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CONTENIDO

DISEÑO PORTADA

Luis Frías Leal

PORTADA

RAFAEL CORONELRetrato, 1972Acrílico sobre tela125 x 175 cmColección particular

COORDINACIÓN DE EDICIÓN

Margarita RodríguezEdna Catalina Cano

CORRECCIÓN DE ESTILO

Edna Catalina Cano

PRESIDENTA DEL CONSEJO DE DIRECTORES DEL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Nina Zambrano

GERENCIA DE EDUCACIÓN

Indira Sánchez

DISEÑO

Sarahí LaraLuis Carlos LópezLuis Frías LealVanessa Cantú

OCTUBRE 2O12AÑO 14. NÚMERO 149

CONSEJO EDITORIAL

Edna Catalina CanoMargarita RodríguezSarahí LaraLuis Carlos LópezLuis Frías LealVanessa Cantú

Contacto: [email protected]

En marco Voluntarios Es una publicación bimestral del Comité deComunicación de Voluntarios del Museo de

Arte Contemporáneo de Monterrey.Registro de reserva en trámite.

Los artículos son responsabilidad de los autores.

COORDINACIÓN DE VOLUNTARIOS

Aleyda Viornery

Richard Meier: Retrospectiva

El Caos AmigoReflexiones sobre Sextanisqatsi: Desorden habitable

HOY EN MARCO 1

Richard Meier: RetrospectivaHABLAMOS DE 12

COLABORACIÓN 15

RETROFUTURA. Rafael Coronel

Caminando en el Hard Bop

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Historia de un viaje Arte, Pensamiento y Creación

ESPECIAL

ENTRE VOLUNTARIOS

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HOY EN MARCO

P o r M a r g a r i t a R o g r í g u e z M .

RETROFUTURA. Rafael Coronel

El 28 de junio de 1991 abrió sus puertas al público el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y desde entonces ha cumplido con creces su objetivo de acercar y d i f u n d i r l a s m á s d i v e r s a s m a n i f e s t a c i o n e s a r t í s t i c a s contemporáneas producidas a nivel global; así hemos podido conocer y d i s f r u t a r c re a c i o n e s d e a r t i s t a s internacionales vigentes tan importantes como Georg Baselitz, Jenny Holzer, Fernando Botero, Josef Koudelka, Annette Messager, Antony Gormley, Paula Rego, y Ron Mueck, por mencionar algunos. Se ha preocupado asimismo por presentar artistas que han jugado un rol importante

en la historia del arte reciente, tales como Louise Bourgeois, Eduardo Chillida, Roberto Matta, Isamu Noguchi, Henri Cartier-Bresson, Jesús Rafael Soto, Joseph Beuys y Wifredo Lam, entre otros. Sin embargo, se le ha dado prioridad a la difusión de autores mexicanos, lo cual podemos constatar por el número de muestras presentadas; así, dentro del primer grupo, podemos mencionar a Javier Marín, Arturo Rivera, Gabriel Orozco, Francisco Toledo, Roberto Cortázar, Betsabeé Romero y Filemón Santiago, entre muchos otros. En el segundo grupo hemos tenido, entre otros, artistas de la talla de María Izquierdo,

Hermenegildo Bustos, Alfredo Ramos Martínez, Manuel Álvarez Bravo, Rodolfo Morales, Frida Kahlo y Diego Rivera.

Ahora, a partir del 21 de septiembre del presente año, las salas de se engalanan con la presentación de una excelente y muy completa exposición de un artista mexicano de talla internacional que puede incluirse en ambas categorías por sus 60 años de creación, que han sido determinantes en la historia del arte mexicano a partir de la segunda mitad del siglo XX, y por la muestra de su producción actual, que nos deja expectantes sobre sus obras futuras, de ahí que no se podría

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Salas de la exposición Retrofutura. Rafael Coronel en marco

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haber encontrado mejor título que el que se le ha dado: Retrofutura. Rafael Coronel. Esta muestra, integrada por alrededor de 90 piezas -pintura, dibujo y escultura-, fue organizada, como homenaje a la trayectoria de más de 60 años del artista y a su aniversario número 80, por el Instituto Nacional de Bellas Artes a través del Museo del Palacio de Bellas Artes, con curaduría de Juan Rafael Coronel Rivera, escritor, c u r a d o r, h i s t o r i a d o r, f o t ó g r a f o , importante coleccionista de arte y gran conocedor y estudioso de la trayectoria del artista, de quien es hijo. La muestra, después de presentarse en el Palacio de Bellas Artes, en la Ciudad de México; el Ex- Templo de San Agustín, en Zacatecas; y el Museo de Arte Contemporáneo, en San Luis Potosí; llega a Monterrey para despedirse. La museografía corrió a cargo de Juan Rafael Coronel y de .

En la inauguración de Retrofutura. Rafael Coronel y en el recorrido para prensa, se contó con la presencia del artista y del curador, quienes además sostuvieron una interesante y muy didáctica charla en la inauguración exclusiva para miembros del Museo, la noche previa a su apertura al público, en la que el artista de manera amena nos llevó a un recorrido por la historia del arte y nos mostró además de sus conocimientos y excelente memoria, su faceta de gran conversador, a pesar de su opinión en contrario. En torno a esta histórica, y casi seguramente irrepetible muestra, se estarán organizando diferentes actividades, como diplomados, charlas, Domingos familiares y Manos al arte, se cuenta además con un magnífico libro-catálogo con numerosas imágenes de las obras del artista y textos de Luis Carlos Emerich, Teresa del Conde, Luis

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Cardoza y Aragón, Margarita Nelken, Rafael Vargas, Miguel Ángel Duhalt Krauss, Sergio Pitol y Sylvia Navarrete, editado en colaboración con la Secretaría de Educación Pública, el Gobierno del Estado de Zac atec as, e l Museo de Ar te Contemporáneo de Monterrey, Cydsa y Talamontes Editores. La muestra permanecerá en las salas 6 a la 11 de la Planta Alta hasta el 13 de enero de 2013.

