Cesc Gelabert y Lydia Azzopardi - Teatre Lliure · fi se adentra en esas pausas y aprovecha para hurgar al interior de la propia danza. Lo hace emprendiendo un paseo por el universo

Sense fi / Conquassabit

dirección artística

Cesc Gelabert y Lydia Azzopardi Gelabert Azzopardi Companyia de Dansa

www.teatrelliure.cat 2

Teatre Lliure: Montjuïc – Sala Fabià Puigserver: del 16 al 26 de abril

Sense fi / Conquassabit dirección artística Cesc Gelabert y Lydia Azzopardi Gelabert Azzopardi Companyia de Dansa

bailarines Júlia Corés / Cesc Gelabert / Virginia Gimeno / Robert Gómez / Elia López / Manon Greiner / Roman Guion / Salvador Masclans / Alberto Pineda / Charles Washington

coreografía Cesc Gelabert / espacio escénico Llorenç Corbella / iluminación Mingo Albir / sonido Quim Isern / edición musical y mezclas Borja Ramos / vestuario Lydia Azzopardi / asesor dramatúrgico Víctor Molina / música de Sense fi Pascal Comelade / concepto y selección musical de Conquassabit Cesc Gelabert / música de Conquassabit George Friederich Haendel

asistente del coreógrafo Toni Jodar / asistente invitada del coreógrafo Sarah Taylor / profesoras A. Lacalle, E. Maycas y A. Sánchez / director técnico Quim Isern / sastresa Georgina Misser / fotografía Outumuro / producción y distribución Maria Rosas / comunicación y coordinación Montse G. Otzet / contable Núria Feliu

y los equipos del Teatre Lliure

cooproducción Teatre Lliure / Gelabert Azzopardi Companyia de Dansa

con la col·laboració de Teatre Auditori de Sant Cugat / Auditorio del Palacio de Congresos de Huesca

Compañia Residente del Teatre Lliure subvencionada por la Generalitat de Catalunya, el Ministerio de Cultura – INAEM, el Ayuntamiento de Barcelona – ICUB y el Institut Ramon Llull

espectáculo sin palabras durada: 1h. 20’ con pausa incluida

Horarios: de miércoles a sábado a las 20.30h.

domingo a las 18h. Precios: miércoles día del espectador 12€

resto de días 19€ con descuento (excepto día del espectador) 15€


La compañía que dirigen Cesc Gelabert y Lydia Azzopardi presenta un programa con dos nuevas coreografías de Gelabert, que se podrá ver entre el 16 y el 26 de abril en la Sala Fabià Puigserver del Teatre Lliure de Barcelona. Se trata de dos coreografías independientes, las dos interpretadas por diez bailarines, entre las que hay Cesc Gelabert.

Sense fi, pieza que cuenta con música creada ex profeso para esta obra por Pascal Comelade, aparece como la inmersión en el laberinto de necesidades y anhelos de un personaje (representado colectivamente) con su propia expresión y su mundo original, a la salida del que espera regresar con aquel oculto hilo que le sirviera de guía. Por ello, la locución más usada por Cesc Gelabert al referirse a esta pieza es la de “viaje interior”.

El hilo conductor en esta profunda inmersión interior, bajando hasta la raíz de las cosas donde el personaje pueda identificar, afinar, definir, o encontrar el esplendor, se corresponde estéticamente al Primitivismo de Pascal Comelade. Si el Primitivismo de Comelade atesta un origen común de la música popular y culta, la inmersión endógena de Gelabert, la virtud de su viaje íntimo, indica un mismo origen de toda danza.

A Conquassabit, la segunda coreografía, Cesc Gelabert utiliza música de Haendel. Una pieza sobre la aceleración y la quietud que no recoge piezas íntegras de Haendel, si no que mezcla fragmentos vocales e instrumentales sometiéndolas al imperativo rítmico de un pulso creciente, de un acelerando rítmico. El tiempo se agita y acaba haciéndose migas y convertido en ráfagas: conquasabit tempus (« hará trozos el tiempo »). ¿Qué significa conquassabit? El sentido original de este verbo latín es «convulsión», «agitada y aceleración», pero con el paso del tiempo sólo significará «hacer trozos»

Víctor Molina


Sense fi La danza es continuidad, pero también interrupción, pausas, intersticios. Sense fi se adentra en esas pausas y aprovecha para hurgar al interior de la propia danza. Lo hace emprendiendo un paseo por el universo de un único personaje, pero sin caer en la tentación del Solo, el equivalente coreográfico del soliloquio. Porque Gelabert nos muestra cómo la menos escindida de las experiencias de su personaje se nutre de una plural y extraordinaria discordancia: entre el deseo y la memoria, entre ver y ser mirado, entre un paso y el eco que convierte lo singular en multiplicidad, entre una imagen y el juego de espejos que la cristalizan en reproducción sin fin. Por eso, Sense fi proyecta una oleada de figuraciones escénicas que expresan la constitución dispersa de su personaje, pero sin disipar si son ilusiones suyas o acontecimientos de su pasado, narraciones confidenciales o alusiones míticas.

