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DAYILVE CUBILLOS PÀEZ

2015

¿QUÉ ES ARTE?

Es un medio de comunicación; es la creación humana de valores estéticos (belleza, equilibrio, armonía) que sintetizan sus emociones, su historia, sus sentimientos y su cultura. Es un conjunto de procedimientos utilizados para realizar obras, en el cual aplicamos nuestros conocimientos; toda la experiencia humana, hermosa, placentera, humorística, erótica, todo puede ser destilado por el artista.

VARÓN: manifestación externa de emociones internas, producida por medio de líneas, de colores, de movimientos, de sonidos o de palabras.

LEON TOLSTOI: El arte es uno de los medios de comunicación entre los hombres

¿QUE ES MANUAL ?.

Lo manual aunque tiene dos conceptos principales, en este caso se refiere a lo que se realiza con las manos; fácil de operar; fácil de entender; algo casero que es simple de ejecutar; algo que implica mayor destreza con las manos que procesos mentales.

Es aquello que se realiza o produce con las propias manos, como puede ser el caso de cualquiera de los trabajos manuales que existen: la pintura, el tejido, la escritura, la gastronomía..

MANIFESTACIONES DEL ARTE

Ya que el arte es la habilidad y la imaginación para crear objetos, experiencias, melodías o entornos con el fin de lograr el placer estético en el observador, puede decirse que es todo aquello que alimenta el alma; tenemos la arquitectura, las manualidades, la danza, el dibujo, la pintura, el cine, la música (con todos sus géneros y expresiones), la fotografía, la poesía, la escultura y el teatro.

DANZA

La danza o el baile, es una forma de arte en donde se utiliza el movimiento del cuerpo, usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción social, con fines de entretenimiento, artísticos o religiosos. La danza, también es una forma de comunicación, ya que se usa el lenguaje no verbal entre los seres humanos, donde el bailarín o bailarina expresa sentimientos y emociones a través de sus movimientos y gestos.

Representantes:

Antonio García Santillana (Antonio Márquez) nacido el 24 de mayo de 1963 en Sevilla. Máximo representante masculino de la danza española de finales del siglo XX y principios del siglo XXI, aunque su amplio registro y magisterio abarcan también tanto la sensualidad y desgarro del flamenco, como la expresividad dramática de la composición contemporánea.

CINE

El cine abreviatura de cinematógrafo o cinematografía, es la técnica de proyectar fotogramas de forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo o película, o film, o filme.

Representante:

Charles Chaplin(16 de Abril de1889 – 25 de Diciembre de 1977) fue un actor cómico, compositor, productor, director y escritor británico. Adquirió popularidad gracias a su personaje CharlotAlgunas películas: - La quimera del oro (1925) - Luces de la ciudad (1931)

TEATRO

Es la rama del arte escénico relacionada con la actuación, que representa historias frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos, escenografía, música, sonido y espectáculo. Es también el género literario que comprende las obras concebidas para un escenario, ante un público.

Representante:

Konstantín Stanislavski, seudónimo de Konstantín Serguéievich Alekséyev, actor, director escénico y pedagogo teatral. Fue el creador del método interpretativo Stanislavski.

MÚSICA

La Música: es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos.

Representante:

BACH: Su fecunda obra es considerada la cumbre de la música Barroca, destacándose su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística.

ARQUITECTURA:

La arquitectura es el arte y técnica de proyectar y diseñar edificios, estructuras y espacios.

Representante:

Paul Andreu (Francia). Nació en 1938 en Caudéran Francia. Es el constructor de Aeropuerto de Paris-Charles de Gaulle en París en Francia, Aeropuerto de París-Orly en París, Aeropuerto Internacional Ninoy Aquino en Manila (Filipinas) Aeropuerto Internacional de Abu Dabi la capital de los Emiratos Árabes Unidos, Aeropuerto de Shangai, Aeropuerto de Bangkok en Tailandia, Aeropuerto de Osaka en Japón, Aeropuerto de Dubai en Emiratos Árabes Unidos, Aeropuerto de El Cairo en Egipto y Aeropuerto del Sultanato de Brunei, Terminal Francesa del Eurotúnel, el Gran Arco de la Fraternidad de París, Teatro Nacional en la Plaza de Tian’anmen en China, Estadio Deportivo de Basketball en China entre otros.

MANUALIDADES:

Son trabajos efectuados con las manos, con o sin ayuda de herramientas. También se denomina así a los trabajos manuales realizados como actividades escolares por los propios alumnos.

Representante:

Luz Ángela Cortés Ojeda; ubatense trabaja con telar vertical, tejidos a mano en fibras vegetales y naturales oriundas de la región.

Cristina Navarrete: licenciada en Artística, docente de la ENSU, trabaja toda clase de manualidades en materiales tradicionales.

DIBUJO

Es el arte que enseña a dibujar, así como delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro; toma nombre de acuerdo al material con el que se hace. El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasma imágenes sobre un espacio plano.

Representantes:

Vincent Van Gogh produjo todo su trabajo (unas 900 pinturas y 1.600 dibujos) durante un período de solamente 10 años; Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. 

PINTURA

Es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un fragmento de tejido, etc.— una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar a una obra de arte según algunos principios estéticos.

Representantes:

Picasso: Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue

protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron

las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura

neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la

escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en

talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad

creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la

amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.

LA MOTRICIDAD

Es la capacidad de mover una parte corporal o su totalidad, siendo éste un conjunto de actos voluntarios e involuntarios coordinados y sincronizados por las diferentes unidades motoras (músculos).

CLASES DE MOTRICIDAD

Dinámica o anisométrica: Es aquella en la que la magnitud de la tensión del músculo no es igual a la longitud del mismo, variará según cual sea la tensión generada. La cual al ser generada por la tensión de la longitud del músculo varía según indique cada ejercicio..

Gruesa: La motricidad gruesa tiende en si a realizar movimientos drásticos e estructurales, es decir, que se realiza con movimientos mediocres en sentido más primitivo del neuro-desarrollo se involucran grupos musculares más grandes que implican mayor aplicación de fuerza, mayor velocidad y distancia de movimiento.

Media: Mover las extremidades sin desplazamiento.

Fina: La motricidad fina hace referencia a movimientos voluntarios mucho más precisos, que implican pequeños grupos de músculos (y que requieren una mayor coordinación.)

Principales aportes:

A principios del siglo XX, el neurólogo Ernest Dupré puso de relieve las relaciones entre las anomalías neurológicas y psíquicas con las motrices. Este médico fue el primero en utilizar el término psicomotricidad y en describir trastornos del desarrollo psicomotor como la debilidad motriz. Más adelante dentro de de la neuropsiquiatría infantil sus ideas se desarrollaron con gran profusión.

El psicólogo e investigador francés Henri Wallon remarcó la psicomotricidad como la conexión entre lo psíquico y lo motriz. Planteó la importancia del movimiento para el desarrollo del psiquismo infantil y por tanto para la construcción de su esquema e imagen corporal. Según Wallon, el psiquismo y la motricidad representan la expresión de las relaciones del sujeto con el entorno.

LA IMPORTANCIA DEL ARTE EN LA ESCUELA

El arte ejerce una función muy importante en la educación infantil, ya que facilita la expresión humana, tan importante para el desarrollo infantil actual: es necesario para nuestros niños que exista un espacio en el cual puedan expresar sus vivencias, sus aprendizajes ya construidos, y dónde puedan plasmar una parte de sí mismos, la manera como se sienten, lo que piensan, lo que ven a su alrededor, etc...

Es por esto que es tan importante analizar la inmensa diferencia que hay entre un individuo creador, sensible ante las cosas de su entorno, y uno que no tenga desarrollada esa capacidad creativa tan necesaria para aplicar sus conocimientos, y que por lo tanto no posea los recursos espirituales suficientes para relacionarse de manera adecuada con el entorno y el medio ambiente que lo rodea.

La educación artística que analizamos en esta lectura, permite el desarrollo integral del individuo, para perfeccionar así sus capacidades, y fortalecer sus medios y manera de expresión como lenguaje de su pensamiento mas interno. Es demasiado importante en el proceso educativo y desarrollo del niño, su pensamiento y sus sentimientos, expresiones, percepciones y reacciones ante su medio inmediato. Y por eso es tan resaltable que fomentemos en nuestro día a día estrategias educativas que permitan la adecuada enseñanza y desarrollo de estas características tan humanas.

Este es quizá uno de los propósitos más importantes de la educación artística, la cual se preocupa por el efecto del proceso artístico en el individuo, entendiendo que el niño es desde el comienzo de su vida un individuo con sentimientos, reacciones y pensamientos propios. Las Bellas Artes a su vez se ocupan y se interesan en los productos y resultados que origina el individuo, mas no en el proceso que ocurre durante la realización de dicho arte.

Un niño es un individuo lleno de sentimientos positivos y negativos, emociones, y demás que no necesita de un patrón ya creado por su docente, sino que necesita de un adecuado proceso educacional que influya en su aprendizaje y que esté totalmente aparte del concepto ya creado por su docente, y de las vivencias y perjuicios del mismo. Debe elaborarse un proceso propio al interior de cada niño.

En la sociedad de nuestra actualidad se hace necesario resaltar la grandísima importancia de esta manera educativa artística, para crear seres más sensibles y aptos para mejora la actualidad el mundo.

