Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 1

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic : the artist is present

(profs)

Séquence sur le rapport entre le corps et l’art.

Déroulement :

Séance 1 :

1) Projection de Marina Abramovic : the artist is present (106 minutes)

2) vocabulaire, étymologie, définition (50 minutes) Préraphaélites Cubisme Futurisme Surréalisme anatomie, harmonie, Homme de Vitruve Anthropomorphique Décorporéisation Dystopique Intégrité

Désexué diptyque proportion, canons de la beauté, histoire du corps, modèle, image de soi, perfection, performance, Spectacularisation Epuré

Se disloquer Réification Scientisme Hybride Agrégat Narcissisme Manichéisme Nihilisme dystopie, body art, futurisme

Réactions

Contextualisation

Marina Abramović, appelée « grand-mère de l’Art performance », utilise comme

objet de son art son propre corps. L’idée de sa création est l’exploration des

frontières de son corps. Ce corps naturel, réel, immédiat, non symbolisé, apparaît

dans toutes ses œuvres.

Par exemple, dans Freeing the Body, elle danse nue, la tête couverte d’un foulard

pendant huit heures jusqu’à tomber d’épuisement.

= pour tirer des réflexions en lien avec le thème à partir de la projection de Marina

Abramovic : the artist is present.

Lecture cursive : Roald DAHL « Peau » + Quand j’étais une œuvre d’art E E Schmitt

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 2

Séance 2) Présentation du film Marina Abramović: The Artist is Present et

analyses par groupes

Le réalisateur :

A l’origine du film :

Marina Abramović: The Artist is Present de Matthew Akers (2012)

Depuis le début de sa carrière à Belgrade dans les années 70, Marina Abramović

est une pionnière en matière de performance artistique. Connue pour ses mises en

scène convoquant fréquemment la nudité et la privation comme modes d’expression

corporelle dans lesquelles le corps est à la fois son sujet et son instrument, elle

est l’une des rares artistes de sa génération à être encore active dans ce domaine.

La rétrospective “Marina Abramović: The Artist is Present“, qui s’est tenue de

mars à mai 2010, occupait plusieurs étages du MoMA, la plupart dédiés aux

premiers chapitres de la carrière de l’artiste. Mais l’événement de cette

rétrospective était la nouvelle performance de l’artiste : deux chaises face à face,

l’une accueillant l’artiste, l’autre le public se relayant, pour un échange, les yeux

dans les yeux, en silence. Durant trois mois - chaque jour d’ouverture - l’artiste

est restée quotidiennement assise sept heures et demi sans manger, boire, ou se

lever, un exploit d’endurance mentale et physique ; un défi, même, pour une

habituée de ce type de performances. L’expérience se révèle un surprenant

facteur de rassemblement social, brassant des personnes de tous âges, de toutes

origines, de toutes catégories. Conséquence du « dialogue direct des énergies »

entre Marina Abramović et le public, l’émotion devient palpable : certains fondent

en larmes, d’autres s’illuminent de sourires transcendants. En tout, près de 750

000 personnes ont assisté à la performance.

Résumé :

The Artist is Present documente sa rétrospective au Museum of Modern Art à

New York en 2010.

Figure historique de la performance, Abramović est connue pour sa réflexion

autour de la transmission de celle-ci.

Au-delà des seuls documents (film ou vidéo, photo, texte, traces diverses...) qui ne

peuvent permettre d’accéder réellement à l’œuvre, l’artiste n’hésite pas à faire

rejouer ses performances et celles d’autres artistes (2).

Trois mois durant, aux côtés de photographies et films présentant d’anciennes

œuvres, elle va faire rejouer par de jeunes performers quelques pièces maîtresses

de sa carrière : ces œuvres données une fois, parfois plusieurs, mais de courte

durée (au maximum quelques heures) et touchant donc une audience assez limitée,

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 3

vont alors pouvoir être vues quotidiennement dans des salles d’exposition.

D’événement ponctuel, la performance se fait œuvre vivante à exposer (3).

Mais surtout, Matthew Akers s’attache à décrire la mise en place de l’œuvre

maîtresse de la rétrospective : The Artist is Present montrant Marina Abramović

assise au centre d’une salle et accueillant en silence les visiteurs sur une chaise

face à elle, trois mois durant, tous les jours aux heures d’ouverture de l’exposition.

L’œuvre fit le succès de l’exposition (près de 800 000 visiteurs) et fut beaucoup

relayée par les médias. Le film prend le temps de réinscrire The Artist is Present

dans la carrière de l’artiste.

