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Vanguardias artísticas : Se llama vanguardias artísticas a los movimientos rupturistas de
las artes plásticas que surgieron a partir del siglo XX, y que
tuvieron como objetivo expresar los nuevos tiempos por medio
de la innovación del lenguaje pictórico y/o escultórico. Entre
ellos, podemos mencionar al cubismo, al futurismo, al dadaísmo,
al abstraccionismo (con sus diferentes corrientes) y al
surrealismo.
La palabra vanguardia, proviene de la expresión francesa avant-
garde y esta del latín ab ante, que quiere decir ‘sin nadie
adelante’, y garde, que significa ‘guardar’. Originalmente el
término se usaba en la jerga militar para referir a los que
encabezan el pelotón abriendo paso en la contienda.
Características de las vanguardias
Ruptura con la tradición Rechazo del naturalismo en el arte Lenguaje plástico original Espíritu libertario Espíritu de provocación Introducción del humor y del sarcasmo Proclamación de la autonomía del lenguaje plástico Justificación por medio de manifiestos Carácter conceptual Influencia del arte no occidental Breve duración
Contexto histórico de las vanguardias artísticas
En el siglo XIX Europa se movía en un escenario de
transformación y tensiones políticas, económicas y sociales
derivadas de la revolución industrial, el capitalismo, el
imperialismo, el nacionalismo, la masificación de la sociedad y la
secularización.
Junto a esto, la invención de la fotografía y, más tarde, del cine,
supuso un golpe para las artes. Si hasta entonces el arte
occidental se dedicaba a la imitación de la naturaleza, ¿a qué se
dedicaría en la “era de la reproductibilidad técnica de la imagen”?
Para los artistas de finales del XIX crecía la necesidad de
encontrar un nuevo sentido al arte, así como la voluntad
diferenciadora de estilo. Esto, se expresó en el impresionismo, el
postimpresionismo, el expresionismo y el fauvismo. Pero, a pesar
de sus innovaciones, estos movimientos aún estaban atados a
ciertas prerrogativas del arte tradicional.
Origen de las vanguardias artísticas
En los jóvenes artistas predominaba la percepción del
agotamiento del arte tradicional y una actitud crítica frente al
orden ideológico reinante (de tipo burgués), que usaba las artes
para legitimarse. Valoraban, en cambio, la obra de los artistas
fuera de lote como los postimpresionistas (Van Gogh, Cézanne,
Gauguin, Matisse, entre otros).
Algunos jóvenes artistas en diferentes partes de Europa
desarrollaban propuestas escandalosas, ansiosos como estaban
por renovar las artes y dar un golpe definitivo al gusto burgués.
Uno de los primeros fue Pablo Picasso con el lienzo Las
señoritas de Avignon, prefiguración del cubismo. A partir de ese
momento, comenzaron a surgir las llamadas vanguardias
históricas.
Vanguardias históricas es una expresión que se usa para referir
a las vanguardias artísticas que aparecieron en la primera mitad
del siglo XX, las cuales corresponden a la primera ola de
vanguardias.
Estas son el cubismo (1907), el futurismo (1909), el
abstraccionismo lírico (1910), el dadaísmo (1913), el
constructivismo (1914), el suprematismo (1915), el
neoplasticismo (1917) y el surrealismo (1924).
Contextualmente, estas vanguardias abarcan desde el período
previo a la Primera Guerra Mundial, hasta el período de
entreguerras, es decir, el inicio de la Segunda Guerra Mundial.
En el período de entreguerras tuvo mucha importancia la
aparición de la Bauhaus, escuela alemana de arquitectura y
diseño con vocación internacionalista, en la que se dieron cita
importantes artistas de vanguardia que renovaron la cultura
visual del siglo XX.
Movimientos vanguardistas
Cubismo
Futurismo
Abstracción lírica
Dadaísmo
Constructivismo
Suprematismo
Neoplasticismo
Surrealismo
Expresionismo abstracto
Pop art o arte pop
Op art o cinetismo
Happening
Arte conceptual
Performance
Hiperrealismo
Minimalism0
Primera ola de movimientos de vanguardia
La primera ola de las vanguardias abarca desde cerca de 1907, con
la aparición del cubismo, hasta el llamado período entreguerras, con
la aparición del surrealismo.
Cubismo (1907)
Pablo
Picasso. Guitarra y violín. 1912. Óleo sobre lienzo. 65,5 x 54,3 cm.
Museo de Arte Moderno. Nueva York.
