.

Esto a modo general. En este trabajo, se clasificaran las armonías en relación a su

Semiosis y efectos estéticos en una variedad de ejemplos que aquí excederían la

definición de abstract.

Aportes al color: se desconocen antecedentes desarrollados con el mismo criterio, en

cuanto a este sitio arqueológico




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Cristina MANGANIELLO MANGARIELLO

Universidad Nacional de La Plata-Facultad de Bellas Artes-

Email: [email protected]

Curriculum abreviado del autor:

Licenciada y Profesora en Pintura, UNLP.

Profesora de Lenguaje Visual, Universidad Nacional de La Plata, directora de

proyectos de investigación sobre color en comunicación visiva desde 1975, dentro del

programa de incentivos para docentes investigadores-SCyT-

Artista plástica.




49

EL COLOR EN LA OBRA DEL MAESTRO MIGUEL ÁNGEL ALZUGARAY

Y SU DISCÍPULA GERMAINE BONIFACIO

Elisabet SÁNCHEZ PÓRFIDO y María Beatriz WAGNER.

Facultad de Bellas Artes, UNLP

[email protected], [email protected]

(Ponencia Oral)

El presente trabajo surge como transferencia de avances obtenidos en la investigación

“La paleta del pintor: un campo articulador entre la teoría del color y el diseño de la

imagen” dirigido por la Lic. María Wagner, acreditado por la Secretaría de Ciencia y

Técnica de la UNLP y Ministerio de Educación de la Nación.

Se analiza la obra del artista plástico Miguel Ángel Alzugaray. Su condición de

maestro nos llevó a explorar su producción y modos de hacer, exaltando el uso del

color como signo productor de significado. Se seleccionaron obras del pintor y

también de su discípula Germaine Bonifacio.

Los contenidos temáticos intentaran establecer ciertos correlatos de condiciones

cromáticas y efectos estéticos, con el objetivo de dar a conocer determinadas

condiciones cualitativas del maestro y la discípula en el empleo del color.





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Elisabet SÁNCHEZ PÓRFIDO [email protected]

Profesora Superior en Historia de las Artes Plásticas. Facultad de Bellas Artes de la

UNLP.

Magíster en Estética y Teoría de las Artes. Facultad de Bellas Artes de la UN LP.

Profesora Jefe de Trabajos Prácticos de la Cátedra de Arte Contemporáneo de la

Facultad de Bellas Artes la U.N.L.P.

Docente Investigadora del Programa de Incentivos. Secretaría de Ciencia y Técnica

de la UNLP, Ministerio de Educación de la Nación.

Directora del Atelier Museo Luis Tessandori. Centro Artístico y Cultural del Valle de

Traslasierra, San Javier, Córdoba.

María Beatriz WAGNER

[email protected]

Licenciada y Profesora Superior de Pintura.

Profesora Titular de la Cátedra Dibujo 1 Turno Noche y de Seminario de Color,

Facultad de Bellas Artes de la UNLP.

Docente Investigadora del Programa de Incentivos. Secretaría de Ciencia y Técnica

de la Facultad de Bellas Artes de la UNLP, Ministerio de Educación de la Nación.





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52

Los resúmenes que siguen a continuación, fueron publicados

anteriormente en el siguiente libro digital:

Jornada Nacional del Color en las Artes 2012 : cuaderno de resúmenes /

edición literaria a cargo de María Paula Giglio ; con prólogo de Omar

Burgos. - 1a ed. - Mar del Plata :

Universidad Nacional de Mar del Plata, 2012.

E-Book.

ISBN 978-987-544-445-4



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PROGRAMA / 2012

JORNADA DEL COLOR EN LAS ARTES 2012

Viernes 22 de junio 2012

Sede del IUNA, Bartolomé Mitre 1869. 3º piso.

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

9:00 hs INSCRIPCIÓN

9:30 hs APERTURA

Oradores

SOTO, María Araceli Directora del Área Transdepartamental de Crítica de Artes del IUNA

BURGOS, Omar Presidente Grupo Argentino del Color. Presentación GAC. Futuros eventos, jornadas y congresos.

10:00 hs MESA 1


ÁLVAREZ, Gabriel Iluminación de las obras de arte. IUNA – DAVS P. Pueyrredón

BECERRA, Paulina et al.

El vínculo entre el arte y la industria a través del lenguaje cromático en el arte

pop.

Programa Color, Luz y Semiótica Visual FADU-UBA

ECHAGÜE, Leonard

Acerca de las imágenes informático-visuales coloreadas en las expresiones multimediales.

Instituto de la Espacialidad Humana - FADU – UBA

GARCÍA, Anahí Simbología del color en el cine - los códigos en el Moulin Rouge de Baz Luhrmann.

12:00 hs ALMUERZO

13:30 hs SESIÓN DE PÓSTERS

Autores Ponencias en Póster Institución

SERRA, Ma. Florencia et al.

El color en la evolución térmica de una pasta cerámica natural.

CETMIC Centro de Tecnología de recursos Minerales y Cerámica. Cátedra taller complementario de cerámica FBA- UNLP.

ACEBEDO, Ma. Florencia et al.

EL COLOR EN ESMALTES CERÁMICOS MODIFICADOS. Una herramienta sencilla de medición del color en un esmalte cerámico y sus posibilidades.



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14:00 hs MESA 2


OYHANDY, Enrique A.

Notas para una historia del color en el cine.

Universidad Nacional de La Plata

PAUS, Ana M.; WAGNER,M. Beatriz

Escalas de chequeo de color para uso didáctico y artístico.

Facultad de Bellas Artes de la UNLP

BURGOS, Omar et al

Nuevas investigaciones en Oyola, provincia de Catamarca. Variaciones los pigmentos blancos de las pinturas rupestres prehispánicas.

GAC – Univ. Nac. de Catamarca - INTI – CONICET

VIGNOLO, Alejandra

El color en las artes dramáticas. Iris

Scaccheri y el color

UBA – IUNA

16:00 hs MESA 3


RUBÍN, Manuel Armonía térmica absoluta del color. Rubín Atelier

BURGOS, Omar La Gioconda, estudio de color.

ROSOLIA, Elvia Los cambios experimentados en el transporte urbano de la ciudad de Buenos Aires en relación con el color.

FADU / UBA

GIGLIO, María Paula

Color y cesía, entre presencia y apariencia en el contexto de la enseñanza del arte.

FAUD / UNMDP – GAC

18:00 hs PANEL: EXPERIENCIAS EN EL CAMPO DEL COLOR

Panelistas Tema

Jorge Iglesias Objetos invisibles. Cuadros con luz. Esculturas y

pinturas realistas de movimiento virtual. Hacia una nueva teoría de la luz

Gustavo Aprea Cine

Eli Sirlin Iluminación

Gumersindo Serrano Gómez Artes multimediales



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PANEL / 2012

Resúmenes y/o currículum de los panelistas

EXPERIENCIAS

EN EL CAMPO DEL COLOR



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57

Jorge IGLESIAS PANELISTA

RESUMEN

En esta charla me referiré al modo de volver invisibles los objetos, de pintar cuadros

con la luz y de realizar esculturas y pinturas realistas de movimiento virtual.

Luego haré referencia a una nueva teoría sobre la luz y el color que estoy elaborando

en los últimos tiempos.

Con respecto a las esculturas invisibles veremos esculturas monocromáticas, objetos

con color y el fenómeno de invisibilidad aplicado a distintas escenas complejas.

Me referiré no sólo a mi método de hacer invisible los objetos pintándolos sino que

mostraré una escultura que realicé que se hace invisible sin estar pintada, sólo por la

distinta orientación de sus planos con respecto al foco luminoso, logrando que todos

reciban el mismo grado de iluminación y al no haber contraste entre ellos se vuelvan

invisibles.

Los cuadros pintados con luz son obras figurativas que adquieren color sin utilización

de pigmentos, sólo empaste de pintura blanca que al recibir la luz de modo rasante

obligan a cada tono a ir al lugar que le corresponde, por ejemplo un cielo azul, un

campo verde, el techo de una casa rojo, etc..

Las esculturas de movimiento virtual son esculturas que siendo en realidad estáticas

cuando el observador se desplaza a su alrededor giran a 360º.

Con respecto a los cuadros de movimiento virtual son pinturas realistas

tridimensionales que al desplazarse el observador tienen movimiento como si se

tratara de una escena filmada.

Por último me referiré a las conclusiones que he llegado después de analizar los

experimentos realizados por Goethe y sus confrontaciones con Newton, en los que por

el momento encontré que si bien las conclusiones de Goethe no fueron las acertadas,

sus experimentos demuestran que la teoría de Newton tampoco lo fue, no sólo por su

interpretación corpuscular como ya se sabe, sino tampoco en lo que se tomó de ellas

para la interpretación ondulatoria de la luz.

ACTIVIDADES MÁS IMPORTANTES DE LOS ÚLTIMOS AÑOS

En 2010 “ARTMONACO 2010”, anuncia la presencia de sus obras en la publicidad

oficial junto a obras de Pablo Picasso, Joan Miró, Andy Warhol, entre otros.

En 2008 “EXPOARTMONTREAL” (CANADA), anuncia la presencia de sus obras

como publicidad exclusiva de la FERIA.

En 2004 viaja a Alemania invitado a realizar una conferencia-exposición en el

“KÜNSTLERHAUS STUTTGART”.

En 2000 expone Esculturas Invisibles en “ARTE BA”.



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En 1997 es convocado por ATC para recepcionar con sus obras al Barón Stig Ramel

(Presidente de la FUNDACIÓN NOBEL DE SUECIA).

En l995 el SENADO DE LA NACIÓN ARGENTINA resuelve declarar de interés

cultural el resultado de sus investigaciones sobre invisibilidad y auspiciar la

continuación y profundización de las mismas.

En 1995 expone Esculturas Invisibles en el “BUENOS AIRES DESIGN CENTER”,

Muestra que debido al éxito de público debe prolongarse por 5 meses consecutivos,

transformándose en récord de permanencia en muestras de arte en la Argentina.

En 1994 Realiza un seminario magistral sobre historia del arte junto a Mary Lewis

(curadora del “MUSEO DE ARTE MODERNO DE NEW YORK”), Jack Flam

(crítico de arte del “WALL STREET JOURNAL”) y Janis Tomlimson (profesora de

la “ UNIVERSIDAD DE COLUMBIA”).

En 1991 Auspiciado por la Secretaría de Cultura de la Nación, realiza un viaje a

Nueva York, Washington, Madrid y París.

Sus esculturas invisibles aparecen publicadas y analizadas en las “ACTAS DEL

SIMPOSIUM OF THE INTERNATIONAL ASSOCIATION POR THE SEMIOTICS

OF SPACE”, BARCELONA, ESPAÑA.

El presidente de la “ASOCIACIÓN INTERNACIONAL DEL COLOR”, José Luis

Caivano (UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES Y CONICET), dicta una

conferencia sobre "Los aspectos semióticos de la obra de Jorge Iglesias" en el

“INTERNATIONAL SUMMER INSTITUTE FOR SEMIOTIC AND

STRUCTURAL STUDIES”, FINLANDIA.

Dicta una conferencia en la FACULTAD DE DISEÑO Y COMUNICACIÓN,

UNIVERSIDAD DE PALERMO, BUENOS AIRES.

Dicta seminarios en el CENTRO DE ARTE Y COMUNICACIÓN (CAYC).

Es Invitado a dar una conferencia sobre sus descubrimientos en el "INSTITUTO DE

INVESTIGACIONES BIOQUÍMICAS LUIS FEDERICO LELOIR", FUNDACIÓN

CAMPOMAR.

Es invitado especialmente a disertar sobre sus trabajos vinculados con el campo físico

de la óptica en el “CENTRO DE INVESTIGACIONES ÓPTICAS DE LA PLATA”

(C.I.O.P.)

Es invitado a disertar sobre sus descubrimientos en el campo perceptual de la visión

en el “Seminario de estimulación temprana y neurología de la percepción” por el

“Centro Lauretta Bender”.

Es invitado a disertar en el "CUARTO CONGRESO ARGENTINO DEL COLOR"

realizado en el "MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES".

Expone en la "BIBLIOTECA NACIONAL".

Realiza un obelisco invisible de 3mts. de altura como escenografía especial para la

obra de Ballet-Teatro "BUENOS AIRES LUZ", interpretada por la bailarina Estela

Erman, el actor Juan Vitali, y el primer bailarín del Ballet- Teatro clásico de Moscú

Alexis Bezborodob.



59

ALGUNAS OTRAS EXPOSICIONES EN ARGENTINA:

“GALERIA FEDERICO URZOMARZO”, “SALAS NACIONALES DE

EXPOSICIÓN” (PALAIS DE GLACE), “ SALON NACIONAL” , “MUSEO

METROPOLITANO”, “SALON MANUEL BELGRANO”, “GALERIA EL

MENSAJE”, “GALERIA DE LA RECOLETA”, “ADRIANA INDIK”, “LOS

COLECCIONISTAS”, “RAJADELL GALLERY”, “DEL BUEN AIRE”, “MICHEL

DECOULT GALLERY”, “GALERÍA DANISH”, “GALERÍA CENTOIRA”,

“BANCO CIUDAD DE BUENOS AIRES”, “FERIA DEL LIBRO”, “RECOLETA

PLAZA”, “GALERIAS PACÍFICO”, “GALERÍA VELAZQUEZ” , “FONDO

NACIONAL DE LAS ARTES”, “ARGENTINA TELEVISORA COLOR”, “OPEN

PLAZA”, “ESPACIO ARROYO”, “ARROYO ARTE”, etc.

ALGUNOS COMENTARIOS CRÍTICOS:

“Jorge Iglesias tiene esa rara combinación de inteligencia, irreverencia y modestia que se puede encontrar solamente en aquellos que están avanzados para su tiempo.

Nunca conocí a Newton o a Picasso, pero estoy seguro que para ellos sus pioneras ideas eran

tan simples y necesarias como para otros atrevidas y descabelladas. Lo mismo pasa con Jorge Iglesias, un artista investigador que ha descubierto un proceso para volver invisibles los objetos.

Jorge Iglesias parece estar consciente de que aún si sus experimentos se desarrollaran con otros

propósitos mundanos, el cambio radical que implican afectará el modo en que entendemos el mundo y la manera en que nos expresamos en él, en suma, afectará el mundo del arte.

“El éxito de los experimentos asusta a algunos, porque se los acepta o se queda uno atrás”.

Lo mismo les pasó a los pintores realistas durante la segunda mitad del siglo pasado, ellos no querían aceptar el desafío que presentaba la fotografía y entonces sobrevivieron sólo los

impresionistas.

Estos descubrimientos en el reino de la luz y de la invisibilidad cambiarán - sin lugar a dudas - el modo en que concebimos el espacio y el arte.

Ya sea hablando con Iglesias o contemplando sus objetos innovadores, uno no puede sino darse

cuenta de que estamos siendo testigos del amanecer de una nueva era. Tenemos que dar a sus palabras y a su trabajo la dimensión y proyección históricas que

legítimamente merecen.”

Pablo Baler (crítico de arte)

Buenos Aires Herald

“Cuando se ha hecho un lugar común oír que “la pintura está en crisis” y que sus posibilidades estarían agotadas, nos encontramos con artistas como Jorge Iglesias que desde la

pintura; vale decir, desde sus planteos históricos esenciales, encuentra una manera de

transformarla y enriquecerla. Sus hallazgos permanentes lo sitúan en un lugar de avanzada y de reencuentro de los grandes públicos con el arte”.

Fermín Fèvre (crítico de arte)

“Clarín”



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“Jorge Iglesias, el artista plástico argentino que logró lo que no pudieron Da Vinci ni Dalí. Iglesias no es el primero en buscar la ilusión de tridimensión. Los primeros escritos pertenecen,

cuando no, al genial Leonardo Da Vinci, Salvador Dalí trató de conseguirlo con estereoscopía y

estereografía, pero sólo pudo realizar montajes con los hologramas de Denis Gabor. Hasta ahora todos los sistemas se basaron en el concepto de una imagen para cada ojo que

luego el cerebro procesa como una sola. El camino de Iglesias para descubrir cómo una sola

imagen puede verse tridimensional fue arduo”.

Raquel Roberti (periodista)

Revista “Veintitrés”

“Jorge Iglesias conseguía así lo que hasta entonces lindaba con lo imposible, sin ningún recurso mecánico, un objeto plenamente iluminado se volvía invisible al ojo humano directo”.

Alejandro Rapeti (Periodista)

“La Nación”



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Gustavo APREA PANELISTA

Departamento de Artes Visuales IUNA - Facultad de Ciencias Sociales UBA

Buenos Aires, Argentina

[email protected]

Investigador y docente del Instituto del Desarrollo Humano de la Universidad

Nacional de General Sarmiento donde coordinó la Licenciatura en Cultura y

Lenguajes Artísticos. Docente del Departamento de Artes audiovisuales del IUNA Y

de la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Buenos

Aires. Es representante argentino del Observatorio Iberoamericano de la Ficción

Televisiva. Autor de “Cines y Políticas en Argentina. Continuidades y

discontinuidades en 25 años de democracia” y compilador de “Filmar la memoria. Los

documentales audiovisuales y la re- construcción del pasado”, entre numerosos textos

sobre documental y memoria audiovisual, y diversas reflexiones sobre enunciación

cinematográfica y televisiva.



62



63

Eli SIRLIN PANELISTA

Departamento de Artes Dramáticas IUNA – Facultad de Arquitectura, Diseño y

Urbanismo UBA

Buenos Aires, Argentina

[email protected]

Arquitecta, egresada de la Universidad de Buenos Aires, y de la Escuela Nacional de

Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón", se ha dedicado en los últimos 20 años al diseño de

iluminación, trabajando tanto en el rubro de iluminación para arquitectura como en

espectáculos (teatro, ópera y danza) y eventos.

Con más de 20 años de trayectoria docente, actualmente es profesora titular de la cátedra

“Diseño de iluminación” en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos

Aires y Coordinadora de la carrera “Diseño de iluminación de espectáculos” en el IUNA

(Instituto Universitario Nacional de Artes), en la que dicta varias materias.

Ha publicado varios artículos sobre Iluminación arquitectural en revistas especializadas

y dos libros sobre iluminación teatral, uno editado por la Universidad de Buenos Aires

(“La iluminación escénica”, Libros de Rojas) y otro por el Instituto Nacional del Teatro

(“La luz en el teatro, manual de iluminación”), con reedición de la Editorial Atuel,

ganador del premio Teatro del Mundo 2005 en el rubro ensayística.

Actualmente miembro de la PLDA (Professional LightingDesignAssociation), ha

participado de numerosos congresos organizados por la ELDA

(EuropeanAssociation of LightingDesigners), LDI (LightingDimensions

International), y la IALD (International Association of LightingDesigners),

asistiendo a diversos workshops en Las Vegas, Miami, San Francisco, y a las

Broadway Lighting Master Classes en Nueva York, para perfeccionamiento de

iluminación tanto en teatro como en arquitectura.

Ha sido invitada a dar conferencias y exponer en mesas redondas en los congresos de

laEILD 2010 (Valparaíso, Chile), IESNA (México, 2008) Luxamérica (Montevideo,

Uruguay 2007), Philips Lighting Experience (Buenos Aires 2006), Mundo da Luz (Porto

Alegre, Brasil, 1999), Expolatina( Miami, USA. 1999), Biel Light and Building,

Universidad de Palermo, Universidad de Buenos Aires en Argentina. Ha dado

seminarios en México, Madrid, y en varias ciudades del interior del país (Rosario, Santa

Fe, Bariloche, Neuquén, Mendoza, Mar del Plata, entre otras).

En arquitectura ha realizado diseños de iluminación en templos, aeropuertos, casas,

shoppings (Abasto, Galerías Pacífico, Alto Rosario, Village Caballito), edificios de

oficinas (Torre Madero Harbour, Edificio Celebra, Banco Ciudad casa Matriz),

torres de vivienda (Torres Renoir, Torres le Parc en Puerto Madero), complejos

vacacionales (Greystone, Villa Brava), hoteles (Hilton Zárate, Iru, Iguazú, Alvear

Palace Hotel), y espacios recreacionales, tales como shows multimedia en Iguazú y

en ruinas de San Ignacio.

Trabaja en Argentina y en el exterior diseñando luces para teatro, ópera y danza.



64

En ópera ha realizado diseños de iluminación para el Teatro Colón de Buenos Aires (“El

Conde de Luxemburgo”, “Idomeneo”, Buenos Aires Lírica (“Don Giovanni”,

“L’incoronazionne di Poppea”, “Cenerentola”, “Rodelinda”), en producciones del

interior del país y salas del circuito de ópera experimental (Proba, CETC). También ha

realizado el diseño de iluminación de la ópera “María de Buenos Aires” en

Albuquerque, Estados Unidos de Ameéica

En teatro ha trabajado tanto en el circuito oficial como el off, en obras tales como “El

enemigo del pueblo”, “Guardavidas”, “Psicosis 4,48”, “Harina”, “Ars higiénica”, entre

otras, muchas de ellas premiadas y con giras en Europa, Latinoamérica y Estados

Unidos de América. Entre sus últimos trabajos teatrales podemos citar “El cordeo de

ojos azules”, “Filosofía de vida”, “Todos felices”, “Estado de ira”, “Buena Gente”,

“Rainman”, “Las criadas”, actualmente en cartel en Buenos Aires.

Ha trabajado con varias compañías de danza, entre ellas Nucleodanza y El Escote, con

las ha que realizado giras internacionales en Europa, Asia y América. Desde 1999

realiza diseños de iluminación para coreógrafos nacionales y extranjeros con el Ballet

Contemporáneo del Teatro San Martín de Buenos Aires. También ha realizado puestas

de luces para el Ballet Argentino, dirigido por Julio Bocca y para el Ballet del Teatro

Colón. Ha realizado además diseños de iluminación para varias compañías de danza en

el exterior (Royal Winnipeg Ballet, Cincinnatti Ballet, Singapore Ballet, Ballet de Lyon)

en obras del coreógrafo Mauricio Wainrot.

Ha sido galardonada con varios premios en iluminación de espectáculos: premio

Florencio Sánchez a la mejor escenografía año 2001 y mejor iluminación 2009, Premio

Teatro del Mundo en Iluminación2004 y 2006, Trinidad Guevara años 2006 y 2008,

ACE y María Guerrero año 2010. Recientemente le ha sido otorgado el premio Konex a

la trayectoria de la última década en el rubro iluminación.



65

Gumersindo SERRANO GÓMEZ PANELISTA

Es profesor e investigador del Instituto Universitario Nacional del Arte.

Ha ejercido la docencia de grado y posgrado en diversas disciplinas teóricas y

proyectuales: lógica, estadística, programación y diseño multimedial, informática

telemática y procesamiento de datos, producción multimedial, morfología, diseño

gráfico, teoría del diseño, semiótica de la comunicación visual, lenguaje visual,

imagen y metodología de la investigación en las Universidades Nacionales de Buenos

Aires, Lanús y Rosario entre otras.

Durante 20 años desarrolló su actividad profesional el área del diseño, la producción

gráfica, la consultoría tecnológica y la dirección de arte en los ámbitos público y

privado. En los últimos ocho años se ha dedicado a la gestión universitaria, siendo

miembro titular del consejo de la carrera en representación de profesores por dos

periodos, responsable del área de difusión, miembro de diversas comisiones,

codirector de proyectos de investigación y director de programas de extensión y

producción. Actualmente es representante por Profesores en el Consejo superior del

Instituto Universitario Nacional del Arte y Coordinador a cargo de la dirección de

extensión y bienestar estudiantil del Área transdepartamental de Artes multimediales.

En la actividad docente se desempeña en la misma institución como profesor titular de

Proyecto Visual I y III, donde se experimenta e investiga con el uso combinado de

técnicas analógicas y digitales para la generación de imágenes, transitando la

fotografía, el video, la animación y otras modalidades mixtas de producción visual.



66



67




68



69

EL COLOR EN ESMALTES CERÁMICOS MODIFICADOS.

Una herramienta sencilla de medición del color en un esmalte cerámico y

sus posibilidades.

PONENCIA EN PÓSTER

M. Florencia ACEBEDO, M. Florencia SERRA, Nicolás RENDTORFF

CETMIC Centro de Tecnología de Recursos Minerales y Cerámica. CIC-CONICET

(La Plata). Cátedra de Cerámica Complementaria. Facultad de Bella Artes. UNLP. [email protected]; [email protected]; [email protected]

El color es un elemento de composición fundamental en una obra artística. Por medio

del color podemos representar emociones, sentimientos y dar carácter a una obra.

Puede resaltar la forma, contradecirla, acentuarla, etc. El color de por sí implica una

simbología que dependerá tanto del colectivo social como del bagaje cultural de cada

individuo.