De 1981 à 1987, Abramović et Ulay donnèrent à plusieurs reprises Nightsea

Crossing, où le couple était assis face à face de part et d’autre d’une table, en

silence de longues heures durant. Si le dispositif, minimal, pouvait laisser dubitatif,

Ulay évoque dans son témoignage la difficulté physique d’une telle pratique, la

douleur d'une trop longue immobilité qui le poussa à interrompre la performance,

ce qui précipita sa séparation d’avec Marina.

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 4

Avec sa performance, Abramović disait vouloir « créer une immobilité au milieu de

l’enfer », soit au cœur d’une ville où tout est mouvement et flux perpétuel, créer

un dispositif à même de ralentir le temps et les hommes. The Artist is Present est

un temps d’arrêt, une bulle au sein de l’espace clos du musée. Le documentaire ne

cherche pas à rendre l’expérience de l’œuvre - la coprésence avec l’artiste n’est

pas transmissible

Et ses effets sont aussi phénoménaux que dévastateurs, l’œuvre d'Abramović

devenant le miroir déformant de la société à l’heure de l’ultra-communication. D’un

engouement raisonnable de la part du monde de l’art et des médias, l’exposition

fait vite boule de neige et devient victime de son succès : tout le monde voulant

son quart d’heure d’Abramović bien à lui, ce qui forcera le musée à devoir repenser

son fonctionnement. Il est ainsi terrible de voir les gens se bousculer pour arriver

le premier, faire la queue des heures durant, camper devant le musée, prendre

leur ticket pour faire la queue, piquer des crises d'hystérie s'ils n'ont pu la voir,

photographier l’artiste non plus comme une bête de foire - comme elle pouvait être

considérée avant - mais comme le dernier phénomène à la mode. Au-delà de la

performance, c’est un vaste mouvement social que lance, involontairement, l’artiste

: là où les gens sont prêts à faire la queue pour des soldes, elle parvient à créer

une attente gratuite, pour de l’art, où aucun échange monnayable - si ce n’est celui

du droit d’entrée à l’exposition - ne sera produit. (à exploiter aussi seul avec tous)

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 5

« La performance devient la vie elle-même »

D’évènement quasi confidentiel dans les années 1970, la performance, par sa

présence dans une grande institution, est devenue une action visible et commentée

au cœur des médias (5).

La télé américaine n’hésite alors pas à comparer le travail et l’engagement de toute

une vie

A la provocation factice, organisée et marketée de Lady Gaga, avec une nette

préférence pour la fossoyeuse de la pop.

L’artiste est rattrapée par une marchandisation outrancière et ravalée au rang de

star face à ses groupies hystériques, se voit applaudie à tout rompre à la fin du

concert, pardon de l’exposition ou lors des retrouvailles en public avec Ulay après

vingt années de brouille.

Marina Abramović ne maîtrise pas tout, mais elle n’est pas dupe ; elle n’est pas

victime du système, mais au cœur de lui. Elle ne se doute pas de l’ampleur du

phénomène qu’elle va déclencher, mais en assume les conséquences.

Les réactions démesurées des médias et du public à The Artist is Present ne sont

alors que l’extension de celles reçues à l’occasion de Rythm 0, lors de laquelle les

vêtements de l’artiste avaient été déchirés, sa peau lacérée, un pistolet braqué

sur sa tempe provoquant une bagarre dans le lieu d’exposition.

Il ne permet peut-être pas totalement de comprendre et connaître le travail

d'Abramović, il montre sans doute avec clarté les raisons qui poussent l'artiste à

entreprendre ses actions. Comme elle, le documentaire dresse ainsi le portrait d’un

monde particulièrement effrayant dans lequel l'artiste apparaît comme un foyer

de résistance.

(1) En bien ou en mal, l’essentiel est qu’on parle de vous, Marina Abramović a ainsi

autorisé Sex & The City (un épisode de la saison 6) et Dr House (l’ultime épisode

de la saison 7) à rejouer et adapter à leur scénario deux de ses performances, au

risque de voir son travail tourné en dérision par les séries.

(2) Lors de sept soirées en novembre 2005 au Guggenheim Musem de New York,

elle rejoua avec Seven Easy Pieces sept pièces historiques des pionniers de la

performance des années 1970.

(3) La présentation de la performance sous forme d’exposition (et non plus la

présentation de documentation de performances ou d’installations créées à partir

d’elles) semble être une mouvance générale en ce début de XXIe siècle, qu’on pense

au travail de Marie Cool et Fabio Balducci ou à celui de Tino Sehgal qui exposait au

même moment en 2010 au Guggenheim Museum de New York. On peut voir en ce

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 6

moment une performance étonnante de Sehgal dans l’exposition This is a Special

Backout Edition à la Kadist Foundation à Paris jusqu’au 16 décembre.

