Apuntes Literatura 4º ESO

Apuntes de Literatura 4º ESO

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S. XIX - EL ROMANTICISMO

INTRODUCCIÓN:

El Romanticismo es un movimiento cultural característico de la primera mitad del siglo XIX . Se opone a los principios básicos de la Ilustración y resulta de la profunda crisis social e ideológica de un mundo en acelerado cambio. El derrumbamiento de los valores tradicionales, la despersonalización del individuo dentro de la nueva sociedad industrial y el auge del materialismo y la tecnificación conducen a dos actitudes opuestas:

a. el rechazo de la nueva sociedad, sea añorando un pasado perdido, sea inventando mundos ideales;

b. la reivindicación de un progreso más acentuado que permita llegar a una sociedad auténticamente humana en la que tengan cabida la fantasía, la espiritualidad, la libertad o la justicia.

El siglo XIX constituye uno de los períodos más agitados de la historia: comienza con la guerra de la Independencia contra los franceses (1808-1814), y termina con la derrota contra los Estados Unidos, el “desastre del 98”, que supuso la pérdida de las últimas colonias americanas.

Ocurrieron también otros acontecimientos importantes:

� La restauración del absolutismo de manos de Fernando VII tras el fin de la guerra (1814)

� Una sucesión de guerras carlistas durante el reinado de Isabel II (hasta 1868) y, tras unos años de inestabilidad, se restaura la monarquía borbónica con Alfonso XII.

El Romanticismo empieza a gestarse durante las últimas décadas del S. XVIII y reivindicaba los sentimientos, los ideales, la fantasía, las emociones, la libertad… Se exaltan los nacionalismos y se rescatan las lenguas vernáculas. Esto dio lugar a dos tipos de Romanticismo:

� Romanticismo tradicional: quiere recuperar valores perdidos: patria, religión, la familia

� Romanticismo liberal: cree en los derechos del individuo.

CARACTERÍSTICAS DEL ROMANTICISMO

• Espíritu individualista. El Romanticismo equivale a la rebelión del individuo, a la violenta exaltación de la propia personalidad. El "yo", al que ahora se le tributa un culto frenético, constituye el máximo objetivo de toda la vida espiritual. El mundo externo apenas conserva otro valor


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que el de mera proyección subjetiva. Agudo egocentrismo que tiene sus raíces en la doctrina enciclopedista (defensora de la postura crítica intelectual) y en el mundo prerromántico (rehabilitador del mundo de las emociones personales).

• El hombre romántico se caracteriza también por su aislamiento y soledad, temas básicos del Romanticismo. Su individualismo está marcado sobre todo por su conciencia aguda y dolorosa de la propia personalidad, de ser distinto de los demás, que en ciertos casos incluso deriva en un sentimiento de superioridad - su genio, su desgracia o infelicidad mayor que las de nadie -. Esta es la razón por la cual el yo del artista pasa a ocupar el primer plano de la creación. Los sentimientos expresados en las obras románticas son los de sus creadores, quienes expresan su insatisfacción con el mundo, su ansia de infinito, su búsqueda del absoluto, su amor apasionado, su deseo vehemente de libertad, sus estados de ánimo, . Por este motivo la poesía lírica o la música son a lo largo de todo el siglo XIX las artes supremas.

• El ansia de libertad : El ya mencionado individualismo del hombre romántico produce en él una protesta contra las trabas que hasta entonces tenían cohibido su espíritu, lo cual deriva consiguientemente en un ansia de libertad que se refleja en todas las manifestaciones de la época: el arte, la literatura, la música, la industria, el comercio, la conciencia,...

• Irracionalismo: Los románticos rechazan la razón y todo lo racional. Sus temas preferidos están relacionados con lo sobrenatural, la magia y el misterio. A estos románticos les falta un pensamiento sistemático y coherente; no comprenden ni interpretan el mundo de una forma global.

• Subjetivismo: En el romanticismo se le concede una gran importancia a las emociones, los sueños o las fantasías. Como formas de conocimientos principales se aceptan la intuición, la imaginación y el instinto; es decir impulsos no racionales, marcados por los sentimientos. La pasión se considera una fuerza superior a la razón.

• El espíritu idealista: Los románticos sienten una gran predilección por lo absoluto, lo ideal, en conexión con la filosofía idealista, esencialmente alemana, que se impone con fuerza en toda Europa durante la primera mitad del siglo. Por este motivo buscan desesperadamente la perfección, lo absoluto, lo cual explica, por una parte su necesidad de acción, su vitalismo, pero por otra, los anhelos insatisfechos que derivan en su frustración e infelicidad. Ese vago aspirar hacia un mundo superior al de las realidades sensibles y que la razón no acierta a definir, cristaliza a menudo en unos ideales concretos, que el romántico se impone como norte de su vida: la Humanidad, la Patria, la Mujer. Hacia estos


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objetivos concretos el hombre romántico dirige sus ardorosos afanes: el sentimiento filantrópico, el ideal patriótico y el amor, al que a menudo se le une un vago misticismo.

• Angustia metafísica: Al haber perdido la confianza en la razón, el ser romántico es por naturaleza alguien inseguro e insatisfecho, lo cual da lugar a la desazón vital romántica. El romántico siente la vida como un problema insoluble. Su instinto le denuncia la existencia de fuerzas sobrenaturales que escapan a todo conocimiento racional y una invencible angustia sobrecoge su ánimo. Se sabe víctima de un ciego Destino sin justificación lógica e increpa a la Naturaleza, que contempla impasible su dolor. La idea de infinito preside su vida; de ahí su inquietud febril y su terrible desequilibrio. Este aspecto es, sin embargo, también motor de la creación artística en la búsqueda constante del romántico de respuestas y soluciones a las dudas y problemas que se plantean.

• Choque con la realidad: Otro tema importante en el Romanticismo es el del desengaño que deriva del choque entre el yo hipertrofiado romántico y la realidad prosaica y gris que no da satisfacción a sus anhelos e ideales. El romántico - arrastrado por las imágenes que él mismo ha creado en su interior - se encuentra con que la realidad no responde a sus ilusiones. Este hecho lleva al hombre romántico, falto de serenidad para aceptar su ambiente, a un violento enfrentamiento con el mundo y a rebelarse contra todas las normas morales, sociales, políticas o religiosas.

• Evasión: Otro tema importante en el Romanticismo es el del desengaño que deriva del choque entre el yo hipertrofiado romántico y la realidad prosaica y gris que no da satisfacción a sus anhelos e ideales. El romántico - arrastrado por las imágenes que él mismo ha creado en su interior - se encuentra con que la realidad no responde a sus ilusiones. Este hecho lleva al hombre romántico, falto de serenidad para aceptar su ambiente, a un violento enfrentamiento con el mundo y a rebelarse contra todas las normas morales, sociales, políticas o religiosas.

• Nacionalismo: En el Romanticismo aparece una cierta obsesión por buscar las raíces de cada pueblo en su historia, en su literatura, en su cultura, . Es ahora cuando se inventa el concepto de pueblo como entidad espiritual supraindividual a la que pertenecen individuos concretos que comparten una serie de características comunes: lengua, costumbres, folclore. Así se comprende la revitalización de los antiguos poemas épicos y de las leyendas y tradiciones locales. Es evidente que estas ideas románicas se oponen frontalmente al espíritu universalista de la Ilustración.


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LA POESÍA ROMÁNTICA

Se cultivan dos géneros: la poesía narrativa (relato en verso de sucesos históricos, legendarios o inventados) y la poesía lírica. Los poemas narrativos combinan la descripción, el diálogo y, también, momentos líricos con la narración propiamente dicha. La poesía lírica romántica expresa temas como la melancolía, el cansancio de la vida, el amor, la mujer ideal, etc.

No obstante, uno de los rasgos de la poesía romántica es la mezcla de géneros, de modo que no siempre resulta clara la distinción entre lírica y épica o narrativa.

Otra característica de la poesía romántica es la polimetría, es decir, el empleo de diferentes versos y estrofas en un mismo poema.

Los poetas románticos más importantes son José Zorrilla (1817-1893), Espronceda (1808-1842), Bécquer (1836-1870) y Rosalía de Castro (1837-1885). En realidad, sería más adecuado llamar a los dos últimos poetas posrománticos, puesto que componen su obra en la segunda mitad del siglo XIX; además, estos dos autores buscan alejarse de la retórica vacía que caracterizaba a muchas de las obras románticas cercanas a la mitad de siglo; recurren para ello a la condensación y la simplificación formales, al arte de sugerir con la palabra

JOSÉ ESPRONCEDA

Aunque escribió también teatro y novela, destaca sobre todo por su poesía, tanto lírica como narrativa.

Entre sus poemas líricos figuran Canción del pirata, El verdugo, A Jarifa en una orgía... En ellos encontramos ya el Espronceda típico: defensa de los marginados, identificación con los proscritos, desprecio de las leyes y las riquezas materiales, anhelo de libertad, sentimentalismo, etc.

Sus dos grandes poemas, El estudiante de Salamanca y El diablo mundo, si bien son básicamente narrativos, ejemplifican la mezcla de géneros propia del Romanticismo, puesto que los fragmentos propiamente narrativos alternan con pasajes líricos y escenas dramáticas.

El estilo de Espronceda es típicamente romántico. Le gustan las sensaciones extremas; eso explica su afición a las sonoridades retumbantes, los efectos rítmicos sorprendentes, las rimas agudas, los cambios métricos repentinos, los contrastes violentos, las exclamaciones, las interrogaciones retóricas, etc. Le interesa siempre la reacción sentimental de los lectores, por lo que abusa de las situaciones emotivas y de la tendencia a lo misterioso.


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GUSTAVO ADOLFO BECQUER

Destaca tanto por su poesía como por su prosa.

La primera edición de sus textos poéticos apareció póstumamente con el título de Rimas. Los temas de las Rimas son básicamente dos: el amor y la poesía. El amor se identifica con la mujer, expresión máxima de la belleza, pero poco más que un ideal porque resulta inaccesible, es un misterio o se desvanece como un sueño. El resultado final es la desilusión, la angustia y la soledad. La poesía se concibe como expresión de emociones íntimas que están más allá del poeta mismo y que sólo esperan al escritor que sepa formularlas.

En cuanto al estilo, la poesía de Bécquer es sintética, normalmente breve y nada grandilocuente. Ahora bien, bajo la aparente sencillez de sus versos, se advierte una consciente elaboración de los textos. Además, muestra un esfuerzo por armonizar la poesía culta y la tradicional; así, por ejemplo, usa frecuentemente combinaciones de endecasílabos y heptasílabos, al modo de la silva culta, pero en estrofas normalmente breves, como en la lírica tradicional; o si en ocasiones emplea estrofas clásicas (octava real, serventesio, quintilla), muy a menudo utiliza formas populares (copla asonantada, seguidilla). En general, prefiere la rima en asonante, con lo que evita la sonoridad estridente del Romanticismo. Por último, Bécquer se acerca al Simbolismo al aludir a ideas o sentimientos que se resisten a ser formulados con palabras (la belleza, el amor, la poesía) mediante vocablos que designan elementos de la realidad cotidiana.

Como prosista, destaca por sus Leyendas, relatos fantásticos muy románticos tanto por sus temas: la mujer ideal, el ansia de amor absoluto, el desengaño, como por sus personajes (caballeros, artistas, bellas mujeres) y sus ambientes (la Edad Media, el mundo oriental o morisco, la noche). Algunas son muy conocidas: El rayo de luna, El Monte de las Ánimas, El caudillo de las manos rojas, Los ojos verdes... La prosa de las Leyendas se caracteriza por su ritmo musical y su calidad pictórica.

ROSALÍA DE CASTRO

Aunque escribió también en prosa, destaca sobre todo como poetisa. Compuso versos en gallego Cantares gallegos, Follas novas y en castellano En las orillas del Sar.

Con esta autora nos encontramos ya muy cerca de la poesía contemporánea: manifiesta su mundo interior abiertamente y sin el tono declamatorio y muchas veces superficial del Romanticismo más externo. Por


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otra parte, su maestría en el uso de los recursos poéticos y sus innovaciones métricas anuncian la poesía modernista. Finalmente, desde el punto de vista temático, la expresión de la intimidad permite que sus versos transmitan sensación de autenticidad y que confiese en ellos sus inquietudes sociales y su conciencia de mujer oprimida.

LA PROSA EN EL ROMANTICISMO

Se cultivan varios subgéneros en prosa:

- Los cuadros de costumbres: pequeños relatos que reflejan los modos de vida, usos, costumbres, ambientes y tipos de la sociedad contemporánea del autor. Carecen prácticamente de acción, usar poco el diálogo, describir tipos, ambientes y hábitos contemporáneos del autor, y obedecer a un propósito didáctico-moralizador o humorístico o satírico. Destacan: Mesonero Romanos con Escenas Matritenses y los artículos de costumbres de Mariano José de Larra.

- La novela histórica: por lo general ambientada en la Edad Media, no aspiraba a reconstruir con exactitud el pasado, sino simplemente a presentar en esos ambientes los conflictos e intereses románticos. Su auge muestra el deseo de los románticos de evadirse del presente. Cabe destacar dos novelas: El doncel de don Enrique el Doliente, de Larra y El señor de Bembibre, de Enrique Gil y Carrasco.

- El folletín fue un género que se difundió en periódicos o ediciones independientes por entregas. En él se narraban unos conflictos sentimentales (llenos de misterio, aventura e intriga) protagonizados por unos personajes tipificados

- La leyenda y el relato fantástico: historias en las que abundan los elementos extraños, misteriosos, sobrenaturales… Leyendas de Bécquer.

MARIANO JOSÉ DE LARRA

Nace en Madrid 1809, pero residió en Francia con su familia hasta los nueve años de edad. Se suicidó en 1836, y su trágica muerte, tal vez por su fracaso amoroso, lo convirtió en prototipo del Romanticismo. Utilizó pseudónimos y el más conocido es Fígaro.

Aunque cultivó otros géneros es en el periodismo donde sobresale especialmente. Entre sus muchos textos periodísticos destacan sus artículos de costumbres El casarse pronto y mal, El castellano viejo, Vuelva usted mañana, El día de difuntos de 1836, La Nochebuena de 1836, etc. Son


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fundamentalmente satíricos: censuran comportamientos y usos sociales diversos como la holgazanería, la brutalidad, la hipocresía, el mal gusto, etc. Pero la sátira no busca el humor fácil o el mero entretenimiento, sino que se hace con voluntad reformadora y modernizadora.

Por lo que respecta al estilo, Larra busca convencer y gustar al lector de la prensa. Para ello usa los más variados recursos, pero siempre con un lenguaje claro y directo en el que son constantes la ironía y el sarcasmo. La ironía es para Larra el mecanismo fundamental para desvelar las apariencias y dejar al desnudo las situaciones que satiriza.

TEATRO ROMÁNTICO

Aunque durante este periodo se compusieron tragedias clásicas, comedias moratinianas, comedias de magia y obras pertenecientes a la alta comedia e, incluso, se intentó resucitar la comedia barroca, el género del momento por excelencia fue el DRAMA ROMÁNTICO.