Cuando hablamos del color en la cerámica no solo nos referimos a una paleta de

colores; sino también al proceso físico químico del mismo. En la pintura, ya sea que

utilicemos oleos, acrílicos, acuarelas, etc. observamos mientras pintamos el resultado

final; se pueden generar luces, sombras, o reemplazar un color por otro

instantáneamente. Por otro lado, el esmalte cerámico es una composición de

compuestos inorgánicos, cristalinos o no, en polvo seco que se diluyen en agua para

su aplicación, sea a pincel, pulverizado, sumergido, etc. El resultado final se observa

luego de su transformación en el horno. Recién allí se visualiza el color; y sus

diversas propiedades, la textura, la superficie; mate, brillante, opaca, transparente,

cubriente, etc. Se descubre si su aplicación fue correcta, si no surgió ningún defecto

(grietas, chorreadas, cuarteaduras, etc.) debido a su aplicación o a la preparación del

bizcocho. (El esmalte debe aplicarse preferentemente en una pieza cerámica que

previamente fue horneada a temperaturas de 800 o 900ºC (bizcocho).

Por tanto, el resultado final de un esmalte cerámico deviene de un proceso que

atraviesa los ejes de la composición química, la técnica de aplicación, la atmosfera

(reductora u oxidante) y el tratamiento térmico.

El presente trabajo tiene como objetivo desarrollar una herramienta sencilla de

medición del color en el esmalte cerámico, para descomponerlo de manera cualitativa

y cuantitativamente y luego poder interpolar resultados.

Se estudiaron esmaltes cerámicos comerciales, que fueron modificados con óxidos

colorantes de cobre en distintas proporciones, y se hornearon en un rango de

temperatura de 800 a 1100°C.

El resultado visual fue una amplia paleta de tonos análogos realizados con una misma

base de esmalte; que nos permiten jugar con combinaciones, generando mezclas

propias con distintas cualidades que puedan ser utilizadas como recurso plástico de

una obra artística



70

Se elaboró una metodología de estudio sencilla para evaluar el color, descomponerlo,

constatar deducciones visuales de manera cualitativa y cuantitativa; e interpolar

resultados para poder reproducirlo, como así también compararlo con otros. Este

trabajo puede ser útil para la elaboración y estudio de materiales cerámicos, tanto a

nivel artístico, como industrial y semi-industrial.

María Florencia ACEBEDO

Nació en La Plata, en el año 1985. Egresó del Profesorado en Artes Plásticas con Orientación

en Cerámica (2003-2008) Actualmente se presenta cursando la licenciatura de la misma carrera en la Facultad de Bellas Artes (UNLP). Obtuvo una beca de entrenamiento (2011-a la fecha )

otorgada por La Comisión de Investigaciones Científica (CIC) obtenida por concurso. Se

desempeña como docente en área artística en escuelas de nivel primario y técnica de nivel secundario desde el año 2011 a la fecha .A cargo del taller personal “huma cerámica”(2007 a

la fecha) en el dictado de clases y creación de obra..Realizó producciones seriadas de cerámica

artística para la venta particular y semi-industrial. Participó de muestras individuales y colectivas en la ciudad de La Plata.

María Florencia SERRA

Lic. y Prof. en Artes Plásticas con Orientación en Cerámica. Ayudante diplomada ad-honorem

en la Cátedra de Taller Complementario Cerámica de la Facultad de Bellas Artes. Obtuve becas de entrenamiento (2010-2011) otorgada por La Comisión de Investigaciones Científica

(CIC) por concurso. Actualmente cursa el Doctorado en Arte Contemporáneo y

Latinoamericano (FBA) con beca de estudio otorgada por el mismo organismo. Desde el año 2009 participa como jurado en los torneos bonaerenses, en las disciplinas de dibujo, objeto

tridimensional, mural, pintura e historieta. Participe en congresos Relacionados al área de

Físico Química, modalidad póster. Realizó muestras individuales y colectivas en la ciudad de La Plata.

Nicolás RENDTORFF

Técnico Ceramista (Escuela de Cerámica de Berazategui) Lic. En Química y Doctor en Química

(UNLP). Investigador de la Comisión de Investigaciones Científicas de la Provincia de Buenos

Aires (CIC-PBA) con lugar de Trabajo en el Centro de Tecnología en Recursos Minerales y

Cerámica (CETMIC) M:B: Gonnet Provincia de Buenos Aires. Docente del Departamento de

Química de la Facultad de Ciencias exactas de la UNLP. Dicta cursos y seminarios de Tecnología cerámica en diversas escuelas y seminarios del País. Ha publicado más de cuarenta

contribuciones en congresos y jornadas Nacionales e internacionales del área de química y

ciencias de los materiales cerámicas así como más de 20 artículos en revistas científicas de las mismas disciplinas.

Ceramista Independiente, Obras suyas se encuentran en colecciones privadas del país y del

exterior, Museos estatales nacionales y Extranjeros, Chile, Japón y China. Ha realizado obras cerámicas de gran formato emplazadas en espacios públicos.



71

ILUMINACIÓN DE LAS OBRAS DE ARTE.

FUENTES DE LUZ. PONENCIA ORAL

Gabriel ÁLVAREZ

IUNA – DAVS P. Pueyrredón

alvarez19622hotmail.com

En mi experiencia pictórica y docente, durante más de 20 años, siempre estuvieron

presentes dos elementos esenciales que son: el color y la materia; (aparte de la

forma).

Estos elementos son tanto motivadores e interrogantes en mi producción artística

como también en mis balbuceos teóricos y prácticos.

La materia con su autonomía (forma-color), aporta no sólo un elemento significativo

por sí mismo, sino también una constante lucha por ser incorporada a la obra. Y el

color, considerado materia pigmentaria, su aplicación, incidencia e incorporación,

sólo o con otros materiales, también es un desafío constante tanto en mi labor

artística como docente.

En los últimos años a través de la experiencia docente, me di cuenta que era una

necesidad indagar más sobre el color y su relación con la luz. No alcanzaba sólo con

la lectura teórica y el trabajo en el taller.

Esta investigación originó muchos de los interrogantes, que algunos, van a

desarrollarse en este trabajo.

¿Por qué varia el color en una obra?

¿Acaso el color, aplicado como materia pigmentaria se ve influenciado en su

aplicación, por la incidencia de la luz en la superficie?

¿Cómo la iluminación puede aclarar, oscurecer o envejecer el color?

Si bien la estructura pictórica en cuanto tal, no puede ser descompuesta en partes, pero

en este trabajo, vamos a considerar aisladamente algunos elementos del lenguaje

visual.

Resulta extraño observar el considerable interés mostrado por el color y la

indiferencia hacia la luz que es quién lo revela.

Si entendemos al color como una sensación visual, simplemente como aquello que

vemos, entonces la luz cumple un factor importante en lo que a color se trate.

a) Modifica el tinte, porque se refleja en mayor o menor medida el color de la fuente

de luz.

b) Modifica el valor, porque se refleja mayor o menor cantidad de luz en una

dirección.

c) Modifica la saturación, porque hay mayor o menor difusión de la luz (la difusión

produce “blanqueamiento”, es decir desatura).

Hasta la percepción del espacio, en relación a profundidad varía con la luz:

Es decir, la sensación de profundidad disminuye con la difusión de la luz.



72

Una superficie brillante parece que tuviera mayor relieve que una superficie mate.

Gracias al avance en investigaciones científicas – tecnológicas y de fabricación, con

relación a fuentes de luces artificiales y naturales, hace posible hoy, disponer de una

iluminación apropiada para observar obras de arte.

Gabriel ÁLVAREZ Ciudad: CABA Mail: [email protected]

Maestro Nacional de Dibujo. Profesor Nacional en Pintura. Licenciado en Bellas Artes, Sección Pintura del Ministerio de Educación y Ciencias de Madrid, España.

Docente Adjunto (Ordinario) Oficio y Técnica de la Pintura (Cátedra Lic. G. Marotta) e

Investigador (cat. IV) del IUNA – DAVS

Premios y Distinciones

2011 2º Premio XXI Salón Nacional de Pintura Museo de Bellas Artes Fernán

Félix de Amador – Municipalidad de Luján - Pcia. Bs. As. Jurado: Luis

Cabada, Salvador Costanzo y Jorge Rivara

2010 1º Premio Adquisición - 1er. Salón Bicentenario de Pintura – Concordia, Entre Ríos - Museo de

Artes Visuales Concordia – Entre Ríos Jurado: E. Iommi, H. Musser y D. Zelaya

1º Premio Adquisición - XLI Salón de Artes Plásticas “Felix de Amador” Pintura Secretarias de

Cultura de la Municipalidad de Vte. López Pcia. Bs. As. Quinta Trabucco. Jurado: S. Costanzo,

M.A. Bengochea y C. Scannapiecco

2º Premio XXV Salón del Tango Ilustrado “Sigfredo Pastor” Pintura Secretarias de Cultura de la

Municipalidad de Vte. López Pcia. Bs. As. Quinta Trabucco

2008 Mención especial del Jurado Bienal Premio Federal Centro Federal de Inversiones - Bs.As.

Argentina Jurado: Daniel Santero, Pedro Roth

2006 Mención del Jurado- Pintura- Lº Salón Municipal M. Belgrano – Museo de artes Plásticas E. Sívori.

Bs. As. Argentina - Jurado: S. Costanzo, M. A. Bengochea, J. Tapia, A. Petrina y J. Racioppi

2000 2° Premio Pintura –VI Bienal de Arte - Salón Universidad de Morón – Morón - Prov. Bs. As.

Argentina - Jurado: M. Santa María, J. Sapollnik, M. Torrallardona

Mención del Jurado - XXXI Salón Anual de Artes Plásticas Félix Amador - Pintura -

Municipalidad de Vte. López- Dirección Gral. de Cultura y Educación- Quinta Trabucco. Pcia. de

Bs. As. Argentina

1993 1ª Mención Pintura - VI Salón Anual Nacional - Fundación Banco Caseros. Pcia. de Bs. As.

Argentina Jurado: M. Dávila, M. Juri, y O. Smoje.

1990 Mención Premio Braque - Pintura - Otorgada por la oficina cultural de la Embajada de Francia en

Argentina. Museo de Arte Moderno. Jurado: M. Briante (Director C. C. Recoleta.), J. Glusberg

(Presidente A.A.C.A), C. Gorriarena (Artista plástico), J. Pietra (Artista plástico), F. Lebenglik

(Crítico de Arte), M. Pacheco (Crítico de Arte), C. Montet (Agregado cultural Embajada de

Francia) y R. Santana (Director del M.A.M.) - Bs. As. Argentina.

Desde 1986 participa en muestras colectivas como la Universidad Católica de Chile, Santiago de

Chile Galería de Arte del Centro Extensión y en distintas Ferias de Artes como ArteBA,

Expotrastienda. Subastas, Concursos y Salones como el III Premio Maimeri Brasil –

Latinoamericano, Premios, Bienales y Eventos del quehacer artístico a nivel Nacional e

Internacional, como Gallery Nights, B´ nai B´rith Argentina y Arte/Polo.

INSTITUCIONES y COLECCIONES PRIVADAS QUE POSEEN OBRAS SUYAS

COLECCIÓN PRIVADA MICHEL TORINO - Cafayate - SALTA, Argentina

COLECCIÓN PRIVADA Empresa LUNCH TICKET - Bs.As., Argentina

COLECCIÓN PRIVADA Dr. M. LOSOVIS - Bs.As.,. Argentina

COLECCIÓN PRIVADA Ing. A. COFONE - Bs.As., Argentina

COLECCIÓN PRIVADA Sra. AMALIA. L. de FORTABAT - Bs.As., Argentina

COLECCIÓN PINACOTECA EMBAJADA DE LA REPÚBLICA DE COREA, - Bs.As., Argentina




73

EL VÍNCULO ENTRE EL ARTE Y LA INDUSTRIA A TRAVÉS DEL

LENGUAJE CROMÁTICO EN EL ARTE POP PONENCIA ORAL

Paulina BECERRA, Javier CASTILLO CABEZAS, Lucía MAILLO PUENTE y

Matías CASTELLÁ ESPLUGAS

Programa Color, Luz y Semiótica Visual FADU-UBA

[email protected]; [email protected]; [email protected];

[email protected]

Los sistemas de impresión en serie han producido a lo largo de la historia un cambio

considerable en los modos de representación de la imagen, y en especial en el uso del

color. Si bien, estos sistemas fueron desarrollados y evolucionaron a partir de la

necesidad de reproducción masiva de envases, publicaciones editoriales, anuncios

publicitarios, entre otros, también fueron utilizados por las artes plásticas en diversas

circunstancias.

Un ejemplo interesante es el movimiento del Arte Pop, que se caracterizó por el

empleo de imágenes de la cultura popular y la aplicación de técnicas de producción y

reproducción de la imagen tomadas de los medios de comunicación: especialmente el

sistema offset y la serigrafía como recurso para desarrollar sus obras. El objetivo de

esta corriente artística era plantear una crítica al elitismo de las Bellas Artes, y para

ello se valió de aquellos símbolos y herramientas asociados al consumo masivo,

descontextualizándolos al aislarlos y combinarlos con otras para resaltar el aspecto

banal o kitsch de los elementos culturales. Artistas como Andy Warhol, Roy

Lichtenstein, Robert Rauschenberg, exploraron en sus obras estos lenguajes

generando nuevas visualidades y nuevas significaciones para el color, apoyando al

mismo tiempo una mirada irónica de la sociedad de consumo.

Se pretende en este trabajo presentar y analizar las implicancias y consecuencias de la

integración a las prácticas artísticas de aquellos elementos asociados al uso del color

en este movimiento, poniendo especial atención en el hecho de que éstas partieron de

técnicas de reproducción industriales desarrolladas con fines comerciales.



74

Paulina BECERRA

Diseñadora Industrial. Docente en las carreras de grado de Diseño Industrial (UBA),

Ingeniería Textil (UTN), y el Postítulo en Diseño de Comunicación Visual (UNR).

También dicta cursos y seminarios en el postgrado en Diseño Biomecánico y

Mecatrónica Avanzada (UBA) y la Especialización en Diseño Estratégico e

Innovación (UPB, Colombia). Forma parte de los equipos de investigación del

PROCLUS y el CIDI (UBA), y la Subsecretaría de Transferencia de la UNQ,

participando de diversos proyectos desde el año 2000. Actualmente se encuentra

cursando la Maestría en Ciencia Tecnología y Sociedad de la UNQ.

Javier CASTILLO

Diseñador Industrial. Docente en la carrera de Diseño Industrial (UBA) desde 1999.

Integra el equipo de investigación del PROCLUS, en el que se desempeñó como

becario UBACyT entre 2006 y 2009. Cursó la Especialización en Diseño de

Mobiliario y actualmente se encuentra finalizando la Maestría en Política y Gestión

de la Ciencia y la Tecnología (UBA).

Lucía MAILLO PUENTE

Diseñadora Gráfica y estudiante de Artes Plásticas en la Facultad de Filosofía y

Letras. Docente en la carrera de Diseño Gráfico (UBA) de la asignatura

Comunicación II, Cátedra Ledesma. Como becaria estímulo entre 2008 y 2010,

desarrolló el trabajo: "Saberes, concepciones y valoraciones sobre color en

estudiantes de Diseño Gráfico. Estudio comparativo entre ingresantes y avanzados",

dirigido por Mabel López.

Matías CASTELLÁ ESPLUGAS

Estudiante avanzado de Diseño Gráfico. Docente en la carrera de grado de Diseño

Gráfico (UBA) desde 2007, integrante del equipo de investigación UBACyT que

dirige José Luis Caivano. Trabaja en diseño y producción gráfica de modo

independiente. Socio fundador y co-director del Instituto Cultural y Artístico de Villa

Ballester.



75

LA GIOCONDA, estudio de color.

PONENCIA ORAL

Omar BURGOS

Grupo Argentino del Color

[email protected]

Para conseguir un hermoso verde, toma ese verde y mézclalo con betún y haz las sombras más oscuras; mezcla entonces, para las más claras, verde y ocre,

y verde y amarillo si aún fueran más luminosas, y sírvete del amarillo puro

para las luces. Toma luego verde y cúrcuma y da por doquier una veladura. Para obtener un rojo bello, usa cinabrio, sanguina o un ocre quemado en las

sombras más oscuras; sanguina y minio en las más claras y solo minio en las

luces; da entonces una veladura de hermosa laca.

Así escribe Leonardo da Vinci una receta de mezclas de colores, presente hoy en el

folio 262ª del Códice Atlántico de la Biblioteca Ambrosiana de Milán y presente

también en el capítulo Los materiales del pintor, del Tratado de la Pintura de

Leonardo, en la versión compilada por J. P. Richter en 1939.

Este estudio presenta un análisis de color de La Gioconda tanto desde el punto de

vista de la composición y armonía de sus elementos plásticos, como desde la

definición material de los pigmentos utilizados por Leonardo en la obra.

Si bien el pintor no dejó constancia escrita de los pigmentos utilizados en La

Gioconda, los avances tecnológicos alcanzados en los últimos años con los análisis

por fluorescencia de rayos X y espectrofotometría Raman han logrado establecer la

base material de la mayoría de los pigmentos utilizados por Leonardo tanto en las

carnaciones, como en el paisaje y en el vestido.

Tomando como referencia estos estudios desarrollados en los últimos años por el

Centro de Investigación y Restauración de Museos de Francia, surge entonces como

objetivo del presente trabajo, la posibilidad de comparación de los mismos con

aquellos colores citados por Leonardo en sus escritos, así como también con los

colores citados por Cennino Cennini en el “Libro del arte”, en el cual establece la

nominación y naturaleza de la mayoría de los colores que eran de uso común en los

talleres del renacimiento y en el momento en que Leonardo pintaba el último retrato

salido de su mano.



76

Omar Ernesto BURGOS


Artista plástico.

Estudió con Roberto Páez, Aida Carballo, Aurelio Macchi y Stanley W. Hayter.

Investigador independiente en Historia y teoría del Arte. –

Presidente Grupo Argentino del Color.





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NUEVAS INVESTIGACIONES EN OYOLA, PROVINCIA DE

CATAMARCA.

VARIACIONES EN LOS PIGMENTOS BLANCOS DE LAS

PINTURAS RUPESTRES PREHISPÁNICAS. PONENCIA ORAL

Omar BURGOS1, Marcos QUESADA2,3, Lucas GHECO2,3, Oscar DECHIARA4 y

Carlos BAROT3

1Grupo Argentino del Color, 2CONICET, 3Escuela de Arqueología, UNCa, 4Fotógrafo

Profesional.

En la Sierra de Ancasti, al Este de la Provincia de Catamarca, se encuentran una serie

de cuevas, bloques rocosos y aleros con pictografías y petroglifos de culturas

precolombinas que han legado a la actualidad una profusa iconografía. Desde hace

varias décadas, diferentes grupos científicos se han encargado de su estudio.

Dentro del marco del proyecto de investigación “Jaguares, guerreros y serpientes.

Historia y estética del arte pre-hispánico de Ancasti - El Alto”, el presente trabajo

propone el relevamiento de las variaciones y transformaciones presentes en los

pigmentos tomados de diversas muestras de color blanco de distintos aleros y cuevas

con pinturas rupestres de la localidad de Oyola. Entre ellos hemos reconocido pinturas

de tonos blanco, blanco amarillento, blanco rosáceo, blanco parduzco, blanco

verduzco, blanco grisáceo. El objetivo de este trabajo es determinar las causantes de

las variaciones tonales en los motivos blancos y reconocer los efectos de la acción del

medio ambiente sobre los pigmentos para posibilitar la conservación de estas

manifestaciones pictóricas de los pobladores originarios del actual oriente

catamarqueño.



78

Omar Ernesto BURGOS


Artista plástico. Estudió con Roberto Páez, Aida Carballo, Aurelio Macchi y Stanley

W. Hayter. Investigador independiente en Historia y teoría del Arte. - Presidente

Grupo Argentino del Color. Integrante del Grupo Ancasti en el marco de Beca para

Proyectos Grupales del Fondo Nacional de las Artes 2009-2010-2012.

Lucas Ignacio GHECO

[email protected]

Licenciado en Arqueología de la Universidad Nacional de Catamarca. Integra

proyectos de investigación arqueológica en la Provincia de Catamarca. Desarrolla

sus trabajos de investigación sobre el arte rupestre de la Sierra de El Alto-Ancasti.

Ha participado en jornadas y congresos científicos sobre arte rupestre. Integrante del

Grupo Ancasti en el marco de Beca para Proyectos Grupales del Fondo Nacional de

las Artes 2009-2010-2012.

Oscar DECHIARA

[email protected]

www.oscardechiara.com.ar

Fue docente, Vicepresidente y Presidente del Foto Club Santa Fé.

Graduado en la escuela Leandro N. Alem, realizó trabajos como fotógrafo deportivo

free lance para revistas especializadas y diarios de esa ciudad, hasta 1982. En 1990

instala su propio estudio fotográfico. En 1995 ingresa al Foto Club Santa Fe,

realizando a partir de entonces y hasta hoy muestras individuales y colectivas en

distintos Centros Culturales y Museos. Obtiene premios nacionales e internacionales

por sus trabajos y ha dictado cursos en talleres de fotografía básica y laboratorio

blanco y negro de Institutos como Foto Club Santa Fe, Unidad Penitenciaria Nº 1 y

Nº 2, en Coronda y Santa Fe respectivamente.



Marcos Nicolás QUESADA. [email protected]

Es Licenciado en Arqueología (UNCa) y Doctor en Ciencias Naturales (UNLP).

Actualmente se desempeña como Profesor Adjunto en la cátedra de Arqueología

Argentina Regional en la Escuela de Arqueología de la Universidad Nacional de

Catamarca e Investigador del CONICET. Se interesa en el estudio de los procesos

históricos de formación de los paisajes campesinos durante los últimos dos milenios,

especialmente en los aspectos productivos y rituales. En relación a ese tema ha

publicado numerosos trabajos en libros, revistas y congresos nacionales y

extranjeros. Integrante del Grupo Ancasti en el marco de Beca para Proyectos

Grupales del Fondo Nacional de las Artes 2009-2010-2012.







79

ACERCA DE LAS IMÁGENES INFORMÁTICO-VISUALES

COLOREADAS EN LAS EXPRESIONES MULTIMEDIALES PONENCIA ORAL

Leonard ECHAGUE

Instituto de la Espacialidad Humana. FADU – UBA.

[email protected]

La ponencia propuesta apunta a considerar críticamente la construcción de las

expresiones multimediales con producción informático-visual, en tanto modalidades

de construcción de imágenes visuales coloreadas.

Haciendo notar que son de carácter digital, significando ello en este contexto que cada

elemento constructivo de estas imágenes es un pequeño segmento lumínico coloreado,

ubicado dentro de una malla o cuadrícula planar extendida dentro del monitor o

pantalla informático-visual, y denominado pixel.

Entre los antecedentes artísticos más antiguos de esta modalidad expresiva se

encuentran los mosaicos romanos y bizantinos, y más recientemente, el puntillismo

pictórico del S. XIX. En el trabajo se exponen brevemente estos antecedentes que dan

un contexto razonado a lo propuesto.

Ahora, tomando en cuenta lo anterior es de interés considerar al problema de la

calidad de la imagen en el campo de las artes multimediales y que en el trabajo

presentado refiere tanto a:

1- la representación digital de obras de arte plasmadas por medios pictóricos y

en tanto esas representaciones posean mayor o menor fidelidad respecto de sus

referentes en la realidad tangible, atinando ello tanto a - la resolución pixelar de las

imágenes-, como a la -profundidad de color- esto último quiere decir con cuántos

colores diferentes puede iluminarse cada pixel.

2- la creación digital de imágenes que establece un campo de producción virtual

de espacios y de objetos, siendo estos construidos tomando en cuenta la mencionada

conformación pixelar de las imágenes digitales.

Tomás Maldonado ha sido un autor que refirió al tema de la calidad de las imágenes

informáticas en su obra "Lo real y lo virtual" y se toma a este texto como una de la

principales referencias.

En el primer punto (1-) se discute críticamente la calidad de las imágenes como

fidelidad significativa de las representaciones respecto de las obras originales

tomando en cuenta los mencionados valores de resolución y profundidad de color, en

casos determinados como el del puntillismo y el del impresionismo.

En el segundo punto (2-) se discute el tema de las imágenes de síntesis digital

correspondientes tanto a imágenes de expresión plana ( por ejemplo en el pixel-art

entre otros), como a imágenes de vistas de espacios tridimensionales virtuales

construidas por medio de algoritmos que se basan en la trama pixelar para producir

impresiones de profundidad, asignándose a los pixeles de la pantalla colores



80

correspondientes a partes de los objetos virtuales incididas por los rayos de

proyección de la perspectiva utilizada.