Aunque nos proporciona un hilo conductor que nos ayuda a vislumbrarlo: es un testigo de sí mismo que en su progresivo desdoblamiento emprende una vía que se agota también en su propio deshacerse. Por eso al final de la pieza ese personaje se recoge sobre sí, como los gusanos que se cierran al ser tocados, pero con la experiencia acumulada y ante la inminencia de otra vuelta de tuerca en su peregrinaje.

Su movimiento y su errar -término que también expresa error- prosperan en mutua familiaridad. Pero así como la verdad disipa el error, agotándolo, el errar -en cambio- designa un impulso sin fin: la inagotable experiencia de lanzarse hacia algún lugar. Errar y error son eso: lanzarse. Y debemos recordar que etimológicamente baile quiere decir precisamente lanzarse o ser lanzado, origen también de metabolismo.

Sense fi es esto, un metabolismo continúo: un salir de uno a la búsqueda de uno mismo, ya sea hacia lo íntimo o hacia el mundo de los otros. Porque en sus salidas, el personaje se ve metabolizado en lo que Sócrates denomina el "deseo de alas", deseo de aprendizaje. Y así, incluso en los momentos en que los reclamos son totalmente exteriores y hasta cómicos, él los convierte en pluralidad interna. Es verdad que su metabolismo no sólo es inteligible, sino también sensible, y particularmente acústico (“desde el oído, el tiempo”) y visible (“desde el ojo, el espacio”).

Su baile y su metabolismo no se producen en ausencia absoluta del dolor. Y hay también en Sense fi amenazas latentes de infortunio. Por ello su personaje se ve obligado igualmente, no sin una vacilación interior, a afrontar estas temibles regiones nocturnas y las no menos temibles ansias -y dolores- de la


desnudez luminosa: de miedo infantil o de dolor amoroso. La escena en la que aparecen unos cubos de atracción lumínica nos ofrece, por ejemplo, uno de los momentos de debate entre el gesto y la imagen, entre la elisión y la presencia, entre el dolor y el amor.

Pero en cambio, en los silbidos que aparecen en esta pieza, unos silbidos que circundan el perímetro del mundo, se adivina también el eco de un canto renovador: el del pájaro de la experiencia, el del pájaro Martín Pescador (conocido en mitología con el nombre de Alción y en la taxonomía científica con el nombre de Alcedo atthis). Los dioses -explica el mito- otorgaron a Alción el don de transformar en beneficio incluso las experiencias de miedo; y en felicidad incluso aquello que aparece a mitad de la estación más triste, en el núcleo del mundo infecundo y doloroso.

Sense fi es una coreografía deslizante, epidérmica, paradójica y ligera, consciente de la inevitable ausencia de centros fijos de referencia biográfica o imaginaria. Posee un espíritu que fluye asiduamente sobre la espuma de los días y en los ciclos antagónicos de fuerza secuencial y caoscósmica (para utilizar el célebre término de James Joyce que une en un trazo caos y cosmos). Y lo hace porque, en ella, Gelabert señala la incertidumbre del mundo, reconociendo, sin embargo, los círculos del destino. Es una obra dubitativa, pero de ninguna forma negativa; es alegre, pero no despreocupada. Y en esta pieza se percibe que en los intersticios de la espera sin fin -en los intersticios del errar sin fin, que también podría ser el impulso sin fin del baile- es posible cierto acceso (indudablemente simbólico, naturalmente coreográfico) a lo Inaccesible.

Hay que recordar que la música es de Comelade. Y no nos sorprende que entre Cesc Gelabert y Pascal Comelade -que han colaborado ya en Zumzum-ka y Psitt!!, Psitt!!- puedan manifestarse coincidencias fundamentales que aquí se ven especialmente destacadas. En el trabajo de ambos hay un mismo tipo de fuerza primordial, un minimalismo no aséptico, una vocación contemporánea de comentario lúdico, un mismo "aroma zen", al cual no obstante han llegado por vías distintas. En ambos hay también una misma agilidad plural, no un continuum, sino una fragmentación múltiple e intimista, un mundo frágil y sintético, una disposición de alerta pero sin recelos, un mundo breve, y, sin embargo, perpetuamente enigmático. Una pareja en creativa complicidad.