(4) Dans When Marina Abramović Dies, A Biography (Cambridge, MIT Press,

2010), James Westcott écrit à propos de Rhythm 0 : « Les critiques - incluant sa

mère - disaient toujours à Abramovic que les artistes de la performance étaient

des masochistes malsains, obsédés par l’idée de s’infliger des douleurs physiques.

Ainsi, dans Rhythm 0, à la Galleria Studio Mora à Naples au début de 1975, elle a

décidé de ne rien faire et de voir ce que le public ferait à sa place. », p.73.

(5) Elle a même eu droit à sa transcription en un parodique jeu vidéo par le créateur

Pippin Barr : The Artist is Present (trois heures de jeu, toujours pas assis devant

Marina et un abruti m’a piqué ma place dans la queue !).

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 7

Réflexions en lien avec le thème BTS « corps naturel, corps artificiel »

Le corps réel dans l’art contemporain : la création de l’artiste Marina

Abramović par Ruzanna Hakobyan*

Entre la vie et l’art ????

La biographie d’Abramović montre que l’effraction de la jouissance dans le corps

réel se manifeste depuis l’enfance.

À l’absence de la mère qui n’investit pas son enfant en tant qu’objet phallique, elle

réagit par des maladies organiques qui interrogent, chez elle, une propension aux

phénomènes psychosomatiques, que l’on constate à maintes reprises, chaque fois

que le sujet a été confronté à une situation face à laquelle il ne pouvait répondre

subjectivement. Ainsi, à la naissance de son frère, Abramović manifeste-t-elle des

symptômes qualifiés alors « d’hémophilie ». Elle réagit à cette maladie hors-sens

par une construction délirante : « C’était une forme de jalousie envers mon

frère. »[2] Plus tard, elle dira que le diagnostic de l’hémophilie n’a pas été confirmé

et que cette hémophilie a disparu après les premières règles. À l’adolescence,

d’autres manifestations somatiques surviendront : des douleurs insupportables au

moment des règles et des migraines.

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 8

Pour mettre fin à la jouissance réelle, Abramović se sert de l’art comme solution,

trait emprunté à sa mère, responsable du développement de l’art moderne à

Belgrade.

Dans ses premiers tableaux, elle dessine des accidents de voitures. Le réel qu’elle

trouve dans les accidents, dans les corps blessés, morcelés, la fascine. Elle essaye

de le traduire dans ses tableaux, mais les tableaux échouent à refléter ce réel.

« Il y a quelque chose qui s’échappe.»[3] Le tableau est une représentation

symbolique et cela ne l’intéresse pas.

La seule création possible pour Abramović devient la performance et la re-

performance. Quarante ans plus tard, au MoMA, dans l’installation The Artiste is

present, elle essaye de capter l’instant présent. Dans cette performance qui dure

onze semaines, Abramović est assise sur une chaise dans un silence complet,

immobile, invitant les visiteurs à s’asseoir l’un après l’autre en face d’elle et à la

regarder dans les yeux. Elle soutient le regard de son vis-à-vis aussi longtemps

que ce dernier reste assis face à elle.

Devant l’impossibilité d’une historisation et d’une symbolisation, sa force de créer

des performances qui reflètent le présent est la façon qu’elle a trouvée pour

donner un sens à son être, pour tenter « d’attraper le temps présent »[4].

Sa création est aussi une tentative de séparation d’avec sa mère. Au début de sa

carrière artistique, sa création est soumise à la logique spéculaire « soit moi, soit

l’Autre ». Abramović met systématiquement sa vie en danger, testant les limites

du corps sous la forme des limites de la vie. En 1971, elle voulait réaliser une

performance, Roulette Russe, dans laquelle elle serait vêtue selon les goûts de sa

mère. Elle tirerait à balles réelles et si elle était sauvée, elle pourrait enfin faire

ce qu’elle voudrait. « Quand j’étais en Yougoslavie je réalisais des performances

qui incluaient vraiment la possibilité de la mort. »[5]

Les nominations

Être une artiste fonctionne pour Abramović comme une nomination, un sinthome

qui lui permet de dépasser l’autodestruction. Cette nomination en tant qu’artiste

se réalise en trois temps.

Ulay : dans un premier temps, c’est à travers la rencontre avec Ulay, un autre

artiste performant né le même jour qu’Abramović. Il s’agit d’une rencontre avec

son double, où l’autre est situé dans l’axe imaginaire a-a’. Cette identification

imaginaire lui permet de se nommer pour la première fois comme artiste. Elle peut

sortir de la place d’où elle se trouvait en confrontation directe avec l’Autre,

confrontation où la mort apparaissait comme seule solution.

