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desafío

Directora: Aiola Virella GarcíaEditora: Odalys Rivera Montalvo Editor Desafío: Manuel Clavell Subeditora: Edmaris Otero JoverRedacción: Ana Teresa Toro, Hermes Ayala, Yennifer Álvarez Jaimes, Pablo Arroyo y Elba BetancourtCorrección: Manuela GarcíaFotografía: Ricardo Alcaraz Díaz

Arte: Claudia Flórez GalindoEditor Diálogo Digital: Eduardo Andrade GressSubeditora Diálogo Digital: Norenid FelicianoAdministración, ventas y suscripciones: Noemí Núñez Díaz Gerente Proyectos Especiales: Perla Sofía Curbelo

Se aceptan colaboraciones. Diálogo se compromete a examinarlas, pero no necesariamente a publicarlas, ni contestar correspondencia relacionada. Las colaboraciones deben enviarlas a doble espacio y no deben exceder de las tres cuartillas (papel 8 1/2 x 11). Diálogo se reserva el derecho de editar los textos por razones de espacio y hacer correcciones de estilo pertinentes.La Universidad de Puerto Rico es un patrono con igualdad de oportunidades en el empleo. No se discrimina en contra de ningún miembro del personal universitario o en contra de aspirante a empleo, por razón de raza, color, género, nacimiento, edad, impedimento físico o mental, origen o condición social, ni por ideas políticas o religiosas.

Jardín Botánico Sur #1187 calle Flamboyán, San Juan Puerto Rico 00926-1117E-mail: periodicodialogo.upr@gmail.com • Teléfono: (787) 763-1399 • Fax: (787) 250-8729

Universidad de Puerto Rico • Año 22 - núm. 218 • mayo-junio 2009

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Presentamos un recorrido por las principales actividades de la feria de arte contemporáneo más grande del Caribe, CIRCA 09 y Circa Labs@Plaza, a través de tres crónicas interesantes a cargo del columnista J.E. Fernández y los periodistas Diana Soto de Jesús y Manuel Clavell Carrasquillo.

Las noticias reiteradas de casos de violencia contra mujeres llevan a la profesora Margarita Mergal a reflexionar sobre dos temas: los currículos de estudios del género y la autonomía universitaria.

El profesor y crítico de arte Manuel Álvarez Lezama analiza el estado actual de las artes visuales en Puerto Rico.

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vida sana

entre estudiantes

El año pasado, alumnos videntes y no videntes participaron del curso de escultura del programa Sin Fronteras del Museo de Arte de Puerto Rico, impartido por un profesor con impedimento visual que ha logrado desarrollar métodos para hacer arte desde otro “punto de vista”.

Un grupo de 25 graduandos de Bellas Artes y Educación en Arte del Recinto de Río Piedras de la Universidad de Puerto Rico participará en la exhibición Expo Graduandos 09 a partir del 5 de mayo en la galería Francisco Oller.

Durante la década de los noventa, una serie de acontecimientos transformó la doctrina del derecho internacional, dando paso a un panorama que apunta a que la época de la impunidad por crímenes cometidos por altos funcionarios de gobierno durante el ejercicio del poder ha pasado a la historia.

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En este número, Diálogo discute la influencia de la glo-balización en el arte. Nuestra reportera Ana Teresa Toro explora, junto a sus entrevistados, las nuevas geografías que la red cibernética ha trazado a las artes plásticas y su impacto en la difusión y el contenido de las obras artísticas contemporáneas. También, Portada incluye dos reportajes sobre las iniciativas que emergen desde algunos museos locales para lograr mayor acercamiento y receptividad del público.

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Juntillas

Silvia Álvarez CurbeloPresidenta Junta Editorial Diálogo

Las playas, ¿públicas o privadas?

Al igual que a Mercedes López Baralt, quien fue la respondiente

del discurso de incorporación de Magali García Ramis a la Academia Puertorriqueña de la Lengua, eso de la maga como flor nacional no me entu-siasma mucho. Seguimos siendo gente de amapola, con la que envolvíamos nuestras casas y liábamos cigarrillos de embuste. Eso sí, las dos agasajamos la memoria de la Maga de Julio Cortázar, el personaje inolvidable de Rayuela, texto que interceptó tantas angustias y deseos rayados por el exilio y por las convocatorias, a veces cónsonas, otras disonantes, del arte y la política. Nos hermana también, como a tantos otros de la ínsula, de las tierras allende del charco y del mundo sin límites de sus lectores, una pasión por la Maga García Ramis con todo y sus nombres de cola: Fredeswinda y Antonia. Allí estuvimos, en ese Ballajá tan vasto y tan solo, donde me parece que todavía resuenan las órdenes marciales o los pasos sigilosos de las “norsas” militares cuando se llamó Hospital Rodríguez, para ver a Magali transformada en académica. No hubo metamorfosis kafkiana que le tornara adusto el gesto o pomposa el habla. La Maga fue la de siempre: popular sin ser populachera, generosa sin condescender y crítica sin caer en el esnobismo o el nihilismo. Con caden-cia justa y nostalgia calibrada, elaboró simultáneamente un diario memorioso y un alfabeto significante para cumplir con el ritual que exige la Lengua ins-titucional pero también para satisfacer la otra lengua, la del habla compartida, la del buen y cascabelero decir. En su discurso de corte cinema-tográfico, se sucedieron los close-ups de piel y de alma de su familia: las famosas tías profesionales avant la lettre en el Puerto Rico de los treinta; la madre políticamente incorrecta; los hermanos, el de arriba y el de abajo, y su padre militar y guardabosque, que arrastraba las r y a quien le dedicó su alocución. Se paseó la cámara de las palabras por las escenografías de su amado Santurce, sede de su novela de crecimiento Felices días tío Sergio; por Río Piedras, donde aún inculca a sus alumnos y compañeros los secretos de la narración periodística a la vez que se faja en poco glamorosos pero necesarios comités universitarios; por Nueva York, donde revalidó en vivo y directo su admiración por el inglés

Maga

urbano y cool de novelas que saben a the wee small hours of the morning y a diners pintados por Edward Hooper. Son lugares de la memoria que pueden desatar lágrimas furtivas o estrujamientos de corazón. Pero en aquella noche de su incorporación, los flashbacks de Magali no fueron melco-chas de nostalgia sino revisitaciones, serenas unas, jocosas las más, sobre una vida que se acompasa con muchas de las nuestras, la de los hijos del ELA y de la modernización de Puerto Rico. Fue un discurso inminentemente político, no en el sentido de embudo de nuestros sesgos y utopías sino en el de la articulación de una identidad individual, familiar y social en medio de profundas transformaciones en el país natal y en el mundo. ¿Cómo coloreó Magali el mapamundi que convocaron nuestros maestros en disciplinados salones de clase? ¿A qué viajes de 20,000 leguas submarinas, a corazones en la oscu-ridad, a islas desiertas o Kilimanjaros nevados le llevaron sus lecturas febriles y fantasías de medianoche? ¿Qué historias ejemplares, vidas de santos y personajes ilustres compró todos los miércoles en la farmacia cercana para armar sus altares y panteones de hé-roes? ¿A quién le creyó, a sus parientes republicanos para quienes la historia comenzó en 1898, a los que celebraron el nacimiento de Puerto Rico en 1952 o al tío perseguido por el doble carimbo de nacionalista y homosexual? De todo eso nos enteramos con las letras como señales y con los recuerdos propios detonados al menor giro del calendario de Maga. En algún momento supo que sólo podría vivir aquí; que sólo podría escribir, hablar y querer en español; que sus relatos saciaban un afán genealógico irreprimible. Conocer siempre del que vino antes, de los que desembarcaron un día, de los que nunca salieron, de las que se armaron de valor y fueron a es-tudiar al Norte, de las que se guardaron en alcanfor en los baúles inamovibles de una casa, siempre alquilada, nunca adquirida. Fue una noche espléndida que agra-dezco hondamente por el desinterés, que es siempre la cifra más íntima del arte, que nos hizo, en lengua española de ultramar, Maga.

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Las costas de Puerto Rico albergan uno de los recursos más valiosos y maravillosos con que cuenta el País: las playas. Pero, al parecer, en muchos casos, el uso y disfrute de estos paraísos se ha convertido en un privilegio de pocos más que un derecho de todos, aun cuando la ley exige el libre acceso. Diálogo Digital presenta un video-reportaje investigativo.

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Utilicemos la metáfora más tropical. Resulta evidente que es imposible conocer los estragos de un huracán, el saldo del paso de una

tormenta o de unas copiosas lluvias hasta que la vorágine climática ha cesado. Del mismo modo, es una tarea atrevida y arrojada comprender las repercusiones de la globalización en el arte o en cualquier manifestación cultural, económica y política; así como el resultado de la revolución mediática que representa la incursión del Internet, puesto que aún todo esto nos está sucediendo.

Sin embargo, sí es posible explorar las primeras reflexiones que se desprenden de este fenómeno que vive esta generación. Diálogo indagó sobre cómo la tan mentada globalización, que facilita la red cibernética, ha tenido impacto en el contenido, la difusión y la rentabilidad de las obras artísticas contemporáneas.

“Esto ha abierto el mundo, ha generado intercambios, ha permitido que artistas puedan viajar, ha ayudado a la expansión de las ferias porque ahora se puede viajar de manera barata. Todo esto después de Internet”, opinó el curador independiente español Paco Barragán quien visitó la Isla con motivo de la cuarta edición de CIRCA, la principal feria de arte contemporáneo del Caribe y Centroamérica que se realizó en San Juan a mediados de abril.

Desde su posición, este profesional también apuntó que uno de los aspectos más saludables en cuanto a lo que ha generado la red es la posibilidad –como es su caso– de afianzar la figura del curador independiente que viaja con sus proyectos, refrescando así las perspectivas desde las que se estructuran los proyectos artísticos. Igualmente, Barragán celebra el hecho de que se cuenta con un apabullante acceso a la información a través de la Web y con las herramientas tecnológicas cada vez más avanzadas y accesibles que posibilitan estos cruces de contenidos.

“Recibimos, manipulamos y circulamos las imágenes y los contenidos de un modo distinto. Cambia la sociedad y cambia el modo en que esa sociedad influye en el arte y en cómo el arte reflexiona sobre su propia historia”, apuntó el curador.

Es alucinante, a juicio de la mayoría de los artistas entrevistados, la dimensión de la puerta que ha abierto el Internet tanto para la difusión de sus obras como para los contenidos que trabajan.

Hoy día, a cualquier hora un puertorriqueño puede ver lo que se está haciendo en Tokio, alguien en Berlín puede ver una obra reciente hecha en Brasil y alguien desde Australia que quiera curiosear por Irlanda o Estados Unidos no tendrá problemas para ello. El acceso a ese conocimiento amplía sin duda el horizonte creativo y referencial pero: ¿hasta qué punto?

“La repercusión que han tenido los nuevos medios es avasallante y yo honestamente creo que esa repercusión vamos a tardar mucho tiempo en calibrarla porque ahora mismo estamos tan en ella”, advirtió el doctor Dorian Lugo de la Escuela de Comunicación del recinto riopedrense de la UPR, quien imparte el curso de Teorías de Significación y Cultura, entre otros, e incluso ha incursionado en la escena artística con la publicación Saqueos.

Según Lugo, lo que sí puede observarse con claridad es la gran aportación en términos de gestión cultural que ha representado esta revolución mediática, la más grande desde la imprenta. “Gracias a los nuevos medios muchos artistas no tienen que pasar por tantos filtros o mediadores para dar a conocer su obra como antes”, señaló el profesor quien, por otro lado, considera que aunque no está muy claro qué tipo de relación tenga esto con los contenidos que trabajan los artistas, sí es posible intuir que el hecho de que se puedan saltar escalones como los galeristas u otras industrias culturales puede repercutir en una menor edición de los contenidos.

Ahora bien, hasta dónde esta democratización de la información genera una banalización de los contenidos, entre otras cosas, ya es un debate distinto. “No hay que ofrecerle una mirada nostálgica a los tiempos de antaño, de los grandes cedazos. Yo le doy una absoluta bienvenida a los tiempos contemporáneos pero a la vez hay que permanecer alerta. Esta democratización no supone tampoco mayor rigor en la calidad de los contenidos, pero tampoco supone empobrecimiento, no es ni una ni la otra”, elaboró.

Una de las obras que Nayda Collazo Lorens expuso en

CIRCA.

En-redados: el arte después de la Web

Ana Teresa Toro

La Internet ha abierto una puerta a nuestros artistas

para difundir ampliamente su trabajo.

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Los contenidosEsta discusión no es una verdadera

novedad. Quizás el medio sea novedoso pero la experiencia es conocida, sobre todo en el mundo del arte. Desde el Renacimiento, el viaje, el intercambio cultural, las interacciones sociales, políticas, económicas, geográficas y personales siempre han tenido repercusiones en las obras, su difusión y sus contenidos. Un artista de los Países Bajos viajaba a Italia y esa influencia entraba en su obra. Van Gogh no habría sido quien es si no hubiese tenido acceso a los grabados japoneses. El arte del siglo XX no sería el mismo sin el acceso al arte africano y oriental. Lo que resulta notable es la incursión de nuevas herramientas que en muy poco tiempo pierden vigencia. “Ya no se recurre a la tecnología por la curiosidad de desentrañarla y experimentar con ella, ese aspecto más formal”, anotó Paco Barragán quien confesó estar más interesado en obras que utilizan la tecnología para llegar a otra parte. Por ejemplo, un artista que proyecta una pintura. Es un vídeo pero es pintura, hay una “sobre posición” de medios que le resulta más estimulante como curador versus la pintura en sí.

“No creo que un artista hoy, a principios del siglo 21 pueda estar pintando como Velásquez hacía en su día porque cada buen artista refleja también la sociedad en la que vive, las preocupaciones, los medios, etc… Cuando a un artista le llegan las imágenes, la información, la publicidad, el vídeo, todo eso influye y eso de alguna manera lo tienes que reflejar en tu práctica”, expresó el curador, quien colabora con CIRCA desde sus comienzos.

El origen de esto tiene mucho que ver además con lo que apunta el joven curador local Ralph Vázquez, quien recuerda que muchos de los artistas emergentes trabajan influenciados por la publicidad. “Nos apropiamos de técnicas de revistas de moda, de tipo National Geographic. Somos

personas que nos hemos criado con una gama de literatura alternativa y cuando hacemos arte ahora asumimos esa estética y nos damos cuenta de cómo la publicidad ha sido nuestro patio trasero. Muchas de nuestras estrategias de representación las hemos tomado de la publicidad y no tanto de nuestra propia historia del arte”, explicó.

De otra parte, el artista y crítico Pedro Vélez –cuya entrevista telefónica fue posible precisamente gracias a la red– consideró que el contenido de las obras no cambia por razón de la tecnología, sino que más bien lo que ha cambiado es la forma de distribución de la obra y el acceso del público a ésta. “Un artista que trabaja una obra en la Web no es mejor, peor o diferente a un pintor. Ambos, en este momento histórico, aplican estrategias estéticas socio-políticas, de carácter trans-regional y acorde con la globalización”, dijo esta polémica voz de la escena del arte local conocida por muchos por el blog Box Score, desde el cual además de trabajar crítica de arte y documentar actividades relacionadas, lanzó los señalamientos más frontales y desenfadados ante las polémicas artísticas nacionales.

Desde el punto de vista del artista puertorriqueño Rafael Trelles, esta presencia de la red y los cambios que

ha supuesto la globalización también pueden apreciarse en lo que considera un cambio de materiales primarios. Según su experiencia, los productos culturales como la publicidad han pasado a ocupar ese lugar que antes tenía quizás el pigmento o el barro en su sencillez. “El artista se ha convertido en un reconstructor y un recreador de estos productos culturales, muchos artistas están apropiándose de imágenes, de fotografías, de información de diferentes épocas y su trabajo es reconstruirlos y reinterpretarlos en una nueva obra”, señaló Trelles. El creador de la instalación Visitas al Velorio –una reinterpretación del cuadro de Francisco Oller– considera que la posición de los artistas en torno a estos nuevos estilos de hacer se divide entre la resistencia a la globalización para preservar una identidad cultural y a su vez, la apertura hacia la influencia que llega a través de los medios de comunicación. Esto, según elabora, nos lleva a repensar las colonizaciones culturales y cómo han cambiado de dirección.

Nuevas geografías“¿Dónde comienza y dónde termina una

geografía?”, se preguntó el profesor Dorian Lugo.

Para un boricua es mucho más probable sentirse más cerca de un nuyorquino que de un jamaiquino, o incluso encuentre más empatía con un europeo que con un haitiano. Así, maleables, como hechas de plasticina, parecieran ser las nuevas fronteras y las nuevas geografías que propone la red. Incluso, con nuevas formas de transculturación y migraciones de contenidos.

“Hasta ahora la dirección de la colonización cultural era de las grandes potencias hasta sectores del tercer mundo y nos sentimos siempre ocupados por esa cultura poderosa. Sin embargo, ahora con la globalización los artistas del tercer

mundo, de los países en desarrollo están tomando toda esa información cultural y mandándola para allá. Hay una reinvasión”, destacó Trelles, en cuyo gesto se advierte la fascinación por la novedad y la memoria de lo vivido.

El artista se refiere además al paralelismo que tiene este tipo de cruces con los flujos migratorios de la actualidad; situación global que ha producido mucha irritación desde los puntos de vista de los estados receptores pero que, a nivel cultural, ha resultado en un encuentro afortunado. Igualmente, Pedro Vélez apunta que a quienes verdaderamente ha ayudado el acceso fácil y barato a la nueva tecnología han sido a los artistas de regiones marginadas por los grandes centros culturales, a los colectivos de artistas activistas, en especial a los de Latinoamérica y Asia.

Continúa en la página 10

Una obra de Clemente Labin

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La influencia de la publicidad es

palpable en muchas obras de arte

contemporáneo como esta pieza que Edgrado Larregui expuso en CIRCA.

Según el pintor puer-torriqueño Rafael Trelles (al centro) el artista se ha convertido

en un recreador

de distintos productos culturales.

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En la web existen sitios como el portal elmuseovirtual.com donde se difunden las obras de distintos artistas.

Los entrevistados coinciden en que el caso de Puerto

Rico, como todo país, acarrea unas particularidades y variables que hay que tener presentes al hablar de nuevas geografías. Según Vélez: “Puerto Rico es una zona marginada por nuestro estatus político, anticuadas instituciones culturales y la prensa cultural amateur del mainstream”, aunque no restó mérito a ejemplos como el hecho de que los artistas que trabajan en la Isla puedan subscribirse fácilmente a la escuela del Relational Aesthetics de Nicolas

Bourriaud o que el trabajo que la artista Carmen Olmo produce hoy en día desde su computadora en Santurce es paralelo al del yugoslavo Vuk Cosic, uno de los pioneros del net art en la década de los noventa.

Por su parte, la directora de Artes Plásticas del Instituto de Cultura Puertor-riqueña (ICP) y curadora Marilú Purcell celebra que no haya tantas barreras para la comunicación y que los tabúes poco a poco

sean menos relevantes, a la vez que recuerda que “el aislamiento intelectual, emocional y geográfico del país hace que todo esto llegue más tarde. Somos una isla dentro de otra isla”.

Entre tanto, Celina Nogueras, directora artística de Circa, elaboró respecto al valor de las repercusiones de la globalización en la superación del costumbrismo y del folclorismo en el arte puertorriqueño.

Nogueras comentó que en un momento dado las inquietudes en Puerto Rico estuvieron cifradas en el tema patrio, lo que implicó una exaltación y recreación en el arte de lo denominado nacional y que a menudo se tradujo en folclorismo. Evidentemente, una nación asechada, debe afianzar su identidad.

Pero, mientras esto sucedía a principios del siglo XX, el mundo comenzó a cambiar sus temáticas. El Impresionismo relegó a un segundo plano la representación de la realidad. “Aquí todo eso llegó mucho más tarde y el cartel, que dicen que es

el movimiento más importante de Puerto Rico, realmente era un movimiento educativo que utilizó la gráfica y a verdaderos maestros del arte, pero tú no puedes exportar el cartel como el movimiento más importante de Puerto Rico porque realmente no lo es”, ejemplificó Nogueras, sobre los procesos locales tardíos y las que considera incongruentes evaluaciones posteriores.

Entonces, el arte contemporáneo en la Isla se topa con un doble reto: primero insertarse en el imaginario colectivo local que muchas veces,

si se piensa de modo masivo, considera arte “legítimo” a obras en las que se habla únicamente del piragüero y la caña de azúcar, es decir afianzarse como propuesta en la masa pues en los círculos culturales ya lo ha hecho; y en segundo plano insertarse en los discursos globales cada vez más cruzados, cada vez más ambiguos. La red propone nuevas fronteras. El artista tendrá que cruzarlas, con papeles o sin ellos.

Narciso en la red Los contenidos artísticos que se publican en la

Web como la documentación visual de activida-des, textos, piezas híbridas fundamentadas en la más absoluta libertad de expresión cargan consigo el estigma y la lectura que mucha de la informa-ción de las redes sociales arrastra: son el reflejo de una sociedad más narcisista que se mira a sí misma constantemente en el espejo virtual. Ahora bien, ¿cuánto de cierto hay en este planteamiento? ¿Tiene esto alguna repercusión en la obra de los artistas contemporáneos?

“Eso es simple y sencillamente una interpreta-ción”, opinó el curador Ralph Vázquez. “Nos ponen una etiqueta de narcisistas o de personas ensimis-madas para liberarse de la responsabilidad de te-ner que conocernos realmente”, añadió.

Y es que una cosa son los fenómenos narcisis-tas que puedan identificarse en la red, donde per-sonas documentan el más ínfimo detalle del más banal instante de su vida y otra muy distinta es que esto represente una especie de quiebre social mayor o que implique la construcción de una so-ciedad más conectada y a su vez ensimismada a través de la red. Pues como plantea el profesor de Comunicación, Dorian Lugo, el arte contemporáneo no es más narcisista que los múltiples autorretra-tos de Rembrandt en el siglo XVII o los de Alberto Durero en el XVI.

A juicio de Lugo esto es una tendencia que pa-reciera ser un reclamo generacional inevitable y que históricamente se repite una y otra vez. “No es que la generación contemporánea sea más nar-cisista que la anterior, yo honestamente creo que ahora hay mayores posibilidades mediáticas para exhibir el narcisismo de antes”, apuntó Lugo sin ol-vidar por otro lado, que la Web provee un espa-cio no sólo para el culto al yo sino para el culto al no yo, al anonimato o al seudonimato que per-mite una enorme libertad de expresión, nunca an-tes experimentada.

Además, hay que tener en cuenta que después de mayo del 68, conocido por las masivas confron-tacioes de la policía y los universitarios en Francia y causante de una gran decepción de la posibili-dad de reivindicaciones sociales, el auge del indivi-dualismo en más de un aspecto se hizo presente. “Ya no se detectan por ejemplo en Puerto Rico ne-cesariamente movimientos artísticos. Vivimos en la individualidad”, aportó la directora artística de CIR-CA, Celina Nogueras, quien rechaza la idea de que el Internet nos ha hecho no sólo sociedades más narcisistas sino que además, ensimismadas. Nogue-ras considera que estas conexiones virtuales suelen ser, sobre todo en el caso de las relaciones pro-fesionales entre artistas y miembros de la industria cultural, un preludio de un encuentro personal.

De otro lado, Marilú Purcel, directora de Artes Plásticas del ICP, observó que “esas redes sociales cibernéticas han creado una colectividad que no había antes”.

Desde el punto de vista de artistas jóvenes como Norma Vila, Josué Pellot y Karlo Ibarra el conside-rarse o no narcisista no necesariamente representa un conflicto al momento de plantearse su obra. “Ha-blo de mí porque es lo que conozco mejor”, asevera Pellot, cuya obra utiliza su experiencia como puerto-rriqueño criado en Chicago y en ocasiones a sus fa-miliares como personajes para hablar de una expe-riencia común a cualquier ciudadano transculturado. Mientras que Vila opina que ambas vertientes son absolutamente válidas y de gran peso artístico. Es decir, que el tema social, político y colectivo no se opone al tema psicológico, íntimo y personal. Inclu-so, las barreras entre ambos están muy difusas.

