È Stephanie Hanke – studiosa di storiadell’arte e dell’architettura – asegnalarmi Dominique Robin quale

giovane artista di talento in grado di ibridarela sua arte all’infinito. La multimedialità delsuo mondo si mescola alle disciplinescientifiche e tecnologiche e produceinstallazioni lineari, eleganti, facili dacomprendere, stupendamente infantili. Ci siamo incontrati una prima volta all’inizio didicembre, al n° 29 di rue des Récollets nelnuovo quartiere bobo di Parigi: una libreriaspecializzata in fotografia, con laboratorio alprimo piano, che ospita 15 sue fotografiescattate in Africa a Kigali ai bambini di strada.Al ristorante Cambodge in avenue Richerand,Dominique ha fatto conoscere a me e a Karen ilbo bun, una variazione vietnamita di nitukéche da allora è il piatto preferito nello studiodi Fiobbio. Uno strato di noodles, verdure cottecon pollo o pesce sotto un’insalata di lattuga ecarote spolverata di anacardi. Un percorso digusti, temperature e consistenze diverse traverdure ben cotte, appena scottate e crude.Una vera installazione. A luglio Dominique è nostro ospite in Toscanacon la moglie Diane, Flore e la piccolissimaLucine; andiamo insieme al monastero di Siloee lì lo coinvolgo in una chiacchierata sull’artee su come la vede.

Per i greci antichi e fino al Medioevo e alRinascimento la pittura, la scultura,l’architettura erano considerate solomestieri. Il pittore decoratore diventaartista quando, lavorando con tecnicheinnovative, inserisce nelle sue operemessaggi etici, morali. Penso alla rivoluzioneche artisti come Caravaggio, Raffaello, Pierodella Francesca, hanno prodotto nella loropittura. Parlano di società, di come lavorrebbero, di come dovrebbe essere,condizionando i principi, i mecenati, il cleroe quindi il modo di vivere e di pensare. L’opera d’arte non è la rappresentazione, mal’interpretazione della realtà in grado dimodificare la cultura corrente. Quanto tisenti artista in questo senso e quanto ritieniche l’arte possa essere anche un mestiere?

Lo sguardo portato sul mestiere dell’artista ècambiato molto nel corso del tempo, ma ilmestiere, quello, mantiene dei tratti costanti,immutati e immutabili: la mia vita di artistaassomiglia a quella di un piccolo imprenditore.Alterno lavori in atelier, viaggi, attivitàpromozionali, incontri con gli assistenti…come facevano anche Dürer o Rubens al lorotempo. Riguardo coloro che sostengono gliartisti, siamo nella stessa situazioneconfiguratasi alla fine del XIX secolo:collezionisti d’arte che spesso sono anche

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intervista di Edoardo Milesi | traduzione di Leonardo Milesi

Dominique Robin

ogni opera d’arte ci sono delle relazioni, unlavoro collettivo. È da tanto tempo che hovoglia di realizzare un’opera d’arte dovel’operaio pakistano che ha mescolato la pastadi cellulosa per la carta di una marca tedescaavrà anche lui il suo nome.

Il significato etimologico di arte oggicome una volta è sempre abilità ed èriferibile al desiderio e al bisogno dicomunicare. Fu Berkeley all’inizio del ‘700a scrivere “esse est percipi” (ci sei secomunichi). Quali sono i messaggi chevuoi trasmettere con le tue opere?

Il giorno precedente la mia prima partenza per

la Guinea, in seguito all’invito di una ONG, chemi aveva aperto a grandi interrogativi (arte,informazione, comunicazione,neocolonialismo?) ho rivisto la famosaconferenza di Gilles Deleuze: “Che cosa è l’attocreativo?”. Nella sua conferenza Deleuze dice:“Qual è il rapporto dell’opera d’arte con lacomunicazione? Nessuno. L’opera d’arte non èuno strumento di comunicazione, l’operad’arte non ha niente a che fare con lacomunicazione. L’opera d’arte non contieneassolutamente la minima informazione.”Amo moltissimo questo testo. È limpido, bello,edificante. Il suo difetto è probabilmente il suosuccesso, principalmente in Francia, nel campodelle arti plastiche, dove l’idea dominante èquella secondo cui una creazione d’artecontemporanea non deve intrattenere un certotipo di relazione diretta con la realtà, o allorasolo in modo ironico: in altre parole, ladescrizione di fatti ed eventi, materiale diinformazione, non può dar luogo a un’operad’arte plastica. È diverso per il teatro o laletteratura, penso ai testi di Jean Hatzfeld sulRwanda o di Svetlana Alexievitch su Cernobyl. Per preparare il mio lavoro in Guinea, conl’ONG, siamo partiti da una riflessione criticain merito alla parola “comunicazione” e al suoutilizzo, principalmente nella pubblicitàumanitaria. Comunicazione, secondo