Como lo cita textualmente la lectura analizada: …”El hombre se está convirtiendo en un observador positivo de su cultura, antes que en un constructor activo de ella”… Es por esto que debemos inculcar en los niños la educación artística para crear en ellos seres como lo expresé en párrafos anteriores: creadores, sensibles ante las cosas de su entorno, sentimentales que sean capaces de expresarse mediante el arte, alfabetizándose artísticamente posibilitando su desarrollo integral.

Esta actitud creadora que debemos incentivar en nuestros niños, será una posible alternativa de solución ante tantos problemas que experimenta la sociedad actual. Un pueblo educado es así mismo un pueblo creativo, un pueblo mejor que contribuirá a una mejor sociedad, a un mejor mundo.

Enlazo el análisis de esta lectura, con la estrategia que escogí en la participación del foro el día de ayer, en la cual mi compañera y yo escogimos el siguiente enunciado como base para la elaboración de un pequeña estrategia innovadora al interior del aula de clase: “entender el arte como experiencia significativa”; si partimos de que la estrategia es inculcar y fomentar la educación artística para nuestros niños buscando lograr seres humanos con un desarrollo íntegro , debemos así mismo entender el arte como una experiencia que asocia los conocimientos adquiridos anteriormente con los nuevos y que permite expresar sentimientos, saberes, pensamientos, temores, mejorando inclusive el comportamiento, la calidad de vida, la capacidad de relacionarse con el entorno, con su medio ambiente, con sus pares, con la sociedad en general.

Así pues concluyo este ensayo totalmente interesada en la real importancia del arte y específicamente de la educación artística en la formación de nuestros pequeños, en su desarrollo integral, en el fortalecimiento de valores, saberes y conocimientos significativos que generen expresiones artísticas mediante las cuales se puedan expresar los sentimientos más profundos, los temores , los miedos, las alegrías , los sueños y se puedan formar así seres humanos, individuos sensibles, receptivos a las sensaciones, creadores de soluciones y capaces de sostener una relación positiva, apta y fructífera con su entorno y medio ambiente inmediato.

¿QUÉ APRENDEMOS EN LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA?

La Educación Artística nos permite percibir, comprender y crear otros mundos en virtud de los cuales construimos el sentido y logramos la apropiación dela realidad, movilizando diversos conocimientos, medios y habilidades que son objeto de aprendizajes, los cuales podemos aplicarlos en diversos campos, no solamente dentro del campo artístico.

¿Cómo se desarrollan las competencias en la Educación Artística?

Las competencias específicas de la Educación Artística son sensibilidad, apreciación estética y comunicación. Se desarrollan mediante las prácticas artísticas que cada institución educativa decida implementar, identificando los diferentes procesos pedagógicos que articulan las actividades de formación, definiendo las evidencias de aprendizaje correspondientes y determinando el nivel de desempeño alcanzado por el estudiante en su realización.

Estos procesos comunes a todas las prácticas artísticas, que pueden reunirse en tres grandes grupos de acuerdo con los diferentes roles que los estudiantes pueden desempeñaren las artes y la cultura, ya sea como espectadores, como creadores o como expositores:

Como espectadores, realizan procesos de recepción: La recepción es un proceso interactivo mediante el cual el espectador capta la información contenida en una obra artística o en cualquier expresión de la cultura.

Como creadores, realizan procesos de creación: apropiación y creación. la palabra creación se refiere a los procesos que conducen a la realización de obras artísticas; El acto creativo del estudiante está mediado por la adquisición de habilidades y destrezas necesarias para la práctica artística.

Como expositores, realizan procesos de socialización: presentación pública y gestión. Los procesos del aula en el campo de la Educación Artística requieren incorporar en el “hacer” la socialización de su saber. No hay proceso artístico completo sin la exposición de sus productos ante el público.la socialización de las actividades de aula se hace a través de los procesos de presentación ante el público y de gestión, los cuales realizan los estudiantes con sus pares y demás miembros de su comunidad educativa.

Productos de la Educación Artística:

El resultado de los procesos de creación que tienen lugar en el aula. Estos incluyen obras visuales, escénicas, musicales, audiovisuales, literarias, etc.

La indagación juega un papel esencial en la generación de productos. Éstos resultados pueden plasmarse en ensayos, análisis, cronologías, antologías, compilaciones, colecciones, documentales y otros productos académicos que sin ser obras artísticas manifiestan la compresión e interpretación de la cultura, de lenguajes, teorías, tendencias artísticas, estéticas, corrientes de pensamiento artístico, etc.

Los productos de socialización, incluyen proyectos a los que en general podemos referirnos como publicaciones; éstos contemplan la realización de publicaciones impresas, fonográficas o audiovisuales, la participación en festivales, concursos, exhibiciones, montajes; la producción de espectáculos, etc.

La Educación Artística trabaja en dos ámbitos o dimensiones del ser: la subjetiva y la social y cultural, llamada también intersubjetiva.

Dimensión subjetiva: El primer ámbito que el docente debe reconocer para abordar el desarrollo de competencias en la Educación Artística es la subjetividad del estudiante. El mundo interior y el entorno familiar de un niño determinan en primera instancia el desarrollo de las competencias específicas.

Dimensión social y cultural (intersubjetividad): En este ámbito, surge la exploración que hace el estudiante del contexto propio de las prácticas y productos de las artes y la cultura a nivel local y universal: la comprensión de su historia, del ámbito social en que se desarrollan, de sus finalidades y de su relación con otras áreas y campos del desarrollo humano.

Los docentes debemos lograr diseñar estrategias que permitan al estudiante indagar y descubrir cómo las comunidades establecen y modifican la relación de las personas con la diversidad cultural propia de su medio, y cómo ellos mismos forman parte de la cultura, e interactúan con las diferentes expresiones de la sociedad.

La práctica artística o cultural acontece en lugares físicos y ámbitos sociales tales como espacios públicos, teatros, auditorios, salas de cine, museos, universidades, colegios; en ámbitos educativos, naturales, geográficos, familiares, políticos, religiosos, etc.

Existen diversos mecanismos tales como eventos o actividades que ponen en relevancia social las prácticas artísticas o culturales; encuentros escolares, nacionales o internacionales, los concursos interinstitucionales, salones regionales, conciertos, los festivales de gastronomía, de cine, de teatro, de danza, etc.

Existen varias organizaciones, instituciones o entidades cuya labor promueve y facilita la circulación de las obras y prácticas artísticas, y la promoción de la cultura, tales como secretarías de cultura, galerías, museos, casas de teatro, salas de concierto, salas de cine, canales de televisión, emisoras, productores artísticos, etc.

Ésta interacción se da gracias a aquellas actividades o eventos mediante los cuales las personas se relacionan con las artes y la cultura como espectadores, creadores o expositores, y que generan identidad cultural; en éstos espacios culturales de oferta permanente se crea un diálogo con la comunidad, y se puede hablar de fiestas tradicionales, carnavales, convocatorias de creación, festivales de bandas, reinados, etc.

¿Cuáles son las competencias artísticas y cuál es su relación con las competencias básicas?

Son habilidades, conocimientos y actitudes que se relacionan en contextos particulares, y que deben tener unos dominios específicos. Se supone están presentes e integradas y operan en todo momento de la actividad artística del estudiante. En este sentido, el conjunto de conocimientos, habilidades, actitudes, comprensiones y disposiciones que son responsabilidad de las artes en la escuela permite identificar tres competencias de cuyo desarrollo se ocupa la Educación Artística:

1. Sensibilidad. Es una competencia que se sustenta en un tipo de disposición humana evidente al afectarse y afectar a otros, e implica un proceso motivado por los objetos elaborados por los seres humanos en la producción cultural y artística, no se habla solamente de la sensibilidad biológica. Está estrechamente relacionada con la expresión. Existe sensibilidad visual, auditiva, cenestésica.

2. Apreciación estética. Consiste en la adquisición del corpus de conceptos y reglas que pertenecen al campo del arte y dirigenla producción artística. Esta competencia se refiere al conjunto de conocimientos, procesos mentales, actitudes y valoraciones, que, integrados y aplicados a las informaciones sensibles de una producción artística o un hecho estético, nos permiten construir una comprensión de éstos en el campo de la idea, la reflexión y la conceptualización. Existen dos maneras de acceder a los códigos de los lenguajes artísticos, presentes en las obras: la interpretación formal y la interpretación extratextual.

3. Comunicación. Se refiere al hacer, es la disposición productiva que integra la sensibilidad y la apreciación estética en el acto creativo. La comunicación no

manifiesta en estricto sentido una comprensión verbal porque implica el dominio de formas sensibles irreductibles al orden del lenguaje, como el despliegue de acciones de una improvisación teatral, un ejercicio pictórico o una presentación musical.

Relación con las competencias básicas:

Su relación es directa ya que forman parte de ellas al ser fundamentales en el aprendizaje de los alumnos. Es muy importante resaltar que la Educación Artística es un medio innovador muy interesante para aprender nuevos conocimientos y para interactuar con el medio que nos rodea.

EL COLOR

FISICA DEL COLOR

En Física, cuando se emplea la palabra color, se hace únicamente de forma vaga o someramente descriptiva, pues físicamente lo que distingue una sensación de color de otra es la longitud de onda de la radiación luminosa que impresiona nuestro sentido de la vista, y si, como generalmente sucede, la radiación es compuesta, el ojo no puede analizar las distintas radiaciones o longitudes de onda que recibe y aprecia tan sólo el tinte o “color” resultante.