Frente al teatro costumbrista y moralizante del Neoclasicismo, se alza el drama romántico, que es la negación de los preceptos del teatro anterior, al mezclar lo cómico con lo trágico. Pero, ¿por qué el drama? Es normal que surja con fuerza el drama, puesto que el hombre romántico tiene una concepción desgarrada y dramática de la vida. Los dramas románticos conocen un éxito rapidísimo. Sus principales características son las siguientes:

a. El tema fundamental es el amor, un amor que está por encima de las convenciones sociales. La imposibilidad de alcanzar un amor puro en un mundo hostil hace que frecuentemente los finales sean trágicos.

b. Suelen desarrollar las acciones amorosas en un marco histórico, normalmente de la historia nacional.

c. Generalmente, los personajes carecen de evolución psicológica. d. Contienen numerosos elementos melodramáticos (origen desconocido

de los personajes, anagnórisis o reconocimientos finales, escenas sepulcrales, desafíos...) cuyo fin es conmover y emocionar al público, al que ahora, a diferencia del teatro neoclásico, no se pretende aleccionar.

e. Frente al teatro neoclásico y como el teatro barroco, mezclan tragedia y comedia y no respetan la regla de las tres unidades.

f. Introducen la innovación de mezclar el verso y la prosa, aunque a la larga se impone el verso y con polimetría, como en las comedias barrocas.

Los dramas románticos más notables son La conjuración de Venecia (Martínez de la Rosa), Macías (Larra), Don Álvaro o la fuerza del sino (duque de Rivas), El trovador (García Gutiérrez), Los amantes de Teruel (Hartzenbusch) y, por


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último, tres obras de Zorrilla: El zapatero y el rey, Don Juan Tenorio y Traidor, inconfeso y mártir.

EL DUQUE DE RIVAS

Autor de extraordinarios Romances históricos, sobre asuntos de nuestro pasado, la obra que más fama le dio: Don Álvaro o la fuerza del sino. Esta obra reproduce todas las características del teatro romántico. La acción transcurre entre España e Italia, pasan varios años, mezcla lo trágico con lo cómico y la prosa con el verso, se divide en cinco actos, el protagonista está envuelto en misterio…

JOSÉ ZORRILLA

Se le denominó “poeta nacional”. Su inspiración nace, fundamentalmente, de la historia y de las leyendas españolas, fruto de la cual son sus excelentes poemas: A buen juez mejor testigo y Margarita la Tornera .

Como dramaturgo: El zapatero y el rey; Traidor, inconfeso y mártir y sobre todo Don Juan Tenorio en donde retoma la figura del burlador de Sevilla ya tratada por Tirso de Molina en el s. XVII.


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S. XIX - EL REALISMO – EL NATURALISMO

INTRODUCCIÓN: España en la segunda mitad del siglo XIX En España, las disputas entre conservadores y liberales fueron constantes. En 1868 tuvo lugar la Gloriosa, la revolución que acabó con la monarquía borbónica; se tomaron entonces medidas propias de una revolución burguesa: sufragio universal, libertad de industria y comercio, libertad de imprenta, cátedra, cultos y asociación, separación de Iglesia y Estado, etc. La intervención del Ejército en 1874 restauró en el trono a los Borbones en la figura de Alfonso XII; se inició entonces el periodo de la Restauración, en el que, aunque existía una monarquía parlamentaria, el resultado de las elecciones estaba controlado por el Gobierno a través de una red de caciques.

El crecimiento demográfico español fue notable en esta época, pero la población siguió siendo mayoritariamente rural. Sí se desarrollaron considerablemente la red ferroviaria y ciertas industrias. Sin embargo, el progreso económico resultó insuficiente en relación con el demográfico.

Socialmente, la burguesía no fue capaz de llevar adelante la revolución liberal. La alta burguesía acabó fundiéndose con la vieja aristocracia y se constituyó así la oligarquía dominante de la Restauración. Y entre tanto fue organizándose el movimiento obrero, con hitos como la fundación del Partido Socialista Obrero Español (1879), la fundación de la Unión General de Trabajadores (1888) o la expansión del anarquismo por Levante y Andalucía.

En la cultura también se produjo el enfrentamiento entre conservadores y liberales. Las ideas tradicionalistas tuvieron como paladín al escritor Menéndez Pelayo. El pensamiento liberal estuvo representado sobre todo por el krausismo, un movimiento intelectual que defendía la conciliación de razón y religión, la tolerancia y, en el terreno pedagógico, la enseñanza no autoritaria, el fomento de la iniciativa personal, etc. El catalizador en España de las doctrinas krausistas fue la Institución Libre de Enseñanza, una organización educativa dirigida por Giner de los Ríos y cuyo espíritu influyó en muchos de los intelectuales de la España de la Restauración: Galdós, Clarín, Unamuno, Antonio Machado, etc.

La última década del siglo XIX fue especialmente conflictiva: hubo huelgas, levantamientos campesinos y guerras que culminaron con la pérdida de las últimas colonias españolas en 1898.


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EL REALISMO Y EL NATURALISMO

El Realismo es el movimiento cultural característico de la sociedad burguesa del siglo XIX, una sociedad a la que no le gustaban ya la fantasía y el idealismo romántico y cuya filosofía propia es el positivismo. La doctrina positivista defiende que no existe más realidad que los hechos perceptibles y que la única investigación posible es el estudio empírico de esos hechos; por tanto, sus instrumentos básicos son la observación rigurosa y la experimentación.

Los principios estéticos del Realismo predominaban en los medios artísticos ya a mediados del siglo XIX (un poco antes en algunos países como Francia y un poco después en España).

Los rasgos generales de la literatura realista son los siguientes:

1. Observación y descripción precisa de la realidad. La observación de la realidad practicada por el escritor es paralela a los métodos de observación aplicados en las ciencias experimentales. Así, el creador llega a documentarse sobre el terreno tomando apuntes sobre personajes y ambientes, o bien consulta libros de los que extrae la información precisa.

2. Ubicación próxima de los hechos. Frente a la evasión en el tiempo y en el espacio típico del Romanticismo, el autor realista escribe sobre lo que conoce, con lo que sitúa sus obras en el presente y en lugares próximos. La mirada se desplaza a lo cotidiano, eliminando el subjetivismo y la fantasía y controlando los excesos de la imaginación y el sentimentalismo.

3. Frecuente propósito de crítica social y política. La intencionalidad política varía según la ideología del escritor. Los autores conservadores describen la realidad para mostrar su degradación y reclamar un retorno a los valores tradicionales. Los progresistas también muestran las lacras sociales, pero estas, según ellos, obedecen a la pervivencia de una mentalidad conservadora que impide el avance hacia el mundo nuevo.

4. Estilo sencillo y sobrio. Los realistas rechazan la pomposa retórica romántica. El ideal estilístico es la claridad y la exactitud, como corresponde al deseo de acercar la labor del escritor a la del científico.

5. Predilección por la novela. El género literario por excelencia del Realismo es la novela, ya que, según los realistas, es el más adecuado para describir la realidad en su totalidad.

Los rasgos típicos de la novela realista son los siguientes:

a. Verosimilitud. Las historias son como fragmentos de realidad. Desaparecen del relato los sucesos inverosímiles, los hechos maravillosos y las aventuras insólitas.

b. Protagonistas individuales o colectivos. Los protagonistas de las novelas son o individuos que se relacionan problemáticamente con su entorno o grupos sociales completos. En el primer caso, se


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hace hincapié en el análisis psicológico del protagonista; en el segundo, en la descripción de ambientes. Se distinguen, por tanto, dos tipos de novelas: la novela psicológica y la novela de ambientación social.

c. Narrador omnisciente. El narrador maneja por completo los hilos del relato: sabe lo que va a suceder, conoce los pensamientos de los personajes e interviene en la obra con juicios sobre hechos y personajes y con observaciones dirigidas al lector.

d. Didactismo. Es corriente que los autores pretendan con sus novelas ofrecer una lección moral o social. Ello es así en las llamadas novelas de tesis, en las que el escritor desea demostrar una idea general a la que quedan subordinados el argumento, los personajes y el ambiente de la obra.

e. Estructura lineal. Los hechos transcurren de forma lineal en el tiempo. Aunque no son extrañas las vueltas atrás para contar episodios anteriores, estas sólo interrumpen provisionalmente el hilo del relato.

f. Descripciones minuciosas. Las descripciones de exteriores e interiores y las de los personajes son extremadamente detalladas. Esta atención al detalle lleva a captar en muchos personajes rasgos tan concretos que ellos solos bastan para individualizarlos.

g. Aproximación del lenguaje al uso coloquial. El lenguaje narrativo se aproxima a la lengua de la conversación, a la que se eleva a la categoría de lengua literaria. Los autores se esfuerzan en adecuar la lengua a la naturaleza de los personajes, que hablan según su condición social, su origen geográfico y sus propias particularidades.

El Naturalismo es una corriente literaria que se desarrolló durante el último tercio del siglo XIX, fundamentalmente en Francia. Su principal impulsor fue el novelista Zola, quien pretendía que la literatura se convirtiera, a semejanza de las ciencias naturales, en otra ciencia cuyo objeto de estudio fuera el medio social. Para los naturalistas, la literatura debe analizar científicamente el comportamiento humano siguiendo los principios de la observación y la experimentación. Para ello, parten de la idea de que el hombre no es libre, sino que está determinado por su herencia genética y por el ambiente social en que se mueve. El novelista, a semejanza del científico, debe experimentar con sus personajes para comprobar cómo se modifican sus reacciones según cambian las circunstancias y teniendo siempre en cuenta su particular condición biológica heredada. Esto explica la propensión de los naturalistas por ambientes miserables y por personajes tarados, alcohólicos, embrutecidos o víctimas de diversas patologías, ya que tales casos permiten demostrar mejor la influencia de la biología y del medio social.

Técnicamente, en el Naturalismo se extreman los rasgos del Realismo, lo que se percibe en las minuciosas descripciones, en la reproducción fiel del lenguaje hablado... En cuanto al punto de vista narrativo, se considera que dado que el científico sólo expone y analiza los hechos, así


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debe actuar el novelista, quien ha de abstenerse de intervenir en la narración; se propugna, por tanto, el ideal del narrador impersonal y objetivo.

El realismo y el naturalismo en España

El triunfo del Realismo en España fue tardío. Esto obedece a que las circunstancias históricas que podían propiciar su surgimiento sólo se produjeron a partir de la revolución de 1868. La perspectiva que se abrió entonces de una sociedad burguesa, el nuevo clima de libertad y la desaparición de la censura explican el auge de la literatura realista desde los años setenta.

En contraste, el Naturalismo fue conocido bastante pronto y las obras de Zola se tradujeron enseguida. Ahora bien, los escritores españoles no aceptaron la idea de convertir la literatura en una ciencia y sólo aprovecharon de esta corriente algunos recursos narrativos y su interés por los ambientes miserables.

La transición de la prosa romántica a la novela prerrealista se manifiesta en las obras de Fernán Caballero y Pedro Antonio de Alarcón. El Realismo se consolida con las novelas de Valera, Pereda, Pardo Bazán y, sobre todo, Pérez Galdós y Leopoldo Alas, Clarín.

FERNAN CABALLERO

Seudónimo de la novelista española Cecilia Bohl de Faber, nacida en Morges, Suiza, y educada en Alemania. Se trasladó a España alrededor de 1813 y pasó el resto de su vida en Andalucía, donde están ambientadas todas sus obras. En La gaviota (1849), una obra sentimental considerada como la primera novela moderna española y precursora de la novela realista, introdujo el costumbrismo, un movimiento español y latinoamericano del siglo XIX que destaca aspectos y tipos de la vida diaria local. También escribió la novela autobiográfica Lágrimas (1850), así como Lucas García (1852), El Alcázar de Sevilla (1862) y La corruptora (1868), entre otras

PEDRO ANTONIO DE ALARCÓN

Escritor y político español nacido en Guadix, Granada. Fue diputado de las Cortes españolas y se alistó como voluntario en la campaña de Marruecos, experiencia que le proporcionó material para su Diario de un testigo de la guerra de África (1859), considerada hoy una obra maestra por su descripción de la vida militar. Alarcón es un escritor cercano aún al Romanticismo y a la prosa costumbrista, sobresalió en su época por sus novelas religiosas, entre las que destaca El escándalo (1875), una defensa de los jesuitas que levantó una


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viva polémica. Hoy es recordado principalmente por sus relatos de la vida rústica en España, algunos de los cuales se han recopilado en El sombrero de tres picos (1874), farsa costumbrista que recrea un cuentecillo folclórico.

JUAN VALERA

Juan Valera y Alcalá Galiano nació en Cabra, Córdoba (España), el 18 de octubre de 1824 en el seno de una familia aristocrática. Sus padres, eran ambos de origen aristocrático. Los años de su niñez transcurrieron en el mundo rural andaluz, que después se reflejará en muchas de sus novelas.

Antes de iniciar sus estudios de Filosofía y Derecho en la Universidad de Granada, estudió Lengua y Filosofía en el seminario de Málaga entre 1837 y 1840 y en el colegio Sacromonte de Granada en 1841.

Ingresó en el cuerpo diplomático y desempeñó diversas funciones diplomáticas en varias embajadas. Fue diputado y ocupó importantes cargos en la administración. En 1861 ingresó en la Academia de la Lengua. La última etapa de su vida transcurrió alejada de toda actividad pública, a causa de su ceguera.

Valera fue un hombre de mundo, elegante, distinguido y refinado, de gran cultura y brillante ingenio, y con cierta dosis de escepticismo e ironía distanciadora.

• Crítico y Ensayista

Juan Valera escribió interesantes artículos y ensayos filosóficos e histórico-políticos y numerosos estudios de crítica literaria sobre autores y obras clásicos y contemporáneos antes de dedicarse, tardíamente, a la novela. Es fundamental hacer mención de su numerosa correspondencia: las cartas de Valera, con prosa impecable, en las que plasma su experiencia viajera y amorosa y sus opiniones sobre muy diversos temas como los literarios.

• Novelas

Valera se declara literariamente como un esteticista y se sintió alejado tanto del Romanticismo decadente como del Realismo y Naturalismo de su tiempo. Según él, la misión del novelista consiste en crear obras bellas e inteligentes que sirvan de entretenimiento, de lectura amable, no tanto dar testimonio de la realidad o defender posturas ideológicas. Debe embellecer la realidad, en caso de ser preciso, con el fin de evitar los aspectos desagradables.

Sin embargo, y a pesar de lo anteriormente dicho, las novelas de Valera se caracterizan en cierto modo por ser realistas al escoger ambientes precisos,


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personajes verosímiles y por el análisis psicológico, muy minucioso que hace de muchos de sus personajes.

o Pepita Jiménez

La novela más importante de Juan Valera y la primera fue Pepita Jiménez publicada en 1874. Tiene forma epistolar en su mayor parte y narra el lento proceso de seducción de un seminarista, Luís Vargas, por una joven y hermosa viuda, Pepita Jiménez. Es una novela fundamentalmente psicológica, en la que el autor analiza la interioridad de los dos protagonistas. A través de la correspondencia entre Luis Vargas y un tío suyo sacerdote, personaje de gran importancia en la obra, se va presentando la lucha interior entre la vocación religiosa y la fascinación que al protagonista le produce Pepita. La evolución de Luis Vargas está perfectamente analizada: se trata de un proceso en el que se mezcla la seguridad jactanciosa, el falso misticismo, el desconocimiento del mundo, la soberbia espiritual, los remordimientos, angustias y dudas, hasta llegar, por fin, a la certeza de su ilusoria vocación y a la entrega a Pepita. Sobre el carácter de ésta también obtenemos un perfilado preciso a través de lo que de ella dicen otros personajes, sobre todo Luis.

o Juanita la Larga

Aparecido en 1895, es otro acierto novelístico de Valera. Se trata de un relato amable en el que sobresale un personaje femenino, Juanita, en una trama amorosa en la que se incluyen muchas escenas costumbristas de la Andalucía natal del autor.

