PLATEA - HUESCA - 2014 DOSSIER DE PRENSA

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LA ZARANDA EL RÉGIMEN DEL PIENSO viernes, 7 de marzo de 2014 21,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 15 €, Reducida, 10 €

!! El exceso de pienso ha desencadenado una epidemia en las pocilgas y los cerdos se devoran unos a otros. Con la bajada de ventas de la empresa, comienzan los despidos de personal y crecen la desesperación y la desconfianza entre los empleados. La lucha por el puesto, con el único horizonte de un horario rutinario y vacío, sin otra esperanza que una muerte indolora, hace que las vidas del cerdo y el hombre se crucen, se confundan. !Todo apunta al factor nutricional como causa de la epidemia. Unos sostienen que es el engorde rápido, el exceso de pienso, otros

apuntan al mal reparto de este. Las teorías veterinarias enfrentan pero no frenan el índice de mortandad en las pocilgas? Se inicia, una simulación medioambiental para clarificar las causas. La industria porcina comienza a verse afectada, !!!!!!!!!!!!!!!

!!!!!!!!!!Con 34 años de trayectoria, La Zaranda conserva intacto su compromiso con el teatro y sigue desarrollando una intensa labor creativa que le ha merecido un gran prestigio internacional. Con el uso simbólico de los objetos, una plástica tan sencilla como poética, textos depurados y efectivos, y un humor demoledor, crea un lenguaje contemporáneo extremadamente vivo.

LA CRÍTICA HA DICHO

Yo creo que es su mejor obra, El Régimen del Pienso; una parábola orwelliana del presente más obvio.

Gregorio Morán. La Vanguardia. Barcelona

!Un texto transgresor, para sortear ese tremendo aparato burocrático, esa vida ficticia, ese simulacro, esa falsificación que nos obliga a mantener y pasar el Sistema desde que nacemos hasta que morimos. Aquí la Zaranda se rejuvenece, aunque mantiene intacto su compromiso existencial, espacio escénico y dirección Magnífica…

Carlos Torquero. El Mundo. Valladolid

La sociedad de hoy al descubierto en toda su estupidez y su codicia. La humanidad cada vez más deletérea e inane. Interpretada con una impresionante autoridad y magnífica estética.

Fernando Herrero. El Norte de Castilla.

!Salí tocado de ver El Régimen del Pienso de La Zaranda … Hay mucha amargura en este montaje de La Zaranda. Hay desconsuelo y, paradójicamente, un fino humor.. Transmite la soledad del individuo corriente, su impotencia frente a una sociedad impía.. Y por otra parte, la pieza sugiere una sonrisa irónica… la referencia a una sociedad en descomposición, que es la que estos días nos muestran los medios informativos, hará que los comulgantes "zarandinos" sean cada vez más.

Manuel Sesma. Artez

!Liturgia, estilazo. Estos genios son únicos a la hora de recrear un cadáver con una corbata a modo de esternón, y hacernos ver unos pies yertos en unos zapatos vacíos, y de trazar los laberintos del castillo con cuatro flexos …

Marcos Ordoñez. El País. Madrid

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Título: EL RÉGIMEN DEL PIENSO !Autor: Eusebio Calonge !Género: Teatro contemporáneo !Duración: 90’ !Público preferente: Adulto !Dirección Escénica: Paco de la Zaranda !Escenografía: Paco de la Zaranda !Diseño de Iluminación: Eusebio Calonge !Intérpretes: Gaspar Campuzano Francisco SánchezLuis Enrique BustosJavier Semprún !!

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ARACALADANZA CONSTELACIONES domingo, 9 de marzo de 2014 12,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 17 €, Reducida, 13 €.

! Como una atracción fatal, imposible de evitar, Joan Miró se ha colado en nuestros sueños disparando la imaginación con una explosión de color que nos ha guiado en un largo viaje hasta Constelaciones. !Este camino tiene sus riesgos. Hemos abandonado de manera consciente la seguridad de lo conocido a cambio de la libertad inspirada por un maestro que en su juego, nos descubrió otras formas de mirar al cielo y que nos

obligó a aceptar y a convivir con el ritmo único de cada trabajo; de cada propuesta; de cada obra.