En cuanto a qué resulta más interesante global-mente, el curador independiente Paco Barragán, le apuesta sin reparos a los artistas que hablan des-de lo local, desde ese yo con identidad y no aquel yo genérico que, por querer ser tan global acaba por no decir nada. Un yo colectivo parece imponer-se. Una ambigua cohesión de ideas, tan maleables como los tiempos modernos. [ATT]

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Exposición de obras de Luis Hernández Cruz

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“The Last Supper”, una de las obras de Caros Betancourt expuestas en CIRCA.

- ¿Sabes, cuál es el problema? Que yo ya fui hippie, ya fui posmoderna, ya fui zen, ya fui militante, ya fui frívola, ya fui linda, ya fui sexy, ya fui esposa, ya fui amante, ya fui fóbica…

-¡Pero si es genial tener una vida intensa! ¡No entiendo cuál es el problema!

- … Que ya fui. Maitena, caricaturista argentina

Vivimos los tiempos donde a prácticamente todo lo pensable se le puede adherir el prefijo post.

Postmodernismo, post feminismo, post estructuralismo, post realismo, post cubismo; en fin, las posibilidades son ilimitadas. Incluso hemos llegado al punto en que esas categorías son insuficientes. Esta generación ha venido a ser la heredera de todos los post. Los post, post. Esto sin duda, en el marco de las artes plásticas propone reflexiones muy particulares en términos de la búsqueda de tendencias en las obras artísticas.

“En las exposiciones que hacemos aquí en la escuela vemos siempre cosas muy distintas entre sí, no esas diferencias tan marcadas que se daban cuando yo me crié que había esa pugna en los 50 y 60 entre el arte abstracto y el arte de contenido”, expresó la rectora de la Escuela de Artes Plásticas, Marimar Benítez, quien de otra parte observa no una tendencia sino una proliferación de obras con contenido abiertamente político y de preocupaciones sociales como, por ejemplo, la violencia doméstica.

“Yo diría que durante los 90 los artistas estaban más preocupados por hacer carrera. Pero ahora veo un regreso a esa idea del artista como productor social, como generador de actividades que están a favor de la comunidad”, añadió Benítez, cuya opinión nos hace pensar en casos como el proyecto

las generaciones subsiguientes y que se rescatan con la generación del 90”, especificó.

De otro lado, el doctor Dorian Lugo, considera que en los últimos 15 años se ha retornado al arte conceptual, o como le han llamado el neo o post arte conceptual. En estas propuestas el profesor se ha fijado en que se recurre a respuestas de bajo presupuesto como mecanismo de resistencia hacia una sociedad hipertecnologizada, muchas de las cuales no le resultan tan ingeniosas como por ejemplo las ofertas de la Web.

“Estas otras propuestas no llevan el ribete de que es arte y se realizan con una frescura, un afán de compartir, un juego y muchas veces uno puede echar eso de menos en el ambiente del arte contemporáneo”, señaló Lugo consciente de lo controversial de su postura.

“El arte está constantemente reformulándose, reinventándose. No es un reproche hacia la comunidad artística, yo mismo tuve que ver con ella en un momento, pero siento que el golpe, la embestida de los nuevos medios es tan grande, estamos todos repensándonos”, aclaró.

No se puede dejar de lado tampoco el contexto histórico. Fechas cercanas como el 11 de septiembre, la Guerra de Irak y todo lo que esto ha acarreado mundialmente, traen algunos regresos al conservadurismo. Tal y como ha sucedido en el pasado tras momentos similares. Opina el curador Paco Barragán que ese regreso a la pintura, al arte más clásico y tradicional que algunos puedan percibir en los distintos mercados del arte, tiene su origen en estos contextos.

“Eso no aporta nada al discurso contemporáneo. Creo que esta crisis actual tiene que traer un arte nuevo en el sentido de que no sea un arte tan especulativo, tan fetichista con lo tecnológico”, aseveró el español quien por otro lado se atreve a ofrecer sus vaticinios con relación al futuro.

“Pienso que será un arte más introspectivo, menos espectacular. También un poco más relacionado con el tiempo de una nueva conciencia del aquí y el ahora. Si el postmodernismo era el todo vale, el copy paste, el collage. Entonces ahora habrá un quiebro, un retorno a lo que yo llamo neo modernismo, que recuperará ciertas virtudes de ciertos movimientos, habrá relecturas, un neo barroco, neo anarquismo, neo gótico”, finalizó apostándole además a una entrada triunfal a la época de la narrativa, del story telling.

Coco d`Oro en el Barrio La Perla, liderado por el artista Edgardo Larregui o el espacio cultura ÁREA, en Caguas iniciado por el artista Quintín Rivera Toro.

SintoníasSi se fuese a trazar alguna línea que relacionara las

obras de los artistas contemporáneos probablemente sería tan enrevesada como una tela de araña. Así pues, es más efectivo hablar de puntos de encuentro y desencuentros. Según el crítico de arte y artista, Pedro Vélez, no se puede establecer una medida pues el resultado de esta vorágine se está cuajando ahora. Sin embargo, sí contempla un regreso a la figura humana, a la abstracción bien expresiva hecha con aerosol y a la pintura abstracta. Igualmente destacó lo que considera es una mirada retro a la identidad cultural, marginal y la radical. También apuntó que en Puerto Rico cualquier tema político siempre será relevante para cualquier generación o artista.

Por otra parte, la directora de Artes Plásticas del Instituto de Cultura Puertorriqueña y curadora, Marilú Purcell, ha observado que un puñado de artistas entre sus 35 y 45 años ha comenzado a manifestar en su obra una verdadera preocupación de volver a la maestría técnica y a la valorización del efecto deslumbrador de un objeto artístico de creación compleja.

“No podemos olvidar que somos una sociedad global, virtual y que tenemos unas sofisticaciones visuales que no teníamos hace 20 años pero tenemos que volver al producto, a que el objeto sea una cosa con contenido y forma”, dijo.

Esa vuelta a la valorización del objeto no necesariamente se encuentra con generaciones más jóvenes. El curador Ralph Vázquez describe lo que percibe entre sus pares con una metáfora. “Qué es lo que hacen los artistas, pues hay una maquinaria operando y ellos tienen una piedra en la mano. Miran la máquina, miran la piedra, le tiran con todo y siguen caminando. Esa es la moda”, advirtió quien considera que su generación está en el proceso de desbancar la maquinaria ideológica que ha sustentado el pensamiento artístico en la Isla durante décadas. “Queremos rescatar una serie de elementos que heredamos de la generación del 50 que se perdieron con

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Falta de infraestructura y de fiscalización

A estos factores se suma el rol de las instituciones culturales gubernamentales que deben velar por el mejor interés de los artistas y la más eficiente difusión de sus aportaciones culturales. Todo esto interfiere directamente con cómo opera el mercado.

En el caso de Puerto Rico se cuenta con organismos como el Instituto de Cultura Puertorriqueña, el Museo de Arte de Puerto Rico, el Museo de Arte Contemporáneo y la Escuela de Artes Plásticas, entre otros. Sin embargo, su existencia no garantiza que la máquina de la industria artística del país funcione a cabalidad. Al menos en eso coincide la mayoría de los entrevistados, al establecer que el mismo problema de pobre o ninguna fiscalización que afecta a otras dependencias del gobierno salpica por igual a las instituciones culturales.

Del mismo modo, la solidez de la infraestructura privada y pública para sostener la industria del arte en el país no puede operar sin otras estructuras.

“Aquí en Puerto Rico estamos pro-duciendo muchos artistas y muy poca infraestructura para los artistas, con eso nos referimos a críticos, galeristas, histo-riadores de arte, curadores, periodistas de cultura. Todo eso lo necesitan los ar-tistas para sobrevivir y estar en el mer-cado porque el mercado no son sólo los coleccionistas”, puntualizó la Directora Artística de la Feria de arte CIRCA.

Hablemos claro. El arte es un mercado como cualquier otro donde el dinero impera y son

pertinentes los conceptos de empresa e industria.

Entender cómo opera este mercado, cómo se mueve el arte a través de mecanismos como las galerías, los museos, las ferias, las bienales, los coleccionistas y otros elementos de las industrias culturales requiere que se tengan presentes multiplicidad de variables.

¿Cuáles son los criterios para que una obra adquiera determinado valor en el mercado? La respuesta a esa pregunta es tan subjetiva y variada como el arte en sí mismo. Factores como por ejemplo, la opinión de un crítico, la trayectoria del artista, el lugar de origen del artista, la moda, el tema, la presencia de una pieza en una bienal, los premios, la exposición mediática, las tendencias en las “sedes” del arte en el mundo, la muerte del artista, las conversaciones que su obra entable con una tradición plástica, el criterio de compra del coleccionista y la adquisición de la pieza por un museo, son algunos de los elementos que alteran y hacen fluctuar el valor de una pieza y por consiguiente su rentabilidad. Contrario a otros mercados, donde elementos como el costo de producción y el juego de oferta y demanda suelen ser más determinantes en el valor del producto.

Y es que en cuestiones de arte, el mercado pareciera que se comporta como un pulpo cuyos tentáculos deben estar en sintonía para que una carrera prospere. De acuerdo a nuestros entrevistados tres tentáculos de este pulpo parecieran no moverse de una manera

muy sincronizada. Entre estos emerge la figura del coleccionista, un personaje medio mecenas para algunos y medio oportunista para otros. Uno de los entrevistados cuestionó, por ejemplo, los criterios de selección de estas personas al momento de adquirir una pieza.

“La mayor parte de los coleccionistas son de otros países y vienen aquí, hacen sus fortunas y son extremadamente malagradecidos con nosotros, nos dicen no, preferimos coleccionar arte extranjero. Es increíble lo colonizado que está el sector del coleccionista y yo como curador me he dado a la tarea de tratar de atraer a gente nueva al espacio del coleccionismo”, dijo Ralph Vázquez, quien ofreció su perspectiva sobre la situación local y aclaró que evidentemente no todos funcionan de ese modo.

Por su parte, el curador español Paco Barragán, postuló que lo que los coleccionistas compran, pasa más rápidamente a recibir un aval institucional y académico. Es decir, que el mercado está sentando las pautas con relación a la valoración de una obra y un artista.

Otro de los tentáculos que tampoco parece funcionar en completa sintonía a juicio de uno de los entrevistados, es el de los galeristas. “Tienen que salir de su posición de comodidad, de vender para decorar. Deben ayudar a mover las carreras de los artistas, sobre todo en el extranjero. Sino, no son más que vendedores glorificados”, indicó la directora artística de CIRCA, Celina Nogueras

Finalmente, están las plataformas que representan las ferias cuyo fin es esencialmente comercial y las bienales, en las

que, aunque el propósito no es precisamente la venta, la llegada de una obra a un evento de esta naturaleza dispara sus precios y sitúa al artista en una posición de privilegio en el mercado.

A juicio del artista Pedro Vélez, recién seleccionado como integrante de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA) en Estados Unidos, “la feria es un evento estrictamente comercial”.

Sin embargo, para Barragán, quien próximamente publicará un libro sobre este tema, “no es correcto decir que las ferias son puro mercado porque hay propuestas muy interesantes allí y las bienales también son mercado aunque a mucha gente no le guste”.

No obstante, Vélez opinó que al final lo que se ve y el contexto dependen del curador de la Bienal o el director de la Feria. “Esta cosa de una feria curada es bastante nueva y se hace para complacer o contrarrestar la idea de la feria como un bacanal comercial”, subrayó. “Tenemos el caso de una Trienal que parece una feria comercial. La Trienal Poligráfica ha sido curada para exponer obra de artistas en la colección privada de los Berezdivin y así subir su valor en el mercado”, aseguró.

Vélez, además, señaló que la falta de una discusión cabal de este tipo de asuntos en la esfera pública, igualmente, por conflictos de intereses entre los medios comerciales de mayor alcance, el gobierno y el sector privado, provoca que este tipo de esfuerzos no logre consolidar la industria artística e institucionalizarla de un modo eficiente y transparente.

El mercado del arte: un pulpo de tentáculos complejos

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Aunque las ferias constituyen un

importante espacio para promover el arte, su fin es esencialmente

comercial.

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Ana Teresa Toro

Cuatro obras con historiaEl arte desde su origen ha tenido un vínculo muy fuerte con lo político, lo social y,

naturalmente, con lo cultural. Para ejemplificar esas relaciones hemos seleccionado cuatro obras importantes en la historia del arte que establecieron estrechos lazos con su contexto histórico.

Guernica Una de las obras de arte más importantes

del siglo XX lo es sin duda, el Guernica de Pablo Picasso. No sólo por su valor como obra plástica sino por el contexto político y social en el que fue creada.

Esta obra de 137.4”por 305.5”, fue pintada en los meses de mayo y junio de 1937. Fue bautizaba así en alusión al bombardeo de la ciudad de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue la primera ocasión en dicha guerra donde se registraron bajas civiles, o sin eufemismos, asesinatos de inocentes no implicados en el conflicto. La inmensa pieza, fue un encargo del Gobierno de la República Española con el propósito de que fuera expuesta durante la Exposición Internacional de 1937 en París, a modo de comentario político a favor de la causa republicana.

Ya en 1940, al establecerse el régimen dictatorial del general Franco en España, Picasso permitió que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). No obstante, dejó expresada su voluntad de que cuando su patria volviese a la democracia, el cuadro debía volver a España. Esto sucedió en el año 1981. Primero fue expuesta en el Casón del Buen Retiro y finalmente llegó en el año 1992 al sitio que hoy la alberga en exposición permanente: el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

Si bien sus múltiples lecturas siguen generando discusión y debates, su valor artístico es indiscutible. De hecho, una gran aportación de esta pieza es la inmensa cantidad de bocetos que el artista dejó y que muestran cómo fue poco a poco creándose la obra. De hecho, es una de las piezas con más documentación sobre su proceso creativo. Incluso, algunos de estos bocetos, estudios y fotografías se exhiben en la sala del museo donde está la obra. Una herramienta de gran valor para cualquier estudioso del arte o artista en ciernes.

El Guernica no sólo es una obra viajera que ha vivido, al igual que muchos españoles, el exilio y el regreso, sino que es considerada un icono del arte del siglo XX, por su valor como documento visual de los horrores de la guerra, sobre todo en comunidades de inocentes y como ejemplo de la obra del maestro del cubismo Pablo Picasso.

El pan nuestro de cada díaLa obra “El pan nuestro de cada día” de

Ramón Frade pintada en el año 1905 es sin duda, una de las piezas emblemáticas de la historia del arte puertorriqueño. Sobre todo por su valor como documento histórico que ilustra una realidad social, política, cultural y económica del País muy relevante para entender las décadas posteriores y la forja de los iconos de lo nacional y del folclorismo. Con un estilo realista, el cayeyano Ramón Frade (1875-1954) logró capturar la vida del típico isleño de inicios del siglo XX. Esta pieza es considerada su obra maestra.

La obra muestra a un jíbaro, un hombre descalzo y pobre pero orgulloso y dignificado, con un semblante serio; un hombre limpio. Evidentemente, una reivindicación de una sociedad marginal y de un estado decadente en sus recursos pero rico en dignidad y virtud. Esta pieza es una de las obras que mayores relecturas ha suscitado. En esta edición vemos la obra del artista Camilo Torres, quien con su estilo particular incrusta en la iconografía de esta pieza toda una serie de nuevos contenidos y resignificaciones. Como él, muchos han regresado a conversar con esta pieza con multiplicidad de obras en diferentes medios.

Con experiencias de vida en España, República Dominicana y estudios en Italia este artista se destacó por pintar estampas de las principales ciudades coloniales. Además trabajó como arquitecto. Su obra puede apreciarse en el Museo Ramón Frade de la Universidad de Puerto Rico en Cayey.

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African American Flag Una de las obras estadounidenses más llamativas por

su valor político y reivindicativo de derechos civiles, es indudablemente la pieza “African American Flag” del artista afroamericano David Hammons (1943) conocido por sus obras –muchas de ellas instalaciones– trabajadas en el Nueva York de los años 70 y 80.

La pieza, que actualmente pertenece a la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), propone un discurso visual y de objeto artístico que nos remonta a los años 60 y 70, en medio de todos los movimientos de derechos civiles y del denominado Black Power Movement.

Buscar una pieza en el avasallante cuerpo de obras de artistas estadounidenses que realmente represente el valor político y social de una tradición plástica con mucha “garra”, puede ser una tarea inacabable. Sin embargo, consideramos que esta pieza arroja un poco de luz con relación al tipo de presencias importantes que han tenido obras de arte y acciones de arte en la historia contemporánea de la primera potencia mundial.

Este artista realizaba acciones de arte que difuminaban las líneas divisoras entre lo público y lo privado con propuestas como por ejemplo un performance denominado Bliz-aard Ball Sale (1983) en el que el artista se colocaba a sí mismo entre los vendedores callejeros de Manhattan y vendía bolas de nieve, con precios conforme a su tamaño. De este modo, Hammons pretendía realizar una parodia no sólo del intercambio capitalista sino de la naturaleza del intercambio de obras de arte por dinero a través de mediadores como las galerías.

Su obra, al igual que la de muchos artistas de su momento, se distinguió por mantener una postura antisistémica, con obras que renegaban de la construcción del mercado del arte como el performance o la instalación. Sin embargo, décadas después como apunta el curador independiente español Paco Barragán, este tipo de propuestas termina siendo avalada por las instituciones y hoy día un museo que carezca de una instalación o en el que no se haya presentado un performance es una auténtica rareza.

Pinturas de Castas Hoy día la fotografía tradicional de la familia con todos sus integrantes es prácticamente

algo estándar en las paredes de los hogares alrededor del mundo. En el caso de Puerto Rico, o de cualquier país hijo de una herencia de mestizaje, es muy normal que en el mismo retrato familiar aparezca un padre blanco, una madre con la tez oscura pero no del todo negra y un montón de hijos, blancos, negros, con el pelo rojo, negro o rubio, etc. Sin embargo, esta experiencia que nos resulta común hoy día, en la época colonial en América representaba una auténtica rareza que había que codificar y explicar. Sobre todo a los peninsulares, que nunca habían pisado América y su imaginario de ese nuevo mundo se constituía básicamente de mitos y de las imágenes creadas por artistas.

De esa necesidad ilustrativa surgió un interesante y estudiado fenómeno plástico en la Nueva España (México) del siglo XVIII, aunque más tarde hubo ejemplares similares en el Perú. Se trata de las pinturas de castas, un síntoma más de la Ilustración, en las que se intentaba representar las múltiples castas que surgían como producto del mestizaje. Llama la atención, además de lo cargadas ideológicamente que estaban estas piezas (por ejemplo la mujer negra lucía agresiva y violenta y la blanca elegante y sumisa) los nombres que les otorgaban a los hijos producto de estas mezclas raciales.

Algunos ejemplos son: de español e india = mestiza; de español y mestiza = castiza; de español y castiza = español; de español y negra = mulata; de español y mulata = morisca; de español y morisca = albina; de español y albina = torna atrás. Las categorías se extienden a sobre 40 mezclas codificadas, algunas incluso con nombres de animales como la categoría lobo. Los nombres de las castas variaban de región a región y cambiaban a través del tiempo o de acuerdo al gusto del artista y sus clientes.

Estas obras, algunas de ellas expuestas en el Museo de América en Madrid, entre otros espacios –muchos de ellos iglesias del periodo colonial– son un claro ejemplo del valor documental de la pintura y del valor con relación a la reproducción de imaginarios que tenía la producción plástica de la época colonial. Además de la necesidad de ilustrar y codificar un universo humano nuevo, verdaderamente nuevo.

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Vital

acercar a la comunidad a los museos

fotos por Ricardo Alcaraz

Yennifer Álvarez Jaimes

Conscientes de que los museos deben ser espacios que ofrezcan

diversas experiencias culturales al público, los promotores y encargados de estas dependencias en el sistema de la Universidad de Puerto Rico (UPR) han desarrollado una serie de iniciativas para romper con el paradigma de que estos lugares son exclusivos para los conocedores de arte.

“Todavía en Puerto Rico se ve el museo desde la dimensión del siglo XIX, como un lugar en donde se recogen objetos, se cuidan y se exhiben; como un lugar de paso en donde el ser humano hace una iniciación una vez en su vida y no regresa después”, declaró el profesor Humberto Figueroa, director del Museo de Arte Dr. Pío López Martínez de la UPR en Cayey.

De acuerdo con Figueroa, el museo debe verse como un lugar en donde se genera actividad que se va renovando y que es parte del día a día. Diálogo exploró cómo los museos de la UPR enfrentan el desafío de acercarse al público valiéndose de esta otra percepción.

Sacar el arte de las cuatro paredes

El Museo de Arte Dr. Pío López Martínez organiza todos los veranos talleres para jóvenes de las comunidades aledañas para que tengan contacto con el arte, conozcan el museo, sus funciones y se “apropien del es-pacio”. Además, este programa brinda una oportunidad para que artistas que están inicián-dose en este ámbito muestren su talento y sus obras impartiendo talleres a los más jóvenes.

Según el educador del museo, Jonathan Berríos, en cada taller se elabora una obra de arte

público para donarla a la UPR en Cayey. Entre las más conocidas está la Escalera Letrada, una estructura de al menos 30 peldaños ubicada cerca de la Rectoría que se cubrió toda con mosaicos.

“En esa ocasión se decoró mediante la pintura las huellas de las escaleras y el piso de la placita de descanso frente al Museo. Los diseños trabajados a través de moldes y patrones elaborados por los estudiantes se sirven de la tradición de la decoración de pisos de las culturas persa, islámica y de la clásica grecorromana. A esto se suma la huella caribeña mediante la incorporación de flora y fauna autóctona que a su vez, sirve como firma de los participantes”, indicó.

Destacó además que la serie de murales elaborados por los participantes de este tipo de taller y capitaneados por la artista Sofía Maldonado es otro de los proyectos de arte público que han quedado como legado al recinto cayeyano.

Espacio de todos“Hasta hace poco la gente de

Humacao no se atrevía a entrar tan siquiera a la casa y entendían que era territorio de una clase intelectual que se reunía en ciertas actividades y no como un espacio del cual pueden participar”, observó Teresa Brigantti, directora del museo Casa Roig de la UPR en Humacao. Pero de acuerdo con la funcionaria en los pasados dos años los esfuerzos han sido dirigidos a integrar a la comunidad universitaria y a la población en general al museo.

Ubicado en la calle Antonio López, en el casco urbano de Humacao, el Museo Casa Roig está más cerca de la comunidad pero alejado del recinto humacaeño. Brigantti indicó que la misión de la entidad es “dejar muy claro a la gente que esa estructura es mucho más que el antiguo hogar de una familia acaudalada con el mismo nombre sino una de las obras más importantes del arquitecto checoslovaco, Antolín Nechodoma”.

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El Museo de la UPR en Cayey (fotos a la izquierda) y el de Casa Roig en Humacao también brindan distintos talleres artísiticos dirigidos a los niños y a los jóvenes. Teresa Brigantti, directora de Casa Roig.

El Museo de Historia, Antropología y Arte de la UPR ofrece talleres de arte al público libres de costo.

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Todos los semestres y durante ocho semanas, el objeto de estudio es la propia Casa Roig, y al menos 30 estudiantes de las escuelas públicas toman talleres dirigidos en ese museo. Brigantti explicó que en la actualidad, gracias a una propuesta federal, se intenta rehabilitar un edificio aledaño a la Casa Roig para lograr “que la estructura se convierta en la pieza principal” y donde se puedan hacer exposiciones que dialoguen con la casa misma sin que haya intervención de las oficinas administrativas. La mayoría de los talleres que se imparten en el museo están enfocados en la exploración y el estudio del diseño arquitectónico.

Posibilidades para todas las ramas de estudio

Para Flavia Marichal, directora del Museo de Historia, Antropología y Arte del Recinto de Río Piedras no es sorpresa que muchos estudiantes del Primer Centro Docente del País no hayan visitado el museo durante su vida universitaria.

“Tenemos muchos alumnos que estudian y trabajan”, reconoció Marichal, a la vez que destacó la responsabilidad que tiene el claustro a la hora de integrar en sus programas de clase actividades que vinculen al museo como herramienta educativa.