Leonard ECHAGUE

-Licenciado en Psicología - UBA

-Doctor en Diseño Gráfico- FADU - UBA –

Directores de Tesis: Tomás Maldonado y Gastón Breyer

-Profesor Adjunto en Cátedra de Matemática II – FADU/UBA -1996 a 2005

-Profesor Adjunto en Cátedra de Morfología – FADU/UBA -1997 a 1999

-Profesor Adjunto en Instituto de la Espacialidad Humana – FADU/UBA -2004 a

2012

-Profesor Adjunto en Cátedra de Introd. Arquit. Contemp. – FADU/UBA -2009 a

2012

-Investigador Categoría II en el Programa de Incentivos del MCE.

-Integrante de Proyecto UBA-CYT A009 - 2008-2010 - Nuevos aportes a los

estudios interdisciplinarios sobre color en relación a la arquitectura y los diseños: el

color en prácticas del habitar , dirigido por José Luis Caivano

-Integrante de Proyecto UBA-CYT 100283 - 2011-2014 - El color y la luz en los

espacios urbanos, los diseños y el contexto de prácticas sociales y semióticas

humanas, dirigido por José Luis Caivano

-Director de Proyecto UBA-CYT AA26 - 2000.

-Director de Proyecto UBA-CYT A614 - 2003.

-Director de Proyecto UBA-CYT A006 - 2004 a 2008.

-Director de Proyecto UBA-CYT 200694 - 2010 a 2012.

PRODUCCIÓN PRESENTADA DE INVESTIGACIÓN –

32 Publicaciones con referato e ISBN/ISSN.

17 Presentaciones en reuniones científicas sin publicar.

PRODUCCIÓN PRESENTADA DE DOCENCIA –

6 Publicaciones con referato.

2 Publicaciones sin referato.

2 Presentaciones a congresos y otros eventos.

4 producciones de material didáctico sistematizado.



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SIMBOLOGÍA DEL COLOR EN EL CINE

PONENCIA ORAL

Anahí GARCÍA

El color tiene una inmensa afinidad con las emociones, los Egipcios usaban el color

con fines curativos. Los Griegos de la Antigüedad hicieron del color una ciencia. El

color es una ciencia pero también una filosofía profunda, ambos aspectos deben de ir

de la mano. Isaac Newton fue otro pionero del color y trabajó mucho tiempo antes de

descubrir que mirando a través de un prisma, podían verse siete colores. "El lenguaje de los colores" significa que éstos no sólo se supeditan a representar la

realidad en imagen, sino que también pueden hablar. En la ponencia trataremos de establecer que cada color es un signo que posee su

propio significado, y es un importante componente dentro de la puesta en escena; a

través de ellos podemos conocer más en profundidad la historia, personalidad y futuro

de los personajes, muchas veces los decorados, el vestuario y utilería contienen una

gama de colores que luego varía según el desarrollo de la narración. (...)

El color nos ofrece un enorme vocabulario de gran utilidad en el alfabeto visual.

Ciertos colores tienen un valor simbólico. (...)

Analizando la película Moulin Rouge de Baz Luhrmann, trataremos de establecer la

manera en que tanto directores, escenógrafos y vestuaristas, utilizan las posibilidades

simbólicas del color, para otorgarle a los actores en su caracterización, una

codificación propia al rol, las características psicológicas y demás componentes del

personaje. Se tomaran escenas claves de la película para ejemplificar lo enunciado

anteriormente.



82



83

COLOR Y CESÍA, ENTRE PRESENCIA Y APARIENCIA EN EL

CONTEXTO DE LA ENSEÑANZA DEL ARTE. PONENCIA ORAL

María Paula GIGLIO

Grupo de Estudios sobre Acciones Proyectuales, CIPADI, Secretaría de

Investigaciones. Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño de la Universidad

Nacional de Mar del Plata.

[email protected]

Para comprender la relevancia de la formación de la apariencia del color y la cesía, se

propone explorar la relación entre presencia y apariencia, a través de ejemplos de arte

y diseño, y de experiencias didácticas en contexto de la enseñanza del arte.

Tanto el color como la cesía, son fenómenos psicofísicos que involucran la

distribución espectral de la luz (color) y la distribución espacial de la luz (cesía). En

ambos intervienen tres elementos: objeto, luz y observador.

En esta presentación, se pretende potenciar la articulación de esos tres elementos y el

carácter mixto del fenómeno (físico y psicológico), en las distintas formas de hacer

artístico; a su vez, distinguir entre lo cualitativo y lo cuantitativo, entre lo dimensional

y lo extensional, en la relación presencia - apariencia.

Se profundizará en el análisis del tema desde distintas perspectivas, como la

fenomenología y la semiótica, teniendo como objetivo: favorecer el desarrollo de las

posibilidades expresivas y comunicacionales de la articulación del color y la cesía en

la práctica proyectual del arte.

Este avance de estudio se presenta en el marco del proyecto de investigación

“Apariencia de la luz, el color y la cesía en el contexto de las prácticas proyectuales

en arte, diseño y medio ambiente construido”, Grupo de Estudios sobre Acciones

Proyectuales (FAUD/UNMDP).



84

María Paula GIGLIO

Mar del Plata

Grupo de Estudios sobre Acciones Proyectuales, CIPADI, Secretaría de

Investigaciones. Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño de la Universidad

Nacional de Mar del Plata.

[email protected]


- Licenciada en Artes, orientado a la enseñanza de las Artes (especialidad Artes


- Alumna de la Maestría en Educación Artística en la Facultad de Humanidades y

Artes de la Universidad Nacional de Rosario.

- Docente, investigadora y artista plástica

- Profesora Adjunta en la carrera de Diseño Industrial de la Facultad de

Arquitectura, Urbanismo y Diseño de la Universidad Nacional de Mar del Plata.

- Co- Directora del Grupo de Estudios sobre Acciones Proyectuales, GEAP-

FAUD/UNMDP

- Directora del Grupo de Extensión desde el Arte, GEA-FAUD/UNMDP

- Integrante de Comités Científicos y Comités Organizadores en eventos vinculados

con el color y la forma.

- Ha participado en eventos académicos.

- Ha presentado ponencias sobre color y cesía en los Congresos Argencolor 2006 y

2008, en las Jornadas Nacionales del Color 2005, 2007 y 2011 en Mar del Plata, en

la Jornada Nacional del Color en las Artes 2009 y 2011, y en el Congreso Interino de

la Asociación Internacional del Color 2010

- Desde el 2008 integra la Comisión Directiva del GAC y en la actualidad ejerce la

Secretaría del GAC.



85

NOTAS PARA UNA HISTORIA DEL COLOR EN EL CINE. PONENCIA ORAL

Enrique Alberto OYHANDY


[email protected]

La falta de color en 1933 constituye uno de los argumentos que señala Arnheim para

distanciar el cine de la realidad y postular el estatuto artístico de este medio.

Desde la ausencia de color en ese momento inicial, pasando por el entintado manual

de fotogramas hasta las técnicas actuales, el color constituye un elemento relevante en

la historia del cine, que más allá de la dimensión visual -usos, combinación y

exclusiones que devienen en estilo- pone en juego cuestiones tales como la impresión

de realidad.

En el presente trabajo nos proponemos analizar la relación que se establece entre el

cine y el color atendiendo a las distintas funciones y significaciones que asume este

último en las imágenes en movimiento.



86

Enrique Alberto OYHANDY

La Plata, Buenos Aires, [email protected]

Enrique Oyhandy es Licenciado en Investigación y Planificación Audiovisual

diplomado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Es

Profesor Titular de la cátedra de Géneros y Estilos Audiovisuales de la Carrera de

Artes Audiovisuales en la misma casa de estudios. Sus trabajos audiovisuales han

participado en diversos festivales. En el 2005 obtiene una beca en el Concurso de

Investigación y Producción organizado por la Facultad de Bellas Artes Universidad

Nacional La Plata. En el 2007 es seleccionado en el Tercer Encuentro Internacional

de Producción Artística en Formato Digital. En el 2008 fue seleccionado para

participar del Talent Campus Buenos Aires 2008, organizado por el Festival de

Berlín - Berlinale Talent Campus y el Buenos Aires Festival Internacional de Cine

Independiente (BAFICI).



87

ESCALAS DE CHEQUEO DE COLOR PARA USO DIDÁCTICO Y

ARTÍSTICO. PONENCIA ORAL

Ana María PAUS y María Beatriz WAGNER.

Facultad de Bellas Artes de la UNLP


Se relata la producción por medios digitales de material didáctico para la enseñanza

artística del color, en esta oportunidad, escalas de valor e intensidad, en tanto

referentes visuales en el aula taller de plástica. Cuando son realizadas por los

alumnos, queda sustituida la construcción tradicional en modo manual, por la del

ordenador, sumando elementos para las comparaciones acerca de cómo se arman y

resultan los colores del monitor, de impresión y pigmentarios.

La obtención del color por medios digitales requiere del uso de un sistema que

asegure que el color deseado, se visualice tanto en el monitor como en la impresión.

Para ello existen herramientas de medición del color y protocolos de calibración de

los dispositivos de entrada y salida, que permiten la reproducción fiel del color que se

intenta obtener. Como son de muy alto costo, y por lo tanto de difícil acceso para un

estudiante, es que este trabajo se centró en la búsqueda de un sistema accesible, con

herramientas y materiales de fácil disponibilidad y también que aseguren un cierto

grado de fidelidad del color impreso por impresoras de uso cotidiano. Este plan de

trabajo permite a cualquier docente y estudiante, obtener un patrón de referencia de

color de manera rápida y sencilla por el cual explorar el abanico de posibilidades de

mezclas del color.

Estas escalas para exploración y chequeo de color, tienen un valor orientativo para

selección y mezcla de colores pigmentarios, ya que se ha de tener presente que tanto

las visualizadas en el monitor como las impresas resultan diferentes a las realizadas

con pinturas. En el mismo proceso de armado de las escalas y luego con su uso en el

taller, los alumnos pueden ir descubriendo los fundamentos distintivos del manejo y

resultados del color luz y del color pigmento, de las mezclas aditivas y sustractivas,

observando y analizando los distanciamientos y aproximaciones de la expresión de

los distintos medios en los marcos conceptuales de la teoría del color.




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Ana María PAUS

[email protected]

Diseñadora en Comunicación Visual.

Ayudante Diplomada de la Cátedra Taller de Diseño en Comunicación Visual

1ª.Facultad de Bellas Artes de la U.N.L.P.

Docente Investigadora del Programa de Incentivos. Integrante de la investigación

Teoría del color y práctica pictórica. Facultad de Bellas Artes de la U.N.L.P.


[email protected]

Licenciada y Profesora Superior de Pintura.

Profesora Titular de la Cátedra Dibujo Complementario 1 Turno Noche y del

Seminario El color en las artes visuales, Facultad de Bellas Artes de la U.N.L.P.-

Docente Investigadora del Programa de Incentivos. Directora de la investigación

Teoría del color y práctica pictórica. Facultad de Bellas Artes de la U.N.L.P.



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LOS CAMBIOS EXPERIMENTADOS EN EL TRANSPORTE

URBANO DE PASAJEROS DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES EN

RELACIÓN CON EL COLOR. PONENCIA ORAL

Elvia ROSOLIA

FADU, UBA

[email protected]

La ponencia se refiere a los cambios, que han sufrido las líneas de transporte urbano

de pasajeros de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, en su exterioridad. Se abordan

sus aspectos visibles en cuanto al color, y la presencia de elementos ornamentales,

artísticos típicos de los vehículos de pasajeros y de carga, como el “fileteado,” que

fueron perdiendo su visibilidad a lo largo del tiempo. La temática es abordada desde

una perspectiva semiótica, en la cual los signos circulan en el marco de una cultura

A partir de la década del 90, en la Ciudad de Buenos Aires, comienzan a producirse

transformaciones en la fachada de los colectivos, como producto de la globalización,

al suscitarse una marcada concentración de empresas del rubro; pocos grupos

empresarios se adueñaron de la mayoría de las líneas de colectivos. Esta política de

concentración provocó cambios que repercutieron no solo en el nivel empresarial,

sino también en el objeto. Se sostiene la hipótesis de que el cambio considerable en el

exterior de los colectivos obedece a una transformación que va del aspecto indicial

que vinculaba su tonalidad con el recorrido, determinado tono correspondía a una

línea que tenía un itinerario establecido, de modo tal que el usuario podía reconocer la

línea por el número y el color, a la cuestión indicial por la cual el color dejó de ser

índice del recorrido para convertirse en índice del grupo empresario al cual pertenece:

varias líneas presentan colores idénticos. Se sostiene que el diseño del “objeto” fue

avanzando en cuanto a para hacerlo más amigable con los usuarios, en relación

inversa con el de la fachada.

Se hará un estudio diacrónico de casos de líneas de colectivos que circulan por la

Ciudad, relevante para demostrar la hipótesis.



90

Elvia ROSOLIA

Elvia Rosolia, es Profesora de Letras, egresada de la Facultad de Filosofía y Letras,

UBA,; actualmente se desempeña como JTP regular en las Cátedra de Comunicación,

Ledesma, Carrera de Diseño Gráfico, e interina en Semiología, Cátedra Arnoux,

CBC, UBA. Es investigadora categorizada, integra en dos proyectos de investigación

UBAcyt.; ha participado en congresos nacionales e internacionales.

[email protected]



91

ARMONÍA TÉRMICA ABSOLUTA DEL COLOR PONENCIA ORAL

Manuel RUBÍN

Rubín Atelier

[email protected]

Se realiza un análisis comparativo de las sensaciones térmicas percibidas en los

colores pigmentarios. Se construye un círculo cromático donde cada componente de

las tríadas primaria y secundaria tiene tres versiones térmicas: armónica, cálida y fría.

Los colores utilizan material accesible del mercado, salvo cuatro casos que se

obtienen de la mezcla de los anteriores. Abajo se presentan los dieciocho colores del

círculo cromático descripto, ordenados por la secuencia horaria.

Amarillos: (1) Amarillo Dorado (cálido), (2) Amarillo de Cadmio (armónico) y (3)

Amarillo de Cadmio Claro (frío). Verdes: (4) Verde Cromo (cálido), (5) Verde de

Cadmio (armónico) y (6) Verde de Ftalocianina (frío). Azules: (7) Azul de

Ftalocianina (frío), (8) Azul Cobalto (armónico) y (9) Azul Ultramar (cálido).

Violetas: (10) Violeta Frío (frío), mezcla de azul de ftalocianina y magenta, (11)

Violeta de Dioxazina (armónico) y (12) Violeta Cálido (cálido), mezcla de azul

ultramar con carmín. Rojos: (13) Carmín (frío), (14) Magenta de Quinacridona

(armónico) y (15) Rojo de Cadmio (cálido). Naranjas: (16) Naranja Cálido (cálido),

mezcla de rojo de cadmio con amarillo dorado, (17) Naranja Permanente (armónico) y

(18) Naranja Frío (frío), mezcla de magenta de quinacridona con amarillo de cadmio

claro.

Los colores armónicos del amarillo y violeta definen un eje vertical que separa al

hemisferio cálido (izquierda) del frío (derecha). El eje horizontal atraviesa la zona

rojo naranja, de máxima calidez, y la zona verde azul, de máximo frío. En esta

organización de colores se observó que el Amarillo de Cadmio y el Violeta de

Dioxazina modifican su sensación térmica cuando se los compara con los colores

restantes del círculo. Se enfrían cuando se superponen a los colores cálidos: Amarillo

Dorado, Violeta Cálido, los naranjas y los rojos, es decir, son más fríos en relación

con su temperatura cuando están aislados. Encalidecen cuando se superponen a los

colores fríos: Amarillo de Cadmio Claro, Violeta Frío, los azules y los verdes, es

decir, son más cálidos respecto a su percepción cuando están aislados.

Como resultado se observa que el Amarillo de Cadmio y el Violeta de Dioxazina

representan al cero térmico absoluto del color y constituyen una referencia sensorial

para todos los colores existentes. Este estudio aporta una definición significativa para

las futuras líneas de investigación del color, ya que permite el diseño de distintas



92

métricas para la temperatura absoluta de los colores, donde los cálidos tendrían

valores positivos y los fríos valores negativos.

Manuel RUBÍN

Rubín Atelier

[email protected]


Profesor y Licenciado en Artes Plásticas, Orientación Pintura, Facultad de

Bellas Artes, UNLP, Argentina. Recibió la distinción “Joaquín V. González”,

otorgada por la Municipalidad de La Plata a los mejores promedios de los egresados

de la Universidad Nacional de La Plata, y su tesis fue declarada “de interés cultural”

por la misma entidad.

Investigador de la temperatura del color pigmento en las artes visuales.

Autor de la Teoría de la Oposición Cromática.

Docente y codirector de trabajos finales en la Licenciatura de Artes

Plásticas, Orientación Pintura, Facultad de Bellas Artes, UNLP, y en la Licenciatura

en Artes Visuales, Orientación en Dibujo, del Instituto Universitario Nacional del

Arte (IUNA). Dicta clases en su taller particular Rubín Atelier, de la ciudad de La

Plata. Autor del Ciclo de Orientación Estética.

Jurado y curador de numerosos concursos y muestras individuales y

colectivas en la Argentina.

Expuso en más de 160 muestras individuales y colectivas, en Argentina,

España, Italia e Israel. Obtuvo premios en Argentina y España. Su obra forma parte

del patrimonio del MACLA (Museo de Arte Contemporáneo Latino Americano).

Artista de las galerías Isabel Anchorena, Holz, Aldo de Souza y Centoira.




93

EL COLOR EN LA EVOLUCIÓN TÉRMICA DE UNA PASTA

CERÁMICA NATURAL. PONENCIA EN PÓSTER

M. Florencia SERRA; M. Florencia ACEBEDO; Nicolás RENDTORFF.

CETMIC Centro de Tecnología de recursos Minerales y Cerámica.

Cátedra taller complementario de cerámica FBA- UNLP. [email protected]; humacerá[email protected]; [email protected]

La cerámica es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre. Desde su

manejo fue usado con fines utilitarios, tanto para cultos como para la fabricación de

vasijas, haciendo referencia a su lugar de origen, puesto que cada pasta cerámica varía

su composición de acuerdo a la geografía, influyendo directamente en su color,

aspecto del cual se aprovecha el campo artístico contemporáneo; puesto que la

elección del proceso cerámico puede definir el carácter en si de una obra; utilizándose

como medio o vehículo expresivo. Los colores que se obtiene de la relación entre las

pastas, y su temperatura son propios de la disciplina cerámica.

El horneado es indispensable para concretar el proceso cerámico, pues ocasiona el

cambio estructural del material crudo, débil a otro rígido e inalterable; con

determinadas propiedades texturales, mecánicas y de color. El análisis de la

sinterización, nos brindará información acerca de los cambios químicos y físicos que

sufre una arcilla por la influencia del calor.

El presente trabajo tiene como principal objetivo desarrollar una herramienta

pertinente al estudio del color en función de la temperatura en una pasta cerámica

aplicable en el medio artístico como recurso plástico, dotando de sentido procesual al

color en una obra cerámica.

Se estudió el color de una pasta local con alto contenido de hierro, de las orillas del

río de la plata (la balandra) en función de su temperatura, la cual fue extraída

manualmente y sin algún proceso previo.

Se analizaron las propiedades texturales, mecánicas y estructurales en un rango de

temperatura de 800 a 1150ºC. determinándose el proceso de sinterización de la pasta,

correlacionándolo posteriormente con el color

La evolución del color en función de la temperatura jerarquiza el proceso de cocción

en la construcción de sentido. Esta metodología nos permite obtener diversas

tonalidades análogas a una pasta con diferentes temperaturas. Permitiendo tomar al

color como parámetro que permita manifestar los cambios sufridos en su interior, es

decir la materialización de un proceso, valiéndolo no solo como medio de decoración

y/o expresión, sino además como testigo y huella de sus cambios, revalorando así, la

importancia del concepto procesual en la obra de arte.

Se logro conformar una metodología de estudio del color de manera sencilla que

sirvió para constatar resultados visuales que nos permiten reproducirlos y compararlos

con otros.



94

Cabe destacar el nuevo valor que toma el color en un material cerámico

comportándose como testigo de un proceso físico-químico ubicando la medición del

color como un parámetro de control del proceso cerámico y testimonio explicito luego

de haber realizado este trabajo.

María Florencia SERRA

Lic. y Prof. en Artes Plásticas con Orientacion en Cerámica. Ayudante diplomada ad-honorem

en laCátedra de Taller Complementario Cerámica de la Facultad de Bellas Artes Obtuve becas

de entrenamiento (2010-2011) otorgada por La Comisión de Investigaciones Científica (CIC)

por concurso. Actualmente cursa el Doctorado en Arte Contemporáneo y Latinoamericano (FBA) con beca de estudio otorgada por el mismo organismo. Desde el año 2009 participa como

jurado en los torneos bonaerenses, en las disciplinas de dibujo, objeto tridimensional, mural,

pintura e historieta. Participe en congresos Relacionados al area de Físico Química, modalidad poster. Realizó muestras individuales y colectivas en la ciudad de La Plata.

María Florencia ACEBEDO

Nació en La Plata, en el año 1985. Egresó del Profesorado en Artes Plásticas con Orientación en Cerámica (2003-2008) Actualmente se presenta cursando la licenciatura de la misma carrera

en la Facultad de Bellas Artes (UNLP). Obtuvo una beca de entrenamiento (2011-a la fecha ) otorgada por La Comisión de Investigaciones Científica (CIC) obtenida por concurso. Se

desempeña como docente en área artística en escuelas de nivel primario y técnica de nivel

secundario desde el año 2011 a la fecha .A cargo del taller personal “huma cerámica” (2007 a la fecha) en el dictado de clases y creación de obra. Realizó producciones seriadas de cerámica

artística para la venta particular y semi-industrial. Participó de muestras individuales y

colectivas en la ciudad de La Plata.

Nicolás RENDTORFF

Técnico Ceramista (Escuela de Cerámica de Berazategui) Lic. En Química y Doctor en Química

(UNLP). Investigador de la Comisión de Investigaciones Científicas de la Provincia de Buenos Aires (CIC-PBA) con lugar de Trabajo en el Centro de Tecnología en Recursos Minerales y

Cerámica (CETMIC) M:B: Gonnet Provincia de Buenos Aires. Docente del Departamento de

Química de la Facultad de Ciencias exactas de la UNLP. Dicta cursos y seminarios de Tecnología cerámica en diversas escuelas y seminarios del País. Ha publicado más de cuarenta

contribuciones en congresos y jornadas Nacionales e internacionales del área de química y

ciencias de los materiales cerámicas así como más de 20 artículos en revistas científicas de las mismas disciplinas.

Ceramista Independiente, Obras suyas se encuentran en colecciones privadas del país y del

exterior, Museos estatales nacionales y Extranjeros, Chile, Japón y China. Ha realizado obras cerámicas de gran formato emplazadas en espacios públicos.



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IRIS SCACCHERI Y EL COLOR

PONENCIA ORAL

Alejandra VIGNOLO

UBA – IUNA

[email protected]

En el nexo frágil que une las relaciones entre la danza y el color se encuentra el

análisis del vestuario y la escenografía como elementos, que por lo general, están

presentes en la obra de danza. El color es un extranjero en la danza que no forma parte

de los conceptos principales de análisis de este arte como lo son el cuerpo, el espacio,

el tiempo, el movimiento y la forma. El objetivo central de esta ponencia es exponer

el modo en que la bailarina Iris Scaccheri cuestiona los lugares legitimados y

consagrados del arte de la danza, desde el momento en que el color aparece ocupando

un lugar fundamental en la caracterización y naturaleza de la misma. En el transcurso

del trabajo nos proponemos desarrollar el rasgo distintivo del color que aparece en

tres niveles diferentes. El primero impreso en la figura corporal de Iris, su cabellera

rojiza y las añadiduras de color que en algunas ocasiones le imprimía a su vestimenta

escénica. El segundo en la visión que de la bailarina tiene la fotógrafa Sara Facio,

quien en su serie fotográfica Las Hechiceras, colorea tres de sus fotos blanco y negro

como una forma de plasmar el indicio de una vocación de instantaneidad, movimiento

y vida. En este aspecto será interesante analizar la coincidencia de los colores, verde,

rojo y amarillo que aparece en la elección de Facio y en el texto fundacional de

Scaccheri Oye Humanidad. Y, por último, el tercer nivel donde aparece el color del

que se sigue su concepción de la danza. Una de las frase centrales de Scaccheri que

analizaremos en profundidad es: “La danza tiene no sólo forma, la danza tiene color”

Para ello tomaremos los aportes de Arnheim que plantean que la preeminencia del

color remite a un “otro” arte romántico. Creemos que llevar esta discusión al territorio

de la danza y en el caso específico de Scaccheri, es sumamente justificable, ya que la

misma, siguiendo la genealogía de una danza de individuo (Isadora, Nijinsky,

Pavlova) plantea una matriz de pensamiento diferente al del intelectualista del ballet.