Víctor Molina


Sobre la pieza Conquassabit

Conquassabit capita in terra multurum (“hará trozos las cabeza sobre las vastas tierras”)

Salmos de la Biblia

El célebre historiador del arte Heinrich Wölflin caracterizó el Barroco como “las formas del Renacimiento pero retorcidas”. La linealidad del Renacimiento afectada por el pathos del pliegue. La línea recta, tanto arquitectónica como mental, disuelta en el ornamento, en el exceso y la abundancia. En música, el pliegue ocasiona la Fuga, de la misma manera que en arquitectura genera la voluta. El mundo se convierte en escenario que habla de sí mismo, y la vida en representación. Y debido a que el Barroco acaba por convertirse en una época que se escenifica a sí misma, nuestra sociedad, en su exhibicionismo extremo, ha sido identificada como una modalidad "neobarroca". La diferencia esencial entre las dos épocas, sin embargo, es que un pliegue barroco gira sobre sí, pero mantiene una obertura; al no crear un círculo cerrado, permite una especie de alpinismo espiritual, como sucede en los pliegues que ocasionan el Ricercando, o la propia Fuga. En cambio, en nuestra época el pliegue se ha convertido en loop, en bucle que se cierra repetidamente, dando vueltas en redondo. Sin fin. Y en este tiempo nuestro, sin utopías ni discursos teleológicos, sólo podemos dar vueltas. “Caminamos en círculos de noche y somos consumidos por el fuego”, según la conocida sentencia de Guy Debord, el principal teórico de la Sociedad del Espectáculo: In girum imus nocte et consumimur igni. Efectivamente, damos giros en la oscuridad, pero lo hacemos cada vez más a la velocidad de la luz.

Uno de los motivos que lleva a Cesc Gelabert a utilizar a Händel en este Conquassabit –una pieza sobre la aceleración y la quietud– tiene que ver con esta deuda con el barroco de nuestro mundo y de su vocación auto-representativa. Y si no recoge piezas íntegras de Händel, sino fragmentos combinados, mezclando sus diferentes piezas vocales e instrumentales, es porque en aquellos fragmentos, igual que el tiempo del loop, se agitan y evocan sus temas, y se ven sometidos al imperativo rítmico de un pulso creciente, a un accelerando rítmico. El tiempo se agita y acaba haciéndose añicos y convertido en ráfagas: conquassabit tempus («hará trozos el tiempo»).

¿Qué significa Conquassabit? Un verbo especialmente presente en Lucrecio y en Cicerón -y prácticamente ausente en el resto de autores latinos- es este: Conquassare. Inicialmente indica “fuerte sacudida”, “conmoción”, “agitación creciente”, o “turbación que va siempre a más”. Pero después de Cicerón


(muerto en el 43 antes de nuestra era) no se vuelve a encontrar este verbo hasta que reaparece en la época de la Decadencia del Imperio Romano (prácticamente ya en el siglo V de nuestra época). Y si el sentido original del verbo Conquassare era “convulsión”, “sacudida y aceleración”, al final del Imperio ya sólo tiene el sentido de “hacer trozos”, que es como lo recoge Händel de los Salmos de la versión latina de la Biblia adoptada, no sin resistencias, por la Iglesia en el siglo V y oficializada por el concilio de Trento: Conquassabit capita in terra multurum. (“Hará trozos las cabeza sobre las vastas tierras”).

¿Y qué es lo que unifica estos trozos de tiempo? Dos cosas, según Gelabert. Por un lado una secuencia rítmica, su traslación rítmica propiamente dicha, y por el otro, sus grietas de quietud, su secreto de inmovilidad. Y precisamente en su giro rotatorio y traslaticio, la imagen de este Conquassabit temporal se asemeja a un huracán, a un tornado, a los ciclones. No sólo destruye aceleradamente como aquellos; también dispone y configura. Y su estructura, igual que la del huracán, afirma tres momentos o tres zonas compositivas: la de un tupido vendaval (un primer brazo de huracán) que puede absorber o destruir; la de un centro henchido de paz; y finalmente la de un segundo vendaval espeso (o segundo brazo de huracán) que expulsa o arrastra. Porque a diferencia de lo que se suele pensar, en el núcleo del huracán habita una cierta calma; en la médula de la tormenta, un sosiego; en el corazón del desasosiego, una lentitud. Se da el caso, en ciertos lugares situados en el eje de la línea traslaticia de un ciclón, que éste los sacude con violencia extrema, y de pronto los soplidos cesan como por encanto durante un tiempo (e incluso brillan los astros y las estrellas), para retomarse con la misma impetuosidad anterior, hasta que menguan y se pierden en la lejanía. En este intermedio de quietud se encuentra precisamente el vórtice del ciclón, el ojo del huracán. Por ello no es extraño que en nuestra época de extrema aceleración, Sten Nadolny (en su libro El descubrimiento de la lentitud), Milan Kundera (en su libro La lentitud) y Peter Handke (en la mayor parte de sus textos) descubran, igual que Gelabert en esta coreografía, el centro silencioso del tornado.