Otras novelas son El Comendador Mendoza (1877), Doña Luz (1879), Genio y figura (1897) y Morsamor (1899).

En las novelas de Valera predominan dos valores permanentes: la perfección clásica de su lenguaje: elegante correcto y expresivo, y el acierto y profundidad en el análisis psicológico e sus personajes, en especial de los femeninos.

JOSE Mº DE PEREDA

Defiende en sus obras el mundo rural e idílico frente a los males del mundo urbano y burgués. La mayoría de sus novelas transcurren en Cantabria, y son un ejemplo de la llamada novela regional. Destacan en ellas las descripciones del paisaje y de tipos locales, la capacidad observadora del escritor y la riqueza lingüística. Las más importantes son El sabor de la Tierruca, Pedro Sánchez, Sotileza, La puchera y Peñas arriba.


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EMILIA PARDO BAZÁN

Posee una obra narrativa diversa. En algunas de sus novelas, como La tribuna, Los pazos de Ulloa y La madre Naturaleza, percibimos la influencia del Naturalismo en las situaciones escabrosas, los ambientes degradados, los señores decadentes y los criados brutales, las crudas descripciones, etc. No obstante, el determinismo naturalista queda siempre corregido por la fe religiosa de la escritora. Es autora también de cientos de cuentos, reunidos en diversos volúmenes: Cuentos de Navidad, Cuentos de amor, Cuentos de la tierra...

BENITO PÉREZ GALDÓS

A la hora de clasificar la narrativa de Galdós, es útil distinguir entre los Episodios nacionales y el resto de las novelas, que se clasifican a su vez en tres grupos:

a. Primeras novelas. Publicadas durante la década de los setenta, son casi todas novelas de tesis en las que el autor no oculta sus simpatías por la España liberal. Aquí están La Fontana de oro, Doña Perfecta, Gloria, Marianela y La familia de León Roch.

b. Novelas españolas contemporáneas. Así llama Galdós al grupo de novelas publicadas a partir de La desheredada y que incluye también obras como El amigo Manso, La de Bringas, Fortunata y Jacinta y Miau. Pertenecen todas a la década de los ochenta. Su obra más ambiciosa es Fortunata y Jacinta, extensa novela que retrata la vida social madrileña de la época. En ella encontramos al mejor Galdós, un experto en la minuciosa captación de tipos y ambientes, en el uso de los diálogos, en el empleo de novedosos monólogos interiores o en el manejo narrativo de múltiples anécdotas argumentales. Aquí también alcanza su cumbre el realismo total galdosiano, ya que a los elementos realistas y naturalistas, el autor incorpora recuerdos, sueños, imaginación, locura y símbolos. Todo ello se integra de tal forma que da por resultado un acabado fresco social, que no es una sociedad genérica o abstracta, sino un mundo poblado por numerosas individualidades.

c. Últimas novelas. El interés de Galdós por buscar nuevos cauces expresivos se manifiesta en sus novelas desde 1889. De este periodo son La incógnita, Realidad, Ángel Guerra, Tristana, la trilogía que tiene por protagonista al usurero Torquemada, Nazarín, Misericordia y El caballero encantado. En todas ellas ensaya originales procedimientos narrativos; así, encontramos novelas dialogadas, narraciones epistolares, presencia de elementos fantásticos, sueños, símbolos, etc. Finalmente, en algunas es también visible la influencia del espiritualismo de la novela europea de fin de siglo.

Los Episodios nacionales son cuarenta y seis novelas que reconstruyen de forma novelada la historia del siglo XIX español. Con ellos, Galdós acude a la Historia para explicar su propio presente y las convulsiones político-sociales que siguieron al derrocamiento de la monarquía borbónica en 1868.


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LEOPOLDO ALAS CLARÍN

La producción narrativa de Clarín comprende dos novelas La Regenta y Su único hijo, algunas novelas cortas y poco más de cien relatos breves recogidos en diversos volúmenes: Pipa, El Señor y lo demás son cuentos, Cuentos morales y El gallo de Sócrates.

Los cuentos son de dos clases: satíricos o de tono reflexivo. Los primeros parten de un tipo ridículo cuyos rasgos se caricaturizan. En los segundos, Clarín expresa sus preocupaciones personales: el amor, la religión, la humildad, el falso intelectualismo, el egoísmo, la envidia, etc.

La Regenta relata el adulterio de una mujer frustrada, pero, en el fondo, la auténtica protagonista de la novela es toda una sociedad provinciana (la de Vetusta, trasunto de Oviedo), de la que Clarín se sirve para mostrar las mezquindades de la España de la Restauración. Así, satiriza duramente los comportamientos de la clase dominante: clero, nobles y burgueses desfilan por la obra descubriendo su frivolidad, hipocresía, orgullo, mediocridad y miseria moral. En La Regenta, como novela naturalista, es muy importante la influencia del ambiente sobre los personajes: tanto el mundo exterior (la ciudad, las relaciones sociales) como el más próximo (la familia, la infancia, la formación) los condicionan de modo definitivo.

Su único hijo narra la vida en una pequeña capital de un frustrado matrimonio. Clarín, de nuevo, juzga ásperamente la moralidad de la sociedad que retrata. Pero, además, la importancia que adquieren en la obra la voluntad, el tiempo de la memoria, la angustia ante la soledad, el desarraigo y el miedo al mundo preludia ya esa niebla mística tan característica de finales del XIX.

S. XX – EL MODERNISMO Y LA GENERACIÓN DEL 98

INTRODUCCIÓN

Los avances en la ciencia, en la industria, en los transportes y en las comunicaciones hicieron que Europa disfrutara hacia 1900 de un nivel de vida


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mucho más alto que en 1800. Este desarrollo tuvo como consecuencia un gran crecimiento de las ciudades. Los países europeos más poderosos controlaban además las materias primas y el comercio en el resto del planeta. Por el poder mundial competían Inglaterra, Francia, Alemania y un país en ascenso: Estados Unidos. Las disputas entre todos ellos condujeron a la Primera Guerra Mundial.

En España, se produjo a fines del siglo XIX el llamado Desastre de 1898, cuando la derrota militar frente a los Estados Unidos acabó con los últimos restos del antiguo imperio español (Cuba, Puerto Rico y Filipinas).

Durante los primeros años del siglo XX el sistema político de la etapa anterior continuó inalterado, esto es, el Partido Liberal y el Partido Conservador siguieron turnándose en el poder, sin que hubiera apenas diferencia entre sus políticas.

La sociedad estaba dominada por una oligarquía integrada por nobles terratenientes y por la alta burguesía financiera; era un bloque social conservador que no sólo controlaba la economía, sino también las elecciones (recordamos aquí el caciquismo). Por debajo se hallaba la pequeña burguesía, que se sentía marginada por el bloque dominante pero que a la vez temía al proletariado; la mentalidad de estas clases medias solía ser reformista; de ellas surgieron intelectuales y escritores disconformes, a veces revolucionarios. En último término encontramos a la clase obrera (el proletariado de las zonas industrializadas y las masas de los campesinos), que soportaba durísimas condiciones de vida; en ellos prendieron las ideologías revolucionarias con sus organizaciones sindicales de carácter socialista y anarquista.

LA LITERATURA A PRINCIPIOS DEL SIGLO XX

Desde finales del siglo XIX surgen en Europa y América corrientes de ideas de tipo disidente o inconformista. En las Artes y en las Letras cunden impulsos renovadores frente a las tendencias vigentes.

En España, las ansias de renovación se producen en medio de la decadencia política y el marasmo social. Muchos de los escritores jóvenes abominan de la realidad que ven en torno y se alzan contra la literatura inmediatamente anterior.

Al principio se llamó modernistas a todos los escritores animados por tales impulsos innovadores; aunque adoptaron variadas posturas estéticas e ideológicas, todos ellos coincidían en su actitud rebelde frente a los valores burgueses, en su rechazo al materialismo y la deshumanización del mundo capitalista. Pero con el tiempo, el término modernista se fue reservando para designar a aquellos autores (especialmente poetas) que se despegaron del mundo que aborrecían y encauzaron su inconformismo hacia la búsqueda de la belleza, de lo exquisito; se proponían ante todo una renovación estética. Y,


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al mismo tiempo, se creó la etiqueta de Generación del 98 para aquellos

autores españoles (especialmente prosistas) que se orientaban más bien a profundizar en problemas humanos o a analizar críticamente la penosa realidad española.

EL MODERNISMO

La concepción más restringida del concepto de Modernismo considera a este como un movimiento literario que se desarrolla aproximadamente entre 1885 y 1915. Tiene su cuna en Hispanoamérica y su principal impulsor y máximo representante es el escritor nicaragüense Rubén Darío.

En España, el Modernismo conoce dos fases: el Modernismo polémico y el Modernismo domesticado. El primero comienza aproximadamente en 1892, con la llegada de Rubén Darío a España, y se extiende hasta 1904; esta es su época de esplendor. Después, cuando los autores modernistas ya ocupan un lugar central en el mercado editorial, atenúan la actitud provocadora y combativa que los había caracterizado en la primera etapa.

Las figuras más características del Modernismo en España son Manuel Machado, Villaespesa y Marquina. Ahora bien, hay tres importantes autores que estuvieron inicialmente en la órbita del Modernismo, pero que luego desbordaron sus cauces: Valle-Inclán, Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez.

El Modernismo Español tuvo una serie de Influencias, se halla fuertemente influido por la literatura francesa, en concreto por dos movimientos de la segunda mitad del siglo XIX: el Parnasianismo y el Simbolismo.

• El Parnasianismo está representado por poetas como Théophile Gautier o Leconte de Lisle. Los parnasianos defienden el ideal de el arte por el arte, instauran el culto a la perfección formal y pretenden construir una poesía serena, equilibrada (frente a la vehemencia romántica). Len gustan temas que serán después típicamente modernistas: la mitología griega, el exotismo oriental, las civilizaciones antiguas...

• El Simbolismo es una corriente que arranca de Baudelaire y se desarrolla con Verlaine, Rimbaud y Mallarmé. Los simbolistas no se contentan con la belleza externa ni con la perfección formal (aunque no las desprecien), sino que quieren ir más allá de las apariencias. Para ellos, la realidad sensible encierra significaciones profundas y la misión del poeta es descubrirlas; se sirve, para ello, de símbolos, esto es, de imágenes físicas que sugieren algo no perceptible físicamente (una idea, un sentimiento...). Se trata, en suma, de una poesía que se propone sugerir


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todo cuanto está oculto en el fondo de las cosas. A este arte de la sugerencia no le convienen ya las formas escultóricas, cinceladas, que perseguían los parnasianos, sino un lenguaje musical.

Los TEMAS del Modernismo apunta en dos direcciones: la que atiende a la exterioridad sensible (lo legendario y lo pagano, lo exótico, lo cosmopolita) y la que apunta a la intimidad del poeta, con su vitalismo y su sensualidad, pero también con su melancolía y angustia. Pues bien, a partir de este último aspecto puede explicarse la unidad temática de la literatura modernista.

• Desazón “romántica”. Son notables las afinidades de talante entre románticos y modernistas: vemos análogo rechazo de una sociedad en la que no encuentra lugar la poesía y parecida sensación de desarraigo y de soledad. La melancolía (a veces, la angustia) es un sentimiento central. Es sintomático de este talante la presencia de lo otoñal, lo crepuscular, la noche. Además, la crisis espiritual que alimenta a los modernistas les lleva a exaltar por encima de la razón las pasiones y lo irracional; el misterio, lo fantástico y el sueño vuelven a poblar los poemas.

• Escapismo. Como el romántico, el modernista se evade del mundo con el que está en desacuerdo. Hay una evasión en el espacio (se trata del conocido exotismo de la literatura modernista, cuya aspecto más notorio es el gusto por lo oriental). Y hay también una evasión en el tiempo (hacia el pasado medieval, renacentista, dieciochesco) que es fuente de evocaciones históricas o legendarias. En la misma línea se sitúa el gusto por la mitología clásica, con su brillantez y su sensualidad pagana.

De acuerdo con tales preferencias, aparecen por los poemas dioses, ninfas y centauros; vizcondes y marquesitas. Es un mundo de viejos castillos, de salones versallescos y de jardines perfumados; un mundo con cisnes y libélulas, flores de lis y flores de loto, marfil y perlas Todo ello obedece a la necesidad de soñar mundos de belleza en los que refugiarse de un ambiente mediocre.

• Cosmopolitismo. Es un aspecto más de la necesidad de evasión, del anhelo de buscar lo distinto. Ese cosmopolitismo desemboca, sobre todo, en la devoción por París, inspiradora de muchos versos modernistas.

• Amor y erotismo. Se advierte un contraste entre un amor delicado y un intenso erotismo: así, por un lado, encontramos muchas manifestaciones de un amor ideal, imposible, acompañado casi siempre de melancolía; por otro, vemos también numerosas muestras de un erotismo desenfrenado, que unas veces pueden interpretarse como un desahogo vitalista ante las citadas frustraciones y que en otros casos enlazan con las actitudes asociales y amorales características del espíritu modernista.


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• Los temas americanos y lo hispánico. Hay también en el Modernismo hispanoamericano un cultivo de temas indígenas. Al principio es una manifestación más de la evasión hacia el pasado y sus mitos, pero más tarde obedece al anhelo de buscar las raíces de una personalidad colectiva. Y esa misma búsqueda de raíces explica la presencia de los temas hispánicos en ese periodo.

LA ESTÉTICA MODERNISTA. EL LENGUAJE Y LA MÉTRICA: El Modernismo profesa un culto casi religioso a la Belleza. La poesía se considera el arte supremo y se concibe como la búsqueda de la armonía, de lo absoluto. Las principales características son las siguientes:

• Literatura de los sentidos. Los poetas pretenden sugerir con las palabras las sensaciones que otras artes consiguen a través del sonido, el color o la luz. Por ello aluden frecuentemente a instrumentos musicales (arpas, liras, flautas) o a colores, sea directamente, sea por medio de objetos preciosos (azul, violeta, rubí, zafiro); o recrean olores exquisitos, generalmente insinuados por medio de flores y plantas (nardos, jazmines, sándalo).

• Recursos estilísticos. Los modernistas se sirven de todos aquellos recursos que se caracterizan por su valor ornamental o su poder sugeridor. Los frecuentes recursos fónicos responden al ideal de musicalidad: así, los simbolismos fonéticos (las trompas guerreras resuenan), la armonía imitativa (está mudo el teclado de su clave sonoro) o la simple aliteración (bajo el

ala aleve del leve abanico). El léxico se enriquece con cultismos, neologismos, vocablos exóticos, acumulación de palabras esdrújulas, adjetivación ornamental, etc.: unicornio, gobelinos, pavanas, ebúrneo cisne, sensual hiperestesia... La preeminencia de lo sensorial se manifiesta en el abundante empleo de sinestesias: verso azul, risa de oro, sones alados, sol sonoro... Destaca asimismo la riqueza de imágenes: Nada más triste que un titán que llora, / hombre montaña encadenado a un lirio; la libélula vaga de una vaga ilusión; y la carne que tienta con sus frescos

racimos...

• Variedad métrica. Se experimenta con estrofas, versos, acentos y rimas en la búsqueda incesante de originalidad y ritmo musical. Típicos versos modernistas son los alejandrinos, los dodecasílabos, los eneasílabos y también los versos libres. En cuanto a las estrofas, predominan los sonetos más diversos, las silvas, los serventesios y, dado el interés por la lírica popular de muchos de estos poetas, las coplas, seguidillas, romances y cuartetas.