En función de los resultados, esperamos que los aportes del presente estudio se abran

en el sentido de una posible y necesaria hospitalidad entre danza y color, y que

puedan ser leídos desde una doble direccionalidad, como un aporte a los estudios

sobre el color, así como un aparte a de los estudios sobre danza.



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Alejandra VIGNOLO

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

[email protected]

Docente de materias diversas en Teoría e Historia de la danza en Instituciones tales

como UBA, IUNA y el Taller de Danza Contemporánea del TGSM. Profesora de

filosofía (Universidad Nacional de Córdoba), egresada del Taller de Danza

Contemporánea del TGSM y bailarina del Ballet Juvenil en el mismo Teatro durante

1997. Actualmente se encuentra realizando el Doctorado en Letras en la Facultad de

Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires.



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98

Los resúmenes que siguen a continuación, fueron publicados

anteriormente en el siguiente libro en papel:

Jornada Nacional del Color en las Artes 2011 : cuadernos de resúmenes /

edición literaria a cargo de María Paula Giglio ; con prólogo de Omar

Burgos. - 1a ed. - Mar del Plata: Universidad Nacional de Mar del Plata,

2011.

52 p. ; 21x18 cm.

ISBN 978-987-544-394-5



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PROGRAMA / 2011 JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2011

Viernes 17 de junio 2011.

Microcine FADU – UBA. Ciudad Universitaria. Pab. 3 Piso 4º

APERTURA

09:00 hs

BURGOS, Omar. Presidente Grupo Argentino del Color

Presentación GAC. Breve reseña AIC 2010. Futuros eventos, jornadas y

congresos.

MESA 1 09:30 hs

09:30 hs MAINERO, Norma. “Color y vibraciones

electromagnéticas de octavas”.

09:55 hs CABRERA SÁNCHEZ, Sara. “Color en el video arte de

Bill Viola”

10:20 hs SERRA, Marianella. “Color como forma en el desarrollo

evolutivo”

10:45 hs MANGANIELLO, Cristina. “El color en la pintura,

tratamientos, efectos y estilos”

INTERVALO

MESA 2

11:00 hs

11:00 hs NISS, María del Carmen “El problema del color en las

escuelas de artes.”

11:25 hs BARRIOS, Silvia. “Serigrafía en las artes del fuego”

Monocromo-Fotocromo.

11:50 hs BARRIOS, Silvia. - KYONG WOO, Im “Esmaltes

orientales de ceniza.”

12: 15 hs TOMBA, Brian. Artemio Alisio:”El color en sus trabajos

artísticos de cerámica”.

ALMUERZO



100

SESIÓN DE POSTERS 14:00 hs

ANTONIOLI, Gloria. “El color en la mirada del artista E. Arrigoni.”

BRAVO, María E. “Los colores pueden ser complementarios si entre ellos

vibran”

DE LEÓN, Marcela. “Aprendizaje del color y sus funciones en el aula.”

MADERO, Eliana – MAILLO PUENTE, Lucía. “Un primer acercamiento

a la problemática del color.”

MESA 3

14:30 hs

14:30 hs COX, María Paz. “El color en textiles precolombinos

del norte de Chile”

14:55 hs OBERLANDER, Gabriela. “El color luz en el diseño de

tejidos”

15:20 hs GIGLIO, María Paula “Cesía en el graffiti. Líneas de

estudio”

15:45 hs BURGOS, Omar ; DECHIARA, Oscar; GHECO, Lucas;

YBARRA, Gabriel; POLISZUK, Andrea; QUESADA,

Marcos. “Jaguares, guerreros y serpientes. Pinturas

rupestres del Alto Ancasti. Prov. de Catamarca”

INTERVALO

MESA 4

16:00 hs

16:00 hs GRAMÓN, Rubén. “Elección de colores.”

16:25 hs WAGNER, María. “Identificación de niveles y oposición

de valor”

16:50 hs JOFRÉ, Varinnia. “Semiótica y retórica del color y la

cesía de seres fantásticos en el arte”

17:15 hs ESTEVEZ, Silvia. “Azul – lejos”



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El COLOR EN LA MIRADA DEL ARTISTA ENRIQUE ARRIGONI.

De la iconicidad a la exaltación.

Gloria L. ANTONIOLI


[email protected]

(Póster)

Enrique Arrigoni, pintor argentino de larga trayectoria, ha transitado el color desde

sus comienzos, vinculándolo al hombre cotidiano, su entorno y su época.

La exaltación del color es el medio insustituible para subrayar en la obra su idea

constructiva del trabajo, nuestra tierra latinoamericana y sus habitantes.

Luego de un período de colores tierras, su paleta, siempre preferentemente cálida

se hace más atrevida y vibrante saturándose más allá de la realidad de sus paisajes.

En el trabajo presentado se aprecia la variación progresiva de los colores y

armonías utilizadas por el pintor desde sus comienzos hasta la actualidad.

Los colores responden a un ideal profundo, vinculado a la alegría inmanente de la

vida. La cromaticidad se expande tanto como su mirada, que abarca de norte a sur, no

sólo a la Argentina sino que incorpora la vitalidad del Perú, Venezuela, Bolivia, etc.

Si nos detenemos en este aspecto, podemos observar los siguientes estadios:

1. La paleta se ciñe a la observación del paisaje. El color acentúa su carácter

icónico.

2. La paleta se abre sutilmente como necesidad compositiva, más allá de lo

que ofrece la realidad.

3. Incremento de la saturación. El color acentúa su aspecto connotativo.

4. Expansión cromática. Dominante de cálidos.

5. El color saturado se extiende a casi todo el campo plástico.

6. Exaltación del color. Contraste de complementarios.

7. El color adquiere un fuerte poder de atracción y protagonismo.

Podemos concluir, que el color en Arrigoni, transita desde los neutros hacia los

altamente saturados, acompañando una necesidad de expresión.

Este camino no puede comprenderse solamente desde el punto de vista sintáctico:

Su paleta intensa, fuertemente atractiva, es además, un medio para enaltecer la virtud

del hombre y la belleza de los paisajes. Sus colores incorporan la esperanza y

sostienen lo positivo más allá de la “narración” de las formas.

Dentro del arte contemporáneo, descubrir las raíces y señales de todo un pueblo se

hace fácil en los paisajes y escenas que habitan la obra de Enrique Arrigoni. Una

lectura atenta de esta obra y en forma particular su color, nos aporta una mayor

claridad acerca de nosotros mismos, en relación a otras culturas y nos aproxima

fuertemente a los países vecinos.




104

Gloria L. ANTONIOLI


[email protected]

Dirección: 54- 1027. La Plata, 1900

Profesora Superior y Licenciada en Pintura, UNLP. Realizó cursos de Filosofía,

Historia del Arte, Estética y Escultura. Es docente desde 1980 en la Fac. Bellas Artes

de La Plata.

Miembro del Grupo Argentino del Color. Investigadora del Color y la Textura en las

artes.

Expone sus obras hace más de 20 años, en salones Nacionales, Provinciales,

Municipales y Galerías privadas del país así como en el Uruguay; Italia; España y

Francia recibiendo premios y menciones en 7 oportunidades. Becada por la

Asociación Saint Henri de Toulouse, Francia, es integrante de un Encuentro

Internacional de Artistas en dicho país. En el año 1996 comienzan sus exposiciones

individuales.




105

SERIGRAFÍA EN LAS ARTES DEL FUEGO, COLOR Y TÉCNICAS

APLICADAS.

FOTOCROMO Y MONOCROMO EN UN TRABAJO ARTÍSTICO.

TÉCNICA TRADICIONAL.

Silvia BARRIOS

Grupo Argentino del Color.

[email protected]

(Oral)

La serigrafía es un proceso de estampación conocido desde las antiguas culturas

orientales, su invención como técnica de grabado es de principios del siglo XX y la

utilización masiva se produce en la década de los años sesenta. Son los artistas más

representativos del arte Pop americano, quienes reivindican el procedimiento en un

trabajo artístico, con firma de autor ya sea con producción limitada e ilimitada.

Hoy día este método de grabado muy utilizado en la grafica, permite a través de

la tecnología digital la intervención de una imagen, que a partir de tratamientos de

fotomontaje y/o collage digital en forma virtual, se pasa a un trabajo artístico real y

de diseño original.

La técnica de Fotocromo es un método que requiere de la vectorización de la

imagen en los colores básicos de la grafica: Negro, Cyan, amarillo y magenta. De esa

forma se elaboran las matrices impresas en fotomecánica, resultando cuatro, una para

cada color base de la cuatricromía.

La técnica de Monocromo es la sectorización de tonalidades en una misma

matriz.

Si ambas técnicas de serigrafía se las requiere llevar a la tridimencion, se procede

a sectorizar la imagen de acuerdo a las dimensiones y forma del soporte requerido.

El proceso de seriación con tintas vitrificables en soportes de tercer fuego se

consigue con el grabado de sedas adecuadas, a la abertura que requiera la técnica

seleccionada.

A las pantallas, se le bloquea con una emulsión fotosensible que reacciona a la

luz, las áreas donde no habrá imagen, endureciendo y sellando la emulsión y

quedando libre la zona donde pasará el pigmento.

La seriación se consigue por el método de filtración de tintas vitrificables, las

cuales son tratadas en impresión directa sobre superficies lisas, esmaltadas o en forma

indirecta sobre papel, para luego transferir la imagen al soporte.




106

ESMALTES CERÁMICOS, COLOR Y COMPORTAMIENTO.

ESMALTES ORIENTALES DE CENIZA – ALTA TEMPERATURA.

Silvia BARRIOS y Im KYONG WOO.


[email protected]

(Oral)

El siguiente trabajo se basa en pruebas experimentales, tomando como referencia el

estudio de los esmaltes utilizados en la exquisita cerámica oriental de épocas

milenarias. En el mismo, se aborda la importancia de estos vidriados en la antigua

China, Corea y Japón, y su íntima relación con la cultura zen. Como a si mismo la

correspondencia de “La Ceremonia del Te” en la producción de cerámicas donde se

utilizaban los esmaltes tratados en este estudio, como el Denmoku, Shino, Irabo,

chulsa, Goold Mn, K10, Huangsedo, Oribe, Mostaza, Bizen y Bekcal.

Los temas enmarcados como referencia de estos exquisitos vidriados de alta

temperatura son:

- La variación de color y/o tonalidad aplicada sobre soportes en monococción

y bicocción, elaborados con cuatro fórmulas de pastas diferentes en gres.

- Tratamiento de superficie en una pieza realizada en modelado o bien

torneada para el posterior esmaltado.

- El comportamiento de los materiales formadores en estos vidriados al estilo

oriental.

- Proceso y utilización de las cenizas, fundente natural descubierto en épocas

milenarias de la antigua China.

- Temperatura para controlar la opacidad y brillo de dichos esmaltes.

- Atmósfera de cocción como modificadora del color y contraste a partir de

ciertos óxidos colorantes utilizados.




107

Silvia BARRIOS

Estudia en Argentina: * Historia del Arte en Bellas Artes M.N.B.A. *Las Artes del Fuego y

Hist. Contemporánea I y II con Alicia Romero en el IUNA. *Producción y Circulación de Obras

de Arte con el Prof. Juan Carlos Romero, IUNA. Se forma con maestros destacados de la plástica Argentina, Jorge González Perrín, Ernesto Pesce, Vilma villaverde y Leo Tavela

Estudia en el Exterior: Italia: *Historia del Arte Renacentista Italiana en el Instituto

Michelangello en la ciudad de Florencia. – Dibujo, Pintura, Escultura y modelado en la Academia de Florencia. Italia. Residencia en el exterior: 2010º Cuba: Camaguey, Puerto

Príncipe, “Cerámica artística” 2007 – China: Becada en Sambao Art Institute, Jingdezhen.

Participa en Jornadas y congresos en el país y en el exterior. Participante de Simposios

Internacionales y nacionales de Cerámica. Dicta Seminarios-taller, teórico-práctico en

Argentina y en el exterior. Exposiciones individuales y colectivas en numerosos museos y casas

de culturas del país y del exterior. Dicta conferencias en el País y en el exterior. Declaración de Interés Cultural por sus trabajos artísticos e investigativos: 2011 * Otorga la Secretaria

de Cultura y el Honorable Concejo Deliberante de la Municipalidad de Concepción del

Uruguay, declaración de interés cultural y Municipal el Seminario de Serigrafía aplicado a la cerámica y el vidrio, y a la instalación de un Taller-Laboratorio de Serigrafía. Resolución 2637

2010 * Poder Ejecutivo Provincial de Buenos Aires Otorga de interés cultural provincial a las

investigaciones: “Bicentenario: Culturas Originarias; Cerámica y Artesanías del NOA – Tucumán: Valles Calchaquíes; Amaicha del Valle; Museo Pachamama y Ruinas de los Quilmes”

y sus “Estudios sobre la cerámica y el color en las culturas originarias del NOA”. Investigaciones

y publicaciones en Argentina y en el exterior: 2011: Universidad de Arquitectura de Buenos Airtes FADU_UBA. Investigación: Esmaltes cerámicos de ceniza, color y comportamiento.

(Trabajo compartido con el licenciado Im Kyong woo) 2011 FADU_UBA. Investigación

“Fotocromo y Monocromo en un trabajo artístico” (trabajo individual) 2010 * Universidad del Salvador, Congreso Nacional de ALADAA, Estudios Orientales. Investigación: “Transmisión

cultural de la Cerámica Oriental a la Cerámica Precolombina y su incidencia en el desarrollo de las Culturas Originarias del NOA” (Trabajo individual) 2010 * AIC, GAC y la Universidad

de Arte y diseño de Mar del Plata. Investigación: “El color y las técnicas en la vajilla primitiva

del Noa” (trabajo induvidual), 2010 *Bicentenario: Culturas Originarias; Cerámica y Artesanías del NOA – Tucumán: Valles Calchaquíes; Amaicha del Valle, Museo Pachamama y

Ruinas de los Quilmes. PARTE II. (Trabajo individual) *2009 FADU-UBA, Bs. As.

“Simbología del Color en la Cerámica China: El Ejército de los 7000 Guerreros de Terracota del Emperador Qin” (trabajo individual) * 2008 Universidad Nacional de Arquitectura, diseño y

urbanismo, provincia de Santa Fé “Algunas consideraciones del Color en una Muestra

Itinerante” (trabajo compartido con Omar Burgos y Maria Eugenia Bravo). El historial de sus

trabajos artísticos e investigaciones se encuentra en los archivos de: Argentina: * Museo

Nacional de Bellas Artes. Biblioteca MNBA; Asociación Técnica Argentina de Cerámica.

(ATAC), Senado de la Provincia de Buenos Aires; Consejo Provincial de las Artes Plásticas de Cuba y UNEAC, de Cuba.

http://silviabarriosplasticaceramista.wordpress.com/2010/01/29/culturas-originarias-ceramica-y-artesanias-del-noa-tucuman-valles-calchaquies-amaicha-del-valle-y-ruinas-de-los-quilmes/


http://silviabarriosplasticaceramista.wordpress.com/2010/10/21/bicentenary-the-colour-in-n-o-a-%e2%80%99s-argentinian-north-western-aboriginal-cultural-pottery-bicentenario-de-argentina-i-%e2%80%9c-el-color-y-las-tecnicas-en-la-vajilla-primitiva-del-noa-2/

http://silviabarriosplasticaceramista.wordpress.com/2010/10/21/bicentenary-the-colour-in-n-o-a-%e2%80%99s-argentinian-north-western-aboriginal-cultural-pottery-bicentenario-de-argentina-i-%e2%80%9c-el-color-y-las-tecnicas-en-la-vajilla-primitiva-del-noa-2/




http://silviabarriosplasticaceramista.wordpress.com/2009/05/15/%e2%80%9cel-ejercito-de-los-7000-guerreros-y-caballos-de-terracota-del-emperador-qin-shishua%e2%80%9d/





108

Im KYONG WOO

Nació en Seúl, Corea, en 1948.

En 1971 obtiene el título de Licenciado en arte Cerámico en la Universidad de bellas

artes de Hong Ik, Seúl, Corea.

Residencia en Japón desde 1972 a 1977 con el maestro Fukuca

En 1977 emigra a Argentina, abriendo su taller donde trabaja cerámica oriental

tradicional. Trabaja en Brasil hasta el año 1989.

En 1980 construye un horno Nobrigama y horno raku en la ciudad de Mogida

Cruces, San Pablo, Brasil.

Desde 1889 reside de forma permanente en la Argentina. Forma parte de la S.A.P.P.

(sociedad de artistas plásticos) y en 2011 es Presidente Asociación Artistas Coreano.

Trabaja en su taller, desarrollando su obra personal.

Actividad docente

2007. Dicta un curso de construcción de horno a leña Noborigama en el Instituto de

cerámica de Avellaneda y trabaja en la actividad cerámica de manera privada.

2009 y 2010 Profesor del taller de Alfarería extraprogramático en e Instituto

Municipal de cerámica de Avellaneda.

Otras actividades.

2010 jurado del XVIII Salón Municipal de Cerámica de Avellaneda

Participación en el Primer Encuentro Internacional del Colectivo Cerámica

de Uruguay

Curador en el centro cultural Coreano Latinoamericano



109

LOS COLORES PUEDEN SER COMPLEMENTARIOS SI ENTRE

ELLOS VIBRAN

María Eugenia BRAVO


[email protected]

(Póster)

¿Por qué pensar que solo hay tres maneras de ver los colores complementarios?

Todos sabemos que las parejas de complementarios se forman con un color primario y

otro secundario, donde tendremos un equilibrio de luminosidad, un equilibrio de

claro- oscuro y otro equilibrio de frio- cálido. Éstas son las ideas que todos

conocemos a través de las diferentes teorías del color.

Pero por qué no pensar que si un par de colores, ya sean uno primario y uno

secundario o algún análogo que no sean los complementarios convencionales vibran,

no pueden ser complementarios.

Para poder lograr esa vibración, no solo necesitamos de dos colores, que no van a

ser necesariamente uno primario y otro secundario, sino que necesitamos de la forma

y la combinación de ésta con el fondo, para poder lograr con formas simples una idea

de ambigüedad entre las figuras y el fondo. A esto hay que sumarle la percepción que

cada persona pueda tener sobre el color, ya que no todos vemos y percibimos los

colores de la misma manera.

Ésta idea de una nueva combinación de complementarios se muestra en diferentes

obras, donde se ve la vibración que se genera. Ésta vibración se ve al trabajar con

diferentes técnicas, y también al sacar fotos de las obras, la toma de ésta genera mayor

vibración y un tercer color de contorno de las formas.




110


Tel: (011) 15-3209-8177

[email protected]

Estudios

2006 Licenciada en Artes Visuales, especialización Pintura, IUNA.

2006 Profesora universitaria de Arte, orientación Artes Visuales. IUNA.

2003 Especialista en Gestión y Administración Cultural, IUNA.

1992-1986 Profesora Nacional de Dibujo y Pintura. Escuela Nacional Superior de

Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón". ENBAPP

Exposiciones

Desde el año 1998 viene realizando exposiciones colectivas e individuales en

diferentes salas, museos y sedes de exposiciones de arte.

Experiencia profesional

- Coordinación de Salidas Culturales con extranjeros para practicar el Idioma

Español. Centro Alpha

- Organización de las Sig. Jornadas: *Iº, *IIº, *IIIº y *IVº Jornadas ALPHA de

Español para Extranjeros, y Iº Jornadas Internacionales Alpha de Español para

extranjeros.

- Organización para la presentación de ALPHA como representante Argentino de

español en el ENBRAPE (Encuentro Brasilero de Profesores de Español)-(Belo

Horizonte, Brasil).

- Organización de Exposiciones Artísticas en “Café de las Artes”, Buenos Aires,

Argentina)

- Cuadro para una tarjeta navideña a beneficio de la Fundación Carasucias

convocada por el portal. www.artevisualargentino.com.ar

-Realización de la Aldea de Pascua para el vivero Alparamis, Olivos, Pcia. de Buenos

Aires.

Docencia

Entre los años 1997 y la actualidad en instituciones públicas y privadas en los tres

niveles de educación, primario, secundario y universitario. Coordinación de talleres

particulares.

Integrante del Grupo Argentino del Color




111

JAGUARES, GUERREROS Y SERPIENTES.

Pinturas rupestres del Alto Ancasti. Catamarca

Omar BURGOS1, Oscar DECHIARA2, Lucas GHECO3, Gabriel YBARRA4, Andrea

POLISZUK5 y Marcos QUESADA6 1 Grupo argentino del Color, 2 Fotografía, 3 Escuela de Arqueología, Universidad

Nacional de Catamarca, 4 Instituto Nacional de Tecnología Industrial, 5 Instituto

Nacional de Tecnología Industrial, y 6 CONICET-Escuela de Arqueología,

Universidad Nacional de Catamarca.

(Oral)

En la sierras del Alto Ancasti, provincia de Catamarca ubicada en la región noroeste

de la Argentina, se encuentran una serie de cuevas, bloques rocosos y aleros con

pictografías y petroglifos, manifestaciones de culturas precolombinas que han legado

a la actualidad una profusa iconografía, que ha sido estudiada recién en las últimas

décadas.

El proyecto abarcó un total de 27 cuevas, aleros y rocas pintadas y grabadas en las

localidades de La candelaria; Oyola; Campo de las Piedras y Puesto la mesada.

Realizados en su gran mayoría con pigmento blanco, el vasto universo de

imágenes encontrado en los distintos sitios muestra figuras humanas, escenas de caza,

figuras zoomorfas, antropo-zoomorfas, figuras geométricas, guardas, líneas y puntos.

La investigación, realizada a partir de una propuesta interdisciplinaria, fue llevada

a cabo en su primera etapa determinando por GPS la ubicación geográfica de los

diferentes sitios, debido al poco conocido y difícil acceso a los mismos, a través del

monte espinoso de la sierra de El Alto Ancasti. En una segunda etapa se realizó,

mediante un trabajo de campo, el relevamiento fotográfico y los análisis

arqueológicos y plásticos in situ y en una tercera etapa se hicieron los análisis

químicos correspondientes, para determinar pigmentos y aglutinantes presentes en las

pinturas y la producción plástica inspirada en las obras estudiadas.

Este trabajo presenta los primeros resultados obtenidos en las cuatro disciplinas:

fotografía, plástica, arqueología y química.



112

Omar Ernesto BURGOS

- Artista plástico.

- Presidente Grupo Argentino del Color. GAC. www.fadu.uba.ar/sicyt/color/gac.htm

- Comité Organizador AIC 2010 Interim meeting. “Color and food”, NH Gran Hotel

Provincial. Mar Del Plata. Prov. de Bs. As. www.aic2010.org

- Integrante Grupo Ancasti. Pinturas rupestres del Alto Ancasti. Catamarca. Proyecto

Fondo Nacional de las Artes. 2010

Oscar DECHIARA

Fue docente, Vicepresidente y Presidente del Foto Club Santa Fé.

Graduado en la escuela Leandro N. Alem, realizó trabajos como fotógrafo deportivo

free lance para revistas especializadas y diarios de esa ciudad, hasta 1982. En 1990

instala su propio estudio fotográfico. En 1995 ingresa al Foto Club Santa Fe,

realizando a partir de entonces y hasta hoy muestras individuales y colectivas en

distintos Centros Culturales y Museos. Obtiene premios nacionales e internacionales

por sus trabajos y ha dictado cursos en talleres de fotografía básica y laboratorio

blanco y negro de Institutos como Foto Club Santa Fe, Unidad Penitenciaria Nº 1 y

Nº 2, en Coronda y Santa Fe respectivamente.

Lucas Ignacio GHECO

Estudiante avanzado de la Licenciatura en Arqueología de la Universidad Nacional

de Catamarca. Integra proyectos de investigación arqueológica en la Provincia de

Catamarca. Desarrolla sus trabajos de investigación sobre el arte rupestre de la

Sierra de El Alto-Ancasti en el marco de su tesis de licenciatura. Ha participado en

jornadas y congresos científicos sobre arte rupestre. Integrante del Grupo Ancasti en

el marco de Beca para Proyectos Grupales del Fondo Nacional de las Artes 2009-

2010.

Gabriel YBARRA

Graduado de Doctor en Ciencias Químicas en la Facultad de Ciencias Exactas y

Naturales de la Universidad de Buenos Aires. Lleva a cabo tareas de investigación y

desarrollo sobre química y ciencia de los materiales en el Instituto Nacional de

Tecnología Industrial. Ha colaborado en el análisis químico de materiales en

diversos proyectos de conservación y restauro de patrimonio cultural.

