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Dibujo artístico
Clasificacion del dibujo
El Dibujo es una presentacion grafica,sobre una superficie,generalmente
plana,por medio de lineas o sombras,de objetos reales,imaginarios o de formas
puramente abstractas.El dibujo suele hacerse con:lapiz,tiza,tinta o
carbonzillo.Siempre usamos algunos de estos procedimientos,aunque en la
actualidad, casi siempre hacemos uso de herramientas mas modernas como la
computadora.
En este artículo sobre arte se detectaron los siguientes problemas:
Necesita ser wikificado conforme a las convenciones de estilo de
Wikipedia.
Carece de fuentes o referencias que aparezcan en una fuente
acreditada.Por favor, edítalo para mejorarlo, o debate en la discusión acerca de estos problemas.Estas deficiencias fueron encontradas el 16 de mayo de 2011.
Dibujo es la disciplina del trazado y delineado de cualquier tipo de figura, la
cual puede ser abstracta o que represente algún objeto real; una forma de
expresión gráfica. Se le llama Dibujo Artístico a aquel que no necesita de
instrumentos de precisión para su elaboración, es decir, es trazado a mano
alzada y su propósito fundamental es el de transmitir una idea o sentimiento
surgida del mundo subjetivo del autor al observador.
Psicología del dibujo artístico
El dibujante artístico dibuja aquel que no puede expresar con palabras, por
decirlo así: "teletransporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que
puede ser de papel u otro material. Todos los trazos hechos sobre el lienzo, en
conjunto representan la idea del dibujante, la cual alcanza bastante aceptación
si todo el delineado fue trazado con técnica, soltura y originalidad. Dicho
delineado implica el saber manejar tanto el instrumento de trazo con que se
está trabajando, como los trazos que se pretenden realizar, pues un buen
dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos. No existe un
procedimiento establecido para aprender a dibujar, cada dbujante perfecciona
su dibujo a su forma de pensar, pero cabe destacar que el arte del dibujo a
mano alzada solo se consigue dominarlo con práctica y dedicación.
Dentro del campo del dibujo artístico, algunos críticos dividen a los dibujantes
en dos grupos: aquellos que solamente copian un dibujo o modelo ya existente,
los cuales hacen uso de su capacidad de observación y motricidad para copiar
la imagen tal cual es; y aquellos que dibujan a partir de su capacidad
imaginativa y creadora, los cuales desarrollan una alta relación entre cerebro-
mano para poder plasmar las imágenes que conciben en la mente. Este último
grupo es considerado como el de los verdaderos dibujantes, ya que abarcan
famosos personajes de la historia y a aquellos que crean famosos personajes
animados, mundos irreales, paisajes y seres de fantasía e incluso artefactos
que podrían ser útiles en la vida real, aunque también son los más criticados y
señalados a diferencia del primer grupo que es bien aceptado, sobre todo a
aquellos dedicados al dibujo del retrato y paisajista.
Elementos considerados en el dibujo artístico
"Cualquiera puede ser dibujante, pero no cualquiera puede ser un buen
dibujante", es un dicho muy conocido entre los artistas, esto es debido a que
quien quiera dibujar, debe conocer muy bien no solo las técnicas y
procedimientos de dibujo sino su entorno y cada elemento que hay en él, por
esto mismo hay que ser muy observador, pero sobre todo paciente, pues no
todo dibujo sale a la primera. Entre los elementos que se debe dominar para
ser un dibujante artistico están los siguientes:
Palotes
figuras básicas geométricas
texturas
Claroscuro
Distancia y Posición
Perspectiva
Escala
Proporcion
Volumen
Encuadre
Contraste
Armonía y unidad
Luego de conocer cada uno de los conceptos anteriores y saber ponerlos en
práctica, es necesario realizar un proceso de aprendizaje en la realización de
los siguientes elementos:
Objetos y detalles
Cuadros sencillos
Plantas
Animales
Objetos Arquitectónicos
Paisajes
Medios de transporte
Efectos Especiales
Animación e Historieta
Antropometría
Manos y pies
Rostro y gestos
Posición y movimiento
Escenas
Teoría del Color
Técnicas del carboncillo
El carboncillo permite la realización de una extensa gama de tonos
que abarcan desde los mas sutiles grises a los negros mas profundos.
Proveniente de la madera carbonizado del bonetero, su polvo es muy
inestable; esto representa una gran cualidad, es muy fácilmente
manipulable y permite la realización de degradados tonales con un
simple frotado de dedo, trapo o difumino.
La técnica del carboncillo puede llegar a ser muy amplia y recopila
gran parte del resto de las técnicas de dibujo.