LA GENERACIÓN DEL 98


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Se denomina Generación del 98 a un conjunto de escritores españoles que nacen a la vida literaria en los últimos años del siglo XIX y el despuntar del siglo XX y que se define por una coincidencia, en el espacio histórico de un decenio, de localización geográfica, frecuentaciones sociales, influencias, actividades profesionales e intelectuales, inquietudes y, sobre todo, temática y enfoque de la misma. El grupo está integrado por Unamuno, Azorín, Baroja, Maeztu y, con las matizaciones que se verán después, Antonio Machado y Valle-Inclán. El 98 es el año de la derrota de España en la guerra con Estados Unidos. La liquidación de lo que fue un gran imperio hace que se tome conciencia de la debilidad del país, se analicen sus causas y se busquen soluciones. Es lo que harán los noventayochistas, pero había antecedentes. La Generación del 98 no forma un bloque monolítico: es preciso atender a su evolución.

El grupo de los Tres

Componen este grupo Azorín, Baroja y Maeztu. En 1901 publican un Manifiesto en el que diagnostican la descomposición de la atmósfera espiritual del momento, el hundimiento de las certezas filosóficas, de los dogmas... Sí observan entre los jóvenes un vago ideal altruista de mejorar la vida de los miserables. Lo que queda, entonces, es encontrar algo que canalice esa fuerza. Pero ahora ya no confían en las doctrinas políticas. Piensan que sólo una ciencia social puede poner al descubierto todas las llagas sociales y estudiar soluciones.

Como vemos, los Tres han abandonado las ideas revolucionarias anteriores y se han aproximado más al reformismo de los regeneracionistas.

La campaña fue un fracaso y el episodio los condujo a un desencanto total. Y en ese desengaño de la acción concreta les había precedido Unamuno, quien en el año del Manifiesto confiesa que ya no le interesan demasiado los asuntos económico-sociales; lo que le preocupan ahora son los problemas espirituales del pueblo.

CARACTERÍSTICAS DEL 98

Los escritores adoptan unas posiciones fuertemente personales, lejos del común radicalismo juvenil. No obstante, queda en todos ellos la lucha por algo que no es lo material, es decir, un anhelo idealista. Presentan, además, otros rasgos comunes:

a. cierto irracionalismo neorromántico (coinciden en ello con los modernistas);

b. una especial preocupación por las cuestiones existenciales (el sentido de la vida, el destino del hombre...);


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c. un enfoque subjetivo del problema de España, es decir, una mirada empañada por los anhelos y angustias personales; además, lo que les preocupa ahora no son tanto los problemas materiales concretos como el “alma” del país (sus valores, sus creencias).

La evolución ideológica de los autores es curiosa. Unamuno se debatiría toda su vida entre contradicciones y luchas íntimas. Baroja se recluye en un escepticismo radical. Azorín derivó hacia posturas conservadoras. Finalmente, Maeztu se convierte en un portavoz de las derechas lindantes con el fascismo.

Ahora podemos apreciar el signo inverso de las trayectorias de Antonio Machado y Valle-Inclán. Machado, en Campos de Castilla (1912), incorpora por fin preocupaciones noventayochistas; pero pronto las desborda y avanza hacia posiciones que lo distancian de los típicos hombres del 98. Valle, hacia 1917, pasa de su tradicionalismo inicial a un progresismo a veces muy radical. Por tanto, igual que Machado, está en un plano muy distinto del que por entonces ocupaban los cuatro primeros noventayochistas estudiados.

Temas del 98

• El tema de España es central. Los noventayochistas nunca abandonaron su intensa preocupación por el país. Rechazan el ambiente político del momento y denuncian, sobre todo en su juventud, el espíritu de la sociedad: su ramplonería, su apatía, su parálisis... En cambio, exaltan, especialmente en su madurez, una “España eterna y espontánea”; de ahí su interés por el paisaje y la vida de los pueblos y por lo que hay de permanente en su historia. Las tierras de España fueron recorridas y descritas por ellos con dolor y con amor: junto a una mirada crítica que descubre la pobreza y el atraso, encontramos, cada vez más, una exaltación lírica de los pueblos y el paisaje; sobre todo de Castilla, en la que ven la médula de España. Su atracción por lo austero de las tierras castellanas inaugura una nueva sensibilidad, una estética de la pobreza. Por último, en los hombres del 98 el amor a España se combina con un anhelo de europeización, muy vivo en su juventud. Con el tiempo, dominará en casi todos una exaltación casticista.

• Las preocupaciones existenciales ocupan un lugar central en la temática noventayochista. Hay que situarlas en la crisis de fin de siglo. Encontramos en estos escritores ese malestar vital, esa desazón “romántica” que vimos en los modernistas. Así, ellos o sus personajes se interrogan sobre el sentido de la existencia humana, sobre el tiempo, sobre la muerte, etc. Y son frecuentes los sentimientos de hastío de vivir o de angustia.

• Estrechamente vinculado con lo anterior está el problema religioso. Los del 98 fueron agnósticos en su juventud. Baroja se mantuvo en esta actitud toda su vida. Unamuno, en perpetua lucha entre su razón y su sed de Dios, fue un temperamento profundamente religioso, pero angustiado y fuera de


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la ortodoxia católica. Azorín y Maeztu, en cambio, adoptaron con el tiempo posiciones católicas tradicionales.

Estilo del 98

Al igual que los modernistas, los hombres del 98 reaccionaron contra la grandilocuencia o el prosaísmo de la literatura anterior. Todos ellos se propusieron renovar la lengua literaria, y aunque cada uno posee un estilo fuertemente individualizado, encontramos algunos rasgos comunes:

a. cierto ideal de sobriedad (contra el retoricismo), pero también un gran cuidado de la forma (contra el prosaísmo);

b. gusto por las palabras tradicionales y terruñeras: ponen en circulación un enorme caudal léxico que recogen en los pueblos o toman de los clásicos, llevados de su amor a lo castizo y a las raíces culturales españolas;

c. un fuerte subjetivismo, que se manifiesta en el tono lírico de muchas de sus páginas; y de ahí que en sus visiones del paisaje sea difícil separar lo visto de la manera de mirar.

Finalmente, hay que destacar las innovaciones en los géneros literarios. Ante todo, el grupo del 98 configuró el ensayo moderno, dándole una flexibilidad que le permitiría recoger por igual la reflexión literaria, histórica o filosófica, la visión lírica del paisaje, la expresión de lo íntimo, etc. En cuanto a la novela, se abandonan las maneras de la prosa realista. Ya no se pretende reflejar con exactitud la realidad, porque lo que interesan son las experiencias subjetivas o los problemas de conciencia. Eso explica el gusto por la sugerencia, por la imprecisión, por la pincelada rápida que evoca los descrito, la tendencia a lo inconcluso, etc. Y eso explica también que sea una novela que admite profundas novedades técnicas, de manera que caben en ella la rapidez impresionista y la andadura libre de Baroja, el ritmo lento de Azorín, que rompe con la preeminencia de la fábula, o la introspección y las distorsiones de la realidad de las novelas de Unamuno.

MIGUEL DE UNAMUNO

Nació en Bilbao (1864). Estudió Filosofía y Letras en Madrid. Fue catedrático de Griego en la Universidad de Salamanca. En esta ciudad vivió hasta su muerte, salvo de 1924 a 1930, en que estuvo desterrado por su oposición a la Dictadura de Primo de Rivera. Murió en 1936.

Su vida fue de intensa actividad intelectual y de constante lucha. Lucha consigo mismo, debatiéndose en contradicciones, sin hallar paz. Y lucha


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contra la “trivialidad” de su tiempo o la falta de inquietudes, intentando sacudir las conciencias.

Estilo: Su lengua es también la de un luchador: vehemente, incitante. No busca la elegancia, sino la expresividad, la intensidad afectiva. Él mismo dijo que buscaba una lengua “seca, precisa, rápida..., caliente”.

Su lucha con la expresión y con las ideas se manifiesta en paradojas y antítesis, o en sus esfuerzos por revitalizar el sentido o las resonancias de ciertas palabras. Es también máximo exponente del gusto por las palabras terruñeras.

Obra: Unamuno cultivó todos los géneros (ensayo, novela, poesía y teatro) y en todos proyectó sus grandes preocupaciones.

Su primer ensayo notable fue En torno al casticismo, donde insiste en la importancia de la intrahistoria, la vida cotidiana de los hombres, más importante que los hechos históricos sobresalientes, que no son más que la superficie de la verdadera historia. En Del sentimiento trágico de la vida y La agonía del cristianismo desarrolla tres ideas básicas: el miedo a la muerte, la necesidad de creer en Dios y la certeza racional de que Dios no existe. El ansia de inmortalidad se había advertido ya en Vida de don Quijote y Sancho. En todos estos libros aparece un escritor agónico, impulsivo y polémico al que le agrada agitar las conciencias. Pero hay también un Unamuno contemplativo, que añora la paz absoluta, la entrega a la contemplación de lo eterno. Esta tendencia a la contemplación puede espigarse en toda su obra, pero especialmente en los libros que recogen las impresiones de sus viajes: Por tierras de Portugal y España y Andanzas y visiones españolas.

Unamuno se preocupa también de los problemas sociales y políticos de España. Una vez abandonadas sus ideas socialistas, insiste en sus escritos en la antigua espiritualidad española, necesaria para la regeneración moral. Llega a darle la vuelta a su idea inicial de europeizar España y propone españolizar esa Europa necesitada de alimento espiritual.

Entre sus novelas destacan Niebla, en la que el propio autor llega a convertirse en personaje de ficción, La tía Tula y San Manuel Bueno, mártir. En las narraciones de Unamuno prácticamente no existen descripciones porque no interesa el realismo externo, sino que lo que de verdad importa son los conflictos íntimos de los personajes. Los monólogos y los diálogos adquieren gran relevancia, puesto que son los mecanismos idóneos para expresar las ideas e inquietudes de los protagonistas.

Compuso varios millares de poemas. Huye de la sonoridad fácil y aborda en ellos los mismos temas que en su prosa: la angustia existencial, el sentimiento religioso, la familia, la contemplación del paisaje, los problemas filosóficos, etc.


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Esos temas son también los de su teatro, un teatro intelectual, próximo al ensayo. Reduce al mínimo la intriga y los personajes y no presta atención a la ornamentación escénica. Como en las novelas, son el diálogo y el monólogo, siempre densos, los instrumentos privilegiados para llevar al espectador o lector la vida interior de los personajes. Los dramas más destacados son Fedra, El otro y El hermano Juan

AZORÍN

Nació en Monóvar (Alicante) en 1873. Murió en 1866. De joven profesó ideas revolucionarias, pero más tarde derivó hacia el conservadurismo. Paralelamente, en lo religioso, pasó de su anticlericalismo inicial a un escepticismo sereno y posteriormente a un catolicismo firme. Su filosofía está centrada en una obsesión por el tiempo, por la fugacidad de la vida. Pero no hay en él el patetismo de Unamuno, sino una tristeza íntima y un anhelo de apresar lo que permanece por debajo de lo que huye. Es, cada vez más, un espíritu nostálgico que vive para evocar.

Temas: Destacan, en primer lugar, las evocaciones de su infancia y juventud y, en segundo lugar, y sobre todo, sus evocaciones de tierras y hombres de España, fundamentalmente de Castilla. Como nadie, Azorín proyectó sobre lo que veía su sensibilidad nostálgica. De ahí, el lirismo de sus descripciones.

Estilo: Su prosa se caracteriza, además de por su lirismo, por un fluir lento, apoyado en frases cortas. Su ideal de estilo apunta a la precisión y la claridad. En sus descripciones emplea una técnica miniaturista: atiende al detalle revelador, cargado de sugerencias. Finalmente, sus textos ejemplifican ese rescate de palabras olvidadas tan característico de los hombres del 98.

Obras. Aunque también escribió teatro, destaca sobre todo por sus ensayos (Los pueblos, Castilla...) y por sus novelas (La voluntad, Antonio Azorín, etc.). En sus novelas, casi podemos hablar de disolución de la novela tradicional por la ausencia de hilo narrativo, la disgregación estructural, la tendencia al intelectualismo... Se trata de un discurso fragmentario, un rasgo que se corresponde con el deseo del autor de anular el tiempo y la acción. Lógicamente, por tanto, hay un predominio absoluto de lo descriptivo y lo discursivo.

PIO BAROJA

Nació en San Sebastián en 1872. Estudió Medicina, pero apenas ejerció como médico: dedicó casi toda su vida a la literatura. A principios de siglo participó también en política, pero, desengañado pronto, su presencia en la vida pública fue cada vez menor. Murió en 1956.


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En el carácter de Baroja llamaban la atención su hipersensibilidad y timidez. Además, fue un inconformista radical. De su anarquismo juvenil le quedó siempre una postura iconoclasta, hostil a la sociedad. No creyó ni en Dios ni en la vida (la considera incompresible y dolorosa) ni en el hombre (“Creo que el hombre es un animal dañino, envidioso, cruel...”). Sin embargo, hay también en él una inmensa ternura por los seres desvalidos o marginados. Esto y la sinceridad son las bases de su ética. Como hombre del 98, amó a España y le preocuparon sus problemas, pero, pasadas sus esperanzas juveniles, no se hizo ilusiones.

Estilo. Baroja lleva a tal extremo la tendencia antirretórica de los noventayochistas que se le acusó de descuidado. Pero su prosa es espontánea y vivísima, con absoluto predominio de la frase corta y el párrafo breve. El relato fluye rápido, ameno. Las descripciones suelen ser tan escuetas como vivas. Y el diálogo, en el que Baroja es un maestro, destaca por su autenticidad conversacional. Ahora bien, también es capaz de bellas evocaciones líricas que, en ocasiones, interrumpen la narración.

Obras. Baroja escribe casi una decena de libros de relatos breves y más de sesenta novelas, compuestas las más importantes antes de 1915. Una buena parte de su narrativa se agrupa en trilogías, entre las que sobresalen La lucha por la vida (La busca, Mala hierba y Aurora roja), Tierra vasca (La casa de Aizgorri, El mayorazgo de Labraz y Zalacaín el aventurero) y La raza (La dama errante, La ciudad de la niebla y El árbol de la ciencia). Citamos sueltos otros títulos inolvidables: Camino de perfección y Las inquietudes de Shanti Andía. Finalmente, hay que recordar las veintidós obras que componen la serie Memorias de un hombre de acción, novelas históricas ambientadas en la España del siglo XIX y cuyo protagonista es Aviraneta, un dinámico personaje de ese siglo.

ANTONIO MACHADO

Nació en Sevilla (1875). En Soria (donde ejerció como profesor de Francés en un instituto) conoce a la joven Leonor, con quien se casa. Leonor muere al poco tiempo. Desesperado, deja Soria. Ejercerá en Baeza, Segovia y Madrid. Fiel partidario de la República, tiene que exiliarse a Francia en 1939, y ese mismo año muere en Colliure. Fue un hombre sencillo, ensimismado, de honda sensibilidad. Ideológicamente, se formó en un liberalismo progresista; más tarde, al contacto con las desigualdades sociales, derivará hacia un humanitarismo revolucionario.

Obra: En 1903 publica su primer libro, Soledades, que se amplía en 1907 con el título de Soledades, galerías y otros poemas. Es una obra típicamente modernista, pero del Modernismo intimista: Machado escribe “mirando hacia dentro”. Le interesa apresar “los universales del sentimiento”, es decir, sentimientos universales que giran en torno al tiempo, a la muerte, a Dios. La soledad, la melancolía o la angustia traspasan los versos. Es muy característico


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el empleo de símbolos: el camino, el espejo, el agua, la noria, las galerías, la tarde, etc. Sus significados son muy diversos y a veces cambiantes: así, la fuente, el agua que brota, es símbolo de anhelos e ilusiones, pero también, en algún caso, de la monotonía de la vida; la tarde es el momento propicio para la meditación, pero muy a menudo es símbolo de decadencia, de acabamiento.