Teoría del color: color físico o color-luz.

El color que percibimos por la luz es inmaterial, proveniente de los rayos del sol o proyectores artificiales. Como referencia de luz se toma los rayos que provienen del sol al mediodía.

Los colores que obtenemos por la descomposición de la luz solar o artificialmente, utilizando focos emisores de luz de una determinada longitud de onda, se denominan colores aditivos.

Colores luz. Color físico Para entender mejor este proceso deberíamos prestar un poco de atención a las Leyes de Grassmann, pero como quiera que este no es nuestro tema, simplemente lo citaremos, abriendo una puerta a la curiosidad.

En la retina del ojo humano existen tres clases diferentes de frecuencias foto lumínicas que perciben las sensaciones del color. Los colores se perciben porque los objetos tienen la propiedad de absorber determinada cantidad de luz y rechazar otra.

El color que percibimos de un objeto es el rayo de luz que refleja. Así, un objeto es rojo porque absorbe los rayos azules y amarillos y rechaza los rojos y por tanto, el procesamiento que hace nuestro cerebro para este tipo de rayos, es lo que denominamos color rojo. Si los rayos absorbidos fueran rojos y rechazara los azules y amarillos, el color que percibiríamos sería el verde.

Las superficies que las vemos de color negras es porque absorben todos los rayos y, por lo tanto no reflejan ninguno por lo que hay una ausencia de color. Los objetos blancos reflejan todos los colores, o sea, los rechazan.

Manteniendo las premisas anteriores, si a un color-luz añadimos otro color-luz, la mezcla resultante ha de darnos, forzosamente, un color-luz más luminoso, más claro. Lógicamente, pues, la suma del color-luz verde y del color-luz rojo, ha de proporcionar un color-luz más claro: el amarillo.

Young determinó, por eliminación, que los seis colores del espectro podían ser reducidos a tres colores básicos del mismo espectro, es decir, halló que con sólo tres colores (rojo, verde y azul oscuro) podía recomponer la luz blanca Y que mezclando estos tres colores por parejas, obtenía los tres restantes (azul cian, púrpura y amarillo). Con lo cual determinó cuales son los colores primarios del espectro y cuales los secundarios.

Colores-Luz Primarios: Rojo, Verde, Azul oscuro. Colores-Luz Secundarios: (Obtenidos con la mezcla, por parejas, de los

anteriores primarios): Luz verde + Luz roja: = Amarillo Luz azul + verde = Azul cián (Esta es la definición técnica y actual dada

a este color luz secundario. La tonalidad del azul cián responde a la de un azul neutro, de intensidad media).

Luz roja + azul = Púrpura. (El color púrpura responde a un rojo acarminado, llamado en Artes Gráficas magenta , de tonalidad media).

Todavía no está claro por qué los cuerpos los vemos de un determinado color y no de otro: por qué un tomate, cuando madura, lo vemos de color rojo. Pero si se sabemos que ese tomate cuando está maduro y se ilumina por la luz natural, recibe los tres colores-luz primarios: el azul, el verde y el rojo, absorbiendo los rayos de color-luz, azules y verdes, y refleja los rojos, a consecuencia de lo cual, nuestro sentido de la vista lo percibe de color rojo

LA REFRACCIÓN DE LA LUZ DE ISAAC NEWTON

Newton realizó el conocido experimento de doble refracción mediante prismas de vidrio transparente con caras no paralelas. En una primera etapa, el experimento se realiza con tan solo un prisma. Un haz de luz blanca que entra a un cuarto oscuro traviesa un trozo de cristal con caras planas no paralelas y sufre una doble refracción al entrar y salir del mismo. La luz se recoge con una pantalla. El resultado que se obtiene es un haz que contiene todos los colores naturales separados: el rojo, naranja, amarillo, verde, azul, añil y violeta.

Newton no creía en las afirmaciones de sus coetáneos sobre este fenómeno, que interpretaban que el color se formaba en el prisma, sino que supuso que la luz blanca era una mezcla de haces de los siete colores puros. Cada uno de estos haces posee un grado propio y diferente de refracción en el vidrio. Esta hipótesis también explica la formación del propio arco iris, ya que la luz que se refracta en las gotas de lluvia puede separarse de una forma parecida a la que hemos observado en la figura 1.

Para intentar demostrar esta hipótesis, Newton realizó dos experimentos más.

El primer experimento consiste en añadir un segundo prisma, invertido respecto al primero, de forma que el haz de luz se vuelve a reunir para formar de nuevo un haz blanco.

El segundo experimento es el disco de Newton, una ruleta que esta dividida en siete sectores, cada cual pintado con uno de los colores del arco iris. Al hacerlo girar a gran velocidad, la apariencia del disco es blanca.

Posteriormente, Newton quiso encontrar la explicación a la aparición de colores en los diferentes objetos cuando son iluminados por luz blanca. Cada substancia, argumentaba, posee una capacidad selectiva de absorción de cada color diferente. La parte no absorbida de la luz blanca es la única que llega a nuestros ojos, que la interpretan como si fuera una única luz con el color resultante de la combinación de las diferentes contribuciones de cada color natural.

Newton intentó demostrar esta explicación mediante un dispositivo experimental. Mediante una pantalla opaca con una ranura apropiada, se bloquean seis de los siete colores en los cuales se ha separado la luz al pasar por el primer prisma, dejando pasar tan solo uno de ellos. La luz restante pasa por el segundo prisma sin modificarse en absoluto, ya que en este caso tan sólo resta una de las componentes: el haz es homogéneo. Los objetos iluminados con esta luz serán negros si absorben este color en particular, o de ese mismo color en caso contrario. De esta forma, Newton demostró que el color de cada objeto depende de la iluminación y de la capacidad de absorción de cada color.

Química del color (pigmentos….)

La química del color se basa en los procesos de la materia colorante los cuales se dividen en dos:

Pigmentos: Un pigmento es un material que cambia el color de la luz que refleja como resultado de la absorción selectiva del color. Este proceso físico es diferente a la fluorescencia, la fosforescencia y otras formas de luminiscencia, en las cuales el propio material emite luz. Muchos materiales selectivamente absorben ciertas ondas de luz, dependiendo de su longitud de onda. Los materiales que los seres humanos han elegido y producido para ser utilizados como pigmentos por lo general tienen propiedades especiales que los vuelven ideales para colorear otros materiales. Un pigmento debe tener una alta fuerza teñidora relativa a los materiales que colorea. Además debe ser estable en forma sólida a temperatura ambiente.

Los pigmentos son utilizados para teñir pintura, tinta, plástico, textiles, cosméticos, alimentos y otros productos. La mayoría de los pigmentos utilizados en la manufactura y en las artes visuales son colorantes secos, usualmente en forma de polvo fino. Este polvo es añadido a un vehículo o matriz, un material relativamente neutro o incoloro que actúa como adhesivo. Para aplicaciones industriales, así como artísticas, la permanencia y la estabilidad son propiedades deseadas. Los pigmentos que no son permanentes son llamados fugitivos. Los pigmentos fugitivos se desvanecen con el tiempo, o con la exposición a la luz, mientras que otros terminan por ennegrecer.

Generalmente se hace distinción entre un pigmento, el cual es insoluble en el vehículo (formando una suspensión), y un tinte, el cual o es un líquido o es soluble en el vehículo (resultando en una solución). Un colorante puede ser un pigmento o un tinte dependiendo del vehículo en el que se usa. En algunos casos, un pigmento puede ser fabricado a partir de un tinte precipitando un tinte soluble con una sal metálica.

Los pigmentos han sido utilizados desde tiempos prehistóricos, y han sido fundamentales en las artes visuales a lo largo de la Historia. Los principales pigmentos naturales utilizados son de origen mineral o biológico. La necesidad de conseguir pigmentos menos costosos dada la escasez de algunos colores, como el azul, propició la aparición de los pigmentos sintéticos.

Tintes: éstos a su vez en orgánicos e inorgánicos los cuales pueden ser de origen vegetal, animal, mineral y sintéticos.

Los pigmentos pueden ser minerales o sintéticos y los tintes son animales o vegetales de origen sintético o natural.

La gran diferencia entre los pigmentos y los tintes es la partícula de la cual están formados ya que la del tinte es pequeña y es solvente y la del pigmento es más grande y es insolvente.

Los materiales colorantes están formados por pigmentos con un aglutinante y un medio.

Uno de los modificadores químicos de los tintes son los textiles que son naturales o sintéticos, mordientes y modificadores de origen natural y también el estabilizador.

Biología del color (sensación del ojo, SNC…)

SENSACIÓN DEL COLOR

Esta sensación del color nos permite ver los impulsos o imágenes en colores. Para poder realizar esto el cerebro se apoya en unas proteínas ubicadas dentro de el, las cuales son conocidas como centros del tinte las cuales realizan la capacidad de percibir el color como es, pero ya que tenemos en dos partes el cerebro las cuales son el lado sensible podemos percibir de dos formas el color.

Estas formas son el color es en realidad un color y lo podemos asociar con algún sentimiento o sensación que nos recuerde algo.