Andrea POLISZUK Licenciada en Ciencias Químicas por la Facultad de Ciencias Exactas y Naturales de

la Universidad de Buenos Aires. Desarrolla tareas de asistencia a la industria en el

área de recubrimientos orgánicos en el Laboratorio de Pinturas del Instituto

Nacional de Tecnología Industrial. Ha formado parte de equipos en proyectos de

conservación y restauro de patrimonio cultural, tales como los llevados a cabo en el

Teatro Colón y la Casa Rosada.

http://www.fadu.uba.ar/sicyt/color/gac.htm

http://www.aic2010.org/



113

EL USO DEL COLOR EN EL VIDEO ARTE DE BILL VIOLA

Sara CABRERA SÁNCHEZ

Universidad de Granada. España.

[email protected]

(Oral)

Bill Viola es un video artista caracterizado por la realización de video instalaciones en

las que usa la retórica hacia lo onírico, los ciclos vitales, y las emociones humanas son

su temática central.

Viola tiene un gran interés por el arte en periodos anteriores, y por lo espiritual de

éste en la pintura. La forma que tiene para articular el color en su obra, resulta

enormemente sugerente a la hora de evocar las emociones. El formato de vídeo que

utiliza es capaz de general imágenes hiperrealistas, usando colores nítidos y

contrastados. La gama cromática que nos encontramos es de gran expresividad, y nos

hace remitir directamente a la historia de la pintura religiosa de los flamencos e

italianos del siglo XV y XVI.

De manera sutil, el uso del color de esta manera lo que hace es profundizar sobre

la propia expresión de la emoción, se apoya en colores limpios, transparentes, puros,

que se adecúan perfectamente a lo que quiere contarnos con el gesto.

Se convierte Viola en un especialista en guiar los ojos del espectador por medio

de los contrastes y la resaltación de los colores según la emoción y el mensaje.

Su obra se trata de vídeos a color, pero que transmiten una relación de cercanía y

realismo alejados del video-arte corriente. Crea atmósferas envolventes que hacen que

el espectador se embriague. Es la profundidad, sutileza y complejidad del contenido

de las obras de Viola, esa búsqueda de la espiritualidad, de lo que nos es más cercano,

el autoconocimiento a través de las emociones, que ha estado presente en toda la

historia del arte.

Se mantiene la espiritualidad de los cuadros renacentistas, pero las vestimentas

contemporáneas y el movimiento en la expresión de las emociones contribuyen a la

cercanía y empatía con el espectador. El color de estas vestimentas se le da al

espectador de una manera muy cotidiana, la propia saturación y pureza de los colores,

hacen que la expresión también se convierta en más pura y de manera saturada.

Es de gran interés el análisis de su obra ya que vigila cada detalle de sus piezas.

Hace un uso del video arte muy pictórico en el que difumina los límites entre la

tradición pictórica e intelectual, e incita a una reflexión sobre ellos.

Nos encontramos pues, un artista que diverge y converge en conceptos ya

aprendidos, que se apropia de ellos y los elabora para que se aprehendan.




114

Sara CABRERA SÁNCHEZ

Universidad de Granada. España.

[email protected]

Sara Cabrera Sánchez, artista plástica de nacionalidad española, es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada.

Ha realizado intercambios en universidades de Grecia, Pais Vasco, y actualmente se encuentra

en Argentina continuando con sus estudios de Doctorado en Arte. En su trayectoria artística encontramos exposiciones en Grecia, Francia y España. Ha

participado en la Bienal de Arte Efímero Spora, en el Festival Bopart, y ha recibido premios de video arte y escultura urbana. Ha realizado estancias en becas para artistas, y ha desarrollado

proyectos con varios colectivos artísticos.

Su obra personal se basa en la vinculación de las relaciones interpersonales y lo cotidiano, en el medio urbano. Articula video, audio, pintura, e intervenciones y acciones.

FORMACIÓN Licenciada en Bellas Artes. Universidad de Granada. Intercambio Universidad del Pais Vasco.2008/09

Intercambio Universidad de Thessaloniki. Grecia. 2006/07

Máster en Profesorado. Especialidad Dibujo, Imagen y Artes Plásticas.2009/10 Doctorado Lenguajes y Poéticas del Arte Contemporáneo. 2010/...

TRAYECTORIA ARTÍSTICA Exposición colectiva Alraso. Granada. Mayo 2010

II Bienal de Arte Efímero Spora Granada. Diciembre 2009.

Festival de Arte Urbano Bopart. Barcelona. Diciembre 2009. Exposición colectiva Pixeladas. Percepciones desde la locura. Granada. Diciembre 2009.

Exposición colectiva. Alraso. Valle de Lecrín. Julio 2009.

Beca de verano para estudiantes de arte Alraso 09. Valle de Lecrín. Julio 2009. Premio de Video-creación Eitb Kultura. Pais Vasco. Junio 2009.

Exposición colectiva. Solido/likido. Leioa. Bizcaia. Junio 2009.

Colaboración Festival Umore Azoka. Leioa. Bizcaia. Mayo 2009. Exposición colectiva. Solido/likido. Donibane Garazi. Francia. Mayo 2009.

Colaboración II Certamen Arte Hormonado. Bilbao. Mayo 2009.

Concurso de Proyectos escultóricos Artifice. Loja. Granada. Marzo 2009. Exposición colectiva. Artificios Inquietantes. Fuentevaqueros. Granada. Mayo 2008.

Exposición colectiva. Contempla. Sala Al Temple. Escúzar. Granada. Marzo 2008.

Exposición colectiva. Yperohi. Universidad de Thessaloniki. Grecia. Junio 2007. Performance. Festival de Arte Universitario. Thessaloniki. Grecia. Junio 2007.

Exposición colectiva. Estudio Fernando Alea. San Pedro Alcántara. Junio 2004.

Miembro de colectivo artístico AdeiO. Granada

Miembro de colectivo artístico ahojo. Bilbao.

Miembro del colectivo artístico numero8. Granada.




115

EL COLOR EN LOS TEXTILES DE LAS CULTURAS ANDINAS

PRECOLOMBINAS DEL NORTE DE CHILE

María de la Paz COX I.

Escuela de Diseño/ Pontificia Universidad Católica de Chile

[email protected]

(Oral)

El trabajo corresponde a una investigación en curso desarrollada por las diseñadoras

pertenecientes a la Escuela de Diseño de la Pontificia Universidad Católica de Chile e

investigadoras del Museo Chileno de Arte Precolombino: María Soledad Hoces de la

Guardia Chellew, Paulina Brugnoli Bailoni, Paulina Jelvez Herrera y María de la Paz

Cox Irarrázaval . Cuenta con financiamiento del Consejo Nacional de Ciencia y

Tecnología CONICYT, perteneciente al Gobierno de Chile.

En el mundo andino los textiles han sido los máximos exponentes de la capacidad

de comunicar contenidos culturales a través de formas estructuradas en colores. Los

textiles se pueden describir como color texturado, que organiza configuraciones

visuales significativas, apelando a nuestra percepción por sensaciones visuales y

táctiles.

Como base del trabajo se revisó un universo de 190 piezas textiles del norte de

Chile pertenecientes a la colección del Museo Chileno de Arte Precolombino

disponibles, para realizar una selección de 50 piezas que reflejen la variedad

cromática y modalidades de uso más representativas, considerando cubrir la variedad

tipológica y a la vez poder identificar el repertorio cromático de cada período y

culturas.

Se trabaja en la detección de los códigos cromáticos que identifican a los textiles

precolombinos andinos para el rescate de la memoria visual, comunicación eficiente y

utilización en diferentes espacios culturales contemporáneos mediante tecnologías,

procesos y sistemas adecuados.

Disponer de su registro de tonos, matices y modos de uso posibilitaría actualizar

su memoria visual, dando a conocer los logros tecnológicos de los tintoreros (as) y la

elocuencia del lenguaje táctil visual de los tejedores (as) andinos precolombinos para

su recreación y aplicación contemporánea.

Este proyecto va tras el rescate del repertorio de colores y códigos cromáticos que

identifican a estos textiles atendiendo a las nuevas tecnologías, procesos y sistemas

que actualmente se involucran en el manejo y comunicación del color. Esto implica el

traspaso de los colores a otros sistemas codificados de color existentes que permitan

su adecuada difusión en el espacio contemporáneo y su uso transversal por distintos

tipos de usuarios.

Luego se desarrolló un sistema de homologación que permita el traspaso del

repertorio cromático obtenido a través de mediciones espectrofotométricas y

reproducción con tintes artificiales a otros soportes, lo que implica realizar pruebas de




116

laboratorio con distintos iluminantes que permitan igualar y testear las muestras de

color provenientes de distintos sistemas, para generar una nueva organización y

clasificación del repertorio de colores.

Para el momento de la realización de la jornada se prevé exhibir resultados

preliminares de la investigación, que ya se encontrará al término del primer año de los

dos propuestos por la investigación.

María de la Paz COX I.

E-mail: [email protected]. /Estudios del Color/ Escuela de Diseño/ Pontificia Universidad

Católica de Chile/ El Comendador 1916/ Providencia/ Santiago/ Chile / teléfono (56-

2-3545665)/

teléfono celular (56-0-93330309).

Diseñadora por la Pontificia Universidad Católica de Chile, Magíster en

Humanidades por la Universidad Adolfo Ibañez. Académica de la Escuela de Diseño

de la Pontificia Universidad Católica de Chile, creadora de “Estudios del Color”

desde donde desarrolla docencia, investigación y difusión de temáticas relativas al

color y a su aplicación. Miembro de la directiva de la Asociación Santiago del Color

que forma parte de la Asociación Chilena del Color.



117

TRABAJO EXPERIMENTAL “APRENDIZAJE DEL COLOR Y SUS

FUNCIONES EN EL AULA”.

Marcela Silvia DE LEÓN

Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata.


(Póster)

El aprendizaje del color dentro del espacio áulico al color mediante la aplicación de

una experiencia llevada a cabo por alumnos de 1º de las materia Visión I, de la

Facultad de Arquitectura Universidad Católica de La Plata (U.C.A.L.P.) , en base a

Experiencias del color de Itten. Los alumnos analizan e investigan e interpretan el

comportamiento del color y su aplicación en una composición a través de un proceso

teórico y práctico.

Comportamiento del color como elemento visual de importancia en un mensaje

visual en base a las experiencias de Johannes Itten:

• Relevamiento y selección de muestras de colores: seleccionar variables de color,

tratando de generar una amplia gama de cada uno.

• Relatividad del color: recortar formas rectangulares pequeñas y ubicarlas sobre

fondos de diferentes tonalidades.

• Mezcla de colores: qué color daría como resultado la mezcla.

• Síntesis cromática aparente: seleccionar una imagen color y, por medio de la

observación, tratar de resumir la síntesis de color que presenta dicha imagen los

cuales serán identificados como la ¨gama¨ de colores representada.

Relevamiento: de piezas de color en revistas

Selección: discriminación del material;

Análisis: observación de dicho material;

Reflexión: conceptualizaciones;

Conclusión: evaluación final, confrontación y confirmación de lo

analizado.

Desarrollo de un trabajo personal a con técnica mixta (tipo

collage), teniendo en cuenta los conceptos del color.



118

Marcela Silvia DE LEÓN

[email protected]

Diseñador en Comunicación Visual. UNLP. 12/12/1992.

Carrera Docente Universitaria. 30/8/2002. Consejo Superior Bellas Artes

Resolución Nº 219/02. UNLP.

Especialización en Informática Educativa. Instituto IDEI 1/8/1996 a 1/2/1998.

Resolución N º 6303/95.

Ayudante de Lenguaje Visual I-III. Fac. Bellas Artes. UNLP. Cargo actual

1994 Co-Participación “COLOREANDO”. ARGENCOLOR 1994

1996 “Estudio Comparativo de las Teorías de los Colores". ARGENCOLOR 1996

1998 “ANALISIS DE LA PRODUCCIÓN DEL DISEÑADOR DAVID CARSON A

PARTIR DE DOS TEORÍAS DEL COLOR". ARGENCOLOR 1998.

2003 Semiosis de relación color/ forma/ significado a través de las preferencias

visuales de la población de la ciudad de La Plata. DE LEON y otros. VII Congreso

de la Asociación Internacional de Semiótica Visual AISV. México

http://www.ccm.itesm.mx/dhcs/dcomunicacion/cprogramaj.html

2003 Semiosis de relación color/ forma/ significado a través de las preferencias

visuales de la población de la ciudad de La Plata, Argentina. DE LEON y otros.

2006 “Observaciones Diagnósticas en imágenes impresas en color visualizadas en

diarios, revistas y libros publicados entre los años 1882-1950 pertenecientes al

Museo y Archivo Dardo Rocha de la ciudad de La Plata.

2006 “Semiosis de relación color-forma-significado a través de las preferencias

visuales de la población de La Plata” I Jornada Internacional de Color. Marcela DE

LEON y otros. Córdoba.

Sitios Argencolor 2004 y 2006.

http://www.fadu.uba.ar/sitios/sicyt/color/argencolor04.htm y

http://www.fadu.uba.ar/sitios/sicyt/color/06/argencolor06.htm

Desarrollo - Diseño WEB Suprema Corte Provincia de Buenos Aires

http://www.scba.gov.ar http://www.scba.gov.ar/sitio/contacto/grupodesarrollo.asp

Juguetes para chicos Pequeños Sueños. Título otorgado Nº 1.999.416, disposición

M-1236/04, Disposición IMPI 72/97. Resoluciones Nº I-052/99.

http://www.ccm.itesm.mx/dhcs/dcomunicacion/cprogramaj.html

http://www.fadu.uba.ar/sitios/sicyt/color/argencolor04.htm

http://www.fadu.uba.ar/sitios/sicyt/color/06/argencolor06.htm

http://www.scba.gov.ar/

http://www.scba.gov.ar/sitio/contacto/grupodesarrollo.asp



119

AZUL-LEJOS

Evolución del diseño en la historia del azulejo.

Silvia ESTÉVEZ de BROWN

(Oral)

El lenguaje de Oriente en las épocas más remotas fue la representación de la

Naturaleza.

Obedeciendo al mandato Divino: “Vivirás en un jardín rodeado de flores”, realizaron

dibujos reales o estilizados que se usaron en tapicería y revestimientos cerámicos

conformando la piel de los ambientes de la vida cotidiana.

Podemos ver también el uso del cuadrado superpuesto y otras figuras geométricas,

creando tramas en paneles de colores de gran variedad.

En el Siglo 16 reciben en la Península Ibérica el aporte de maestros Italianos, y se

incorpora la representación de seres vivos, personas, animales y ejemplares

fantásticos.

Algunos pintores realizaron grandes obras utilizando como soporte azulejos en lugar

de lienzos.

A los maestros de Flandes, debemos la delicadeza del trazo del pincel en el azul de los

pequeños paisajes marinos, bajo una cubierta transparente.

Los aportes de éste magnífico mix de artistas llegaron a Portugal, y se producen

diseños con el perfecto equilibrio entre la pasión y la serenidad, la oscuridad y la luz.

Ésa es la herencia que llegó al nuevo mundo, el resultado de la evolución del diseño y

el color desde Oriente hasta la Península Ibérica con los valiosos aportes de Faentinos,

Napolitanos, y Centro-Europeos.

En nuestro País encontramos tres importantes períodos que se expresan en

espacios arquitectónicos:

*Desde la cúpula, al aljibe, decorando espacios exteriores, siglo 19, Pas de Calais azul

y blanco.

*El zaguán, y el baño, la intimidad del hogar.1980 a 1919, Ingleses, Belgas y

Alemanes, se expresan en una amplia gama de colores y transparencias.

*El patio Andaluz, desde 1920 hasta 1959, Península Ibérica, sus raíces Árabes con

acentos italianos en los murales, profusión de color, brillos y el infaltable azul.

El azulejo fue creado para formar parte de un todo, hay muy pocos ejemplos de

piezas aisladas. Hay un claro ordenamiento de la totalidad de las partes. Cada azulejo

cumple una función y entre sí unidos comunican un mensaje.

El mejor modo de experimentarlos es verlos y tocarlos en uso, en un zaguán, baño

o patio, esa experiencia es necesaria para adquirir el concepto del azulejo que no fue

creado para estar solo, necesita de los demás para expresarse.

Arq. Silvia María ESTÉVEZ

Buenos Aires, Capital Federal, Argentina

(54)(011)1559082051 [email protected]




120

Especialista en desarrollo de productos acordes a las tendencias de diseño que abran camino, e interpreten las necesidades del usuario.

Formación de equipos de diseño creativos, que investiguen y puedan retroalimentarse.

Complemento en las ventas cuando la decisión pasa por estética y de uso de materiales. Asesoramiento para la realización de nuevas colecciones, en color y diseño.

Desarrollo de diseños especiales y responsabilidad social empresaria, ligada al respeto por el

patrimonio natural, tangible e intangible, conectar la creatividad con nuestras raíces y con objetivos a corto, mediano y largo plazo.

Docencia

Creatividad y Diseño, en las empresas.

UBA ,Historia de la Arquitectura, Maisonave- Bernardelle

Diseño textil, Desarrollo de productos cerámicos, Ma Luisa Musso. UBA

UADE- Diseño cerámico, Cátedra Susana Conforti. Dictó talleres de extensión cultural abiertos a la comunidad de: Diseño de Interiores Diseño de

Vestuario en la Universidad Nacional del Centro en la ciudad de Tandil

Trabajos Presentados y publicados:

2011- “Historia del Azulejo en San Isidro”, Curadora de la Muestra en la Quinta Los Ombúes.

Trabajo en la Jornada del Color en las Artes.UBA, “Azul-Lejos”.

2010- Congreso AIC 2010, presentación de poster: Evolución del color en el entorno doméstico de los alimentos.

2006- Libro DARA 20 Años. Desarrollo especial, Ambientación y realización fotográfica.

2004- AIC Portoalegre-Color And Design Of Precolumbian Ceramics Today. 2001- ROCHESTER- NEW YORK Ponencia Oral En El Congreso Internacional del Color :

¨HOW DO WE TEACH COLOR¨.

2000- EXPOVIVIENDA- Auditorio- Conferencia- HISTORIA DE LA CERÁMICA. 2000-2002- Investigaciones Relacionadas Con Diseños Precolombinos- UNICEN.

1992- Mesa Redonda Salón DARA Palacio Errázuriz- Desarrollo De Colores-

1991-92 -CATÁLOGOS SAN LORENZO Idea y realización. Producción y Construcción de 20 Ambientes, Dirección de Fotografía.

1990-CONGRESO ARGENTINO DEL COLOR UNBA- Ponencia oral, Desarrollo de Diseños y

Colores. 1986- A.B.C. de la Cerámica- para Cerámica San Lorenzo- Idea, y realización.

1984-1987-Escribió diversos artículos para la revista SUMMA.

Trabajos : Ricardo Ospital, forma parte del equipo Comercial de la Empresa, desde Febrero 2011, para la nueva sucursal de Capital Federal.

Trabajó en las siguientes Empresas: Il Sole SRL, Quatro Stelle, Loimar, Cerámica Piú,

Universidad Nacional del Centro,Cerámicas Acuarela,Cerámica San Lorenzo.

Estudios: Universidad de Buenos Aires, Argentina · Arquitecta.

Fundación Ortega y Gasset, Argentina Posgrado en Gestión Cultural, Patrimonio y Turismo

Sustentable Taller de Escenografía Taller de prácticas escenográficas en el Teatro Colón de Buenos Aires,

Fotografía Horacio Cóppola, participó en numerosas exposiciones.

Pintura en Acuarela Eduardo Cervera Murales Nushi Montabsky

Diseño Industrial Seminario de Diseño Industrial, Domus Accademy, Milán



121

CESÍA EN EL GRAFFITI. Líneas de estudio.

María Paula GIGLIO

FAUD, Universidad Nacional de Mar del Plata.


(Oral)

El graffiti, además de desarrollarse en diferentes soportes los cuales responden a

distintas propiedades de cesía, se ha caracterizado por sus efectos de brillos y

destellos entre otras apariencias de la distribución espacial de la luz vinculadas en este

caso a la representación de superficies y volumetrías. Para ello, los graffiteros han

tenido que especializarse en el dominio de técnicas y estilos para lograr dicha

representación.

Por otro lado, en el principio del desarrollo de los aerosoles para graffiteros, las

empresas se dedicaron tanto a la mejora en la carta de colores que hasta ese momento

era muy limitada, como al de los instrumentos utilizados tales como latas, picos o

caps, accesorios para su mantenimiento, entre otros. Pero desde hace unos años, en

paralelo, fue creciendo el desarrollo de las pinturas e instrumentos en el campo de la

permeabilidad y de la difusividad.

Es por eso que el estudio de la cesía en el graffiti demanda diferentes líneas de

estudio, entre las que se encuentran:

- el estudio de los soportes utilizados para la elaboración de los graffitis, sus

definiciones en términos de cesías y su apropiación por parte de los

graffiteros;

- el estudio de la representación de la cesía en los graffitis, diferentes estilos y

épocas;

- el estudio del dominio de técnicas por parte de los graffiteros utilizadas para

lograr la representación de la cesía;

- el estudio del desarrollo tecnológico en la elaboración de pinturas e

instrumentos para tal fin.

La presente ponencia tiene por objetivo difundir estas líneas de estudio que

permite el desarrollo del tema de la cesía en el campo del graffiti.

Se intenta aportar al estudio que se viene realizando sobre el graffiti, reflejado en

anteriores presentaciones en Congresos y Jornadas del Color: “El color en el graffiti.

Un acercamiento a la problemática” (ARGENCOLOR 2004, Buenos Aires); “El

aprendizaje del color en el graffiti hip hop. Caso Mar del Plata” (JORNADAS

NACIONALES DEL COLOR 2005, Mar del Plata), “El color en el graffiti hip hop.

Tecnologías artesanales desarrolladas por artistas graffiteros para superar

limitaciones colorísticas y gráficas del aerosol. Caso Mar del Plata.”

(ARGENCOLOR 2006, Olavarría); “Desarrollo de tecnologías artesanales sobre el

aerosol: ampliación de la paleta de color en el graffiti hip hop de Mar del Plata.”

(JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES, 2009)



122

María Paula GIGLIO Grupo de Extensión desde el Arte, Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño de

la Universidad Nacional de Mar del Plata.

Mar del Plata, provincia de Buenos Aires. Argentina


Es Licenciada en Artes, orientado a la enseñanza de las Artes (especialidad Artes


Actualmente es alumna regular de la Maestría en Educación Artística en la

Facultad de Humanidades y Artes de la Universidad Nacional de Rosario.

Es la Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño de la Universidad Nacional

de Mar del Plata, es Profesora Adjunta de la carrera de Diseño Industrial, Directora

del Grupo de Extensión desde el Arte (GEA); investigadora en el Centro de Estudios

de Diseño Industrial (CEDI).

Desde el 2008 integra la Comisión Directiva del GAC y en la actualidad ejerce la

Secretaría.

Ha sido Comité Organizador del Argencolor 2004 realizado en Buenos Aires, y

del Congreso de la Asociación Internacional del Color 2010 en Mar del Plata. Ha sido

Comité Organizador y Comité Científico en las Jornadas Nacionales del Color 2005 y

2007 de Mar del Plata.

Respecto del graffiti, ha presentado numerosas ponencias en diferentes congresos,

y sus trabajos han sido publicados en libros de actas. Su proyecto “Paseos artísticos-

graffiteros de Mar del Plata” ha sido declarado de Interés Cultural por la entonces

Sub-Secretaría de Cultura de la Municipalidad del Partido de General Pueyrredón, y

ha obtenido una Mención en el Concurso de Ideas de la Cortada del Tango (2004)

organizado por la misma Municipalidad sobre la base del proyecto antes mencionado.

Ha sido invitada a dar charlas y conferencias entre las que se destacan las realizadas

en la IV Bienal de Arte Joven (Mar del Plata, 2006), en el Palais de Glace en el marco

de la Muestra Ficus Repens (CABA, 2008), en el Museo Provincial de Bellas Artes

“Juan Yaparí” (Misiones, 2008), y en el Centro Cultural de España en Buenos Aires

en el marco de la Muestra y Seminario Sinvergüenza! Intervenciones Urbanas

Iberoamericanas (CABA, 2010).

Respecto de su hacer artístico, su desarrollo ha tenido que ver con el dibujo pero

desde hace unos años se dedica al videoarte. Ha realizado varias muestras, y a través

del Grupo Argentino del Color ha participado en exposiciones grupales realizadas en

todo el país bajo el título Muestra Itinerante de los artistas del GAC (Buenos Aires,

CABA, Catamarca, Jujuy, La Pampa, Misiones, Santa Fe, Tucumán).