En 1912 aparece por primera vez Campos de Castilla (se reeditará después en varias ocasiones con nuevos poemas). Se advierten cambios fundamentales con respecto a Soledades: se atenúan el subjetivismo y la introspección y pasa a primer plano la realidad exterior. Si en Soledades el paisaje tiene un carácter simbólico en el que se proyecta el yo íntimo, en Campos de Castilla es ya más objetivo; aquí, antes que recrear un atmósfera sentimental propicia a la meditación, Machado describe paisajes reales que, muchas veces, se pueblan de presencias humanas o aluden a circunstancias históricas. El yo del poeta pasa a segundo plano y se abre a los otros.

Conviven en la obra poemas muy diversos. Abundan los que describen los paisajes y las gentes de Castilla. Se da cuenta del contraste entre el pasado glorioso de esas tierras y su andrajoso presente. Cuando, después de la muerte de Leonor, recuerda Castilla desde Baeza, el paisaje aparece otra vez teñido de subjetividad. También del periodo de Baeza son los poemas de paisajes y tipos andaluces, en los que el autor critica la España tradicional, religiosa y conservadora. Además, un nuevo tipo de poesía hace su aparición en Campos de Castilla: la poesía sentenciosa y moral que integra la serie Proverbios y cantares.

En 1924 aparece su último libro de poemas: Nuevas canciones. Si Machado había abandonado en Campos de Castilla la introspección subjetiva, tampoco la supuesta visión objetiva de las cosas lo satisfizo por mucho tiempo, pues comprobó que, si el mundo exterior (el paisaje, la tierra) le interesaba, era fundamentalmente como escenario de la vida de los demás y de la propia. A este dilema se enfrenta en Nuevas canciones. Desvela aquí su visión de la poesía: no es un hecho sólo subjetivo ni sólo objetivo, sino que existe en virtud de unos sentimientos que se dan históricamente como producto de los valores que crean los hombres, y que cambian cuando lo hacen dichos valores. La poesía es también un modo de conocimiento, pero no a la manera científica, mediante el uso de la razón y de la lógica, sino a través de la vía de la intuición. La misión del poeta es captar el fluir temporal al tiempo que da cuenta de la esencia permanente de las cosas.

Prosa y teatro

El único libro en prosa que publicó Machado fue Juan de Mairena (1936), una colección de escritos que aparecieron primero en prensa. Mairena es un filósofo y poeta inventado que discurre sobre temas poéticos, filosóficos, sociales, políticos, etc. Es una obra imprescindible para conocer el


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pensamiento del autor. Finalmente, en colaboración con su hermano Manuel escribió también siete obras teatrales.

VALLE INCLÁN

Nació en 1866 en Villanueva de Arosa (Pontevedra). Murió en 1936. Su figura era inconfundible: manco, melena y barbas largas, y peculiar indumentaria. Estos rasgos superficiales revelan su forma de ser: es un inconformista y, también, un hombre que literaturiza su existencia.

Políticamente fue primero tradicionalista; por aversión a la civilización burguesa, que le parecía fea, se aferraba a los viejos valores. Pero, a partir de 1915, da un giro radical: se sigue oponiendo a lo mismo, pero ahora desde la izquierda, adoptando posturas revolucionarias que llegan hasta el comunismo.

Obra: La amplia producción de Valle abarca todos los géneros. Y en todos se aprecia una profunda evolución, paralela a su cambio ideológico. A grandes rasgos, pasa de un modernismo refinado y nostálgico a una postura crítica expresada en un estilo desgarrado, radicalmente nuevo.

Podemos distinguir cuatro periodos en su obra: hasta 1906, influido por el decadentismo modernista; de 1907 a 1909, cuando escribe obras de acentuado primitivismo; de 1910 a 1920, época de las farsas y otras obras artificiosas; y a partir de 1920, etapa de los esperpentos.

• Etapa decadentista: Las obras más notables de esta etapa son las Sonatas: Sonata de otoño, Sonata de estío, Sonata de primavera y Sonata de invierno. Estructuradas como una composición musical en cuatro tiempos, van ligando simbólicamente la estación del año y el marco geográfico con la edad y pasiones del protagonista, el marqués de Bradomín, típico aristócrata decadente (elegante, exquisito, amoral, aventurero, provocador, cínico e incluso violento a veces). En un ambiente de misterio y leyenda, entre preciosos jardines y lujosos interiores, se exalta nostálgicamente un mundo refinado en vías de desaparición. El esmerado lenguaje y cuidado estilo de las Sonatas hacen de su prosa la más brillante del Modernismo español.

• Etapa del primitivismo: En apenas tres años escribe Valle cinco obras muy importantes: las dos primeras Comedias bárbaras y la trilogía de novelas de La guerra carlista. En ellas ensaya otro camino también propio del Modernismo: el primitivismo. La violencia, la crueldad, la barbarie, la brutalidad, las pasiones desbordadas, el mundo rural con


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sus leyendas, mitos, ritos mágicos y supersticiones populares son rasgos comunes de los dos dramas y de las tres novelas.

• Etapa de las farsas y obras artificiosas: Durante la segunda década del siglo Valle escribe diversas obras teatrales, en su mayor parte en verso. Se trata de experimentos dramáticos con los que crea un mundo artificioso, muy literario y estilizado: Farsa infantil de la cabeza del dragón, Voces de gesta, El embrujado...

• Etapa de los esperpentos: En 1920 publica Luces de bohemia, obra capital en el teatro español contemporáneo y primero de los esperpentos. Características de los esperpentos son la mezcla de lo cómico y lo serio, la concepción de los personajes como títeres, la caricatura, la deformación de la realidad, el gusto por lo grotesco, el tono de farsa, la intención satírica y burlesca, etc. Algunos de estos rasgos ya aparecían en otra obra de 1920, Divinas palabras, y se acentúan en las obras teatrales posteriores: Los cuernos de don Friolera, Las galas del difunto y La hija del capitán. En todas ellas es además muy importante la crítica social y política. También muestran rasgos esperpénticos: Tirano Banderas y la serie de El ruedo ibérico. Estas obras se aproximan a los esperpentos teatrales no sólo en estilo, lenguaje y configuración de personajes, sino también en la relevancia del diálogo, al que se subordinan la narración y la descripción, reducidas muchas veces a acotaciones parecidas a las de un guión cinematográfico.

S. XX – NOVENCENTISMO Y VANGUARDIAS

INTRODUCCIÓN: El mundo después de la Primera Guerra Mundial


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La Primera Guerra Mundial (1914-1918) supuso un enorme sacrificio humano (murieron ocho millones y medio de personas) y dejó extenuados a los países contendientes. Tras la guerra, Europa se hundió en la depresión económica, lo que propició en los años veinte la aparición del fascismo italiano y de otros regímenes autoritarios por el viejo continente. Poco antes, en 1917, un acontecimiento había conmovido al mundo: la revolución comunista de Rusia. En el resto de los países europeos, los bajos salarios y el gran número de parados favorecieron el desarrollo de los sindicatos y partidos obreros, que exigían a los gobiernos reformas sociales.

Durante la Primera Guerra Mundial, España se mantuvo neutral. Como consecuencia de ello, se produjo un auge de las exportaciones y se obtuvieron importantes beneficios empresariales. Sin embargo, la mayoría de la población se empobreció, ya que el fuerte incremento de los precios no fue compensado con subidas de salarios. Todo ello desembocó en la huelga general de 1917, que fue reprimida por el Ejército. El fin de la guerra trajo consigo la recesión económica; el paro y los bajos salarios acentuaron el malestar. A la tensión social se sumó la guerra de Marruecos, donde el Ejército español sufrió importantísimas derrotas. La Monarquía y el Ejército intentaron buscar una salida a la crisis política con el golpe de estado de Primo de Rivera en 1923 y la dictadura militar. Pero los problemas no se solucionaron y, tras unas elecciones, el 14 de abril de 1931 se proclamó la República.

EL NOVECENTISMO

Se denomina Novecentismo al movimiento cultural de la segunda década española del siglo XX, que, tomando el nombre del nuevo siglo, se opone al arte del ochocientos. En la literatura se tienen por decimonónicos no solo el Romanticismo y el Realismo, sino también el Modernismo y la Generación de 1898. La fecha de 1914, comienzo de la Primera Guerra Mundial, se ha considerado como el final político y social del siglo XIX; por eso, al Novecentismo se le ha denominado también Generación de 1914.

Los escritores novecentistas son prestigiosos profesionales (filósofos, científicos, filólogos, juristas...) con una sólida formación universitaria; muchos de ellos han estudiado en el extranjero. Estos orígenes intelectuales explican muchas de sus características:

• Racionalismo: defienden el rigor intelectual, el análisis frío y objetivo de las circunstancias y la claridad expositiva.


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• Antirromanticimo: rechazan lo sentimental y lo pasional; prefieren las actitudes equilibradas y serenas y la expresión intelectualizada de las emociones.

• Defensa del arte puro: el arte tiene que limitarse a proporcionar placer estético y no debe ser vehículo de preocupaciones religiosas o políticas ni de emociones personales. El arte no se concibe ya como expresión de la vida, sino como algo autónomo de la vida. El arte se convierte a veces en un mero juego intelectual que raya en la frivolidad.

• Aristocratismo intelectual: los textos de estos autores se dirigen a entendidos. Por ello, la literatura se escribe para minorías selectas.

• Estilo cuidado: el ideal de la obra bien hecha lleva a cuidar en detalle la estructura de las obras y a emplear un estilo pulcro y depurado.

LAS VANGUARDIAS EUROPEAS Y SU DESARROLLO EN ESPAÑA

En Europa se desarrollan durante el primer tercio del siglo XX las vanguardias, esto es, un conjunto de corrientes artísticas que se enfrentan a la cultura anterior y proponen romper con el arte del siglo XIX. Es común a todas ellas la voluntad de experimentación (pretenden desarrollar un arte nuevo) y su hostilidad hacia la tradición (para ellas, el pasado artístico no tiene ningún valor). Reaccionan contra la sensibilidad romántica y manifiestan un marcado antisentimentalismo. Los vanguardistas son provocadores: desprecian al gran público y a la burguesía, a la que escandalizan con sus actitudes insolentes.

Los ecos de las diversas vanguardias llegan pronto a España, aunque aquí no surge un movimiento vanguardista organizado hasta el final de la Primera Guerra Mundial.

En literatura, los movimientos vanguardistas más relevantes son el Expresionismo, el Futurismo, el Cubismo, el Dadaísmo, el Creacionismo, el Ultraísmo y el Surrealismo.

• Expresionismo

- Se da entre 1910 y 1925. - Es especialmente vigoroso en Alemania y en los países centroeuropeos y

noreuropeos. - Rechaza que el arte sea una mera representación externa de la

realidad; debe reflejar la realidad interior, para lo cual se resaltan hasta la deformación aquellos aspectos que mejor expresan las características físicas o psicológicas de lo descrito. Esa búsqueda de la expresividad aparta la obra de arte de la reproducción realista del natural. Se da, por el contrario, una modificación subjetiva y, a menudo,


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trágica de la realidad. Abundan, por ello, los personajes extraños, las caricaturas, los motivos grotescos, las situaciones absurdas y el uso libre del lenguaje, que muchas veces rompe con las convenciones de la lógica.

- Son expresionistas el alemán Döblin y el checo Kafka.

• Futurismo

- El primer manifiesto futurista (1909) se debe al italiano Marinetti. - Defiende que el arte se debe al futuro y rechaza radicalmente el

pasado. - Sustituye los objetos consagrados por la tradición como expresión de la

belleza (cisnes, princesas...) por nuevos motivos extraídos de la vida moderna: las máquinas, las fábricas, el automóvil, la luz eléctrica, los deportes...

- Exalta la acción y la violencia y repudia el sentimentalismo. - En consonancia con esa pasión por el dinamismo, propone usar los

verbos en infinitivo, abolir los adjetivos y adverbios, eliminar las conjunciones y suprimir la puntuación.

• Cubismo

- Comienza en 1913. - Su principal teórico es Apollinaire. - Es una consecuencia del Cubismo pictórico. Así, la literatura cubista

debe muchas de sus características a la pintura; por ejemplo, se fragmenta la realidad para reelaborarla creativamente, se superponen o se yuxtaponen los planos o se desdobla el punto de vista. Además, los escritores cubistas atienden especialmente a los aspectos visuales del poema: juegan con los tipos de letra, con la disposición tipográfica de los versos...; destacan en este sentido los caligramas de Apollinaire, en los que las letras del texto forman un dibujo que alude al contenido del mismo.

• Dadaísmo

- Comienza en Zurich en 1916. Su principal animador es Tzara. Más tarde, en París, se le unen Francis Picabia, Breton, Eluard, Aragon... Entra en decadencia a principios de los años veinte.

- Exalta lo ilógico y lo azaroso y defiende el regreso a la pureza infantil. Renuncia al significado, reivindica la espontaneidad, la sorpresa, el lenguaje incoherente...

- Ensancha las fronteras de lo artístico: es arte todo lo que pueda excitar la imaginación o provocar una experiencia lúdica. Al mismo tiempo, considera que la obra de arte no tiene ninguna trascendencia más allá de sí misma.


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• Creacionismo

- Uno de sus iniciadores en París es el poeta chileno Vicente Huidobro, quien durante su estancia en España en 1918 difunde aquí los principios estéticos del movimiento.

- Defiende que el poeta no debe imitar la Naturaleza, sino que ha de crear él mismo nuevas realidades: “Hacer un poema como la Naturaleza hace un árbol”. Para ello, se prescinde de lo anecdótico y descriptivo, con el propósito de que el poema provoque una emoción por el valor de la creación misma. El recurso fundamental es la creación por parte del poeta de una relación arbitraria, ilógica, que rompa con lo esperable, entre dos realidades.

- Influye decisivamente en dos poetas españoles: Juan Larrea y Gerardo Diego, y está en el origen de un movimiento vanguardista hispano: el Ultraísmo.

• Ultraísmo

- Es un ismo hispano. Su primer manifiesto es de 1919. A mediados de la década de los veinte ya está extinguido.

- Tiene un carácter ecléctico: recoge ingredientes de las otras vanguardias.

- Como el Creacionismo, concibe la poesía como la creación de una nueva realidad, independiente del mundo existente. El poeta exhibe los objetos desde perspectivas no acostumbradas y establece relaciones insólitas entre ellos.

- Como el Futurismo, prefiere los objetos materialmente duros, sin implicación sentimental: las locomotoras, las máquinas, el asfalto...

- Considera que el poeta no tiene ninguna función ética ni ninguna responsabilidad social; el arte es un juego intranscendente. Esta concepción lúdica del arte se advierte no sólo en el gusto por la ocurrencia y el humor, sino también en la afición por los juegos tipográficos y la supresión de la puntuación y las mayúsculas, que dan a veces al poema un aire de rompecabezas.

- Otras recursos son el rechazo de los metros tradicionales y su sustitución por el verso libre, la supresión del adjetivo, el empleo de neologismos, el abuso de las palabras esdrújulas, la propensión al fragmentarismo (típica del Cubismo)... Pero el procedimiento expresivo fundamental es la metáfora: frente a la metáfora tradicional, que establecía una relación lógica entre dos realidades, esta elimina ese nexo lógico, con lo que sólo puede captarse su sentido por medio de la intuición y no de la razón.