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 9

Les performances de cette période sont une espèce de dédoublement de la même

image. Par exemple, dans Relation in Time, elle reste assise dos à dos avec son

compagnon, tous deux immobiles, dans la même posture pendant seize heures, avec

leurs cheveux attachés ensemble. Cet appareillage par branchement sur le corps

d’un double lui permet une régulation du vivant, une régulation de la jouissance, qui

donc s’apaise et envahit moins le corps.

MoMA : dans un second temps, la nomination vient de l’Autre. D’abord l’Autre

comme public, puis comme MoMA. En 2010, le MoMA organise une rétrospective

de sa création de quatre décennies sous le titre The artist is present. Le MoMA

la nomme comme The artist et reconnaît son œuvre comme de l’art. Le MoMA

prend la place de la mère : « The mama was a kind of MoMA. »[6]

Ainsi, la nomination The artist, et non An artist, est à situer dans la même logique

que lorsque Lacan parle du cas de Joyce dans Portrait of The artist as a Young

man. C’est une nomination sinthomatique où elle essaye de « savoir faire » comme

artiste.

MAI : comme conséquence de cette exposition, Abramović monte un nouveau

projet MAI Marina Abramović Institute, un espace où il est possible de faire des

performances en continu et d’organiser des séminaires.

Aujourd’hui, elle collecte de l’argent avec l’aide de célébrités pour réaliser son

projet. C’est un work in progress que l’on peut considérer comme le troisième

temps de la nomination. Si jusque-là sa création était une suppléance liée au corps

réel, avec MAI il semble qu’Abramović soit en train de construire un corps

institutionnel, hors de son propre corps. À la différence de The artist, MAI est

un nom qui n’a pas besoin d’être répété et réactualisé constamment. C’est un

signifiant qui reste du côté de la métaphore.

On suppose que MAI fonctionne à la fois comme un nouage sinthomatique, réussi

et toujours in progress, et à la fois comme un point de capiton efficace qui arrête

enfin quelque chose d’un glissement infini du rond de l’imaginaire l’obligeant à se

refaire sans cesse un corps.

*Ruzanna Hakobyan est membre de la NLS, elle vit et travaille à Montréal.

[1] Laurent É., cité par G. Wajcman., présentation des « Conversations sur tout

ce qui tombe », Lacan Quotidien, no 245, Paris, Navarin, 24 octobre 2012.

[2] Westcott J., When Marina Abramović Dies: A Biography, Cambridge MA, The

MIT Press, 2010, p.16.

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[3] Westcott J., When Marina Abramović Dies : A Biography, op. cit., p. 33.

[4] Abramović M., « Documenting performance »,

http://www.youtube.com/watch?v=6Rp_av9kLPM

[5] Biesenbach K., Marina Abramović. The Artist Is Present, New York, The

Museum of Modern Art, 2010, p. 31.

[6] Hakobyan R., « La solution par l’art moderne : la création de M. Abramović »,

Mental, n° 30, 2013, p. 104. Ce texte fut présenté au congrès de la NLS,

Athènes en 2013, « Le sujet psychotique à l’époque geek », lors de la séquence

« Des solitudes possibles », animée par J.-A. Miller.

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 11

Marina Abramovic : the artist is present Analyse de Séquence

8’58’’ à 10’22’’

: Why is that art ?

13’07’’/ 18

Les 30 jeunes artistes : Faire rejouer le corps, est-ce encore du corps naturel ?

20’30’’ à 23’12’’

Le dispositif de la chaise trouée

Les différentes performances qui mettent le corps à mal.

Parents communistes, grand-mère pieuse.

25’40’’ à 28’49’’

Ulay

Marina vue par Ulay

Endurance physique hors du commun.

43’06’’ à 48’25’’

Ulay et Marina

57’28’’ à 1h02’12’’

Ulay et Marina à l’exposition

1h07’24’’ à 1h10’35’’

Autres visiteurs

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Séance 3

Diaporama histoire de l’art, histoire des corps Prise de notes

Reprise de la prise de notes.

Diaporama quizz : qu’avez-vous retenu ? (Immédiatement après la prise de notes)

Diaporama quizz : qu’avez-vous retenu ? La séance suivante.

Séance 4

Diaporama les distopies du corps : Prise de notes

Les dystopies du corps : Corps en crise, crise du corps

Le corps entre survalorisation et dépréciation

Nous vivons une époque de profonde transgression,

- époque de mutations

En fait, on peut parler de mutation anthropologique : l’individu hypermoderne

face à un monde qui a dépassé ses limites, a dû se chercher d’autres abris

pour y loger son corps.