El carboncillo y sus derivados
El carboncillo fue el primer medio con el que el hombre comenzó a
dibujar. A lo largo de la historia se ha ido adaptando a los diferentes
estilos sin más proceso evolutivo que el aportado en la técnica a la
hora de su uso por los diferentes artistas.
Hasta el siglo XVI no se descubrió el fijador; este sencillo avance
técnico supuso que el carboncillo dejara de ser un medio dibujantico
efímero, para consolidarse, a manos de maestros como Tinterito o
Tiziano, como uno de los medios de dibujo más nobles.
En la actualidad el carboncillo continúa siendo el principal medio de
estudio en las escuelas de Bellas Artes,
Pero, paralelamente a este medio, existen también otros sistemas de
dibujo compatibles con esta técnica; entre ellos están la sanguina y
los lápices de carbón.
El reparto de los pesos en el dibujo Publicado 9 abril 2009
Archivado en: Tramas y degradados |
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En un cuadro, el equilibrio se observa a partir de la disposición de los
diferentes elementos que lo componen, pero no necesariamente son
únicamente elementos compositivos los objetos del modelo.
En el dibujo realizado con variedades tonales, las masas de sombra
también ejercen un peso visual que se puede contrarrestar a partir de
la apertura de blancos.
Los pesos en el dibujo se entienden a partir del juego de equilibrios
entre las masas de sombra y las de las luces; de hecho pueden
establecerse una serie de líneas imaginarias o esquemas que indican
el reparto de masas en un dibujo determinado.
La composición, a partir de las masas de grises en los dibujos con un
gran sentido de la valoración tonal, se compensa con puntos de luz
situados de manera que se equilibren los pesos luminosos de la
composición.
Retrato técnica Publicado 9 abril 2009
Archivado en: Técnicas | Etiquetas: Retrato técnica
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El retrato es a menudo uno de los principales motivos de dibujo; de
hecho pocos artistas se han resistido en algún momento a realizar un
retrato con tan solo un lápiz y un papel, Captar el rostro y la
personalidad del retratado requiere un completo conocimiento de la
técnica del dibujo y de la representación de los rasgos en proporción
de unos con otros.
De todas maneras, no se puede hablar de un único sistema de trabajo
a la hora de plantear retrato; existen retratos de marcado carácter
académico y otros libres y espontáneos, con el denominador común
de que tanto un estilo como otro se sirven del dibujo como base.
Estudio de las formas
El retrato atiende a unas medidas determinadas como aproximación
al encaje en el papel. Al igual que cualquier cuestión que se
represente, el rostro, del mismo modo que los rasgos o la forma de la
cabeza o el tronco, se puede llegar a entender como una combinación
de formas geométricas, a través de las cuales se concreta una
síntesis sobre el papel.
Las formas esenciales son siempre las mismas: un ovalo, un cono, un
cilindro y un cubo. A partir de dichas formas, los rasgos se han de
situar y concretar, dependiendo el parecido de la capacidad de
observación y del oficio del artista.
Aplicación de tramas y degradados Publicado 24 marzo 2009
Archivado en: Tramas y degradados |
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La aplicación de las distintas formas de trazado, permite la creación
de planos diferentes en el dibujo; basta la realización de un dibujo
sencillo para poder, plantear un buen número de grises con tan solo
seguir la dirección del piano de cada uno de los diferentes objetos del
modelo.
Aplicación de tramas y degradados
Para plantear una trama a partir de líneas paralelas con degradado en
las sombras, primero se realiza el dibujo a lápiz, con el planteamiento
de las sombras principales perfectamente definidas; seguidamente se
trazan finas líneas paralelas en toda la superficie del dibujo sin ningún
tipo de engrosamiento, y, por ultimo, se engrosan las líneas tan solo
sobre aquellas zonas que estén sombreadas… únicamente restara
borrar el lápiz cuando la tinta se haya secado.
Técnicas de reserva: goma liquida Publicado 23 diciembre 2008
Archivado en: Técnicas |
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La goma liquida es el mejor método para la realización de reservas
sobre blanco. Esta goma se comercializa en los establecimientos de
Bellas Artes, su función es básicamente la de realizar reservas en las
zonas donde se aplique mediante pincel.
La aplicación de este tipo de goma es muy sencilla; tras plantear el
dibujo, se pondrá goma de reserva en las zonas en las cuales no
interesa que la tinta penetre; la goma se seca a los pocos minutos y
la superficie del papel ya se podrá pintar tranquilamente sin peligro
de que la zona reservada se manche.
Cuando ya se haya secado la aguada o la tinta, se podrá retirar la
goma de reserva con ayuda de una goma de crepe o bien con los
dedos, pues forma una película removible.