- Figuras ultraístas importantes fueron Jorge Luis Borges y Guillermo de Torre.

• Surrealismo


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- Surge de los rescoldos del Dadaísmo. El primer manifiesto se publica en 1924. Los valedores iniciales del movimiento son Breton, Eluard, Aragon y Artaud. Aunque este grupo se disuelve en los años treinta, el Surrealismo no muere; se extiende por todo el mundo.

- No se presenta sólo como un movimiento de renovación estética, sino que pretende ser una revolución integral. Propugna una liberación total del hombre:

� liberación de la esclavitud que le impone la sociedad burguesa

(Marx) � liberación de los impulsos reprimidos en el subconsciente por una

razón sumisa a las convenciones morales y sociales (Freud). - Para los surrealistas, lo que llamamos vida es sólo la cara más gris de la

realidad; hay que conquistar una verdadera vida, acceder a una realidad más alta (super-realidad), que está amordazada en el fondo de nuestras conciencias. La poesía es un instrumento idóneo para iluminar la vida auténtica, pero se deberá crear al dictado de un pensamiento libre de la vigilancia ejercida por la razón. Existen diversas técnicas para ello: practicar la escritura automática, realizada sin reflexión, ensamblar al azar palabras, transcribir los sueños, provocar alucinaciones mediante las drogas para transcribir después experiencias extrarracionales...

- Como consecuencia de todo lo anterior, se produce una liberación del lenguaje con respecto a los límites de la expresión lógica. Así, en un poema surrealista se entremezclan objetos, sentimientos o conceptos que la razón mantiene separados; aparecen asociaciones inesperadas de palabras, metáforas insólitas, imágenes oníricas, etc. Sin embargo, no se trata de un lenguaje gratuito: en la medida en que se hace aflorar todo un poso de pasiones subconscientes, ese lenguaje acarrea una inmensa carga humana. Claro está que ese lenguaje no se dirige a nuestra razón sino que quiere despertar en nosotros reacciones también inconscientes, modificar nuestros estados de ánimo.

- El Surrealismo tuvo una fuerte repercusión en España ( por ejemplo, casi todos los poetas del 27 acusaron en algún momento su influjo). Es muy importante tener presente que su irrupción significa la crisis del ideal de pureza y deshumanización que había dominado la poesía española durante años; su irrupción significa la vuelta de lo humano e incluso de lo social y lo político a la literatura.

EN PROSA

El carácter intelectual de los escritores novecentistas y la abundancia entre ellos de filósofos, historiadores, profesores, etc., hacen que el género del


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ensayo tenga un gran desarrollo. Entre los ensayistas de la Generación del 14 destacan Manuel Azaña, Eugenio d’Ors y, sobre todo, Ortega y Gasset.

ORTEGA Y GASSET

Fue autor de numerosos ensayos: Meditaciones del Quijote, España invertebrada, La deshumanización del arte, Ideas sobre la novela, La rebelión de las masas, etc. En ellos aborda los temas más diversos: filosofía, política, sociología, historia... Sus ideas influyeron considerablemente en la literatura española de su tiempo.

En La deshumanización del arte (1925) analiza el arte de vanguardia. Sintetiza así sus principales rasgos: es un arte puro, alejado de la psicología, de la sociología, de la vida y de las experiencias personales (y es que el arte no debe ser valorado por lo que tenga de humano o real, sino por sus calidades formales); es, por tanto, un arte que tiende a la “deshumanización” (que elimina las emociones humanas en beneficio de la pura emoción estética); y es un arte intelectual, ya que no se basa en el contagio emocional.

Los novelistas de la Generación del 14 muestran en sus obras el espíritu renovador propio de la época: es el caso de la novela lírica de Miró, de la novela intelectual de Pérez de Ayala y de la novela vanguardista de Gómez de la Serna.

GABRIEL MIRÓ

Es autor de novelas como Nuestro Padre San Daniel o El obispo leproso y de libros de relatos breves como El libro de Sigüenza o Años y leguas. Se caracteriza por una prosa elaboradísima en la que lo importante son las prolijas descripciones de sensaciones y ambientes a las que sirve de marco una acción mínima.

RAMÓN PÉREZ DE AYALA

Comienza con novelas próximas al realismo galdosiano, pero sigue luego el camino de la novela intelectual (por ejemplo, Belarmino y Apolonio). Se trata de novelas en las que la acción es muy leve: sirve de pretexto para que los personajes encarnen ideas y actitudes vitales o para ensartar disquisiciones sobre filosofía, psicología, política, moral, estética... Son, por tanto, novelas próximas al ensayo.

RAMÓN GÓMEZ DE LA SERNA


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Es el prototipo de escritor vanguardista español. Escribió ensayos, biografías, teatro, narraciones cortas, novelas, etc., pero lo más característico de su producción son las greguerías.

Las greguerías son imágenes lírico-humorísticas que, de modo ingenioso, establecen relaciones insólitas y faltas de lógica entre dos objetos o conceptos. Gómez de la Serna las define como “metáfora + humor”, pero los procedimientos con los que las construye son muy variados: falsas etimologías, paronomasias, retruécanos, parodias de frases hechas, asociaciones visuales de imágenes, antítesis, paradojas, dilogías... Hay que relacionarlas con la libertad imaginativa de las vanguardias, que buscan relaciones insospechadas entre los objetos. Además, al introducir un humor jovial, cumplen con el propósito novecentista y vanguardista de eliminar el patetismo romántico.

Por otro lado, sus novelas también muestran rasgos típicos de las vanguardias: la levedad de la acción, la revalorización de los objetos triviales, el gusto por lo fragmentario que caracteriza al Cubismo, etc. Destaca entre ellas El incongruente, sobre un hombre que nunca encuentra un jueves.

EN POESÍA

El esfuerzo de renovación más importante en la lírica española de su tiempo es el que lleva a cabo desde esta época y durante mucho tiempo Juan Ramón Jiménez.

JUAN RAMÓN JIMÉNEZ

Clasificó su obra del siguiente modo: poesía en verso, prosa lírica y prosa crítica. El propio autor distinguía en su obra poética tres etapas: época sensitiva, época intelectual y época suficiente o verdadera.

- La primera etapa o época sensitiva llega hasta 1915. Sus primeros libros, influidos por Bécquer y por los simbolistas franceses, muestran un tono decadente y neorromántico. Ya en la órbita del Modernismo intimista se encuentran Arias tristes y Jardines lejanos: atmósfera quejumbrosa y doliente, sentimientos de soledad y melancolía, inevitabilidad del paso del tiempo, presencia de la muerte, recuerdos, jardines, flores, fuentes, paisajes otoñales, crepúsculos, importancia de los musical, léxico decadente, etc. En algunos de sus libros posteriores (por ejemplo, La soledad sonora), se acentúa la ornamentación modernista. Sin embargo, Juan Ramón se aparta después de la estética modernista, anunciando ya su etapa posterior.


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- La época intelectual se inicia con Diario de un poeta recién casado (1917), libro importantísimo que rompe definitivamente con el Modernismo para buscar una poesía pura o desnuda que persigue la expresión de lo inefable casi a la manera de los antiguos místicos. Los libros siguientes (Eternidades, Piedra y cielo, Poesía, Belleza) continúan el proceso de intelectualización y abstracción. Los poemas suelen ser ahora breves y densos. La estación total, publicada en 1946, recoge poemas escritos entre 1926 y 1936. El carácter metafísico de estos textos es evidente: el poeta pretende escapar de la muerte alcanzando un estado de conciencia que se asocia a plenitud, desnudez, armonía, eternidad o inmensidad.

- La última etapa de la poesía de Juan Ramón (época suficiente o verdadera) es la de sus años de exilio. En realidad, ya La estación total puede considerarse dentro de esta etapa. De hecho, el resto de las obras de este periodo (En el otro costado, Dios deseado y deseante) no hacen más que acentuar la naturaleza metafísica de La estación total.

El más conocido de los escritos en prosa de Juan Ramón Jiménez es Platero y yo (1914). En él, con un estilo en el que abundan los rasgos modernistas, muestra su anhelo de armonía con la Naturaleza. Son características de la obra la delicada ironía, el sentimiento cordial, el ansia de belleza, la presencia del campo y la actitud afable. Pero el orden y la armonía cósmicas se ven amenazados de continuo por la violencia, el odio, la injusticia, el dolor y la muerte. Platero y yo no es, por tanto, ni una obra didáctica ni un libro para escolares.

EN TEATRO

En los intentos de renovación del teatro español, destacan el barcelonés Jacinto Grau (1877-1958), cuya obra maestra el El señor de Pigmalión, y sobre todo, Valle-Inclán (ya estudiado en el tema anterior).


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LA GENERACIÓN DEL 27

INTRODUCCIÓN:

De la depresión económica a la Segunda Guerra Mundial

En 1929 tiene lugar la Gran Depresión: una crisis económica de alcance mundial. Comenzó como una crisis en la Bolsa de Nueva York; desde el sector financiero se transmitió a la industria, y desde Estados Unidos, al resto del planeta. El colapso de la economía conmocionó al mundo, que veía cómo el número de trabajadores sin empleo se multiplicaba. En Europa, la inestabilidad política fue extrema, y en 1933 los nazis llegaron al poder en Alemania cuando el gran capital y las clases medias, atemorizadas por la incertidumbre económica, la inseguridad y el peligro de proletarización, vieron en el totalitarismo nacionalista una solución a sus problemas. La crítica situación condujo finalmente en 1939, tras la invasión de Polonio por parte del ejército alemán, a la Segunda Guerra Mundial.

En España, la República, proclamada en 1931, fue recibida con júbilo por la población, pero las reformas emprendidas se encontraron enseguida con la fuerte oposición de terratenientes, patronos, altos mandos del Ejército, buena parte de la Iglesia católica, etc. En 1936, el intento de golpe de Estado por parte de los militares desembocó en una larga guerra civil, que terminó en 1939 con la derrota de los republicanos y la victoria de las tropas mandadas por el general Franco, quien implantó una férrea dictadura que lo mantuvo como Jefe del Estado hasta su muerte en 1975.

La poesía española durante los años veinte y treinta. La Generación del 27

A principios de los años veinte, junto a la figura de Juan Ramón Jiménez destaca en la poesía española la difusión de las ideas vanguardistas a través de los textos de los poetas creacionistas y ultraístas. Cuando estos movimientos entran en decadencia a mediados de la década, surge un conjunto de jóvenes poetas que terminarán por constituir un grupo poético de extraordinaria importancia: la Generación del 27. El grupo se llama así porque fue en 1927 cuando muchos de ellos se reunieron en Sevilla para homenajear a Góngora en el tercer centenario de su muerte. Integran esta generación Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Vicente Aleixandre, Federico García Lorca, Emilio Prados, Rafael Alberti, Luis Cernuda y Manuel Altolaguirre. Se suele incluir en esta nómina a Dámaso Alonso, aunque él reconoce que acompaña a la generación más como crítico que como poeta; y, efectivamente, publica sus más importantes libros de poesía ya en la posguerra. Finalmente, Miguel Hernández, aunque es más joven que los anteriores, es considerado como un epígono de la Generación del 27 por sus relaciones personales con ellos y por la fecha de publicación de sus libros.


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CARACTERÍSTICAS DE LOS POETAS DEL 27

Aunque muy diversos entre sí, hay en la mayoría de estos escritores ciertas características comunes:

• Entusiasmo por Góngora. Ven en Góngora al escritor puro entregado a la creación poética autónoma; lo miran, entonces, como un precursor adelantadísimo de la estética de las vanguardias. Comprueban en él la importancia de la metáfora y la imagen, recursos que son también cruciales en la estética ultraísta y creacionista. Finalmente, también revalorizan a través de él las formas métricas tradicionales.

• Importancia del ideal poético de la poesía pura. La poesía pura, ideal poético de los años en que empiezan a escribir, influye en todos en alguna medida y en algunos (Guillén, Salinas, Diego) de manera decisiva. Así, vemos en sus versos un esfuerzo de depuración formal, una búsqueda de precisión expresiva, la supresión de la anécdota, la eliminación de todo patetismo y la tendencia a la intelectualización. En este sentido, es fundamental el magisterio de Juan Ramón Jiménez, que estaba elaborando por entonces su “poesía desnuda”.

• Neopopularismo. Es importante el uso por algunos poetas (Diego, Lorca, Alberti) de formas y ritmos (romances, seguidillas, canciones paralelísticas, villancicos, estribillos) y de recursos estilísticos (repeticiones, paralelismos, diminutivos) propios del folclore y la poesía tradicional. Y es que tenemos que pensar que este tipo de poesía conecta con los ideales estéticos de la época por su simplicidad, estilización y capacidad de sugerencia.

• Vanguardismo. Todos estos poetas, en mayor o menor medida, muestran las huellas del Vanguardismo. En primer lugar, el talante del grupo en sus comienzos es típicamente vanguardista: son cosmopolitas, joviales, provocadores, deportivos, antisentimentales, ingeniosos... Además, una de las características fundamentales de su poesía es el papel central de la metáfora y la imagen, entendidas al modo ultraísta y creacionista como el establecimiento de una relación nueva y sorprendente entre dos objetos alejados; y, de hecho, algunos, como Diego, comienza siendo ultraísta y creacionista. Se observan por doquier ecos futuristas (poemas dedicados al fútbol, al ciclismo, a los objetos característicos de la época, interés por el cine...). Y, por último, la huella surrealista se percibe de modo intenso en bastantes de ellos.

• Espíritu de equilibrio. Aunque el Vanguardismo es en ellos un impulso inicial y un ingrediente importante, no es una poética excluyente. Pretenden aunar los principios artísticos más novedosos con las mejores muestras de la tradición lírica española. Y, efectivamente, en ellos percibimos la influencia


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no sólo de Góngora, sino también de Garcilaso, Fray Luis, Bécquer y, en general, de los grandes poetas españoles clásicos. Una prueba de esta búsqueda de equilibrio entre vanguardia y tradición es que en métrica, el verso libre y la prosa poética conviven con las estrofas más clásicas: décimas, sonetos, liras...

• Progresiva rehumanización de sus versos. Aunque estuvieron en la órbita de la poesía pura y la literatura deshumanizada de las vanguardias en sus comienzos, después (muy rápidamente algunos y con el tiempo casi todos) dan entrada en sus versos a los temas humanos. Ello se debe en buena medida al influjo del Surrealismo francés desde fines de los años veinte y a la conflictiva realidad histórica que les tocó vivir.

ETAPAS DE LA GENERACIÓN

En todos los escritores del grupo se produce una evolución que permite hablar de tres etapas hasta la Guerra Civil:

- Una etapa de juventud, que llega hasta 1925. Se trata de una época de tanteos en busca de un estilo poético propio.

- Un segundo periodo, que corresponde a la última mitad de los años veinte, cuando todos ellos (con la excepción de Miguel Hernández) han publicado ya importantes libros, y se han consolidado como la generación de los poetas jóvenes.

- Una tercera etapa, que se da en los años treinta. Durante la República se produce una progresiva rehumanización poética. Algunos poetas, como Alberti o Prados, adoptan una abierta posición de compromiso político. Otros, como Lorca y Cernuda, también se sitúan políticamente a la izquierda. Durante la Guerra Civil, la mayoría defiende la causa política republicana.