= Face à ce monde mutant, monde sans idéal, sans quête, sans transcendance,

répond l’idée de corps-spectacle, de corps médiatique, de corps augmenté,

amélioré, seules possibilités pour l’humain de dépasser ses limites.

1) Le corps comme « matériau expérimental »

- Décorporéisation du corps qui est en fait étroitement associée à une quête

pour l’homme de son corps utopique

- La vie artificielle

- corps dystopique ?

Nul mieux que l’art à partir du XXe siècle n’a en effet exprimé ce

désenchantement du corps qui est fondamentalement une crise de l’Humanisme.

Malmené et asservi par la science, déconnecté de la pensée humaniste, noyé au

sein d’une machine sociale qui le submerge, le corps devient le lieu

d’expérimentation de l’humain.

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 13

Prisonnier entre l’utopie d’une jeunesse éternelle et la dystopie d’une trop longue

vieillesse, il subit à partir du vingtième siècle une crise fondamentale, qui est

d’abord une crise de l’identité corporelle.

René Magritte Entr’acte (huile sur toile), 1928. Collection privée.

* le corps perd d’une part son intégrité physique : il cesse d’avoir une forme

absolue

* il devint variable et ouvert à toutes les déformations possibles

Magritte, Entr’acte, peinte en 1928 : on y voit depuis le fond de scène d’un

théâtre des fragments de corps désexués et sans visage semblant regarder les

rangs d’un public absent remplacé par un étrange décor volcanique.

= renversement des valeurs morales : en perdant son unité organique, le corps

perd conséquemment son intégrité métaphysique.

=Aux conceptions religieuses traditionnelle du corps —marqué par l’unité originelle

et promis à la résurrection—, s’oppose un corps morcelé soumis à toutes les dérives

plastiques de l’objet et à tous les fantasmes de l’imaginaire.

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 14

Ce renversement de la relation entre le corps et la réalité sera l’une des

constantes de l’art du vingtième siècle, à commencer par le Cubisme.

Picasso « Femmes devant la mer » (1956)

En introduisant dans sa peinture des distorsions, des schématisations

géométriques, des morcellements, le peintre provoque une remise en question

des normes de beauté du corps.

Épuré, dépouillé, schématisé, le corps se disloque, se distend, explose,

et passe finalement du domaine de la représentation au domaine de

l’abstraction.

En déformant le visage et le corps humains, l’art moderne s’inscrit ainsi dans un

esprit de révolte par rapport au réel. Délivré de son obligation de ressemblance,

le corps devient un instrument d’exploration et progressivement, de transgression

sociale.

2) La désublimation du corps dans l’art moderne

Les deux guerres mondiales et les nombreux conflits du vingtième siècle ont sans

nul doute accentué cette réification de l’Homme. La guerre constitue donc une

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 15

rupture et une remise en cause brutale du corps comme univers de référence.

Dante Gabriel Rossetti

« Lady Lilith », 1866, Wilmington (USA), Delaware Art Museum

Ce qui subsiste de l’humain, c’est l’inhumain : corps tordus dans la souffrance,

cris des blessés déchirant la nuit, mosaïques de cadavres entassés pêle-mêle dans

les fosses…

À la quête idéale du corps parfait dont les Préraphaélites, héritiers du puritanisme

victorien avaient fait leur matière, répond la représentation du corps en douleur

au XXe siècle : le corps perd son unité

Marcel Gromaire (1892-1971) peint dans « La Guerre » (1925), ce ne sont pas

des corps d’hommes, ce sont des corps-machines, mécanisés, déshumanisés et

pétrifiés dans l’attente de la mort. Statufié dans un espace vide, le corps

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 16

devient un monument funéraire

Marcel Gromaire, « La Guerre » , 1925

(Musée d’art moderne de la Ville de Paris. © ADAGP/RMN – Bulloz)

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 17

L’histoire de l’art moderne serait ainsi celle de l’identité perdue.

Pablo Picasso, « Guernica », 1937 (détail)

Madrid, Musée Reina Sofía

3) L’exemple du corps artificiel chez les Futuristes italiens

Une démesure du corps humain…

Le Futurisme apparaît à une époque de profonds bouleversements idéologiques

dans la culture européenne.

- Le culte du progrès et du scientisme débouche donc sur l’affirmation d’un

corps artificiel et hybride, identifié à la machine, privé de son affectivité,

et obsédé par la toute-puissance.