Rafael Coronel Arroyo, octavo y último hijo del matrimonio formado por Pedro Melesio Coronel Muñoz y Juana Arroyo Carrillo, nació en Zacatecas el 24 de octubre de 1931. Su abuelo paterno, don Martín Coronel fue el primer pintor de la familia; sus padres, él sastre, ella ama de

casa, formaban parte de la banda de música del pueblo de Jerez; y su hermano Pedro (1922-1985) fue un importante artista abstracto que incursionó en pintura, escultura, dibujo y grabado. Rafael mostró sus habilidades para el dibujo desde muy pequeño, se conocen dibujos realizados desde los 5 años de edad. En 1951 emigra a la Ciudad de México, a casa de su hermana Esperanza y, a instancias de su hermano Pedro -en parte por impulsarlo hacia el arte y en parte por necesidades económicas-, participa en el Concurso Nacional de la Juventud Mexicana en la rama de Artes Plásticas de 1952 con el cuadro Mujer de Jerez, 1952, el cual abre la exposición actual, realizado sobre cartón con crayolas

Rafael Coronel durante la inaguración de la exposición en marco

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Fuego, ca. 1955Óleo sobre masonite60.5 x 79 cmColección Juan Álvarez

comunes, resultando premiado con un diploma y una beca anual. Este hecho afortunado lo decidió a ser pintor, enfermedad que, para beneplácito de todos nosotros, nunca lo ha abandonado, dejando atrás sus intenciones de adolescente de ser futbolista y los deseos de su padre de que estudiara arquitectura. Como lo dice el artista: Cuando uno cae en la trampa del arte es imposible salirse de ella. En ese mismo año ingresa a la Escuela de Pintura y Escultura La Esmeralda, requisito para entregarle el premio, tomando como maestro a Carlos Orozco Romero. Aún siendo estudiante, en 1953 participa en dos exposiciones colectivas,

en la Biblioteca Cervantes y en la Galería del periódico Excelsior. En 1954 sale de La Esmeralda y, por recomendación del gran pintor guatemalteco Carlos Mérida, ingresa a la Galería de Arte Mexicano, una de las únicas dos que existían en la Ciudad de México en ese momento, dirigida por Inés Amor, quien lo toma bajo su tutela por muchos años. En esa galería presenta su primera exposición individual en 1956. Estos datos dan cuenta de su temprana aceptación y reconocimiento como artista; así, en 1959 presenta su primera exposición individual en el Palacio de Bellas Artes -Retrofutura. Rafael Coronel ha sido la cuarta en esa sede- a la cual han

seguido numerosas muestras en el país y en el extranjero. En 1960 se casa con Ruth Rivera Marín, hija de Diego Rivera y Guadalupe Marín, primera mujer en ingresar a la carrera de ingeniería-arquitectura de la Escuela Superior de Ingeniería del Instituto Politécnico Nacional (IPN), quien asimismo, realizó estudios de literatura y antropología, escribiendo varios libros, editaba además la revista Cuadernos de Bellas Artes, cuya portada de agosto de 1961 fue un monotipo representando un sátiro, obra de Rafael Coronel, y durante varios años, hasta su muerte, en 1969, fungió como jefa del Departamento de Arquitectura del INBA. En 1961 nace su hijo Juan Rafael Coronel Rivera y es en ese año cuando el artista realiza su primer viaje a Europa, donde conoce a los grandes maestros españoles e italianos, como Goya, Velázquez, José de R i b e ra , Zu r b a r á n , Fra A n g é l i c o , Caravaggio, Ucello y tantos otros que enriquecieron sus conocimientos de la historia del arte y han ejercido una influencia en su obra. A partir de 1980, Rafael Coronel cambia su residencia a Cuernavaca, Morelos.

Como se mencionó, Rafael Coronel ha participado en numerosas exposiciones y Bienales, entre las colectivas podemos citar: Arte Mexicano, exposición en el Museo de Arte de Vancouver, en 1960; en 1964, la exposición inaugural del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México; en 19 67, M e x i c a n A r t at M i t s u k o s h i Departament Store, con patrocinio de la Embajada de México en Canadá y Canadian Pacific Airlines, adquiriendo en esa ocasión 400 grabados japoneses; en 1966, Latin American painters and painting in the 1960's. The Emergent Decade, en el

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Guggenheim Museum de Nueva York; en 1979, Modern Latin American Art, Lowe Art Museum, Universidad de Miami, Florida; 1980, Pintores mexicanos, en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile; 2004, The Masters of contemporary art of Zacatecas, Museum of Latin American Art, Long Beach, California; en 2006, Pintura mexicana de la posguerra al fin de siglo, Shangai Art Museum, National Art Museum of China y Guangdong Museum of Art; la Bienal de Sao Paulo, en 1965, desde entonces con gran prestigio y tan importante como la de Venecia, en donde recibe el Premio Bienal de Córdoba al mejor pintor joven, con el óleo sobre tela Niño genio en el pizarrón, 1965, lo cual lo coloca en el ámbito artístico internacional, abriéndole las puertas sobre todo de galerías de Estados Unidos; y en 1974 participa en la Bienal de Tokio con Tacubaya. La muerte de la libélula, 1973, acrílico sobre tela de gran formato, con el que obtiene el primer premio. Dentro del gran número de exposiciones individuales se encuentran: las ya mencionadas, la primera, en 1956 en la Galería de Arte Mexicano, la primera individual en el Palacio de Bellas Artes en 1959; en 1968, Rafael Coronel. Óleos en la Galería de Arte Mexicano; en 1969, Exhibition of Portaits of Artist by Rafael Coronel en The Far Gallery, Nueva York; en 1974, en B. Lewin Galleries, en Beverly Hills, California, Rafael Coronel major exibition; en 1984, A major exhibition of recent works on paper and paintings on canvas by Rafael Coronel, en B. Lewin Galleries, en Palm Springs, California; en 1988, Il Mondo Magico di Coronel, en Chesa di San Stae, organizado por el Assessorato alla cultura del comune de Venezia; en 2002, Rafael Coronel obra gráfica, en el M u s e o J o s é G u a d a l u p e P o s a d a ,

Niño genio en el pizarrón, 1965Óleo sobre tela120 x 100 cmColección particular

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Aguascalientes; en 2007, Retrospectiva de Rafael Coronel, Museo de Arte de Zapopan, J a l i s c o . H a r e c i b i d o n u m e r o s o s reconocimientos, uno de los más importantes el Museo Rafael Coronel, en el Ex-Convento de San Francisco, en Zacatecas; es Miembro de la Academia de Artes de México desde 1994; los billetes de la Lotería Nacional del 26 de mayo de 1995 muestran su obra La vieja del ganso, 1973; en 1996 Bernard y Edith Lewin donan una colección de mil obras de arte mexicano a Los Angeles County Museum of Art, de las cuales 100 son de Rafael Coronel, lo que constituye el acervo más grande de sus obras fuera del país; y el Premio Iberamericano al Mérito de las Artes, Secretaría General Iberoamericana y Gobierno del Estado de Zacatecas, entre muchos otros.