El final de la guerra supone la dispersión de estos poetas y con ello el fin del grupo del 27 como tal. Lorca ha sido asesinado, y del resto todos marchan al exilio, salvo Diego, Alonso y Aleixandre. Miguel Hernández acaba en las cárceles franquistas, donde morirá al poco tiempo.

PEDRO SALINAS

Se distinguen tres etapas en su obra lírica:

- Etapa inicial: cultiva una poesía en la línea de la pureza estética juanramoniana, sin que falten en ella abundantes elementos futuristas.

- Etapa de madurez artística: consta de los poemarios La voz a ti debida, Razón de amor y Largo lamento; los tres forman un ciclo amoroso que


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va desde el descubrimiento gozoso de los amantes hasta la tristeza y el dolor por el amor acabado.

- Etapa del exilio: refleja en ella la terrible experiencia de la guerra y la inquietud por el futuro de la humanidad.

La poesía de Salinas funde de forma peculiar lo intelectual y lo sentimental. Busca ahondar en las emociones profundas, pero en todo momento más como una experiencia intelectual que pasional. Incluso en sus primeros libros, próximos a la estética deshumanizadora, Salinas atisba en los utensilios cotidianos o en los objetos futuristas un sentido oculto y trascendente, un poco al modo de los simbolistas, pero sin el tono emotivo o angustiado de estos. Usa a menudo la ironía para poner distancia frente a los temas que aborda. Otro rasgo intelectual característico de sus versos es el conceptismo ingenioso que se resuelve en paradojas, juegos de palabras, insólitas asociaciones de ideas, etc.

JORGE GUILLÉN

Guillén ha sido considerado el más fiel representante dentro de los poetas del 27 del ideal de la poesía pura. Y desde luego lo es, si atendemos al alto nivel de exigencia estética, el rigor en la composición y el elaborado lenguaje de sus versos.

En la poesía de Guillén advertimos una evolución. En Cántico el autor da cuenta de un mundo perfecto, de una armonía esencial, y exalta jubilosamente el mundo natural donde se alcanza la plenitud del ser. Son característicos de la obra sustantivos como verdad, plenitud, apogeo..., adjetivos como claro, exacto... y adverbios como sí, más... La exaltación vital se manifiesta también en su preferencia por la primavera o por los momentos luminosos del día.

La vitalidad de Cántico tiene su continuación en Clamor, pero el mundo bien hecho de aquel ya no está ahora tan bien hecho: hay guerras, miserias, dolor, opresión... Ahora bien, en ningún momento cae el poeta en la angustia o desesperación: pese a las dificultades del mundo, mantiene incólume su fe en la vida.

En Homenaje tampoco están ausentes los latidos de la vida contemporánea y las composiciones revelan la presencia del poeta en el mundo en convivencia con los semejantes.

Y otros poemas nos muestra a un Guillén que observa el mundo moderno con escepticismo irónico y que se enfrenta a las agresiones de la sociedad contemporánea.


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Por último, en Final medita sobre el paso del tiempo y el triunfo de la poesía sobre este, mientras plantea con serenidad los de temas de la vida, la muerte, el destino...

GERARDO DIEGO

Su extensa obra poética se caracteriza por su variedad formal y temática. En ella alternan el vanguardismo ultraísta y creacionista, el neopopularismo, el neogongorismo y los moldes clásicos. El propio autor distingue dos vertientes en su obra: la vanguardista y la tradicional. De su poesía vanguardista destacan Imagen, Manual de espumas y Fábula de Equis y Zeda. Su libro de tipo tradicional más importante es Alondra de verdad.

VICENTE ALEIXANDRE

Distinguimos tres etapas en su producción poética: la poesía anterior a la Guerra Civil, la de los primeros años de la posguerra y la poesía de senectud.

A la primera época corresponden los poemarios Pasión de la tierra, Espadas como labios y La destrucción o el amor. Son versos que expresan el ansia del poeta de fusión con la naturaleza. Esta pasión por la tierra se concreta en la abundancia de vocablos del mundo mineral, vegetal o animal, así como en las imágenes cósmicas y telúricas. El poeta canta a la materia (la tierra, el mar, el sol, el viento, las plantas, las rocas, los animales), única realidad existente en la que el hombre se encuentra inserto. Formalmente, ese materialismo místico se expresa por lo general en versos libres muy influidos por el Surrealismo.

Tras la Guerra Civil publica dos importantes obras. En Sombra del paraíso evoca desde la angustia presente el paraíso anterior a la aparición del hombre en la Tierra, la pureza primigenia. Historia del corazón supone la rehumanización de su poesía: el poeta se reconoce en los demás y el ser humano pasa a primer plano, desplazando a la naturaleza. Son claves los conceptos de solidaridad, esfuerzo, colectividad. La poesía recobra una dimensión temporal y se aleja de la atemporalidad cósmica.

En la poesía de senectud aborda con serenidad el tema del fin de la vida. Concibe la muerte como integración en el cosmos. Ante el hecho de la muerte, no hay angustia, ni trascendencia religiosa, sino sobria aceptación. Formalmente, abundan en esta etapa los poemas sentenciosos, concisos y de tono filosófico.


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FEDERÍCO GARCÍA LORCA

Su producción literaria presenta las siguientes características generales:

- Sintetiza perfectamente vanguardia y tradición: capta las novedades que aportan las vanguardias y las integra en un amplio sustrato de elementos tradicionales. Se nutre no sólo de las tradiciones literarias española y europea , sino también de un conjunto de elementos que le llegan por conductos no estrictamente literarios (el folclore) y que le permiten ponerse en contacto con motivos y mitos antiquísimos y claves en nuestra cultura y en la conciencia humana.

- Los temas centrales de su obra son el amor, la muerte, la rebeldía y, sobre todo, la frustración, que es, en realidad, la sustancia que alimenta toda su producción.

- Los recursos expresivos fundamentales son los siguientes:

� La personificación: se anima todo lo existente, se ofrece un mundo en movimiento (los árboles crecen en la oscuridad, el monte es un gato garduño...);

� La metáfora, con frecuente elusión del plano real (metáfora pura);

� El símbolo: los símbolos dominantes son la luna, el agua, la sangre, el caballo, las hierbas y los metales. Algunos de ellos son polivalentes: por ejemplo, la luna es símbolo de muerte, pero también de vida.

En sus primeros libros poéticos (Libro de poemas, Poema del cante jondo, Suites, Canciones) aparecen ya los temas centrales de su obra posterior: el amor, la frustración, el dolor, la muerte, la rebeldía. En el Romancero gitano se dan cita la tradición culta, la audacia vanguardista y los ritmos populares para expresar una visión del mundo en la que la vida de los hombres se encuentra marcada por el trágico destino. Los poemas que compuso Lorca a raíz de su estancia en Estados Unidos (1929-1930) se publicaron póstumamente con el título de Poeta en Nueva York. Hay en este poemario una implacable denuncia de la sociedad capitalista, en la que todo queda subordinado al poder del dinero. En ese ambiente de insolidaridad, explotación y racismo, el poeta expresa sus propias obsesiones y conflictos personales: el desarraigo afectivo, la pérdida de la identidad personal, la proclamación de la libertad del amor homosexual... La influencia del movimiento surrealista en esta obra se advierte en la libertad expresiva, en la desinhibición erótica, en el uso de imágenes visionarias y metáforas audaces, en el hermetismo de muchos versos. En sus siguientes libros poéticos, experimenta con nuevas formas: en el Diván de Tamarit se sirve de los moldes de la poesía árabe clásica; en los Seis poemas galegos busca inspiración en la tradición literaria gallega; utiliza el


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clásico soneto en los Sonetos del amor oscuro, y combina la tradición popular y la culta en la elegía titulada Llanto por Ignacio Sánchez Mejías.

García Lorca fue también un gran dramaturgo. Intentó renovar el teatro español por diversas vías: el teatro de marionetas (Tragicomedia de don Cristóbal y la señá Rosita, Retablillo de don Cristóbal), las farsas para personas (La zapatera prodigiosa, Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín), el teatro vanguardista (El público, Así que pasen cinco años) y el teatro realista (Bodas de sangre, Yerma, Doña Rosita la soltera, La casa de Bernarda Alba). Estas cuatro últimas obras tienen en común el tema de la marginación social de las mujeres.

RAFAEL ALBERTI

En su variada y extensa obra poética pueden distinguirse cuatro etapas: los libros iniciales, la época vanguardista, la poesía durante la República y el largo periodo del exilio. Sus primeros libros (Marinero en tierra, La amante y El alba del alhelí) tienen un carácter neopopular (influencia de la copla andaluza, de la lírica tradicional, etc.). El libro más importante de su etapa vanguardista es Sobre los ángeles: en él manifiesta su enorme desolación personal en versos de índole surrealista. En la época de la República, afiliado ya al Partido Comunista, escribe poesía políticamente comprometida en la que denuncia la opresión y la injusticia. En el exilio, su poesía sigue siendo muy diversa en asuntos y ritmos, pero el exilio mismo y la añoranza del país perdido se convierten en los temas centrales de libros como Retornos de lo vivo lejano.

LUIS CERNUDA

Aunque fue publicándola en diversos libros, reunió su poesía con el título común de La realidad y el deseo. Precisamente, resulta clave en su obra ese conflicto entre realidad y deseo, entre la sociedad y el poeta, quien, frente a los valores establecidos, levanta la fuerza del deseo, de la pasión amorosa homosexual. La imposibilidad de conciliar realidad y deseo revela también que la aspiración a seres y mundos ideales está condenada a la insatisfacción, pues la realidad es cambiante e imperfecta; por ello, el amor, que se quiere permanente y absoluto, conduce a la frustración. Otros temas de Cernuda son la soledad, el hastío, la añoranza de un mundo más habitable, la exaltación de la belleza... Y, ya en la madurez, Cernuda se abre a los colectivo y comenta la realidad española y la vida en la sociedad de consumo, reflexiona sobre el paso del tiempo, la vejez y la muerte, ofrece una visión más contemplativa del amor, y medita sobre el sentido de la poesía y del arte en general.

En cuanto al estilo, su poesía sigue al principio las corrientes de su tiempo (poesía pura, surrealismo); después, sobre todo ya en el exilio, sus versos tienden a la meditación, a la sobriedad y a la objetivación y huyen de la emotividad, de la brillantez lingüística y de la musicalidad muy marcada.


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MIGUEL HERNÁNDEZ

Su primer libro poético, Perito en lunas, se encuentra muy influido por la poesía de Góngora. Busca luego su propia identidad poética en los temas elementales de la vida y de la naturaleza, según se advierte en El rayo que no cesa, donde sigue empleando estrofas clásicas como el soneto. Durante la Guerra Civil, Miguel Hernández, militante ya del Partido Comunista, compone una poesía abiertamente comprometida: Viento del pueblo. En El hombre acecha, los dolores de la guerra y el presentimiento de la derrota cargan de pesadumbre unos versos cada vez más sencillos y esenciales. Su último libro, Cancionero y romancero de ausencias, compuesto en su mayoría en la cárcel, expresa con inusual intensidad su angustia personal en originales versos populares densos y concentrados.


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LITERATURA DE LA POSGUERRA

INTRODUCCIÓN GENERAL – MARCO HISTÓRICO

La Guerra Civil (1936-1939) supuso en España una ruptura con la tradición literaria inmediatamente anterior. El género narrativo, que había sido cultivado sobre todo por la Generación del 98, por los escritores “novecentistas” (una generación posterior que busca la regeneración de España tomando como base las ideas del filósofo Ortega y Gasset, y entre cuyas figuras destacan Ramón Pérez de Ayala y Gabriel Miró) y por algunos autores vanguardistas (como Francisco Ayala, Max Aub, Rosa Chacel o Ramón J. Sender), será el más desarrollado por los autores después del conflicto, con temas como la propia guerra vista por ambos bandos y la descripción de la situación económica y moral en que ha quedado España tras la contienda.

LA NOVELA DE LA POSGUERRA

Mientras que unos autores elaboraron sus obras en el extranjero tras huir del país, originando la “narrativa del exilio”, otros siguieron escribiendo en España, produciendo la “narrativa de posguerra”, que será en la que nos vamos a centrar. Ésta, a su vez, la podemos dividir en varias corrientes principales:

– Novela existencial (años 40) – Novela neorrealista o realista-social (años 50) – Novela experimental (años 60)

Es esta una época muy fructífera en cuanto a novela, y por tanto muchos los autores dignos de señalar, autores de la talla de Miguel Delibes, Carmen Martín Gaite, Rafael Sánchez Ferlosio, Ana María Matute y Juan García Hortelano entre otros muchos.

A. NOVELA EXISTENCIAL (Años 40)

En la inmediata posguerra se hace evidente la ruptura de la natural evolución literaria. Así, la novela no puede enlazar con la narrativa social de los años 30, prohibida por el franquismo, ni parece válida la estética deshumanizada de los años 20. En ese panorama de desconcierto abundan tres tipos de narraciones, todas de estilo tradicional: ideológica, realista y humorística. Hasta los años 50 no comienzan los indicios de renovación. En la década de 1940 sólo hay casos excepcionales y aislados, como C. José Cela, Carmen Laforet y Miguel Delibes.


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1942: La familia de Pascual Duarte de C.J. Cela

1944: Nada de Carmen Laforet (Premio Nadal)

Estas dos novelas comparten el tono sombrío y existencial, que contrasta con el triunfalismo o la actitud evasiva, general en la novela de éxito de la inmediata posguerra. A estas nuevas voces se les unen poco después otras como la de Miguel Delibes y Ana María Matute. En general, estos novelistas coinciden en reflejar el desolado mundo de la posguerra desde una perspectiva pesimista y existencial; por eso abundan en sus narraciones los personajes desorientados, tristes y frustrados.

CAMILO JOSÉ CELA

Camilo José Cela nació en Padrón, La Coruña, en 1916 y murió en Madrid, en 2002. Realizó estudios de Medicina y Derecho, que no llegó a terminar. Participó en la Guerra Civil en el bando nacional y trabajó algún tiempo como funcionario. En 1957 ingresó en la Real Academia y en 1989 le fue concedido el premio Nobel.

Su primera novela, La familia de Pascual Duarte (1942), supone una novedad en el panorama literario de los años cuarenta. El argumento truculento, la violencia gratuita y la ambientación en un atrasado mundo rural suscitaron gran polémica en torno a ella. La visión del mundo subyacente no está muy lejos del existencialismo francés o del neorrealismo italiano de la época. A ésta siguieron Pabellón de reposo (1943), Nuevas andanzas de Lazarillo de Tormes (1944) y Viaje a la Alcarria (1948).

La obra más importante de Cela, La colmena (1951), inaugura el realismo social de los años cincuenta. Cada uno de sus seis capítulos consta de una serie de secuencias breves, que desarrollan episodios que están mezclados con otros que ocurren simultáneamente. Esta fragmentación en anécdotas que conforman un conjunto de vidas cruzadas, como las abejas de una colmena, trata de reflejar objetivamente la realidad social de la posguerra. El tratamiento de los personajes, sin esperanzas, muestra un pesimismo existencial constante en Cela.

CARMEN LAFORET

Escritora española, nacida el 6 de Septiembre en Barcelona. Comenzó a estudiar Filosofía y Letras y Derecho, pero abandonó ambas carreras. En 1945 ganó la convocatoria del primer premio Nadal con la novela Nada. La novela está emparentada con el existencialismo europeo, narra en primera persona, del acceso a la experiencia de una joven, Andrea, que se instala con unos familiares en Barcelona para iniciar ilusionada, sus estudios universitarios; sin embargo, el medio que la rodea la conducirá al desengaño. La novela es


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también testimonio del desmoronamiento físico y moral de algunos sectores de la pequeña burguesía, en los primeros años de la posguerra. Además, aparece ya en ella lo que será, el tema común de toda la narrativa de C. Laforet. Frente al estilo retórico y clasicista de la época, Nada está escrita con una prosa fresca, directa, espontánea.