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 18

Umberto Boccioni le protagoniste le plus important du mouvement futuriste :

dans sa célèbre sculpture, Formes uniques de la continuité dans l’espace (1913), il

représente un agrégat de formes censées figurer un homme.

- Mais un homme sans bras

- Cette déshumanisation du corps naturel correspond inévitablement à une mise à

l’écart de l’homme.

Umberto Boccioni (1882-1916), Formes uniques de la continuité dans l’espace

(1913) New York, MOMA

4) L’atteinte au corps dans l’art : du corps narcissique à la remise en cause

de l’intégrité corporelle

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 19

Paradoxalement, cet « adieu au corps » se traduit par une survalorisation du

corporel, des postures et des dévoilements.

Jeu sur les limites, la provocation corporelle ainsi que le narcissisme hyperbolique,

la culture excentrique qui explose dans la deuxième moitié du XXe siècle préfigure

l’adieu au corps

Elle précipite le corps dans l’Underground : tatouages, piercings, style punk,

épingles à nourrice, vinyle, zips, etc = traduisent plus fondamentalement un

profond dérèglement existentiel.

Clip Big girls cry réalisé en 2015 par Daniel Askill pour la pop-star australienne Sia

: on y voit la jeune danseuse Maddie Ziegler dans une scène forte évoquant un

étranglement. Le symbolisme très élaboré de la chorégraphie de Ryan Heffington

interroge immédiatement le rapport au corps et suggère un abus sexuel.

Proche du Body Art, le travail artistique sur le corps est inséparable d’un

processus de manipulation corporelle : il s’agit presque pour le corps d’éprouver

ses propres limites.

Cette remise en cause de l’intégrité corporelle est évidemment particulièrement

sensible de nos jours où confronté brutalement aux enjeux bioéthiques de la

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 20

génétique, le mythe du corps artificiel semble le point d’ancrage d’un profond

désordre social qui résulte en fait d’une culpabilité du corps naturel.

Jamais assez jeune, jamais assez beau, jamais assez mince, le corps est devenu le

souffre-douleur de l’Homme.

Au-delà même de la représentation, le corps devient outil, trace et empreinte :

corps-mémoire, mais aussi corps hybride, noueux, déformé, découpé, tordu,

morcelé…

Alighiero Boetti (« Moi qui prends le soleil à Turin le 19 janvier 1969 »

Etrange assemblage de boules de ciment réalisé en 1969 par Alighiero Boetti

(« Moi qui prends le soleil à Turin le 19 janvier 1969 »)

Derrière ces 111 boules de ciment figurant une forme humaine = le corps séché

d’un cadavre gisant sur le sol, déjà raidi ?

Liée à l’Art corporel (ou Body-Art), Paul McCarthy n’hésite pas à s’automutiler et

à maculer son corps de tâches de peinture.

McCarthy fait du corps le creuset d’une profonde angoisse

existentielle : « J’utilise le corps comme réceptacle des peurs, des obsessions,

des conflits générés par notre société »¹.

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 21

Paul McCarthy, « Two heads », 1971-1993. Diptyque cibachrome (© Galerie

Georges-Philippe Vallois, Paris)

= Le corps, à travers l’art, n’a cessé de rendre compte de cette crise de la société

dont nous sommes les témoins.

En dépassant ses limites, le corps s’affranchit de tout manichéisme pour donner

consistance à ce qui relevait hier de la Science-fiction, voire du nihilisme.

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 22

Ángela Burón, « Anatomie surréaliste », 2016

Il ne fait guère de doute en effet qu’au XXIe siècle, l’art accompagnera les

tendances actuelles aux transformations du corps et à l’hybridation. Cette

tendance n’est en rien un quelconque abandon du corps

naturel

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 23

Stelarc, Handswriting, Maki Gallery, Tokyo 1982.

Une telle conception n’est cependant pas évidente : de fait, ce qui est

radicalement nouveau dans l’art contemporain, c’est la façon dont les artistes

s’accommodent des possibilités inouïes de la science pour façonner le corps au

gré de leurs envies ou de leurs fantasmes.

Au contraire de cet humanisme, l’art moderne suppose un changement dans la

représentation de notre propre corps. Ainsi, l’attrait fantasmé pour les techno-

sciences amène à reconstruire l’identité même de l’humain.

En manipulant le corps comme s’il s’agissait d’un appareil, d’une machine, les

artistes ne mettent-ils pas en évidence le vide du soi corporel dans le monde

moderne ?

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 24

Claes Oldenburg posant devant l’une de ses œuvres (Giant toothpaste tube, 1964)

=Réification de son propre corps

5) Conclusion : Vers un art « post-humain » ?