La relación de Rafael Coronel con Monterrey ha sido muy estrecha y data de varios años, su obra forma parte de numerosas colecciones particulares e institucionales y se han organizado exposiciones entre las que podemos mencionar: Carlos Orozco Romero y sus discípulos, en el Museo de Monterrey, en 1979; la exposición inaugural de la Galería de Arte A.C, 1979; Rafael Coronel. Retrospectiva 1950-1988, en 1989, en el Museo de Monterrey; Segundo Salón de A r t e B a n c o m e r. A r t e F i g u r a t i v o Contemporáneo, en 1997; Siglo XX: Grandes Maestros Mexicanos, en 2003 en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey; y en 2009, Aportaciones, en el Museo Metropolitano de Monterrey. Retrofutura. Rafael Coronel es la primera exposición individual en .marco

Rafael Coronel ha incursionado en diversas manifestaciones artísticas, como son: dibujo, pintura, escultura, obra gráfica, ha ilustrado diversos libros, como el libro de poesía de Laura Rosen presentado en la Galería Misrachi en 1987, y ha sido un gran coleccionista de arte y de máscaras, que ha donado a diversos museos. Si algo caracteriza al artista es su inquietud, su necesidad de búsqueda y experimentación de nuevas maneras de expresarse, y sin temor a equivocarnos podemos decir que el cambio es la constante en su obra, sin embargo, como él mismo lo dijo, a pesar de los cambios, los pintores tienen un estilo propio eterno, que se ve en la evolución que van teniendo. Hay algunas características del artista que podemos mencionar en su obra que tiene mucho de magia y de poesía, además de una técnica impecable: es un pintor prolíf ico, incansable, que trabaja diariamente desde las 9 de la mañana hasta las 4 de la mañana siguiente, además trabaja muy rápido, de tal manera que muchos de sus cuadros los termina en 4 o 5 días. Su producción, en poco más de 60 años de trayectoria, se ha estimado en alrededor de 12,000 piezas originales, sin contar la obra gráfica; no trabaja con modelos y nunca hace bocetos, empieza sus obras con los fondos planos y con frecuencia monocromáticos en los que plasma lo que llama manchas, de donde van saliendo de su memoria y su imaginación las figuras, trabajadas en una capa pictórica plana, casi carentes de textura, con pocas excepciones, de las que en la muestra tenemos dos obras de su etapa figurativa: Cantante, 1965, collage con gruesas capas de pintura y objetos como un disco, un pedazo de tela y por ojos dos tapas de los pigmentos, y Adolescente,

Salas de la exposición Retrofutura. Rafael Coronel en marco

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Cantante, 1965Mixta sobre tela120 x 120 cmColección particular

1965, con gruesas capas de pintura roja sobre un fondo negro. Su obra es predominantemente figurativa, con un corto periodo en el que incursionó en la abstracción. Trabaja en series de 20 o más cuadros, las cuales no agota, pues en ocasiones retoma los mismos temas y/o personajes años después, como en el caso

de Rehilete, acrílico sobre tela de 2011, que guarda cierta similitud en sus personajes con Tacubaya. La muerte de la libélula, de 1973. Gran parte de su obra está formada por retratos y algunos autorretratos en los que su objetivo es lograr el retrato psicológico del personaje, no su r e p r e s e n t a c i ó n r e a l i s t a . E s t a

preocupación es evidente en Pedro, 1959; Luis Cardoza y Aragón, 1969; Cabeza de María, 1959; y Corzas, 1964. En muchos de los personajes integra elementos alusivos a su profesión, como en el caso de El chico de la prensa, 1965 -una de las no muy frecuentes figuras sonrientes de su producción-, armado con libreta y pluma; el ya mencionado Cantante, y los retratos de pintores que forman parte de su producción más reciente, como Rubens cantando, 2011; Dosso Dossi, 2011; y Caravaggio, 2011, éste último con un rosario en la mano en lugar de la paleta de pintor. Muchas de sus obras hacen referencia a la historia del arte, entre ellas algunas ya mencionadas, además tenemos Santa María la Redonda. El reposo de la vedette, 1971, alusión a la Venus de Urbino (1538), o la Olympia de Manet (1863).

Los títulos de sus obras son de gran importancia, desde Mujer de Jerez, 1952, ya que con ese título está rompiendo con la idea romántica por excelencia de Fuensanta, preconizada por López Velarde, al presentar el rostro de una mujer de carne y hueso, no una idealización. Otra obra cuyo título es primordial, es Patriota (El enano mexicano), 1973, que inmediatamente nos hace darnos cuenta de que es una parodia del político que pregona un nacionalismo adecuado a sus intereses; Rafael Coronel es además un innovador tanto al plasmar personajes de la realidad que no siempre han sido objeto de las obras de arte, entre éstos podemos citar, además de El chico de la prensa ya mencionado; Los teporochos, 1973; y La vieja del ganso, 1973; y el tomar como tema de una larga serie, la rata, un animal tan detestado por el hombre. De esa serie hay varios cuadros en la muestra,

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como La rata en el basurero, 1958; y Busquen a la rata I, 1973. Algunos títulos refieren a lugares específicos, con un significado para el artista, como en las ya mencionadas Tacubaya. La muerte de la libélula y Santa María la Redonda. El reposo de la vedette, además Peralvillo. El chavo, 1973; Roma Anzures, 2011; y Las lomas, 2011. Muchas de sus obras presentan situaciones oníricas, que cada espectador i n t e r p r e t a r á d e a c u e r d o a s u individualidad, como en las pinturas grupales, en las que los personajes siguen estando solos ya que no hay una comunicación entre ellos, como es el caso de Familia con bebé, s.f.; otras tienen una simbología, un vocabulario propio del autor con personajes dotados de diferentes aditamentos como penachos,

sonajas, listones, máscaras y grandes gorros que tendrá que descifrar cada quien a su manera, como en Retrato del cristiano, 1968; El tastoán y la niña de Jerez, 1998; El Tiziano y el niño de Atocha, ca. 2000; Hernán temeroso, ca. 2005; y José de Ribera y la perra de Cristo, 2005.