De acuerdo a la curadora, hay múltiples maneras de hacer atractiva una visita al museo y de hacerla pertinente al estudiante.

del siglo pasado y posteriormente pasó a ser el Antiguo Instituto de Agricultura Tropical. El proyecto de remodelación tiene un costo de sobre $4.7 millones provenientes del Programa de Mejoras Permanentes de la UPR y según la directora del MuSA, Laura Bravo ha enfrentado retrasos debido a la complejidad de la reconstrucción.

El MuSA tendrá dos salas sin ninguna separación y estarán iluminadas por un techo de cristal, con todas las precauciones y todos los mecanismos para lograr preservar de la luz las obras. También, la estructura albergará el Senado Académico del RUM y tendrá en la planta inferior varias salas pequeñas en las que se exhibirán en principio la colección de acuarelas del científico aguadillano Agustín Stahl, quien documentó en más de 700 acuarelas toda la flora puertorriqueña que existía en el siglo XIX, de las cuales el MuSA posee más de 500. Además, el museo albergará la obra del artista mayagüezano Marcos Irizarry, cuya colección consta de más de cien obras en distintos medios -pinturas, grabados, serigrafías y dibujos- que en valor sobrepasan el millón de dólares.

De otra parte, Bravo destacó que aunque el museo no ha entrado en operaciones, el trabajo de vinculación con la comunidad universitaria no ha cesado. “Nuestro afán es que la gente sepa que MuSA será más que un edificio y aunque no está inaugurado, tenemos el registro de la colección más grande de las obras de Marcos Irizarry y está lista para exponerse”. También la profesora de teoría y crítica de arte, sostuvo que la organización de congresos para divulgar la obra del artista ha sido fundamental en el proceso de divulgación de la existencia del MuSA entre los miembros de la comunidad.

“Hay un profesor de etnobotánica [ciencia que estudia la interacción entre los seres humanos y su entorno vegetal] de la Facultad de Ciencias Naturales que siempre trae [a los estudiantes de] su curso a ver El Velorio y estudian los objetos de etnobotánica que hay en esta obra de Francisco Oller y a eso es que deberíamos movernos más, porque muchos de los estudiantes no van a venir [al museo] solos”, sostuvo.

De otra parte, Marichal destacó el esfuerzo que realizan por integrar a la comunidad externa a través de los talleres de arte que ofrecen todos los domingos, libres de costo, a niños, jóvenes y adultos.

Primer museo de arte en Mayagüez

Por retrasos en su rehabilitación, se espera que el Museo de Arte y Senado Académico (MuSA) del Recinto Universitario de Mayagüez (RUM) esté culminado para finales del 2009. El edificio, cuyo proyecto de remodelación comenzó en el 2005, a cargo del arquitecto Jaime Cobas, mantendrá su estructura antigua, pero se convertirá en sede de un museo moderno. El edificio fue sede de la Clínica Saint Marie a principios

Primeros pasos para la acreditación

Ninguno de los museos del Sistema UPR ha logrado obtener la acreditación del Asociación Americana de Museos, aún cuando el primero de ellos, el Museo de Historia, Arte y Antropología del Recinto de Río Piedras, abrió sus puertas en 1951. En la actualidad, sólo el Museo de Arte de Ponce tiene esta acreditación en la Isla.

Todos los directores de museos en la UPR, coincidieron en que hay varios factores que retrasan el que se pueda obtener este tipo de acreditación. Resaltaron entre ellos, la falta de una cultura filantrópica en Puerto Rico que les dé estabilidad económica, el problema de planta física y las plazas vacantes sin nombrar en el equipo administrativo.

Sobre la importancia de la acreditación, Flavia Marichal, directora del Museo de Historia, Arte y Antropología, opinó que es fundamental para crear la confianza a la hora de que posibles mecenas donen dinero u obras de arte.

Por su parte, el jefe del Museo Dr. Pío López Martínez en la UPR en Cayey, Humberto Figueroa aclaró que la reciente visita del presidente de la Asociación Americana de Museos, Ford Bell se trata de una etapa inicial en la que se establecen relaciones cordiales para iniciar los pasos para la acreditación. Sin embargo, el proceso de acreditación es lento y según Figueroa, la UPR debe tener muy presente cual es la realidad puertorriqueña en cuanto al manejo de los museos en ánimo de mejorar muchos aspectos fundamentales.

Figueroa opinó que “Estados Unidos está muy claro de que el museo es una institución que es parte de los instrumentos de la dimensión social, económica y cultural”. En Puerto Rico, en cambio, no se ve el museo como parte importante en el desarrollo económico y turístico y la acreditación toma en cuenta estos aspectos, así como las investigaciones, la conservación y registro de las piezas de arte. Al momento, todos los museos se encuentran en una especie de inventario para presentar un plan de acreditación a la asociación. El funcionario comentó que de acuerdo a la idiosincrasia puertorriqueña sería mucho más efectivo obtener la acreditación del Consejo Internacional de Museos (ICOM).

No obstante, Marichal opinó que si se consigue la acreditación de la Asociación Americana de Museos se probará que los museos de la UPR están a la par con los estándares requeridos más exigentes. [YAJ]

El Museo de Arte de Mayagüez estará listo a finales del 2009.

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Flavia Marichal, directora del Museo

de Historia, Antropología y Arte.

Un grupo de esco-lares contempla el cuadro de El Velorio que es utilizado por un profesor de la UPR para enseñarle

a sus alumnos a identificar los objetos de etnobotánica presentes en esta pintura de Francisco

Oller.

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El MAPR ofrece narraciones dominicales

para niños y sus familias.

El Museo coordina alrededor de 250 talleres (teóricos y prácticos) sobre arte experimental y

tradicional.

Una investigación reciente acerca de la situación de los museos en Puerto Rico reveló que las visitas de estos espacios culturales en la Isla han ido aumen-

tando durante los últimos años. El estudio “Los Museos en Puerto Rico”, realizado por

Tendenciaspr.com en conjunto con el Mapa Cultural del Puerto Rico Contemporáneo, estima entre 600 y 700 mil el número de visitas anuales a museos en la Isla. De estas visi-tas, afirma el informe, la mayoría son estudiantes y público puertorriqueño; el resto, son turistas.

Ante este escenario, se hace imperativo establecer progra-mas educativos que enlacen a la comunidad con el museo y que a su vez promuevan un mejor entendimiento de la cul-tura. En la búsqueda de este tipo esfuerzos en Puerto Rico, Diálogo exploró la oferta de educación pública del Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR). A continuación una exposición de lo que se realiza en este espacio de arte y cultura.

“Aprender gozando”Salas interactivas, recorridos especializados, programas

innovadores para maestros y un ejército de voluntarios, ha-cen del Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR) una de las instituciones más vanguardistas en términos de visión y misión pedagógica en la Isla.

Su enfoque, más bien constructivista, hace de la experien-cia de visitar el lugar algo agradable y ameno, fomentando así un ambiente para el aprendizaje.

“Aprender gozando”, es el lema que Doreen Colón, directora y fundadora del Departamento de Educación del MAPR, se em-peña en utilizar. Colón, quien labora en el MAPR desde antes de que fuera abierto en el año 2000, no pierde tiempo en declarar que su pasión es la vida del museo, es poder enseñar cultura a partir de trabajos artísticos.

En este espacio el enfoque sobre la cultura puertorrique-ña es el privilegiado, afirma la curadora, quien es la única puertorriqueña que forma parte de la Comisión que organi-zará y creará lo que será el National Museum of the American Latino en Washington D.C, en Estados Unidos.

Sobre la forma en que se aborda a los visitantes, la direc-tora apunta que “la idea es que el visitante (sea niño, adul-to, adulto experto en arte, niño con impedimento, personas de escasos recursos) venga aquí a gozar. La idea es aprender gozando”.

La educadora, quien posee una maestría en Historia del Arte y Museología de la Universidad Católica de Louvain en Bélgica, explica que ya no se estila en el siglo 21, a recibir grupos de visitantes y empezar a una hora y hablar y termi-nar y dar las gracias. “Hoy día la idea es que el educador es un facilitador de una experiencia, que va a llevar al visitante a disfrutar la oferta artística desde su perspectiva individual, con el bagaje que traigan económico, social, cultural, acadé-mico, religioso, político.”

Cuando Colón se refiere a gozar indica que hay evidencia que sostiene que se produce un mejor proceso de aprendiza-je cuando la experiencia es placentera. Es por esta razón que uno de los enfoques principales para el desarrollo de las ac-tividades es el juego.

“Se ha descubierto el placer que le provoca al interlocu-tor el proceso de juego. Hay un impacto psicológico, impac-to mental, donde el juego provoca una predisposición a re-accionar positivamente a lo que se le está presentando. Es más bien que el juego puede ser un vehículo para provo-car en el visitante alguna receptividad o alguna apertura”, destaca Colón. Asimismo añade que algo fundamental es que en los recorridos el visitante interactúe y participe en el proceso de descifrar o de leer lo que es la obra de arte.

Para su proyecto educativo, que como mínimo ha impacta-do a más de 150 mil estudian-tes, Colón declara que es funda-mental la armonía de su equipo de trabajo. Este está compuesto de maestros retirados volunta-rios, bibliotecarias retiradas, es-tudiantes de arte, y expertos en museología, arte y educación. “El equipo de trabajo lo com-ponen personas jóvenes pro-fesionales que están enamora-dísimos del servicio público, aunque el MAPR es una institu-ción privada sin fines de lucro”, insiste.

Programas públicosEl MAPR también cuenta con algunos programas dirigi-

dos a la familia, los niños y la población con impedimentos. Muchas de estas iniciativas, de hecho, son gratuitas. Se desta-can entre ellas: el Programa Escolar y Familiar, el Programa de la Comunidad, los talleres de arte y el Centro de Investigación.

El programa de Familia y Niños tiene varios componen-tes, uno de ellos es la Galería ActivArte, subvencionada por la Fundación Ángel Ramos. Además, cuentan con una división denominada “Sin Fronteras”, diseñada para personas con im-pedimentos. Josarie Molina, encargada de coordinar ambas iniciativas, estableció que al inicio de la conceptualización del currículo de educación, “se intentó hacer una programación inclusiva”. Este esfuerzo le permite invitar a estudiantes sordos para que tengan una experiencia en el Museo de recorrido y ta-ller. “A través del diseño de la programación para todas las ex-hibiciones se ofrece un recorrido, textos agrandados para per-sonas con limitaciones visuales, recorrido con intérpretes de lenguaje de señas, y de los fondos permitirlo, se ofrecen becas para recibir grupos de estudiantes, o recibir adultos”, comentó. Asimismo destacó que también integraron cursos de escultu-ra. “Primero comenzamos con un grupo que parte eran ciegos y otros eran videntes y juntos trabajaron escultura. Lo mismo se realizó con un grupo de sordos”, anotó.

Salón de clases y centro investigativo

La oferta del Museo, según las entrevistadas, siempre bus-ca impactar a los niños, pues la mayor parte de los visitantes son estudiantes entre cuarto y sexto grado. De hecho, ésta es la tendencia en cuanto al tipo de visitas en otros museos de Puerto Rico y el mundo. Por tal razón, el MAPR ha convoca-do a los maestros del País a apropiarse de las instalaciones del Museo para hacerlo su salón de clases. Sin importar la mate-ria que enseñe el maestro, a través del departamento de edu-cación del Museo, el educador puede utilizar guías curricula-res diseñadas previamente por la institución, o puede diseñar una guía curricular y ponerla a la disposición de sus colegas.

“Nosotros hemos estado becando a maestros por nueve años, para que ellas y ellos vean al Museo como una extensión del salón de clases. Cualquier estrategia pedagógica que ellos entiendan pueden utilizarla”, resaltó Colón.

“Algo que estamos poco a poco rompiendo es el estereo-tipo de los museos… que son lugares en silencio, que son lu-gares aburridos, que tienes que tener un Phd para poder cru-zar la puerta. Todo ese tipo de cosa la estamos rompiendo en la medida que estamos haciendo actividades que básicamen-te están fundamentadas en una metodología constructivista”, concluyó Molina.

Ver información relacionada en las páginas 30 y 31.

Rompiendo estereotipos

en el MAPR

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Reveladomayo-junio 2009

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González y Biaggi desarrollaron la pieza Echoes of ages, mosaico que por estos días plasman a toda máquina en la estación de Sanchong del sistema de transporte colectivo de la ciudad taiwanesa de Taipéi, en China. En Puerto Rico, han trabajado proyectos de arte público en Caguas y Carolina (abajo).

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diálogo 14febrero-marzo 2009

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-colores abstractos- con lo antiguo o tradicional -simbolismos realistas. Estos dos mundos, el de lo ultra nuevo y lo viejísimo, se entrelazan intensamente en Taiwán, y por eso los estamos simbolizando en la obra”, añade desde la que será su casa por los próximos dos meses.

Por su parte, González explica que la parte más difícil del proyecto no ha sido necesariamente su ensamblaje, sino la diferencia cultural con los taiwaneses.

“Lo difícil es la comunicación con el cliente y con los suplidores para obtener materiales”, explica. De no ser por la ayuda del profesor Tajao Lee, quien les sirve de traductor, sería casi imposible conversar los detalles de la obra con las autoridades del sistema de transporte.

Lo cierto es que, para estos dos boricuas, incrustar su arte en las paredes de la ciudad es un asunto más que conocido. Desde que iniciaron su plan común, han trabajado proyectos de arte público en varios municipios de Puerto Rico, como Carolina y Caguas.

No hay más que dar un paseo por la avenida Campo Rico de la Tierra de Gigantes

Celso González y Roberto Biaggi:Entre gigantes y dragones

académicos y menos lo que piensan del arte en general, pero al público sí lo veo reaccionando, opinando, viviéndose la interacción que les provee el arte público”, cuenta.

Para ambos, embarcarse en la aventura asiática que implica Echoes of ages es una manera de reafirmar el nivel del arte puertorriqueño. “En Taiwán hay 23 millones de habitantes, pero en China hay 1.3 billones. Así que, indirectamente, hemos conquistado una sexta parte del mundo, y nos enorgullece mucho ser representantes de Puerto Rico en estos momentos”, explica Biaggi.

Recientemente, la Isla se convirtió en plataforma artística con la presentación de la Feria Internacional CIRCA 09 y la Segunda Trienal Poligráfica del Instituto de Cultura. Los mosaiqueros boricuas, aunque aplauden estas iniciativas, consideran vital apoyar la educación para afianzar mejor la industria en Puerto Rico.

Biaggi, quien espera publicar su primer libro de poesía este año, considera que “el país necesita fondos para darle faena a los artistas; para mejores escuelas, maestros, programas, residencias de artistas. Más allá de eso, [es necesario] educar a la gente mejor, [y crear] más conciencia sobre la importancia del arte como salvador de la cultura”.

Su cómplice en esta gesta añade que la crisis económica global no debe ser excusa para mermar la producción cultural. Todo lo contrario, “siempre hay espacios para hacer las cosas” y, si no se encuentra ese nicho en Puerto Rico, hay que salir a buscarlo.

Eso es precisamente lo que estos dos mosaiqueros, creadores, artistas han hecho al cruzar el Pacífico junto con un crew de otros ocho puertorriqueños.

En dos meses, su cometido estará listo, tomarán sus bártulos y regresarán a los 100 x 35, donde esperan continuar desplegando su galería de mosaicos con tributos a Roberto Clemente y Julia de Burgos en Carolina, y varias exhibiciones en galerías –por aquello de colarse en todos los espacios.

Porque, después de todo, han aprendido que de eso se trata, de pulular, de zambullirse entre las calles con colores milenarios.

“Ya tenemos un estilo propio en nuestro mosaiqueo: muy caribeño, tropical, alegre. Creemos que retomar un arte tan antiguo y hacerlo nuestro es gigante”, concluye Biaggi.

Por Pablo Arroyo LeónEspecial para Diálogo

Celso González y Roberto Biaggi ya perdieron la cuenta de cuántos pedacitos de loza han utilizado desde que comenzó el viaje de su colectivo CERO Design.

Cuando se conocieron una noche en Rumba en el Viejo San Juan, y años más tarde, cuando fueron compañeros de clase en California, no imaginaban que algún día estarían comiendo con palitos chinos, recorriendo calles en motocicleta y resucitando dragones en las paredes de la ciudad taiwanesa de Taipéi, una de las más importantes de China.

“Encontramos la convocatoria a través del Internet, y desarrollamos la propuesta. Primero, nos seleccionaron como finalistas para presentar el proyecto junto a otros dos artistas (Corea y Estados Unidos) y con la presentación nos seleccionaron para realizar la obra”, cuenta González desde la capital provisional china.

Ambos desarrollaron la pieza Echoes of ages, mosaico que por estos días plasman a toda máquina en la estación de Sanchong del sistema de transporte colectivo de la ciudad asiática. Biaggi detalla que la obra se desarrolla “con rapidez y precisión”.

“Es el mayor trabajo que hemos hecho. El concepto es la yuxtaposición de lo moderno

o pasar por la Baldorioty y observar al fenecido alcalde de ese pueblo, José Aponte de la Torre, saludar sonriente a los transeúntes desde el complejo municipal que bordea esa avenida. Todas son obras de los denominados “mosaiqueros” (el término surgió de una entrevista que les realizaran en 2004, pero ellos prefieren no abusar de ese nombre, ya que no se limitan sólo a la técnica milenaria del mosaico).

Aún así, no pueden escapar al hecho de que la reunión de pequeños fragmentos de lozas en colores es lo que imprime el sello de CERO en todas sus obras.

Para González, el mosaico “es una técnica milenaria que ha sido probada a través del tiempo y se conocen sus atributos de durabilidad y consistencia de sus colores. En el arte público, esas son grandes cualidades que se buscan para que sea un legado para próximas generaciones”; las mismas que se convierten a diario en el público que valida sus creaciones.

Biaggi, por su parte, detalla cómo el ciudadano de a pie se convierte en su mejor crítico. “No conozco muchos eruditos o

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Además, subrayó que “los valores y la realidad que se reflejan en la obra original tienen que ver con las clases altas, con artistas que tenían mucho tiempo para pintar, pero hoy los artistas se enfocan en la demanda y en la necesidad de expresarse en otras velocidades”, concluyó.

Voilá. El artista ha dado en la estaca. Quizás lo que tanto seduce del arte contemporáneo es su manipulación de esas tantas “otras” velocidades en las que soñamos movernos ahora.

Manuel Clavell Carrasquillo

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Aiola Virella - DirectoraOdalys Rivera - Editora Diálogo Manuel Clavell - Editor DesafíoClaudia Flórez - Artista Gráfico

Ricardo Alcaraz - FotógrafoManuela García - correctora

dialogodesafio@gmail.com

Ante tanto afán de ruptura, revolución y reto, cualquiera queda lelo ante el bombardeo de las propuestas del arte

contemporáneo. La resistencia a la apertura de los sentidos más allá de las fronteras clásicas y modernas se apodera de muchos espectadores que les dan la espalda a las manifestaciones artísticas del presente que no se entienden inmediatamente o que a primera vista constituyen un revolú tramado por artistas fuera de sí o en proceso de hospitalización en alguna institución psiquiátrica. El cliché impera.

Aun así, grandes ferias de arte contemporáneo internacionales como ARCO en Madrid y CIRCA en San Juan atraen personas de todo tipo y se han conver-tido en espacios de intercambio cultural para millones. De alguna manera insospechada, las masas se sienten convocadas por la abstracción, la utilización de medios no convencionales para crear piezas de arte, los mensajes fuertes o vulga-res y, sobre todo, la multiplicidad de productos artísticos que se exhiben para la venta a pesar de que no se trata de mercancías “útiles”.

¿Cuál será el discreto encanto del arte contemporáneo? ¿Su irreverencia superlativa en todos los términos imaginables? ¿Su maridaje con otras formas artísticas y la borradura de las vallas que las separaban radicalmente hasta hace medio siglo? ¿El relajamiento del protocolo, de la pompa y circunstancia, de los estándares de pureza y purismos, del lenguaje afectado con el que se identificaba la estética cuasisagrada de un Oller, un Miguelángel?

No tengo una respuesta para ello, pero del arte contemporáneo valoro el reconocimiento de la descomposición, la experimentación con las coordenadas conocidas y la expresión de lo imperfecto. Esta edición temática de Desafío es prueba de que esas preguntas también asechan a los columnistas quienes, como este editorialista y el artista argentino Gabriel Delponte, también luchan por desatar sus prejuicios de la estaca que es el pie forzado que se les asigna para que se complete este proyecto periodístico unitario.

Delponte trajo al Centro de Convenciones de Puerto Rico, para CIRCA 09, un estudio de la pieza “John Manners, Marquess of Granby”, un retrato que le hiciera el pintor inglés Joshua Reynolds alrededor del 1763. La interpretación de Delponte deconstruye de muchas maneras la pintura clásica que presenta al personaje victorioso junto con su caballo y su esclavo en la batalla de Vellinghausen.

Al respecto, el artista comentó en un aparte con Desafío que siempre se ha “interesado por la pintura clásica pero, a su vez, tengo base en el diseño y la construcción, la arquitectura; en lo angular. Al hacer este estudio se me destaca esta tendencia”. Añadió que empezó “a trabajar con la imagen clásica, la desarmé utilizando otros materiales. Es una pieza multimedia que tiene un marco de

aluminio, sobre madera, tiene resina, sellador a base de tiza, óleo, acrílico, etc. En la cabeza mezclo esos materiales y los manipulo para que surja esa estética. De hecho, es una pieza táctil”, explicó el también creador del mural “Perla americana” en un furgón exhibido en los CIRCALabs que tuvieron lugar en el centro comercial Plaza Las Américas.

Al cuestionarle qué es lo que atrae a tanta gente al arte contemporáneo que ha convertido en su forma de vida, Del-ponte sostuvo que “no se trata de la irreverencia. Lo que vende es la ironía, la comicidad. No creo que existan artistas más o menos capaces en la época clásica y ahora. Lo que ocurre es que hoy tenemos acceso a otros materiales y a otras vivencias”.

Velocidades del arte

Este estudio sin título del artista argentino Gabriel Delponte de una pintura de 1763 de Joshua Reynolds guía la discusión de esta edición dedicada al cuestionamiento del arte contemporáneo.

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Sonia MarcuS Gaia

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El juego maneja el arte de la vida: darle al sinsentido una forma organizada y libre para jugar a estar vivos, a mordernos las

colas cuando la muerte acecha. El juego es siempre un duelo mortal que camina como una tarántula frágil y tierna sobre la mano de un guitarrista. Porque esa es la única manera de hacer magia, de saltar sobre la rayuela y aventurarnos sobre el abismo. Walter Benjamin dijo una vez que la primera sensatez que tiene la niñez sobre el mundo no es que “los adultos son más fuertes, sino su incapacidad de hacer magia”. Y si la experimentación poética contribuye a este estado lúdico del ser humano, a acercarnos a esa infancia perdida y volver a creer que los conejos que salen de la chistera tienen reloj y van de prisa, entonces para algo ha servido el simple sport de los vocablos como recitaba Vicente Huidobro en su libro Altazor; para que no volvamos a perder en el camino la efervescencia del juego y, con ello, poder recuperar nuestra vapuleada capacidad de asombro. El arte de la vanguardia poética ya ha experimen-tado estos juegos. Enfrascándose en un pulseo verbal inundado de rupturas se trata de formas violentas de palabras que rompen con el arquetipo y someten la creación a la contaminación y al mestizaje. Ese riesgo vital de las mismas expone un enfrentamiento al acto del lenguaje, que no es otra cosa que enfrentar la vida humana basándose en su condición lingüística. Como nos recuerdan los versos de “Traduzir-se”, un poema de Ferreira Gullar que dice: “Uma parte de mim/ é sóm vertigem:/ outra parte/ linguagem./ Traduzir uma parte/ na outra parte/ -que é uma questão/ de vida ou morte- ¿será arte?”, cuando lenguaje y humanidad someten sus fuerzas para entender el proceso de la vida, uno de ellos tendrá que dar su brazo a torcer, porque la palabra no puede ser dominada por completo ni la vida tampoco, de allí el vértigo. La sensación de superficialidad que crean las vanguardias literarias sodomiza las pasiones envueltas y crea el elemento dialogante para el transar de los jugadores: un objeto-arte materializado o apalabrado que logra construir objetos lingüísticos aptos para el juego. El mismo Ferreira Gullar incursionó en el objeto-arte, buscando formas nuevas de expresión de la palabra cuando construyó “El poema enterrado”. Es un espacio en un sótano que tiene una escalera que se baja, y al final de la misma hay una puerta y un cubo rojo, el cual tendrá a su vez un cubo verde más pequeño, al estilo de las cajas chinas y, por último, un cubo blanco en donde estará escrita la palabra “Rejuvenezca”. En este mismo sentido lúdico se manifiesta el arte como juego basándose en fuertes nociones filosóficas que indicaban que, por medio de la imaginación, que da pie al libre ejercicio de la estética y lo artístico, se lo-graban sintetizar y armonizar la razón y la sensibilidad por medio del juego. Para ello, las palabras deben tener el motor suficiente aceitado para que se generen solas, al estilo del creacionismo de Vicente Huidobro.