Al querer ofrecer una imagen dancística de su tiempo, Cesc Gelabert no puede evitar encontrarse con la paradoja de que el tiempo es invisible (un “ícono invisible”, dice Platón respecto al tiempo). Domenico De Piacenza, un tratadista italiano del siglo XV, ya apuntó esta paradójica relación entre la invisibilidad y la danza. En su obra Libro dell'arte del danzare, De Piacenza enumera los elementos constitutivos del arte de la danza: medida, memoria, agilidad, manera, dominio del suelo y… fantasmata. En un italiano poético, De Piacenza define fantasmata como una destreza gracias a la cual el bailarín, sumergido


en la movilidad plural de su cuerpo, se detiene cada cierto tiempo como si se hubiera vuelto de piedra. Es el momento en que el bailarín se convierte en imagen, dice De Piacenza; el momento –precisa– en que el tiempo aparece como imagen. Porque inmediatamente después, el bailarín se recupera y prosigue su baile. El punto de partida de De Piacenza es que una danza –el tiempo danzado– es más memoria que percepción directa, es fantasma de una invisibilidad. Pero la memoria no es posible sin "fantasmatas", sin la suspensión de las imágenes. Y De Piacenza, que también fue coreógrafo, define la danza precisamente como un acto que genera la suspensión del tiempo y del movimiento, pero con una interrupción cargada de tiempo. De un tiempo que es pura inminencia y pura memoria, nunca acontecimiento presente. Porque la danza -en su misma flagrancia- no tiene lugar cuando pasa, no ocurre cuando ocurre, sino en otro tiempo (en un "tiempo otro"), antes y/o después del marco temporal cronológico en el que se ejecuta.

Cesc Gelabert recurre también en Concuassabit al procedimiento de los fantasmatas. Y lo hace para acentuar una imagen del tiempo huracaneado, reconociendo en ella la acogida del anti-tiempo: la memoria y la quietud, que sin embargo son efectos de temporalidad. Y estos dos elementos, fantasma e invisibilidad, tiempo y anti-tiempo, se persiguen como el gato y el cascabel que lleva en la cola.

Víctor Molina


Gelabert Azzopardi Companyia De Dansa Desde Desfigurat (1985) Cesc Gelabert ha creado más de veinticinco obras para la compañía y varios solos para él. Gelabert-Azzopardi ejerce su actividad como compañía de danza contemporánea establecida en Barcelona y colabora con el Teatre Lliure de Barcelona desde 1987. A partir de 2003 se convierte en compañía residente del Lliure, en cuyo escenario presenta las nuevas producciones coproducidas por el mismo teatro.

Del año 1989 al 2003 ha sido también compañía co-residente del Hebbel Theater de Berlín, teatro que se convierte en un importante co-productor y socio para la compañía, permitiéndole realizar muchos proyectos e introduciendo las obras de Gelabert en Berlín.

Gelabert Azzopardi funciona como una estructura autónoma e independiente y recibe el apoyo y la financiación de la Generalitat de Catalunya, del Ayuntamiento de Barcelona y del Ministerio de Cultura español.

visión y objetivo

Gelabert, coreógrafo y solista, ha definido un estilo propio como resultado de su visión personal del movimiento. Utiliza conceptos adaptados y desarrollados para un bailarín sin que éste pierda su personalidad. A la hora de seleccionar los bailarines, contrata intérpretes de ámbitos diferentes que comparten una sólida formación técnica.

Cesc Gelabert hace hincapié en la autenticidad del movimiento y de la interpretación. Sus coreografías se inspiran y se basan en varios temas. Nunca cuentan una historia lineal. La compañía ha ido labrándose una gran reputación con los años, lo que le ha permitido llegar a un público muy amplio y variado. Su objetivo es hacer llegar la danza al mayor público posible sin renunciar a ofrecer un espectáculo de calidad.


premios

1983 Premi Nacional de Dansa de Catalunya.

1987 Premi Ciutat de Barcelona por Rèquiem de Verdi

1992/2003 becado por el DAAD (Deutsches Akademischer Austauschdienst) Berlín.