Retrofutura. Rafael Coronel se presenta en siete módulos que, de una manera no estrictamente cronológica, muestran los diferentes momentos de la evolución estética del autor. Recibe al visitante con la bella pieza mural El tastoán y la niña de Jerez, 1998, y a partir de ahí inicia la pr imera etapa, de 1951 a 1956, correspondiente a la Escuela Mexicana de Pintura con Mujer de Jerez, 1952 y algunas obras en las que hay influencia de

Siqueiros y de Rodríguez Lozano, por ejemplo Mujer en el desierto, 1954; Sin título, 1954; y Fuego, ca. 1955. En estas obras podemos ver que aún sus fondos no eran planos, pues presentan diversos elementos, como árboles y cerros. En la siguiente etapa entra en contacto con diversas corrientes europeas traídas por pintores que emigraron a nuestro país por la Segunda Guerra Mundial y que mostraron un amplio panorama distinto a la entonces predominante Escuela Mexicana de Pintura, entre ellas el surrealismo y la abstracción, corriente que tomó de 1955 a 1960, siendo de hecho uno de los primeros pintores abstractos de México. De su producción en esa época, en la que trabajó todas sus obras sobre cartulina con tinta para offset y resistol para las texturas por dificultades económicas, se encuentran en la muestra, entre otras: Autorretrato en Nueva York, 1959, en el cual el rostro está oculto por una gran cruz negra. El artista mencionó que con esa tacha, se estaba negando a sí mismo como un pintor totalmente figurativo, ya que estaba dispuesto a experimentar con vanguardias de Europa, Sudamérica y las que se empezaban a gestar en México, con artistas como Pedro Coronel, Juan Soriano y Carlos Mérida, alejándose de los temas revolucionarios en boga, y acercándose a las actitudes y sentimientos humanos; de esa etapa son también Abstracción, 1959; Retrato gótico, 1959; y las ya mencionadas Pedro, 1959; Luis Cardoza y Aragón, 1969; y Cabeza de María, 1959. El siguiente módulo se refiere a la década de 1960-1970, cuando se adentra en el expresionismo, movimiento q u e a p a r e c e c o m o r e a c c i ó n a l abstraccionismo, ya que como ha dicho el artista: La gente se cansó de que no haya un

El tastoán y la niña de Jerez, 1998 (detalle)Acrílico sobre tela200 x 600 cmMuseo Rafael Coronel, Ex-Convento de San Francisco, Zacatecas

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espejo enfrente. Esta corriente fue de gran influencia en otros artistas mexicanos, como José Luis Cuevas, Francisco Corzas y Alberto Gironella. De esa época son Cantante, 1965; Adolescente, 1965; Corzas, 1965; y Niño genio en el pizarrón, 1965, importante obra en la que -al igual que en Retrato 1900, 1965- hay influencia de Francis Bacon en el rostro del personaje y, como se mencionó, fue importante en la carrera del artista, ya que fue la que le dio a conocer a nivel internacional al obtener el Premio Córdoba en la Bienal de Sao Paulo 1965. Es interesante hacer notar que los niños de Rafael Coronel se apartan de las representaciones comunes, tiernas y angelicales y se acercan más a las de artistas como Paula Rego. Esto lo podemos corroborar con los cuadros que se encuentran al lado de Niño genio en el pizarrón: Niño del aro, 1965; y Niño de Las Lomas, 1965; y en El bebé, 2011, acrílico sobre tela de su más reciente producción.

El siguiente módulo se refiere a los años 1965 a 1972-73, con los personajes de grandes gorros, cuadros enigmáticos con personajes masculinos con grandes ropajes, cuellos y gorros, como el acrílico sobre tela Retrato del cristiano, que muestra uno de estos personajes con una pequeña copa en la mano, no sabemos si a punto de tomar o de brindar, situado delante de otra figura masculina yacente; y la interesante obra Retrato, 1972, que muestra la figura fragmentada, tal vez para indicar que terminaba con esa etapa, para pasar a la representación del personaje urbano y las ratas; de ahí lo interesante de la museografía, al colocar al lado Patriota (El enano mexicano), 1973; que alude abiertamente a la pequeñez de los políticos mexicanos con la figura de un

enano trepado sobre una silla (¿la silla presidencial?) con la esperanza de que le añada estatura, ondeando una pequeña bandera tricolor. Esta obra ha sido una gran influencia en los artistas figurativos contemporáneos que manejan temáticas similares, como Daniel Lezama, con ella pasa, alrededor de 1973, a la siguiente etapa en la que se interesa por el ser urbano y que es el antecedente de la serie s o b r e r a t a s . E n e s t e s e g m e n t o encontramos Los teporochos I, 1973; Peralvillo. El Chavo, 1973; El teporocho, 1973; y Onda gruesa, 1973; obras en las que plasma personajes cotidianos en cualquier ciudad. Una serie muy importante en la

trayectoria de Rafael Coronel son las ratas, y a q u e f u e e l p r i m e r a r t i s t a contemporáneo que utilizó ese animal como tema único, en su caso haciendo una analogía del ser humano con ese roedor que habita en las cloacas. Podemos notar que inclusive hay una representación a n t r o p o m ó r f i c a d e l a n i m a l , a l representarlo parado en sus extremidades infer iores , cuyas patas son muy semejantes a las manos humanas. Además de ser representaciones hechas para incomodar al espectador, como mencionó el artista, quiso meter algo de terror a la pintura, en la buena época de los filmes de terror. Las primeras ratas datan de finales

Retrato del cristiano, 1968Acrílico sobre tela120 x 160 cmAcervo del Museo de Arte Moderno, Conaculta/INBA

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Autorretrato en Nueva York, 1959Mixta sobre cartulina65 x 50 cmColección particular

de los cincuenta. En la muestra tenemos: La rata en el basurero, 1958; Busquen a la rata I, 1973; Busquen a la rata II, 1973; y Rata en la mostaza, 1973; y de esa misma época y en el mismo tenor de aterrorizar, se encuentra Perro, 1973, representando un furioso animal que destroza un objeto indefinido. De estos años es también Tacubaya. La muerte de la libélula, 1973, obra, que como se mencionó obtiene el primer premio en la Bienal de Tokio de 1974, con la que regresa a la Escuela Mexicana de Pintura, en una situación onírica en la que la muerte -que recuerda las calacas de José Guadalupe Posada- tiene un papel protagónico.

El siguiente módulo de la exposición lo integran obras de una etapa en la que se interesa por la parte romántica de la pintura y en la que establece un diálogo con la academia, con los grandes artistas clásicos, como Caravaggio, ya que, mencionó: A los grandes maestros del siglo XIX los debe uno, no imitar, pero si tener en la mente para saber cuál es el camino. En esta etapa ya empieza a buscar nuevos personajes en las carpas, en los círculos de la farándula, que entonces estaban muy olvidados. Aquí vamos a encontrar obras muy poéticas con simbologías tal vez indescifrables, en las que se incluyen máscaras, listones de colores, telas suspendidas en el aire, penachos, personajes y títulos que aluden a importantes figuras de la historia del arte occidental, a las que se les han integrado elementos de nuestra cultura, y que sobre todo aluden a la soledad del individuo aún dentro de un grupo, inclusive un grupo familiar, como en el caso de Familia con bebé, s.f.; La troupe de Anton, s.f.; El Tiziano y el niño de Atocha, 2000; Crepúsculo,

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2000; José de Ribera y la perra de Cristo, 2005; El reposo, 2005; El arco del pez, 2005; Carpa familiar, 2004; En el aire, 2000; y Hernán temeroso, ca. 2005.