Esto se debe a que como el cerebro es uno solo no podemos separar una acción racional de una sentimental. Para poder comunicar dichas sensaciones y colores se necesita un lenguaje especial el cual será conocido como lenguaje cromático.

LENGUAJE CROMÁTICO

Ya que existen diferentes tipos de lenguaje los cuales nos permiten comunicar diferentes cosas se necesitaba uno que pudiera comunicar el color.

Los diferentes tipos de lenguajes que existen son el pictórico, musical, corporal, cromático, escrito y otras más pero estos se diferencian por dos aspectos, existen unos que no contienen una estructura y otros con estructura, pero existen los que son mixtos, como el lenguaje musical, pictórico y otros.

Para poder estudiar dicho lenguaje existe la semiológica y la semántica estas dos se encargan del estudio del lenguaje como recurso de la comunicación.

Con estas dos estructuras podemos explicar mejor el lenguaje cromático ya que estas posen la clave para descifrarlo, esto se debe a que si todo se basa en signos y símbolos estos pueden ser representados de diferentes formas.

Por tal motivo se sabe que un signo es lo que es nada más es lo que esta hay y los símbolos son los que ya nos comunican algo, una idea.

Existen los códigos, los cuales son un conjunto de signos que tienen un significado y un significante o como lo llamaría Ecco, un contenido y una expresión.

Dicho contenido y expresión se pueden cambiar para dar a conocer diferentes ideas o sensaciones en las personas que las observan de la cultura de dichas personas.

Como todo el lenguaje se basa en una estructura lingüística para la cual todo sonido tiene una representación gráfica se separa en tres diferentes niveles los cuales son la sintaxis y la semántica. Las cuales son estudiadas por la retórica que es el arte de persuadir a las personas a través de figuras que son un total de 64.

Con esto todo el lenguaje no escrito y no verbal puede ser estudiado gracias a las figuras retóricas.

SINTAXIS DEL COLOR

En la sintaxis del color existen dos partes muy importantes, son la armonía y el contraste en el aspecto visual.

Partes de la armonía:

Equilibrio

Comunión

Orden

Constante

Simétrica

Partes del contraste:

Desequilibrio

Desorden

Contrario

Asimétrico

El contraste rompe con el equilibrio y da un movimiento visual y con el equilibrio no se consigue ese movimiento visual de la misma forma pero se cree que este es la cuarta dimensión.

No existe una simetría real en el color ya que este lo utilizamos para expresar cosas.

En este concepto existen dos partes muy importantes las cuales son la tricromía por familia de color y la de analogía la de familia es para los colores secundarios y la de analogía es para cualquier color.

Cuando movemos el paradigma en una imagen modificamos el sintagma en el lenguaje.

SEMÁNTICA DEL COLOR

La semántica del color se divide en significado y significante, uno de estos es connotativo y el otro denotativo, el connotativo que es cuando uno mismo le da

un significado o su propia interpretación es el significante y el denotativo es el que ya tiene un significado es el significante.

Como ya se mencionó la sintaxis son los signos y los códigos del lenguaje y la semántica es la forma en la se acomodan dichos códigos para poder ser entendidos por muchas personas.

Como se utilizan diferentes códigos y signos en nuestro mundo se necesita tener un código que sea casi universal.

Esta podría ser el del color ya que es el más empleado y conocido por todos ya que este tiene su propia forma de usar el cual es la prismática que es la forma de usar los colores y con esto articular un lenguaje coherente y el cual puede ser entendido por muchas personas.

Ya que una de las formas con la que sabemos algunas cosas es por medio de la intuición la cual puede ser connotativa y empírica.

SINESTESIA

El color en el gusto

Para la sensibilización gusto color se utilizaron dos elementos que pertenecen al sistema espectral, el salado que está representado por el amarillo, verde que representa el ácido del producto ya que el componente principal de los Fritos son de sal y limón.

Así expresamos cromáticamente las sinestesias obtenidas a partir de estos sabores sentidos.

El color del movimiento

En la sensibilización movimiento color expresamos cromáticamente movimiento curvilíneo, y movimiento ondulatorio en el logotipo del producto, así como en los limones y Fritos.

La sugerencia táctil del color

La expresión cromática se refiere en este caso a los colores blando, calido y pesado, representado por el amarillo y el verde, y así se emplearon estos calificativos para designar las sugerencias que obtenemos de los signos cromáticos al efectuar la lectura háptica.

Aroma y color

La sistematización que aquí emplearemos será la de Piésse, por lo que los elementos que se utilizaron para la sensibilización serán representados en el rojo canela, que se utilizó en el fondo del logotipo que representa el limón.

Colores primarios:

Se considera color primario al color que no se puede obtener mediante la mezcla de ningún otro. Este es un modelo idealizado, basado en la respuesta biológica de las células receptoras del ojo humano (conos) ante la presencia de ciertas frecuencias de luz y sus interferencias, y es dependiente de la percepción subjetiva del cerebro humano. La mezcla de dos colores primarios da origen a un color secundario.

Base biológicaLos colores primarios no son una propiedad fundamental de la luz, sino un concepto biológico, basado en la respuesta fisiológica del ojo humano. Fundamentalmente, la luz blanca es un espectro continuo delongitudes de onda, lo que significa que en realidad puede existir un número indefinido de colores, solamente limitado por la sensibilidad del ojo. Sin embargo, un ojo humano normal sólo contiene tres tipos de receptores, llamados conos L, M y S. Estos responden a longitudes de onda específicas de luz roja, verde y azul. Las personas y los miembros de otras especies que tienen estos tres tipos de receptores se llaman tetracrómatas. Aunque la sensibilidad máxima de los conos no se produce exactamente en las frecuencias RVA, se eligen estos colores como primarios puesto que con ellos es posible estimular los tres receptores de color de manera casi independiente, proporcionando una gama especialmente amplia.Para generar rangos de color óptimos para otras especies distintas a los seres humanos se tendrían que usar colores primarios aditivos diferentes. Por ejemplo, para las especies conocidas como tetracrómatas, con cuatro receptores de color distintos, se utilizarían cuatro colores primarios (como los humanos solo pueden ver hasta 400 nanómetros (violeta), pero los tetracrómatas pueden ver parte del ultravioleta, hasta los 300 nanómetros aproximadamente; este cuarto color primario estaría situado en este rango y probablemente sería visto como un magenta espectral puro, en lugar del magenta que vemos, correspondiente a una interferencia entre las longitudes de onda del rojo y el azul). Muchas aves, insectos y marsupiales son tetracrómatas, y según algunos estudios se ha sugerido que algunas mujeres también heredan esta capacidad de visión,1 2 puesto que poseen receptores adicionales para el amarillo. Por otro lado, la mayoría de los mamíferos poseen solo dos tipos de conos receptores de color, y por lo tanto son dicrómatas; para ellos,

solo hay dos colores primarios, de la misma manera que sucede con las personas que tienen el defecto genético que ocasiona el daltonismo en sus distintos grados, en el cual los conos L y M se desarrollan de manera incorrecta e impiden la percepción de matices de rojo y verde.

Los colores primarios en la luz (RGB)

Colores primarios y secundarios según el modelo de mezcla aditiva

La tríada rojo - verde - azul, conocida también como RGB (Red, Green, Blue) o RVA (en español) se considera idealmente como el conjunto de colores primarios de la luz, ya que con ella, se pueden representar una gama muy amplia de colores visibles; la mezcla de los tres en iguales intensidades (adición) resulta en grises claros, que tienden idealmente al blanco.En la síntesis aditiva, la mezcla de los colores primarios ideales da los siguientes resultados: Verde + azul = Cian Rojo + azul = Magenta Rojo + verde = Amarillo Rojo + azul + verde = Blanco

Colores primarios en el pigmento (CMYK

Colores primarios y secundarios según el modelo de mezcla sustractiva

En la síntesis sustractiva, los tres colores primarios son la tríada cian - magenta - amarillo, conocidas igualmente por sus siglas CMY (del inglés Cian, Magenta, Yellow y Black); su mezcla en partes iguales (sustracción) da origen a tonalidades grises oscuras, las cuales tienden -en el modelo ideal- al negro. La mezcla de los colores primarios da los siguientes resultados ideales en la síntesis sustractiva: Magenta + amarillo = Rojo Cian + amarillo = Verde

Cian + magenta = Azul Cian + magenta + amarillo = Negro

Colores secundarios:

Los colores secundarios son tonalidades perceptivas de color, que se obtienen mezclando a partes iguales los colores primarios, de dos en dos. Los colores secundarios son un modelo idealizado, plenamente dependiente de la fuente que represente el color, de la naturaleza del material que lo genere y de las características subjetivas de la percepción visual.

Los colores secundarios son creados cuando los colores primarios se mezclan. La intensidad del color secundario que obtendrás depende de las proporciones usadas al mezclar los tonos primarios. Rojo y amarillo producen naranja, rojo y azul producen púrpura, y amarillo y azul producen verde. El conocimiento de colores primarios y secundarios es esencial, específicamente en proyectos artísticos. Los artistas usan colores mezclados para pinturas, los diseñadores confían en la rueda del color para crear nuevos productos, y los químicos analizan el espectro de colores secundarios en laboratorios.

con el color primario al que complementa se obtiene un nuevo color menos saturado con tendencia al gris o al marrón.