123

ELECCIÓN DE COLORES

Las armonías lógicas y los intervalos de transformación dimensional

Ruben Alberto GRAMON

FADU, Universidad Nacional de Buenos Aires.


(Oral)

El sistema de color Munsell se organiza a partir de tres dimensiones: Tinte, croma y

valor. A través de estas tres dimensiones pueden definirse ocho relaciones posibles

conocidas como armonías lógicas.

Las armonías lógicas resultan insuficientes a la hora de seleccionar los colores en

la enseñanza artística. Frente a la alteridad es necesario reconocer cierta regularidad.

Se trata entonces de definir además de las armonías lógicas los intervalos de

transformación dimensional. Para ello podemos recurrir a un concepto muy difundido

en las escuelas de arte que se conoce como clave.

El concepto tradicional de clave define los intervalos existentes en una selección

de colores teniendo en cuenta la dimensión de valor. La definición de estos intervalos

puede aplicarse tambien a las otras dimensiones del color como son el croma y el

tinte. De este modo la selección de colores implica no solo la definición de las

armonías lógicas si no también los intervalos de transformación dimensional. Las

armonías lógicas dependen de las variantes y constancias dimensionales, los

intervalos de transformación dimensional dependen de la distancia entre nudos en el

modelo de color.

Existen dos tipos de intervalo de transformación dimensional: Los intervalos de

alto, medio y bajo nivel y los intervalos de mayor y menor grado. De la combinación

de ambos resultan dieciocho tipos de intervalo de transformación dimensional. De

esta manera no solo disponemos para la enseñanza artística de ocho armonías lógicas

sino también de dieciocho intervalos de transformación dimensional.

El disponer de un criterio de identificación objetiva es de gran utilidad para medir

la paleta de colores de una obra. Es difícil que la selección de colores que usa el

artista en su obra sea el resultado de la aplicación de las armonías lógicas y los

intervalos de transformación dimensional, sin embargo la identificación de estas

reglas pueden ser un modo de acercarse a la selección de colores de una obra a través

de una reflexión lógica.

A los fines explicativos procederé a la descripción de una serie de cuadros de

Joseph Albers llamados ¨ Homenaje al cuadrado ¨ a través del sistema de color HSV.



124

Ruben Alberto GRAMON

[email protected]

Arquitecto egresado de la FADU UBA

Profesor adjunto en Sistemas de representación geométrica en la FADU UBA

Fue profesor de Morfologia en la UTDT

Fue Becado por la Secretaria de Ciencia y Técnica de la UBA

Fue premiado en varias ocasiones

Participó en Seminarios y Congresos

Intervino en Exposiciones individuales y colectivas

Publicó en diarios y revistas especializadas

Esta preparando su doctorado en la FADU UBA



125

SEMIÓTICA Y RETÓRICA DEL COLOR Y LA CESÍA DE SERES

FANTÁSTICOS EN EL ARTE.

Aproximación a un modelo sistemático del color en la representación icónica

Varinnia JOFRÉ

Becaria de SecyT, Universidad Nacional de Córdoba


(Oral)

Cuando en el cine, el video juego o el arte digital vemos un hombre de metal, de

fuego, de luz, un monstruo de agua, u otros seres extraordinarios que no existen en el

mundo real, el reconocimiento de que se tratan de figuras humanas o monstruosas que

tienen las características mencionadas es casi inmediata. En estas representaciones, de

modalidad Alfa, los efectos ilusorios de realidad se crean mediante estímulos que

reproducen algunas de las condiciones de la percepción del objeto, estímulos que

transcriben las condiciones de observación desde un punto de vista, que ponen en

juego las mismas inferencias perceptivas que se pondrían en juego para percibir el

objeto real: con la mediación de un contenido remiten a su objeto.

Este modo realista de representar, que ha alcanzado su máximo nivel con la

tecnología digital, surgió en la pintura del Renacimiento, cuando se tradujo el modo

en que percibimos los colores: modificados por el aire, la luz, la sombra y los reflejos

de unos colores sobre otros. Fue un hito en la pintura realista, al que se había llegado

tras un largo desarrollo. Para crear ilusión de realidad fue necesario observar y

representar detalladamente las cosas del mundo, atendiendo principalmente a la cesía

o al modo de apariencia del color.

El objetivo de esta ponencia es presentar sintéticamente un sistema de semiótica

icónica, con un marco teórico basado en las investigaciones sobre la cesía de José

Luis Caivano y las propuestas sobre semiótica de Umberto Eco y de semiótica y

retórica del G

La construcción de la representación visual mediante el color se aborda a través

del análisis semiótico y retórico de representaciones icónicas que muestran la

evolución de la representación del color desde la modalidad Beta (con bajo grado de

similaridad con el objeto), hasta el máximo grado de realismo visual, que permite la

representación realista en la pintura y el cine de seres que no existen. Estos seres son

decodificados por el receptor desde un punto de vista retórico, pues no tienen

pertinencia en la isotopía icónica del enunciado, aún cuando estén explicadas en la

diégesis las causas de su anomalía.

El aporte de esta investigación es la propuesta de un sistema de semiótica icónica

que posibilita una mejor comprensión de los modos de representación realista

mediante el color.



126

Varinnia JOFRÉ

[email protected]

Curriculum abreviado

Artista plástica, docente e investigadora.

-Formación

Licenciada en Pintura por la Universidad Nacional de Córdoba.

Especialista en Video y Tecnologías Digitales Online - Offline

Tesista del Doctorado en Artes, director: José Luis Caivano; co-director: Fernando

Fraenza.

-Docencia

Profesora Asistente de Visión II en la Escuela de Artes, Facultad de Filosofía y

Humanidades, UNC.

-Investigación

Investigadora de SecyT Categoría V

Participación en varias investigaciones sobre color y cesía

Codirección en investigación sobre la recepción en el arte



127

UN PRIMER ACERCAMIENTO A LA PROBLEMÁTICA DEL COLOR.

Análisis comparativo sobre el uso cromático en dos obras de arte.

Eliana MADERA, Lucía MAILLO PUENTE


(Póster)

El siguiente trabajo lo hemos realizado como estudiantes en la asignatura Introducción

al Lenguaje de las Artes Plásticas, Cátedra Schuster, de la carrera de Artes en la

Facultad de Filosofía y Letras de la UBA.

El color, muchas veces menospreciado en la historia del arte, constituye junto con

otros elementos formales – la línea, el espacio, la proporción y el tiempo – la esencia

misma de la obra3. El objetivo de este trabajo ha sido analizar la utilización del color

en dos obras de arte: “El tres de mayo de 1808 en Madrid” (1814) de Francisco de

Goya y Lucientes y “Jardines (Tunesinos) Sureños” de Paul Klee (1919).

Tomamos dos obras que comparten un mismo repertorio cromático, pero se

diferencian en cuanto al estilo pictórico, al tamaño (la superficie de la obra de Klee es

un 10% más grande en relación a la de Goya), a la disposición (teniendo en

consideración que una obra es vertical y la otra horizontal), y el manejo del color que

se realiza en cada uno de ellas. Si bien las obras de Klee y Goya a primera vista son

muy disímiles, analizando sus componentes cromáticos encontramos fuertes puntos de

comparación. Los tintes utilizados son prácticamente los mismos; esta similitud entre

ambas se evidencia en los gráficos correspondientes al círculo cromático (imagen A).

Todos los tintes, al estar trabajados con distinto valor y saturación y con diferentes

procedimientos, logran abruptas diferencias perceptivas que afectan a la totalidad de

la obra, considerando que “los colores no se perciben aisladamente, sino asociados

unos con otros, cada uno en estrecha relación de dependencia con los que le rodean”4.

En el caso de Klee la mayoría de los colores son saturados y resaltan a la vista y

las figuras se diferencian por relaciones de oposición y complementariedad que

forman una totalidad, más allá de que pueden distinguirse ciertas zonas por intervalos

de color. En Goya, en cambio, los colores son trabajados en su mayoría con

saturaciones medias a bajas y valores bajos para contrastar con la zona central donde

se trabaja con valores altos, y extremos en el caso del blanco. Estas diferencias de

saturación y valor entre ambas obras se hacen visibles en los gráficos de corte del

sólido de Munsell (imagen B).

Partiendo de muy similares parámetros de tintes, cada artista supo apropiarlos a su

modo generando particulares y únicos universos perceptivos.

3 Carbonell, Eduard. Introducción a la Historia del Arte. Fundamentos Teóricos y Lenguajes Artísticos.

Barcelona: Barcanova, 1990. “La Pintura” p. 169. 4 Carbonell, Eduard. Ibidem. p. 179.



128

Eliana MADERA

Lic. En Publicidad (UCES) y estudiante de Artes Plásticas en la Facultad de Filosofía

y Letras. Redactora recibida en la Escuela Superior de Creativos Publicitarios.

Actualmente trabajando en el área de Prensa y Comunicación de Casino Puerto

Madero.

Lucía MAILLO PUENTE

Diseñadora Gráfica (FADU-UBA) y estudiante de Artes Plásticas en la Facultad de

Filosofía y Letras. Integrante de equipo joven de investigación “Diseño, desarrollo y

producción de material didáctico para la enseñanza del color y la cesía (apariencia

visual)”. Docente de la asignatura Comunicación II, Cátedra Ledesma en la FADU-

UBA.



129

EL COLOR Y LAS VIBRACIONES ELECTROMAGNÉTICAS DE OCTAVAS

El color y su relación con otras áreas del conocimiento

Norma MAINERO


(Oral)

Aún en esta época de logros intelectuales y científicos, muy poca gente aprecia la

importancia de la luz, el color, y la energía que nos da el sol cada día.

Todo lo que existe tiene alguna clase de vibración, y es el grado de éstas lo que

determina si es visible, audible, o cómo es de perceptible para el ser humano.

Todos sabemos que el espectro de lo visible comienza con el rojo y finaliza con el

violeta y que el color está determinado por la longitud de onda, pero lo que no

consideramos es que esa frecuencia suscita sensaciones en la mente subconsciente y

en nuestro propio cuerpo físico al punto de modificar esquemas, reacciones, tejidos.

No sólo vemos el color, también lo sentimos sobre las células, los huesos, la sangre.

En este trabajo se expondrá un diagrama del espectro electromagnético, a manera

de un vasto teclado que contiene infinitas octavas, entre las cuales encontramos la

visible, la audible, los invisibles rayos cósmicos, las ondas de radio, los rayos x, etc.

hasta la mente humana, la cual proyecta fuerzas electromagnéticas que conocemos

como pensamientos, que son vibraciones transportadas a través del éter y que tienen

una existencia real en grados ultra elevados y físicamente invisibles.

Interpenetrados por una realidad electromagnética de la cual somos parte, es

oportuno considerar las huellas que dejan los colores, los sonidos o los pensamientos,

en nosotros y en el medio en el que vivimos. Estas vibraciones son para nuestras

células estímulos concordantes tal como una cuerda vibra empujada por las ondas que

genera otra cuerda cercana.

En síntesis, estas asociaciones siembran la curiosidad para seguir explorando este

universo apenas conocido, para la obtención de herramientas que nos posibiliten

servir al equilibrio y a la salud, así como comprender la vital importancia de la

elección del color en una obra de arte, el sonido justo o el pensamiento adecuado,

para uno mismo y para el resto de la humanidad.



130

Norma MAINERO

Música, escritora, docente y artista plástica.

En el área de la música es Profesora Superior de Canto, Prof. Sup. de Dirección Coral

y Ed. Musical y Prof. de Piano. Docente en el Conservatorio de música J. Aguirre en

las cátedras de Práctica Coral, Canto e Instrumento armónico. Desarrolló una carrera

nacional e internacional como Soprano.

En el área de las artes plásticas es Maestra Duncan. Comenzó sus estudios de dibujo y

pintura de la mano de su padre. Más tarde, se formó en las artes plásticas con el

maestro Adrián Martins realizando numerosas exposiciones de sus trabajos de pintura,

grabados y esculturas en poliestireno expandido.

Realizó el montaje de obras para la Aldea ecológica de Burzaco y de Capital Federal,

interviniendo como artista invitada con series de pinturas compuestas por técnicas

mixtas.

Tomó clases de pintura sobre porcelana y cerámica Talavera, con la Prof. Haydeé

Amato.

Aprendió la técnica de serigrafía en soporte cerámico con la Prof. Silvia Barrios.

Realizó estudios de Cerámica en la Municipalidad de Lomas de Zamora, y

actualmente cursa la tecnicatura en cerámica en la Escuela Municipal de Cerámica de

ese distrito.

Como escritora tiene realizados los siguientes textos:

Antología poética de Esteban Echeverría.

La técnica pianística – Brugnoli – Traducción al castellano-

Método de lectura entonada para principiantes; Ed. Abedul -

Cuentos, canciones y poesía; Ed. Landeira

Cuentos, canciones y danzas tradicionales; Ed. Landeira

Efemérides, actos y carteleras, Ed. Landeira

Discursos, actos y carteleras, Ediciones Landeira,

Danzas, canciones y leyendas de raíz folklórica, LESA

Cancionero, recursos pedagógicos- LESA

Danzas, usos y costumbres- LESA

ECOVIAJE, texto declarado de interés educativo por el Ministerio de Educación de la

Nación, interés cultural declarado por la Secretaria de Cultura de la Nación y de

interés nacional decretado por la Presidencia de la Nación.- (inédito)

Cuentos de Mármol – Ed. Abedul.



131

El COLOR EN LA PINTURA: TRATAMIENTOS, EFECTOS Y ESTILOS.

Cristina MANGANIELLO

Facultad de Bellas Aartes-Universidad Nacional de La Plata-

Grupo Argentino del Color

(Oral)

El maravilloso color de Van Gogh-las intensas vibraciones del color de Noe-las

sutilezas cromáticas de Morandi., la luminosidad del color de López Osornio, son

apenas pruebas de que el color en la pintura requiere de experimentación sobre bases

claras, para obtener efectos subyugantes, modestos o inexistentes.

Esta charla enunciara estas bases y facilitara la experimentación pragmática para

nuevos hallazgos y efectos, que apunten a subyugar al espectador de la pintura.

Observando los efectos planteados por los pintores nombrados y su construccion

significativa de dichos efectos.

Así, se recordaran efectos cromáticos tradicionales con materiales tradicionales,

como el óleo, la tempera o la acuarela, y un tanto mas nuevos como el acrílico. Y

algunos de los efectos contemporáneos logrados con técnicas mixtas o con pigmentos

no tradicionales, como en el caso de las pinturas de Noe.

Conocer y /o experimentar estos efectos, nos acercara al lenguaje compliejo de los

logros sensibles del arte pictórico, tanto desde el hacer, como desde el interpretar y

diosfrutar.



132


Nacida casualmente en La Plata, residió allí desde los 5 años, y hoy día vive en

capital desde hace ya seis años.

Graduada en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata,

como Profesora y Licenciada en Pintura, fue alumna de los maestros Hector Cartier,

Bruno Venier, César López Osornio, Guillermo Martinez Solimán y Naum Goijman.

Actualmente allí es Profesora y directora de proyectos de investigación en el area de

la comunicación visiva y el color.

Dentro de nuestra institución, el Grupo Argentino del Color (GAC) es

actualmente su Vicepresidente.

Tiene numerosos trabajos publicados sobre el tema, desempeñándose desde 1969

como artista visual, mostrando su obra ininterrumpidamente. Esta es posible de verse

en varios museos del país y del extranjero, y en su web:

www.cristinamanganiello.com.ar



133

EL PROBLEMA DEL COLOR EN LA ESCUELA DE ARTES.

Estrategias y conceptos pertinentes desde la perspectiva de su complejidad.

María del Carmen NISS

Institución: Facultad de Humanidades y Artes. U.N.R.


(Oral)

Abordar la enseñanza de Teoría del Color en una escuela de artes impone la pregunta

sobre qué teorías o aspectos de éstas son útiles para el estudiante.

Aceptado que el color es un elemento del lenguaje visual, se pone al alumno en

contacto con su complejidad para despejar aquello que resulta ventajoso conocer.

El proceso se inicia con el análisis de situaciones donde el color es utilizado para

comunicar -señalizaciones, indumentarias, publicidades gráficas, paisaje urbano-;

aspectos de la naturaleza donde funciona como dato o señal, y obras artísticas de las

que se infieren usos cromáticos con diversas intensiones expresivas o comunicativas.

Al incluir el color entre los medios de expresión y de comunicación se sitúa al

alumno ante la pregunta del cómo y el con qué se manifiesta “lo que se dice”. Así

surge la necesidad del estudio teórico y práctico del color. Siguiendo la idea de Néstor

Sexe que “el color connota”, no significa, se aborda la producción del color a partir de

problemas formales a resolver, ya que “el sentido” surgirá de la misma producción y

la intención que se ponga en la tarea.

Inicialmente, se propone una serie de ejercicios con diferentes materiales cuyo

objetivo es aproximarse a las tres variables perceptivas: tinte, valor y saturación,

infiriendo que el contraste de color genera forma y por lo tanto se constituye en

elemento fundamental de la composición o “enunciado” visual. Los materiales

propuestos -translúcidos y opacos- dan lugar a explicar las tres modalidades de

producción del color - mezclas aditiva y sustractivas - y sus aspectos físicos y

fisiológicos.

Concluido que el color configura la imagen en todos sus niveles, se inicia el

estudio de la mezcla pigmentaria afianzando conceptos (especialidad del color, forma

abierta y cerrada, relación figura- fondo, equilibrio) e incorporando la idea de la

relación cromática como agente que, mediante el contraste o la semejanza, une,

separa, vincula, discrimina, unifica, disgrega, segrega, mimetiza, articula, desarticula,

grita, susurra, reclama la mirada, le proporciona reposo o la hace circular.

Posteriormente se ponen en práctica estos conceptos en trabajos tridimensionales

alcanzando el problema de color y contexto. Se finaliza el proceso con un trabajo

globalizador consistente en variar cromáticamente una misma imagen, en la bi y en la

tridimensión, analizando sus cambios formales y semánticos.

Nuestro objetivo es mostrar que este desarrollo converge en la construcción

teórica del color como verdadero elemento de expresión que permite la transposición

de ideas o intenciones del plano de los puros conceptos al plano de los objetos

artísticos significativos.



134


Licenciada y Profesora en Bellas Artes egresada de la U.N.R.

Profesora Titular de Teoría del Color en la Escuela de Bellas Artes de la Facultad de

Humanidades y Artes de la U.N.R.

Profesora de Dibujo en Diseño y Producción de Objetos Decorativos; Diseño y

Confección de Indumentaria y Decoración de Interiores en la E.E.T. n 463 de Rosario.

Profesora del área Artística en el Nivel Medio.

Ha realizado Charlas y Ponencias sobre el Color en el Teatro de Sombras; La Pintura

de Juan Grela y El Color en la Enseñanza Artística entre otras.

Expone en Muestras individuales y grupales desde 1992.

Cursa la Maestría en Educación Artística en la U.N.R.



135

EL COLOR-LUZ EN EL DISEÑO DE TEJIDOS.

Relatividad de los sistemas de colores.

Gabriela OBERLANDER.



(Oral)

En el diseño de tejidos generalmente se trabaja con fibras y colorantes para generar

los colores-luz; sin embargo la percepción de los mismos es posible gracias a la luz-

color que los ilumina. La expresión “Color-Luz” alude a la idea de que el color

también es luz, y que la luz también es color. El juego de estos estímulos es quién

despierta nuestra percepción visual. Se considera “Color Primario” al color que no

puede ser obtenido por la mezcla de ningún otro.

Los colores espectrales pudieron explicarse cómo componentes de la luz blanca

solar. Y mediante el desarrollo de la actividad humana (el arte, las técnicas, la ciencia,

el diseño) la luz y los colores se generan. Técnicamente en la creación de luces y

colores, se llama “Colores Primarios” a los que permiten, mediante sus mezclas dar

origen al “resto”. En la actividad de diseñar con la materia “iluminante” se reconoció

al sistema llamado aditivo, la sumatoria de las distintas longitudes de onda forman la

luz blanca. Técnicamente, la sumatoria de la triada del color Rojo, Verde y Azul

generan la luz blanca artificial (también se demostró mediante el azul y el amarillo).

Por otro lado, los materiales que activan su color-luz frente a esa energía generadora,

lo hacen reflejando sobre su superficie. Cuando en las combinaciones hay absorción

de luz, hay sustracción, se retiene un poco y se refleja otro poco, el que se hace

visible. Los materiales que reflejan color-luz, pueden caracterizarse por diferentes

comportamientos según sus características, determinados componentes permiten una

mezcla íntima que genera una nueva apariencia material, por ejemplo la mezcla de

pigmentos, y otros se afectan por la superposición visible de los materiales

traslúcidos. Dos sistemas de colores primarios sustractivos fueron trabajados

resolviendo distintas situaciones técnicas. Por un lado se trabajo la idea de los

primario Rojo, Amarillo y Azul para las mezclas pigmentarias, y por otro lado el

Cyan, el Amarillo y el Magenta para el empleo de los materiales traslúcidos

superpuestos y yuxtapuestos.

En el diseño de tejidos, las mezclas características están formadas por pequeñas

superficies yuxtapuestas que provocan una mezcla óptica en el observador, quién

completa la lectura general. Sin embargo considerando el proceso productivo de un

textil y su utilización en un contexto, intervienen e interactúan constantemente los

sistemas aditivos y sustractivos, la presencia de la luz ilumina, los colorantes se

mezclan, se diluyen, se superponen y se yuxtaponen. Diseñar tejidos es imaginar el

color-luz material que se va a poner en juego.



136

Gabriela OBERLANDER

Soy Diseñadora Textil egresada en el año 2002 de la Universidad de Buenos Aires, y

desde el año 2004 hasta la fecha ejerzo la docencia en la misma Universidad.

Actualmente me desempeño como Jefa de Trabajos Prácticos en la materia de Diseño

textil, habiendo cumplido también la misma función en la materia de Técnicas de Producción Textil, en las Cátedras de la Maestra Marisa Camargo.

El primer trabajo realizado en una fábrica textil fue en el año 2002, desarrollando los

coloridos en una estampería industrial, y descubriendo “la cocina del color”. A partir

de ese momento efectué diseños de ligamentos para telares semi-industriales y

estampados para alfombras; diseños para serigrafías de vajillas; diseño de tejidos para

tapicerías con tecnologías Ratier y Jacquard; asesoramiento en diseños de colección y

estudios de color para tejidos de punto en máquinas circulares; participé en tareas de

puesta a punto de un nuevo equipamiento de impresión digital para tejidos y continuamente genero diseños continuos.

De manera simultánea desarrollo mis propios diseños textiles; desde el año 1998 al

2009, junto a Mariana Oberlander, creamos “Ober”, accesorios textiles

/www.carterasober.com/; y actualmente estoy trabajando en “traspasar”, un concepto

de diseños para decoración /www.traspasar.com/.

En el año 2007 emprendí un viaje de investigación y formación profesional realizando

una pasantía en docencia en el área de Tejidos y Experimentación Textil en la

Universidad de Arte de Bezalel, en Jerusalem, Israel; y en un Taller de Batik en

Shantiniketan, West Bengal en India; para concluir y… Empezar con un trabajo de

investigación acerca de “El Color-Luz en el Diseño de Tejidos”, que sigue en curso y próximamente será publicado.



137

EL COLOR VISTO COMO FORMA EN EL DESARROLLO EVOLUTIVO

Marianela SERRA


(Oral)

Este estudio pretende resaltar el énfasis del color percibido como forma y como un

todo en el individuo.

Dado que la forma y el color pueden distinguirse entre sí y compararse, la idea

de sugerir la diferencia, resulta poco acertada, ambas se manifiestan desde su

concepción, como complementación: color-forma / forma-color.

El valor compositivo se manifiesta en un todo y posteriormente en la reflexión de

las partes, ambas son fácilmente receptivas y perceptivas, organizándolas, el individuo

según su personalidad.

Desde un enfoque pedagógico constructivista se abordará el color/forma a partir

de dicho concepto, con el fin, por sobre todas las cosas, de dar prioridad a la

capacidad creadora del ser humano en su puesta de utilizar e implementar el color.

En lo referente, citaré a desarrollo personal un proyecto pedagógico de educación

especial, en coparticipación con el proyecto “Jóvenes Artistas” de Argentina. Dicho

trabajo propone la posibilidad de re significar la individualidad y el desarrollo plástico

expresivo, mediante el quehacer de un mural en trabajo grupal. Se aborda la cerámica

escultórica y lineal como manifestación plástica en lo que refiere a la forma y color en

toda su abstracción. Dicho proyecto reúne a niños de distintas partes del país, como

así, de sus diferencias, las cuales, enriquecen y valorizan el trabajo artístico.