1994 En reconocimiento a su aportación artística, es galardonado por el Gobierno Español con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

1996 Premio Nacional de Danza, otorgado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

1997 Premi Nacional de Dansa de Catalunya otorgado a Gelabert-Azzopardi Cia. de Dansa por la Generalitat de Catalunya

1998 Medalla FAD-Foment de les Arts Decoratives, Barcelona.

2000 Premios Max de las Artes Escénicas por Zumzum-Ka como mejor espectáculo de danza y mejor coreografía.

2004 Festival Internacional de Edinburgo. Premio Arcángel de la crítica, que otorga el diario The Herald por Arthur’s Feet, Viene regando flores… y Glimpse

2005 Premios Max de las Artes Escénicas Mejor Bailarín Gelabert 2004.

2006 Premi Ciutat de Barcelona 2005 por Psitt!! Psitt!!

2006 Premios Max de las Artes Escénicas Mejor Bailarín Gelabert 2005.

2006 Premi FAD Aplaudiment Sebastià Gasch 2005-2006 a Lydia Azzopardi por el diseño del vestuario de Psitt!! Psitt!! y Caravan

2007 Premi Públics d’Arts Escèniques de Tarragona a Psitt!! Psitt!!-Viene regando flores desde la Habana a Morón como mejor espectáculo de danza presentado en Tarragona en el 2006.


Cesc Gelabert Es uno de los coreógrafos y bailarines más relevantes de la danza contemporánea española del momento. Un artista polifacético y comprometido con su tiempo, que ha contribuido a crear una cultura de la danza en nuestro país. Gelabert no se adhiere a ningún movimiento concreto y propone un estilo propio, una danza personal fruto de una larga trayectoria profesional y de una gran pasión. Sus coreografías parten de símbolos y referentes históricos y se caracterizan por un lenguaje claro y comprensible, donde cada gesto nace de una sentida intención.

Gelabert tiene una forma particular al moverse, una presencia cargada de intensidad y contención, de exactitud y poesía. La precisión y fluidez de sus movimientos, la expresividad de sus brazos y manos y la fuerza de su mirada, definen un bailarín de una elegancia muy sutil.

Cesc Gelabert estudia arquitectura e inicia los estudios de danza con Anna Maleras, incorporándose a su grupo, en el año 1969.

En 1972 Cesc Gelabert realiza su primera creación coreográfica. En 1973 crea su primer Solo y en 1977, forma su primer grupo de danza. Entre 1978 y 1980, es integrante activo de la comunidad dancística de Nueva York.

En 1980 inicia su colaboración con Lydia Azzopardi. En 1983, el gobierno catalán, le otorga el Premi Nacional de Dansa de Catalunya. En 1985, la producción del espectáculo Desfigurat, marca el inicio de una consolidada colaboración entre Gelabert Azzopardi, creando su propia compañía de danza.

Durante su larga trayectoria, Gelabert ha coreografiado, interpretado y colaborado en espectáculos de ópera, vídeo, teatro, cine y cabaret.

Gelabert ha creado solos para Mikhail Baryshnikov y David Hughes. Ha sido galardonado con varios premios, como la Medalla de Oro de las Artes Escénicas del Gobierno Español y Premios MAX como mejor bailarín masculino 2005, entre otros.


Lydia Azzopardi Después de completar sus estudios en la London Contemporary Dance School, desarrolla su carrera como bailarina e intérprete y colabora con varios coreógrafos, como Robert North, Jane Dudley, Bob Cohan y Ana Sokolow.

En calidad de maestra, enseña danza contemporánea en la Ópera de Zuric y en la escuela de Maurice Béjart, MUDRA, en Bruselas, donde figura como profesora residente. Imparte cursos de composición e improvisación en el Institut de Teatre de Barcelona y en varias ciudades de Europa.

En 1983, Lydia Azzopardi inicia su colaboración con Cesc Gelabert y actúan internacionalmente con su compañía, creada en Barcelona en 1985. Además de codirectora e intérprete, participa en calidad de diseñadora de vestuario y estilista en la mayoría de las producciones de la compañía.

También ha diseñado para la Komische Oper, el Balletto di Toscano, el Ballet Gulbenkian, y Mikhail Baryshnikov, para quien creó el vestuario del solo que Cesc Gelabert compuso para el bailarín.

Colabora en producciones de teatro, cine, vídeos y ópera, a la vez que imparte conferencias sobre diseño de vestuario para la danza. De forma esporádica, participa como intérprete en proyectos escénicos de otros creadores.