Evolution de l’art qui fait du corps un espace d’expérimentation sans limite est

fondamentalement une crise de l’humain. Corps en crise, crise du corps, perte de

soi, désir de changer de peau, d’apparence, de sexe, recherche d’une nouvelle chair

dans le corps artificiel, exploration des limites par la mise en danger du corps…

Reprise de la prise de notes.

Diaporama quizz : qu’avez-vous retenu ? (Immédiatement après la prise de notes)

Diaporama quizz : qu’avez-vous retenu ? La séance suivante.

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 25

Séance 5v) Entrainement SYNTHESE. Le corps et l’art.

Document A : Ovide, les Métamorphoses, (1er siècle avant JC)

Document B. « L’homme multiplié et le règne de la machine » de Filippo

Tommaso Marinetti (1910)

Document C. David Le Breton « Lukas Zpira ou le hacker corporel (2005)

Document D : Paul McCarthy, « Two heads », 1971-1993. Diptyque

cibachrome (© Galerie Georges-Philippe Vallois, Paris)

EXPLICATION DE CHAQUE DOCUMENT

Document A : Ovide, les Métamorphoses, (1er siècle avant JC)

Pygmalion, pour les1 avoir vues mener une existence vouée au crime, plein

d'horreur pour les vices que la nature a prodigalement départis à la femme, vivait

sans épouse, célibataire, et se passa longtemps d'une compagne partageant sa

couche. Cependant, avec un art et un succès merveilleux, il sculpta dans l'ivoire à

la blancheur de neige un corps auquel il donna une beauté qu'aucune femme ne peut

tenir de la nature ; et il conçut de l'amour pour son oeuvre. Elle avait toute

l'apparence d'une véritable vierge, que l'on eût crue vivante et, si la pudeur ne

l'en empêchait, désireuse de se mouvoir : tant l'art se dissimule grâce à son art

même. Pygmalion s'émerveille, et son coeur s'enflamme pour ce simulacre de corps.

Souvent il palpe des mains son oeuvre pour se rendre compte si c'est de la chair

ou de l'ivoire, et il ne s'avoue pas encore que c'est de l'ivoire. Il lui donne des

baisers et s'imagine qu'ils lui sont rendus ; il lui parle, il la serre contre lui et croit

sentir céder sous ses doigts la chair des membres qu'ils touchent ; la crainte le

prit même que ces membres, sous la pression, ne gardassent une marque livide.

Tantôt il lui prodigue les caresses, tantôt il lui apporte les présents qui sont

bienvenus des jeunes filles, des coquillages, des cailloux polis, de petits oiseaux et

des fleurs de mille couleurs, des lis, des balles peintes et des larmes tombées de

l'arbre des Héliades2. Il la pare aussi de vêtements, passe à ses doigts des bagues

de pierres précieuses, à son cou de longs colliers ; à ses oreilles pendent de légères

perles, des chaînettes sur sa poitrine. Tout lui sied, et, nue, elle ne paraît pas moins

belle. Il la place sur des coussins teints avec le murex de Sidon3, il lui décerne le

nom de compagne de sa couche, il fait reposer son cou incliné sur un mol amas de

plumes, comme si le contact devait lui en être sensible.

Le jour de la fête de Vénus, que tout Chypre célébrait en foule, était venu

; les génisses4 au cou de neige, l'arc de leurs cornes tout revêtu d'or, étaient

tombées sous le couteau, et l'encens fumait à cette occasion ; Pygmalion, les rites

1 Les femmes. 2 Les Héliades sont les sœurs de Phaéton, mort de n’avoir su maîtriser le char de son père le soleil (Hélios) qu’il conduisait. Elles se sont transformées en peuplier, pleurant encore des larmes de chagrin, sous forme de sève. Ovide en fait le récit dans les Métamorphoses. 3 Coquillage dont on tire une teinture de couleur pourpre. 4 Vaches n’ayant jamais mis bas.

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 26

accomplis, se tint debout devant les autels et, d'un ton craintif : « S'il est vrai, ô

dieux, que vous pouvez tout accorder, je forme le vœu que mon épouse soit - et

comme il n'ose dire : la vierge d'ivoire - semblable à la vierge d'ivoire » dit-il.

Vénus, qui assistait en personne, resplendissante d'or, aux fêtes données en son

honneur, comprit ce que voulait dire ce souhait et, présage de l'amitié de la déesse,

la flamme trois fois se raviva et une langue de feu en jaillit dans l'air.

Rentré chez lui, Pygmalion se rend auprès de sa statue de jeune fille et, se

penchant sur le lit, il lui donna des baisers. Il lui sembla que sa chair devenait tiède.