Cuáles son los colores secundarios La teoría del color moderna distingue entre colores luz y pigmento. Estos modelos de color, al igual que cuentan con diferentes primarios, tienen distintos secundarios:

Colores secundarios luz (Modelo RGB): Cian, magenta y amarillo. Leer más sobre los colores luz.

Colores secundarios pigmento (Modelo CMY): Naranja, verde y violeta. Leer más sobre los colores pigmento.

Cómo hacer colores secundarios?

Como se menciona anteriormente, los colores secundarios se producen a partir de la mezcla de dos colores primarios. Además de caracterizarse por tener colores primarios y secundarios distintos, los colores luz y pigmento se comportan de manera distinta cuando se mezclan.

La mezcla de colores pigmento se denomina síntesis sustractiva porque a medida que se mezclan los colores primarios el color resultante pierde luminosidad.

Modelo CMY (colores pigmento):

Naranja = Amarillo + Magenta

Verde = Cian + Amarillo

Violeta = Magenta + Cian

El caso de los colores luz es justo el contrario: A medida que se mezclan los colores primarios el color resultante es más luminoso, por eso se denomina síntesis aditiva.

Modelo RGB (colores luz):

Cian = Azul + Verde

Magenta = Rojo + Azul

Amarillo = Verde + Rojo

En la teoría del color tradicional, considerada obsoleta e incorrecta en la actualidad desde el punto de vista teórico y práctico, no se distinguía entre colores luz y pigmento. El modelo de color RYB era el dominante y sus colores segundarios eran los mismos del modelo CMY: naranja, verde y violeta. El problema es que en la práctica es imposible formar algunos de sus colores secundarios a partir de la mezcla de sus colores primarios

Colores terciarios:

Los colores terciarios: es un contenido básico de la teoría del color que todo

profesional de las artes visuales debe dominar. De este modo podrá aplicar

estos conocimientos a la hora de mezclar y combinar colores en sus proyectos.

Se denomina color terciario (o intermediario) a aquel color obtenido de la

mezcla de un color primario y uno de sus colores secundarios adyacentes.

En un círculo cromático de doce colores se obtienen seis colores terciarios de

la mezcla de tres colores primarios y tres colores secundarios. Los colores

terciarios se sitúan entre los colores que intervienen en su mezcla a una

distancia equidistante entre sí.

Cómo hacer colores terciarios y cuáles son ?

Según la teoría del color moderna, los colores terciarios pigmento de un círculo

cromático de doce colores son:

Amarillo + verde =  Verde pistacho

Amarillo + naranja = Amarillo huevo

Magenta +naranja = Rojo

Magenta + violeta = Morado

Cian + violeta = Añil

Cian + verde = Azul turquesa

También se pueden denominar con nombres descriptivos. Por ejemplo, el verde pistacho es sinónimo de amarillo verdoso o verde amarillento; amarillo huevo es lo mismo que amarillo anaranjado o naranja amarillento, etc.

Colores cuaternarios:

Son los que se obtienen mediante la mezcla de los terciarios entre sí: rojo terciario + amarillo terciario da un naranja neutralizado, amarillo terciario + azul terciario da un verde muy neutro (verde oliva) y rojo y azul terciario da un violeta neutro parecido al de la ciruela.

El círculo cromático:

Se denomina así, a una tabla de colores pigmento (con los que trabajamos nuestras pinturas). Encabezando la lista tenemos los PRIMARIOS, el

AMARILLO puro, siguiendo el orden de las agujas del reloj continúan 3 secundarios obtenidos de mezclar el amarillo con el MAGENTA, otros 3 secundarios del MAGENTA con el AZUL CYAN, y otros 3 secundarios de éste con el AMARILLO. Además de la división en dos semicircunferencias de cálidos y fríos (ver éstas páginas). También nos ofrece el conocimiento de los COLORES COMPLEMENTARIOS, por ejemplo, el complementario del Amarillo estaría en el extremo diametral, es decir, sería el Violeta.

El círculo cromático se usa en la clasificación de los colores. Se denomina círculo cromático al resultante de distribuir alrededor de un círculo los colores que conforman el segmento de la luz. Según Goethe, en su libro Teoría de los colores de 1810, de carácter más cercano a lo filosófico que a lo científico, los colores en un círculo cromático son seis: amarillo, anaranjado, rojo, violeta, azul y verde, lo que dio paso al Modelo de color RYB, que a pesar de ser un modelo arcaico e impreciso sigue enseñándose en las artes gráficas a pesar de presentar serios inconvenientes en la composición de color; un modelo más exacto surgió tras la aparición de la fotografía en color y basado en los estudios de Newton sobre la luz, que se utiliza en la producción industrial de color, con mayor precisión en la representación cromática, y del que se derivan los modelos RGB y CMYK, en el que los colores son: amarillo, rojo, magenta, azul, cian y verde. La mezcla de estos colores puede ser representada en un círculo de 12 colores, haciendo una mezcla de un color con el siguiente y así sucesivamente se puede crear un círculo cromático con millones de colores.

El hexagrama es una estrella que se coloca en el centro del círculo cromático. La cantidad de picos que tenga depende de la cantidad de colores que haya. Esta estrella muestra los colores complementarios.

Según el (Modelo aditivo de color), los colores luz opuestos en el círculo cromático1 son aquellos que se encuentran uno frente al otro.

El amarillo es el color opuesto al azul.

El magenta es el color opuesto al verde.

El cian es el color opuesto al rojo.

Según el modelo moderno de mezclas de pigmentos (Modelo sustractivo de color) existe reciprocidad aproximada entre el modelo de color RGB y el Modelo de color CMY; por lo tanto, los colores opuestos son:

El rojo es el color opuesto al cian.

El verde es el color opuesto al magenta.

El azul es el color opuesto al amarillo.

Según el obsoleto modelo de color RYB, utilizado aún en artes visuales y diseño, los colores pigmento opuestos son:

El azul es el color opuesto al naranja.

El rojo es el color opuesto al verde.

Círculo cromático con degradado.

El amarillo es el color opuesto al violeta.

Y así sucesivamente con todos los colores, como podría ser el azul verde (verde mar) o el rojo naranja.

Dato importante para saber: los colores cálidos como el rojo, anaranjado, entre otros, se encuentran al lado izquierdo del círculo cromático. Los colores fríos (azul, verde, verde azuloso, etc.) se encuentran al lado derecho del círculo.

El blanco y el negro podrían considerarse opuestos, pero nunca colores y por lo tanto no aparecen en un círculo cromático, el blanco es la presencia de todos los colores y el negro es su ausencia total.

Sin embargo el negro y el blanco al combinarse forman el gris, que también se marca en escalas. Esto forma un círculo propio llamado "círculo cromático en escala a grises" o "círculo de grises".

Esta tríada de colores no es la generadora de la infinitud de todos los colores posibles de ser percibidos por el ojo o factibles de usarse en las artes gráficas, ya que permite una finita cantidad de subdivisiones. De esta tríada, por ejemplo, no pueden obtenerse los colores llamados "pasteles" que son los que tienen agregado de blanco en diferentes proporciones.

Atributos del color

Todos los matices o colores que percibimos poseen tres atributos básicos:

Matiz: También llamado por algunos "croma", es el color en sí mismo, es el atributo que nos permite diferenciar a un color de otro, por lo que podemos designar cuando un matiz es verde, violeta o anaranjado.

Luminosidad ó Valor: es la intensidad lumínica de un color (claridad / oscuridad). Es la mayor o menor cercanía al blanco o al negro de un color determinado. A menudo damos el nombre de rojo claro a aquel matiz de rojo cercano al blanco, o de rojo oscuro cuando el rojo se acerca al negro.

Saturación: Es, básicamente, pureza de un color, la concentración de gris que contiene un color en un momento determinado. Cuanto más alto es el porcentaje de gris presente en un color, menor será la saturación o pureza de éste y por ende se verá como si el color estuviera sucio u opaco; en cambio, cuando un color se nos presenta lo más puro posible (con la menor cantidad de gris presente) mayor será su saturación. En caso de que se mezclen los colores opuestos en el Círculo Cromático se obtienen grises opuestos a la saturación, a lo que se le llama Neutralización.

El grado en que uno o dos de los tres colores primarios RGB (esta clasificación es referente a los colores básicos en la composición luminosa de una pantalla informática R=Red, G=Green, B=Blue, con los que se componen por medio de adición lumínica, distinta a la clasificación de los colores básicos o primarios de la pintura, en la que se mezclan por adición de pigmentos matéricos o físicos) predominan en un color. A medida que las cantidades de RGB se igualan, el color va perdiendo saturación hasta convertirse en gris o blanco.

PINTURAS ORGÁNICAS

El pensamiento lógico es, ante todo, una forma ordenada de expresar nuestras ideas y es, precisamente, esa expresión ordenada la que puede llevarnos al convencimiento de que tenemos razón. Cuando se usan expresiones como “parece lógico” o “no es lógico”, o “carece de toda lógica”, nuestro deseo es comunicar a otras personas que, en nuestra opinión, lo que ha ocurrido se corresponde (o no) con nuestras expectativas sobre lo que se podía esperar: lo ocurrido sigue (o no sigue) un orden. Pensar lógicamente es, ante todo, obtener nuevas ideas, a partir de ideas existentes, siguiendo unas reglas precisas. Esto es: razonar. Razonar es conducir el flujo de nuestras ideas siguiendo un orden preciso, fijado por las reglas que configuran el sistema lógico adoptado. En consonancia con lo anterior, el razonamiento o inferencia, es un producto del pensamiento lógico.

