http://es.wikipedia.org/wiki/Barbara_KrugerBarbara Kruger

Barbara Kruger es una artista conceptual estadounidense. Gran parte de su trabajo consiste

en fotografías en blanco y negro cubiertas de un pie de foto declarativo, de letras blancas sobre rojo

con tipografía Futura Bold Oblique. Las frases en sus obras a menudo incluyen el uso de pronombres en

inglés como "you", "your", "I", "we", y "they".

Biografía

Es conocida principalmente por su obra basada en la fotografía, que combina su formación como

diseñadora gráfica con su interés por la poesía y la influencia de los medios de comunicación de masas.

Después haber estado en la Syracuse University, la escuela de Artes Visuales, y de estudiar arte y

diseño con Diane Arbus en la escuela de diseño Parson’s en Nueva York, Barbara Kruger obtuvo un

trabajo al Condé Nast Publications. También trabajaría para la revista Mademoiselle, y ocuparía pronto

el lugar de cabeza del área de diseño antes de trasladarse a California en 1976 para dedicarse al arte y

a la poesía. Barbara Kruger trabajó como diseñadora gráfica, directora artística y como editora de

imágenes en el departamento de arte de las revistas “House and Garden” y “Aperture” entre otras. El

trabajo artístico que hoy conocemos de Barbara Kruger se vio muy influenciado por sus experiencias

creativas en el campo del diseño. La artista interpreta y trabaja sobre documentos fotográficos ya

existentes con textos sucintos y agresivos que envuelven al espectador en la lucha de valores cotidianos

predeterminados por el ámbito socio-cultural. Barbara Kruger además de ser artista y diseñadora,

estuvo enseñando en diferentes lugares de prestigio como el Instituto de Arte de California, el Instituto

de Arte de Chicago y en la Universidad de California, en Berkeley. Vive entre Nueva York y Los Angeles.

Habiendo diseñado ya varias cubiertas para libros de tema político, Kruger siguió lidiando con

cuestiones sociales, en particular la misoginia y el abuso de poder. Empleando el lenguaje visual de

la publicidad y los medios de comunicación -en carteles, vallas e incluso camisetas, además de las

galerías-, subvierte la iconografía de la sociedad de consumo usándola como vehículo de sus mensajes.

Metodología de trabajo

La obra de Kruger, desde su madurez, es interdisciplinar y comprende tanto la escritura y la imagen,

como el diseño y la edición. Sobre ella tuvo mucha influencia el trabajo periodístico de Alexander

Wolcatt, por su crítica focalizada en películas, televisión, música y cultura pop. Barbara Kruger en su

obra propone preguntas sobre algunos temas de nuestro entorno socio-cultural como los estereotipos,

algunas situaciones que se crean en la sociedad, realidades políticas, y cuestiona el poder, la

sexualidad y la representación. No obstante el registro de los temas, Kruger en su obra no llega a tener

connotaciones de pesado moralismo.

El espacio público y privado

Además de aparecer en museos y en galerías de todo el mundo, el trabajo de Kruger apareció en vallas

publicitarias, posters, parcos públicos, estaciones de trenes como la de Estrasburgo en Francia, y en

otros lugares públicos. Barbara Kruger con sus obras entra en espacios sociales y los deshace como

museos, galerías, parques, estaciones de tren, revistas, periódicos. Entra en todo lo que se

denomina espacio público y privado. De esta forma la artista explora las relaciones entre espacio y

violencia, lo cual significa romper el silencio a través de mensajes que “ocupan ritmos subterráneos que

ya organizan esos espacios”. 1 Kruger rompe los espacios con fuerza para plantear preguntas sobre

aquello que nunca se discute. De esta manera consigue utilizar el espacio y cambiarlo a mensaje, y

reintroduce la pluralidad dentro del espacio social.

Imagen y género

Según Bárbara Kruger la fotografía puede ser un medio de difusión importante y lo define como “difusor

de convenciones, mercancía cultural y hobby globalizador”.2

A través de la representación las imágenes consiguen decretar lo que en apariencia es real, y por

consecuente pueden plantear cuestiones o debates. Kruger se plantea la pregunta de que si es posible

“construir un modo de mirar que acoja la presencia del placer y escape a las decepciones del

deseo”. 3 Además plantea cómo las mujeres artistas se sitúan en el mercado que “las construye y (…)

engulle”. 4

La artista con su obra intenta ir en contra de prototipos y determinadas representaciones para acoger a

un público femenino dentro del mundo patriarcal, como también lo es el mundo del arte. Pretende hacer

pensar en y quiénes guían la imagen femenina, los placeres de las mujeres, sus carencias y sus relatos.

Barbara Kruger se posiciona por el lado de lo que no se ve, de aquello que está excluido por lo evidente

y afirma “pretendo alterar las austeras certezas de las imágenes, la propiedad y el poder”. 5

De todas formas, el arte de esta artista está afuera de lo que sería el movimiento feminista de los ´70 y

de los sucesos que en esos años dieron visibilidad al trabajo de mujeres artistas. En los ´80 el trabajo de

Kruger se sometió a un profundo cambio a respecto de los movimientos feministas. En la generación

creadora de Kruger el género se empieza a entender como una “construcción producida a través de la

representación” 6 más que como una condición natural.

Siendo una construcción se podía deconstruir y cuestionar. En este sentido, el trabajo de Kruger

empezó a tener mucha contundencia. Referentes importantes de la idea de construcción de género

fueron escritore/as como Foucault, Baudrillard, Julia Kristeva, J. Lacan y Jaques Derrida.