Miró nos ha enseñado que la fidelidad es parte indisoluble del patrimonio del artista y que este debe esforzarse hasta el final en ser fiel a la intuición lo que le permitirá trasmitir su creación.

Constelaciones es un cóctel de sensaciones en el que el color, las formas y los juegos nos han ayudado a imaginar un universo

rescatado de entre las imágenes con las que Miró siempre nos ha desafiado. El resultado es una obra esencial, menos figurativa que la tradición de Aracaladanza y mucho más “espacial”.

Aracaladanza siempre ha creído en el poder de la imaginación que consideramos mucho más que un instrumento poderoso y esencial para cambiar la realidad. Creemos firmemente que es el comienzo de un camino interminable en el que cada

persona es más libre y, por lo tanto, mejor.

!Constelaciones intenta ser una insignificante señal que intenta volar en tiempos de desolación. Y es, a su vez, una aventura que compartimos bailarines, diseñadores, técnicos y gestores. Todos unidos con un sueño común: ¡Qué lo disfrutes!.

Enrique Cabrera

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SOBRE ARACALADANZA

Fantasía, imaginación y magia son los ingredientes esenciales de Aracaladanza, compañía de danza contemporánea madrileña cuyo trabajo riguroso ha sido reconocido con el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud 2010.

El trabajo pionero realizado en España por la compañía dirigida por Enrique Cabrera se ha convertido en referente europeo de calidad.

Sus producciones han sido galardonadas con premios tan importantes como el Villa de Madrid a la Mejor Coreografía 2005 por su espectáculo ¡Nada...Nada!, o los entregados durante sucesivas ediciones de FETEN: Mejor Espectáculo de danza, Mejor banda sonora y Mejor diseño de luces (1999) por Ana y el arco de colores; Mejor diseño de vestuario (2001) por Maletas; Mejor diseño de vestuario y caracterización (2005) por ¡Nada...Nada!; Mejor espectáculo y Mejor música original (2007) por Pequeños Paraísos y Mejor espectáculo (2010) por Nubes.

Los Premios MAX también han galardonado a la compañía otorgándoles 3 premios en 2008 por Pequeños Paraísos (Mejor Espectáculo Infantil, Mejor Diseño de vestuario y Mejor Diseño de escenografía) y 2 Premios Max en 2011 por N u b e s (Mejor Espectáculo Infantil y Mejor Figurinista), siendo también finalista al Premio Max de Mejor Diseño de Iluminación por ambas producciones.

Además, ha sido la primera compañía de danza y la primera dedicada al público infantil y familiar que logra obtener tres premios Max en una misma edición.

Pero el reconocimiento que más interesa a Aracaladanza es el privilegio de fascinar a un público esencial para el presente y el futuro de la danza española. Lo ha hecho, a lo largo de su historia con 3 piezas de corta duración; 11 producciones de mediano y gran formato; 4 espectáculos pensados para ser representados encalles y espacios no convencionales; 2 trabajos dedicados a bebés y 7 encargos coreográficos nacionales e internacionales.

Título CONSTELACIONES !espectáculo de danza para niños y niñas a partir de 4 años inspirado en el universo de Joan Miró duración: 50’ !Idea y dirección Enrique Cabrera Coreografía Aracaladanza !Intérpretes: Carolina Arija Gallardo Jorge Brea Salgueiro Raquel de la Plaza Húmera Jonatan de Luis Mazagatos Jimena Trueba Toca !Composición música original: Mariano Lozano P. Ramos Luis Miguel Cobo !Música: Numbers1-4 Simon Jeffes. Music for a found harmonium – Simon Jeffes© 1976 Editions Penguin Café Ltd. !Diseño de vestuario y escenario: Elisa Sanz

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J.M.POU - N. POZA A CIELO ABIERTO viernes, 28 de marzo de 2014 21,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 20 €, Reducida, 15 €.