grandi capitani d’industria, istituzionipubbliche e private. In altre parole: un piccoloimprenditore finanziato da istituzioni di poteree da potenze economiche.Vedi, io non considero gli artisti come deirivoluzionari per definizione. Al contrario,penso alle parole rivolte da Danton a J.L.Davidmentre si recava al patibolo: “Valletto!” fuquello che disse. Questa condizione di servitù porta ancora oggiottimi frutti e i valletti del liberalismo nonmancano fra gli artisti più quotati. Sul pianopolitico, ci sono certo artisti coraggiosi, manon sono in maggior numero che in altrecorporazioni. Dopo tutto, come sostenevaAndy Warhol con acuta perspicacia, sonosemplicemente come tutti gli altri.Trovo tuttavia politicamente problematico cheun artista firmi da solo la sua creazionequando è evidente che ha avuto diversiassistenti. Bisognerebbe menzionare i nomi ditutti i collaboratori, come nei titoli di coda deifilm. È quello che cerco di fare: mi presentocome autore dell’opera ma riporto anche inomi di tutti coloro che sono intervenuti nellarealizzazione. Non è un dettaglio: vediamobenissimo la relazione fra questa abitudine eun utilizzo essenzialmente capitalisticodell’arte fondato su un recupero del mitodell’artista solitario e rivoluzionario. Dietro a

“Laps” promenade dans un istant(Intervalli: passeggiata in unistante) è la più esplicita tra lemie creazioni con tema l’istante.Laps descrive un breve istante inuno spazio fittizio a partire dadiversi punti di vista accessibiliattraverso visori stereoscopicicollocati nello spaziodell’esposizione, come se lospazio immaginario si fosseposato sullo spazio reale, avendod’altronde entrambi le stessedimensioni. Laps è dunque unafrazione di tempo in sospeso nelquale il pubblico è invitato apasseggiare come se avesse lapossibilità di entrare inun’immagine. Come molte delle mie creazioni,l’installazione fa ricorso allamemoria del pubblico. La scena èdescritta per pezzi, dal momentoche i fotogrammi non permettonodi avere una visione d’insieme,solo la memoria del visitatorepuò ricreare l’istante.

Alcune delle mie opereassomigliano a delle piècesteatrali: queste hanno una o anche più rappresentazioni, ma esistono solo se vengono “montate”

Inzu, 2011,Mönchengladbach, City

Kirche/Fidesco, Inzusignifica “la casa” in

kinyarwanda

Eléments/Verso,2009, 70 x 45 cm,

stampa su cartaHahnemuhle

trasportata sualluminio.

Courtesy Galeriede Créteil

Un dispensaireen Guinée (Un

ambulatorio inGuinea), 2009,Fidesco/CentreCulturel Franco

Guinéen,Conakry. La

striscia di cartadi 32 metri è

sospesa a 50 fili

Un artista che utilizza mezzi espressivi diversi .per creare spazi narrativi in cui il visitatore si muove .tra realtà contemporanea, memoria, relazione .

l’etimologia moderna, significa “modo di stareinsieme”. In quest’ottica, ognuna delle miecreazioni propone effettivamente un certomodo di ritrovarsi. Il visitatore, che è invitatoa passeggiare in uno spazio definitodall’installazione, deve cercare il proprioposto all’interno dell’opera e posizionarsi inrelazione agli altri visitatori, allora i suoicomportamenti e spostamenti diventano parteintegrante dell’installazione. Credo che laparola chiave delle mie creazioni sia proprio“relazione”. Ma al di là di questo, trasmetto unmessaggio? Voglio dire qualche cosa? Sì, credo che in ciascuna delle mie opere cercodi prendere posizione rispetto ad alcunidibattiti cruciali della società contemporanea,ma allo stesso tempo diffido di ciò che cerco didire perché seppure quest’intenzione, questoimpegno, mi sembrino necessari al processocreativo, spesso gli artisti si sbagliano inmerito alle ragioni d’interesse del loro lavoro.Molto semplicemente perché l’apparatoideologico o filosofico della creazione risultainfluenzato dalla contingenza, dalle mode, enon comprende la necessaria parte d’eterno,come diceva Baudelaire a proposito del bello.Un’opera d’arte è una struttura aperta – viva –che non può rinchiudersi in un discorso.