Carrera artística: los inicios

Los primeros trabajos artísticos de Barbara Kruger fueron obras hechas con materiales textiles. Estamos

a finales de la década de los ´60, y justamente en ese momento el arte feminista se desenvolvía en una

estética y en una política cercana a la artesanía, como lo era el mundo de la artesanía textil. Como

vemos, desde sus inicios Kruger intentó abarcar con sus trabajos temas relacionados con la política.

Década de los ´70: consolidación del trabajo sobre género.

A principios de la década de los ´70 y se realizaron todavía algunos trabajos con materiales y técnicas

textiles. Estas técnicas de origen decorativo se asociaban al trabajo manual de las mujeres y fue en

esos años que ciertas artistas feministas lo reivindicaban en el mundo del arte. Sin embargo el trabajo

de esta artista se dio a conocer después de esta primera etapa; cuando empezó a trabajar con material

fotográfico y texto. El suyo fue y sigue siendo un trabajo muy influenciado por su formación de

diseñadora. En su proceso creativo, Kruger marcó un estilo muy personal: fotografías generalmente en

blanco y negro como fondo de unos lemas de carácter crítico. La letra siempre está clara, generalmente

es de color rojo, negro o blanco. En estas obras la artista empezó a utilizar el lenguaje de

la propaganda, directo y cortante, pero desde otro punto de vista que el de la publicidad: el de crítica al

control de la elite cultural y de poder. Con estas obras Kruger se enfrenta a la cultura dominante, y hace

que aquellos que lean sus mensajes también se vean en el papel de reflexión. Los eslogans más

conococidos son de algunos de sus trabajos son: “Your Body is a battel Ground” (tu cuerpo es un campo

de batalla) o “I shop therefore i am” (compro luego existo). Gran parte de sus textos cuestionan al

observador sobre feminismo, clasicismo, consumismo, autonomía individual y deseo. Kruger dedicó

algunos trabajos a artistas mujeres poco reconocidas como con la obra titulada “Homenaje a Gunta

Stölz” de 1972. En 1973 este trabajo se vio publicado en la revista “Ms.” Al lado de otras producciones

de mujeres artistas. En ese momento Barbara Kruger estaba en contacto con varios artistas relevantes

como Alan Shields, Joel Shapiro, Marilyn Lerner, Jane Kaufman, Nina Yankowitz, Julian Schnabel y

Ross Bleckner. Kruger también empezó a escribir poesía inspirada en Patty Smith. Su trabajo artístico

empezó a recibir atención en la Bienal de Whitney, en el Artist Space y en galerías como la Fischbach y

la John Doyle de Chicago. En 1975 su obra artística empezó a ser diferente, empezó a adquirir cierto

valor de abstracción, pero este fue solo un corto periodo de experimentación. Barbara Kruger en este

momento replanteó su proceso creativo y lo que significaría “llamarse a sí misma una artista”. 7 Los 4

años siguientes le servirían para construir su metodología de trabajo y su identidad como artista. En este

periodo dio clases en algunas escuelas y en algunas universidades del país. Algunos elementos que

influyeron a Kruger durante este periodo fueron los debates sobre la “construcción del género” en el

trabajo de Carol Squiers, Lynne Tillman, Rainer, Akerman, Mary Kelly y Jane Weinstock. A finales de la

década de los ´70 tenemos algunos trabajos de transición de la artista de collage de texto superpuesto a

imágenes. Algunas de las frases escritas en estas obras fueron: “Perfect” “Not perfect”.

Década de los ´80.

En los ´80 la obra de Kruger cobró mayor visibilidad también gracias a su participación a la

Dokumenta VII, a la Bienal de Venecia del ´82 y la de Whitney del ´83. Su obra empezó a ser parte de la

esfera comercial del arte. El entrar a tomar parte del mundo del arte desde el punto de vista comercial,

hizo que la artista recibiera críticas por que ella misma criticaba esa sociedad de consumo. A respecto

en una charla con Carol Squire afirmó que con hacer entrar su obra en famosas galerías, no pretendía

crear contradicciones sino ser parte de ese mecanismo de expansión que es el mercado y dijo: “Empecé

a entender que fuera del mercado no hay nada”. 8Esto significaba que ningún objeto, que fuera una

mesa o un lápiz, estría fuera del mercado, por lo tanto ser parte del mercado significaba ser parte del

engranaje lo cual resultaba ser un estratagema más para emitir y repartir su obra.

Libros

Barbara Kruger: 7 January to 28 January 1989 by Barbara Kruger, Mary Boone Gallery, 1989

Barbara Kruger: 5 January to 26 January 1991, by Barbara Kruger, 1991

Remote Control: Power, Cultures, and the World of Appearances by Barbara Kruger, 1994

Love for Sale, by Kate Linker, 1996

Remaking History (Discussions in Contemporary Culture, No 4) by Barbara Kruger, 1998

Thinking of You, 1999 (The Museum of Contemporary Art, Los Angeles)

Barbara Kruger, by Angela Vettese, 2002

Money Talks by Barbara Kruger and Lisa Phillips, 2005

Barbara Kruger by Barbara Kruger, Rizzoli 2010

[editar]Películas y videos

"The Globe Shrinks". 2010

"Pleasure, Pain, Desire, Disgust". 1997

"Twelve". 2004

Bulls On Parade video clip, Rage Against The Machine (1996)

"Art in the Twenty-First Century". 2001

"Cinefile: Reel Women". 1995

Referencias

1. ↑  M. Wigley, Thinking of you. cit. p. 77

2. ↑  B. Kruger, Mando a distancia, cit. p. 33

3. ↑  Ibídem cit. p. 223

4. ↑  Ibídem cit. p. 223

5. ↑  Ibídem cit. p. 224

6. ↑  K. Linker. Love for sale, cit p. 59

7. ↑  B. Kruger, Thinking of you. Coversation with the artist, 15 de Febrero 1999

8. ↑  B. Kruger, as quoted in Squiers Thinking of you. Cit., p. 33

Enlaces externos

Biography, interviews, essays, artwork images and video clips from PBS series Art:21 -- Art in

the Twenty-First Century - Season 1 (2001).