Después en sus otras obras, Laforet plantea temas como el paso de la niñez a la adolescencia de una mujer en un mundo degradado, el mundo ensoñado de un adolescente frente a los adultos, o el contraste entre el idealismo y los puros afanes juveniles y la mediocridad del entorno. Carmen Laforet es autora además de novelas cortas, de libros, de cuentos y de narraciones de viaje.

B. NOVELA REALISTA (Años 50)

Con la Guerra Fría, en los años 50, España empieza a salir del aislamiento y se incorpora a algunos organismos internacionales, en la órbita de EEUU. El incipiente desarrollo del turismo y la industria conlleva cierta recuperación económica y cambios en los estilos de vida, como las migraciones de los campesinos hacia las ciudades, la difícil inserción de estas personas en los suburbios urbanos, .Al mismo tiempo, los jóvenes que han vivido la guerra como niños o adolescentes consideran la guerra y el país de posguerra desde otra perspectiva y aparecen actitudes críticas respecto al poder y a la división social entre vencedores y vencidos. Estas posturas se manifiestan sobre todo en círculos obreros y universitarios.

� El Realismo Social

• Principales características

La novela española de esta década recoge pronto las nuevas preocupaciones sociales y abandona la visión existencial de la década anterior. En 1951 Cela publica La Colmena de tono crítico y testimonial, con un amplio personaje colectivo.

A lo largo de la década, el realismo social se intensifica y en el año 1954 alcanza su momento cumbre, pues se publican varias obras de este tipo de Ana Mª Matute, Ignacio Aldecoa, Jesús Fdez. Santos, Juan Goytisolo, Rafael Sánchez Ferlosio, Carmen Martín Gaite y Juan García Hortelano.

El tema de la novela es la propia sociedad española: la dureza de la vida en el campo, las dificultades de la transformación de los campesinos en trabajadores industriales; la explotación del proletariado y la banalidad de la vida burguesa. El estilo de la novela realista es sencillo, tanto en el lenguaje como en la técnica narrativa, se pretende llegar a un amplio público. Los contenidos testimoniales o críticos son más importantes.


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• Novelas destacadas del Realismo Social

1954: Pequeño teatro, de Ana María Matute; El fulgor y la sangre, de Ignacio Aldecoa; Juegos de manos, de Juan Goytisolo. 1955: El Jarama de Rafael Sánchez Ferlosio. 1957: Entre visillos, de Carmen Martín Gaite.

JUAN GOYTISOLO

Novelista español, nacido en Barcelona, se instaló en París en 1956, ciudad en la que ha vivido desde entonces, alternando con estancias en el Magreb y cursos en universidades estadounidenses y canadienses. Su primera novela es Juegos de manos (1954), a la que siguieron Duelo en el Paraíso (1955), El circo (1957) y La resaca (1958), entre otras de carácter testimonial y crítico.

Señas de identidad (1966), una de sus obras más valoradas, supone un giro de signo experimentalista que profundizará en Reivindicación del conde don Julián (1970) y Juan sin Tierra (1975). En ellas manifiesta su ruptura con España y su heterodoxia total con respecto a los valores de Occidente.

La crítica ha distinguido tres fases en su trayectoria narrativa:

1. Su primera etapa, ejemplificada por las novelas Juegos de manos (1954) y Duelo en el paraíso, se caracteriza como de interpretación poética de la realidad, centrada sobre todo en la mitificación del ámbito de la infancia y la adolescencia, adoptando un punto de vista objetivista. Básicamente, estas novelas plantean la dicotomía entre una juventud con todo un futuro por delante y un mundo adulto con una historia a sus espaldas de la que los primeros quieren escapar.

2. Su segunda etapa, supera el lirismo y la abstracción anterior, y adopta un enfoque crítico-social de la realidad, como se demuestra en obras como El circo y Campos de Níjar, representativas de un subjetivismo ideológico;

3. Finalmente, Goytisolo, rompiendo con las técnicas tradicionales de narrativa y adoptando el experimentalismo3 que caracterizó a la novelística española durante los años setenta, se enfrenta al análisis crítico de la realidad global de España (cultura, religión, etc.) a través de novelas como Señas de identidad (1966), Reivindicación del conde don Julián (1970), etc.


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C. NOVELA EXPERIMENTAL (Años 60)

Inaugurada con la publicación de Tiempo de Silencio (1952) de Luis Martín Santos, donde se utilizan la segunda persona narrativa y se diseñan personajes individualizados, dicha novela supondrá un cambio con respecto a la narrativa anterior: a partir de ahora, los escritores empezarán a preocuparse por las técnicas narrativas, surgiendo así la novela experimental. Se tratará de una experimentación formal y tendrá generalmente las siguientes características:

• Argumento de poca importancia, salvo las anécdotas. • Personajes reducidos excepto el protagonista, cuya importancia se

resalta con el monólogo interior • Espacio impreciso y tiempo desordenado, con utilización de flash-backs • Estructura compleja, con varias historias a modo de contrapunto, final

abierto, etc. • Tratamiento del narrador: o bien omnisciente, o no hay (objetivismo), o

en 1ª o 2ª persona, y con varios puntos de vista • Estilo complicado, con sintaxis alterada, lenguaje coloquial y juegos

ortográficos y tipográficos A la renovación del género narrativo se unen por este tiempo nombres ya consagrados como Miguel Delibes, Camilo José Cela y Torrente Ballester.

Al mismo empeño se unen autores de la década anterior como Juan Goytisolo, Juan Benet y Juan Marsé

La etapa de la novela existencial se cierra con La verdad sobre el caso Savolta de Eduardo Mendoza, novela con la que además, puede verse una cierta tendencia a volver hacia formas narrativas anteriores.

LUIS MARTÍN SANTOS

Narrador español nacido en Larache (Marruecos). De su actividad como psiquiatra y su interés por la filosofía existencialista, especialmente Sartre. Menos conocido es su compromiso político y su militancia clandestina en el Partido Socialista Obrero Español. Pero su obra fundamental es la novela Tiempo de silencio (1962), que supera la estética de la novela social y, recuperando tópicos de la Odisea de Homero, se vale de las nuevas técnicas, como el uso de la segunda persona y el monólogo interior, lo que le ha valido ser comparado con Joyce. La continuación, Tiempo de destrucción, está inconclusa. Es autor también de Apólogos, publicados después de su muerte, ocurrida en 1964, en Vitoria, en un Accidente de automóvil.


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LA POESÍA DE LA POSGUERRA

Durante la década de los 40, la mayoría de los poetas del 27 permanecen en el exilio. Entre los nuevos poetas que publican en España encontramos diversas tendencias:

• Poesía existencial con temas como la sociedad o la angustia, que reflejan el desasosiego de la guerra y la posguerra, el amor o el sentimiento religioso en el que se refugian numerosos poetas como es el caso de Luis Rosales, que publica en 1949 La casa encendida, uno de los libros más importantes de esta tendencia.

Otros poetas expresan su angustia existencial con un tono de protesta hacia un Dios que permite que el absurdo, la miseria y el miedo se hayan adueñado de la vida cotidiana. Lo vemos en Hijos de la ira de Dámaso Alonso.

• En 1945 frente a la poesía existencial aparece el Postismo, un movimiento vanguardista fundado por Carlos Edmundo de Ory, que reivindica la rebeldía, el juego y la libertad creadora y que se autodefine como surrealismo ibérico.

• También el grupo Cántico, nacido en Córdoba en 1947 y al que pertenecen Pablo García Baena, Julio Aumente…se aleja de la corriente existencial y continua de la línea intimista de los poetas del 27, con una poesía caracterizada por la búsqueda del equilibrio y la perfección estética.

A. POESÍA EN LA DÉCADA DE 1950

A mitad de la década de 1950 comienza el movimiento conocido como poesía social, y los problemas existenciales del individuo dejan paso a la expresión de la protesta política. El poeta ya no habla de sí mismo, sino que expresa la angustia colectiva, en un lenguaje sencillo y directo, con el deseo de que su mensaje llegue a un público más amplio y que contribuya, así, a la transformación ideológica de sus lectores.

Una obra de Blas de Otero, Pido la paz y la palabra, y otra de Gabriel Celaya, Cantos íberos, ambas de 1955, son representativas de esta tendencia, en la que también se incluyen Goytisolo y José Hierro. Vicente Aleixandre, poeta del 27, sale a su aislamiento y se incorpora a la poesía social con Historia del corazón, desde entonces ejerce el papel de maestro para las nuevas generaciones de poetas españoles.


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B. POESÍA EN LA DÉCADA DE 1960

En los años sesenta, una nueva generación de poetas se convierte en protagonista de una síntesis entre la poesía existencial y la poesía social. Estos siguen comprometidos con la realidad social, pero su postura es más ética que política.

Realizan, además, una renovación del lenguaje poético, al que consideran como un fin en sí mismo, no sólo como un medio de transmisión de un mensaje ideológico, tal como ocurría en la poesía social.

A esta generación pertenecen autores como; Claudio Rodríguez, Jaime Gil de Biedma, José Manuel Caballero…

C. POESÍA DE LOS NOVÍSIMOS

En el año 1970 se publican la antología Nueve novísimos poetas españoles, de Jose María Castellet, que da a conocer a poetas jóvenes nacidos después de 1939, entre los que sobresalen Pere Gimferrer y Leopoldo María Panero. En la obra de los novísimos poetas aparecen alusiones al cine, al cómic y a otras realidades ajenas a la poesía hasta el momento.

Existen, además, otras tendencias poéticas:

• El culturalismo, que incluye temas tomados del mundo clásico, de la literatura y del arte. Destacan Antonio Colinas y Guillermo Carnero.

• La Poesía experimental, que incorpora la imagen como material poético y reivindica la libertad creadora del poeta. En esta tendencia se incluye Jose Miguel Ullán y Joan Brossa

D. POESÍA A PARTIR DE 1975

Con la llegada de la democracia, el horizonte poético se bifurca y parecen dos tendencias opuestas:

• La poesía como medio de comunicación con el lector sigue el camino iniciado por Ángel González aunque ya sin el sentido social y solidario.

Ahora es la anécdota individual la que se cuenta, con una estructura narrativa y en un lenguaje sencillo. Esta tendencia se conoce como poesía de la experiencia y tiene como antecedentes a Eloy Sánchez Rosillo. Luis García Montero es su representante más conocido.


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• Otra tendencia es la que entiende la poesía como forma de conocer el misterio frente a la lógica y al pensamiento racional. Es una poesía antirrealista que valora la libertad creadora de las vanguardias y es la en la que el lenguaje se convierte en protagonista, como testigo y expresión de lo invisible. Los sentimientos de expresan con pudor sin que los poemas cuenten la biografía del poeta. José Ángel Valente, Antonio Gamoneda, Andrés Sánchez Robayna son sus principales representantes. La antología La ínsula extraña (2002), seleccionadas entre otros por José Ángel Valente, incluye a muchos poetas de esta tendencia españoles e hispanoamericanos. También se incluyen en ella an poetas de mayor edad cuya obra había pasado inadvertida durante el franquismo, como Francisco Pino o Eduardo Ciriot.

Ajenas generalmente a esta tendencia, llama la atención la cantidad y calidad de las poetisas femeninas en el último tercio del S. XX. María Victoria Atencia, Clara Janes y Ana Rossetti son algunas de las poetas más reconocidas, y la antología Ellas tienen la palabra (1999) recoge una muestra de más de cuarenta mujeres poetas de la actualidad.

EL TEATRO DE LA POSGUERRA

A. EL TEATRO EN LAS DÉCADAS DE 1950 Y 1960

El teatro es el género literario que por su carácter de espectáculo de masas, fue más vigilado por la censura durante el franquismo. Por ello no se representaron hasta la década de 1950 obras con un contenido crítico, excepto aquellas escritas en clave humorística. Como ocurrió con la poesía, las circunstancias políticas marcaron la evolución del género dramático.

En esta época conviven tres tipos de teatro.

• El teatro existencial minoritario está protagonizado por personajes atormentados por la angustia, la incomunicación y la soledad. En 1949, Antonio Bueno Vallejo inicia esta tendencia con el estreno de Historia de una escalera. Alfonso Sastre expresa problemas similares en Escuadra hacia la muerte.

• El teatro Cómico, también ofrece una visión desilusionada de la vida, con personajes que se ven obligados a rendirse ante la presión de las convenciones sociales. Pero estas comedias, de un humor delirante, hacen reír a un público avivado de diversión y deseoso de olvidar las dificultades de la vida cotidiana. Enrique Jardiel Poncela y Miguel Mihura son los autores más importantes.


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• A mediados de la década de 1950 aparece el teatro de crítica social. Este tipo de teatro muestras las injusticias, y sus protagonistas denuncian la falta de libertad. Un nuevo público compuesto por estudiantes e intelectuales, asisten a estas presentaciones. Para sortear la censura sus autores sitúan muchas veces en otra época de la Historia de España y denuncian así el presente por medio del pasado. Entre los autores más destacados hay que señalar los siguientes:

- Alfonso Sastre; que estrena Muerte en el barrio en 1955.

- Lauro Olmo; cuya obra más representativa es La camisa, de 1962

- Antonio Buero Vallejo; que escribe dramas históricos Un soñador para un pueblo (1958) o Las Meninas (1960).

B. EL TEATRO EN LA DÉCADA DE 1970

En los años 70 surge el teatro experimental, de carácter innovador acorde con las tendencias de dramaturgos y compañías extranjeras. El teatro experimental continúa transmitiendo un mensaje de crítica social, pero pretende transformar también las convenciones escénicas: Propicia la participación del público y presenta atención no solo al teatro dramático sino también a la expresión corporal de los actores, a la música y a la luz que conciben el teatro como un espectáculo total.

Los grupos de teatros independientes representan estas obras que no tiene cabida en la programación de los teatros comerciales.

Los autores más importantes de este tipo de teatro innovador son; Luis Rianza, José Sánchis Sinistierra, Fernándo Arrabal y Francisco Nieva. Nieva llamó teatro furioso a su obra de teatro experimental, que tiene grandes semejanzas con sus esperpentos de Valle-Inclán.

Buero Vallejo también incorpora aspectos de teatro experimental en El tragaluz (1967), obra en la que aparece un escenario múltiple y en otras obras protagonizadas por personajes simbólicos como El sueño de la razón, en donde los espectadores oyen las voces interiores que Goya ya sordo, escucha dentro de él.

C. EL TEATRO EN LA ACTUALIDAD

La llegada de la democracia eliminó la censura del teatro, pero este tiene que enfrentarse a dos nuevos adversarios: El cine, que sobrepasa con creces en popularidad, y los intereses comerciales que son contrarios al experimentalismo, más difícil de aceptar por el público que las obras convencionales.


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Grupos como la Fura dels Baus vuelven a sorprender al público en representaciones que muchas veces se realizan fuera de los edificios destinados al teatro.

En los últimos años ha aparecido nuevamente una tendencia realista, cuyos representantes escriben obras de teatro conservadoras en el plano formal. Fernándo Fernán Gómez recrea sus recuerdos de la Guerra Civil en Las bicicletas son para el verano. José Luís Alonso de Santos es otro de los autores de esta tendencia con obras Bajarse al moro o La estanquera de Vallecas, basada esta última en un hecho real.

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Apuntes Literatura 4º ESO