Le tue opere sono sempre di più installazionitemporanee. Ti chiedono di riempire deglispazi, crei percorsi emozionali, ma come siriconosce l’emozione, che alimenta lapassione e quindi ci rende partecipi e attori,dallo stupore che ci coinvolge a livellosentimentale ma ci lascia passivi e inutili?

Quasi tutte le mie creazioni hanno bisogno direndersi disponibili, richiedono uncoinvolgimento fisico e sensibile del pubblico:è subito evidente che è impossibile scoprirle inqualche istante. Cerco di fermare il pubblicoper poi rimetterlo in movimento ma a un ritmodeterminato dall’installazione stessa. Cerco dinon far sedere il pubblico, di stupirlo eparalizzarlo, ma al contrario di renderlo attivo.Spero di esserci riuscito qualche volta.

Con l’installazione l’artista rinuncia spesso aentrare nelle collezioni permanenti d’arte,nei musei, nei luoghi dove l’arte vienecelebrata al di là del suo effettivo valore.Non solo perché spesso sono operedifficilmente trasferibili, ma soprattuttoperché, essendo frutto di una presa dicoscienza del contesto per il quale sono statepensate, non sono mai commisurate allanuova localizzazione. Come pensi di collocarela tua arte nella storia?

Alcune delle mie opere effettivamenteassomigliano a delle pièces teatrali (e infatti infrancese gli artisti utilizzano spesso la parolapièce per indicare le loro opere): queste hannouna o anche più rappresentazioni, ma esistonosolo se vengono “montate” (anche qui iltermine si utilizza specificatamente per ilteatro e per le arti plastiche). L’installazioneche ho esposto di più è stata montata 16volte. Altri in futuro vorranno recitarenuovamente quelle pièces? Le testimonianze ele indicazioni che lascio costituiscono un’opera

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in sé? Detto ciò, ho anche una riccaproduzione fotografica e di disegni. Per questeopere la conservazione è meno problematica.

Mi capita di giudicare l’architettura perquello che riesce a far accadere tra lepersone. Ritieni che per l’arte sia lo stesso?

È un modo molto bello di avvicinarsiall’architettura. È qualcosa che rivendichereivolentieri anche per il mio lavoro: questo siriallaccerebbe anche a ciò che dicevo sulle“relazioni”. Quello che accade negli spazi vuotiè più importante dell’oggetto in sé. Credo chein questa visione ci sia il desiderio di una certa“defeticizzazione” dell’arte.

Nietzsche insegna che proprio il gusto è unadelle cose sulle quali vale la pena discutere.Valutare il capolavoro attraverso l’accezionedel bello e dell’armonioso è sempre piùdifficile. Il bello è mutato nei secoli ancheradicalmente. Per Hegel l’arte e il bello nonhanno nulla da spartire e oggi la nostrasocietà ci porta a confondere l’estetica con lacosmetica escludendo dal bello tutto quelloche non corrisponde ai modelli di cinema etelevisione. Ritieni che sia possibile definireancora un’opera d’arte bella?

Si, certamente. La bellezza è una nozionecomplessa che si ridefinisce continuamente.Ogni opera d’arte, persino quelle brutte,partecipano della creazione di questa frontieramobile che chiamiamo il Bello.

Parliamo dell’attimo nelle tue opere, nel tuolavoro di artista.