A fan website, barbarakruger.com

Kruger collection at the Broad Art Foundation

A criticism page, with images

A humorous style guide for Kruger-like designs

Venice Biennale Awards Kruger

Current exhibitions and connection to galeries at Artfacts.Net

SWINDLE Magazine Interview

[1]

http://www.warhol.org/sp/app_kruger.html

http://www.barbarakruger.com/biography.shtml

http://www.barbarakruger.com

http://www.babab.com/no08/barbara_kruger.htm

http://www.jhcnewmedia.org/sociologia2010/comunicacion/barbara-kruger-critica-a-la-industria-

cultural/

http://translate.google.es/translate?hl=es&langpair=en%7Ces&u=http://www.pbs.org/art21/

artists/kruger/

Biography, interviews, essays, artwork images and video clips from PBS series Art:21 -- Art in

the Twenty-First Century - Season 1 (2001).

Plantilla:MoMAartist

A fan website, barbarakruger.com

Kruger collection at the Broad Art Foundation

A criticism page, with images

A humorous style guide for Kruger-like designs

Venice Biennale Awards Kruger

Current exhibitions and connection to galeries at Artfacts.Net

SWINDLE Magazine Interview

[2]

Categorías: 

Pintores de Estados Unidos

Artistas contemporáneos

Feministas judías

Barbara Kruger: You are not yourself

por Sara Rivera

"Your gaze hits the side of my face": esa mirada es masculina, y lo que golpea es un rostro de mujer. Con sólo una imagen y ocho palabras Barbara Kruger es capaz de dar una patada a siglos de dominación del hombre-sujeto hacia la mujer-objeto a partir del proceso de visión, sin olvidarse de darle un repaso al concepto tradicional de arte basado en el binomio genio-obra maestra.

En este caso ha escogido la imagen de una mujer que nos remite directamente nada menos que a la tradición griega, perfectamente reconocible en nuestra cultura occidental, para deconstruir su significado clásico. Ese es el método, Kruger adopta un estereotipo que nos seduce para añadirle un texto que invierte el mensaje que habíamos asumido en un primer momento. La belleza de la imagen es interrumpida por esas palabras que, como indican autoras como Kate

Linker aluden al "Efecto Medusa" descrito por Craig Owens: en la sociedad patriarcal la mirada ejerce un papel controlador que ha "petrificado" y objetualizado a la mujer. Crítica por tanto al proceso visual en sí, cuestiona la relación entre el observador y la obra, y según ella misma explica establece el deseo de "dar la bienvenida al espectador femenino dentro del público masculino" (1).

 

Barbara Kruger consiguió su estilo maduro a partir de 1981. A partir de ese año produce esas características fotografías en blanco y negro combinadas con textos lapidarios. Si bien el género es uno de los principales enfoques de la artista, también lo político y lo social en sentido más amplio se resienten de sus sacudidas. Esto es así porque su obra artística deriva de una evolución cuyo momento clave ocurre en 1976, cuando se traslada a California para replantearse su propio papel en el mundo del arte. Durante un año interrumpió su actividad para dedicarse a investigar su conexión con todo lo que le rodea, y fue entonces cuando recibe la influencia de Foucault, Roland Barthes, Julia Kristeva y Jacques Lacan. Al igual que Foucault, Kruger concibe un sujeto construido por las fuerzas sociales; son las redes de relaciones, la posición de unos sujetos respecto a los otros los que definen al individuo. Si para Barthes ese "poder" se ejerce a través del lenguaje, para Kruger se impone a través de la imagen, como ella define, su obra estudia "the panorama of social relations mediated by images" (2). Ella sostiene que la sociedad está controlada por los códigos dictados por los medios de comunicación, hasta el punto de que las experiencias vividas en ocasiones se reducen a la imitación de aquellos clichés asentados en nuestra memoria.

 

Su obra parte por tanto del estereotipo. Para implicar al observador y despertarlo, nos hace conscientes del "tipo" que hemos aceptado a partir de la visión y el efecto dominante que ejerce en nuestra cultura para pedirnos una reacción. Si lo consigue es gracias al dominio del mundo de la imagen adquirido durante sus primeros trabajos como diseñadora gráfica, que ella considera su mayor influencia. Durante este periodo aprendió la manera de captar la atención del observador con un mínimo de signos, posteriormente sólo tenía que manipularlos en sentido inverso y añadirle un texto contundente. La obra "You are not yourself" es paradigmática de su forma de trabajo; una imagen tomada del cine y fragmentada nos recuerda con un texto radical la falta de unidad de nuestra identidad, nos cuestiona interpelándonos directamente a través de ese "you".