!¿Pueden los capitalistas vivir realmente con los idealistas sociales? ¿Podemos perdonar el pasado? Y es más, ¿podemos perdonarnos? Tom Sergeant, rico y propietario de prósperos restaurantes intenta reconciliarse con Kyra Hollis, su joven ex-amante, ex-camarera y ex-canguro de su hijo. Hollis, después de una relación sentimental de seis años con Tom Sergeant, se ha convertido en una

profesora de escuela comprometida socialmente.

Un loft de la periferia de Londres se convierte en el punto de encuentro, un confesionario de amores perdidos donde él, viudo rallando los sesenta, y ella, una joven profesora idealista, descubrirán que la vida no permite dar marcha atrás.

Tom y Kyra reencuentran, por unos momentos, la pureza de su infidelidad sin la presencia de la

esposa, muerta de cáncer desde hace un año. Son dos personajes con dos filosofías de vida muy diferentes. Discuten sobre la traición, la culpabilidad, la dicotomía entre la “cultura de empresa” y “la vocación pedagógica y el trabajo social”, la compatibilidad de los valores ...

A cielo abierto nos explica una historia de amor tan angustiosa como creíble. Skylight, se estrenó el 4 de

mayo de 1995 en el Teatro Nacional de Londres, y se ha convertido, sin duda, en una de las obras de más éxito que se han representado en los últimos años, repitiendo temporada tras temporada en los teatros más emblemáticos del West End y de Broadway, así como en el resto del mundo.

LA CRÍTICA HA DICHO

“Obra de pasión. Es una obra que habla sobre lo que nos está pasando. José María Pou dirige tan finamente que no se nota el trabajazo que hay detrás. Como intérprete une una amplia paleta de sentimientos: emoción contenida o desbordada, desamparo, furia, malevolencia. Ahora o luego, no se la pierdan.”

Marcos Ordóñez. Babelia (El País)

!"Una buena obra y una interpretación que conmueve en un espacio escénico muy adecuado y realista."

Santi Fontdevila. Time Out

!“Impactante. Un espectáculo imprescindible del que se extraen profundas lecciones de vida”.

César López Rosell. El Periódico de Catalunya

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!“Un feliz reencuentro con un gran éxito. Reencuentro con un Pou pletórico de facultades, extraordinario. Exquisita lucha dialéctica entre dos concepciones vitales opuestas.”

Juan Carlos Olivares. ARA

“La interpretación es impecable, casi maravillosa. Excelente montaje, probablemente el mejor que hay en cartelera. Un impresionante envite a favor del buen sentido y la inteligencia”.

Joaquim Armengol. El Punt Avui

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Título: A CIELO ABIERTO !AUTOR: David Hare!TRADUCCIÓN: José María Pou!DIRECCIÓN: José María Pou !REPARTO: José María Pou (Tom Sergeant) !Nathalie Poza (Kyra Hollis)!Sergi Torrecilla (Edward Sergeant) !ESCENOGRAFÍA: Llorenç Corbella !VESTUARIO: María Araujo !ILUMINACIÓN: Txema Orriols !PRODUCCIÓN: Focus !!Fotos: © Cristina Bejarano

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TEATRO DE LA ABADÍA LA PUNTA DEL ICEBERG viernes, 4 de abril de 2014 21,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 19 €, Reducida, 14 €.

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“Una obra sobre las relaciones humanas en un entorno laboral competitivo y hostil” Una empresa multinacional se ve sacudida por el suicidio de tres de sus empleados en apenas cinco meses. Desde la sede central, la compañía envía a una directiva para llevar a cabo una investigación que trate de aclarar lo sucedido. En sus encuentros con los trabajadores se percibe un ambiente cargado de presión, sin la menor consideración por los intereses personales de cada uno, porque se concede prioridad absoluta a los resultados.

Con La punta del iceberg -texto galardonado con el Premio Tirso de Molina 2011 y el Premio Réplica 2012-, La Abadía apuesta por el asombroso talento del dramaturgo canario Antonio Tabares, como en temporadas anteriores ha programado a otros autores pocos conocidos como Paco Bezerra y Manuel Calzada, que a su vez se sumaron a autores-directores como Sanzol y Del Arco y la figura inolvidable de Agustín García Calvo.