Superposición de planos Publicado 9 diciembre 2008
Archivado en: Superposición de planos | Etiquetas: Superposición de planos
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Con el rotulador se pueden plantear superposiciones de color a modo
de planos, de una gran transparencia. El rotulador se puede aplicar
como si se tratara de filtros de color que se superponen a los colores
inferiores con el efecto cromático que ello conlleva.
La superposición de planos produce una adición del color añadido
sobre los planos de color inferiores, por ello se debe repasar la teoría
del color para tener en cuenta cómo reaccionan los colores al
mezclarse unos con otros.
Para conseguir por medio del rotulador un plano continúo sin cambios
tonales, el plano se debe pintar a base de trazos o franjas uniformes,
paralelas y superpuestas; de esta forma se pueden pintar los colores
base y, una vez secos estos, superponer el color deseado, igualmente
con trazos paralelos y superpuestos.
Volúmenes y luces Publicado 29 noviembre 2008
Archivado en: Volúmenes y luces | Etiquetas: Volúmenes y luces
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Para la realización del volumen y de las luces se puede partir incluso
de un dibujo realizado con anterioridad, para de este modo apreciar
las diferencias de los cambios de tonalidad en los realces.
En este caso se va a reelaborar un dibujo hecho con sanguina natural,
partiendo de entrada de un aumento en la valoración de las zonas
más oscuras, como pueden ser el pelo y las sombras, pero
advirtiendo que el trazado de las nuevas líneas debe ser envolvente,
siguiendo las formas de la anatomía.
Las luces se insumían a partir de la situación de las sombras, las
cuales actuaran por contraste con respecto a las zonas más claras.
Los brillos en la piel se reafirman abriendo blancos con la goma de
borrar, igualmente modelando las formas y respetando aquellas
zonas anatómicas que generen sombras. Por ultimo, los contrastes
máximos se pueden llegar a perfilar con un lápiz sanguina oscura
degradando la sombra con suavidad, siguiendo la forma del plano
anatómico.
Trazo y mancha en medios secos o grasos Publicado 27 noviembre 2008
Archivado en: Trazo y mancha | Etiquetas: Trazo y mancha
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El dibujo se pone de manifiesto sobre el papel a partir de las líneas
que lo conforman, siendo estas las que componen la estructura en la
construcción del mismo. Existen muchas formas de plantear el tipo de
trazo y de línea, según la intención que se pretenda imprimir en el
trabajo dibujantico.
Cada uno de los diferentes medios que se utilicen en la elaboración
del dibujo permite plantear un tipo de línea y trazo diferentes:
regular, con variantes de presión sobre el papel, intenso o delicado…
todo dependen del medio y de la intención.
El papel y el medio de dibujo
El dibujo no se puede comprender como el simple hecho de la
aplicación de un trazo, sin más. Como es lógico, requiere un soporte;
y el mismo medio (carbón, grafito, sanguina o lápiz) resultara
diferente en cada soporte.
Por ello el papel puede presentarse en muchas y diferentes calidades,
que varían según el grosor y densidad (gramaje), el encolado de su
superficie (permitiendo una mayor o menor absorción del medio
dibujantico), o de la textura que presente el papel, (ya que este
puede tener un grano marcado o bien presentar una superficie lisa y
satinada).
El medio graso y el medio seco
EI dibujo se puede plantear siempre partiendo del conocimiento y
posibilidades del medio utilizado; de manera que el trazo o la mancha
que se aplique, se realice con conocimiento de los límites, tanto de
tonalidad, como de posibilidades de fusión o valoración.
El medio se puede dividir en graso o seco. Son medios grasos los
derivados del grafito y los lápices con mina grasa, incluyéndose
dentro de esta clasificación los lápices cerosos solubles en agua. Los
medios secos son los que son producto de maderas carbonizadas y de
minerales; estos son el carboncillo, el lápiz carbón y la cresta.
Encaje de la figura Publicado 21 noviembre 2008
Archivado en: Encaje de la figura | Etiquetas: Encaje de la figura
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El encaje de la figura parte de un sistema totalmente lineal y
constructiva, sin buscar ningún tipo de valoración, partiendo de un
trazado de líneas al carboncillo, las cuales, para que sirvan de caja al
modelado de las formas, se realizaran tomando la barrita plana entre
los dedos índice, anular y pulgar; este tipo de sujeción permitirá un
trazado firme, sin vacilaciones en el recorrido.
Por otro lado, tomando el carboncillo de esta forma, los movimientos
de la muñeca se ven limitados, cosa que facilita un dibujo, no como el
realizado en un pequeño papel, sino a grandes rasgos y con un
dominio del gesto llevado por el brazo. La construcción de la figura
debe plantearse buscando la caída de las articulaciones principales
del cuerpo, las cuales tienen como eje principal la columna vertebral.