El hecho de que las imágenes sean reproducidas y no originales busca evidenciar su rechazo hacia las convenciones culturales en cuanto a la producción y a la recepción del proceso artístico. Al utilizar imágenes de los media elimina "la mano del genio" en el proceso de la creación, y al difundirlas en muchos casos en carteles, portadas de libros y todo tipo de soportes elimina también al museo y la galería. "You invest the divinity of the masterpiece"... no se puede hablar más claro.

 

El espectador de la obra de arte tampoco es universal. A través de los pronombres personales sitúa al observador en lo concreto, le otorga el género y la raza que le corresponden, en contra de presuponer la mirada masculina impuesta hasta entonces.

Barbara Kruger es especialmente activa en el ámbito del género. A finales de los años ´70 se asoció con un grupo de artistas donde figuraban Cindy Sherman, Sherrie Levine o Richard Prince entre otros, ocupados en la influencia de los signos en la sociedad, haciendo especial énfasis en las imágenes de la mujer. Las tesis de Freud y Lacan eran utilizadas por este movimiento feminista para explicar cómo la mirada establecía las distancias y convertía a la mujer en un ser pasivo. En obras como "We have received orders not to move"Kruger utiliza imágenes de los hombres para denunciar su control a través de la visión e invocar al espectador/a a romper su inmovilidad. El estereotipo es la forma fundamental de sumisión en el orden patriarcal, ella incita la capacidad de transformación social de forma casi violenta.

"Your body is a battleground", diseñado para apoyar el derecho al aborto, conjuga esa preocupación por la construcción de la identidad femenina con la temática que dominará su obra en los años siguientes. Por un lado denuncia la búsqueda de la mujer de "ser completa" tal y como la mentalidad patriarcal lo impone, por otro reclama el derecho de la mujer sobre su propio cuerpo, un cuerpo real y vivido. Su obra de los últimos años adquirirá alusiones a los demás sentidos, buscando la relación con cuerpos concretos.

La construcción de las identidades es denunciada por Kruger también desde una crítica al consumismo. El consumo lo concibe como garantía del poder masculino, ya que pertenece al ámbito de los signos puesto que promete una perfecta inserción en las normas sociales. A partir de 1984 confronta esta idea desde fuera y desde dentro: no sólo ha ironizado sobre ese poder con obras como"Buy me, I´ll change your life" o "I shop, therefore I am" manipulando las reglas de la publicidad, sino que ella misma se ha introducido en el sistema diseñando posters, bolsas, camisetas... explosionando el sistema desde su

misma raíz. Se ha relacionado su aspecto comercial con Wharhol, pero Kruger aporta un nuevo enfoque a la crítica: "And what about art? It can be defined as the ability, through visual, verbal, gestural and musical means, to objectify one´s experience of the world: to show and tell, through a kind of eloquent shorthand, how it feels to be alive. And of course a work of art can also be a potential commodity, a vessel of financial speculation and exchange. But doesn´t so-called popular culture have the ability to do something of the same things: to encapsulate in a gesture, a laugh, a terrific melodic hook, a powerful narrative, the same tenuously evocative moments, the same fugitive visions? (3)

El consumo sustenta esa pasividad fundamentada en los estereotipos, que también llegan a inundar el ámbito del arte, y que Barbara Kruger quiere denunciar. Desde lo político a lo social, de lo económico a lo artístico y a la inversa, del género al signo, todos los temas son cuestionados en su obra, desde el lenguaje y la imagen masculinos nos requiere a todos los que somos "otro" y advierte: "Your comfort is my silence", mira o rechaza mi obra, pero no permanezcas indiferente.

_________________

(1) "Love for sale. The words and pictures of Barbara Kruger." Kate Linker, 1990.

(2) "Love for sale. The words and pictures of Barbara Kruger." Kate Linker, 1990.

(3) "Thinking of you Barbara Kruger". VV.AA. The Massachusetts Institute of Technology Press and The Museum of Contemporary Art, Los Ángeles. 1999.

Texto, Copyright © 2001 Sara Rivera. Todos los derechos reservados.

 

Introducción

Contexto artístico.

Mientras que un gran número de artistas de los años ochenta compartían un profundo sentimiento de decepción ante las constantes diferencias entre sexos y la carencia de una emancipación verdadera de la mujer en el arte, así como en otros aspectos de la vida; una generación de mujeres más jóvenes aprovecharon los logros que el feminismo había alcanzado y eligieron una orientación artística más jovial para explorar aspectos como el sexo y la identidad femeninas. Bárbara Kruger, por su parte, se enfrentaba con sus imágenes mordaces y provocadoras a un espectador masculino con el único propósito de convertirse en la propia conciencia de la sociedad. De esta manera, este período histórico marcado por la aparición de la escuela de política de Frankfurt, el postestructuralismo semiótico y los primeros logros socialmente visibles del feminismo, como el derecho de las mujeres a decidir sobre su propio cuerpo y sus funciones reproductoras, definió el panorama cultural de su generación. Estas características todavía enmarcan gran parte de la literatura crítica presente en la obra de Kruger. 

Características de su obra.

T e m á t i c a d e l a o b r a

Kruger analiza dentro de sus obras la manera en la que los medios de comunicación producen y hacen visible la violencia, el poder y la sexualidad en nuestra sociedad. Sus códigos visuales, compuestos por la superposición de imágenes con cierto tono publicitario y un texto que evoca una voz crítica, se centran en las estructuras ideológicas de los sistemas de control, la medicina, las representaciones del cuerpo, la identidad sexual, las emociones, el trabajo, el poder y el abuso de poder.