Sergi Belbel, que como director del Teatre Nacional de Catalunya se esforzó por apoyar la nueva escritura y que descubrió a Jordi

Galcerán, vuelve a abordar el tema, tan reconocible para cualquiera y agudizado a raíz de la crisis, de las tensiones en el ámbito laboral que asimismo afectan la vida privada, como hizo en El método Grönholm y en Después de la lluvia.

“Textos como el premiado con el Tirso de Molina a Antonio Tabares ubican a la dramaturgia canaria en el primer nivel del teatro europeo”. José Ramón Fernández, Premio Nacional de Literatura Dramática 2011.

SOBRE EL TEATRO DE LA ABADÍA

El Teatro de La Abadía, centro de estudios y creación escénica de la Comunidad de Madrid, fue fundado en 1995 por José Luis Gómez, con sede en una antigua iglesia madrileña. Desde su memorable primer espectáculo (Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte de Valle-Inclán), la compañía ha consolidado una línea de investigación sobre la técnica actoral, la palabra en acción y el trabajo de elenco.

La Abadía produce una media de tres montajes por temporada, de autores como Ionesco, Lorca, Shakespeare. Podemos destacar nuestros espectáculos galardonados con Premio(s) Max: Sobre Horacios y Curiacios de Brecht (dirección: Hernán Gené), Argelino, servidor de dos amos de Alberto San Juan, a partir de la obra maestra de Goldoni (coproducción con Animalario, dir: Andrés Lima), Veraneantes, a partir de la obra de Gorki, con texto y dirección de Miguel del Arco (coprod. con Kamikaze Producciones) y En la luna, con texto y dirección de Alfredo Sanzol.

Más allá de los títulos previamente mencionados, entre los espectáculos más recientes se encuentran El arte de la comedia de Eduardo de Filippo (dir: Carles Alfaro), Grooming de Paco Bezerra (dir: José Luis Gómez), El diccionario de

Manuel Calzada (dir: José Carlos Plaza) y Maridos y mujeres de Woody Allen (dir: Àlex Rigola).

Con cierta frecuencia La Abadía trabaja con directores extranjeros, como Georges Lavaudant (Play Strindberg), Dan Jemmett (El café y El burlador de Sevilla) y en las últimas temporadas el polaco Krystian Lupa (Fin de partida) y el italo-alemán Roberto Ciulli (El principito). Asimismo, nuestro teatro representa sus espectáculos en otros países; de entre las ciudades donde hemos actuado se pueden destacar Bogotá, Bucarest...

El Teatro de La Abadía participa como único teatro español en Ciudades en Escena / Cities on Stage, una de las grandes apuestas de la UE -tan sólo diez propuestas de cooperación plurianual fueron seleccionadas en el marco del Programa Cultura-. Es una iniciativa compartida entre seis teatros altamente significativos del panorama europeo, que entre 2011 y 2016 realizarán una serie de coproducciones, encuentros e intercambios de profesionales: Théâtre National de la Communauté Française (Bruselas, Bélgica), Folkteatern (Gotemburgo, Suecia), Théâtre de l’Odéon (París, Francia), Teatrul National Radu Stanca (Sibiu, Rumanía), Teatro Stabile di Napoli “Mercadante” (Nápoles, Italia) y el Teatro de La Abadía.

Título: LA PUNTA DEL ICEBERG !Autor: Antonio Tabares !Dirección Sergi Belbel !Reparto: Nieve de Medina (Sofía) Eleazar Ortiz (Carlos) Montse Díez (Gabriela) Pau Durà (Alejandro) Luis Moreno (Jaime) Chema de Miguel (Carmelo) !Escenografía Max Glaenzel !Iluminación Kilo Planas (AAI) !Espacio sonoro Javier Almela !Ayudantes de dirección Andrea Delicado Sara Filipa Reis !Una Producción de Teatro de la Abadía

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T DE TEATRE - ALFREDO SANZOL AVENTURA! viernes, 11 de abril de 2014 21,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 18 €, Reducida, 14 €. !