En Chile, desde hace unos años atrás, un poeta seguidor de los planteamientos del anterior, Samuel Sarmiento Escárate, ha logrado unir estos conceptos bajo la clave del juego con un objeto poético fuertemente vinculado con las vanguardias, una verdadera rareza cuando ya se había pensado en la total aniquilación de éstas para la sensibilidad del arte del siglo XXI: en este entorno aparece el cubo anatrópico. El cubo anatrópico es un rubiks cube utilizado como objeto poético. En el mismo, en vez de colores que deben armarse por cada lado, no hay pausas en el acto lúdico, ni artístico; cada uno de los cuadrados (9 de ellos por cada lado) tiene

marcado una frase lingüística que al leerse en conjunto con una línea paralela, horizontal o en el lado próximo o vecino, con otras frases en los otros cuadrados o con cualquiera de las vías a donde nos conduzca la mirada, podrá formar un verso libre que genere y dé vueltas a la imaginación ante posibilidades ilimitadas de interpretación. Al azar, usted puede dar vueltas sin sentido al rubik sin ninguna in-tención de controlarlo, sino más bien que se ejerza la plena libertad para girarlo cuantas veces se quiera como una cábala. Inmediatamente pueden resurgir de la nada versos como “El viento no ha sabido el día” o, si se vuelve levemente a girar, “El viento que desploma su destino” y, volvién-

dole a girar, “El viento ha alimen-tado su destino”, entre otras mu-chas y múltiples formas y maneras a leerse que no serán las mismas para ninguno de los lectores que participan en el entretenimiento de crear versos. El autor del cubo anatró-pico admite que aplicó “las diver-sas lecturas de las vanguardias que había hecho e hice una aplicación de todas éstas a la manera de un collage poético. De esta manera, es posible ubicar en

el cubo poético el simbolismo (cada cuadrado es como un pequeño caligrama), el surrealismo (a través del juego del cadáver exquisito), el creacionismo (la construcción y desconstrucción del discurso poético, Altazor), el dadaísmo (el juego de las palabras) y finalmente el movimiento francés Oulipo (Ouvroir de Littérature Potentielle)”. Aunque suene pretencioso, las dimensiones del juego le permiten a este singular objeto darse la libertad de crear, de creerse y de girar como le dé la gana, y esa libertad, es una forma más de hacer magia. No en balde en español se le llamaba “el cubo mágico”. Así, este poeta chileno, en plena conciencia de la poesía como forma de vida y de sustento, ha creado un manifiesto en su obra artística aplicándole un collage de conceptos vanguardistas que responden al verdadero sentido de la vida: jugarla como en un atentado contra la muerte y el tiempo. ¿Quieres jugar?____La autora es experta en literatura del Cono Sur. Puedes conseguir los cubos a través de: http://cuboanatropico.blogspot.com.

El simple sport de las palabras

Los cubos anatrópicos son creaciones del poeta chileno

Samuel Sarmiento Escárate, quien exalta el juego para fomentar la

proliferación poética.

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Postales desde el lado oscuro: La antipoesía de Bruno Vidal

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El número 2112, también nombre de una obra de arte público en la avenida que nos lleva al aeropuerto internacional Luis Munoz Marín, puede ser de alguna

manera sumado para crear un 2 por 4. No es que el Lamento borincano esté escrito en esa notación musical pero, si se divide la pieza por la mitad, sí lo estaría. En realidad, el “2112” es un 21 visto en un espejo, una referencia a las múltiples direcciones de la avenida; 21 ámbitos con los que se pretendía impactar el paisaje puertorriqueño bajo el gusto citadino del director del extinto Proyecto de Arte Público, Miguel Rodríguez Casellas.

Esa pieza de arte público del artista José Jorge Román tiene la letra del Lamento borincano “esculpida” en el sistema de escritura braille en distintas direcciones para que la vean los que se dirigen a la internacionalización y para los que se dirigen al regionalismo mediados por el aeropuerto.

El reconocimiento que hace este artista formal y conceptual a una obra musical de corte popular como el Lamento borincano le da una explicación muy lógica a una obra que a primera vista puede parecer completamente abstracta. La música no presente le da entonces un color distinto a la mirada del espectador. Sabemos que la exposición de la cultura puertorriqueña ha estado a cargo mayormente de músicos pero esta pieza visual, dedicada en parte a la ceguera colectiva, quizás sea un homenaje al oído.

A pesar de las transformaciones que pueden sufrir distintas obras en manos de otros artistas, este fenómeno no es tan común dentro de la música contemporánea local. Las relaciones entre las artes, por lo general, están atadas a lo obvio: la bailarina que se mueve al son del tambor, el grafitero con su Ipod, el tallador de tiples, el repujado del güiro y demás. Normalmente, lo popular se queda dentro de su espacio y no es muy movible. Sin embargo, la movilidad multidireccional de este espejo “bisorioco” caribeño ya formaba parte de las cualidades del autor del Lamento, Rafael Hernández, compositor de guarachas, boleros y rumbas que también trabajaba las técnicas “shoenbergrianas” del serialismo. O sea, esto está en el otro lado de la avenida: la diferencia entre El

cumbanchero y una pieza serial está tan distante como estaría una madre e hijo con la Baldorioty de por medio.

El Lamento borincano ha sido una de las piezas más intervenidas a lo largo de nuestra historia. La han reapropiado desde tríos y grupos típicos hasta en arreglos sinfónicos cantados por Plácido Domingo. Estas múltiples interpretaciones hacen de esta obra uno de los primeros crossovers musicales. El manejo de la modalidad mayor y menor del compositor le da una dimensión heroica a la vida del agricultor de la época.

En este homenaje-crítica a las distintas cegueras se trata el tema de la ceguera institucional a nuestros espacios y a la cultura. También se hace referencia a la amnesia colectiva que sufrimos ante lo inmediato. La obra queda como otro elemento del tapón, intervenido por vándalos y por la naturaleza; una segunda vuelta a la genialidad de un artista queda como espectáculo para el carolinense de tapón. El espectáculo mudomusical compite o se complementa con la voz de Ronny the Hyper por la radio.

Quizás el sueño de escapada de esta pieza, de la expor-tación del isleño, toma mayor sentido ante la respuesta general a este tipo de obra. Recuerdo siempre al flamante amarillista, Normando Valentín, entrevistando al alcalde de

Arecibo, quien aseguraba que los fondos de arte estarían mejor en manos de los alcaldes y no en manos de estos artistas; que no entendía por qué el gobierno central invertía en semejante proyecto. El reportero, quien se burlaba de la obra de “los mosquitos” en el expreso del norte celebraba en parte la postura de pequeñez intelectual del político. La exploración de otros espacios se convierte en inevitable ante la unidireccionalidad de la apreciación de arte boricua. El músico que explora las otras dinámicas se ve marginado por el gusto popular que va muy de la mano de los medios y los líderes. Esta celebración de la resonancia más allá de nuestras fronteras, a pesar de ser símbolo de celebración del artista, muchas veces se convierte en obligación para el músico subversivo. Quizás por esto “2112” sólo toca las partes asociadas al modo menor de la canción: el semblante del artista creativo en Puerto Rico, por lo general, es de aquel que sale loco de contento pero se encuentra con el tapón bayamonés, que ni siquiera tiene el aeropuerto como mecanismo de huída de emergencia. La congestión que da paso a la sordera del aire acondicionado parece entonces acompañar la ya limitada palestra de sentidos del famoso pueblo. En el futuro, tal vez algún artista emergente recoja esta idea para hacer una especie de colmo de los colmos en el puente Teodoro Moscoso: un homenaje completamente intangible a la obra de Daddy Yankee. O tal vez alguien se atreva a invadir algún espacio del aeropuerto Luis Muñoz Marín para retomar las célebres frases del Gallo Salsero en hologramas desfigurados de una época de franca decadencia. No sé si los federales dejen llegar a Tito a sus puertas, pero nada me agradaría más que quitaran todas esas banderas del puente y lo llenaran de guindalejos sonoros, de algo que por lo menos me haga pensar que pagué el peaje por ver algo más que agua llena de mierda y ridiculeces de autonomistas arrepentidos._____El autor es experto en música. Comentarios a luisodlum@hotmail.com.

Homenaje al oído

El columnista co-menta la relación entre la ceguera y la sordera que

propone José Jorge Román en

esta obra de arte público titulada

“2112” sita en el expreso Baldorioty

de Castro.

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a Storehouse mientras me explicaba de qué se trataba el concepto de Storehouse, el cual, si lo entendí bien, es básicamente un “Think Tank” o incubadora para artistas contemporáneos del patio. Luego que Rogelio donó su tiempo, me presentaron a Omar Velásquez, el responsable del arte en la carátula del disco debut de la banda Ron Calavera De la leche al ron, y quien trabajaba algo para la exposición de Circa Labs en el estacionamiento de Plaza Las Américas. Acompañando a Omar por una de las varias oscuras calles de Río Piedras, quien a su vez resolvía el trajín del día con trago en mano, me enseñaba lo que una vez fue un auto convertible rojo. Un Triumph Spitfire, posiblemente del ’74, ahora en estado de deterioro. Un auto como ése en las manos de un becerro nostálgico como yo probablemente sea sometido a restauración. Pero, en el caso de Omar, que me pareció ser, como todo buen artista, alguien que no le rinde culto a nada, sería el objeto de una intervención artística

en el estacionamiento de Plaza Las Américas. Mientras Omar me explicaba cómo mutilaría el carro en nombre del arte, yo visualizaba el proceso y diagramaba a media luz cómo algo que una vez fue símbolo de afluencia y prestigio como un Triumph se convertiría en prisionero de una instalación de arte sobre la pobreza en el siglo 21. Dos semanas después, me encontraba parado frente a las puertas de Circa 09 ajustándome el gabán de terciopelo mientras Manuel Clavell me recibía con un boleto en una mano y una cerveza en la otra. Por unos intensos 45 minutos me dediqué a escudriñar qué exactamente era lo que había detrás de los portones del arte contemporáneo. Una orgía de colores, materiales, denuncias y celebraciones, todo al ritmo de 185 golpes por segundo. Entre apretones de manos, abrazos y miradas, las marejadas de gente socializando me distraían de ver la pieza de Ramón Miranda terminada. Recuerdo haber preguntado como en tres ocasiones distintas, mientras que pocos sabían en qué lugar andaba. Finalmente, en una esquina de aquel pabellón, tuve mi pri-mer minuto de silencio interno. Vi La decadencia del imperio terminada. La estatua del césar juzgando con ojos fantasmales las orgías y los velorios, y todo aquello que no escapara su vista. Por un momento pensaba que si yo fuese algún millonario excéntrico no titubearía en adquirir la pieza para mi colección. Pero, aparentemente, alguien con los medios adecuados tuvo la misma idea que yo esa noche. Al rato, “Monchi” se paró a mi lado y me comentó que ya la pieza estaba vendida. Una transacción de capa y daga cuyos detalles nunca fueron mencionados a este servidor. Sólo se me mencionó que este misterioso mecenas era alguien con bolsillos profundos y buen gusto. De esa manera me despedí de Circa. No como si fuera parte de esa escena, sino como alguien que merodeaba por ella. No como un amante de las artes, sino como un espía en la casa de ellas.______El autor es abogado.

fetiches

J.E. F

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El arte no es un espejo con el que se refleja el mundo, sino un martillo con el que golpearlo. -Brecht

“ Cheo, tenemos una situación…” . Esas fueron las primeras palabras que escuché del Sr. Clavell al recibir la llamada en la que hablamos sobre el tema de esta

columna pero, a menos que uno esté en el negocio de manejo de emergencias, ésas son las últimas palabras que uno quisiera escuchar de algún superior. Las instrucciones fueron suficien-temente simples: el artículo va a ser sobre las artes plásticas. Asentí y, con ello, “consumatum est”. Las artes plásticas en Puerto Rico para mí han sido un mundo alienígena. Una escena que se ha movido sigilosamente bajo mi radar personal. Que se está haciendo buen arte en Puerto Rico es algo que he creído casi como una cuestión de fe: aunque no lo vea, sé que debe haber gente talentosa batiendo el cobre en algún rincón oscuro. El truco iba a ser cómo pasar por ese rincón. Para eso iba a tener que llamar a

alguien que supiera. En ese momento, el nombre de Ramón Miranda Beltrán apareció en mi cabeza con la sutileza de un letrero de neón en Las Vegas. En alguna ocasión previa me había comentado que estaba trabajando una pieza en cemento. Supuse que para pasar el trabajo de virar concreto debía de ser algo grande. Sabía que tenía que ver con impresiones fotográficas, pero nada más sobre el proceso. Para eso habría que llamarlo… Mientras hablaba con él, me regalaba nombres y números de contacto. Se ofreció a ser mi guía en lo que para mí era una escena relativamente desconocida y a mostrarme parte de su pieza, que al momento se encontraba en plena gestación. Dos días después estaba en su marquesina, rodeado de sacos de cemento abiertos y parado al lado suyo mirando lo que eventualmente se convertiría en La decadencia del imperio, impresión en cemento de la imagen de El baquiné de Francisco Oller y La decadencia de Roma de Tomas Couture. Mientras trataba de descifrar la imagen fantasmal plasmada en la pared de cemento, Ramón me probaba que es cierto aquello de que

tan importante es lo que haces como la manera en que lo describes explicándome que Couture había sido maestro de Oller y que ambas pinturas retrataban en cierta manera cómo las culturas se corroían por el vicio, cosa que el efecto final de la pieza reflejaría de manera precisa una vez se viera terminada. La curiosidad por descorrer el velo de lo que se estaba preparando terminó llevándonos a Ramón y a mí a Río Piedras, al taller de Storehouse Group, donde conocí a Rogelio Báez Vega, quien amablemente me permitió ojear lo que preparaban los artistas afiliados

Un espía en la casa del arte

“La decadencia del imperio”, de Ramón Miranda Beltrán.

Triumph Spitfire intervenido por Omar Velásquez en los Circa Labs.

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Manuel Clavell Carrasquillo

Luego de atravesar el atrio central del centro comercial Plaza Las Américas para llegar a la entrada

principal, donde hacen fila los taxis y antes estaba el Citibank, salí a explorar el área del estacionamiento dedicada a Circa Labs@Plaza, una iniciativa de arte público organizada como evento paralelo a la feria de arte contemporáneo CIRCA 09, que tuvo lugar al mismo tiempo en el Centro de Convenciones de Puerto Rico los días 16 al 20 de abril de 2009.

Lo primero que me llamó la atención fue el ambiente de festival de pueblo, la vibra de feria municipal, debido al espacio cuadrado parecido a una plaza pública formada por

cinco furgones o contenedores de carga, una tarima para espectáculos y varias carpas en las que se ofrecían mercancías o servicios relacionados con el arte.

Niños, jóvenes y adultos, entre los que sobresalían los amantes a la estética urbana relacionada con los tatuajes, la música rock y el skateboarding, se dejaban llevar por el ritmo de la música de dj Candela (más tarde Piedra D’luna) e inte-ractuaban entre sí y con las curiosas “piezas” en “exhibición”. El calor del verano adelantado después de Semana Santa hacía estragos, pero los mayores mataban la sed con la cerveza auspiciadora, Coors Light.

Al entrar en el primer furgón, destinado al artista argentino Gabriel Delponte, me di cuenta de que los contenedores tenían aire acondicionado y que era posible escapar por un rato del sofocón. Allí, Delponte me explicó cómo conceptualizó y llevó a cabo la instalación Perla americana, un trabajo pintado al estilo muralista en las paredes del contenedor con “pintura de casa” de la línea Ralph Lauren donada por la compañía Glidden. El público observaba un interesante estudio de La última cena realizado por él en uno de los costados del rectángulo basado en la famosa pintura clásica y, en el fondo, una pintura inspirada en las calles de la barriada La Perla, del Viejo San Juan.

El segundo furgón, destinado a Eskuateo Production, contrastaba radicalmente con la limpieza y orden del de Delponte: me topé con un furgón en el que había habido una fiesta la noche antes, lleno de piezas con grafiti y recargado de símbolos urbanos. No pude evitar contagiarme con el espíritu relajado de sus artistas, quienes explicaban sus diversas propuestas o intervenciones de una forma casual pero efectiva y con sentido.

Más adelante, a las afueras del furgón destinado a Ruthless and Toothless, taller de tatuajes del grupo de artistas tatuado-res del programa televisivo Miami Ink, la gente desafiaba el sol inclemente para grabar sus pieles con los diseños del famoso crue de rockeros conocidos por el reality show. Superada la fila, pude entrar en el vagón destinado al Museo de Arte Contem-poráneo. El contenedor tenía el aspecto de un cuarto oscuro, todas las paredes pintadas de negro, y albergaba una obra del artista gaditano Ramón González Palazón titulada Tiempos de luz, juegos de percepción. Según su descripción, se trata de

Una tarde en Circa Labs

un “paisaje lumínico y sonoro”, formado por luces de neón y tres pantallas de computadora que, al tocarlos, proveen varias combinaciones de imágenes, cada cual con un sonido distinto en el cual los espectadores juegan a discreción, sobre todo los chicos.

La tarima de música separaba los furgones de las carpas sin aire acondicionado. Allí, dos artistas pintaban sendos muñequitos japoneses Munny entre los que el público escogería el que mejor le pareciese. Del otro lado, era posible entrar al salón de estilismo Om Studio, donde dos estilistas recortaban al público por la módica suma de $10.00 haciéndoles diseños juveniles y asimétricos. De esta forma, al igual que los tatuajes, los recortes pasaron a ser piezas de arte contemporáneo ambulantes.

Otro espacio concurrido fue el de Tricky Tracke, donde los artistas Wed y Zed, montaron una plancha para intervenir o “pimpear” en vivo camisetas con sus propios diseños. Según me explicaron, predominan las imágenes y mensajes “basadas en el estilo naive, para relajarse”. Me llamó la atención una de un dirigible cuyo globo era una ballena con una curita o band-aid que cargaba en su canasta una tropa de personajes curiosos. Además, un busto o la efigie de un personaje con diversas poses y complementos que adornaba camisetas, botones, gorras, bumper stickers y corbatas; todos a la venta allí.

El “feeling” de fiesta de pueblo se complementaba con la actitud “hippie” de disfrutar el arte con calma en un espacio público. El consumo artístico se daba de una forma lejana a la queja tradicional de que aquí no se produce arte o que los artistas están marginados, o que el único arte que vale la pena es el que hace mímesis de ciertas costumbres nacionales._____El autor es periodista y abogado.

Gente del público pintó in situ con pinturas de la línea Ralph Lauren de Glidden.

Las chicas de Om Studio ofrecieron servicios de recorte de pelo por un

módico precio.

El público disfrutó de varios espectáculos de break dancing.

Velcro fue uno de los diversos artistas que compartieron tarima en la actividad.

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Mas no es de extrañar que se den ese make-over, CIRCA este año contó con menos galerías, pero no han sido la única feria de arte a la que esto le ha pasado. ARCO en Madrid también sufrió bajas en el número de exhibidores princi-palmente porque varias galerías internacionales no podían costear el viaje.

Entonces no es de extrañar que más allá de Galería 356 se cuele una gacela gigante como parte de la exhibición del Parque de Vida Silvestre que planifica hacer el municipio de San Juan, quien diera $15,000 a CIRCA.

Tampoco es de extrañar que se le hubiera pedido una contribucioncita a la Compañía de Turismo, no más que $10,000, en lo que el director y presidente de la feria, Roberto J.

Nieves catalogó como un ejemplo del “saldo positivo de las alianzas público privadas”. Después de todo, como resultado de CIRCA la Compañía de Turismo ha recibido ingresos de $72,000 por concepto del impuesto por habitación. Y bueno, si saben jugar sus cartas bien quizás Turismo se quede con el copyright de “Ay que rico art in Puerto Rico” (tal vez mutándolo a un más genérico “Ay que rico is Puerto Rico¨) y le dé muerte de una vez y por todas al “Puerto Rico lo hace mejor”, en el reinado fortuñista no es politically correct andar con tales rosellismos.

Dentro de ese contexto, las tacas no lucen tan mal. Su pretensión fashion es la consumación del arte de dejarse ver, a lo “Bombón del Condado” y “Última Coca Cola de Culebrita” de las pinturas de Edgardo Larregui.

Piénselo bien, si la feria se vuelve un gran party de Axe con sus djs, sus cervezas auspiciadoras con contrato

de exclusividad y su gadget del momento (hay quienes traen body painting, hay quienes traen arte), las tacas no están más que perfectas. O mejor aún, si la feria se vuelve una jugada de relaciones públicas para el País, así a lo Pabellón de las Américas en la feria de Sevilla, unos buenos pumps tampoco estarían fuera de lugar. ¿Que en el pabellón se gastaron millones y después terminó convirtiéndose en un edificio del correo español? Oops, bueno pero CIRCA ha tenido resultados concretos, según sus organizadores “el evento ha promediado un impacto económico de sobre $4 millones anuales”, nada mal. Y de todas formas, quién los culpa por apelar al turismo y a la cerveza -en tiempos de crisis hay que inventárselas. Ni a brincos el conejo gigante de Luis Vidal que sorprendió con sus travesuras sexuales a quienes visitaron la feria se escapa de esa.

En este nuevo esquema que le rehúye a la mención de ventas y capitales y favorece un sentido de democracia y labor social, los organizadores de CIRCA no se han cansado de repetir que se trata de una feria “democrática”, una feria para todos, y

ciertamente se vio de todo… excepto unas flats. _____La autora es periodista de dialogodigital.com

encruc ijadasDiana soto De Jesús

Nadie hubiera dicho que había cri-sis económica. Aquella noche las tacas de más de cuatro pulgadas,

y no la severidad austera del consumidor castigado, eran las que hacían acto de presencia.

Stilettos, pumps, gladiators y hasta las más recientes sandalias hechas de un ma-terial sospechosamente similar a la metálica tela del traje del astronauta Joseph Acabá: todas pisaron “la más importante feria de arte del Caribe”, CIRCA. Por supuesto, las obras de arte también estaban allí para quien pudiera quitar sus ojos de aquel fashion show espontáneo en el que se había convertido el Centro de Convenciones en la noche de apertura de la feria, evento VIP, of course.

Pero vayamos a lo que nos importa: las tacas no iban solas. Llevaban consigo todo tipo de personas; la relacionista pública, el jevo arrastrado, la amiga eternamente soltera por más sexy que se vista, el artista con su objeto extraño del día (estola, pluma, barba talibana, you name it) y el galerista de los espejuelos cool, ícono perfecto de su simbiosis artístico-intelectual-comerciante.

Recordemos: las ferias de arte son para ir a ver (arte presuponemos) pero son también para dejarse ver.

Y no, este recordatorio no es puro cinismo, o algún intento de sensibilidades obrero-amargadas por quitarle el fun a quien quiera (y pueda) tirarse la tela y distraerse en un evento fashionable y hip como CIRCA. El mismo Paco Bagarrán, curador de la exhibición especial “Painting as a state of mind”, ha afirmado a medios del país que aún cuando las ventas han estado lentas (resultado de la todopoderosa crisis económica) los galeristas deben volver el próximo año “No siempre en las ferias se vende”, declaró.

No, a veces uno sólo va a dejarse ver, y al parecer el capital ha ido perdiendo su appeal hasta en el mercado del arte.

De hecho, CIRCA este año le ha dado un giro a todo ese esquema passé de las ferias de arte como un evento para vender arte y se ha esmerado en proyectarse como una actividad para traer el arte internacional a los puertorriqueños a lo gesta caritativa de alguna institución cultural sin fines de lucro. “Mucha gente no cuenta con el capital para viajar fuera de la isla” asevera Celina Nogueras, directora artística de CIRCA, “pero al venir a la feria entran en contacto con personas y formas de sentir y vivir de otras sociedades y países”. Que se prepare el Museo de Ponce, ya no estaremos viajando hasta la ciudad señorial para ver dos o tres obritas de Frida.