P o s t u r a   d e   l a   a r t i s t a

La artista parte de la base de que nuestra visión de la realidad, las ideas de normalidad, los roles fijos de cada sexo y la aceptación de la violencia diaria son constantemente recreados y están influenciados por las imágenes y el lenguaje. De esta manera, identificamos el impacto de sus trabajos a una derivación de la tensión que se produce entre las asociaciones y los contextos que evocan las imágenes, los que normalmente muestran asombrosas afinidades o tremendos antagonismos. Bárbara Kruger se identifica a sí misma como “hija” de los medios de comunicación:

“…crecí con la televisión, las películas, los magacines y por esa razón mi trabajo emerge en parte en medio de esa multitud de imágenes y palabras.”

Su apelativa cualidad de combinación y su repertorio de texto e imagen, hacen de Bárbara Kruger una artista política. Pero política no en el sentido de esperar convertirnos en su propio punto de vista, sino apostando por transmitir una imagen de nuestra realidad social y deconstruir los mecanismos de poder y dependencia sobre los que estamos construidos.

 De esta manera el trabajo de Kruger se dirige directamente hacia los preceptos más anclados en nuestra sociedad con la intención de darles la vuelta y demolerlos con el tono aforístico de sus mensajes. Estos aforismos; a diferencia de los “Tópicos” de Jenny Holzer, (una artista con laque es natural compararla, ya que ella también usa las palabras en su obra) que parten de ser algo que ya se sabe para pasar a la sabiduría popular; duelen en el sentido de que son palabras corrosivas que van contra lo que está establecido, son la voz de la conciencia generalizada de la sociedad.

“…yo estoy mostrándoles como son ellos y soy sus conciencias. No estoy interesada en sus consciencias particulares. No soy mejor que nadie ni tengo todas las respuestas. No soy moralista a ese nivel, la moralidad no es el tema, lo que importa es el fortalecimiento y la reflexión personal. Hay algo en lo que ves que te hace pensar acerca de tu vida, de la vida de los demás y del mundo en el que vivimos.”

En mi opinión, desencadenar esta poderosa acción en la sociedad es signo de una utilización del lenguaje y la imagen de una manera magistral. Así, el trabajo de Kruger nos fuerza a posicionarnos, nuestra propia identidad está en juego:

“Estoy interesada en cómo se construyen las identidades, como se forman los estereotipos y las narrativas que se coagulan convirtiéndose en historias”

Al fin y al cabo, estamos hechos para darnos cuenta como de alterables son los mecanismos de poder, como dependen de la situación y la perspectiva. Además el estilístico parecido de las obras de Kruger con la publicidad y la industria del entretenimiento demuestran como el lenguaje puede ser empleado como instrumento de manipulación. Este comentario me lleva a introducir el siguiente punto dentro de las características de su obra. Me estoy refiriendo al rápidamente identificable sello particular de la artista, que la ha acompañado durante

toda su carrera. Encontró un formato válido para su obra y no tuvo en ningún momento la mínima intención de modificarlo, le servía perfectamente en su propósito como artista.

S e l l o A r t í s t i c o

 Bárbara Kruger es muy conocida por sus trabajos fotográficos. Al final de los setenta empezó a combinar fotografías y texto siguiendo un estilo que se convertiría en su firma persona

F o t o g r a f í a s

Sus fotografías granuladas en blanco y negro, banales y anónimas, reproducen modelos que son a su vez reproducciones distribuidas por los medios de comunicación. Son sinónimos de la sociedad de consumo. Las imágenes pertenecen principalmente a álbumes de fotos de los años cuarenta y cincuenta, de prospectos y Cartelería de la época que difunden clichés y estereotipos sociales conservadores de una manera especialmente concisa. El elemento fotográfico en las obras tiene referencias directas con la publicidad y por consiguiente en relación con el arte en su época de la reproducción técnica. Desarrollaré este aspecto en profundidad más adelante, haciendo referencia a Walter Benjamin y a Berguer, pero para ello necesitaré apoyarme en la obra de Kruger.

T e x t o

El texto dentro de las obras aparece superpuesto a la imagen y posee unas características específicas: La artista utiliza en todas sus obras la misma tipografía, Futura Bold Italic, siendo las letras de colores blancos y enmarcados por unas franjas rojas. El texto que acompaña a las imágenes evoca la voz de una crítica moral, helada, inteligente, sarcástica y algo despectiva que actúa con el papel de la conciencia. La obra de Kruger muestra una extraordinaria coherencia caracterizada por la omnipresencia del lenguaje. El lenguaje domina el acto de la comunicación, lo utilizamos para intercambiar información, pero también como una herramienta pragmática para causar una reacción o algún efecto particular, como cuando damos una orden. La comunicación verbal, con todas las complejidades deforma que implica su práctica, no es solo uno de los factores más importantes dentro de la coexistencia humana, sino que se trata de un sutil instrumento de poder.En relación a lo dicho, Kruger lleva a cabo un calculado, deliberado y enrevesado uso del lenguaje. Juega con su potencial y su ambigüedad de una forma tan significativa que podríamos considerarlo el punto clave de su obra. El lenguaje es poder.