Finalmente este contexto, será enmarcado dentro de una referencia histórica. En

el manifiesto del arte concreto en 1930 se comenzaba a afirmar una forma de

abstracción, en donde se liberaba cualquier asociación simbólica con la realidad,

siendo las líneas y los colores concretos, por sí mismos, predominando la forma sobre

el color, utilizando en obras pictóricas los colores planos. Asimismo el arte Madi,

continuaría desarrollando el concepto, pudiendo apreciar hoy día, los legados que

nos dejaron.

Dicha referencia, la podemos apreciar desde el trabajo de una excelente artista

plástica, llamada Carola Zech, quien plasma en su obra una visión de esta lógica, en

la representación de un sistema magnético que intenta mostrar la relación que existe

entre el color, el espacio y la forma.



138

Marianella SERRA

[email protected]

Escuela DE LA SALLE. Área Educación Especial. Profesora de Plástica.

Resido y trabajo en Buenos Aires. Mi formación artística se inicia en la escuela

Municipal de Cerámica nro.1, donde el barro fue motivo disparador para

concentrarme en el arte en lo consecuente de mis estudios. Maestros como Vilma

Villaverde, Leo Tavella, fueron grandes referentes, los cuales, marcaron mi pasión por

el arte y las ansias, no solo de él encause de una visión artística propia, sino también

de la transmisión y puesta de la misma. Asimismo, desde muy temprano, el ser

partícipe de una itinerante auspiciada por la embajada de Taiwán donde junto a un

grupo de excelentes artistas, propiciábamos dentro del denominado grupo de cerámica

contemporánea, una itinerante, que invitaba al encuentro entre ambas culturas, en el

recorrido de numerosos museos de la republica Argentina, donde el foco era puesto

en hacer conocer a la escultura cerámica, con la impronta expresiva que tiene en su

visión plástica.

El instituto de Bellas Artes Beato Angélico, me permitió darle una mirada más

amplia a lo pedagógico y al conocimiento plástico, recibiéndome como profesora en

Artes Visuales en dicho instituto. En mi labor profesional he puesto, un intenso

énfasis por sobre todo, en el trabajo con niños desde muy temprana edad, como así

también en niños con capacidades diferentes.

Para ello, este compromiso docente y artístico planteado, se enfoca desde edades muy

tempranas, como así también, en los diferentes niveles educativos , tratando de

generar espacios de intercambio donde miradas se complementen entre sí, para

potenciar los trabajos personales que cada uno transita ,en relación de uno con los

otros.

En lo referido a lo artístico, he participado en numerosas muestras, tales como:

Fundación Igualdad Ciudadana. Arte por la igualdad. España, Feria Internacional de

Arte Contemporáneo ARCO (Madrid), Consejería de Cultura y Turismo de la Junta de

Extremadura. Consorcio Cáceres. "Di-versiones" museo casa de Yturria

,"Transformaciones "Galería de arte Budha Ba", "La encantadora Taiwán", miembro

del grupo de las jornadas internacionales de cerámica contemporánea, cuya muestra

itinerante recorrió numerosas provincias de la Republica Argentina, entre otras

muestra. Como he de mencionar su objetivo en el párrafo anterior.

Coordino exposiciones de artistas plásticos en Santa Cruz de la Sierra, Bolivia, en la

galería de arte "Axioma", arte, diseño & comunicación, donde ofrezco obras de

artistas de gran trayectoria tanto a nivel nacional como internacional. La misma se

presenta como un lugar de intercambio cultural, mostrando obras tanto de artistas

Argentinos como Bolivianos. La experiencia de dicho proyecto, se genera en un

ímpetu de generar espacios (al igual que en el ámbito educativo) de intercambio

cultural en donde el arte sea llevado en un modo de entenderlo a pesar de las

diferencias culturales como una mismo lenguaje expresivo que nos reúne a todos en el

arte.




139

ARTEMIO ALISIO - EL COLOR EN SUS TRABAJOS ARTÍSTICOS DE

CERÁMICA. 1966-1990. CONCEPCIÓN DEL URUGUAY, ENTRE RIOS,

ARGENTINA.

Brian Edgardo TOMBA


(Oral)

Por 1966 este artista plástico de reconocimiento internacional da a luz la primera

cerámica, pieza sencilla pero impactante, trabaja el contraste valiéndose del

desarrollo de la policromía con los elementos que le proporciona la sabia naturaleza.

Materia prima local para realizar sus engobes, paleta de colores terrosos que supo dar

vida a toda una serie de magníficos trabajos artísticos. Entre ellos el rojo, el marrón,

el negro y el blanco.

Unos años más tarde por el año 1967 pasa de un trabajo plano a la figura con

volumen, esculturas de pequeño formato, en las cuales se mantiene la gama de

colores tierras jugando con un significado figurativo, como lo son las lechuzas o

búhos, felinos, reptiles, entre otros.

Los primeros platos por el año 1974 continuo trabajando con la misma tonalidad,

colores escasos pero profundos en su combinación, destacando la figura.

Años más tarde por el 1979 realiza la introducción de guardas a sus diseños,

manteniendo aun la policromía.

Podemos decir que estos engobes entre su primer cerámica hasta sus trabajos de

1980 se destacan por la particularidad de la utilización de colores tierras, como así

mismo la sencillez del trabajo que mantiene en el estilo que lo caracteriza.

Para el 1982 comienza a utilizar un solo color de los engobes, salvo detalles

minuciosos realizados con blanco, acompañados de “esgrafiado”, técnicas que dio

contraste y relevancia a sus obras.

Durante este tiempo vemos la introducción de otros tintes a su paleta, el verde, el

azul cobalto, el celeste, sin desprenderse de los tierras tan apreciados en sus trabajos.

Para principios de 1990 se destaca la incorporación de nuevos diseños, rasgos

precolombinos, influenciado por sus viajes a Bolivia y Perú. Realiza relevamientos

fotográficos de Sitios Arqueológicos en Chancay y Pachacamac en la costa del

Pacifico, Cuzco, Pisac y Machu Pichu en el Perú Central. Este enriquecedor

intercambio de culturas influencia en sus trabajos notablemente, introduce el

puntillismo y el volumen que emerge de la superficie plana.

A mediados del 90 realiza trabajos dentro de una gama de azules intensos,

aplicando estallidos de color blanco. La observación de este periodo es que efectúa un

gran contraste de los colores entre las guardas del contorno de sus trabajos, con el

interior.

Hoy este estilo tal personal de Artemio Alisio se puede apreciar en los famosos

platos que nos ha dejado como patrimonio Cultural a la provincia de Entre Ríos,

Argentina.



140

El presente estudio es solo una parte de la carrera artística de esta gran figura que

prestigia el Arte cerámico Argentino. Investigación abierta que continuará con el

análisis de sus últimos años de trabajo.

Brian Edgardo TOMBA

[email protected]

Actualmente cursando cuarto año de la Carrera de Ciencias Económicas en la

Universidad de Concepción del Uruguay (UCU).

Asistencia a la Esc. taller de cerámica de C. del U., a cargo de Guillermina Arrigo y

Leticia Moyano de Gradizuela. Realizado en Sociedad Italiana La Benevolenza.

Participación en la Feria Nacional de Artesanía de Colón, Entre Ríos. 2007.

Participación de la Convocatoria “Placas de Artistas” en Pasos de los libres-Corrientes

organizado por Cristina del Castillo. Curso de photoshop al servicio de la cerámica, a

cargo de la profesora nacional en cerámica artística y técnica en cerámica artística

Belén Alonso. Noviembre de 2009. Asistencia al VIII Seminario Bienal de Cerámica

realizado en Villa Gesell (Declarado de interés educativo por el consejo Escolar de la

Provincia de Bs. As.). Participación del XLVI Salón Anual de Artistas Plásticos de

Entre Ríos 2009, quedando seleccionado la obra “TERRA NOVA” en especialidad

cerámica. Dictando clases en la Esc. taller de cerámica de Concepción del Uruguay

(E.C.C.U) bajo la dirección de Graciela Díaz Vélez, desde el 2010, dictando

actualmente la materia Química I y II aplicada a la cerámica. Asistencia al IX

Simposio Internacional de Cerámica en el Instituto Municipal de Cerámica de

Avellaneda.2010. Participación en distintas Convocatorias de “Placas de Artistas”

(San Francisco – Córdoba 2010, Concepción del Uruguay – Entre Ríos, Escuela

Fernando Arranz Capital Federal – Bs. As., Almirante Brown – Bs. As., “Rawson en

el Bicentenario”, entre otras). Participación del 99° Salón Nacional de Artes Visuales

2010, “Palais de Glace, Palacio Nacional de las Artes”. Asistencia a las 8º Jornadas

Internacionales de Cerámica Contemporánea, realizada en el 2010. Participación

como Tallerista en el 2do. Encuentro Nacional de Ceramistas y 1er. Encuentro

Internacional del Colectivo Cerámica Uruguay, llevado acabo en la R.O.U –

Tacuarembó - San Gregorio de Polanco. Autor de la Obra en Cerámica recordatorio al

Homenaje a Miguel Hernández en el Centenario de su Nacimiento, realizado el

29/10/10 en el Rectorado de la UNER, Sala Teatro 1º de Mayo, Concepción del

Uruguay –Entre Ríos. Pasando hacer patrimonio de la Fundación Cultural Miguel

Hernández en Orihuela – España. Participación en la Convocatoria de “Placas de

Artistas” de Gualeguaychú – Entre Rios.2011

Asistencia al Seminario Intensivo de Serigrafía aplicado a la cerámica y vidrio dictado

por la Artista Plástica Silvia Barrios en la Esc. taller de Cerámica de C. del U. – E.R.




141

Identificación de niveles y oposiciones de valor.


Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata

E-mail: [email protected].

(Oral)

Organización didáctica sobre el tema: valor del color, realizada dentro de la

investigación “Teoría del Color y Práctica Pictórica” cuya finalidad es indagar

sobre el aprovechamiento de los fundamentos del color en el taller artístico.

Partiendo de la rueda de valor realizada por Betty Edwards, se desarrollan

ejercicios para su comprensión y aplicación. La ampliación del archivo mental

referido a la categoría de valores y su ordenación de oposiciones, descubre su

potencia enriquecedora para la identificación, obtención y elección compositiva de

valores.



142

María Beatriz WAGNER.

Institución Facultad de Bellas Artes. UNLP-

[email protected].

Profesora y Licenciada Superior en Pintura. Facultad de Bellas Artes UNLP.

Es Profesora Titular de la Cátedra Dibujo Complementaria I turno noche, y Profesora

Titular del Seminario: El color en las Artes Visuales, ambos de la Facultad de Bellas

Artes de la Universidad Nacional de La Plata.

Directora de proyectos de investigación del Programa de Incentivos en la UNLP.

Dirige tesinas de grado, becas y tesis de posgrado en la UNLP.

Ha formado parte de Comisiones Evaluadoras de Becas y de Comisiones Asesoras de

Concursos docentes de la UNLP.

Es autora de varios artículos sobre la enseñanza del dibujo y la pintura.




143



144

Los resúmenes que siguen a continuación no fueron publicados con

anteriormente.



145

PROGRAMA / 2009 JORNADA NACIONAL DEL COLOR EN LAS ARTES 2009

Martes 14 de abril.

Facultad de Arquitectura y Urbanismo. Aula de Teleconferencias.


Pabellon 3. Piso 4º. Ciudad Universitaria.

1º mesa: 10 hs. a 12 hs

- Perla Santángelo: El color refleja nuestro interior. La importancia de las leyes

cromáticas.

- Prof. Lic. Manuel Rubín. Teoría de la oposición cromática.

- Omar Burgos: El corazón de La Gioconda.

- Silvia Barrios: Simbología del color en la cerámica china: “El ejército de los 7.000

guerreros de terracota del emperador Qin”.

- Lic. Carina Ferrari: El color en la obra de Lucio Fontana.

Pausa almuerzo.

2º mesa: 13, 30 hs. a 15, 30 hs.

- Carlos Pinto: El color digital en la ilustración: Del lápiz de madera al lápiz óptico.

- Emilia Rabuini: Benito Quinquela Martín y los pintores de La Boca. El color como

medio de expresión de la vida de un barrio.

- María del Carmen Niss: Juan Grela G. Un paradigma.

- Carlos Alcibíades Esquivel: Jóvenes artistas rosarinos. Una mirada actual vinculada

al color.

- Roxana Troisi: El uso expresivo del color en el film ”El cocinero, el ladrón, su

mujer y su amante”.

- Graciela Marotta: El color, el espacio y otras cosas … en el discurso de la obra.

Pausa café.

Posters:

- María Eugenia Bravo: Los colores pueden ser complementarios si entre ellos vibran.

3º mesa: 16 hs. a 18 hs.

- Claudio F. Guerri y William S. Huff: Los monocromos de Yves Klein o, por qué un

ejemplo falla en transmitir un significado congruente.



146

- Cristina Manganiello: Color y forma: signos icónicos particulares del transcurso del

tiempo en la pintura y en mi pintura.

- Juan Sebastián Carnero: Impresión en cmyk de un grabado en relieve. Organización

de los recursos y la preprensa.

- María Celia Grassi, Angela Tedeschi y Norma Emma del Prete: Integración

comunicacional y estética de fragmentos de luz y color.

- María Paula Giglio: Desarrollo de tecnologías artesanales sobre el aerosol:

ampliación de la paleta de color en el graffiti hip hop de Mar Del Plata.

- Alejandra Jones, María Jones: Obtención del color en la cerámica Chulucanas.

18 hs a 19 hs.

El color como vehículo de la imaginación

Performance participativa.

Coordinación: Nora Cherñajovsky



147




148



149

SIMBOLOGÍA DEL COLOR EN LA CERÁMICA CHINA: “EL

EJERCITO DE LOS 7000 GUERREROS DE TERRACOTA DEL

EMPERADOR QIN”.

Silvia BARRIOS

[email protected]

www.silviabarriosarte.com.ar

Verdadera obra escultórica considerada La Octava Maravilla del Mundo.

Su valor histórico-cultural ha dejado una interesante influencia en el mundo entero.

Motivo por el cual la UNESCO en 1987 declara al descubrimiento patrimonio de la

humanidad.

El Museo, de los 7000 Guerreros de Terracota que custodian al primer emperador de

la historia de china, Qin Shi Huangdi, es el único In situ de toda China

Se abordara como tema principal la simbología del color de uno de los más grandes

hallazgos del siglo xx.

Análisis del color en estrecha relación con la ubicación del Mausoleo.

El color como elemento de representación de la naturaleza basada en la teoría de los

cinco elementos.

Estudio del color en la vestimenta de la época

Elaboración de verdaderas piezas escultóricas a escala humana, del 246 AC.

Restauración de las Terracotas.

Preservación de la policromía en constante estudio.


http://www.silviabarriosarte.com.ar/



150

LOS COLORES PUEDEN SER COMPLEMENTARIOS SI ENTRE

ELLOS VIBRAN.


[email protected]

¿Por qué pensar que solo hay tres maneras de ver los colores complementarios?

Todos sabemos que las parejas de complementarios se van a formar mezclando un

color primario y otro secundario, donde tendremos un equilibrio de luminosidad; un

equilibrio de claro-oscuro y otro equilibrio de cálido- frío. Éstas son las ideas que

todos conocemos desde las diferentes teorías de color.

Pero por qué no pensar que si un par de colores, ya sean uno primario y uno

secundario o algún análogo que no sean los complementarios convencionales, vibran,

pueden ser complementarios.

Para poder lograr esa vibración, no solo necesitamos de dos colores, que no van a ser

necesariamente uno primario y otro secundario, sino que necesitamos de la forma y la

combinación de ésta con el fondo, para poder lograr con formas simples una idea de

ambigüedad entre las figuras y el fondo.

A esto hay que sumarle la percepción que cada persona pueda tener sobre el color, ya

que no todos vemos y percibimos los colores de la misma manera.




151

LA GIOCONDA, análisis e interpretación.

Omar BURGOS

[email protected]

En 1503, después de dejar improvistamente el mecenazgo de Cesar Borgia, Leonardo

da Vinci regresó a Florencia y se dedicó durante tres años a pintar el retrato de la

Gioconda.

El cuadro apenas terminado deslumbró a la comunidad artística florentina e influenció

directa e indirectamente en la pintura europea durante más de tres siglos.

La Gioconda expone parte de las propias ideas estéticas, científicas y filosóficas de

Leonardo, adquiridas a través de sus primeros 35 años trabajo e investigación.

Como dice Kenneth Clark, la Monna Lisa es una de esas obras de arte que por sus

contenidos, cada generación debe volver a interpretar.

En esta obra nada es casual o arbitrario, desde el color y la atmósfera del cuadro hasta

la forma de los pliegues de la ropa, desde su organización geométrica hasta el

claroscuro magistral del “sfumatto” perfecto, desde la mirada huidiza hasta la

enigmática sonrisa que cautivó al mundo, todos y cada uno de los elementos de la

imagen se conjugan entre si, superando el mero concepto del retrato y haciendo que el

cuadro fuera revolucionario en diversos aspectos.

Este trabajo intenta un análisis completo de la Gioconda desde el punto de vista

plástico (cromático, lumínico, formal y compositivo), presenta una interpretación

personal de su punto de vista filosófico y menciona en el campo científico, una

coincidencia que aparentemente no ha sido estudiada, entre su composición y algunos

párrafos de los manuscritos A, H e I de París, del mismo Leonardo.




152

“IMPRESIÓN EN CMYK DE UN GRABADO EN RELIEVE”

Organización de los recursos y la preprensa.

Juan Sebastián CARNERO

[email protected]

www.grabadoscarnero.blogspot.com

El objetivo de la ponencia es explicar claramente la forma en que es posible imprimir,

a partir de la cuatricromía, una gama más amplía en la impresión manual, teniendo en

cuenta los recursos y la preprensa.

Los resultados obtenidos son a partir de la experiencia: realizando el boceto a color y

teniendo en cuenta las trasparencias de la fibra, es posible tener una visión previa del

resultado de dicha impresión.

Estandarizando los recursos, tales como tipo de rodillo, prensa, papeles y tintas, es

posible agilizar el proceso de impresión, analizando previamente la secuencia de

colores.

Según el tipo de trama que se superpone, luego de ser grabada, es posible obtener

diversos tipos de naranjas, verdes y violetas, los cuales surgen por superposición del

cyan, magenta, amarillo y negro.

Dichos resultados, aportan una gama más amplia de colores a la obra final,

enriqueciendo la imagen.


http://www.grabadoscarnero.blogspot.com/



153

EL COLOR COMO VEHICULO DE LA IMAGINACION

Proyecto de Creación Colectiva.

Nora CHERÑAJOVSKY

[email protected]

[email protected]

Arte Relacional

A partir de la elaboración teórica de Nicolas Bourriaud, podemos inscribir esta

experiencia en el campo de la Estética Relacional, donde la parte más vital del juego

responde a nociones interactivas, sociales y relacionales. Hoy la realización artística

aparece como un terreno preservado de la uniformidad de los comportamientos,

intentando una “utopía de proximidad.”

En relación al concepto de Color tomo como fuente a Pablo Palazuelo, maestro

catalán, que en sus Escritos* se pregunta sobre diversos temas de la creación plástica,

entre los que profundiza sobre el color.

Sostiene que la luz es energía que cuando se conjuga con otra energía más lenta, más

material, entra en resonancia con ella coloreándose las dos conjuntamente. Y

menciona a Goethe, que dijo: “los colores son los actos, los trabajos y las penas de la

luz”.

Piensa que los colores no son en sí mismos puros ni impuros, ni bellos ni lo contrario.

Todo depende de nuestra capacidad para imaginar, para pensar con ellos y de los

sentimientos y emociones que ellos evocan en nosotros.

El color impulsa a la imaginación en su capacidad visionaria tendida siempre más allá

hacia la percepción de siempre nuevas conformaciones de la energía substancial. De

todos modos, las formas nunca son definitivas,

están en constante transformación.

Lo imaginado es el vehículo de energías psíquicas primeras, dinamismos del alma,

expresados como una música de los colores.

En ese sentido se anima a decir que la vista y el oído están en muy intima relación,

los colores se pueden ver y sentir pero también se pueden escuchar. Nos invita a

imaginar un color que como una perpetua efusión resplandeciente, como un sonido sin

fin, impregnara todas las direcciones del espacio, toda una extensión sin límites, sin

horizontes. Pero allí también nuestra visión puede comenzar a oscurecerse con el

avance de las sombras de un crepúsculo en aumento, fundiendo poco a poco el color

en un negro, regazo de todos los colores.

Performance participativa:

Se propone un espacio-tiempo donde los participantes puedan experimentar la

creación de un collage colectivo sobre un soporte liviano, con diversos materiales

coloridos, jugando con estos elementos: conexión interna, armonías o desarmonías,





154

luz y oscuridad, lo visible y lo escondido, las formas y su ser efímeras al

transformarse continuamente.

Poniendo el cuerpo en acción, con otros, como estímulo directo de la Imaginación

Creadora, para pasar por la experiencia sensorial subjetiva del color que propone

Palazuelo.



155

JÓVENES ARTISTAS ROSARINOS. UNA MIRADA ACTUAL

VINCULADA AL COLOR

Carlos Alcibíades ESQUIVEL

Escuela de Bellas Artes.

Facultad de Humanidades y Artes UNR. Rosario Sta. Fe.

[email protected]

Es nuestra intención abordar el estudio del color con los diferentes modos de usos en

la representación de las artes visuales, a través de un recorrido sincrónico y

significativo de los últimos 50 años. En el planteo inicial se hace referencia a la

problemática de la pintura ilusoria, característico del plano, hasta llegar a expresiones

actuales que superan los límites de la bidimensión e interactúa con el objeto y el

espacio.

En lo específico, es nuestro objetivo hacer un recorrido teórico de artistas del medio

local rosarino: Mabel Temporelli, la artista centra su mirada en lo femenino, aquellos

pequeños rituales de lo cotidiano, que se inserta en el árido mundo de la mujer y de lo

privado; Daniel Oberti, que explora materiales nuevos y en el proceso de

descontextualización opera sobre los objetos para volverlos a codificar. Claudia

Raimondo se vale de la acción performática para disparar mediante la gastronomía su

hacer artístico; y Mabel Burel señala a objetos cotidianos y alimentos que, a manera

de escaparate, mediante carteles cambia los nombres en un idioma muy personal.

Para poder entender el hacer artístico actual es necesaria una mirada en las obras

representativas de los diferentes períodos seleccionados del arte. La investigación

mediará en el análisis teórico de obras y no será un desarrollo cronológico. En los

años sesenta hay una búsqueda de nuevos soportes y se produce un cambio de la

mirada del espectador. El Op Art y el Arte Cinético recurre al color y la luz mediante

la dinámica y el movimiento, proponiendo una mirada universal y un arte puramente

retiniano; paralelamente al Pop, en la Argentina, se gesta a partir de los ’60 la

Neofiguración que se opone a lo imperante, el Informalismo; desde aquí ya se habla

de medios mezclados.

En la actualidad la producción artística no tiene fronteras, es interdisciplinaria,

colectiva y hasta puede ser efímera; de todos modos, el color se manifiesta de

diferentes maneras, no existen límites para poder representar una idea, las obras

interactúan con el espacio real: las instalaciones, las acciones y las intervenciones

urbanas. En el aspecto virtual está el video, el arte de red e Internet.




156

EL COLOR EN LA OBRA DE LUCIO FONTANA

Lic. Carina FERRARI

Instituto Universitario Nacional del Arte

[email protected]

Esta ponencia surge de la investigación llevada a cabo por el equipo dirigido por la

Lic. Graciela Marotta y radicada en el Instituto Universitario Nacional del Arte, cuyo

tema es El espacio topológico en la obra de Cándido López, Raúl Lozza, Lucio

Fontana y Víctor Grippo.

Es a partir de este análisis, que se basa en un estudio del uso del espacio cualitativo en

la producción de los distintos artistas, que se puede afirmar que en la obra de Lucio

Fontana esa indagación topológica no es dada solamente por las distintas situaciones

que plantea en el espacio real, sino también por el uso que hace del color.

El objetivo de la ponencia, entonces, es mostrar cómo Fontana, a partir de una

novedosa utilización del color y en especial del brillo, los reflejos y la luz, realiza

experiencias espaciales complejas primeramente en el espacio tridimensional virtual

de la tela, poniendo luego de manifiesto su tridimensionalidad real.