Fue un movimiento artístico, especialmente pictórico aunque
también tuvo su expresión en escultura. Sus máximos exponentes
fueron Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque. Se caracterizó
por la síntesis geométrica, la representación de diversos planos en
uno solo y la aplicación de técnicas mixtas como el collage y la
tipografía. Fue el primer movimiento en romper totalmente con los
principios del arte tradicional.
El cubismo es un movimiento vanguardista de inicios del siglo XX
que se caracteriza por el uso dominante de figuras geométricas
como los rectángulos, los triángulos y, especialmente, los cubos, de
donde toma su nombre. Su objetivo es romper con la
representación naturalista y plasmar varios planos de modo
simultáneo sobre la superficie de un cuadro.
Convencionalmente se establece su inicio en el año 1907, cuando
Pablo Picasso (1881-1973) presentó por primera vez la pintura Les
Demoiselles d' Avignon ("Las damas de Avignon").
En este primer intento, Picasso incorpora influencias del arte
africano primitivo y del postimpresionismo, especialmente del pintor
francés Paul Cézanne (1839-1906).
Además de encontrar inspiración en las formas del arte exótico, el
cubismo intentó representar la cuarta dimensión a través de
hiperpoliedros, cuyas ideas de espacio-tiempo se inspiran en la
teoría de la relatividad de Albert Einstein de 1905.
Todas sus características llevaron al cubismo a ser considerado una
expresión plástica más racional y analítica, que contrastaba con
otros movimientos inspirados en la subjetividad o la emocionalidad.
Características del cubismo
El cubismo se caracteriza principalmente por los siguientes
elementos:
Visión analítica de los elementos de representación;
Poca perspectiva y profundidad espacial;
Uso de figuras geométricas: cubos, cilindros, etc.;
Incorporación de varios ángulos en un mismo plano;
Preferencia por las líneas rectas;
Aplicación de técnicas mixtas: collage, tipografía, etc.
Surrealismo: características y principales artistasEn 1924, en París, André Breton (1896-1966), escritor y poeta
francés, escribió un manifiesto después de cortar relaciones con
Tristan Tzara, líder del movimiento dadaísta, y así nace el
Surrealismo, al que muchos consideran la última de las grandes
vanguardias.
Manifiesto Surrealista - André Breton - 1924
Portada: versión de Le Viol - óleo sobre tela, 1934 - René Magritte,
MoMa, NY
El surrealismo emerge en París en 1924. Se esparce por Europa a
pocos años de concluida la I Guerra Mundial hasta la llegada de la II
guerra Mundial. Por ende, la influencia de este movimiento ha
llegado hasta nuestros días.
Es cierto que el término surrealismo está asociado a André Breton y
su manifiesto, pero fue usado por primera vez por Guillaume
Apollinaire (1880-1918), escritor y crítico de arte francés, en el
prólogo de su pieza Las tetas de Tiresias escrito en 1917.
Características El inconsciente y el automatismo
Mesa de pedestal en el estudio - óleo sobre tela, 1922 - André
Masson (1896-1987, pintor, escultor, ilustrador, diseñador y escritor
francés)
El manifiesto de Breton está inspirado en el libro de Freud La
interpretación de los sueños, en el que el autor explora la idea de
que la mente humana posee un nivel oculto llamado inconsciente,
es decir aquello de lo que la mayor parte del tiempo las personas no
tienen conciencia, como la palabra lo indica.
El Surrealismo, pretendía superar esta limitación del inconsciente,
permitiendo que el subconsciente se expresase a través del arte.
De esa forma el automatismo, se convirtió en una de las
características del Surrealismo, en defensa de la expresión artística
sin límites y sin el control de la razón. Para lograr este objetivo, los
artistas llegaron a elaborar obras en estados de trance e hipnosis.
Ejemplo de automatismo: La mer se retire (El mar se retira) 1941 -
André Masson
En la práctica, el automatismo consistía en trasponer en papel,
lienzo o cualquier otro soporte de expresión artística, un
pensamiento o sueño directamente del subconsciente, sin ejercer
control estético o moral.
El objetivo era que la creación artística se automatizara
(automatismo) tal como es automática la respiración o la acción del
pestañeo. Era así un intento de protesta contra las normas
establecidas, tanto en el arte como en el ámbito social.
Los surrealistas creían que la creatividad que nacía del
subconsciente de un artista era más auténtica y poderosa que la
derivada de la consciencia. También estaban interesados en
explorar el lenguaje de los sueños que creían que revelaba los
sentimientos y deseos ocultos.