El pensamiento analógico busca permanentemente similitudes entre cosas y situaciones que aparentemente son diferentes, y busca diferencias entre cosas y/o situaciones que aparentemente son similares. El pensamiento analógico es un componente esencial en muchas actividades humanas, especialmente en las actividades relacionadas con el aprendizaje académico y/o profesional. El pensamiento analógico es el modo de pensamiento que hace de la búsqueda permanente de analogías, de comparaciones, su razón de ser. Pensar analógicamente es ordenar nuestras ideas de tal modo que podemos establecer comparaciones entre ellas y, de este modo, lograr que una parte de la realidad actúe como metáfora o como modelo de otra

Relaciono estos dos conceptos con la creatividad, el arte y la infancia, de la siguiente manera: durante las diferentes etapas de la infancia, un ser humano desarrolla su nivel de creatividad, gracias a diferentes estímulos provenientes de su entorno, desarrolla a su vez el pensamiento analógico al formular todos los interrogantes que un niño se plantea: por qué esto, por qué aquello, como es esto, etc, etc, comenzando a razonar, a comparar, a aprender conceptos y demás; desarrolla el pensamiento lógico creando ideas, creando sus propios juegos, razonando;

Todo lo anterior a su vez contribuye al desarrollo artístico ya que dicha creatividad y pensamiento originan las diversas expresiones del arte que son expresadas por el ser humano.

Los tintes orgánicos en la región Ubatense:

Se consultó a una mujer emprendedora ubatense quien ha desarrollado diversos programas culturales relacionados con los tejidos en materiales orgánicos como la lana de oveja, el fique, el cuero, et, etc, resaltando el turismo en Ubaté y Cucunubá como lo es la Diseñadora Luz Ángela Cortés. Hay diversas maneras de hacer tintes orgánicos con diferentes plantas de nuestra región: el eucalipto, el tomate, la acacia, etc, etc,; La planta que se utilice debe llevar un proceso determinado en el cual influyen diversas características como son el material de la vasija que se utilice, la temperatura, la parte de la planta que se emplee, el tiempo de cocción, entre otros. Se obtiene así una gran diversidad de colores los cuales son empleados para de manera natural tinturar lana, fique, entre otras fibras naturales y sintéticas.

Existen dos tipos de pigmentos naturales: orgánicos e inorgánicos. Los pigmentos orgánicos provienen de plantas y animales. Los pigmentos inorgánicos se elaboran con tierras y minerales. Según su origen tienen diferentes métodos de extracción.

Algunos colores de origen curioso son:

 Índigo: uno de los pigmentos más conocidos, utilizado para teñir telas. Es el color que da el azul a los jeans. Este pigmento se obtenía de la planta del mismo nombre, Indigoferatinctoria, cultivada en la India desde tiempos antiguos. En la América colonial fue común su elaboración. 

El  proceso artesanal tiene varios pasos: macerar las hojas de la planta y dejarlas en un recipiente con agua para que se fermenten. Después de unos días se revuelven y se dejan reposar de nuevo para que el sedimento quede en el fondo del recipiente. Para terminar, se filtra y seca.

   Amarillo indio: pigmento que también tiene su origen en la India. Para realizarlo, se recogía y calentaba orina de vacas que habían sido alimentadas con hojas de mango. Se dejó de producir de esta manera hace más de 100 años.

   Carmín: es un pigmento rojo que se obtiene pulverizando el insecto llamado cochinilla (Dactylopiuscoccus). En Perú y México se procesa tradicionalmente desde hace cientos de años. Los incas lo usaban para teñir algodón y alpaca, en la actualidad se utiliza para dar color a lápices labiales, caramelos, helados y pinturas. 

Las hembras de esta especie de insecto se cultivan en pencas y cactus. Cuando están en el

estado apropiado, se recogen y secan al sol. Luego se cocinan en agua para separar la sustancia de la que se obtiene el color: el ácido carmínico.

 Negro de humo y negro hueso: estos dos pigmentos se obtienen desde la prehistoria y la época romana respectivamente. El negro de humo es un polvo que se elabora con el hollín producido al quemar aceites y grasas. El negro hueso, como su nombre lo dice, se obtiene calcinando o quemando huesos, como los cuernos de algunos animales.

   Siena natural: tierra natural de color amarillo que contiene hierro y manganeso. Su nombre se deriva de la ciudad de Siena, en Italia, donde se obtenía el material. Así como otras tierras y minerales de color, este pigmento solo necesita pasar un proceso de secado y pulverizado para producir un fino polvo apto para la pintura.

LA CRAYOLA

La compañía fue fundada en Nueva York en 1885 como Binney& Smith por los primos Edwin Binney y C. Harold Smith. Los primeros productos fabricados por los primos fueron colorantes para uso industrial, incluyendo pigmentos de óxido rojo y carbón para darle su distintivo color negro a las llantas de los automóviles.

En 1900 la empresa añadió a su paleta de productos lápices para pizarra, lo que los llevó a experimentar con materiales industriales como cemento, pizarra y talco. Gracias a estos experimentos lograron inventar la primera tiza blanca inodora, con la cual ganaron la medalla de oro del St. Louis World'sFair de 1902.

En 1903 Binney& Smith inventó los primeros crayones aptos para niños, los cuales los vendió bajo el nombre de "Crayola". Alice Binney, la esposa del fundador y antigua profesora de escuela, fue quien salió con el nombre, el cual proviene del francés "craie" (tiza) y "ola" (oleoginoso). Los crayones de ese entonces eran hechos de cera, con colores opacos y se usaban principalmente en la industria.

La empresa ha sido desde 1984 una subsidiaria de HallmarkCards y en 2007 cambió definitivamente su nombre a "Crayola", después de declarar que la marca "Crayola" es reconocida en más de 80 países y en el 99% de los hogares estadounidenses.

Las oficinas principales de Crayola se encuentras en Easton, Pennsylvania y el "Crayola Factory", a poca distancia de la planta principal, se encuentra abierta para niños de todas las edades. El museo interactivo permite observar el proceso de producción de los crayones y además hay un "salón de la fama" con colores entrenados.

Los crayones de la empresa Crayola vienen en una gran variedad de empaques, comenzando por dos, pasando por 100 de hasta 800 crayones por caja, los cuales a veces incluyen también crayones con "efectos especiales", tales como brillo, color visible en la oscuridad, neón, etc.. Los tamaños más comunes son aquellos múltiplos de ocho: 16, 24, 32, 48, 64, 72, 80, 96 y 120 por empaque con crayones de colores diferentes. Esto hace que la cantidad de colores fabricados sea inmensa y los nombres para los colores son por lo general muy creativos y objeto de culto entre algunos niños y adultos. El color más popular es el azul, el cual es producido en seis tonalidades diferentes además de los colores primarios secundarios y terciarios He aquí los colores de las cajas de 8, 16, 24, y 32:

caja de 8 caja de 16 caja de 24 caja de 32

Rojo Rosado Clavel Rojo violeta Melón

Naranja Rojo naranja Escarlata Castaña

AmarilloAmarillo Naranja

Dandelion Durazno

Verde Amarillo verde Verde amarillo Azul Cadete

Azul Azul verde Cerulean Azul Cielo

Violeta púrpura Azul violeta Indigo Glicina

Café Rojo violeta Albaricoque Bronceado

Negro Blanco Gris Madera Lobo

Materiales y proceso técnico de elaboración. Contexto: diseñar crayolas con elementos de la región.

El crayón o lápiz de color es una barra hecha de cera, carboncillo, tiza u otros materiales que se presenta en diferentes colores y que sirve para escribir, dibujar y colorear. Un crayón fabricado con resina seca y pigmento se denomina pastel y cuando está hecho de tiza oleosa, recibe el nombre de pastel al aceite, que son muy populares para realizar ilustraciones en color.

PASOS PARA ELABORAR UN CRAYON:

1. DerretirPrimero, la fábrica se tiene que surtir de parafina sin color. Dos veces por semana algunos camiones llegan para cargar los calentadores llenos de vapor para que se produzcan más de 100,000 libras de cera.2.Mezclar

De los calentadores, la cera que se produce pasa a través de tubos hacia las mezcladoras. Los operadores le agregan aditivos para que agarre color. Según el color es la cantidad de pigmento que se le agrega; el negro es el que más necesita.3. DerramarUna vez que la cera tiene color, el líquido se derrama sobre un metal enfriador que desemboca en un molde con 110 cavidades en forma de crayola. Una vez en las crayolas, un brazo robot las lleva a ser etiquetadas.4. EtiquetarLas crayolas pasan a un gran tubo de metal en donde son marcadas dependiendo del color, y se les agrega adhesivo. La cera de colores entonces se traspasa a las cajas inventariadas.5. EmpaquetarLos colores básicos se empacan todos los días, pero algunos de los más exóticos, o alguno edición especial, tienen que esperar a que se haga un empaque mucho más grande. Los operadores llenan de crayolas las máquinas para que un brazo robótico las ponga en la caja correspondiente.6. EscanearPor último, un láser imprime un código a las cajas, y un detector de metal se asegura de que no haya nada en las cajas más que crayones.