El último módulo está integrado en su totalidad por obras recientes, pintadas ex-profeso para la muestra, en las que es evidente la maestría a la que ha llegado Rafael Coronel, tanto en el manejo de la técnica como en el manejo de su intencionalidad plástica, logrando verdaderas obras maestras. Aquí se encuentra un grupo de obras por demás interesantes que hacen alusión a la decadencia humana, y es importante notar que ha introducido en algunos de estos trabajos, un formato circular. Emblemática de esta temática es Las Lomas, 2011 en la que, a través del personaje femenino que se muestra de frente, con su decrepitud pero aún aferrada a sus joyas y pieles, está representando a la sociedad actual, igualmente decrépita pero aferrada al ego y los valores del mercado. Esta magnífica obra es considerada una de las mejores o tal vez la mejor de la producción de Rafael Coronel, y lograda a sus 80 años. Con esta misma temática se encuentran en la exposición: La almohada de Texas, 2011; Miami corazón, 2011; Roma Anzures, 2011; y Folclor oaxaqueño, 2011. Están además Emigrante “El Salvador”, 2011; El bebé, 2011; El perro, 2011; El apagón, 2011; Mi amiga, 2011; y La madrugada, 2011. En referencia a estas obras, Rafael Coronel comentó: Toda la intención que tenía era, por decirlo de alguna manera, pintar con el foco apagado, lo que hice fue caminar y ver la imagen sin luz…para poder pintar en otro tiempo dentro de las 24 horas del día. Esto es el amanecer, casi todos los cuadros están

Patriota (El enano mexicano), 1973Acrílico sobre tela200 x 150 cmColección particular

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pintados al amanecer. Sale uno a la calle y ve personajes a media oscuridad y de repente queda la imagen. Pintar con el claroscuro es tan propio, desde los aztecas ya hacían el claroscuro, así es la clase de claroscuro que hacía Goya, ya no digamos Caravaggio. Yo soy alumno de Caravaggio, por eso tomo el estilo de la pintura universal, que está en decadencia total. Lo que he hecho es poner un escaloncito para cooperar con algo.

También en esta sala se encuentra un desnudo femenino, La modelo inquieta, 2011, tema que ha trabajado en diferentes épocas, y un grupo de pinturas-homenaje a

grandes pintores que el artista admira, entre las que se encuentran: Rubens cantando, 2011; Caravaggio, 2011; Rubens rojo, 2011; Roger van der Weyden, 2011; El Perugino, 2011; y Dosso Dossi, 2011.

También se encuentra en la muestra un grupo de dibujos a lápiz sobre papel de diferentes épocas, técnica a la que el artista le confiere mérito propio, no como bosquejo, Entre ellos podemos mencionar: Retrato funeral, 1967; La viuda, 1967; y en sanguina sobre papel: Autorretrato VI, 1984; Autorretrato VIII, 1984. Además se exhiben tres esculturas: la bellísima Niño

anciano, 1979, en plata fundida, cincelada, forjada, bruñida y oxidada, de la cual se hicieron 24 para Tane; Gallina, 2009, en bronce; y la enigmática Cabeza de Goliat, 2011, también en bronce.

Realmente es un privilegio contar con esta muestra que nos acerca a conocer la obra de Rafael Coronel, obra que refleja su diversidad, su inquietud y búsqueda constante de nuevas formas de expresión, llena de magia, misterio, poesía, crítica, homenajes y simbolismo, lograda con maestría técnica e intelectual admirables. ¡Disfrutémosla!

La troupe de Anton, s/fAcrílico sobre tela200 x 250 cmColección particular

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HABLAMOS DE

P o r G i a m p i e r o B u c c i

La exposición que en ocasión de la décima bienal Monterrey FEMSA, se exhibe en

, incluye una sección especial d e d i c a d a a l t e m a d e l a c i u d a d co nt e m p o r á n e a , s u l ó g i c a y s u s contradicciones. Los artistas invitados a exponer en esta sección, excelentemente curada por José Roca, son todos jóvenes y latinoamericanos, y representan los nueve países en los cuales FEMSA tiene presencia.

El nombre de la muestra es Sextanisqatsi: desorden habitable, y retoma en parte el

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El caos amigoReflexiones sobre Sextanisqatsi: desorden habitable

título que Juan Brenner y Byron Mármol, videoartistas guatemaltecos, han puesto a su obra inspirándose en la película de Godfrey Reggio Koyaanisqatsi, palabra que en lengua hopi significa “vida fuera de balance”. Combinando el nombre de la película con el de la calle Sexta de Ciudad de Guatemala, los dos artistas han creado un video intenso y fascinante en el cual se comprueba, y se celebra, la resistencia del caos al orden, pues una alcaldía de buenas intenciones había intentado regularizar el c o m e r c i o i n f o r m a l a m p l i a m e n t e practicado en la calle Sexta, pero sin

lograrlo: los comerciantes, simplemente, ignoraron la oferta de regularización. La cinta musical del video, además, se apropia, pirateándolo e invirtiéndolo, del soundtrack de Philip Glass, creando un ambiente sonoro inquietante que subraya el efecto onírico de la obra.

Hay que decir que la elección del título para toda la sección ha sido especialmente atinada, porque encaja con el sentido general de la muestra: la reflexión sobre unos espacios urbanos que han dejado a sus espaldas el proyecto del urbanismo racionalista, uno de los puntos fuertes de la Modernidad. Nuestras ciudades se siguen pareciendo a la ciudad descrita, como metáfora de los juegos lingüísticos, por Ludwig Wittgenstein: “un laberinto de callejuelas y plazas, de casas viejas y nuevas, y de casas hechas de partes añadidas en épocas diferentes, y todo está rodeado por una red de barrios nuevos, con calles rectas y regulares, y casas uniformes”. La Ciudad Lineal de Soria, la Ciudad Jardín de Howard, así como la Ville radieuse de Le Corbusier, parecen haber quedado atrás. Los artistas de la muestra han aceptado el reto que nuestras ciudades lanzan y han intentado comprender las lógicas multifacéticas y abiertamente caóticas de la resistencia a la racionalización. En este sentido es especialmente interesante la obra La torre de David, de los venezolanos Ángela Bonadies y Juan José Olavarría, una instalación que se presenta como resumen de un estudio que los dos artistas han

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hecho de un fenómeno de squatting en la ciudad de Caracas. Un gigantesco edificio inconcluso, que hubiera tenido que ser un símbolo de progreso, eficiencia y poderío económico, ha sido ocupado por familias de clase humilde, y ahora luce como una ciudad vertical de cuya auto-organización, espontánea porque es creada en total ausencia de servicios públicos, Bonadíes y Olavarría nos ofrecen un testimonio vivo y fuerte.