De una forma general, se puede decir que la idea era lograr la
mayor espontaneidad posible, algo que se reveló más o menos
fácilmente en el dibujo y la escritura, pero no tanto así en la pintura,
pues esta es una disciplina muy compleja que no permite tanta
espontaneidad.
Otras técnicas y procesos creativos
Ejemplo de la técnica frottage: L'Évadé (o Fugitivo) 1926 - Max
Ernst
El automatismo no siempre funcionaba bien en otras formas de
expresión artística, así que otras técnicas fueron usadas para
alcanzar la anhelada espontaneidad de creación.
Una de estas técnicas fue el frottage, que consistía en pasar un
lápiz, por ejemplo, sobre una superficie rugosa, creando así formas
y texturas en el soporte para crear una obra nueva a partir de ese
material.
Otro ejemplo es la decalcomanía, una técnica en la cual cierta
cantidad de tinta es arrojada contra un lienzo o papel. Esta
superficie se dobla por la mitad y al abrirla nuevamente, muestra un
patrón de tinta que sirve de material para crear una obra gracias a
lo que provoca al nivel subconsciente.
Otras formas de expresión artística fueron usadas y
experimentadas, siempre en un esfuerzo por explorar al máximo la
libertad creativa.
Ejemplo de un "cadáver exquisito" original de los artistas Yves
Tanguy, Joan Miró, Max Morise y Man Ray
El cadáver exquisito fue un proceso creativo basado en un juego,
en el cual diferentes artistas creaban dibujos o poemas en conjunto.
Sin ver lo que el otro hacía, la obra iba pasando de uno en uno y
cada artista iba añadiendo un trozo nuevo o palabra nueva. Al
terminar. se desplegaba el papel y compartían el resultado en busca
de ideas novedosas.
Otro proceso de construcción artística alternativo fue el “objet trouvé” (objeto encontrado), inventado por Marcel Duchamp (1887-
1968). Duchamp fue un pintor, escultor y poeta francés, una de las
principales figuras del Dadaísmo.
Ejemplo de "object trouvé": Téléphone-Homard (Teléfono-lagosta) -
metal, yeso, goma, resina y papel, 1936 - Salvador Dalí, MoMa, NY
A esa premisa se le sumó el toque del absurdo, es decir, la
superposición de lo improbable y extraño, como el caso de la obra
que enlaza una langosta a un teléfono, o el caso de Meret
Oppenheim que cubrió una taza y una cuchara con pelo.
Object (objeto) 1936 - Meret Oppenheim
(1913-1985, artista plástico y fotógrafa suiza), MoMa, NY
Esta forma de construcción artística relacionaba objetos cotidianos
que normalmente no tienen nada que ver el uno con el otro, lo que
provoca una perturbación del sentido y de esa forma, estimula el
inconsciente. Se trataba de la yuxtaposición entre lo familiar (el
objeto común) y lo improbable y absurdo, el escenario impuesto al
objeto.
Los artistas del surrealismo frecuentemente incorporaban también
las imágenes y objetos de otras culturas, sobre todo de las
primitivas. Esta actitud tenía, sobre todo, intenciones anti-
colonialistas y anti-racistas.
Principales artistas y obras Max Ernst
Les Hommes n'en sauront rien (Los hombres que no saben nada) -
óleo sobre tela, 1923 - Max Ernst, Tate, UK
Max Ernst (1891, Brühl, Alemania - 1976, París, Francia) fue uno de
los pioneros del Dadaísmo y luego se incorporó al Surrealismo,
destacando en la pintura y en la poesía.
Aún en Alemania, Ernst participó activamente en la I Guerra
Mundial, hecho que dejó marcas profundas en él y, eventualmente,
influenció su trabajo como artista. Haber estado expuesto a los
horrores de la Gran Guerra hizo que se posicionara en contra de la
sociedad y los valores de la época con mayor vehemencia.
La Virgen bendecida castigando al Niño Jesús delante de tres
testigos: Andre Breton, Paul Eluard y el Pintor - óleo sobre tela,
1926 - Max Ernst, Museum Ludwig, Köln, Alemanha
Su obra se caracteriza sobre todo por la exploración de lo absurdo,
la construcción de escenarios fantásticos y el mundo de los sueños.
A lo largo de su vida artística experimentó con varias técnicas como
el collage y el frottage, y estuvo bastante influenciado por el arte de
las tribus nativas americanas.