Estos ejes principales son el de la cadera y el de los hombros. A partir
de la situación de este breve esquema, el entendimiento de la figura
se concretara sobre el papel mucho más fácilmente.
Modelado de la figura a la sanguina Publicado 21 noviembre 2008
Archivado en: Modelado de la figura a la sanguina | Etiquetas: Dibujo a
caña, El carboncillo, Técnicas del carboncillo
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El desnudo es uno de los temas preferidos por la mayoría de los
artistas. A partir de un modelo se pueden realizar múltiples
investigaciones de iluminación, encuadre desde el punto de vista
anatómico, de proporción o de análisis de la figura en escorzo.
Por otro lado, la sanguina es un medio de dibujo con una amplitud
tonal muy alta; su difuminado es fácil y, por tanto, el posible trabajo
de valoración tan solo queda supeditado a la propia capacidad
expresiva del artista.
La sanguina presenta un color calido y, dada su opacidad, se permite
el dibujo sobre papeles de color, cosa que puede llegar a enriquecer
los tonos conseguidos.
Definición de dibujo artístico
El dibujo artístico es la representación gráfica al servicio de las ideas. Es una rama del dibujo que nos permite la representación bidimensional y racionalizada de los objetos, para expresar sentimientos e ideas, por medio de la intelectualización de la observación.
El dibujo artístico es la representación gráfica bidimensional, de aquello que el ojo percibe tridimensionalmente. Es una técnica que permite representar la forma y el volumen empleando la línea como manifestación de sentimientos y pensamientos. Se realiza mediantetécnicas gráficas sobre un soporte bidimensional, y representa de manera objetiva y subjetiva, la realidad y los conceptos.
Es el lenguaje de las imágenes, empleado para la comunicación y expresión del ser humano, transmitiendo ideas, descripciones, mostrando los sentimientos.
El lenguaje del dibujo supera las barrearas idiomáticas, pues tiene un carácter universal y facilita las relaciones interculturales.
En definitiva, el dibujo artístico es el lenguaje de las formas, que sirve para expresar visualmente las ideas. Distinguimos entonces una dimensión objetiva del dibujo, que tiene intención analítica, basada en la observación y representación del objeto. Y la dimensión subjetiva, que pretende manifestar ideas y despertar sentimientos y emociones, por medio de la representación gráfica.
Para emprender esta vertiente del dibujo, es necesario conocer y dominar los recursos procedimentales, los instrumentos, los materiales y técnicas que permiten la expresión de un pensamiento en forma visual.
Este procedimiento implica un proceso de intelectualización de lo percibido visualmente que permita una síntesis descriptiva y una representación objetiva y racional.
Procedimientos del dibujo artístico:
Para realizar dibujo artístico, es necesario profundizar en el conocimiento y representación de las formas complejas. También
requiere de un dominio importante de los materiales y técnicas, para lograr una intencionalidad en la interpretación de dichas formas.
Los productos deben estar basados en conceptos teóricos que impliquen una intelectualización de la observación.
Las técnicas deben emplearse al servicio de las ideas, y el trabajo debe abordarse de manera racional y ordenada.
Es necesario conocer los principios básicos del signo visual y de la forma, para emplearlo en la representación analítica de los objetos. También hay que comprender las características formales de los objetos, respecto a su organización estructural y sus relaciones espaciales.
El conjunto de los datos visuales nos ayuda a formar el conglomerado de las formas, para poder representarlos en forma prioritaria, según su importancia, para llegar al resultado deseado.
ibujo artístico. CONCEPTO DE DIBUJO ARTÍSTICO. Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas de diversa intensidad luminosa. El dibujo es el arte de representar gráficamente sobre una superficie plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular, tienen tres.
También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma de un objeto por la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que caracteriza al dibujo es la limitación de las formas mediante líneas; esto lo diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los planos se logra mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del complejo pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte independiente.
INSTRUMENTOS Y SOPORTES UTILIZADOS. Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general, los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando pinceles de plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o con jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera, piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para después trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que al contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una reacción química, dando como resultado la fijación de los pigmentos.
Los romanos emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la encaústica en retratos. En el arte de la Edad Media se destacan los mosaicos, muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado, cortados en pequeños trozos, sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de tamaño grande todavía se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y mezclados con algún aglutinante; el agente más común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco, aplicado previamente en una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un método parecido que se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros, fue muy utilizado. Las técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al temple y al óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la sombra en La Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo, de Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente, con una mezcla de aceite de linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van Eyck, usaron el método transparente, que consistía en aplicar la pintura en capas muy delgadas sobre fondo blanco, la obra se pintaba por secciones y al terminar cada una, se dejaba secar el exceso de aceite. (Articulo enviado por: Lluvia Velandia, [email protected])