Otra obra de gran impacto visual es AK-47, del brasileño André Komatsu, un logrado intento de conciliar una reflexión sobre la escuela neo-concreta brasileña y la actualidad política y social en la cual nos movemos. Se trata de una especie de monolito hecho de cemento, ladrillo y

otros materiales que normalmente se utilizan en la construcción de viviendas. Poco a poco el efecto de regularidad de las capas de materiales se va perdiendo: el tercero y el cuarto nivel, hechos de ladrillos, muestran impactos de bala, y el último nivel, casi invisible para los e s p e c t a d o re s , e v o c a s u p e r f i c i e s sembradas de vidrios irregulares y hostiles. El título, que es el nombre de un arma automática que se ha convertido en símbolo de las narcoguerras, no deja dudas sobre el carácter dramático de la obra.

Pero en esta muestra no todo es dramatismo. La costarricense Cinthya Soto, por ejemplo, nos proporciona i m á g e n e s r i c a s d e c o l o r y d e

sorprendentes efectos geométricos en las disposiciones de frutas y verduras en los comercios populares de su país; mientras que la panameña Donna Conlon construye paisajes lunares con detritus detrás de los cuales se asoman, a lo lejos, imágenes de rascacielos. Otra obra interesante es Strike Gently, del colombiano Luis Roldán, una construcción de geométrica regularidad que recuerda el mapa de una ciudad y está hecha con cajitas de cerillos y cajas de objetos varios. Con lo que normalmente acaba en la basura, Roldán ha hecho algo fascinante, capaz de evocar el recuerdo de Broadway Boogie Woogie , de Piet Mondrian. En la misma sala, el video Geometría accidental del argentino Nicolás Robbio nos muestra las secretas geometrías de los pasos de caminantes en

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una plaza; mientras que City for sale, de Oscar Rivas, nos propone un mapa interactivo de una ciudad en la cual podemos localizar los habitantes y sus actividades laborales, en una irónica celebración de lo unilateral de la visión del homo economicus.

Una mención especial merece, creo, la instalación Proyecto para una plaza en Monterrey, de Pedro Reyes. Se trata de elementos de un proyecto arquitectónico que se hubiera tenido que realizar, pero que, por falta de fondos, ha sido detenido. Con su obra Reyes ha querido dar una respuesta al Faro del Comercio de Barragán y Ferrara, oponiendo al monolito vertical que sólo se presta para la contemplación, una construcción horizontal que se puede vivir y recorrer

como un viaje en el tiempo, en la historia de la ciudad. La plaza que yace al lado de la galería, además, está pensada como un lugar de reunión y de actividades diferentes, todas de tipo lúdico y socializante. En la sala de la exposición el visitante puede expresar su deseo de que la obra sea construida o no. La cantidad de votos en favor es la clara expresión de la voluntad de los regiomontanos de tener una ciudad más vivible y humana.

Sextanisqatsi, en suma, es una muestra que merece ser visitada y estudiada con atención, porque no solamente nos proporciona val iosa y placentera información sobre artistas y tendencias de nuestro tiempo, sino porque estimula la reflexión sobre fenómenos fundamentales del contexto en el cual nos toca vivir.

Salas de la exposición Sextanisqatsi: desorden habitable

Salas de la exposición Sextanisqatsi: desorden habitable

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COLABORACIÓN

P o r O m a r T a m e z

Hoy vamos a platicar de uno de los estilos del Jazz que personalmente me apasionan más: el Hard Bop.

Cuando hablamos de estilos del Jazz moderno el Hard Bop es uno de los más populares a pesar de que muchos no somos conscientes de ello.

Primero que nada mencionemos algunos de los músicos sobre los que platicaremos más a detalle:

Horace Silver, pianista, compositor, arreglista y líder de banda; con orígenes de Cabo Verde (antigua colonia portuguesa) aunque estadounidense de nacimiento.Joe Henderson, saxofonista, compositor y líder de banda.Hank Mobley, saxofonista.John Coltrane, saxofonista, compositor, líder de banda; en su caso debemos

considerar que parte de su carrera fue en este estilo y parte evolucionó a otros caminos.Miles Davis, trompetista, líder de banda y sobre todo generador de un sonido único y personal en sus bandas.Art Blakey, baterista y sobre todo gran líder de banda y el ejemplo perfecto del maestro. Más de un centenar de músicos han sido formados en sus bandas.Thelonious Monk, el gran maestro del Jazz moderno. Genial pianista, compositor, arreglista y líder de banda.Charles Mingus, el genial bajista -perfecto ejemplo de virtuosismo-, genial compositor y sobresaliente líder de banda.Wes Montgomery, el gran guitarrista originario de Indiana.Freddie Hubbard, el maestro de la trompeta.Wayne Shorter, sólido saxofonista, buen líder, arreglista y uno de los genios de la composición en el siglo XX.

Kenny Burrell, maravilloso guitarrista, líder d e b a n d a , s ó l i d o c o m p o s i t o r y extraordinario maestro.Lee Morgan, una de las voces más únicas de la trompeta y sobresaliente compositor.Sonny Rollins, el maestro del saxofón tenor, una de las voces que cambia tu vida cada vez que lo ves tocar en vivo. Un genio único y afortunadamente aún entre nosotros.

Nuestra lista podría seguir por mucho tiempo con músicos como Tadd Dameron, Max Roach, Clifford Jordan (uno de mis saxofonistas favoritos), Art Farmer, Mal Waldron, Jaki Byard, Grant Green, Bobby Hutcherson. En verdad una l ista interminable de grandísimos músicos; y eso sin contar a todos aquellos músicos importantes que iban y venían a otros estilos como Lee Konitz, Gerry Mulligan, Barney Kessel, Joe Pass y, una vez más, la lista se extiende.

Caminando en el Hard Bop

Art Blakey

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Ahora bien, ¿qué es lo que caracteriza al Hard Bop?

Tratemos de sintetizar en un lenguaje claro y no musical (no por eso a-musical):

1.- Formas de Jazz sencillas y directas.

2.- Melodías líricas más sencillas y con poco contenido cromático (como en el Be Bop de los cuarentas) y también con poco contenido contrapuntístico (como en el West Coast Jazz, también conocido como Cool Jazz por sus formas controladas y contenidas ).