Los pequeños que realizan actividades artísticas desde la primera infancia obtienen diversos beneficios físicos y emocionales. Fomentar el arte en la infancia no significa crear pintores o bailarines, sino dar estrategias que formen seres humanos con más capacidad para desenvolverse socialmente. “Es decir, observar el mundo de una manera diferente que le va a permitir proponer y generar ciertos recursos, para hacer evidente su sensibilidad.

La buena crianza no significa solamente imponer normas y disciplina, sino brindar herramientas para un sano desarrollo emocional y físico, pues de los 0 a los 5 años el tejido neuronal de los pequeños se está formando y “por medio del arte se potencia y se generan redes más fuertes en el cerebro”.

Además de estimular sus capacidades intelectuales, el arte es una forma de comunicación entre padres e hijos. Lina María Idárraga, pedagoga escolar especialista en artes escénicas para niños, asegura que a través de la pintura, los dibujos, los juegos con plastilina o, incluso, el baile, los padres  pueden conocer lo que inquieta a sus hijos, pues “muchos se quejan de que en la edad preescolar no les hablan y responden a todo con monosílabos. Entonces se quedan sin saber cómo les fue en el colegio o qué comieron al almuerzo”. Pero si entran en un juego de interacción, confianza y diversión, se darán cuenta, a través de esas expresiones, lo que quieren averiguar de sus hijos.

El arte es una estrategia pertinente para la educación en todas las áreas. En la primera infancia se potencia el pensamiento creativo, reflexivo y crítico. Es una herramienta de aprendizaje que estimula la capacidad de crear e innovar.   Bruno Lázzaro, presentador del programa Artzooka, de Discovery Kids, asegura que el arte estimula todos los sentidos. “Te hace pensar con cada parte del cuerpo, porque, por ejemplo, si debes hacer una rueda de pintura, puedes probar con los pies; además, estás estimulando la visión. Si haces una máscara con sobras de desayuno, entonces también usas el olfato”. El arte puede hacerse de mil formas; cada niño lo interpreta a su manera.

La organización de un rincón en el que colocamos elementos para “jugar a que escriben” como papel, lápices, crayolas o tizas y una pizarra pequeña.

Escribir en la pizarra los pasos seguidos para confeccionar un juguete, o la preparación de un plato de comida, la planificación de un paseo, las instrucciones de un juego, etc.

La expresión plástica

Permite que los niños canalicen sus emociones, desarrollen su creatividad, expresen sus conocimientos y su mundo interior. Podemos ir incorporando en nuestra programación diaria el uso de diversas técnicas para que esta actividad siempre sea motivadora para los alumnos.

Por ejemplo, al tradicional dibujo con crayolas se puede incorporar la pintura, los modelados, los collages (composiciones de dibujos o recortes realizados individual o grupalmente) el recorte y pegado. Las actividades de expresión plástica deben tener un lugar y un tiempo en la programación diaria evitando usarla como un suplemento en caso de que nos sobre el tiempo.

En la expresión plástica también se ejercita la autonomía ya que los niños y las niñas deciden libremente lo que van a hacer. El trabajo puede ser individual o grupal; en el grupal, que es más frecuente en las secciones de cinco años, se desarrollan actitudes de compartir, aceptar, valorar, intercambiar, respetar el trabajo del otro, etc.

El dibujo es la experiencia que antecede a la escritura y que permite al niño ejercitar su coordinación motora fina. La evolución del dibujo comienza con el garabato al que siguen formas envueltas en garabatos, garabatos acompañados de explicaciones verbales, descubrimiento de la forma, conquista de la forma y dibujos figurativos.

La pintura es otra forma de expresión que permite la utilización de técnicas y materiales diversos. Las niñas y niños pintan utilizando:

Elementos: pincel, plumas, tizas, crayolas, rodillo, pitas, etc. Los dedos y las manos (dáctilopintura) Esponjas, hojas de plantas, sellos de papa y otros para hacer impresiones.

T écnicas diferentes para trabajar con los niños y niñas con el uso de la crayola:

Crayola Derretida con Escarcha Materiales:

CrayolasCartón o papelEscarchaDibujoEstufaRecipiente para calentar

Procedimiento: 1 Derretir la crayola al mismo tiempo con la escarcha.2 Una vez derretida, agregarla al dibujo.3 Dejar secar.

Destrezas y Habilidades

1 Ayuda al niño a desarrollar su motor fino.2 Ayuda al niño a darse cuenta que puede utilizar diferentes tipos de material.3 Ayuda en el mejoramiento de la percepción visual.

Crayola con Cascaras de Huevo

Materiales:

CrayolaSilicónCascaras de huevo

Procedimiento: 1 Colocar el silicón sobre el dibujo.2 Adherir pedazos de cascaras de huevo.

3 Dejar secar y luego colorear.

Destrezas y Habilidades 1 Ayuda al niño a desarrollar su motor fino.2 Ayuda al niño a darse cuenta que puede utilizar diferentes tipos de material.3 Ayuda en el mejoramiento de la percepción visual.

Crayola Derretida con el Dedo

Materiales:

CrayolaPapel BondVela y fósforos  Procedimiento: 1Enciende la candela, derrita la punta del crayón.2Dejar que gotee sobre el papel.3Luego con el dedo se va deslizando el crayón, derretido sobre todo el dibujo.

Destrezas y Habilidades 1Ayudarle al niño en su motor fino.2Ayuda a la percepción visual.3Ayuda a ver la diversidad de materiales que se pueden utilizar.4Desarrolla la creatividad del niño.

Deslizamiento de Colores

  Materiales:

CrayolaDibujoPapelOlla

Procedimiento: 1Derretir la crayola a baño María.2Colocar el dibujo sobre la olla.3Darle forma a la crayola derretida según el dibujo.

Destrezas y Habilidades

1Ayuda al niño a desarrollar su motor fino.2Ayuda al niño a darse cuenta que puede utilizar diferentes tipos de material.3Ayuda en el mejoramiento de la percepción visual.

Oleo GoteoMateriales:

Crayolas de diferentes coloresCandela, fósforosDibujoPapel

Procedimiento: 1Se calienta la crayola con la candela.2Se pinta el dibujo con la crayola derretida.

Destrezas y Habilidades 1Ayuda al niño a desarrollar su motor fino.2Ayuda al niño a darse cuenta que puede utilizar diferentes tipos de material.3Ayuda en el mejoramiento de la percepción visual.

LA PLASTILINA

La plastilina, plasticina o plastelina es un material de plástico, de colores variados, compuesto de sales de calcio, vaselina y otros componentes. Es una especie de arcilla sintética.

Fue inventada hace más de cien años por un inglés llamado William Harbutt. Su deseo era conseguir una masa tan suave y flexible como la arcilla, pero que no se endureciera. Finalmente, después de muchos experimentos, la consiguió combinando arcilla, pigmentos, cera y aceite en proporciones precisas. El invento fue todo un éxito y se publicó en 1897 el libro titulado Método para usar la plastilina en la escritura, el dibujo y el modelado en la escuela, que revelaba nuevos y llamativos usos para ésta materia.

Trabajaron con ella: Clayburn Moore, Norberto Salazar, Hugo González Mata, Ramón Mireles, Noé González, Alfredo Silva, José Ricardo Morales, Roger Pereira de Venezuela, Alina Álvarez y Edgar Humberto Alvarez de Colombia. Francisco Rangel, Claudia Alejandra Sánchez y Cinthia Patricia Pérez en Mèxico.

Esta técnica estimula:

El arte es una forma de comunicación entre padres e hijos. Estrategias que formen seres humanos con más capacidad para

desenvolverse socialmente Capacidad de abordar una serie de circunstancias que a veces nos

deshumanizan Incentivan el diálogo, la practicidad y el respeto por el entorno Aumenta la capacidad de expresarse Mejora su capacidad para concentrarse, facilita sus procesos de

lectoescritura, les permite fijarse metas a corto y largo plazo, y de paso los tranquiliza.

Experimentar como quieran y arriesgarse a hacer lo que su imaginación les indique”

Involucra aspectos esenciales en el desarrollo del niño, como la capacidad de concentración, fijarse metas a corto y largo plazo, facilidad con los procesos de lectoescritura, aprender más fácilmente y tranquilizarse en momentos de mucho estrés o que les exigen estar muy alertas.

TÈCNICAS

CARACOL:

Divertida manualidad para niños. Pueden hacer un pequeño jardín con más animales hechos de pasta de sal o plastilina. A los niños les encanta modelar con plastilina y esta manualidad les resultará entretenida y fácil de realizar. Pero, si quieres que se involucren todavía más en esta actividad para niños, pueden elaborar ellos mismos el material de la manualidad. Hacer pasta de sal es muy sencillo y... barato.

El niño despertará su interés por el mundo de los caracoles y descubrirá más sobre su fisonomía. Esta manualidad infantil despertará la creatividad de los más pequeños y les ayudará a desarrollar la coordinación motriz.

Materiales

o Pasta de sal o plastilina que se seca al contacto con el aireo Palilloso Pintura

Consejo: A partir de esta idea, deja que los niños desarrollen su imaginación y hagan un pequeño jardín con otros insectos o bichitos. Pueden pintarlos de colores llamativos y así realizar un original mundo animal.