In questo momento nelle mie installazioniutilizzo molto la fotografia, accompagnata da

testi o registrazioni sonore. Questo mi hapermesso di avvicinare realtà complesse come ibambini di strada a Kigali (Inzu, 2010) o gliStudenti di Conakry (Etudiants à Conakry,2008/2010). Questa modalità comincia aessere ricorrente nelle mie opere anche se nonrinuncio a fare ricorso a tecniche che hoesplorato negli anni passati (disegno, pittura,video…). L’arte contemporanea ti concedequesta libertà: puoi scegliere il tuo mezzoespressivo in funzione di ciò che cerchi di dire.L’installazione ha dei vincoli e necessita, unpo’ come in architettura, di un lungo processodi elaborazione che lascia poco spazioall’improvvisazione: norme di sicurezza,percorsi protetti per il pubblico, obblighi per imateriali, ecc. Spesso dobbiamo realizzareprogetti planimetrici e a volte devi cercarenuove soluzioni. D’altra parte le modalitàoperative della creazione sono molteplici ecomplesse: disegnare, fotografare, registrare,costruire… in un processo che sembra potersicontinuamente ridefinire. Il rischio è quello divoler controllare tutto e arrivare a unarielaborazione artificiosa dell’idea iniziale.Cosa ne è allora del gesto creativo,quell’istante in cui il corpo prende la parola edesprime ciò che la testa non arriverà maicompletamente a cogliere? Mi ricordo di quando disegnavo molto. Avevospesso l’impressione che la mia mano fosse inanticipo rispetto ai miei occhi. Ciò chedisegnavo superava la mia comprensioneartistica. Ho capito allora che questovantaggio doveva essere mantenuto. Se ilmio occhio si fosse preparato più della miamano avrei potuto perdere la voglia didisegnare e i miei disegni avrebbero perso il

Un Jour (vetro, disegno, fotografie) parla della cristallizzazionedell’istante.In francese jour significa“giorno” ma anche“apertura che fa passare laluce”.Un Jour è il fissaggio di unafotografia su una vetratanello stesso posto dove èstata ripresa in modo taleche le linee della vetrata sisovrappongano al reale, acondizione però di guardare la vetrata da un

preciso punto dello spazio.Nella fotografia laproprietaria della casa staleggendo il giornale ed ècolta nell’attimo di girarepagina. Quell’istantefissato sulla vetrata latrasforma in immaginepermanente. Nella casa èesposto anche un quadrocon tre immagini: lafotografia dell’“istantecristallizzato”.

Il visitatore, che èinvitato a passeggiare in uno spazio definitodall’installazione,deve cercare il proprioposto all’internodell’opera e posizionarsi in relazione agli altrivisitatori

Ho voglia di realizzareun’opera d’arte dove l’operaiopakistano che ha mescolato la pasta di cellulosaper la carta di una marca tedescaavrà anchelui il suo nome

In alto: Undispensaire en

Guinée (Unambulatorio inGuinea), 2009,Fidesco/Eglise

Saint NicolasDes Champs,

Parigi.Un’architettura

d’acciaio chepuò prendereun’infinità di

forme possibili

Nella pagina afianco e in

basso a destra:Mormorii, 2009,

Boulogne,Espace

Landowski,installazionemultimediale

alta 12 m

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loro interesse. Nell’installazione, l’artistainventa il proprio mezzo espressivo, come seun pittore in ogni quadro dovessereinventarsi gli strumenti del suo lavorosenza fare ricorso ad esempio ai coloriprodotti da altri. Nel mio caso i mieistrumenti sono il disegno, la fotografia, laregistrazione di suoni, la disposizione dielementi diversi. Anche se il rapido schizzopreparatorio – come per l’architetto – puòavere quell’immediatezza che dicevo e giàtutti i contenuti dell’opera. Spesso faccio disegni su tavole Velleda, chepoi fotografo, perché il disegno a pastellocancellabile mi dà maggiore libertà. Tuttaviadallo schizzo all’installazione resta un lungocammino. Personalmente, evito ormai dipassare direttamente dallo schizzo alprogetto planimetrico. Sperimento i mieidispositivi in atelier e mi lascio ispiraredall’errore. Qui lascio che il mio corpoprenda il controllo sulla mente. Aiuta latecnica del “bricolage” tanto cara a ClaudeLevi Strauss e cioè non seguire un percorsotroppo preciso, da tecnico, ma mettereassieme strumenti, materiali, foto, suoni,schizzi e stare a vedere ciò che accade, cosasi può fare con tutto questo.