La   evolución   dentro   de   su   obra

Haciendo un breve repaso por su formación previa, Bárbara Kruger empezó a estudiar en 1964 en la Syracuse University. A partir de 1965, asistió a la Parsons School of Design, donde su obra recibió la influencia de la fotógrafa Diane Arbus y el diseñador gráfico y artista Marvin Israel. Tras completar sus estudios trabajo en una agencia para la revista de moda Madeimoselle y ha estado en activo como artista desde 1969. Al trasladar su estudio a Nueva York en 1970, entro en contacto con los grupos feministas a través de las

exposiciones locales. Entre 1975 y 1979, Kruger fue profesora en distintas universidades y escuelas de todo el país, actividad que le permitió descubrir conceptos y teorías más recientes y que posteriormente la llevarían a reconsiderar su identidad artística y a ampliar el campo de acción de su obra. Su producción artística recibió asimismo la influencia de los argumentos sobre la determinación social y cultural de la identidad femenina. Kruger explotó este aspecto en su trabajo como crítica.

 En 1979 expuso sus primeras obras estilo collage en la galería PS1 de Nueva York. Imágenes y texto que en un principio incluían palabras sueltas como “naturaleza” o “tradición”, así como elementos fotográficos que acompañaban o contrastaban al texto y que imitaban fielmente las estrategias publicitarias. En este momento es cuando la artista desarrolla su propio sello artístico, que aparece prácticamente inherente a la obra de Kruger. Como hemos comentado, esos textos caracterizados por la tipografía favorita de la artista, Futura Bold Italic, se fueron haciendo cada vez más complicados. El diseño rápidamente identificable de los textos y el tono agresivo, refuerzan la brutalidad y la fuerza gráfica de sus códigos visuales. En vista de la explotación de las técnicas y las estrategias de los mass media y el objetivo de captar el mayor publico posible, Kruger abandona durante la década de los años ochenta en variadas ocasiones los espacios institucionales del comercio del arte y se traslada a los espacios públicos con campañas de carteles y posters de gran tamaño. También se dan casos dentro de la década de los noventa, de diseños para bolsas de la compra con el aforismo característico “compro luego existo” o carteles en movimiento en los autobuses de Nueva York con el lema de “No seas estúpido”. Estos casos, que ejemplifican el rechazo del prestigio hacia la obra de arte por parte de la artista, concluyen en la máxima de que el arte no queda excluido por el consumo. A partir de esta afirmación me remito a Berguer, en su ensayo perteneciente a Modos de ver que habla acerca de la relación entre el arte y la publicidad:

“…la publicidad se vale del arte del pasado, para aumentar la seducción, la autoridad y el poder atrayente y misterioso de sus propios mensajes. Esto se lleva a cabo de diferentes maneras, utilizando por ejemplo encuadres similares a las obras de arte. La obra de arte podría verse como algo superior al interés material, que denota riqueza y espiritualidad, pero que a la vez transmite poder  social. Esto contrasta con su utilización por parte de la publicidad con fines puramente materiales. El propósito de la publicidad está en hacer sentir al espectador marginalmente insatisfecho con su modo de vida presente. Donde la publicidad  sugiere que si compra lo que le ofrece su vida mejorará.”

De aquí se extrae que Kruger no busca elevar sus obras alrededor de un prestigio clásico, lo que traicionaría su particular naturaleza, sino que intentará rebajar el arte a un nivel puramente publicitario, donde no hay diferencias entre una cosa y la otra, ya que el comercio del arte conlleva en si un universo de consumo que lo acerca cada vez más a la vida. Aunque la artista utiliza recursos publicitarios, sus obras no dejan de ser una burla mordaz hacia lo que está establecido, utilizándolo como punto de partida. Al fin y al cabo, estamos presenciando el afán de llevar el arte a la vida. A partir de los años 90 el interés de la artista por lo arquitectónico aumentó y se manifestó en su obra. El concepto de cubrir paredes, suelos y techos con imágenes y textos a gran escala se dio por primera vez en

una instalación de 1991, seguida tres años después por una instalación que incluía una variación tanto como una ampliación de los recursos utilizados. Se trataba de incluir en la obra los sentidos del oído y el tacto usando paneles en el suelo y reproduciendo un sonido. La trayectoria dentro del terreno multimedia de la autora, como indagación sobre el espacio culminó con su instalación de 1997, Power Pleasure Desire Disgust, donde la artista incluía videos en movimiento, sonidos atronadores mezclados con las voces de los individuos que aparecen en los videos, texto cambiante y más extenso que en sus trabajos fotográficos. Hablaré de manera más extensa de esta obra más adelante. A medida que su contexto se aleja del material fotográfico vincula su procedimiento a puntos de partida situados fuera del marco artístico y los integra en una estrategia basada en alternar espacio y significados.

La obra y el espectador 

 Kruger habla a su audiencia directamente a través del uso de pronombres personales (yo, tú, nosotros) de este modo nos hace partícipes de las afirmaciones que lanza. Esos discursos tan directos a la moral nos fuerzan a comprometernos, de alguna manera, con el trabajo personalmente. Sus mensajes directos y rudos unidos al talento altamente sofisticado del tratamiento del espacio-tiempo, complementado con el hecho de que somos directamente captados, instantánea e inescapablemente nos atrapan con un sobresalto tanto emocional como psicológico. Lo más importante dentro de la obra de Kruger radica en cómo llevar el mensaje al público:

“…a través de lo visual, de sonidos, de imágenes y videos…no hay una receta, solo prueba y observa si funciona.”