Partiendo de sus obras informales, donde comienza a utilizar colores tierras aplicados

con mucha materia, pasando por sus agujeros (con o sin aplicaciones de materiales

brillantes como el vidrio o las lentejuelas) hasta los tajos monocromáticos, toda su

obra es una investigación sobre el espacio. Este espacio, que trasciende los límites del

bastidor y que es puesto en evidencia por la obra de Fontana, se sustenta no sólo en

esas perforaciones y el avance y retroceso del plano soporte, sino también en el color

saturado y el tipo de pintura elegido, siendo muchas veces esmalte sintético.

Es desde este lugar que el análisis de su producción puede contribuir al estudio del

color, ya que éste en Fontana no es utilizado en combinación con otros. No pinta

figuras geométricas con distintos colores buscando que se modifiquen unos a otros, ni

los neutraliza; parecieran ser puestos tal y como salen del pomo: el color plano y

pleno en su máxima saturación, de manera monocromática. Las variaciones del color

están dadas por el espacio real. La diferencia de valor está dada por la sombra real que

proyecta la tela sobre el bastidor al ser perforada.

Y es en esa elección de la aplicación del color, dejando de lado los juegos de

interacción y poniendo el acento en la vibración de cada color por separado, como

logra toda la potencia en su indagación del espacio.




157

INTEGRACIÓN COMUNICACIONAL Y ESTÉTICA DE

FRAGMENTOS DE LUZ Y COLOR

María Celia GRASSI , Angela TEDESCHI y Norma Emma DEL PRETE

Facultad de Bellas Artes, Cátedra de Cerámica, Universidad Nacional de La Plata

[email protected] [email protected]

El mosaico, pintura teselada, ofrece una amplia diversidad cromática y es estímulo

para la búsqueda de una paleta más sutil. El uso del color modelado y el modulado

caracterizan al pintor mosaicista.

Este proyecto de integración interdisciplinaria, interinstitucional , entre la Cátedra de

Cerámica Básica y la Empresa MURVI SA., revela la profunda relación analógica que

el arte musivo ha tenido y mantiene con el contexto en el que se inscribe. Su ajuste en

el mundo postmoderno es una de las determinantes de su análisis y revitalización.

Partiendo de los conceptos de luz y color el propósito de las experiencias realizadas

en la Cátedra de Cerámica Básica, combinando los componentes químicos específicos

de las artes del fuego, es destacar los materiales musivos, opacos (smalti), traslúcidos

(mosaico veneciano) y metalizados, que interactúan espacialmente. Los mosaicos

venecianos expuestos a una fuente de luz se resignifican en la traslucidez.

Por otro lado, la empresa fabricantes a nivel industrial en el país de mosaico

veneciano, propone un espacio de búsqueda y reflexión para experimentar propuestas

estéticas no convencionales. Un punto de encuentro en el que se eliminan las barreras

entre artista y artesano, entre material noble y material utilitario, para dar lugar a

expresiones que redefinen una milenaria forma de arte.

En una visión macro, los mosaicos muestran un todo armónico pero el fragmento

evidencia universos complejos, paradójicos y autónomos. La luz reflejada sobre la

superficie genera un espacio ciego alrededor del cual se ordenan los motivos y

pinceladas que en el desplazamiento del observador adquieren otra presencia. Si bien

cada fragmento de material musivo muestra un color, su sutileza, su elegancia, su

esencia, lo que surge como realmente protagónico es la iluminación, los reflejos de la

luz, aprovechando el contraste entre los claroscuros que provocan las sombras cuando

las texturas propias o provocadas, los Opus, las generan.

Múltiples y variados métodos y técnicas –romana, bizantina, moderna- combinados

con materiales de diferentes durezas y resistencias infunden color, ritmo y armonía

tanto a composiciones elaboradas siguiendo cánones tradicionales, como en libres

interpretaciones donde orden y desorden viven en sinergia.

Desdibujados los respetos hacia procedimientos muy pautados y, proclamados los

mixes materiales, el resurgir del mosaicismo salta de un extremo a otro, mantiene en

el siglo XXI respeto por la técnica clásica y conservadora y libera al mismo tiempo su

uso en círculo de artistas transgresores, audaces e innovadores.





158

Hay rigor, calidad y creatividad en la integración comunicacional y estética de

fragmentos de luz y color, usar los materiales fuera de sus límites es una pasión que

enriquece la técnica ancestral.



159

LOS MONOCROMOS DE YVES KLEIN O, PORQUÉ UN EJEMPLO

FALLA EN TRANSMITIR UN SIGNIFICADO

CONGRUENTEMENTE

Claudio F. GUERRI y William S. HUFF

Universidad de Buenos Aires - State University of New York at Buffalo


Antecedente de este trabajo es el paper “A Comprehensive Treatment of Color,

Submitted to the Semiotic Nonagon” presentado en Argencolor 2004 y publicado en

inglés en las Actas (Buenos Aires: Nobuko, 2006). Posteriormente se presentó en el

Congreso de la AIC Colour05 en Granada, un póster con una síntesis conceptual. El

póster fue diseñado por el diseñador gráfico y tipógrafo suizo-alemán Helmut Schmid.

En esta Jornada se podrá ver también un re-diseño del póster en forma de leporello

realizado por el diseñador alemán Frank Hess. La problemática central de estos

trabajos era determinar los criterios lógicos para la elección y uso de un color, algo

que estaba pendiente desde los planteos de Goethe. La metodología utilizada fue el

Nonágono Semiótico (Guerri 2003) derivado de las categorías lógico-filosóficas

propuestas por Charles Peirce.

El trabajo actual demuestra que la elección de un sólo criterio de uso del color implica

en realidad –de alguna manera– también a los otros criterios lógicos posibles. Una

versión anterior de este trabajo fue presentada y publicada en inglés en las Actas del

7º Congreso de la Asociación Internacional de Semiótica Visual –AISV-IAVS– en

Estambul, Turquía, en 2007.

Es sabido que hubo a lo largo de los años muchos intentos serios para identificar –

incluso aislar– concretas funciones o usos posibles del color. El Nonágono Semiótico,

que fue utilizado para validar y cualificar los posibles y discretos criterios de uso del

color, es un modelo operativo compuesto por una matriz de nueve cuadros que ordena

los nueve sub-signos propuestos por Peirce.

El impulso natural subsiguiente es ilustrar cada criterio de elección del color

identificado conceptualmente con un ejemplo concreto. El criterio más elemental se

refería a la experiencia de un simple campo de color, donde no habría ni siquiera un

esbozo de contraste alguno. Los Monocromos de Ives Klein parecen ser un ejemplo

perfecto para este caso. Sin embargo, los Monocromos son toda una pintura y su

monocromaticidad no es más que una de las necesarias elecciones hechas por Klein.

Así es como los monocromos fueron hechos también en rojo y amarillo, lo cual

implicaba los colores primarios de una teoría del color. Los colores primarios a su vez

aluden a Mondrian y a una estética Moderna… En síntesis, un monocromo de Klein

es un signo completo y complejo que involucra de una manera u otra a todos los sub-

signos.





160

DESARROLLO DE TECNOLOGÍAS ARTESANALES SOBRE EL

AEROSOL: AMPLIACIÓN DE LA PALETA DE COLOR EN EL

GRAFFITI HIP HOP DE MAR DEL PLATA

María Paula GIGLIO

Grupo de Extensión desde el Arte, Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Diseño,

Universidad Nacional de Mar del Plata.

[email protected], http://geamdp.blogspot.com

El aerosol, herramientas fundamentales del graffitero, cuenta con ciertas posibilidades

y limitaciones tanto tecnológicas, colorísticas y gráficas en la mayoría de las marcas

utilizadas en Mar del Plata. Cartas reducidas de colores, poco desarrollo tecnológico y

baja calidad son algunos de los problemas con los que se encuentran en el mercado

estos jóvenes artistas además de las limitaciones económicas.

Por ello, los graffiteros de Mar del Plata (y de otros lugares) generan, copian,

reformulan y adaptan tecnologías artesanales sobre el aerosol para ampliar la paleta de

colores que disponen. Al intervenir en los aerosoles construyen nuevos y diferentes

colores, generan gamas, colorean barnices, entre otros usos.

En anteriores ponencias correspondientes a los Congresos y Jornadas del GAC se

expuso una introducción al color en el graffiti desde un enfoque general

particularizando en el graffiti hip-hop como arte, reconocimiento de técnicas,

productos, materiales y marcas, etc.; se avanzó sobre el aprendizaje del color, sus

conocimientos teórico-prácticos y formación necesarios para hacer graffitis; y se

presentó el desarrollo incipiente de tecnologías artesanales graffiteras.

Si bien algunas de las formas de mixiado (mezcla de aerosoles) eran conocidas

con anterioridad por los graffiteros marplatenses, se analizó cómo un grupo en los

años 2005 y 2006, comienza a apropiárselas, adaptándolas a su realidad, las aplica y

las perfecciona con fines artísticos gracias a nuevos conocimientos sobre el color, los

resultados de mezcla, el intercambio de experiencias con graffiteros de otros lugares y

el propio crecimiento artístico.

En esta oportunidad se profundizará en dicho estudio y se mostrarán los avances

de los últimos años: resultados de nuevas mezclas, intervención de picos para lograr

distintas calidades de trazos, modos de adaptar picos especiales a latas comunes, la

reproducción, con colores de otras marcas, de ciertos colores de una carta de aerosoles

de marca especialmente diseñada para graffiteros; la previsión de la paleta de colores

personalizada con anterioridad a la producción de graffitis y la elaboración in situ. Se

analizará la importancia de las necesidades expresivo-artísticas que llevan a superar

barreras materiales y se mostrarán nuevos resultados de la aplicación de la tecnología

artesanal.

En esta ponencia se intenta aportar al estudio del color en el hacer artístico del

graffiti, y al conocimiento de la tecnología del aerosol y posibilidades de uso, a través


http://geamdp.blogspot.com/



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de develar las estrategias y resultados de ciertos grupos de usuarios que superan las

limitaciones del producto y del mercado.



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OBTENCIÓN DEL COLOR EN LA CERÁMICA CHULUCANAS

Alejandra JONES* y María JONES**

* Secretaría de extensión del posgrado en artes visuales Ernesto de la Cárcova. IUNA

** Escuela de Posgrado de Ciencias Sociales, Univ. Nac. Mayor de San Marcos,

Lima, Perú.

* [email protected]

** [email protected]

Quisiéramos presentar una manera particular de obtención de color (positivo-

negativo) que desarrolla una comunidad de artistas y artesanos ubicada en la ciudad

de Chulucanas y el caserío La Encantada, aproximadamente a mil kilómetros al norte

de Lima, Perú.

La decoración en negativo y positivo, obtenida a través del ahumado, proveniente de

la cultura Vicús (500 a.c. aprox.), le ha dado identidad a Chulucanas, conocida en

Perú por esta particularidad en sus cerámicas.

Para lograr esta decoración, en general bicromática, el color negro es obtenido a

través del humo que emana el quemado de las hojas de mango, abundante en la zona,

y el terracota es producto de una reserva5 realizada sobre la pieza una vez

bizcochada6.

A partir de las visitas a talleres y entrevistas realizadas en Chulucanas hemos visto

que las actuales decoraciones en positivo-negativo fueron retomadas con diseños

actualizados, luego de siglos olvidadas “Yo nunca hice huacos. Puedo hacer pero le

respeté la idea a mis antepasados. Dije: voy a hacer cosas contemporáneas aplicando

sus técnicas (…) como alfareros, artesanos queremos dejar un mensaje del tiempo

donde uno vive. Los antiguos que no sabían leer ni escribir nos dejaron así algo de su

época. Lo entendimos así”7

Por su parte, el paleteado (heredado de la cultura Tallán (500 d.c.) es la técnica con la

cual los artesanos y artistas de la zona dan forma a sus piezas golpeando la parte

externa rítmicamente con la paleta mientras por el interior, con una piedra a manera

de yunque, se va afinando logrando la forma buscada.

Finalmente la ponencia, a través de una presentación en power point, mostrará piezas

originales de las culturas Vicús y Tallán y el proceso actual mediante el cual los

artesanos elaboran la cerámica chulucana.

5 Reserva: técnica decorativa que consiste en cubrir un determinado sector de la pieza para que al aplicarse luego engobes,

pigmentos, humo, etc. el diseño se preserve. 6 Bizcocho: pieza de arcilla que ha sido horneada logrando su transformación química a cerámica. 7 Entrevista a Gerásimo Sosa Alache, uno de los principales responsables de la cerámica chulucana, realizada el 27 de septiembre

de 2005 en Chulucanas, Perú.





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EN LA OBRA CONCEPTUAL EL COLOR ES SENTIDO

EL COLOR, EL ESPACIO Y OTRAS COSAS … EN EL DISCURSO

DE LA OBRA

Graciela MAROTTA

IUNA

[email protected]

En ésta serie de obras que se presentan y se analizan, cada elemento constitutivo ha

sido pensado y utilizado, para construir un discurso visual que es la razón de haber

concretado la obra. Se trata de mi obra personal y ella está construida a partir de mi

necesidad, recurrente, de comunicar, de decir, de contar, cosas que no me puedo

callar, y que no digo en palabras sino en formas y color, ubicadas en un espacio

Se trata de una serie de aproximadamente 50 trabajos que considero objetos y que

como tales, provienen del mundo de la pintura, a partir de romper el plano de la tela y

salir al espacio real.

El color en las obras es fundamental hasta cuando aparentemente no lo parezca.

El trabajo teórico explica, como para una artista conceptual (ahí me ubico), color, hay

siempre en la obra y como, ese color en consonancia con el espacio pasa a ser un

significante en la construcción de la misma.

Se analizará la obra de arte como un elemento comunicativo porque así lo pienso

como artista y lo sostengo desde la teoría. Y la relación de ésta idea, la comunicación

en el arte, con el arte conceptual.

Se hará una breve reseña que ubicará al arte conceptual en el contexto del arte

universal y luego se analizará en las distintas obras como el espacio elegido, con el

color utilizado y las formas creadas constituyen un discurso que refleja una etapa de la

vida de la artista.

Esa artista que es quién escribe, hizo en el momento de mostrar la obra, una reflexión

en un texto que la ubica en un contexto regional y cultural comparable a otros artistas

argentinos a quienes siente, que de algún modo homenajea con la obra que muestra.

Esa lectura también nos dará la posibilidad de ver y entender el color y el espacio

como elementos constitutivos básicos constituyentes de sentido en la obra.

Resumiendo, se trata de una ponencia donde una artista presentará su obra en relación

de contexto en cuanto a su ubicación estética, su lugar en el mundo y su posición ética

frente al discurso del arte. Entendiendo que ese discurso se construye con cada uno de

los componentes de la obra. Demostrando en el trabajo que entre esos componentes el

color y el espacio son elementos fundamentales.




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COLOR Y FORMA: SIGNOS ICÓNICOS PARTICULARES DEL

TRANSCURSO DEL TIEMPO EN LA PINTURA Y EN MI PINTURA.



www.cristinamanganiello.com.ar

Me propongo estructurar un análisis y clasificación de signos icónicos que hacen

referencia al “tiempo” en la pintura occidental y en mi pintura, significado que

aparece reiteradamente en el arte plástico y en especial en mi obra ya sea como

primero o segundo nivel de lectura, tal vez porque el tiempo junto la idea de dios, el

amor y la muerte son hitos dentro de los grandes interrogantes humanos. Estos signos

del “tiempo” en la pintura serán decodificados a través de signos formales y tonales

de atributo temporal con diversa apariencia y consecuente significado.

http://www.cristinamanganiello.com.ar/



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JUAN GRELA G. UN PARADIGMA.


Facultad de Humanidades y Artes. U.N.R.

[email protected]

La obra de Juan Grela G. es paradigma de búsquedas en torno al color como medio de

comunicar diferentes intencionalidades en la producción del sentido de una obra. Mi

objetivo es mostrar cómo Grela, entre las décadas del 40’y el 80’, halla canales

expresivos en procedimientos y conceptos propios de estilos artísticos tomados de

referencia bajo una actitud de estudio que revaloriza al color: elemento de un

lenguaje.

Hacia 1933, en la “Mutualidad de Estudiantes y Artistas Plásticos de Rosario” habla

de vanguardia, política y sociedad; estudia al primer renacimiento, a Picasso, Dix y

Metzinger. Aplica recursos del naturalismo, el claroscuro escultórico y el color local

buscando “un realismo que el pueblo entendiese”.

Por 1940, nace su hijo Dante. El color de sus “naturalezas muertas”, saturado y

modulado se nutre de Gauguin, Vang Goh y Cézanne. En sus “maternidades”, las

figuras se retuercen y pliegan sobre sí mismas; luces y sombras abren contornos en un

espacio “abarrocado”, profundo. Surge un vínculo sensible con lo orgánico -vital.

Promediados los 40’ renace el deseo de denuncia social. Pero la “época de la

Basurita” trasunta equilibrio entre belleza, serenidad -apreciada en Musto y

Schaivoni- y testimonio acusador. La imagen toma cierta independencia del modelo

natural. El color modula y modela discretos volúmenes, la línea enfatizada exagera

rasgos con “realismo expresionista”.

El carácter abstracto y la geometrización aumentan junto al interés por la

especificidad pictórica. Entre1950 y 1970, la visión del mundo como unidad

armónica, la búsqueda del lenguaje universal y su temperamento reflexivo, convergen

en una “abstracción geométrica figurativa” sustentada en la proporción áurea. En el

período “de la paleta tierra” aplica texturas de pequeñas pinceladas en planos de

diferentes valores. Figuras emblemáticas y paisajes connotan americanismo en

relación a su estudio del arte precolombino. En los 60’ la voluntad de forma e

importancia dada a la estructura permite hablar de “constructivismo” en referencia a

Torres García. El color plano y saturado, en ajustado contrapunto de oposiciones, es

también estructura.

Hacia 1970, el ángulo recto da entrada a la fantasía. La curva geométrica se ondula.

Retorna lo orgánico-vital y la estructura surge de un trazado automático dando

nacimiento a un mundo que parece real, de formas volumétricas junto a planos. El

color es elegido al azar. Podría hablarse de “naturalismo -surrealista”. Su “maestro” es

Miró.

Ya en las últimas obras de Grela- “Polimaterias” y “Maderas”- realizadas desde los

80’, el devenir del inconsciente y el orden impuesto por la razón, el azar y el




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conocimiento del maestro confluyen en su fiel convencimiento de que el pintor no

pinta sólo con colores y formas, “pinta con la vida”.



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EL COLOR DIGITAL EN LA ILUSTRACIÓN:

DEL LAPIZ DE MADERA AL LÁPIZ ÓPTICO

Carlos PINTO

www.carlospinto.com.ar

www.pintocarlos.blogspot.com

Color directo y color digital en la ilustración.

Digitalización e intervención de imágenes con photoshop.

Tratamientos cromáticos con herramientas digitales en el campo del humor gráfico, la

ilustración infantil y periodística.

El relato de la experiencia como artista en el campo de la ilustración periodística e

infantil, atravesada por la digitalización de los medios gráficos desde la década del 90,

proceso que incidió en sus técnicas de dibujo y pictóricas.-

http://www.carlospinto.com.ar/

http://www.pintocarlos.blogspot.com/



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BENITO QUINQUELA MARTÍN Y LOS PINTORES DE LA BOCA.

El color como medio de expresión de vida de un barrio.

Emilia RABUINI.

Centro Pampa de Arte y Diseño

[email protected]

La sensación de color y entorno cromático han sido y son presencia activa y parte de

la memoria colectiva del barrio de La Boca.

Su color surgió inicialmente como una necesidad funcional de protección de los

materiales de los característicos conventillos de chapa y madera que conforman el

entorno urbano, utilizando para ello los remanentes de las pinturas de los barcos. El

color se utilizó además como una necesidad de diferenciación social del grupo

inmigratorio europeo que le dio origen y que aún hoy perdura con las corrientes

inmigratorias de países vecinos.

Los pintores de La Boca en especial Benito Quinquela Martín se consustanciaron

con ese paisaje urbano incorporando en sus telas su riqueza cromática, a tal punto

que el propio Quinquela incorporará su impronta pictórica en el paisaje urbano

pintando con sus colores y criterios personales los edificios cuyos terrenos donó.

Con la convicción de que este patrimonio cromático tan importante para nuestro país

debe ser conservado y registrado, presentaré el análisis de las paletas históricas del

mismo.



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TEORÍA DE LA OPOSICIÓN CROMÁTICA

Manuel RUBÍN.

[email protected]

Es una investigación basada en el análisis cualitativo de la estructura constructiva del

color. La misma plantea un sistema de armonización de los colores, basándose en sus

opuestos complementarios y en la temperatura comparativa de la identidad cromática

de los 18 colores denominados básicos, según el autor.

La hipótesis postulada es: sostener que la oposición directa entre Amarillo de Cadmio

- Violeta de Dioxazina carecen de temperatura, debido a que cada uno de los colores

saturados que los componen, obtiene su identidad de temperatura oponiéndose con

respecto a las circunstancias cromáticas en que se encuentren.

Dentro de las familias de los colores primarios se hallan:

Los amarillos: Amarillo de Cadmio (armónico); Amarillo Dorado (cálido) y su

instancia Amarillo Limón (frío).

Los rojos: Magenta (armónico); Rojo de Cadmio (cálido) y Carmín (frío)

Los azules: Azul Cobalto (armónico); Azul Ultramar (cálido) y Azul de Ftalocianina

(frío).

Dentro de las familias de los colores secundarios se hallan:

Los violetas: Violeta de Dioxazina (armónico); Violeta Cálido y Violeta Frío.

Los verdes: Verde de Cadmio (armónico); Verde de Cromo (cálido) y Verde de

Ftalocianina (frío).

Los naranjas: Naranja Permanente (armónico); Naranja Cálido y Naranja Frío.

Los opuestos están dados por un color primario y el secundario resultante de la suma

de los dos primarios restantes de la triada de los colores primarios.

Dentro de las oposiciones se encuentran las directas denominadas a aquellas donde no

comparten ningún color en la estructura constructiva de los mismos. Se proyectan por

el centro del círculo. Se oponen dentro de las familias, los dos colores de instancia

neutral; el de instancia fría de una familia con el cálido de la otra y viceversa.

Dentro de las oposiciones indirectas denominadas a aquellas donde comparten algún

color entre los opuestos en su familiaridad o estructura constructiva de los mismos.

Las mismas están dispuestas en el círculo cromático de manera tal que no pasan por el

centro del círculo y a medida que su distancia es menor; su familiaridad es mayor.

El destino de esta investigación es llevar al consciente el análisis y empleo de los

colores como recurso expresivo; para librar al inconsciente y permitirle emplear el

color como herramienta de manifestación subjetiva.




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EL USO EXPRESIVO DEL COLOR EN EL FILM "EL COCINERO,

EL LADRÓN, SU MUJER Y SU AMANTE"

Roxana TROISI

Centro de Formación Profesional del SICA (Sindicato de la Industria Cinematográfica

Argentina)

[email protected]

El objetivo del siguiente trabajo es analizar el uso expresivo del color, como recurso

cinematográfico y plástico convertido en herramienta formal arbitraria y decisiva para

la narración y propuesta estética de este film.

El mencionado análisis se divide en núcleos, ligados a aspectos narrativos-formales, a

saber:

Los decorados

El color se impone en la determinación de los escenarios, es una llave de ubicación

espacial, actúa como evidencia causalmente impuesta, logrando que cada

ambientación se asuma como entidad ante la presencia del color que la identifica.

El vestuario

El color en el vestuario contrae el compromiso de relatar a los personajes y su relación

con el entorno. Desobedeciendo leyes lógicas o naturalistas, se invoca con la

combinación cromática el reflejo psicológico e incluso moral de los sujetos, atentos a

un orden interno regido por la arbitrariedad dogmática colorista.

Las transiciones

El movimiento de los sucesos en esta historia se acusa remarcadamente por el uso de

la luz y el color. Ambos elementos subyacen como protagonistas dinámicos a lo largo

del relato.

Los amantes

Esta es la relación que destacamos en el análisis ya que en ella se conjugan todos los

elementos plásticos a disposición para amalgamar la estrecha relación entre la

gastronomía, la sexualidad y el crimen que se perpetrará. El color acentúa y señala

coincidencias visuales y sensoriales.

La escena final

La intensidad de la escena final se verá subrayada por el empleo de la saturación

incrementada, proporcionando el marco adecuado para la consumación de la

venganza.

Conclusión general: el color puede ser empleado en tono de código interno, incluso

caprichoso por su arbitrariedad, pero apelando a un criterio fundador coherente en

toda la estructura narrativa del film.

El color como llave maestra, poniendo en relación el espacio (ordenando analogías,

activando contrastes) y el tiempo (dando evidencias de lo que sucede y anticipando lo




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que sucederá) se emplea en este film no solo como un indicador visual, sino como un

personaje más, silencioso e integrador.



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Documents

2013 08 Color en las Artes 2013 y anteriores CD-Rom.pdf