3.- Desarrollo mucho mayor del rol del solista donde los grandes exponentes realizan solos de dimensiones nunca antes vistas. Contrario a la idea errónea de que los solos antes eran pequeños por las capacidades de los discos, el músico de Jazz nunca estuvo supeditado a las restricciones del disco - irónicamente esto vino a suceder muchos años después a través de la "influencia" del Pop y la música comercial y de consumo-.

4.- Armonías del Blues, Soul y canción Gospel; es decir, estructuras armónicas enraizadas en la canción popular.

5.- Nace lo que después se conocerá (y de hecho ya en ese momento) con el término de Funk. Que tendrá a fines de los sesentas un boom con el Motown y en los setentas un enorme auge con el Funk más accesible.

6.- Arreglos menos sofisticados con excepciones muy claras (Charles Mingus, Tadd Jones, Elmo Hope y algunos más).¡Detengamos esta lista aquí, por ahora! Joe Henderson

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El Hard Bop es uno de los lenguajes más intensos y fascinantes, producto de su sencillez el músico se libera y puede desarrollar solos más despreocupados y con una sección rítmica más intensa al no estar preocupada y/u ocupada en complejos arreglos de grupo.

Hemos introducido un concepto nuevo y vale la pena hablar un poco de él y del resto de sus "compañeros": La Sección Rítmica. Se compone de los instrumentos que por un lado marcan la estructura de la pieza (guitarra, piano, órgano, vibráfono y/o cualquier otro instrumento armónico); y los dos instrumentos que marcaron un hito en el Jazz y se desarrollaron en el Jazz como en ningún otro tipo de música aún en nuestros días: el contrabajo/bajo eléctrico que funge como "columna vertebral" flexibilizando a todo el ensamble y la batería (ocasionalmente percusiones como congas y bongoes) que es el corazón de cualquier grupo de Jazz, aún en el Free Jazz -a menos, claro está, que no haya batería– y quien provee de todo el andamiaje para que el grupo pueda sonar como es debido.

También tenemos la sección de alientos, que podemos dividir en: reeds -instrumentos de caña como el clarinete y los saxofones-; brass -instrumentos de metal como la trompeta y el trombón- y, ocasionalmente, los woodwind instrments -flautas y otros alientos -.

Además de la voz, que en el Hard Bop tiene excelentes exponentes tanto masculinos (Joe Williams, Billy Eckstine y Leon Thomas) como femeninos (Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Abbey Lincoln, Betty Carter, Nina Simone y Carmen McRae, por mencionar sólo algunas).

Bien, ya hemos hablado de músicos, elementos de este estilo, las partes del grupo y un poco de cantantes ¿Ahora qué?... "Correr" a nuestra tienda favorita y comprar discos (o, por supuesto, seguirnos a través de los programas de Jazz que realizamos en Opus 102.1 FM, los jueves y sábados a las 9 de la noche); para darle sentido a nuestro diálogo: al final se trata de música y su escucha es lo más importante.

Hay algunos elementos de los que en futuras entregas platicaremos -elementos más técnicos que a través de nuestro viaje iremos aprendiendo-.

Algo que me parece importante retomar (y creo que siempre estaremos regresando a esto), es que lo más importante es escuchar con oídos y corazón abiertos y la cabeza descansando; esto es, sin pensar, ya que el arte es muy hermoso para pasarnos la vida pensando en él. ¿Acaso hacemos lo mismo en una noche de intimidad con la pareja? ¿Pensar en cada cosa, momento y los porqués de tal o cual? La respuesta es sencilla: ¡No!

A s í q u e n o n o s g u i e m o s p o r e l entendimiento o tratar de "saber", sino por el amor a la vida y la experiencia creativa y artística de vivir con la música -¡y el arte!- en nuestros hogares y lugares de acción.Grant Green

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Si hacemos esto les garantizo que nuestras vidas serán distintas y así como no es excusa el tiempo (o debería decir la falta de tiempo) para dormir, comer o ver televisión, igual para tener un momento en nuestro día de vida artística, después de todo eso somos seres creativos y artísticos.

Finalmente, quiero decir esto de nuestro tema del día: si escuchamos varias veces -una sola canción- hasta poder cantar la melodía (el tema) y luego mientras están los solos seguimos cantando la melodía tendremos una Epifanía.

Así que a escuchar, sentir, vivir y sólo pensar en pequeñas porciones. ¿Sabías que somos el tercero de los animales en capacidad cerebral? Pero somos el n ú m e r o u n o e n c r e a t i v i d a d , discernimiento y capacidad artística sin ninguna duda… es un alivio saber que no somos el más inteligente y que nuestras torpezas son "normales" y un gran compromiso saber que si este planeta será recordado será por la hermosa capacidad que tiene el hombre de crear y trascender a este espacio en el cual vivimos y llamamos presente.

En nuestra próxima entrega platicaremos de un instrumento musical: el más antiguo y viejo de todos, el único que no es externo y con el cual todos los seres vivos (¡no sólo los hombres!) venimos al mundo: la Voz; platicaremos de su evolución, estilos, representantes masculinos y femeninos y como interactúan en el Jazz desde sus inicios.

¡Hasta la próxima! Sigamos escuchando, vibrando, amando y bailando. Horace Silver

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ESPECIAL

P o r A l e y d a V i o r n e r y

Historia de un viajeArte, Pensamiento y Creación

Septiembre 2012… llevó a cabo una de las actividades más significativas para el Departamento de Educación, el viaje de estudios a Alemania y Francia: Arte, pensamiento y creación. Personas de diferentes edades, gustos y profesiones unidos todos por una pasión en común: el arte, nos dimos cita en la ciudad de Frankfurt, Alemania para comenzar lo que ahora permanece en nosotros como una experiencia inolvidable.

Arte…

Iniciamos visitando tierras germanas, nuestro primer destino: la ciudad de Kassel, donde cada 5 años se lleva a cabo la internacionalmente reconocida feria de arte contemporáneo dOCUMENTA, ahora en su edición número 13 y dedicada a la investigación artística y formas de la imaginación que estudian el compromiso, la materia, las cosas, la corporalidad y la vida práctica en conexión con la teoría pero sin estar subordinada a ella. Algunas disciplinas de los participantes: activistas, historiadores, ingenieros, biólogos, artistas, directores de cine, filósofos, físicos, poetas, investigadores, críticos...