Salvador Dalí
La persistencia de la memoria - Óleo sobre tela, 1931 - Salvador
Dalí, MoMa, NY
Salvador Dalí (1904-1989, Figueres, España) es el más famoso de
los surrealistas y su nombre pasó a ser, con el tiempo, sinónimo del
movimiento. Esto ocurrió a pesar de que, alrededor de 1937 y como
consecuencia de la transformación de su estilo y de sus posiciones
políticas, Breton lo expulsara del Surrealismo. Por ende, Dalí es el
más controversial.
En su obra es muy notoria la influencia del imaginario onírico, es
decir, del mundo de los sueños. Su expresión artística fue hecha
fundamentalmente a través de la pintura y de la escultura, pero a lo
largo de su vida también utilizó otras formas y técnicas.
Inclusive, dejó huella en el cine, dada su colaboración con dos
películas del director español Luis Buñuel (1900-1983): Un perro
andaluz (1929) y La edad de oro (1930).
Más sobre La persistencia de la memoria de Salvador Dalí
Jirafa en llamas - Óleo sobre madera, 1937 - Salvador Dalí,
Kunstmuseum Basel, Basilea, Suiza
Además de ser un artista revolucionario en su tiempo, Dalí fue
también un genio a la hora de auto-promocionarse y fue un
verdadero hombre del espectáculo.
Sus obras rondan tres temas principales: el universo y las
sensaciones del ser humano, la simbología sexual u las imágenes
ideográficas. La mayoría de su trabajo consiste en la representación
secuencial de un sueño, algo que logró ejercitando su mente para
acceder al subconsciente y tomar de allí su inspiración.
Para Dalí los sueños y la imaginación eran fundamentales en el
proceso creativo, y defendía también una variante del automatismo,
una especie de paranoia. En este proceso de paranoia, el artista
debía embarcarse en un estado de alucinación para crear, dando
momentáneamente un alto a su racionalidad a pesar de estar
consciente en cierto grado. Joan Miró
El cazador (Paisaje catalán). Óleo sobre tela, 1924 - Joan Miró,
MoMa, NY
Joan Miró (1893, Barcelona - 1983, Palma de Mallorca, España) es
uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Las obras más
conocidas del artista son sus pinturas, aunque también creó como
escultor, diseñador, ceramista, etc.
Así como otros artistas, Miró pasó por varios movimientos, se dejó
influenciar por ellos y también dejó su marca. Comenzó, de hecho,
por el Fauvismo, pasó luego al Dadaísmo y de este al Surrealismo y
al Abstraccionismo.
El carnaval del arquelín. óleo sobre tela, 1925 - Joan Miró,
Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, US
En su vida artística practicó el automatismo y en la pintura procuró
alejarse lo más posible de las convenciones como una forma de
reaccionar en contra de los principios burgueses instituidos.
Sus primeras pinturas representan sobre todo formas biomórficas
sin contraste. Temáticamente son composiciones que remiten al
cruce entre el mundo fantasmagórico y el de los sueños. Con sus
innovadoras composiciones, Miró influenció a sus contemporáneos
así como a innumerables generaciones posteriores.
René Magritte
Los amantes. Óleo sobre tela, 1928 - René Magritte, MoMa, NY
René Magritte (1898, Lessines, Bélgica - 1967, Bruxelas, Bélgica)
fue un artista belga y uno de los nombres del surrealismo más
aclamados internacionalmente, a pesar de que su fama llegaría
apenas alrededor de los años 50.
Aunque es uno de los artistas que más se asocian al Surrealismo,
las obras de Magritte se distancian del ilusionismo de Dalí y del
automatismo de Miró.
Para Magritte, lo importante no era tanto lo que la obra mostraba,
sino aquello que ocultaba, es decir, las segundas intenciones de
fondo. Para él lo importante era representar el misterio, y así
muchas de sus composiciones pictóricas presentarían figuras
humanas con la cara tapada con un velo, dejando al espectador en
la eterna curiosidad e insatisfacción por no poder nunca revelar lo
que se oculta tras este.
Esto no es una pipa. Óleo sobre tela, 1929 - René Magritte,
LACMA, LA
Durante su vida artística, Magritte recurrió varias veces al mismo
tema y también utilizó obras famosas de otros artistas para crear
versiones surrealistas.
El humor también representó una parte importante en su obra, y un
ejemplo de eso es La traición de las imágenes, en la que se
representa una pipa perfectamente pintada con una inscripción en
el lienzo que dice: “Esto no es una pipa”.
Expresionismo. Pintura Expresionista
Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de
los sentimientos y las emociones del autor más que la
representación de la realidad objetiva.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias
históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la
alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las
grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los
sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial
es el principal motor de su estética.