En el año 2006 gana el Premi Ciutat Barcelona y Premi FAD Aplaudiment Sebastià Gasch 2005-2006, por el diseño de vestuario de Psitt!! Psitt!! y Caravan.

Pascal Comelade

Compositor y pianista. El año 1983 funda la "Bel Canto Orquestra" y actúa por Europa y Japón. Ha grabado unos 30 álbumes. Ha trabajado para danza y teatro: Wings on rock - Bob Wilson, Paris 1998 / ZumZum.Ka - Gelabert – Azzopardi, BCN 1998 / Springman - R.Hondo, Tokyo 2000 /Resum de la historia del rocanrol amb Sergi Lopez, Salt 2003 /La plaça del diamant - Joan Ollé, BCN 2004 / ¡¡Psitt, Psitt!! - Gelabert Azzopardi, BCN 2005 / Blanco - F. Amat, BCN 2007. También para películas, entre otras: El eterno adolescente – Ceesepe, 1988 / No sex last night - Sophie Calle, 1995 / Viage a la luna - F. Amat, 1998 / L'illa de l'holandés - S.Monleon, 2000.

Ha colaborado con PJ Harvey, Robert Wyatt, Richard Pinhas, Jac Berrocal,Jaki Liebezeit (Can), Jean-Hervé Peron (Faust), entre otros.


Ha coproducido el disco de Jaume Sisa Visca la llibertat (2002) a Catalunya; ha colaborado con los músicos y cantantes Victor Nubla, Macromassa, Superelvis, Pau Riba, Toti Soler, Miquel Gil, Albert Pla, Jordi Batiste, Maria del Mar Bonet, Lluis Llach; y con pintores como Carlos Pazos, Frederic Amat, Perejaume, Max, Zush, entre otros.

Desde el año 1985 colabora con el poeta Enric Casasses (álbum La manera més salvatge - Discmedi - 2005) Ha realizado con el Museu del Joguet de Catalunya (Figueres) i KRTU la exposición PC i la seva orquestra d'instruments de joguina (2003/2004).

Discografía reciente: Psicòtic music'hall - Drac – 2002 Música pop - G3G – 2003 La filosofia del plat combinat - Discmedi – 2004 Espontex sinfonia - Discmedi - 2005Bar elèctric - G3G - 2007Mètode de rocanrol - Discmedi – 2008. Esta es su tercera colaboración con Gelabert Azzopardi.

Llorenç Corbella Se forma en la Escuela de Diseño Elisava y en el Institut del Teatre de Barcelona. Perfecciona sus estudios en el Piccolo Teatro de Milán, en el Teatre Lliure de Barcelona y con los escenógrafos Fabià Puigserver, Isidre Prunés y Montse Amenós. Ha sido profesor de taller de escenografía del Institut del Teatre, durante 10 años. Ha dirigido el Festival Internacional de Teatro de Tàrrega del 2003 al 2006. Ha diseñado la escenografía y/o vestuario para espectáculos de teatro como, entre otros, Peribañez, La visita de la vieja Dama, Tertra Baiza, Fedra y Mesura per Mesura, que recibió el premio de la Crítica de Barcelona a la mejor escenografía. Ha trabajado con directores como Calixto Bieito, Juan Carlos Pérez de La Fuente, Joan Ollé y Alonso de Santos.

Por el musical Guys and Dolls, producción del Teatre Nacional de Catalunya y dirección de Mario Gas, recibió el premio Max 1998 a la escenografía. Ha participado en numerosas óperas, zarzuelas y espectáculos teatrales que se han podido ver en teatros de España, como CDNE, CNTC en Madrid, Sevilla, TNC de Barcelona, Valencia y Almagro, y es un asiduo colaborador de la compañía Angels Margarit-Mudances de danza contemporánea.

Desde hace años mantiene una estrecha relación con el director de escena Emilio Sagi y ha colaborado en alguna de sus producciones como Carmen, Pagliaci, Barbero de Sevilla, Lucrecia Borgia, Forza del Destino, La Bruja, Battaglia Legnano, las cuales se han podido ver en el Teatro de la Zarzuela y Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Palacio Bellas


Artes de Ciudad de Méjico, New National Opera de Tokio, y teatros de Bilbao, Montecarlo y Bergamo.

Mingo Albir Después de unos años como técnico de luces y jefe de iluminación en diversas compañías catalanas y del resto del Estado, el año 1992 realiza su primer diseño de luces y colabora con compañías de danza como Concert Dansa Dark, L’anònima Imperial, Roseland Musical, Puertas Abiertas y IT Dansa.