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Catedral de Colonia, Alemania19

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Como visitantes realmente privilegiados tuvimos una charla introductoria y un recorrido guiado por parte del staff de curaduría en español y en inglés. Piezas muy interesantes nos fueron mostradas durante nuestra visita al Documenta-Halle, tales como las pinturas y dibujos a gran escala de Julie Mehretu, Process sketch, descritos como paisajes mentales de complejas composiciones; la instalación a gran escala que el artista alemán Thomas Bayrle hizo para esta edición de dOCUMENTA y que reunía trabajos de diferentes periodos de su obra, el tema de la sala: las máquinas y su relación con la vida biológica y artificial; tocó el turno de adentramos en otro de los espacios de este salón en el que fuimos sorprendidos por un collage de dramáticas proyecciones y audio, era la pieza In Search of Vanished B l o o d e n e l p a r t i c u l a r f o r m a t o “video/shadow play” desarrollado a través de los años por la artista Nalini Malani, la imaginería de esta multiproyección giraba en torno a temas complejos como el curso de la profecía, la fatal posición de las viudas en la sociedad India y la falla de la comunicación humana.

Otras de las sedes que pudimos visitar fueron el Museum Fridericianum, construido en 1779 y concebido como uno de los primeros museos públicos en Europa, en donde encontramos las piezas de los mexicanos Mario García Torres Have you ever seen the snow? y Abraham Cruzvillegas Self-portrait as Melquiades Herrera in great gorgeous sweaty mystical taoist tantric ecstasy at terminal 2F, May 28, 2011.

En el sitio de exposición al aire libre, el parque Karlsaue, se exhibieron piezas con

Catedral de Nuestra Señora de Reims, Francia

El grupo en el Documenta Halle observando la obra de Julie Mehretu Process sketch

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una creatividad impresionante, tanto en la técnica como en la dinámica de su presentación, tal es el caso de Idee di pietra, 2003/2008/2010 del Italiano Giuseppe Penone cuya práctica en la escultura explora la enfática relación entre cultura y naturaleza, entre la humanidad y todas las formas de vida. Otro mexicano, Pedro Reyes, presenta Sanatorium, iniciada en 2011, una utópica “clínica temporal” diseñada para ofrecer tratamientos para enfermedades urbanas (de las que muchos somos o hemos sido víctimas) como el estrés, la ansiedad y la soledad.

Pensamiento…

En la búsqueda de un pensamiento crítico en torno a conceptos de la historia del arte, los inscritos recorrieron algunas de las colecciones más importantes del mundo exhibidas en los museos Ludwig y Wallraf-Richartz en Colonia, Alemania; en París, los Museos Louvre, d' Orsay y Rodin, el Centro Pompidou y el Palais de Tokyo -el cual, cabe mencionar, nos fue definido como un laboratorio de arte contemporáneo-. En estos recorridos estuvieron expuestos ante nuestros ojos obras de grandes maestros como Lochner, Rembrandt, Da Vinci, Rubens, Ingres, David, entre muchos otros; impresionismo, fauvismo, cubismo, surrealismo, arte pop, art noveau, todos, en apreciación plena de la mano del historiador de arte Rodrigo Ledesma, catedrático del Departamento de Humanidades de la UdeM, quien por medio de la selección previa de piezas nos guió por un interesante recorrido a través de la historia del arte desde sus inicios hasta la actualidad. El grupo en recorrido por el Parque Karlsaue observando la obra de Giuseppe PenoneIdee di pietra

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Creación…

Ta n t o l o s a f i c i o n a d o s c o m o l o s profesionales de la fotografía pudieron capturar imágenes de lugares públicos e históricos en ambos países. Eduardo González, fotógrafo de profesión y maestro en los cursos y talleres de , estuvo a cargo del asesoramiento técnico, con una plática previa al viaje. Eduardo inspiró a los participantes a observar más allá y encontrar la belleza en los pequeños detalles que en ocasiones pueden escapar a la lente de la cámara.

Majestuosas obras arquitectónicas del estilo gótico, como las catedrales de Colonia en Alemania y Nuestra Señora de Reims y Notre Dame en Francia fueron objeto de estudio para el desarrollo de un p r o y e c t o f i n a l d e a p r o p i a c i ó n , deconstrucción y representación liderado por la artista y maestra de pintura en

Lorena Rodríguez, quien con el carisma y sencillez que la caracteriza, facilitó a los presentes las herramientas para llevarlo a cabo.

En sus tiempos libres, los participantes pudieron relajarse, hacer compras y conocer algunos bares, cafés y deliciosos restaurantes en barrios bohemios como el de Montmartre al norte de la llamada Ciudad Luz, tópico e inspiración de impresionistas; disfrutaron visitando lugares representativos de cada ciudad como el Arco del Triunfo, los Campos Elíseos, la Torre Eiffel e inclusive escuchar l a s c o m p o s i c i o n e s d e m ú s i c o s excepcionales como Mozart y Beethoven a cargo de la Filarmónica de Colonia, en un concierto que nos dejó sin aliento a muchos.

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En recorrido por el interior de la Catedral de Reims, Francia

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Si bien el viaje terminó el 17 de septiembre, la experiencia de estos diez días continúa ya que en el mes de diciembre habrá una exposición de clausura donde los participantes podrán exhibir su proyecto artístico de producción inspirado y desarrollado durante esta significativa travesía. Gracias a todos los viajeros que nos acompañaron y gracias a por hacer esto posible.marco

El grupo frente a la obra de Pedro Reyes Sanatorium

Fotos: Aleyda Viornery

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P o r E d n a C a t a l i n a C a n o

ENTRE VOLUNTARIOS

RETROFUTURA. Rafael CoronelCAPACITACIÓN

Juan Rafael Coronel Rivera, curador de la muestra Retrofutura. Rafael Coronel, ofreció el recorrido de capacitación para voluntarios y jóvenes de servicio social, el jueves 20 de septiembre. Coronel Rivera, quien es hijo del artista, señaló las características que predominan en la obra de Rafael Coronel, en las diferentes etapas de su trayectoria artística.

La exposición que ocupa las salas de la Planta Alta, abrió sus puertas al público el 21 de septiembre y permanecerá en hasta el 13 de enero de 2013.

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CAPACITACIÓN MENSUALDentro del programa de capacitación continua de voluntarios, el 25 de agosto tuvo lugar la primera de dos sesiones sobre Arte Contemporáneo que estuvieron a cargo del arquitecto Roberto Romero. En e s a o c a s i ó n s e a b o r d a r o n l a s características y diferencias entre el Arte Contemporáneo y el Arte Moderno. La segunda sesión con el título “Formas de Exhibir Arte Contemporáneo” se llevó a cabo el pasado 25 de septiembre.

Recorrido por la exposición Dr. Atl

El viernes 17 de agosto, el Maestro Rodrigo Ledesma ofreció a los voluntarios un interesante y muy detallado recorrido por la exposición Dr. Atl, donde señaló las características del trabajo y el proceso creativo del artista.

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