Las tacas de CIRCA 09

La columnista enmarca su pasada de balance sobre la feria de arte contemporáneo

en una crónica fashionista.

Obra de Nayda Collazo Llorens.

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Postales desde el lado oscuro: La antipoesía de Bruno Vidal

espectacular mapamundi

El maestro Checo Cuevas demuestra diversas maneras de presentar proyectos artísticos como escenografías teatrales.

Tras mis experiencias con el mimo impuro en Canadá, decidí dirigirme a latitudes algo más templadas. Mi periplo teatral me ha llevado a Barcelona. Aparte de

brindar todo lo que un turista pueda desear, Barcelona es una ciudad que le roba a uno el corazón, ofreciendo una vida cultural y callejera muy rica. Primavera en Barcelona es todo un lujo, y más aún alrededor de estas fechas.

Además de la actividad habitual que uno encuentra todo el año, a finales de abril, el día 23 se celebra la Diada de Sant Jordi, una fiesta popular que llena las calles de libros y rosas. Coincide con el día mundial del libro, de manera que la tradición consiste en regalar un libro y una rosa a la persona que amas. Las calles se llenan de puestos de vendedores de rosas, a la vez que las librerías instalan mesas al aire libre para vender libros a precios rebajados. Acontecimientos de este tipo son siempre un buen complemento a mis pesquisas teatreras por el mundo.

En esta ocasión me llamó la atención el montaje de Product, obra de Mark Ravenhill traducida al catalán por Cristina Genebat, dirigida por Julio Manrique y con el actor David Selvas en el rol protagonista. La obra presenta a un productor de cine explicando el argumento de su próxima película a la posible futura protagonista. El argumento de la supuesta película gira en torno a la historia de amor entre un extremista islámico y la protagonista femenina en el contexto antiterrorista posterior al ataque a las Torres Gemelas de Nueva York.

La interpretación del actor David Selvas es sobresaliente, así como el concepto escénico y la dirección de actores. El montaje invita al espectador a adentrarse por completo en el mundo de la oficina del productor, un mundo inventado que los actores habitan con naturalidad. El concepto escénico es simple: el escenario es muy pequeño, tan cercano al público que desde las primeras filas se alcanza a tocar algunos ele-mentos de la escenografía, el público rodea la escena por tres lados, y los elementos escenográficos son básicamente realistas aunque la puesta tenga algún toque de efectos especiales (luz, humo y proyecciones de video) durante momentos clave de la narración del productor. El director y el escenógrafo Lluc Castells crean un mundo con vida propia, claramente habitado, casi reconocible, pero a la vez nos sorprenden con golpes de efecto visuales que apoyan el argumento. El trabajo del escenógrafo como artista visual es esencial para proporcionar imágenes que puedan expresar y condensar el contenido de cada fragmento.

Es casi imposible generalizar en cuanto a teatro, pero en la mayoría de las ocasiones se trata de una forma de arte que precisa la colaboración de varios artistas, la mayoría de ellos invisibles al espectador. En el caso de la producción barcelonesa de Product el espacio escénico es esencial para el éxito del montaje, ya que invita a entrar en un mundo que de otra forma podría dejarnos indiferentes. El escenógrafo y el iluminador aportan elementos plásticos y visuales funda-mentales equiparables a los de cualquier otro artista plástico o visual, pero con la dificultad añadida de que sus creaciones son habitadas por actores.

El escenógrafo es el artista plástico del teatro, diseñador del espacio y creador de un mundo tridimensional capaz de transmitir las ideas que habitan la obra. La particularidad del artista plástico del teatro es que sus propuestas deben recoger y apoyar los conceptos básicos sobre el montaje propuestos

Un artista plástico del teatropor el director. A diferencia de un artista plástico tradicional, el escenógrafo se enfrenta, además, a creaciones dinámicas que deben poder adaptarse a los cambios necesarios para avanzar la acción de la obra y que deben ser “practicables” para el uso por parte de los actores. El iluminador se podría considerar el artista visual del grupo, creando ambientes concretos y acentuando cada momento con juegos de luces y sombras. El iluminador apoya la acción dramática con el ambiente lumínico y modela en parte la escenografía con sus cambios de foco, intensidad y color. Varios artistas también suelen ser necesarios (vestuario, sonido, diseño gráfico, etc.), y a menudo los unos acaban entrando en el terreno de los otros. Es el director quien toma las últimas decisiones y se encarga de dar coherencia al montaje.

Curiosamente, es el trabajo de los actores el que suele ser recordado por el público del teatro. A pesar de que un buen montaje suele tener un buen y variado equipo de artistas tras de sí, pocas veces se les presta la misma atención que a los ac-tores. Lo curioso del caso es que a menudo recordamos al escenógrafo, al iluminador o al director, sólo en los momentos en los que detectamos algo de su responsabilidad que no funciona. Cierto, esta invisibilidad a ojos del público puede resultar un golpe bajo al ego del artista, y, sin embargo, está

hasta cierto punto justificada. La creación de un montaje teatral es un proceso de colaboración con el objetivo de presentar al público una pieza acabada. Todos trabajan para crear una única pieza final contribuyendo con sus propuestas específicas. En realidad, cuando el espectador se encuentra considerando el trabajo de cada artista por separado, eso suele ser un signo de que algo va mal. Si al salir del teatro el espectador no es capaz de recordar elementos particulares de la aportación que cada artista hizo al montaje pero se lleva una impresión general perdurable, mejor que mejor.

En el caso de la producción de Product, salí del teatro con la sensación de haber vivido junto a los personajes un momento intenso de sus vidas. Sólo tras un tiempo, y sólo porque estoy acostumbrado a analizar y diseccionar teatro, fui capaz de tomar conciencia de la aportación que cada artista había hecho al montaje. Sin duda alguna, signo de que se trata de una buena producción. Mucho me temo que seguiré prefiriendo que la obra de los artistas plásticos y visuales que pueblan el teatro siga hasta cierto punto haciéndoles invisibles.

La Barcelona teatral parece llena de sorpresas. Estoy convencido de que esta ciudad y su teatro me ofrecerán la oportunidad de habitar un sinfín de mundos inventados. Por ahora no sé lo que mis futuros viajes me depararán, pero me marcho con la clara intención de regresar a investigar aspectos teatrales más marginales de la ciudad. Todo se andará. Hasta entonces, un saludo._____El autor es experto en teatro. Comentarios a mapamundi@lacalba.com.

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fuera de la sombra

Mariana García Benítez

caminar sin que nadie los manejara. Con la ayuda técnica de Teo Freytes surgió entonces la animación, la pieza: A veces entra en el bosque. MGB: ¿Qué garantía de durabilidad tienen tus piezas? EMM: 100 por ciento. Tomo ese particular con mucho cuidado. Utilizo madera del país, papel libre de ácido, (si tengo que usar) pega, también es libre de ácido. Los remiendos, el relleno y el aparente descuido que se puede ver en las nuevas piezas de tela son parte de la estética que me interesa desarrollar. En ocasiones integro materiales sintéticos que son inofensivos como pelo sintético, cabezas de payasos de plástico, plumas, lentejuelas, etc. MGB: ¿Qué artistas te han influenciado? EMM: Realmente ha sido mi búsqueda individual, mi proceso, lo que me ha llevado a trabajar y ha experimentar con el grabado. Es mi sed de sátira más bien la que me ha llevado a hacer esta especie de teatros interactivos. Me interesa mucho

todas las expresiones puebleri-nas, me fascina el ingenio que se encierra en eventos cotidianos que pasan desapercibidos. Como he dicho en otras ocasiones, en mis piezas yo sirvo los personajes y el espectador hace sus propias historias. Por eso mi interés en crear situaciones ridículas, íntimas y eróticas. Son todas facetas del ser._____La autora es periodista de cul-tura.

En su ensayo Elsa María Meléndez la emprende contra su abuela, la profesora de la UPR y crítica de arte Lilliana Ramos Collado opina lo siguiente: “No

son las instalaciones y las piezas “grandes” las que nos dan la clave de lo que persigue Elsa María Meléndez en su nueva exposición titulada Los cuentos que no me hizo mi abuela: instalaciones, construcciones y grabados. Es en un brevísimo vídeo de animación, A veces entra en el bosque realizado con la colaboración de Teo Freytes, donde esta artista jocosa y profunda nos lanza hacia una nueva plantilla ideológica que reformula el repertorio de máscaras de la mujer. Con esta muestra de obras, Elsa María nos propone un nuevo folclor.” Ramos Collado se concentra en este párrafo en el video de animación. Aun así da las claves para entender el trabajo de esta artista ya que Elsa María Meléndez propone precisa-mente un nuevo folclor. Por un lado imprime sus grabados en plexiglás o rellena muñecos hechos de telas a las que se les ha impreso alguna imagen. A esto se suma el tratamiento jocoso y crítico que Meléndez le da a “tipos sociales” de la cultura puertorriqueña como mujeres reguetoneras súper sexuadas, señores borrachones de chinchorritos, ese hombre anónimo que es un payaso, por mencionar algunos. Ejemplos de ello son piezas como El cafetín de la isla, Demasiado civilizados, I wanna be hardcorosa. En este sentido, Meléndez crea un nuevo folclor al unir y transformar en sus piezas dos viejos folclores, el grabado y los tipos sociales de nuestra cultura. En El cafetín de la isla, por ejemplo, la sensualidad femenina a lo “hardcore” es el centro de atención de un “sample” cultural que no le despega el ojo (están todos metidos en una pequeña caja, ¡Que calorofobia!). Estos personajes, a su vez, son colocados a diferentes profun-didades dentro una caja. De este modo, el grabado funciona fuera de su bidimensionalidad tradicional. Algunas de las “cajas” de Meléndez en las que se reúnen sus personajes a modo de escenario teatral parecen haber sido sacadas de tiendas de antigüedades. Pueden medir por ejemplo 11” x 20” x 10” y son un encuentro entre el diseño de muebles “antiguos” y la creación de una artista del siglo XX. Piezas como Los gajos del oficio recuerdan la instalación La barbería de Pepón Osorio actualmente en el Museo de Arte de Puerto Rico. La instalación logra hacer una fuer te critica a la educación al varón boricua de los setenta-ochenta. En el caso de piezas como Wonder perra una cortina que por un lado tiene a la mujer con patas de

La artista Elsa María Meléndez explora el tema del reguetón en medios como el grabado en plexiglás y la tela.Fotos Suministradas

Un nuevo folclor grabado en plexiglás

perra y por el otro tiene a una mujer perreando pero con pies humanos. Al observarla se detonan todos nuestros prejuicios o resignaciones sobre los cambios que sin prisa pero sin pausa han consolidado la sensualidad del perreo. La pieza mide 9’ x 5’ 1/2” y está realizada con retazos de tela, impresión sobre tela y cosido. En una entrevista en exclusiva con el periódico Diálogo, Elsa María Meléndez comenta sobre su trabajo: MGB: Háblanos un poco del proceso de mezclar en tus piezas el intaglio, el papel y el plexiglás. EMM: El grabado tiene la cualidad de que se puede reproducir una imagen muchas veces, en diferentes variantes, de color, tamaño... la versatilidad del medio permite, a la misma vez, que pueda llevar una misma imagen desde el estado bidimensional (el inicial), hasta el tridimensional. Téc-nicamente mi obra se inclina hacia esa búsqueda. Me interesa mucho como soporte el papel, por su fragilidad. Que el es-pectador pueda jugar, mover e interactuar con un material frágil como el papel, demuestra lo contrario, la fortaleza del material. MGB: ¿Y el plexiglás? EMM: El plexiglás llega a la escena cuando veo que mis esculturitas de papel (que hasta ese momento colgaban en cajas de madera) hacían unas sombras muy interesantes en el fondo del teatrito de madera... me interesó entonces que esas sombras se volvieran más protagónicas a la vez que me daban otro estado de la misma imagen. Un poco des-pués surgió mi interés de hacer una videoanimación de mis personajes. Ahora pudieron

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Farasch López reyLoz

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La belleza de la muerte

A pesar de que la mayor parte de la gente reacciona ante la muerte como si se tratara de una cosa espuria, lo cierto es que ésta, tal vez más que la vida, está

rodeada por el arte.De la muerte, lo que más suele relacionarse con lo grotesco

es su aspecto físico, el horror de la carne amenazada por la putrefacción, asediada por la carroña y la sobras, al punto que, de forma general, al cadáver se le llama “restos”, como lo que realmente parece ser, un excedente de algo que fue. En algunas ocasiones sólo algunas personas logran percibir que, incluso, el acto mismo de morir puede ser un performance tanto de la belleza como del espanto.

La antigua Grecia acuñó un hermoso concepto, sobre todo aplicable a los héroes: era la idea del “panta kala” o la muerte bella. Este elemento era tomado en cuenta incluso en la muerte provocada. Existía y existe una innegable estética del suicida, porque de una manera o de otra la gente termina tratando de que su muerte revele algo sobre su vida. En este sentido, el acto mismo de morir es el mejor epitafio.

Las sociedades “sofisticadas” del pasado (egipcios, griegos, romanos), en su fascinante paganismo, lograron evadir la tentación de abominar el cuerpo, cosa ante la cual la era y sociedad cristina no pudo contenerse. Entonces la muerte se volvió objeto de discursos y prácticas de algún modo esquizofrénicas. Mientras el cristiano teme a la muerte y sus castigos, celebra infinidad de rituales que extienden el duelo, dando como resultado un regodeo morboso en la pérdida y en la exposición del cuerpo en las vísperas de éste corromperse. Sin embargo, entre otras cosas, rehúyen de vivir en las proximidades de los cementerios, que en otros tiempos llegaron a convertirse en verdaderos museos.

Algunas de las grandes obras de la humanidad, como es el caso de las pirámides egipcias, han resultado ser nada más y nada menos que excelsas tumbas que terminaron por ser la radiografía tanto del poder y riqueza que ostentaron algunas culturas como su convencimiento de la muerte como obra de arte. Posteriormente, la cristiandad que renegaría del cuerpo, su exposición, sus secreciones y placeres agregaría en sus mitos que este cuerpo mortal y corrupto es la obra de arte de un dios alfarero que nos creó casi al torno y con un suspiro o un escupitajo nos dio alma.

Desde antes y hasta ahora, cuando alguien se vuelve cadáver pasa de ser la obra de algún dios para caer en las manos de otro artista que por unos momentos limitados le devolverá la “dignidad” a la obra divina. Entonces más de un artista entra en el juego de embellecer la muerte cristianamente horripilante. El embalsamador pone al servicio de la muerte su arte de preservarle con el mayor parecido a la vida, un artista creará el ataúd como vestimenta final mientras otro artista creará un monumento mortuorio que, junto a las obras de otros artistas, hará de una colección de cadáveres un espectacular museo.

El cementerio de La Recoleta en Buenos Aires es un excelente ejemplo de lo que es un paseo inolvidable y sublime por los pasillos de un museo mortuorio. En Europa, muchas de las piezas de arte más exquisitas resisten el olvido en medio de camposantos que son visitados a diario por turistas que recorren los angostos caminos tomándose fotos abrazando esculturas de mármol de todos los colores.

Hace pocos años, la cadena televisiva HBO produjo toda una serie de cinco temporadas cuyo eje principal era la muerte. Six Feet Under fue un éxito mediático pero aún más lo fue entre aquellos que encontramos en ella toda la belleza que la buena

literatura puede sacar de la muerte. La serie presentaba a una familia cuya residencia a su vez cobijaba su negocio de funeraria. El sótano era una especie de laboratorio anatómi-co en el que se llevaba a cabo todo el proceso de embalsamamiento en manos de Rico, un sujeto híbrido entre lo médico-forense y el escultor que se encargaba de pegar cuerpos que habían sido desmembrados, hacer cirugías estéticas postmortem y devolver cadáveres que parecieran más vivos tras su muerte que cuan-do gozaban de la vida.

Cada capítulo comenzaba con una muerte ejemplar que iba desde

accidentes aparatosos hasta la hermosamente relajada muer-te de un individuo que condujo hasta la casa funeraria para morir pocos minutos después dentro de su auto estacionado como si él mismo hubiese sido su muerto, cortejo y coche fúnebre simultáneamente. Lo cierto es que las verdaderas protagonistas de la serie eran la muerte y la casa que la albergaba y que funcionaban como monumentos estéticos de uno de los misterios que más ha desvelado artistas de todo género.

Aquella serie puso de manifiesto que la gente, a pesar de su horror por el cuerpo en su ruta a la desintegración, podía fascinarse con las ideas del “panta kala” posmoderno. Asimismo, un episodio revestido de todo el folklor del que somos capaces en este país revolucionó la forma en que se miraba a los muertos.

La historia del llamado “muerto parao”, que era la repre-sentación del concepto “morir de pie” en contraste con la amenaza típica del bajo mundo de “te vamos a tumbar”, llevó a muchos a reflexionar que ya no era importante solamente cómo se muere sino cómo el cuerpo mismo se convertía en la última representación artística de cada quien. Apareció gente que dijo dejaría instrucciones claras para ser velado en su sillón favorito, en su motora y hasta en el inodoro.

Más allá de la crisis sanitaria de lo que está o no permiti-do hacer con los cuerpos, éstas y otras ideas subrayan nuevas y viejas incertidumbres sobre la estética de la muerte y la feliz o tormentosa relación del individuo con su ineludible destino.___La autora es experta en literatura comparada.

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Farasch López reyLoz

Este Cristo resuci-tado, en el mismo campo-santo, presenta elementos estilísticos ortodoxos.

La niña que toca el

menorah es parte de un conjunto escultórico

judío del cementerio

de La Recoleta

en Buenos Aires.

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26 diálogo abril - mayo 2009

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diálogo 26febrero-marzo 2009

diálogo 27 mayo - junio 2009

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De autonomí as y géneros Los casos de las Damaris exigen mejorar los servicios

que se ofrecen a las mujeres en los departamentos y oficinas gubernamentales, hospitales y centros de salud o de acogida, en las comunidades y universidades. Pero, en las universidades, nuestra función esencial no puede ser dar servicios. A los intelectuales, como bien señalaba Michel Foucault, la labor que nos corresponde en la lucha contra las formas del poder es la transformadora práctica del teorizar.

Como insiste Fernando Savater, meditemos sobre la calidad de la cultura, en este caso de

los elementos patriarcales tan presentes en la nuestra; entreguemos a nuestros estudiantes la perplejidad, el cuestionamiento ante su mundo y ante sí mismos. Con el tiempo, quizá logremos

recrear la cultura, la democracia, ésa que Rubén Ríos Ávila llama democracia cultural cuando

señala, en el ensayo “La Universidad y el futuro del porvenir”, que: “La Universidad, si aspira a seguir

teniendo validez política en el mundo de hoy, tiene que apostar por ser una fuerza decisiva en la defensa de la cultura de la democracia.”

Necesitamos una reflexión mucho más compleja que la de los 10 minutos de Kimmy Raschke. Savater ha dicho en el libro El valor de educar que: “la cultura no es algo para consumir, sino para asumir. Y no se puede asumir la cultura, ni entender su evolución y su sentido, ni precavernos de quienes quieren convertirla en pura mercancía, si se desliga totalmente del trabajo creador que la produce y la disciplina que resulta indispensable para acometerlo.”

Para esta labor creativa, esta teorización, la Universidad tiene que exigir y defender su autonomía. No es a los legisladores a quienes les corresponde esta labor. Sugerir, apoyar, convocar, pues sí. Pero es a los universitarios a quienes nos compete decidir sobre nuestros currículos, energizar nuestros sueños, constituir una nueva cultura democrática._____La autora es profesora en la UPR, Río Piedras.

contrapunto

Por Margarita MergalEspecial para Diálogo

Primera plana, Primera Hora: mayúsculas, la pregunta “¡Hasta Cuándo!” (sic), borde rojo vivo, foto enorme a color. Otra víctima de un asesinato doméstico. Damaris Soto Rodríguez fue torturada y degollada, aparentemente, por su ex marido, contra quien había una orden de protección. Ella sólo tenía 27 años, pero ya tenía tres hijos del supuesto asesino. La noticia también la cubrieron los otros diarios, y a los que aún leemos el periódico en papel, nos regalaron con el desayuno una foto, a todo color, de su zapato ensangrentado. ¡Qué muchos ejemplares venden las mujeres víctimas de violencia! Hay espectáculo.

No han pasado los primeros cuatro meses del año y van seis mujeres asesinadas por sus parejas o ex parejas, además de las hospitalizadas y las silenciadas por el miedo, por las ideologías religiosas patriarcales, víctimas cotidianas. Hay que añadir a éstas las otras formas en que se expresa la cultura patriarcal.

La legisladora Carmen Yulín Cruz escribió recientemente en un diario del país sobre cómo afecta a las mujeres la crisis económica, la “medicina amarga” de Luis Fortuño y la amenaza de no confirmar a Johanne Vélez como Procuradora de las Mujeres. Razón tiene.

Todavía muchas reciben salarios más bajos que los hombres por tareas equivalentes; su acceso al mercado de trabajo está viciado por la división por género; no hay centros de cuido suficientes para sus hijos; los servicios de salud ni son suficientes ni se ofrecen con perspectiva de género; mejor educadas académicamente, tienen menos participación en la fuerza de trabajo y menos representatividad en los puestos gerenciales y políticos; siguen sometidas a la doble jornada porque no se socializa el trabajo doméstico al interior de la familia, y dejo un largo etcétera.

Toda la violencia, ubicua y atroz en nuestro país, ni es sólo contra las mujeres, ni sólo de orden doméstico. Pero ésta sí. Damaris, como tantas otras, sintió la necesidad de protegerse de su marido; sintió miedo. Miedo a quien, conforme al orden religioso y civil en Puerto Rico, se supone que la proteja.

Me pregunto yo, ¿ése, el marido de Damaris, a cuántos hombres habrá matado, a un compañero de trabajo (si es que tiene empleo), a un hermano, a un vecino, a un amigo? Pues supongo que no. ¿Por qué entonces esa furibunda rabia asesina contra esa

mujer de quien alguna vez posiblemente estuvo enamorado, con quien, quizá con deseo y pasión, engendró tres hijos?

Y, para que no se me acuse de satanizar a los hombres, añado que las mujeres, socializadas al fin dentro de la cultura patriarcal, también somos en alguna medida responsables de asumir y reproducir este sistema.

Ante estas noticias, tan terriblemente reiteradas en nuestro país, pienso en dos temas que debatimos hoy con cierta intensidad: los currículos de estudios del género y la autonomía universitaria.

Na d a nuevo. Las discusiones y las luchas en su defensa como espacios forjadores de libertades necesarias parecen tener que repetirse una y otra vez, porque siempre vuelven a aparecer los detractores y enemigos de los derechos y autonomías. Problemas inherentes a una institución que, de una parte, educa y crea nuevos conocimientos, y de otra, debe servir al estado y la sociedad. Basta decir que siempre los universitarios y ciudadanos debemos estar en guardia para salvaguardar esta autonomía y la existencia de nuestras universidades para que no se conviertan en fotutos de los poderes hegemónicos.

¿Cómo quedan imbricados autonomía y currículos de género en el debate hoy día? Alfred North Whitehead creía en un vínculo entre el conocimiento y el goce por la vida, en la importancia de la imaginación que generara una atmósfera excitante y permitiese la transformación del conocimiento. Para nuestros legisladores y fundamentalistas, ésta es una postura peligrosa. El credo de Whitehead presupone que los hechos no representan verdades inamovibles, habla del goce por la vida y el conocimiento, precisamente lo que necesitamos para transformar la cultura que hace posible los casos de las Damaris de ese mundo.

Me sospecho que tanto para Kimmy Raschke -presidenta de la Comisión de Educación y Asuntos de la Familia del Senado; defensora de los 10 minutos curriculares “de reflexión” en un sistema de educación pública que debería, conforme a la ley, ser laico; que habla de una Ley para el Rescate de una Generación, asunto que suena mucho a los ayatolás de Amadineyad- como para los redactores antifeministas de El Visitante estas palabras del gran matemático y filósofo son anatema.