Obras   destacadas  

“Your body is a battleground” (Tu cuerpo es un campo de batalla) 1989

 El diseño de la obra fue ejecutado para apoyar los derechos de las mujeres en reacción a las campañas contra el aborto, apostando por los derechos de las mujeres a decidir sobre su propio cuerpo y sus funciones reproductoras. En mi opinión es interesante pararse a comentar una de las características más apremiantes de la obra. Me estoy refiriendo a la mirada directa y acusadora que confronta de una manera violenta con el espectador, en el sentido de que es un cambio radical ante la establecida mirada sumisa y entregada al hombre del arte convencional, que ha venido representando el rol de la mujer en el arte. En relación a este tema, veo una estrecha relación de inspiración entre la obra de Kruger y las palabras del escritor británico John Berger, quien afirma en Modos de ver, específicamente en su ensayo dedicado a la mujer en el arte:“El modo esencial de ver a las mujeres no ha cambiado. Las mujeres son representadas de un modo completamente distinto a los hombres, y no porque lo femenino sea completamente distinto a lo masculino, sino porque siempre se supone que el espectador “ideal” es varón y la imagen de la mujer está destinada a adularle. Los hombres miran a las mujeres y ellas se limitan a mirarse a sí mismas.” La mirada masculina convierte a las mujeres en objetos a los que no se les permite pensar por sí mismos. Sus pensamientos, opiniones y comportamientos son razón de constantes juicios por parte de los hombres. En la obra Sin título, (Tu cuerpo es un campo de batalla), Kruger afronta el reto de plasmar el problema que representa la figura femenina en la confrontación con el espectador. En esta pieza, las palabras "Tu cuerpo es un campo de batalla" se refieren a una serie de políticas y posiciones sociales, tanto como a la constante lucha en la que las mujeres participan, siendo obligadas a defenderse a sí mismas y sus medios de vida en la sociedad. La lucha por un derecho de la mujer a elegir lo que ocurre con su propio cuerpo. En su ensayo "biológicamente correcto", la escritora feminista Natalie Angier escribe que hay una lucha entre hombres y mujeres “sobre el mismo hecho de poseer el cuerpo femenino, unos por poseerlo y otras por liberarlo del yugo masculino”

En su montaje, Sin título (Tu cuerpo es un campo de batalla) de 1989, Kruger trata de proteger los derechos de la mujer a través de una imagen que también plantea cuestiones relacionadas con el poder, el patriarcado, los estereotipos, y el consumo. Esta obra que se muestra en su libro, Amor en venta (Love in sale), muestra una fotografía en blanco y negro que retrata el rostro de una mujer que mira directamente al espectador. La imagen está modificada a partir de una división simétrica de la cara a lo largo del eje vertical. Aquí la autora introduce un juego de espacios positivos y negativos entre las dos mitades de la imagen, resaltando la ideas de “…positivo y negativo, blanco versus negro, el bien y el mal…”

 Hay una batalla constante entre los sexos: lucha de las mujeres por tener control sobre sus cuerpos y su integridad física, así como su lugar en la sociedad; mientras que los hombres luchan por mantener su dominio sobre las mujeres en la sociedad. Dentro de la obra de Kruger nace un discurso sobre el tema del patriarcado. Según Jane Pilcher e Imelda Whelehan, las autoras de los Cincuenta Conceptos clave en Estudios de Género: “…literalmente, patriarcado significa el gobierno por el jefe de una unidad social (una familia o tribu, por ejemplo). El patriarca tiene el poder legítimo sobre los demás en la unidad social, incluyendo otros (especialmente los más pequeños) hombres, mujeres y todos los niños”

 Tal como fue revisado por la psicóloga y escritora Carol Gilligan en su ensayoUna revolución silenciosa en Psicología: “ Las formas tradicionales de la sociedad definidas por el patriarcado han construido una barrera que obliga a las mujeres a ser inferiores a los hombres. El patriarcado se forma cuando los hombres toman el papel dominante en la familia. Si un hombre es la cabeza de la familia, y luego difundirá sus ideas a través de los miembros inferiores de la familia, lo que les llevará a tomar sus ideas como propias. De esta manera, las opiniones del hombre predominan no sólo en su familia inmediata, sino también en la sociedad a la que pertenece” (Gilligan, 2003, p. 98-100). 

En resumen, Kruger nos muestra aquí una metáfora del conflicto que ha venido siendo para el feminismo el tema de la representación corporal, representando la necesidad de autorepresentarse sin caer en el peligro de que estas imágenes se confundan con las representaciones sexistas comunes a la historia de la reproducción de las imágenes. 

Power Pleasure Desire Disgust, 1997

 

Esta obra, instalada por primera vez en Nueva York en la galería Deitch Projects, pertenece ala época en la que kruger decide indagar en los mass media para incorporarlos a modo de recursos enriquecedores en su obra. También se da en este período de su creación la característica conquista de todo el espacio expositivo disponible, llevando las imágenes, videos y textos a formar parte de la arquitectura del lugar. Su obra, ahora en paredes, suelos y techos, no podría escapar a la vista de nadie. Los elementos estáticos son ahora eliminados y reemplazados por constantes textos que cambian, siendo proyectados en las paredes, el suelo e incluso superpuestos a las imágenes en movimiento. La habitación donde está instalada la obra se halla en completa penumbra y oscuridad, los únicos puntos de luz son los proyectores. Todos los elementos, el texto en secuencias, las imágenes en

En la primera pieza de carácter multimedia de Bárbara Kruger , Power Pleasure Desire Disgust de 1997, la autora bombardea con un arsenal de palabras, imágenes, sonidos, mensajes hablados todos nuestros sentidos. Su ferocidad y mordacidad de mensaje nos provocan opresión, sofoco, estrés, enfado…la emoción de la pieza nos infecta.