El fin es potenciar el impacto emocional del espectador
distorsionando y exagerando los temas. Representan las emociones
sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna
y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza
psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y
puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa
ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.
La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una
tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que
seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las
esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los
artistas una gran fuente de inspiración.
El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes
simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para
transmitir la angustia y la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas
psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura.
En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada.
Siente predilección por la figura humana y las relaciones
personales. Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la
muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la
vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo
El grito es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.
El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en
Alemania.
Pop Art caracteristicas
El pop art, conocido en español como arte pop, es un movimiento
plástico que tuvo su origen en la década de 1950. Nació entre Gran
Bretaña y Estados Unidos, pero fue este último el país que se
convirtió en el abanderado del movimiento. Sin embargo, el arte pop
generó una onda expansiva en todo el mundo, tanto en Europa
como en América Latina, Asia y Oceanía.
Claes Oldenburg: Giant Three Way Plug. 1970.
El arte pop se contextualiza en el pleno proceso de conformación de
la sociedad de consumo, cuyo impulso definitivo tuvo lugar tras la
segunda guerra mundial y la llegada de la televisión, la nueva
invasora de los hogares.
Este estilo artístico nació como un intento de hacer un arte que
tomara en cuenta el universo de símbolos y temas de interés
masivo, es decir, los símbolos "populares" a los cuales la élite
cultural parecía dar la espalda y negar su movilizadora penetración
en el imaginario colectivo.
Características del arte pop
Inspiración en la cultura de masas
Roy Lichensteins: Whaam! Óleo y pintura acrílica sobre lienzo.
1963.
Si los antiguos habían representado la imagen del mundo como lo
conocían y concebían en sus obras, era obligación de los artistas
contemporáneos hacer lo propio. Los artistas pop acudirían a
aquellos objetos cotidianos que se estaban convirtiendo en los
nuevos símbolos de "civilización": ídolos mediáticos, figuras
políticas, objetos fabricados en serie, tiras cómicas (cómics),
carteles, embalajes y toda clase de imágenes simbólicas (señales
de tráfico, collages, etc.).
Ampliación de la noción de belleza al repertorio de símbolos pop
Andy Warhol: Latas de sopa Campbell's. Serigrafía y polímero sintético sobre tela. 1962.
El pop art comprendía que incluso los objetos de la cultura de
masas podían contener elementos de belleza, y no solamente las
venus y madonas de la Antigüedad. Claro que esto no dejará de ser
también una provocación para el entorno intelectual, aspecto que
los artistas pop aprovechan muy bien a su favor.
Descontextualización
Robert Rauschenberg: Persimmon, Óleo y serigrafía sobre tela.1964.
Una de las estrategias del pop art fue tomar los objetos prestados y
descontextualizarlos. Por ejemplo, sacar de su contexto una lata de
sopa, un cuadro famoso o una fotografía, intervenirlos y
transformarlos en una obra o una nueva obra. Algo semejante
habían hecho los dadaístas con su técnica ready made desde que
Marcel Duchamp creó su famosa Fuente: un urinal intervenido con
la firma del artista, bajo el seudónimo R. Mutt, y que fue presentado
como una obra museística.
Andy Warhol: Elvis doble. Serigrafía y polímero sintético sobre tela.
1963.
Estos artistas no preconizaban el virtuosismo como un valor. Con
esto, el arte pop rompía con la idea de una obra de arte como
resultado de un proceso complejo, largo y difícil, lo que favorecía el
principio de reproducción múltiple.
Por ello, implementaron técnicas absolutamente inusuales en el
campo de las bellas artes, como la serigrafía, el cómic con sus
viñetas y estilo de la línea, algunas técnicas de la publicidad y de la
producción masiva, además de collages y fotografías.
Algunos artistas fueron más radicales y produjeron happenings y
espectáculos interactivos, lo que asestaba un golpe contra el
coleccionismo y la mercantilización del arte.
Claes Oldenburg: Lápiz labial en ascenso. Acero resistente a la
intemperie. 1969.
El universo de símbolos que ofrecía el arte pop no era muy fácil de
asimilar para los intelectuales de la vieja escuela, y, además, los
artistas pop tampoco tenían una única posición frente a lo que
representaban, lo que dificultaba las cosas. Por ende, sus
propósitos no necesariamente estaban claros. ¿Criticaban el
consumo? ¿Validaban el consumo? ¿Sacaban provecho de las
circunstancias? Creaban así imágenes aparentemente
incongruentes y provocadoras.