28 diálogo mayo - junio 2009

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Durante los pasados años, dio inicio la revolución del arte de instalaciones y performances; espacios como la Galería Nacional del ICP produjeron una serie de importantes exposiciones; la administración de Sila M. Calderón estableció un controvertible proyecto de arte público, y los grafiteros comenzaron a exponer sus obras en las galerías.

diálogo 28febrero-marzo 2009

Comenzó la revolución del arte de instalaciones y performances. El arte del video se democratizó, surgiendo una interesantísima competencia entre miradas existenciales, surrealistas, lúdicas y políticas. La Bienal del Grabado de San Juan se convirtió en la Trienal Poligráfica de San Juan, y la producción de buenos catálogos y libros de arte aumentó considerablemente.

Nació y se estableció CIRCA, nuestra primera feria de arte internacional. Muchos de nuestros mejores grafiteros han dado el paso de “traducir” sus discursos urbanos (donde se apropian de espacios públicos) a otros soportes (enteramente comerciales, como el lienzo) y exponen y venden sus obras en las mejores galerías de Puerto Rico.

¿Dónde nos encontramos actualmente? A pesar de todos los problemas de una colonia al desnudo y desacreditada, bien. Aunque la crisis económica y el desasosiego general de nuestro país ha afectado a los artistas, a las galerías, a los coleccionistas y compradores de arte en general, a los museos y a todas las actividades relacionadas con el mundo de las artes visuales (desde CIRCA hasta la Trienal Poligráfica de San Juan), nuestros artistas siguen produciendo obras de excelencia y continúan tratando de promover su producción tanto a nivel nacional como en los foros internacionales más prestigiosos.

En el País, en este momento, trabajan, dialogan y continúan desarrollando sus discursos estéticos y éticos, artistas que pertenecen a cinco generaciones muy distintas: los miembros de la Generación del 50 que todavía están activos, como Domingo García y Pancho Rodón; los miembros

de la Generación del 60-70, como Myrna Báez, Luis Hernández Cruz, Zilia Sánchez, Carmelo Sobrino y Carmelo Fontanés; los miembros de la Generación del 80, como Mari Mater O’Neill, Rosa Irigoyen, Jorge Zeno, entre otros; los miembros de la Generación del 90, y los Novísimos, grupo que incluye a Ada Bobonis, Aaron Salabarrías, Rabindranat Díaz, Linda Sánchez Pintor, Carlos Rivera Villafañe, Marta Mabel Pérez, Annex Burgos, Tristán Reyes, Aby Ruiz, Garvin Sierra, Omar Velásquez, Radamés Figueroa, Edgardo Larregui, Jason Mena, Ramón Miranda, SKE, Sofía Maldonado, Carlos Gil Rivera, entre otros.

Ha habido una serie de exposiciones retrospectivas o de midcareer im-portantes (desde la del maestro Domingo García en el MAPR hasta la de Charles Juhazs Alvarado en el MAC). Aunque las ventas han caído drásticamente y los costos de montar una exposición son cada vez más altos, las galerías de arte continúan presentando magníficas exposiciones individuales o colec-tivas, entre las que se distinguen exposiciones trascendentales como

“En sus marcas…”, en la Uni-versidad del Sagrado Corazón (USC), y muchas en espacios como Galería 356, Galería Viota, Galería Petrus, Galería la Pinta-dera, Galería Biaggi-Faure, Ga-lería Botello, Galería Obra, La 15 y Espacio 1414.

Aunque con muy poca ayuda del gobierno y de las empresas privadas, nuestros artistas siguen levantando los fondos necesarios

para ir a importantes bienales y ferias internacionales (gasto que debería cubrir el Instituto de Cultura Puertorriqueña). Con su Certamen de Arte Joven, Oriental Group ha satisfecho la necesidad de tener una competencia nacional que determine quién es quién entre nuestros artistas jóvenes, tarea que anteriormente realizaron el Chase Manhattan Bank, el MAP y el MAC.

En el campo del arte de video han surgido numerosos foros/competencias serias donde nuestros artistas pueden presentar sus obras y crecer. La Internet ha ayudado enormemente a la comunicación no sólo entre artistas sino entre coleccionistas y galerías donde se presenta la obra de artistas locales e internacionales (tal es el caso de Enoc Pérez).

A pesar de todo, aún el País confronta problemas graves en el campo de las artes visuales.

En Puerto Rico, no existe la crítica de arte. Ninguno de los periódicos o revistas dedican espacio a la crítica de arte y sólo publican reportajes muy superficiales que nada ayudan ni

al artista, ni al amante de las artes visuales y la cultura en general o coleccionistas.

Por otra parte, continúa habiendo un tribalismo cultural desmesurado. Cada “cacique” quiere su “comparsa”.

El departamento de Bellas Artes de la UPR, aunque ha mejorado algo y ha comenzado a graduar algunos excelentes artistas visuales (sobre todo en el campo del grabado, el dibujo y la fotografía) no es ni la sombra de lo que una vez fue. Tal parece que el parámetro existente es lo que no se acepta

en las artes visuales: la mediocridad.Del mismo modo, el MAPR –con muy raros

“momentos de luz”– ha sido un fracaso total. Lo que debería ser uno de los mayores legados –si no, el mayor– de la administración Rosselló se convirtió, por la ignorancia rampante de su Junta de Directores y administración, en un gran chiste y vergüenza para la clase artística e intelectual de la Isla.

Por otro lado, ni el gobierno central ni las estructuras municipales acaban de entender las necesidades de los artistas visuales. A los artistas hay que ayudarlos a volar, a rebasar el insularismo, y eso cuesta dinero.

Finalmente, la educación en el campo de las artes visuales tiene que comenzar –tanto en el sistema público como el privado– desde kindergarten._____El autor es profesor en la UPR, Río Piedras, y crítico de arte.

Por Manuel Álvarez LezamaEspecial para Diálogo

La realidad de las artes visuales en Puerto Rico ha cambiado drásticamente durante los últimos 20 años. Este cambio ha sido muy positivo; cada vez más nos acercamos a la excelencia, a la contemporaneidad y al cosmopolitismo.

Desde la Generación del 80 (Arnaldo Roche Rabell, Rafi Trelles, Haydée Landin, Melquíades Rosario Sastre) hasta la del 90 (Allora & Calzadilla, Chemi Rosado Seijo, Naida Collazo, Jesús “Bubu” Negrón), nuestros artistas iniciaron –con gran determinación y efectividad– un proceso de internacionalización del cual se han beneficiado los artistas más jóvenes, como Melvin Martínez, Michael Linares, Quintín Rivera, Ángel Otero Vega, y aun artistas-estudiantes.

Se abrió un número impresionante de galerías serias. Tanto el Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR, inaugurado durante la administración de Pedro Rosselló), el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC, cofundado y dirigido durante muchos años por María Emilia Somoza) y la Galería Nacional del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) comenzaron inteligentes y necesarios diálogos y rivalidades con el Museo de Arte de Ponce (fundado por Luis A. Ferré) y el Museo de Historia, Antropología y Arte de la Universidad de Puerto Rico (concebido por Luis Muñoz Marín, Jaime Benítez y Ricardo Alegría), que produjeron una serie de excelentes exposiciones.

Desde la alcaldía y luego la gobernación, Sila M. Calderón estableció un controvertible proyecto de arte público que enseñó a ver y entender distintas propuestas estéticas. La Escuela de Artes Plásticas (EAP) se convirtió en un powerhouse, graduando a los mejores artistas de Puerto Rico. Eventualmente se fundó el Grupo de Amigos de la EAP para otorgar becas para que los estudiantes viajaran a ARCO en Madrid y visitaran el Guggenheim en Bilbao.

El estado de las artesvisuales en Puerto Rico

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diálogo 29 mayo - junio 2009

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Por Dalila RodríguezSaavedraEspecial para Diálogo

¿A quién pertenece el arte? ¿Al país que lo conserva, que lo exhibe celosa y orgullosamente, que dentro de su metacultura lo reclama, ya sea como parte de una colección famosa institucional, para un acceso más amplio al público? ¿O es merecidamente del país de origen? ¿Es el arte algo que nos pertenece a todos? ¿O las exposiciones de arte existen gracias a la defensa de quienes alegan poseer interés genuino en él?

Recientemente, un artículo publicado por el periódico español El País, “Devuélveme el arte de mi país”, a cargo de Catalina Serra, pluralizó las pasiones encontradas en torno a un “espinoso tema lleno de matices”: el expolio de obras artísticas.

En esta ocasión, las obras artísticas en el centro del avivamiento de esta controversia internacional -que lleva casi 40 años discutiéndose entre instancias públicas y privadas sin resultados estándares- son unos delicados bronces de Benin (datados entre los siglos 13 y 16) que fueron incautados en 1897 por los británicos en una expedición sancionable que arrasó con el palacio real del entonces reino africano.

Otras dos cabezas de bronce -que representaban animales del zodiaco- procedentes del Palacio de Verano de Pekín, saqueado en 1860 por el ejército franco-británico durante la Guerra del Opio, se suman a los registros de demandas de devolución de piezas relevantes para la historia de los países. Éstas salieron a subasta el pasado 25 de febrero en la casa Christie’s de París sin que las indignadas autoridades chinas pudiesen impedirlo.

Las demandas de repatriación de obras que en potencia “constituyen” la identidad de un país incrementan. Algunas son escuchadas; otras ya cumplen décadas y no se han resuelto. En muchos casos, estas piezas son consideradas relevantes para la historia nacional porque son fruto del botín

de guerra, el saqueo colonial o las compras dudosas.

Algunos casos históricos incluyen al penacho de Moctezuma, que está en el Museo Etnológico de Viena y que los mexicanos reclaman; el busto de Nefertiti, conservado en el Museo Egipcio de Berlín, escamoteado por arqueólogos alemanes en las excavaciones de Tell el Amarna, y los emblemáticos frisos del Partenón, que se encuentran en el Museo Británico de Londres y son requeridos por los griegos desde hace décadas.

Isabel Cervera, profesora en la Universidad Autónoma de Madrid, coincide con otros expertos en que el interés artístico de los bronces chinos es relativo. “La reclamación es política”, afirmó en artículo de El País. “Son el símbolo de una humillación y se trata de lavar la afrenta que les infringieron las potencias extranjeras. Su interés radica en su procedencia. Y esto ha sido así también para el coleccionista. En este caso, el valor de la pieza es su historia”.

A fin de cuentas, ¿será el arte una cuestión política que pertenece a quien lo reclama? El asunto se complica cuando algunos países no poseen la infraestructura necesaria para mantener las piezas. En ocasiones, la capacidad efectiva de preservar el arte se opone al derecho de un pueblo a conocer y custodiar su historia.

Por tal razón, la Unesco creó en 1978 el Comité Intergubernamental para la Promoción del Retorno de Bienes Culturales a los Países de Origen, que se basa en el derecho moral y ético de los pueblos a retener su patrimonio. Este comité cuenta con 22 estados miembros de la organización que se reúnen cada dos años para tratar aquellos casos en los que un estado ha perdido bienes culturales de importancia fundamental y pide su restitución o su retorno en casos no previstos en los convenios internacionales.

¿A dónde deben ir a parar?Durante largo tiempo, se ha

fundamentado que la misión de una obra de arte-arqueológica-histórica es dejar un

legado a las generaciones futuras, que la existencia es una normativa tradicional que exalta virtudes y glorias de la humanidad. A partir de este planteamiento, se puede argumentar que los inconvenientes son más bien de orden ideológico que técnico, y que regular el enfoque trasciende lo estrictamente nacional.

Según la proclama de la Convención de París de 1970, “el intercambio de bienes culturales entre las naciones con fines científicos, culturales y educativos aumenta los conocimientos sobre la civilización humana y enriquece la vida cultural de todos los pueblos…”.

La discusión pervive -¿será inalienable para el arte en sí mismo?- en cómo se define arte dentro del marco histórico-artístico. Cabe recordar que algunos de los países no existían como estados soberanos, como lo son hoy día. “No es lo mismo conseguir una devolución de una obra robada o exportada ilegalmente en los últimos años que conseguir el retorno de obras que salieron, muchas veces legalmente según las reglas de la época, hace más de un siglo, de una zona que entonces ni siquiera era un país reconocido”, repasó Serra.

Las opiniones están divididas: algunos promulgan que el país de origen posee el derecho a tenerlas, puesto que son sus bienes culturales, y otros sugieren que el Museo Británico o los franceses, neoyorquinos y alemanes son los custodios apropiados porque permiten accesibilidad a un mayor número de personas. Este es otro factor que agrava la polémica: el turismo y los ingresos que generan los museos.

De acuerdo con el artículo de El País, existe una contraposición de intereses en aquellos países con un importante patrimonio histórico artístico como España, Portugal, Italia y Grecia, y aquellos otros de gran potencial económico y tradición en el comercio del arte y antigüedades, como Gran Bretaña, Alemania y Estados Unidos, “pero que poseen un patrimonio cultural más limitado”.

Sería propio analizar detenidamente el turismo con relación a los bienes culturales de un país. ¿Quién asegura que si los bronces de Benin se devuelven a su origen el turismo y el desarrollo del país africano se verá beneficiado? ¿Cómo quedaría entonces el Museo de Arte Británico si sus salas y colecciones son repatriadas? ¿Qué harían los latinoamericanos con todas las piezas en oro que adornan a las majestuosas catedrales españolas si les fueran devueltas?

La neuralgia está en que las legislaciones nacionales varían mucho de un país a otro y las convenciones internacionales al respecto son relativamente recientes. Por ejemplo, el postulado de La Haya que protege los Bienes Culturales en caso de Conflicto Armado es de 1954 (por lo visto no muy útil en los recientes conflictos de Bosnia, Afganistán o Irak), y el de la Unesco sobre medidas para prohibir e impedir el tráfico de propiedades ilícitas es de 1970.

Consecuentemente, sí han habido restituciones triunfantes como el obelisco de Aksum, devuelto a Etiopía en 2005 luego de ser arrebatado por las tropas fascistas italianas en 1937, así como la devolución que realizó en 2007 la Universidad de Yale a Perú de unas piezas arqueológicas de Machu Picchu, sustraídas en 1911 por el personaje que inspiró a Indiana Jones, Hiram Bingham.

Todavía no se sabe si el coleccionista hongkonés Cai Mingchao, que pagó 15.7 millones de euros por la adquisición de los bronces del zodiaco chino y que afirmó que se negaba a pagarlos por “patriotismo”, se verá obligado a devolverlos, luego de que los medios se hicieran eco de las palabras de Bernard Gómez, presidente de la Asociación para la Protección de Arte Chino en Europa. Gómez aseguró que se estaba negociando la posibilidad de que empresarios franceses compraran los bronces y como gesto se los regalaran a China. Después de todo, las relaciones entre Francia y la potencia asiática no “deben” verse afectadas._______La autora es periodista independiente.

Pugna internacional por el arteEl busto de Nefertiti se encuentra en el Museo Egipcio de Berlín; los frisos del Parteón, en el Museo Británico de Londres.

Los bronces de Benin, datados entre los siglos 13 y 16, fueron incautados en 1879 por los británicos.

Estas dos cabezas de bronce proceden del saqueo al Palacio de Verano de Pekín realizado por el ejército franco-británico durante la Guerra del Opio en 1860.

30 diálogo mayo - junio 2009

Por Elba Betancourt DíazEspecial para Diálogo

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Luis Passalacqua Sotomayor se dedicaba a crear ilustraciones médicas. Un día, en 1995, mientras remodelaba una casa, aspiró una espora que le causó

meningitis. Como resultado de esta enfermedad, perdió la vista y se le afectó la audición y el tacto.

Tuvo que volver a aprender todo, desde dónde está su boca para poder comer hasta cómo caminar sin poder ver. También regresó a la universidad, pero esta vez a la Escuela de Artes Plásticas.

El proceso de aprendizaje y de aceptación de su nueva realidad no fue fácil; no obstante, ha logrado desarrollar métodos para hacer arte desde otro “punto de vista”. Precisamente, estos conceptos son los que comparte con otras personas con impedimentos visuales en las clases de escultura que imparte.

Passalacqua Sotomayor recuerda que cuando estudió arte aprendió a crear desde una perspectiva visual y pensando en que las piezas serían apreciadas por personas videntes.

“En ese momento, no me daba cuenta de la diferencia porque todavía quería ser vidente. Así que trabajaba desde el punto de vista del vidente creando obras para videntes. No había tenido la experiencia de relacionarme con el arte desde otro ‘punto de vista’ o perspectiva. Era frustrante. Bueno, para todos los estudiantes era difícil, pero sicológicamente yo me hacía más daño, porque pensaba que era difícil porque no veía. Luego, cuando desarrollé otros métodos, me di cuenta de que hay otra realidad”, indicó el artista, quien ha expuesto sus esculturas en galerías y festivales internacionales.

Ahora crea desde su realidad como persona con impedimento visual para otros no videntes. Los métodos que ha descubierto a través del desarrollo de su obra se basan en utilizar el tacto, la audición y el olfato. Este proceso implica la destrucción de la imagen visual del recuerdo y dar primacía al tacto para crear nuevas imágenes.

Sus obras escultóricas comienzan con las imágenes que desarrolla en su mente y, luego, sin hacer bocetos, las plasma en el medio que utilice para esculpir, que puede ser piedra, plastilina, metal o barro. Sus piezas se caracterizan por el movimiento y están hechas para ser apreciadas a través del tacto.

Cómo hacer arteUn individuo con impedimento visual no crea una

imagen en su mente en un instante, sino que, a través de la estimulación de sus sentidos, añade recuerdos y la compone poco a poco. “Es un trabajo fuerte y agotador porque tienes que acordarte de todo y de dónde está todo”, reconoció Passalacqua Sotomayor.

“Es ajeno [para las personas con impedimentos visuales] trabajar lo visual porque no es parte de su realidad”, añadió el profesor vidente Garwin Zamora Sánchez.

De acuerdo con Passalacqua Sotomayor, las personas con impedimentos visuales tienen que entender el porqué de lo que desean hacer. Por ejemplo, si desean esculpir una cara sonriente tienen que saber cómo anatómicamente se dibuja una sonrisa en el rostro de alguien.

Para lograr esto, les enseña, utilizando una carabela, cómo es una cabeza; cuáles son los músculos que se emplean para sonreír y cómo se mueven, y todas las expresiones faciales que surgen de una sonrisa. Una vez logran entender el funcionamiento anatómico del rostro, pueden plasmarlo, pues su realidad no se basa en lo que ven, sino en lo que entienden.

El tacto o “punto de vista” táctil es esencial en este proceso creativo, ya que se puede dibujar o esculpir tocando primero el objeto que se pretende recrear. Zamora Sánchez explicó que este “tocar” incluye las sensaciones que se producen al vivir una experiencia, como puede ser entrar en contacto con el agua, porque se incorporan todos los sentidos.

Por otra parte, Passalacqua Sotomayor manifestó que uno de los conceptos más difíciles de comprender para las personas con impedimentos visuales es la arquitectura porque los edificios son muy grandes y no los pueden tocar completamente.

“Deberían existir maquetas de los edificios históricos como El Morro, el Parque de Bombas o las Casas del Viejo San Juan para que puedan palparlas y apreciarlas; para que así conozcan la arquitectura del País”, sugirió el artista.

Para enseñarles cómo hacer figuras tales como, por ejemplo, una casa, utiliza barro para ir explicando los detalles que componen el concepto de lo que es una casa hasta llegar a la totalidad.

Manos que ven y crean

Passalacqua Sotomayor,

profesor con impedimento

visual, ha logrado

desarrollar métodos para

hacer arte desde otro “punto de

vista”, los que comparte con otras personas no videntes en las clases de escultura que

imparte.

Uno de los participantes del curso del programa Sin Fronteras del Museo de Arte de Puerto Rico fue Mardales Fernández, de 78 años.d

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diálogo 31mayo - junio 2009

De izquierda a derecha, Garwin

Zamora Sánchez, Hugo Mardales Fernández y Luis Passalacqua

Sotomayor.

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Más sentidos para apreciar

Quienes podemos ver, solemos pensar que la única forma de acercarse al arte es a través de los ojos. Pero no hay una sola forma de “ver” las obras y percibirlas por lo que la definición de “ver” debe ampliarse. Según el profesor Garwin Zamora Sánchez, se ha comprobado científicamente que la parte del cerebro donde se registra la visión se activa al tocar un objeto, por lo que puede decirse que, de cierta forma, se “ve” con las manos. Lo que no se debe hacer es insistir en “ver” como los videntes lo hacen y hacer comparaciones; por el contrario, se debe construir una literacia visual desde la perspectiva de las personas con impedimentos visuales. Es lo mismo que ocurre con las diversas apreciaciones y sensaciones que una obra de arte puede provocar en varias personas, sean éstas videntes o no. Cada una de ellas vive su experiencia y ninguna es más válida o correcta que la otra. Existen varias alternativas para que las personas con impedimentos visuales tengan la oportunidad de apreciar las obras de arte. Si un artista otorga el permiso para que su obra sea tocada, los no videntes pueden palparla utilizando guantes. Con sus manos, pueden hacerse una imagen en su mente de la obra a través de las formas, texturas, temperaturas y movimientos que palpen. Otra opción es hacerles una descripción narrativa de la pieza. Esta narración debe ir desde lo general hasta lo particular y ser muy específica. Los colores pueden ser comparados con conceptos como lo frío y lo caliente para que puedan recrear esas sensaciones en su cerebro. También, en estas narraciones, se pueden incorporar sonidos para describir algunas acciones, como por ejemplo, bajar escaleras. Mientras más específica sea la descripción, más rápido se forma la imagen en la mente. Passalacqua Sotomayor argumentó que esa imagen que se compone de la obra puede hasta superar la real porque la imaginación no tiene límites.

De la teoría a la acciónEl año pasado, 12 alumnos videntes

y no videntes entre las edades de 11 y 77 años aprendieron estos conceptos a través del curso de escultura del programa Sin Fronteras del Museo de Arte de Puerto Rico, impartido por ambos profesores.

Don Hugo Mardales Fernández ha perdido paulatinamente su visión debido a la enfermedad conocida como degeneración macular; sin embargo, no ha perdido su deseo de disfrutar la vida y aprender. Hace 78 años, nació en Perú; tiene el cabello blanco, usa espejuelos y es un gran conversador. Este puertorriqueño por adopción decidió ser parte de los talleres de escultura porque ama el arte.

“No había hecho arte, aunque me encanta. Estos talleres fueron una experiencia única en mi vida para poder crear. Fue una sorpresa poder crear con mis manos. Es interesante este proceso de sacar algo de la nada. Cuando tenía el pedazo de barro en las manos decía: ‘qué hago yo con esto’”, confesó arrancando la risa de sus dos profesores.

Las clases, talleres y visitas al Museo han logrado que ahora se exprese como todo un artista. Para él lo más difícil fue

dominar la técnica para crear formas y líneas con el barro. Estos talleres le llenaron de satisfacción y le sirvieron para divertirse, liberar estrés y aprender. “Es importante que esto se sepa para que la comunidad entienda que la gente con nuestra condición puede hacer arte”, aseguró.

Los maestros respetaron la capacidad de creación de cada participante y su proceso individual de aprendizaje. “Cada uno tenía su realidad. Así que les decía: ‘dime qué quieres hacer y yo te digo cómo hacerlo’. No había pena ni excusas; se les exigía como a cualquier estudiante de arte. Les ayudábamos a encontrar su propio proceso”, sostuvo Passalacqua Sotomayor.

A los participantes videntes se les enseñó a esculpir desde la perspectiva de las personas con impedimentos visuales. Para esto se les requirió que trabajaran la pieza al revés, se les apagaron las luces y aprendieron a apreciar las piezas de arte con el tacto. Asimismo, Zamora Sánchez enseñó y colaboró en el proceso de creación de los alumnos desde la perspectiva de los no videntes, por lo que utilizó su tacto y empleó frases como : “Yo siento…”, “Yo percibo…”, y no “Yo veo…”.

Zamora Sánchez señaló que conceptos como tamaño, distancia o altura se pueden transmitir utilizando sonidos para que el no vidente pueda calcular en su mente cuán grande es un espacio, cuán lejos está un objeto o cuánto mide.

Sobre el uso de colores, ambos profesores enfatizaron que las personas con impedimentos visuales no tienen que usarlos desde la perspectiva de los videntes, en cuyo caso tendrían que fijarse que los colores combinen o reproduzcan la realidad visual; el artista puede pintar o hacer arte según lo que siente, y no a partir de lo que se ve.