“ Bárbara Kruger es una maestra de las emociones y en esta pieza se ha superado a sí misma”

movimiento y los textos hablados disuelven la rígida arquitectura de la sala y la convierten en una habitación que respira. Se convierte en un organismo vivo y perceptivo, un microcosmos. Esto constituye un vehículo perfecto para los intereses de la autora, y el llevarlos a cabo significa hacerlos visibles.

Power Pleasure Desire Disgust (1997). Instalación Multimedia, Deich proyects (New York)EEUU. BárbaraKruger 

En relación a los videos en movimiento que incluye la autora como novedad, nos enfrentamos a una serie de individuos cuyas voces expulsan una serie de emociones, palabras que no han sido pasadas por ningún filtro ético o moral. Caminando a través de la instalación, encontramos tres túneles, donde unas cabezas hablantes nos devoran prácticamente. El discurso coloquial de los videos es familiar, directo e informal y completamente alejado de lo ceremonial. Lo que pronuncian esos desconocidos podrían ser monólogos que dan voz a nuestras propias frustraciones, a pensamientos que nunca nos atreveríamos a poner en palabras, o a situaciones reales, donde no hay un control social, no

hay inhibiciones ni vergüenza. Situaciones que todos nosotros hemos experimentado. Kruger expone en esas convenciones del lenguaje dándoles un lugar completamente distinto al que pertenecen, trasladándolas de sus usuales domicilios al espacio artístico de la galería. De esta manera el espectador emerge en un contexto que no está acostumbrado a ver desde fuera. La autora no nos deja permanecer aislados, su uso de un discurso directo nos envuelve en un bombardeo de emociones. El impacto de esas palabras perdura porque el rango de las emociones está dominado por la agresión, la arrogancia, la rabia, la impotencia, el sarcasmo, la humillación, la sumisión, el insulto y el desprecio.

ConclusiónAl llevar a cabo este trabajo de investigación, he descubierto muchísimo acerca de muchos aspectos: La manera de adaptación del arte a las nuevas tecnologías introducidas por los mass media, el gran esfuerzo por parte de unas mujeres que lucharon y siguen luchando por sus derechos dentro de una sociedad que, aun hoy en día, es alimentada por los estereotipos sexistas difundidos por la publicidad, que no ayudan en absoluto a dar el cambio hacia una sociedad donde no exista diferencia alguna entre sexos. Estoy de acuerdo con la artista en su comentario acerca de que el arte es una especie de comentario acerca de lo que acontece en cada momento, yo incluyo en este caso que el papel que el arte interpreta a modo de crítico es muy positivo en la medida que este mundo, antes considerado completamente aislado de la vida, se acerca más y más a la vida. Sin un acercamiento de este tipo de obras a la vida, se convertirían con el paso del tiempo en obras

El apocalíptico ambiente de la sala, generado gracias al carácter infinito de la pieza (sin principio

ni fin), imparable e intenso, ruidoso y rápido, con muchas voces hablando a la vez, causa un persistente sentimiento de

impotencia y no nos deja ni un momento de paz intelectual para intentar absorber lo que estamos

viendo. Esta dramaturgia dirigida a atrapar y cautivar por

completo al público, toma el ejemplo de los medios de

comunicación a partir de su tratamiento iridiscente de la

palabra y la imagen, su velocidad y poder de la sugestión.

que, a pesar de su amplia reproducción gracias a las nuevas tecnologías, son consideradas como obras de arte en su sentido más tradicional y clásico. Les introducimos un aura a pesar de que nacieron sin ella. Esto me lleva a comentar el caso de la artista a tratar, quien, a pesar de seguir una tendencia de anti prestigio artísticodentro de su obra, necesita del museo, de la institución arte, para hacer circular su obra a través de la civilización para que así sea más cercana ala “vida”. Sin embargo, algunas de sus obras más famosas han sido absorbidas por los museos y reconvertidas en obras de arte en el pleno sentido clásico y aurático. Gracias a que Bárbara Kruger ha venido siendo una artista con una recepción social comparable a la de Andy Warhol, los museos han aprovechado para hacer negocio. Uno se encuentra en el museo con la sensación de que está viendo el original de algo que ha sido ampliamente reproducido, como ver laMona Lisa después de haberla visto solo en postales. En definitiva Bárbara Kruger plasmó la teoría de sus obras como una crítica social, particularmente enfocada a los signos y a la manera en la que los estereotipos definen nuestra forma de vivir y ejercen un poder a través de la manera en la que nos representamos a nosotros mismos. Citas

1. cita de la exposición  Folder of South London Gallery 2001

2. Fragmento de una entrevista con la artista por Peter Fischer en agosto de 2001, p 68.

3. De una entrevista con Bárbara Kruger por Lynne Tillmon, en la exhibición de la propia artista Catalogue, Museo de arte contemporáneo de Los Angeles1999, p 189.

4. Berguer 2003, ensayo sobre arte y publicidad.

5. De una entrevista con Bárbara Kruger por Lynne Tillmon, 1999, p 190.

6. Kruger, 1990, p 87

7. Berguer 2003, la mujer en el arte.

8. Angier, 2003, p 10.

9. Pilcher, 2008, p 93

10. Gilligan, 2003, p 98 – 100

11. Fischer, 2002, p 67.