Humor
May W lson: Retrato ridí culo (con cello y quer
Como no pretendía ser un arte intelectual, el arte pop fue también
un movimiento cargado de humor y guiños cómplices al espectador.
Lejos de las posturas infatuadas de los grandes teóricos e
intelectuales del medio, los artistas pop ironizaban y reían del orden
circundante. Quizá era un modo diferente de hacer crítica.
Provocación
Jasper Johns: Tres banderas. Encáustica sobre lienzo. 1958.
Todo esto hizo del arte pop un arte provocador, incitante, polémico.
Por ejemplo, al cuestionar la idea de originalidad cuestionaban
también la superioridad del genio creador, figura a la que se le
rendía tributo desde el renacimiento. Cuestionaban asimismo el
papel de los críticos, de los historiadores del arte, el concepto de los
museos, los criterios de selección, los principios de la
museografía...
Pero más allá de todo lo que hace interesante al pop art, es
evidente que nada surge por generación espontánea, y que, antes
de que los artistas pop se formularan este programa estético,
generaciones previas fueron creando las condiciones para esta
auténtica revuelta de los signos artísticos. Veamos cuáles fueron
sus antecedentes y qué relaciones tenía el arte pop en el contexto
creativo de los años 50.
Antecedentes del arte pop
Las influencias del pop art pueden hallarse en corrientes como el
dadaísmo, surgido en la primera ola de vanguardias. Fue un
movimiento cultural que cuestionaba el orden racional positivista y
que, particularmente en la pintura, se destacó por haber propuesto
nuevas técnicas como el ready-made, técnica que consistía en
tomar objetos de uso cotidiano, intervenirlos y transformarlos en
objetos aptos para la exposición en un museo, sin ocultar sus
características ni su origen.
Más cerca en el tiempo, un impulsor directo fundamental fue el
Grupo Independiente, conocido por las siglas de su nombre en
inglés IG (Independent Group).
El IG surgió en 1952 en el Institute of Contemporary Art de Londres
y estuvo activo hasta 1955. Durante este período Gran Bretaña, al
igual que otros países plenamente industrializados en Europa,
experimentaba el crecimiento de una cultura popular urbana
distinta, tras el racionamiento y la austeridad que supuso la
segunda guerra mundial.
¿Por qué y para qué nació el arte pop?
Las características del arte pop que hemos expuesto ponen en
evidencia que este movimiento tuvo un sentido profundo, al
contrario de las sentencias que lo acusan de superficial.
Este movimiento puede ser visto como un arte sin compromiso,
pero algunas veces esta afirmación puede resultar injusta. Es cierto
que tiene una fuerte carga visual, es cierto que no se escandaliza
ante los símbolos de la cultura masiva, pero también existe un
sentido en el fondo de ello.
En el caso muy particular de los artistas de EE.UU. a estos les
interesaba indagar sobre la esencia última del norteamericanismo
en medio de esta vuelta de tuercas de significaba el paso a la
sociedad de masas. Junto a esto, de algún modo también
pretendían redescubrir la pintura figurativa que el expresionismo
abstracto había escondido detrás del ropero.
Keith Haring: Sin título, del portafolio Andy Mouse. Serigrafía en
papel. 1986.
Pero en términos generales, los artistas pop de todo el mundo
tenían claro que la ironía les permitía hacer ver que el materialismo
y la vulgaridad participaban del orden hegemónico que el campo
masivo ha establecido ya entre 1950 y 1970.
En un sentido amplio, por medio de la incorporación de los símbolos
de la sociedad de consumo, el arte pop no solo ampliaba el
repertorio de los temas iconográficos del arte, sino que fijaba
posición frente a dos cosas: el reordenamiento de la sociedad de
consumo y la negativa de las élites intelectuales a reconocer que
este fenómeno atravesaba toda la cultura.
Así, Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tse Tung, Superman o
Batman resultaban tan “culturales” y dignos de atención para su
mundo contemporáneo como el repertorio de afroditas, venus,
adonis, apolos, vírgenes, santos, aguadores, pastores, paisajes,
reyes y personalidades para el siglo XVI.
Artista más destacado
Andy Warhol (1928-1987)
TRABAJO PRACTICO( tema a desarrollar por el alumno)
1- Explique con sus palabras que entiende por el termino
VANGUARDIA.
2- Con sus palabras haga una breve reseña de las vanguardias
mencionadas en el texto
CONSULTAS O DUDAS: [email protected]