Al elegir los colores conviene dejar a un lado su concepto visual y usar otros sentidos o imágenes. El olfato es un gran aliado al momento de seleccionar colores. Passalacqua Sotomayor mencionó que cada color tiene un olor particular que varía según del pigmento del que esté hecho. También se pueden seleccionar los colores por su espesor.

El profesor considera que lo más difícil de enseñar a las personas con impedimentos visuales que desean ser artistas es fomentar la confianza en ellos mismos y que crean que pueden hacer arte.

Zamora Sánchez, profesor

vidente, enseñó y colaboró en el proceso de

creación de los alumnos desde la perspectiva de los

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Por Laura W. Robles VegaTaller de Estudiantes

“Traer la calle a la universidad y sacar la universidad a la calle”, así resumió Edwin Quiles el objetivo del Taller de Diseño Comunitario de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Puerto Rico en Río Piedras (UPR).

El arquitecto, que emprendió esta iniciativa en el año 1998, añadió que “la academia tiene que dar un servicio a la comunidad”. Es por eso que este curso universitario se encarga de renovar las condiciones de vida y la infraestructura de sectores de escasos recursos.

Los estudiantes que forman parte de este esfuerzo desarrollan los proyectos que les asignan. “El taller los expone a las vías reales, a hablar con clientes reales. Los obliga a tener que negociar con esos clientes su propuesta. Hay un diálogo que es muy enriquecedor”, explicó Quiles.

Esos clientes a los que se refiere el arquitecto son usualmente líderes comunitarios que acuden a ellos para presentar propuestas. “Cuando empezamos a trabajar el taller nos dimos cuenta que aquí venían proyectos que estaban

reaccionando a una problemática, por ejemplo problemas de expropiaciones”, relató Elio Martínez Joffre, profesor de la Escuela de Arquitectura de la UPR, y quien dirige este proyecto académico actualmente.

Sin embargo, los estudiantes no solamente esperan a que las comunidades le presenten sus necesidades. “Estamos viendo una cosa que ha sido muy interesante, y es que hay estudiantes que están trayendo proyectos. Eso dice mucho porque es gente que ya está pensando en cómo ser más proactivos”, resaltó Martínez.

“Aquí se presentó un proyecto de una muchacha que se interesó porque había una familia a la que se le quemó una casa en el municipio de Florida, y ella la está rediseñando con otra estudiante y la ayuda del taller”, añadió el profesor.

Los dos arquitectos mencionaron que la relación con las comunidades ha sido enriquecedora. “Creemos en que el estudiante enseña y aprende. La gente de comunidad enseña y aprende. Es un proceso educativo en el que ambos enseñan y aprenden. Ésta es una iniciativa que pretende proveer un servicio, pero también capacitar a los estudiantes por supuesto y a la gente de comunidad para que puedan después por su cuenta seguir sus proyectos”, expresó Quiles.

Precisamente, esa es la aportación del curso: ir más allá del diseño de un plano. Los estudiantes y profesores se encargan de ayudar a las comunidades a investigar, diseñar instalaciones y establecer un plan de desarrollo.

“Estamos convencidos de la necesidad de que la arquitectura vaya a unos lugares donde no va, a la gente que no puede pagar los servicios, es como democratizar la arquitectura, hacerla accesible a más gente”, afirmó Quiles. Además, recalcó la necesidad de que los estudiantes conozcan el mundo que está

Un intento por democratizar la arquitectura

fuera de la universidad. “Estoy tan convencido de la importancia de que el estudiante salga a la calle para que conozca lo que es Puerto Rico, que conozca lo que es la arquitectura de los que no tienen arquitecto. Eso justifica todo este esfuerzo”.

Ese esfuerzo del que habla el profesor incluye también intercambios con México. “En el verano del 1999 nosotros comenzamos unos intercambios con la Universidad Nacional Autónoma de México”, explicó Martínez.

Los estudiantes mexicanos y los puertorriqueños se unen anualmente en cada país para ayudar a desarrollar proyectos en comunidades que necesiten la asistencia de este grupo de profesores y alumnos de arquitectura.

También los miembros del taller se involucran en actividades que complementan su labor. De vez en cuando hacemos lo que se llama un chalet que es un fin de semana intensivo, de sábado a domingo. Cogemos un problema de diseño, invitamos a toda la escuela, a profesores, gente de la disciplina, ingenieros, gente de las comunidades, para discutir un tema”, mencionó Quiles.

La experiencia de los estudiantesAl explicarle a Diálogo lo que significa esta iniciativa

en su carrera universitaria, la estudiante de arquitectura Sharleen M. Betancourt Rosa declaró que “el Taller Comunitario es lo más cercano que tiene la Escuela de Arquitectura a lo que es la práctica profesional, desde cómo se dan los proyectos, su desarrollo y el esfuerzo detrás de cada uno para lograr el éxito.” Asimismo, anotó que la integración es un aspecto fundamental. “Algo esencial en estos proyectos es el trabajo en equipo, aprendemos a ajustarnos a diferentes situaciones y tratar con diferentes personas”, indicó la estudiante.

Por otro lado, el alumno Carlos A. González Barbosa manifestó que involucrarse en este curso le ayudó a “aprender lo que tienen que decir las comunidades”.

Décimo aniversario

El Taller de Diseño Comunitario presentó una exposición el pasado 21 de abril, en la Escuela de Arquitectura de la UPR, para mostrar algunos de sus proyectos y celebrar su décimo aniversario.

“Sacando cuenta, creo que hemos hecho más de 100 proyectos en los 10 años”, estimó el profesor Martínez. Añadió que hace dos años recibieron el Premio Solidaridad de parte de la Fundación Miranda.

Según Martínez, gracias al taller, “la arquitectura se convierte en un medio, no en un fin”.

El profesor Elio Martíinez discute uno de los proyectos junto a un grupo de estudiantes del Taller de Diseño Comunitario.

En la Escuela de Arquitectura se presentó una exposición donde

se reseñaron algunos de

los proyectos trabajados

durante estos 10 años en el

Taller de Diseño Comunitario.

El estudiante Alberto

Fernández le hace entrega a Edwin Quiles, fundador del

Taller (a la izquierda, junto al actual director Elio Martínez)

un obsequio diseñado por

los alumnos del curso, en

reconocimiento por su gesta.

37diálogo/agosto-septiembre 2008 diálogo/agosto - septiembre 2008entre estudiantesdiálogo/mayo-junio 2009

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Por Lillian E. Agosto MaldonadoTaller de Estudiantes

Organización, dedicación y

esfuerzo son tres palabras que describen el arduo trabajo de un grupo de estudiantes del curso “Práctica en Principios Operacionales de Museos y Galerías” que participarán en la exhibición Expo Graduandos ’09 a partir del 5 de mayo en la galería Francisco Oller del Recinto de Río Piedras de la Universidad de Puerto Rico.

Una intensa búsqueda de auspicios, la cuidadosa selección de obras y hasta un proceso de investigación sobre piezas artísticas son sólo algunas de las tareas que hizo este grupo de 25 graduandos del Departamento de Bellas Artes y Educación en Arte de las facultades de Humanidades y Educación.

Alejandro Funadora, Joshua Cabezas, Yarivelisse Cortés, Damaris Cruz, Jenny Falcón, Ángel J. Ortiz, Rocío Talavera, Mayra Ramírez, Nicole Kortright, Ida Rodríguez, Yria Santos, Edilinana Solís, Luis Torres, Tamara Zaragoza y Daniela Swamp, que configuraron el grupo de los artistas y Sabrina Ramos, Gabriela Muñiz, Omar Guzmán, Alex Rivera, Irne Charrón, Selimar Santiago, Valerie Martínez, Sharmyn Cruz, Félix Rodríguez y Ernesto Hernández, que integraron el de los coordinadores, se unieron en la aventura de esta exposición conceptualizada y desarrollada por estudiantes. Los jóvenes contaron con el asesoramiento de los profesores Flavia Marichal Lugo, Lisa Ortega Morrow, Lionel Ortiz, María Elba Torres y Chakira Rodríguez.

“Parte de la clase es conseguir fondos para la exhibición, coordinar la actividad, registrar las obras de arte y diseñar la sala y los impresos, que incluyen los opúsculos, paneles introductorios y las invitaciones”, señaló Sabrina Ramos, una de las coordinadoras. La búsqueda de auspicios fue sin duda el mayor reto para estos estudiantes pues, según Ramos, la crisis económica hace que los fondos disponibles para este tipo de actividades se limiten y sea más difícil conseguirlos. “Ha sido un proceso arduo, pero extremadamente productivo”, añadió.

El arte de empezar desde cero

Así también, los preparativos incluyeron la elaboración de un programa educativo que implica la celebración del foro “El circuito del arte en Puerto Rico”. La propuesta también contiene conversatorios con los estudiantes graduandos que a su vez son los artistas de la exposición. Ernesto J. Hernández Galarza, estudiante de maestría que coordinó la recaudación de fondos externos y las actividades educativas, describió la iniciativa como “un trabajo de gestión cultural y promoción de las artes, realizado por estudiantes”. Según Hernández Galarza, el proyecto siempre fue visto por los miembros de la clase como un “evento cultural en el que demostrarán que están dispuestos a trabajar a favor de la cultura”.

Los estudiantes destacaron que en proyectos de esta naturaleza la clave está en la integración de los distintos equipos de trabajo. “Al ser un grupo heterogéneo y compuesto de personas tan inteligentes y creativas existieron diferencias de criterios y visiones, pero lo importante es respetarse, escuchar al otro y trabajar juntos por alcanzar una meta y esa es la fórmula perfecta para lograr un proyecto como éste”, añadió el entrevistado.

Ambos coordinadores coincidieron en que la difícil labor que han realizado tendrá sus frutos e incluso lo consideran relevante en su desarrollo profesional y personal. “Esto me ha servido de laboratorio para seguir desarrollándome en el área de la museología, la administración de entidades culturales y las destrezas de liderazgo”, destacó Hernández Galarza. También los estudiantes notaron lo difícil que es realizar un trabajo como el de coordinar una exposición. “A veces vamos a los museos y a las galerías, y no nos damos cuenta del trabajo que pasó el personal de esa entidad para brindar al público el privilegio de informarnos de diferentes materias y de observar objetos”, señaló Ramos al afirmar que su entendimiento y apreciación al trabajo museológico se había profundizado con esta experiencia.

Explosión de creatividadLa originalidad, rareza y excentricidad de

cada obra hacen de Expo Graduandos ‘09 una completa explosión de creatividad. Su temática interesante y pertinente llama la atención de todos y da intensidad al evento. Entre los temas que

recoge Expo Graduandos ‘09, se destacan la memoria y las críticas a los estándares de belleza establecidos por la sociedad. También la temática del cuerpo y la construcción de género están presentes en la exhibición. Entre las 15 obras se mostrarán grabados, pinturas, libros artísticos, arte digital y fotografías.

Daniela Swamp, futura comunicadora audiovisual y artista, explicó que su obra “Tito y Melly en la sala”, aborda el tema de los roles definidos de hombre y mujer en la sociedad. Factores como la decoración kitsch (arte que es considerado como una copia inferior de la pieza original) del lugar en donde vive y fotos de los años 30, 40 y 50 influyen en las técnicas utilizadas para su elaboración. Como plantea Swamp, el libro artístico que presenta “se transforma en una sala sobrecargada y llena de imágenes de sujetos que sólo existen en sus paredes, el tiempo se ve reflejado en estas imágenes”. Entre la diversidad de materiales que utiliza resaltan el uso de telas, hilos, fotocopias, marcadores y papeles y, además, añade elementos sonoros sorpresa.

“Fue bien cool tener una oportunidad para que la gente te conozca y conozca lo que haces”, expresó la joven artista sobre su experiencia en el proyecto. De igual forma, resaltó que el entusiasmo de los coordinadores fue uno de los mejores elementos del proyecto ya que su intención era genuina e inyectaba mucho entusiasmo.

Por otro lado, la estudiante de fotografía, Damaris Cruz Ramos presentará “El exaltado deleite de Mnemosyne”, una selección de seis fotos digitales que forman parte de una serie de 60 imágenes. “Desarrollé la figura del fisgón, como consecuencia de la curiosidad que todos llevamos dentro y se lo atribuyo a la madre de todas las musas, Mnemosyne, quien alimentándose de los recuerdos hace que nos llegue el proceso creativo”, mencionó. La satisfacción de ser parte de este evento es evidente para Cruz Ramos, al punto de que continuará desarrollando este tema una vez se gradúe. Según Cruz Ramos, esta experiencia es “sumamente importante, ya que además de exponer nuestro trabajo artístico, logramos abrir un espacio en donde representemos el talento que da la Upi”. Así también, la estudiante aseguró que este tipo de eventos otorga conocimientos y desarrolla nuevas destrezas artísticas en los participantes. “Estoy muy orgullosa de todo lo que logré al realizar mi investigación creativa y dar a conocer la misma me sirve de entusiasmo para proseguir en futuros retos”, puntualizó.

Pies Vacilantes, de Mayra A. Ramírez Nelly

El exaltado deleite de Mnemosyne,de Damaris Cruz Ramos

T1, de Rocío Talavera

Santo custodio de la ostia,de Ángel J. Ortiz Rivera

Estudiantes del curso “Prácticas operacionales

de museos y galerías”,

trabajan con la maqueta de la Galería Francisco

Oller donde presentarán su

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Internacional34 diálogo mayo - junio 2009

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Garzón se amparó en una regla de derecho internacional que, aunque existente, era utilizada con infrecuencia: el principio de jurisdicción universal. Éste permite a tribunales de cualquier estado acusar a individuos que hayan cometido delitos internacionales ius cogens -“de lesa humanidad”- como terrorismo de estado, genocidio (exterminio contra un grupo), torturas, crímenes de guerra (violaciones a las leyes del conflicto y a las Convenciones de Ginebra), reclutamiento militar de niños, violaciones masivas de derechos humanos, esclavitud y crímenes contra la paz (agresión injustificada contra un estado).

Previo al caso de Pinochet y al establecimiento de los tribunales de la ONU, sólo se había acusado a los criminales de guerra alemanes y japoneses, quienes habían perpetrado crímenes durante la Segunda Guerra Mundial, ante los tribunales de Nüremberg y Tokio. Posteriormente, se realizaron juicios en varios países contra otros criminales nazis. Ello fue posible gracias a la derrota militar de Alemania y Japón en 1945 y a un consenso universal de rechazo al legado del nazismo alemán y del militarismo japonés.

Las iniciativas de Garzón y de la ONU dieron paso a que jueces de Bélgica, España, Francia, Suiza y Suecia presentaran acusaciones contra dirigentes de Argentina, Chile, China, República Democrática del Congo, Francia, Israel y Ruanda. También dieron un impulso adicional al proyecto, propuesto por Alemania, de establecer un tribunal permanente que procese individuos acusados de delitos internacionales, el cual finalmente entró en operación en 2006 y se conoce como la Corte Criminal Internacional (CCI).

La CCI ya ha emitido acusaciones contra ex funcionarios políticos y militares o dirigentes rebeldes de Uganda, República Centro Africana y República Democrática del Congo. Asimismo, los tribunales de la ONU continúan procesando casos relativos a la antigua Yugoslavia, Ruanda, Sierra Leona y Camboya.

Por Waldemar ArroyoEspecial para Diálogo

Los principales funcionarios de múltiples gobiernos se han escudado bajo el principio de soberanía para

cometer todo tipo de atrocidades y no asumir responsabilidad por actos criminales, como aquellos ligados a la guerra y la violencia política, que tuvieron como consecuencia la muerte de 87 millones de personas durante el siglo 20. Dichos gobernantes son candidatos a ser acusados por delitos internacionales, los que

filosóficamente son considerados “crímenes de lesa humanidad” -pues ofenden y agravian a toda la humanidad y violan múltiples convenciones o tratados internacionales-, y ante los cuales la comunidad internacional tiene un deber ético de reaccionar.

Históricamente, a los jefes de estado no se les ha exigido consistentemente que rindan cuentas por actos criminales. Sin embargo, durante la década de los noventa, una serie de acontecimientos transformó la doctrina del derecho internacional, dando un impulso al concepto de que los ocupantes de altos cargos no necesariamente deben quedar impunes y que la “inmunidad por actos de estado” no necesariamente debe cobijar a los crímenes internacionales, particularmente si estos han sido planificados y cometidos sistemáticamente.

El establecimiento de los tribunales criminales de la Organización de Naciones Unidas (ONU) para Yugoslavia (1993), Ruanda (1994), Sierra Leona (2002) y Camboya (2003) -así como la iniciativa del juez español Baltasar Garzón de acusar en 1998 al general chileno Augusto Pinochet por terrorismo, torturas y genocidio- transformó la doctrina y la costumbre del derecho criminal internacional al plantear la posibilidad de acusar a jefes de estado, jefes de gobierno, ministros, altos oficiales militares y altos jefes de grupos rebeldes.

Justicia internacional: ¿fin de la impunidad?

Jorge Videla (Argentina): En 1985, un tribunal argentino lo condenó a cadena perpetua por crímenes contra la humanidad. Videla fue indultado en 1990 y reingresado a prisión en 1998 por secuestro de menores y terrorismo de estado.Jean Kambanda (Ruanda): En

1998, se declaró culpable de genocidio ante el Tribunal Penal de la ONU.

Alberto Fujimori (Perú): Fue encontrado culpable de violaciones de derechos humanos tales como

ejecuciones extrajudiciales y secuestros motivados políticamente y cometidos durante la guerra contra los rebeldes de Sendero Luminoso entre 1990 y 2000. Megistu Haile Mariam (Etiopía):

En el 2006, el Tribunal Supremo Federal de Etiopía lo condenó in absentia a cadena perpetua por genocidio, crímenes contra la humanidad y encarcelamiento ilegal por actos de persecución política graves cometidos durante el régimen del “terror rojo” (1979-1991).

Condenados por tribunales

Confrontan acusaciones

Khieu Sampan (Camboya): En 2007, fue arrestado para enfrentar juicio ante el Tribunal de la ONU por el delito de genocidio cometido durante el régimen de terror de los Jemeres Rojos (1975-1979).

Charles Taylor (Liberia): En 2006, el Tribunal de la ONU lo acusó por crímenes de guerra.

Omar al-Bashir (Sudán): La Corte Criminal Internacional lo acusó formalmente en 2009 por crímenes contra la humanidad, incluyendo ataques contra la población civil cometidos durante la campaña militar contra la provincia rebelde de Darfur.

Fallecieron durante o antes del proceso

Augusto Pinochet (Chile): El juez español Baltasar Garzón lo acusó en 1998 por terrorismo, torturas y genocidio.Slobodan Milosevic (Yugoslavia):

En 2001, confrontó acusaciones por crímenes contra la humanidad, múltiples violaciones a las Convenciones de Ginebra y genocidio durante las guerras contra Croacia, Bosnia-Herzegovina y Kosovo. Ariel Sharon (Israel): Fue acusado

por jueces belgas por las masacres de Shaba y Shatila en el Líbano contra civiles palestinos.

Podrían enfrentar acusaciones

Vladimir Putin (Rusia): por genocidio y graves crímenes de guerra contra civiles chechenos durante la guerra contra la República de Chechenia y por la agresión contra la República de Georgia en contravención de la Carta de la ONU.George W. Bush (Estados Unidos):

por las torturas en Guantánamo e Irak, así como violaciones a la III Convención de Ginebra por no reconocer el estatuto de “prisionero de guerra” de los detenidos en la llamada “guerra contra el terrorismo” y violaciones a la IV Convención de Ginebra por ataques indiscriminados contra civiles iraquíes.Hu Jintao (China): por genocidio y

persecución religiosa en el Tíbet.Rey Mohammed VI (Marruecos): por

crímenes contra la humanidad y torturas durante la guerra contra el Sáhara Occidental.

Mullah Omar (Afganistán): por gravísimas violaciones de derechos humanos y persecución sistemática contra las mujeres afganas.Than Shwe (Myanmar): por una

amplia lista de crímenes, entre los que figuran el reclutamiento militar de niños, la negación a ofrecer asistencia humanitaria a más de 100,000 refugiados del huracán de 2008 y la persecución sistemática contra la oposición, los estudiantes y los monjes budistas. Además, podrían ser acusados Jean Claude Duvalier (Haití), Efraín Ríos Montt (Guatemala), Luis Echevarría (México) y Fidel Castro Ruz (Cuba).

Rey Mohammed VI Efraín Ríos Montt Fidel Castro Hu JintaoGeorge W. Bush

Internacionaldiálogo 35mayo - junio 2009

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Las implicaciones de estos precedentes son significativas para el derecho internacional criminal y para la política en general. El panorama que va dibujándose es que la época de la impunidad por crímenes cometidos durante el ejercicio del poder ha pasado a la historia. Esto no significa que todos los altos funcionarios que cometan delitos internacionales confrontarán la justicia, pero ya es plausible.

Por ejemplo, la posibilidad de un proceso judicial contra George W. Bush y Dick Cheney, ex presidente y ex vice presidente de Estados Unidos, respectivamente, no es una idea descabellada. Si bien es casi imposible que sean acusados por tribunales estadounidenses, la probabilidad de que tengan que confrontar acusaciones en tribunales de otros países no puede descartarse. En efecto, la Audiencia Nacional de España

ha aceptado revisar una demanda contra Bush que, de prosperar, pudiera convertirse en el primero de múltiples casos contra el ex presidente de Estados Unidos.

Entre las acusaciones más graves que podrían enfrentar Bush y Cheney se encuentran las relacionadas con las torturas en Guantánamo e Irak, el ordenamiento y la autorización de interrogatorios fuera de los límites internacionales que prohíben “trato cruel e inhumano”, violaciones a la Convención contra la Tortura, así como violaciones a la III Convención de Ginebra por no reconocer el estatuto de “prisionero de guerra” de los detenidos en la llamada “guerra contra el terrorismo” y violaciones a la IV Convención de Ginebra por ataques indiscriminados contra civiles iraquíes.

Los procesos acusatorios ya iniciados están teniendo consecuencias para muchos de estos criminales: viajar a un país extranjero comienza a ser un riesgo pues, al entrar en territorio de otro estado, podrían ser objeto de arresto o de una solicitud de extradición a un tercer estado en el cual tuvieran que enfrentar la justicia.

El aspecto más importante de esta evolución reciente en el derecho criminal internacional es que los ciudadanos comunes de todos los países puedan tener una mayor certeza de que aquellos que detentan el poder no quedarán impunes por sus actos, de que la comunidad internacional pedirá cuentas a aquellos que han tenido en sus manos el ejercicio del poder y el destino de tantos ciudadanos y de que el poder no brinda derecho a cometer crímenes.

No puede continuar tolerándose que la guerra se utilice como justificación para el exterminio o genocidio, ni que el 95 por ciento de las víctimas de las guerras sean civiles inocentes, dato que evidencia que en la mayoría de los conflictos hay una

estrategia deliberada de agresión contra los civiles. Incluso un dirigente político que enfrente una guerra o

una insurgencia tiene que comprender la importancia de actuar bajo los límites que impone el derecho internacional y humanitario por medio de las leyes de la guerra, la prohibición del genocidio y la prohibición de todos aquellos actos que generen sufrimiento innecesario y que lastimen la integridad y la dignidad de todos los seres humanos, quienes son agraviados cuando siquiera un ciudadano de cualquier país es víctima de una grave injusticia. _____El autor es profesor de Ciencias Políticas en la UPR, Mayagüez.

Justicia internacional: ¿fin de la impunidad?

Vladimir Putin Than Shwe Luis Echevarría Mullah Omar

36 diálogo mayo-junio 2009

A D R E N A L I N A A D R E N Adiálogo 37mayo-junio 2009

A D R E N A L I N A A D R E N A

Peter Rivera (en la foto inferior, a la extrema

izquierda) adquirió las franquicias de los Vaqueros del Baloncesto Superior Nacional y las Vaqueras del Voleibol Superior Femenino.

Por Hermes AyalaDe Diálogo

Faltan tres días para que el campeón mundial de las 122 libras Juan Manuel “Juanma” López exponga su título ante el filipino Gerry Peñalosa, y es imposible conseguir por teléfono a su manejador, Peter Rivera.