Cómo hacer, paso a paso, caracoles de pasta de sal

1. Con la pasta de sal, haz una salchicha para el cuerpo del caracol, y una espiral para la concha.

 

2. Parte un palillo por la mitad y clávalo en un extremo del cuerpo del caracol, serán los cuernos

 

3. Pega la espiral al cuerpo del caracol.

 

4. Cuece los caracoles a 100 o 120 ºC durante 2 horas. Cuando se hayan enfriado píntalos.

MACETA DECORATIVA

Una idea original que gustará mucho a mamá y combina bienen cualquier estancia de la casa. Esta maceta decorativa es una manualidad infantil, que se realiza conpasta de sal o plastilina. Trabajar esta manualidad infantil tiene múltiples ventajas para los niños: le ayudará a adquirir agilidad en los dedos, desarrolla la creatividad, desarrolla la concentración y enseña a los niños a aprender a esforzarse para conseguir el objetivo que se desea.

Materiales

o Pasta de sal o plastilina que se endurece al contacto con el aire.o Un rodillo de amasar.o Palitos o brochetas de madera.o Pintura.o Un pincel.o Barniz.o Moldes de pastelería con figuras.o Pegamento.o Una maceta.o Popurrí aromático.

Cómo hacer, paso a paso, una maceta decorativa

1. Amasa la plastilina o la pasta de sal para ablandarla y forma una bola grande.

 

2. Extiende la bola con el rodillo. Corta figuras con moldes de pastelería.

 

3. Haz un agujero en la base de las figuras pinchando con la brocheta. Espera a que se seque o cuece al horno, a 120 ºC. Pinta las figuras y pégalas en las brochetas.

 

4. Pinta la maceta. Deja que se seque y barnízala. Pega una bola de pasta de sal o de plastilina en el fondo de la maceta.

 

5. Pinta el exterior de la maceta a tu gusto. Utiliza pintura esmaltada que da brillo y es más duradera.

 

6. Pincha las figuras en la maceta. Rellena con popurrí aromático o con flores secas para tapar la bola de pasta de sal o la plastilina.

Coco-frutero, manualidad infantil con piedras para reciclar

Un original centro de mesa con frutas apetitosas. Pero cuidado... ¡están un poco duras para comérselas! Esta manualidad infantil con piedras es divertida y sencilla para los niños. Podéis aprovechar un paseo al campo o excursión para recoger materiales de la naturaleza que luego emplearéis en la manualidad, así también aprenderán la importancia del reciclaje.

Con este simpático 'cocofrutero' ayudarás a tus hijos a desarrollar la destreza manual, y controlarán su movimiento realizando trabajos más precisos.

Materiales

o Piedraso Pintura (naranja, amarilla, marrón, verde, roja y blanca)o Pincelo Plastilina verdeo Tronquitos muy pequeñoso Colao Un coco

 

Cómo hacer un frutero decorativo con piedras pintadas

1. Selecciona piedras con formas que recuerden alguna fruta. Por ejemplo, peras, plátano, mandarinas o fresas

 

2. Pintar cada fruta de su color correspondiente: naranja para la mandarina, amarillo y marrón para el plátano, verde para las peras y rojo para las fresas, más los puntitos blancos cuando estén secas

 

3. Aplana un trozo de plastilina verde y marca el contorno de las hojas. Necesitas tres para la mandarina, dos medianos para la pera y una estrella de 6 o 7 puntas para cada fresa

 

4. Pega las hojas con un poco de cola en la parte superior de las frutas y clava un tronquito en el centro.

 

5. Parte un coco (debe hacerlo un adulto). Quita la parte comestible, limpia la cáscara y utiliza la mitad más bonita como frutero

SELLOS

Del latín sigillum, un sello es un utensilio con imágenes grabadas que, mediante la impresión de una tinta sobre una superficie, permite dar autorización o conformidad a una documentación o cerrar un pliego. Es habitual que la marca, que también se conoce como sello, se realice junto a una o varias firmas.

Sellos con hojas de plantas: Consiste en estampar utilizando la silueta como sellos seleccionando hojas secas de diferentes formas y con un pincel extender en ellas diferentes colores y presionarlas luego sobre papel o cartulina para obtener estampados de hojas.Sellos con verduras y legumbres: Consiste en tallar una figura deseada en verduras o legumbres firmes como papas y zanahorias, luego humedecer en pintura y sellar sobre una hoja blanca.Sellos con gomitas o foami: Necesitas rectángulos de cartón resistente o MDF sobre el cual dibujarás una figura, luego recortarás el foami en tiras muy finas y lo pegaras sobre la silueta de la figura dibujada, de igual forma se puede hacer con gomas.

Pintar con frutas es una manualidad para realizar con niños muy divertida y entretenida. La técnica que vamos a utilizar es muy sencilla, utilizaremos las frutas y verduras como si fueran un sello, estampando divertidos y originales dibujos tanto en papel como en cartulina.Las frutas que no vayáis a utilizar podéis utilizarlas para merendar, seguro que se la comen sin rechistar aunque en Pequerecetas ya os hemos dado muchas ideas para que los peques coman fruta.

¿Pintamos con fruta?

Para pintar con frutas necesitamos

Frutas y verdurasPintura al aguaPapel o cartulinaToallitas de papelCortamos la fruta o verdura, les pondremos pintura de colores, con las toallita de papel eliminaremos el sobrante y estamparemos igual que un sello sobre el papel o cartulina.Utilizaremos diferentes frutas y verduras, y las cortaremos de diversas formas ya que así obtendremos dibujos diferentes.Animaros a hacerlo en casa porque los peques se lo van a pasar bomba desarrollando su faceta artística, luego pueden decorar su habitación con los dibujos.

Los sellos son una herramienta pedagógica muy apreciada por los docentes, gracias a su carácter lúdico, práctico, simple y siempre divertido para los niños y niñas. El proceso de elaboración de los mismos desarrolla en ellos destrezas, creatividad y diferentes habilidades, motricidad fina, pensamiento abstracto, relación de concepto con imagen y con proceso, inteligencia artística, además de la ocupación de tiempo libre. Los sellos naturales son buenísimos a la hora de contribuir con la preservación del medio ambiente e innovar con ideas creativas y diferentes.

Proceso de elaboración de la tinta que se usará con los sellos:

Las anilinas vegetales son económicas y se consiguen en algunas droguerías, panaderías o almacenes para reposteros. Son colorantes para comidas que vienen en líquido o en polvo. Se pueden combinar con distintos materiales: masas hechas en casa, agua, arena, espuma de afeitar, entre otros y la intensidad del color varía de acuerdo a la cantidad que se use.

Pinturas Caseras

Para elaborar las pinturas caseras es mejor utilizar las anilinas vegetales. Éstas se preparan con fórmulas sencillas.

Por ejemplo, la pintura de masa:

Ingredientes

1 taza de harina o fécula de maíz

1½ taza de agua

Preparación

Se mezclan los ingredientes sobre un papel resistente y se agregan los colorantes. Esta receta se puede hacer con otros ingredientes de cocina o del jardín, como aceite, arena, colorantes, o pintando con vegetales de colores fuertes como la remolacha.

Fabricar sellos es una manera divertida y fácil de reproducir una misma imagen cuantas veces se desee. Simplemente se talla la imagen sobre el material escogido y se esparce la pintura sobre ésta. Explore alguna de estas alternativas y complemente las ideas con otras propias:

Para los sellos

Alimentos (papas crudas, zanahorias, cebollas, hongos, etc.)

Hojas secas, Manos y pies, Arcilla o esponjas, Esténciles en papel o cartulina con moldes de figuras n Talla de imágenes sobre madera delgada.

Todo en la cocina sirve para fabricar sellos: papas, manzanas, zanahorias y otros vegetales que muy bien pueden servir para hacer bonitos y originales sellos, con un poco de pintura acrílica o para tela de acuerdo a la

manualidad que se vaya a hacer, se pueden hacer sellos increíbles,comorosas,honguitos,corazones,estrellas etc, usualmente se pueden usar moldes de galletas y así marcar con facilidad los sellos que se quieran hacer para manualidades;

Se puede usar una col morada y hacer estos lindos sellos para una tarjeta de felicitación. Se corta la col morada y se pinta con un tampón de sello, también se puede usar pinturas acrílicas.

Sellos con forma de hojas, se usan papas , cortador en forma de corazón, pinturas acrílicas ,y se comienza paso a paso a hacer el sello de manualidades .

Se corta  la papa por la mitad y sobre el se pone el molde en forma de corazón ,si no se tienes el molde, se puede dibujar el corazón y con cuchillito tallar la forma del corazón.

Se moldea y se corta lo sobrante de la papa y se fija el corazón del sello. Se pone pintura acrílica sobre el sello y se procede a usarlo.

Se pueden hacer rosas y mucho más haciendo uso de vegetales y frutas las cuales se convertirán en lindos sellos para manualidades.

P a s o a p a s o :

Como hacer sellos para manualidades:

Materiales:Papa , molde de galletas, pinturas acrilicas, cuchillo

Se corta la papa por la mitad y pones sobre él , el molde de galleta , se presiona y se fijamos el molde para sacar el sello; ahora con cuchillo o cuter, se va quitando todo lo que sobra alrededor del molde.

Se pinta con pintura acrílica el sello:

 

Se aplica el sello en las manualidades:

 

Más ideas de cómo podemos usar verduras y hacer lindos sellos para manualidades:

CIBERGRAFÍA

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Teoría y práctica del color, Parramón José

El poder del ojo, Franc Juan

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