En cuanto a obras teatrales ha diseñado las luces de producciones dirigidas por Carlota Subirós, Joan Baixas, Xavier Albertí y Mario Gas, entre otros.

También ha sido responsable de iluminación de la Fira del Teatre de Tàrrega, el Festival Internacional de Teatre de Sitges, el Festival Grec y el Festival Dansa València, entre otros.

Desde el año 1987 colabora periódicamente con Gelabert Azzopardi y desde 2003 también lo hace con el Centre Coreogràfic de Teatres de la Generalitat Valenciana.

Victor Molina Doctor en Filosofía. Es profesor titular del Instituto del Teatro de Barcelona dónde imparte Escritura Dramática, Literatura, Estética, Dramaturgia y Problemas y Figuras del Teatro Contemporáneo. Ha participado en varios proyectos de pedagogía del teatro en el área de dramaturgia. Ha colaborado con regularidad en diferentes publicaciones periódicas. Es autor del Criaturas artificiales, y ha publicado ensayos dentro obras colectivas sobre Arquitectura, Arte contemporáneo, Teatro, Literatura y Espacio efímero. Es director del área de teatro del Instituto de Humanidades y miembro de su patronato. Fue Director Artístico del Festival Internacional de Teatro Visual y de Títeres del 2000 al 2004, y participó en la dirección artística del Teatro Malic de Barcelona. Ha colaborado con la Sala Beckett de Barcelona, y con el Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz. Dirigió el Observatorio de Libertad de Creación, la Oficina en Barcelona del Parlamento Internacional de Escritores. Ha dirigido un espectáculo sobre cine, música y magia, y ha realizado varios asesoramientos escénicos y de dramaturgia. Forma parte del equipo de dirección artística del Teatre Lliure de Barcelona.


Toni Jodar

Performer, bailarín y asistente. Una de sus particularidades son las intervenciones como performer en espectáculos dirigidos por: Albert Vidal, Carles Santos , Jerome Savary , Magda Puyo-Marta Carrasco, Joan Baixas y Jordi Sabatés. También con las compañías de danza Mudances-Angels Margarit, Metros-Ramon Oller, Nats Nus, Lanònima Imperial y de teatro Dagoll Dagom, Comediants y La Fura dels Baus.

Desde el año 2000 es coreógrafo de la Companyia Carles Santos, trabajo que compagina con la acción-hablada: Toni Jodar, explica la danza en 50’, por la cual recibe una mención especial del Premi Ciutat de Barcelona 2002 y el Premi de la Associació de Professionals de la Dansa de Catalunya 2006.

Colabora con el Servei Educatiu de L’Auditori de Barcelona y del Mercat de les Flors. Narrador en el Concierto Orquesta para jóvenes de Britten. Coreografía Metal·lics para Spanish Brass Luur Metalls y realiza la dirección escénica de El Poble de Vent i de Fusta. Actualmente dirige “Per què serveix la fusta” con el músico Vicens Prats para la Orquestra del Vallés.

Cabe destacar las colaboraciones con Gelabert Azzopardi desde el año 1989, tanto en calidad de bailarín como de asistente del coreógrafo.

Sarah Taylor Tras finalizar sus estudios en el Australian Ballet School continua su carrera profesional en el Montecarlo Academie de Danse y Martha Graham School N.Y. Ha sido miembro del Australian Ballet Company y de Bat Dor, Israel.

Cuenta con una amplia experiencia profesional como profesora y repetidora en diversas compañías: Misha Van Hoek Ensemble, Balletto di Toscana, Deutsche Oper, Arena di Verona, entre muchas otras. Ha sido profesora invitada en la Komische Oper, Berlín y Maggio Musicale, Florencia.

También ha sido asistente de las coreografías de Bigonzetti, Monteverdi, Preljocaj, Miller, Van Manen y Sieni.

Colabora regularmente con Gelabert Azzopardi desde el año 1997 como asistente y profesora de danza.


bailarines

Júlia Cortés Estudia en el Institut del Teatre de Barcelona, en el Ballet des Jeunes d’Europa y en Rudra Béjart Lausanne, donde a nivel profesional ha interpretado obras de Maurice Béjart. Como bailarina también ha colaborado con la compañía Domus del Karo de Barcelona. A finales del año 2008 se incorpora a Gelabert Azzopardi.

Virginia Gimeno Realiza los estudios en el Institut del Teatre de Barcelona. Desde el año 2001 hasta el 2004 forma parte de la compañía It Dansa e interpreta obras de Jiri Kylian, Nacho Duato, Wim Vandekeybus, Rui Horta, entre otros. Posteriormente, baila con la compañía Lanònima Imperial (2005-2007) y el octubre del 2007 inicia su colaboración con Gelabert Azzopardi.