Ma allora qual è il tuo istante?Monto e smonto la mia installazione fino allosfinimento, sin quando non ho la sensazionedi starle di fronte come un corpo estraneo.Sto in piedi davanti alla mia creazione comefarebbe il pubblico, posso finalmente fruirne.D’un tratto è successo qualcosa, sonosopraffatto: quel breve istante ha aperto unabreccia nel tempo, un intervallo sospeso.Questa posizione davanti al mio lavoro mi favedere quello che cerco di offrire al pubblico.Le sto davanti nel tempo, un tempoarticolato. Una porzione di tempo che vuolerestare sospeso, ma contemporaneamente sisvolge sperimentandosi nel movimento alritmo dei tuoi passi. Fermarsi. Guardare. Ricominciare acamminare. Mi piace dire che le mieinstallazioni sono disposte come delle boe:cerco di portare il pubblico a vedere con ilcorpo, non solamente con gli occhi. La cosapiù importante a questo punto è l’intervallo,l’ellissi, ossia il vuoto. È di questo che si tratta: fare un bucoaffinché precipiti il “possibile” di colui cheguarda. Questo buco, dove il pubblico gettala sua memoria, la sua immaginazione, ha ache fare con la respirazione. Si muovedall’interno verso l’esterno, dall’intimo (ilrespiro di un uomo) all’universale (l’aria delmondo) e viceversa. Come il gesto di Fontana sulla tela: questoabisso stuzzica senza sosta il nostro sguardocome se vedessimo per la prima volta. ●aa

Elementi il mio istantefondatoreQuest’anno, a seguito di unaproposta del CNRS, dovevorealizzare in uno dei lorolaboratori una mia opera.Lavoravo nel laboratorio,parlavo coi chimici delfunzionamento dell’elettricità emi è venuta alla mente unavecchia esperienza. A 16 annimentre lavoravo allarealizzazione di canalid’irrigazione, in un campo acultura intensiva, toccai unalinea dell’alta tensione. Non misono mai avvicinato tanto allamorte. Tutto in una frazione disecondo. Credo che questaesperienza abbia segnato la miaesistenza. Dev’esserci stato unasorta di “istante creatore”tipico di quelle esperienze cheti mettono in gioco con lamorte. Un amico mi ha fattonotare che l’asse orizzontale –la linea dell’alta tensione – equello verticale – il tubo inposizione eretta – ritornanospesso nei miei lavori e che puòessere, probabilmente, un’ecodi quel momento. I due assiinfatti ricorrono in quasi tuttele mie installazioni e nellamaggior parte delle miecomposizioni fotografiche.Così, tra una visita e l’altra allaboratorio, sono andato afotografare il luogodell’incidente e una delle mieinstallazioni al CNRS riportal’intera storiadettagliatamente.Ho contemporaneamentedimostrato l’incredibilesimilitudine tra due diversimodi di interpretare la totalitàdell’universo: la tavolaperiodica degli elementi, dettadi Mandelev, tanto cara allachimica moderna con i suoiatomi ben ordinati, i suoi campimagnetici eccetera e quelladella filosofia antica con iquattro elementi fondamentali:l’acqua (il tubo d’irrigazione),la terra (nel sensodell’elettricità anche), l’aria(l’arco elettrico che attraversal’aria e assicura il contatto conil tubo), il fuoco (le mie scarpee le mie calze bruciate). Non ècertamente un caso sequell’istante preciso ha riunitotutte queste forze e questielementi fondamentali.

Nell’installazione, l’artista inventa il proprio mezzo espressivo, come se un pittore in ogni quadro dovesse reinventarsi gli strumenti del suo lavoro

In alto a sinistra: Laps, 2009, puntodi vista 1, Boulogne EspaceLandowski, un unico attimo visto da12 punti di vista (con A. Hostiou)

Sopra: Laps-caduta, 2009, punto di vista 2, Pistoia,

un unico attimo visto da 2 punti divista (con A. Hostiou)

Sopra alcentro:Eléments/Spaventapasseri,2011, 90 x 60 cm,stampa sucartaHahnemuhletrasportatasu alluminio.CourtesyGalerie DeCréteil

Sopra: Un jour, 2010, collezioneprivata. La vetrata si confonde conla realtà fuori dalla finestra (con R. D’Oriano)

Sopra: Un jour,2010, collezione

privata, Pierrefitte-sur-Seine