“Es que una pelea de Juanma vale más que una temporada entera de los Vaqueros de Bayamón en baloncesto y como cinco veces más que una temporada de las Vaqueras del voleibol”, señaló Rivera luego de que contestara la llamada de Diálogo, en el decimoctavo intento.

Es que Rivera es una persona muy ocupada en estos días. Si pensamos en cómo está la economía, es un tipo muy bravo: en tiempos en que los estadounidenses han puesto de moda la palabra trillions, luego del incentivo económico que el presidente Barack Obama les dio a los bancos, y en los que el gobierno puertorriqueño de Luis Fortuño se prepara para enfrentar un posible paro general, fruto del anuncio del despido de decenas de miles de empleados públicos, Peter Rivera compró dos clubes

deportivos y lleva a López rumbo a la danza millonaria de Fistiana.

Rivera adquirió la franquicia de los Vaqueros de Bayamón del Baloncesto Superior Nacional (BSN) -los mismos que sobre los hombros de Jerome Mincy y Rubén Rodríguez enorgullecieron a los chicharroneros- en noviembre pasado en una transacción de casi medio millón de dólares con el ex apoderado y veterano hombre de baloncesto

Francisco “Pancho” Padilla. Casi a la par, Rivera le compró los derechos sobre las Vaqueras de Bayamón del Voleibol Superior Femenino (VSF) al lanzador cubano de Grandes Ligas Liván Hernández, quien durante los pasados tres años fungió como apoderado.

Pero, ¿cómo cuando casi todas las familias andan cortando los gastos en ocio, como ir a juegos de baloncesto o de voleibol o a peleas de boxeo, a Rivera se le ocurre adquirir dos equipos deportivos para acompañar su ya atareado quehacer boxístico?

“Hay que ponerse creativo”“Es que yo soy de los que pienso que, en

tiempos de crisis, la gente acude al deporte como un aliciente, para despejarse la mente de tantos problemas. Analizando bien las cosas, me he dado cuenta de que ésta es una cultura deportiva, y que no sólo se identifica con un deporte en particular como sucede en otros países. Puedo dar fe de que, si uno presenta un buen espectáculo deportivo, la gente va a ir”, ripostó.

Cualquiera que sea fiel seguidor de los Puerto Rico Islanders puede también dar fe de que Rivera es una cara conocida en las gradas del estadio Juan Ramón Loubriel. Es un estudioso del fenómeno deportivo y del éxito que puede producir. Rivera explicó cómo hace para ver el vaso medio lleno en momentos en que muchos empresarios del universo deportivo ven el vaso medio vacío.

“En situaciones de crisis, hay que ponernos creativos. Tengo varias ofertas con los fanáticos que las he hecho junto a los auspiciadores. No ha sido fácil. Por ejemplo, uno de mis auspiciadores es el Tren Urbano, y tengo una oferta en la que, si coges el tren y llegas a la cancha con la tarjeta del tren, entras gratis a ver a los Vaqueros en entrada general”, ejemplificó.

Rivera ha creado más ofertas con el fin de atar a los auspiciadores con sus fanáticos. Tiene de auspiciador a una famosa cadena de

megatiendas por departamentos, de esas que requieren una tarjeta para comprar; sus suscriptores no hacen más que enseñar la tarjeta de la tienda en la entrada y entran gratis al Coliseo Rubén Rodríguez. Lo mismo sucede con los que muestren la tarjeta del plan médico que auspicia a los Vaqueros.

“La idea con esto no es sólo enfatizar en la promoción y en los beneficios que nuestros fanáticos reciben si respaldan nuestros auspiciadores, sino también regenerar la base de los fanáticos. Quizás alguien que compre en esta megatienda no le interese el baloncesto, pero cuando ve que puede entrar gratis con la tarjeta, pues le dé por ir. Es cuestión de desarrollar bien a nuestros fanáticos, para contar con una buena base”, apostilló Rivera, quien comenzó en el mundo empresarial deportivo hace

casi dos décadas en Bayamón con una tienda de ropa y efectos deportivos.

Aunque dijo que en el VSF el campo de auspiciadores es aún mayor “por tratarse de deporte femenino”, Rivera atribuyó el éxito que tuvo su franquicia este año al nivel competitivo que alcanzó. Las Vaqueras contaron este año con la Jugadora Más Valiosa y líder en anotaciones del torneo nacional, la estadounidense Jordan Narson, lo que les aseguró entrar a la postemporada; sin embargo, quedaron eliminadas luego de que, tras tres victorias en la postemporada, Narson cayera lesionada y Bayamón perdiera tres partidos en línea.

“Yo diría que en voleibol femenino veo mucho futuro a nivel económico y deportivo pues creo que es un mercado con muchas más opciones. Claro, hay que enfocarnos en lo atlético, y por eso le estamos dando duro al desarrollo de las categorías menores. Pero aquí los auspiciadores son más amigables que en el baloncesto, pues ven esto con mejores ojos, como una actividad más familiar y de mayor atractivo para la juventud”, señaló.

La gallinita de los guantes… huevos de oro

En boxeo, la cosa es distinta. Rivera, responsable de que grandes ídolos de esta generación hayan firmado como profesionales (entre ellos, Juanma López, el campeón mundial de las 108 libras Iván Calderón y el controvertible campeón mundial de las 147 libras Miguel Cotto), reconoció que el boxeo es un deporte cuya economía depende del poder de convocatoria que tenga el púgil en cuestión y de la habilidad del promotor de convertir al boxeador en superestrella.

“No hay duda de que en el boxeo la cosa se basa alrededor de una figura en específico”, indicó. “El beneficio que veo en el boxeo que no hay ahora mismo en otros deportes es que en Puerto Rico ya se ha desarrollado la cultura boxística; la gente ya está acostumbrada a pagar cierta cantidad por adquirir un evento de Pague-por-ver o no le molesta pagar las taquillas de una pelea de boxeo, no importa el costo. Mientras en el voleibol todas las taquillas son de un mismo precio y en el baloncesto van de $8 hasta $15, hay gente que paga hasta $500 por sentarse ringside en una cartelera. Es como que un gusto adquirido ya”, dijo.

Aún así, Rivera confesó que, por su naturaleza violenta, se le hace más difícil vender el boxeo ante los auspiciadores, si se compara con el baloncesto o el voleibol.

“Es más difícil, porque hay que ir donde los auspiciadores que trabajan con cosas de adultos, como licores y cervezas. Y entonces ahí entras en una competencia completamente distinta, porque compites con los conciertos, con los parties de los jóvenes, con muchas otras cosas que no tienen que ver con el deporte”, acotó.

CÓMO VENDER DEPORTE EN TIEMPOS DE CRISIS

UN EMPRESARIO Y UN LÍDER DEPORTIVO EXPLICAN SUS ESTRATEGIAS PARA MANTENERSE A FLOTE

CÓMO VENDER DEPORTE EN TIEMPOS DE CRISIS

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diálogo 37mayo-junio 2009

A D R E N A L I N A A D R E N AI N A

lotería, de los marbetes y de las tablillas”, puntualizó. “Unos juegos de esta magnitud no se pueden dar sin el respaldo económico masivo del gobierno”.

Por si acaso, esta pandemia económica en el deporte es global. Poderosas entidades como la Federación Internacional de Fútbol Asociación (FIFA) han sido azotadas también por la crisis.

Por ejemplo, clubs de gran tradición como los ingleses Liverpool y West Ham se las han visto mal. El West Ham perdió su principal auspiciador de ropa deportiva a principios de año, mientras que el Liverpool aún no completa los fondos necesarios para poder terminar su estadio nuevo de fútbol.

En el ámbito olímpico, los organizadores de los Juegos Olímpicos de Londres 2012 redujeron el presupuesto de $14 mil millones que se gastaron en Beijing a poco más de $11 mil millones. Incluso, redujeron la construcción de la Villa Olímpica de 4,200 alojamientos a 3,000.

En otras palabras, todo en estos momentos cuesta, ya sea un puente aéreo en uniforme de los Vaqueros de Bayamón o un gol con la franela del Chelsea. Sí, amigos lectores, jugar, correr y brincar también tienen un precio.

En el boxeo, Rivera ha sido responsable de que los ídolos de esta generación hayan firmado como profesionales, entre ellos, el campeón de las 122 libras Juanma López.

Lo que sí es cierto es que en sus boxeadores Rivera tiene las verdaderas gallinitas de oro. Dato curioso: al cierre de esta edición, Juanma López aún no ha pasado del primer asalto en una defensa titular y los expertos no vacilan en llamarlo el próximo Tito Trinidad debido al carisma que emana, virtud de la que carece Cotto, quien hace dos años se separó de Rivera y del Puerto Rico Best Boxing.

“Son cosas con las que bregamos”, dijo Rivera. “La cosa está mala, pero hay que inventárselas. Hay gente que gana $100 y gasta $150, y habemos otros que ganamos $100 y gastamos $75. Es cuestión de saber hacer las cosas, porque la economía siempre va a estar ahí, sea buena o mala”.

Mayagüez 2010 y el turismo deportivo

Uno que se está dando cuenta de cómo bregar con la economía es David Bernier, presidente del Comité Olímpico de Puerto Rico. No es secreto que la organización de los Juegos Centroamericanos y del Caribe de Mayagüez 2010 ha sido una faena cuesta arriba. “La crisis económica ha afectado al mundo entero, y el deporte no ha sido la excepción. Hemos tenido que volvernos bien

UN EMPRESARIO Y UN LÍDER DEPORTIVO EXPLICAN SUS ESTRATEGIAS PARA MANTENERSE A FLOTE

creativos y todo esto nos ha obligado incluso a cambiar nuestro lenguaje”, explicó Bernier.

El líder olímpico se refiere al lenguaje del turismo deportivo que de repente ha empezado a hablar y que considera es el futuro de la economía deportiva. “Si te pones a ver, es grande la aportación que el deporte hace al turismo en Puerto Rico. En el pasado año, hemos tenido eventos de envergadura como el Puerto Rico Open de golf, el Clásico Mundial de Béisbol, juegos internacionales

de los Islanders, eventos de surfing. Es importante que los auspiciadores del deporte se den cuenta de que el turismo deportivo tiene un gran futuro”.

A 13 meses de la fecha pautada para darle inicio a la justa deportiva regional más antigua del planeta, el ejecutivo acepta que faltan muchas cosas por hacer, pero sigue con la frente en alto, confiando en que el gobierno boricua le haga caso a las necesidades de

los Juegos en un momento en el que decenas de miles de trabajadores están a punto de perder el empleo.

“Es que tienen que darse cuenta de que la inyección económica que estos juegos van a darles al área oeste y a todo el país es real y genuina. Hay varios proyectos dirigidos a esto que espero que se pongan en marcha en las próximas semanas, como el porcentaje que nos van a dar de la amnistía de los boletos de tránsito, y el dinero que debe venir de la

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38 diálogo mayo - junio 2009

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Los padres que no tienen ni idea de que hay cáncer pediátrico -y los que no conocen ningún sobreviviente de cáncer- les dicen cáncer y lo relacionan con muerte y caen en negación, en dudas, en reproches: culpan, discuten con los médicos, no facilitan los procesos y, lo más doloroso para ellos y para todos, no perdonan. Donde hay posibilidades, ven errores. Donde hay “voluntad divina”, ven negligencia médica.

Y yo me dije muchas veces que los “ruidos” que hacía con el relevo, la trulla, la marcha de los nenes de Head Start en Caguas tenían el propósito de que los padres con niños sanos conozcan sobre el cáncer y se eduquen más sobre él, de

modo que si algún día reciben un diagnóstico, puedan procesarlo rápido y pasar a la próxima etapa: “vamos a atacarlo”, Que no se queden sin armas, sin fuerza de lucha porque saben que hay probabilidades...hay una segunda pequeña oportunidad (aunque hoy día, yo sepa que Adriana puede recaer cualquier día de su vida, cada día que la tengo conmigo y la veo vivir es un día de milagro y de agradecimiento a Dios y a los doctores, y a los medicamentos y a todo el ecosistema que contribuyó a su remisión).

Y siento que ese spot en Dialogo cumple y facilita mi propósito, porque llega a estudiantes universitarias que ni siquiera han pensado en embarazarse, a chicos jóvenes que no quieren siquiera casarse. Pero, si con el pasar de los años, les pasa como a mí, que tengo que llegar un sábado 11 de septiembre a la 1 de la mañana, a un piso de oncología, con mi hija de 9 meses en brazos, recordarán aquella niña de cabeza de lado, su sonrisa y sus ojos...y yo sólo espero, Ricardo, que Adriana les sirva de esperanza para iniciar su lucha.

Y no puedo decirte más nada porque estoy llorando y las lágrimas y el dolor de mi pecho no me permiten continuar hundiendo el dedo en mi herida.

Eunice Castro

cartas

diálogo 38febrero-marzo 2009

La foto de Adriana

Ricardo:

Vi la foto de Diálogo. Jamás pensé que fuera tan bella. Quedamos impresionados, no

sólo por el colorido, sino por el tamaño y el despliegue. Pero, lo mejor, por el texto. Cuando me lo leíste me pareció hermoso, pero cuando lo vi junto a la foto, sentí casi un abrazo cálido de la vida para mí y una enseñanza porque recoge lo que Adriana significa para mí. Es mi “forma de ver la vida”… sus ojos, su actitud, su dureza y su terquedad. Toda ella es mi pequeña versión maestra de una guerrera amorosa que batalla y ama.

No sabes lo honrada que me siento de que hayas dedicado ese espacio a Adriana.

Y no es porque sea Adriana-hija.Es que, no sé si te lo habré comunicado

alguna vez, pero cuando salí del hospital siempre decía que había descubierto algo. Las mamás y los papás que han escuchado hablar, han visto o conocen algo sobre el cáncer pediátrico, antes de que sus hijos hayan sido diagnosticados, cuando llegan a Oncología con sus hijos, aceptan mejor el tratamiento, entienden y están abiertos a lo que los doctores les explican y les sugieren. Son más dóciles, más abiertos, más cooperadores.

Doctor, es su paciente el que le habla

Llevar servicios de salud al seno del hogar es más que una estrategia salubrista. Trasladar

conocimientos y procedimientos y compartir experiencias sin más aperos tecnológicos que nuestras pupilas, las manos y la solidaridad a las paredes lareñas y al entorno familiar es lidiar de tú a tú con el individuo, donde él lucha con su desventura y sus dolencias. Es comprender su realidad. Es educarlo y prevenirlo. Es ponernos en su lugar. Es tomarnos una taza de café y compartir sus esperanzas y temores. Es contarles nuestras utopías más allá de tasas y medianas, de prevalencias e incidencias. Decirle que en nuestra conciencia prevalece el amor y aumenta la incidencia por su total recuperación.

En el hogar tenemos al individuo desnudo, vestido de sus mejores galas de sinceridad y confianza dispuesto a compartir su desgracia y a aprender las trampas de virus y bacterias y cómo prevenir las consecuencias de las imprudencias humanas. El se siente a gusto luchando en su propio campo de batalla donde conoce palmo a palmo cada metro de espacio; desde su lecho, cuna de sus mejores sueños y de sus pesadillas, donde engendró vida y ahora convalece. Es ahí donde se juntan individuo y ciencia, lejos de batas y monitores en un escenario, cual gladiadores; es en esa lucha cuerpo a cuerpo donde se tendrán las mejores oportunidades de vencer enfermedades, miedos e ignorancias.

Si creemos que hemos aumentado de peso, no es que tenemos más kilos de peso (necesariamente), es que cargamos más impotencia por las calamidades del prójimo, alejado de conocimiento y solidaridad. Debemos pedirle al camino que se devuelva. Que andemos sus huellas de sabiduría de regreso al individuo para compartir su tragedia, que al fin y al cabo es la nuestra, para emprender un nuevo derrotero, fundido en un solo ser; solidario, sano y saludable.

Uno de los grandes exponentes del realismo mágico (para nosotros el padre), Gabriel García Márquez, escribió: “Debemos arrojar a los océanos del tiempo una botella de náufragos siderales para que el universo sepa de nosotros lo que no han de contar las cucarachas que nos sobrevivirán; que aquí existió un mundo donde prevaleció el sufrimiento y la injusticia pero donde conocimos el amor y donde fuimos capaces de imaginar la felicidad”.

Dr. Carlos Pérez FernándezEstudiante Programa de Maestría en Salud Pública UPR

La porfía palestina

El artículo La tierra en el centro de la porfía palestina (edición febrero-

marzo de 2009) dice que “el territorio palestino ha ido cediendo espacio al expansionismo israelí”. Me parece que el autor perdió aquí su perspectiva de la historia al hacer esa expresión sin considerar los hechos según acontecieron cuando la Organización de las Naciones Unidas (ONU) en 1947 a través de La Declaración Balfour otorga a Israel 10,478 millas cuadradas de las cuales 4,500 eran desierto. Hay que recordar que en 1921 les dieron 35,125 millas cuadradas a los árabes que formaron lo que hoy se conoce como Jordania, de lo que en los tiempos bíblicos era parte de Israel.

En mayo de 1948 se inauguró el estado oficialmente creado por la ONU y en los meses siguientes todos los estados árabes trataron de invadirlo. Así las cosas vuelven a intentar exterminar a Israel en 1967 y pierden a Jerusalén y otros territorios. Asimismo, en 1971 vuelven a tratar de invadir y pierden más territorios. ¿Qué hizo la ONU? Nada. Israel ha intentado conceder territorio que ganó en esas guerras a cambio de paz y de que esos estados dejen de desear exterminarlos. Estos no han aceptado esa simple solicitud. Egipto reconoció a Israel y estos le devolvieron el Sinaí a cambio de paz y hasta el día de hoy las cosas van bien después de tantos años de esa gestión.

No existe la alegada conducta expansionista sino la única intención de los árabes de invadir el estado más pequeño de esa región, el de Israel. Así que no ha sido algo unilateral de Israel el tener esos terrenos y está en la disposición de devolverlos a cambio de que se le reconozca el derecho a existir. Es cierto que Israel rechazará de retornar a las fronteras anteriores hasta que esos países decidan otorgarle la paz. El mejor ejemplo está en Gaza, donde después de entregarle esa franja los de Hamas la utilizaban para tirarles diariamente entre 10 a 45 cohetes diarios.

Es necesario además traer a la atención del autor que cuando la ONU otorgó a Israel el derecho de oficializar su estado en esa región, estos le indicaronn a los árabes que Jerusalén sería una zona internacional abierta para toda la región. Pero la historia nos dice que al otro día de fundarse Israel, los árabes sacaron a todos los judíos de Jerusalén matando a la mayoría, destruyendo todas las sinagogas judías. ¿Qué hizo la ONU?, nuevamente nada a pesar de que habían declarado “Internacional” el poblado de Jerusalén. Ahora bien cuando Israel fue atacado en la guerra de los seis días, los judíos recapturaron a Jerusalén y abrieron las fronteras a musulmanes, catóiicos, y cristianos para que adorasen según su credo.

José Ayala

¿Cuál es el cambio necesario en la educación? ¿Cambiar el horario y la organización

escolar? ¿Cambiar el contenido curricular? El problema educativo de Puerto Rico no

se resuelve añadiendo minutos al reloj escolar o echando a la fila del desempleo a miles de maestros. Necesitamos un cambio más profundo, fundamental, hay que replantear las relaciones existentes entre el educando y el educador, entre los administradores y su trato a los entes pensantes y únicos que habitan en los planteles escolares. Un trato que muchas veces denigra, falto de fe en la capacidad de nuestros estudiantes y maestros, que anula la imaginación.

La escuela debe ser un lugar donde se desarrolle la ética, donde se busque el bien

para nuestros alumnos, nuestro pueblo, nuestro mundo. La escuela debe encaminarse a liberar la imaginación de los alumnos para ir más allá de la vida privada, más allá del aula, más allá de nuestro pueblo, de nuestras costas. Debemos fomentar, la imaginación social, la capacidad de inventar visiones de cómo deberían ser y podrían ser nuestras sociedades, las calles en que vivimos y nuestras escuelas. Cuando seamos capaces de imaginar que nuestros alumnos son entes que desean aprender a aprender y que la mayoría de nuestros maestros desea los caminos del bien para sus estudiantes (que no necesariamente tiene que ser el obtener la mejor puntuación en las pruebas estandarizadas), estaremos tomando los pasos necesarios para lograr un cambio verdadero.

El cambio no debe llegar, ni llegará, siempre que sea implantado desde afuera, descontextualizado de las necesidades y saberes del alumno. El cambio deberá ocurrir de adentro hacia afuera, desde la participación de los alumnos, cuando comiencen a preguntarse, por qué, para qué, quién o qué, donde no demos demasiadas respuestas y sí preguntas y problemas por resolver.

No permitamos más que los talentos y energías de nuestros jóvenes sean consumidos, silenciados y desperdiciados. Saquemos a los estudiantes de lo que es habitual y corriente, démosles a los alumnos y a sus maestros el reto de reconstruir su propio contexto iniciando una búsqueda colectiva del bien que estimule la conciencia cívica, la ética y el pensamiento crítico.

Dra. Mariela Cordero GonzálezUPR en Utuado

Sin imaginación no hay cambio educativo

recorridoAiola Virella

Directora diálogo 39marzo-abril 2009

L a llegada del mes de mayo es para la mayoría de nuestros lectores el cierre de un ciclo, pues marca el final del

semestre, que para muchos es el final de su bachillerato, maestría o doctorado. En Diálogo, cerramos un año académico intenso durante el cual concretamos o echamos a andar múltiples proyectos. El primero de ellos fue Diálogo Digital, que en sus primeros seis meses de operación, ha recibido unas 50,000 visitas de diversas partes del planeta. El espacio virtual nos ha insertado en las dinámicas de la inmediatez, lo que nos permite reseñar con rapidez los eventos noticiosos de la Universidad, del país y del mundo. Al mismo tiempo, se ha constituido en plataforma para dar exposición a puntos de vista diversos de estudiantes y profesores universitarios sobre temáticas que inciden en la cotidianidad de todos y todas. Ya más de una decena de estudiantes en periodismo tuvieron sus experiencias prácticas en redacción para la web, el espacio hacia donde apuntan las empresas periodísticas y los reporteros que buscan alternativas de autogestión. La hibridación de textos escritos, gráficos y audiovisuales; la interconectividad y la transmisión en tiempo real son herramientas que ya hemos comenzado a utilizar en Diálogo Digital para ampliar los alcances del proyecto de comunicación Diálogo. Al mismo tiempo, Diálogo impreso no ha detenido la marcha con la publicación de números que profundizan sobre temas de interés general a través del análisis desde la academia. Este año académico que culmina, publicamos varios números especiales sobre temas como el cuadragésimo aniversario de mayo de 1968, las elecciones generales en la Isla, la crisis económica en el mundo y en Puerto Rico, el estado energético del País y las alternativas de energía renovable, la celebración del Año Internacional de la Astronomía y, finalmente, el mundo de las artes plásticas. Por otro lado, pusimos en marcha alianzas estratégicas con el fin de fomentar redes de colaboración entre distintos esfuerzos de comunicación con Prensa Comunitaria, Cianciapr.com, Tendenciaspr.com, Revista Alrededores, Revista Trecho, Universia, Editorial UPR, Radio Universidad y WKAQ. También trasladamos la redacción de Diálogo Digital a los recintos del sistema UPR. Este ejercicio de movilidad de Diálogo Digital continuará el próximo año académico, así como la producción de los programas especiales Diálogo Analiza en colaboración con el Recinto de Arecibo de la UPR. Todos estos esfuerzos se concretaron gracias al esfuerzo y dedicación de un equipo de profesionales de primer orden. Durante el próximo ciclo, nuestras metas de crecimiento deben ser superiores. Las posibilidades son diversas, y con el compromiso de mantener un espacio periodístico de altura y un foro alternativo para el debate crítico de temas que afectan a la sociedad contemporánea, nos preparamos para presentar nuestro menú periodístico para el 2009-2010. Mientras tanto, no se despeguen de www.dialogodigital.com.

Una jornada intensa

El arte de la naturaleza

Foto por Ricardo AlcarazLa Cordillera Central, vista desde el sur al caer la tarde, siempre es un paisaje impresionante, más

aun cuando se combina con una nubosidad de variadas tonalidades

y formas. Y nos hace pensar que la Madre Tierra también crea sus

propias obras de arte…