Il approche de nouveau sa bouche ; de ses mains il tâte aussi la poitrine : au

toucher, l'ivoire s'amollit, et, perdant sa dureté, il s'enfonce sous les doigts et

cède, comme la cire de l'Hymette5 redevint molle au soleil et prend docilement

sous le pouce qui la travaille toutes les formes, d'autant plus propre à l'usage qu'on

use davantage d'elle. Frappé de stupeur, plein d'une joie mêlée d'appréhension et

craignant de se tromper, l'amant palpe de nouveau de la main et repalpe encore

l'objet de ses voeux. C'était un corps vivant : les veines battent au contact du

pouce. Alors le héros de Paphos6, en paroles débordantes de reconnaissance, rend

grâce à Vénus et presse enfin de sa bouche une bouche qui n'est pas trompeuse.

La vierge sentit les baisers qu'il lui donnait et rougit ; et, levant un regard timide

vers la lumière, en même temps que le ciel, elle vit celui qui l'aimait. A leur union,

qui est son ouvrage, Vénus est présente. Et quand, pour la neuvième fois, le

croissant de la lune se referma sur son disque plein, la jeune femme mit au monde

Paphos, de laquelle l'île tient son nom. Ovide, les Métamorphoses, (1er siècle avant JC)

Texte B : « L’homme multiplié et le règne de la machine » de Filippo Tommaso

Marinetti

Il faut préparer aussi la prochaine et inévitable identification de l’homme avec le

moteur, facilitant et perfectionnant un échange continuel d’intuitions, de rythmes,

d’instincts et de disciplines métalliques, absolument ignorées aujourd’hui par le

plus grand nombre, et devinées seulement par les esprits les plus lucides.

[…] nous aspirons à la création d’un type inhumain, en qui seront abolis la douleur

morale, la bonté, la tendresse et l’amour, seuls poisons corrosifs de l’intarissable

énergie vitale, seuls interrupteurs de notre puissante électricité physiologique.

Nous croyons à la possibilité d’un nombre incalculable de transformations

humaines, et nous déclarons sans sourire que des ailes dorment dans la chair de

l’homme. Le jour où il sera possible à l’homme d’extérioriser sa volonté de sorte

5 Montagne bordant Athènes, connue pour la qualité de son miel, avec lequel on fabrique la cire. 6 Cité de Chypre, île consacrée à Aphrodite / Vénus

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qu’elle se prolonge hors de lui comme un immense bras invisible, le Rêve et le Désir,

qui sont aujourd’hui de vains mots, régneront souverainement sur l’espace et sur

le temps dompté.

Le type non humain et mécanique ; construit pour une vitesse omniprésente, sera

naturellement cruel, omniscient et combatif. Il sera doué d’organes inattendus :

des organes adaptés à un environnement fait de chocs continus.

F. T. Marinetti, L’Homme multiplié et le règne de la machine (extraits). Article rédigé en

Français en mai 1910.Cité par Giovanni Lista,

Le Futurisme, textes et manifestes (1909-1944),

Éditions Champ Vallon 2015

Texte C : David Le Breton « Lukas Zpira ou le hacker corporel (2005)

L’atteinte corporelle est une attaque du corps de l’espèce, elle perturbe les formes

humaines et suscite ainsi le trouble et le rejet. Celui qui s’incise, se brûle ou se

suspend dit son mépris ou son indifférence face au corps lisse, hygiénique,

esthétique, achevé qui est de mise dans nos sociétés contemporaines. La sacralité

diffuse qui entoure socialement le corps est altérée, profanée. En « abîmant » son

corps, comme le dit le discours commun, l’individu entre dans une sorte de

dissidence. Attenter à l’image du corps (et donc de soi), s’infliger délibérément

une douleur, ce sont là deux transgressions essentielles aux yeux de la société, et

pour l’individu deux manières de dire son refus des conditions d’existence qui sont

les siennes. En brisant les limites du corps, l’individu bouleverse ses propres limites

et s’attaque simultanément aux limites de la société, puisque le corps est un

symbole pour penser le social.

David Le Breton « Lukas Zpira ou le hacker corporel », in : Lukas Zpira, Onanisme Manu Militari

II, Hors Éditions, 2005

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 28

Document 4 : Paul McCarthy, « Two heads », 1971-1993. Diptyque cibachrome (©

Galerie Georges-Philippe Vallois, Paris)

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 29

Corpus sur corps et art. Problématique ?

EP : En quoi l’art est-il le reflet de l’image que l’individu et la société se font du

corps ?

Corps naturel, corps artificiel autour de Marina Abramovic (profs) 30

Synthèse rédigée (au propre).

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