Robert Gómez Se forma en el Institut del Teatre de Barcelona i en la escuela Rudra Béjart Lausanne, entre otras. Profesionalmente ha bailado con las compañías Patas Arriba de Valencia, el Ballet Prague Junior, IT Dansa, Bonachela Dance Company y Galili Dance. También ha colaborado en montajes teatrales de la compañía Zanni Teatre y del estudio Nancy Tuñon, entre otros. A finales del 2008 se incorpora a Gelabert Azzopardi.

Manon Greiner Nace en Berlin y estudia en la Folkwang Hochschule de Essen, en la Universidad Profesional Arte Educación de Rotterdam y amplia el aprendizaje con el programa D.A.N.C.E.- Dance Apprentice Network a Cross Europe. A nivel profesional ha interpretat obras de Michele Anne de Mey, William Forsythe, Angelin Preljocaj, Prue Lang i Pierre Droulers, entre otros. A finales del 2008 se incorpora a Gelabert Azzopardi.

Romain Guion Nace en Francia y estudia en el Conservatorio Superior de Danza de París. Profesionalmente se inicia en la compañía belga Charleroi Danse. Se traslada a Dublín y baila en Irish Modern Dance Theatre y en Dance Theatre of Ireland. Posteriormente es miembro de la compañía Diversions, de Gales, donde crea cuatro coreografías para las plataformas experimentales. En el año 2005 entra


en Gelabert Azzopardi. Después de un paréntesis de un año y medio, que aprovecha para trabajar con la Eun Me Ahn Dance Company, de Corea del Sur y con el grupo Movingtheatre.de, a finales del 2008 se incorpora de nuevo a Gelabert Azzopardi.

Elia López Se gradúa en danza contemporánea en el Institut del Teatre de Barcelona y amplia su formación en el Real Conservatorio de Danza de Madrid. A nivel profesional participa en óperas dirigidas por Pier Luigi Pizzi, Calixto Bieito, Liliana Cavani y David McVicar, y en los proyectos Titoyaya de Gustavo Ramirez, Mayim Mayim de Jutta Cruza y Mozart Andante de Els Comediants. A partir de 2008 colabora con Gelabert-Azzopardi companyia de dansa.

Salvador Masclans Estudia con Maria de Avila, Azari Plisentski, Carl Paris y Carmen Roche, entre otros. A nivel profesional baila en montajes de Jochen Ulrich y en las compañías Netherlands Dance Teather 2, Kibbutz Conteporary Dance Company y Pina Bausch Tanz Theater Wuppertal. También ha colaborado con Larumbe Danza, con el director esloveno Tomas Pandur y en la producción Blancanieves deTamara Rojo. A finales del 2008 se incorpora a Gelabert Azzopardi.

Alberto Pineda Inicia su formación de bailarín en Santander, más tarde estudia con Víctor Ullate y Ana Lázaro. Posteriormente, obtiene la titulación en el Real Conservatorio de Madrid y es finalista del Concurso Internacional Maya-94. Como profesional forma parte de las compañías: Ballet Nacional de Marseille Roland Petit, Companhia de bailado Contemporaneo Vasco Wallenkamp, Béjart Ballet Lausanne, Ballet Carmen Roche, Ballet de Zaragoza y Ballet Víctor Ullate. Participa en les producciones Blancanieves con Tamara Rojo, Infierno del director Tomaz Pandur y en el musical Cats. El año 2006 entra a formar parte de la compañía Gelabert Azzopardi.

Charles Albert Washington De nacionalidad británica, estudia danza en la Rambert School de Londres donde se inicia también a nivel profesional participando en varios workshops e interpretando obras de diversos coreógrafos. A finales del año 2008 se incorpora a Gelabert Azzopardi.


bibliografía seleccionada

Programes artístics del Lliure. Gelabert-Azzopardi.Teatre Lliure.

Lepecki, André; Agotar la danza. Peformance y política del movimiento / Exhaurir la dansa. Performance i política del moviment . Universidad de Alcalá de Henares, Madrid.

Colomer, Delfí; Pensar la danza. Ediciones Turner.

Quintero Rivera, Ángel G. Cuerpo y cultura. Iberoamericana Vervuert.

Boisseau, Rosita; Panorama de la danse contemporaine. 100 Chorégraphes. Textuel.

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Cesc Gelabert y Lydia Azzopardi - Teatre Lliure · fi se adentra en esas pausas y aprovecha para hurgar al interior de la propia danza. Lo hace emprendiendo un paseo por el universo