!He escrito Aventura! porque estoy enamorado de mi mujer y de mi hijo, y de mis amigos y de mi familia, y de la gente con la que trabajo, y de mis vecinos, y de los camareros y de las funcionarias del Ayuntamiento de Madrid con las que me río de todo cuando voy a pagar las multas que me llegan por no haber pagado el impuesto de la basura. No quiero emigrar ahora, porque mi hijo empieza la guardería el lunes que viene. Ahora no. He escrito Aventura! para poner en el escenario los fantasmas que me produce esta crisis. Aventura! cuenta la historia de seis socios de Barcelona que tienen una empresa que no va mal pero que, al

recibir una oferta de compra por parte de una empresa china, deciden dejarse de tonterías y vender por lo que pueda pasar. El problema es que no ven-

den la empresa, sino que acaban vendiendo a una de sus socias.

La crisis me preocupa como a todos, pero lo que realmente me preocupa es si tendremos la inteligencia colectiva y la capacidad comunitaria de gestionar esta crisis. El problema no es solo económico. Es sobre todo ético-ideológico-político. El problema es la pérdida de soberanía. El secuestro que se está haciendo de la democracia. La cobardía que se está apoderando de nosotros. El

problema es el “sálvese quien pueda” y la desorganización. Y Aventura! trata de eso.

En Aventura! he volcado los fantasmas y la angustia que me produce la realidad social que estamos viviendo. Lo he hecho a través de un grupo de socios que también son amigos. Y aunque son solo seis, como en los experimentos de laboratorio lo que pasa a escala peque- ña se puede extrapolar a toda la sociedad.

Este proyecto ha nacido junto a T de Teatre. Con Delicadas nos encontramos y Aventura! es nuestra segunda aventura. Es- pero que mucha gente diga que

hemos hecho una comedia y otros una tragedia, y otros una tragicomedia. Espero que esta obra sirva para que la gente hable mucho después de la fun- ción. Que sirva para abrir las vías de la comunicación y el sentido de comunidad.

En Aventura! los personajes están atenazados por el miedo y acaban haciendo algo que “nunca harían”. Creo que nuestra mayor fragilidad es el miedo, y esta obra intenta reducirlo poniendo delante de los ojos un fantasma colectivo: “el de convertirnos en esclavos”.

Alfredo Sanzol

T DE TEATRE

Una aventura singular empieza en mayo de 1991 cuando cinco jóvenes actrices recién graduadas por el Institut del Teatre de Barcelona crean su propia compañía y presentan su primer montaje, Pequeños cuentos misóginos. La gran acogida que tuvieron las hizo ser merecedoras del Premio de la Crítica de Barcelona como revelación teatral de la temporada.

Desde aquel momento, T de Teatre ha mantenido un sello propio y se ha consolidado como una compañía de prestigio y muy popular. De su segundo espectáculo, ¡Hombres! (1994), dirigido por Sergi Belbel, realizaron más de 850 funciones, a las que asistieron unos 350.000 espectadores. Sus siguientes aventuras serían: el montaje teatral Criaturas (1998), estrenado en Buenos Aires y que obtuvo una excelente acogida por parte de público y crítica; la serie televisiva Jet Lag, estrenada en 2000, que enseguida se convirtió en la comedia más seguida por los telespectadores de TV3 durante las seis temporadas que se emitió, y su cuarto espectáculo, ¡Esto no es vida! (2003).

En el 2006, estrena 15, un montaje que nace con la intención de celebrar el decimoquinto aniversario de la compañía, un rompecabezas de gags recuperados de todos sus espectáculos. Ese mismo año, T de Teatre recibió la Butaca Honorífica a la Trayectoria Profesional (Premios Butaca). Cómo es posible que te quiera tanto (2007) fue el sexto espectáculo de la compañía, un thriller escrito y dirigido por Javier Daulte que inició una nueva línea de trabajo de la compañía.

Delicadas, escrita y dirigida por Alfredo Sanzol, se estrena en el Teatre Poliorama de Barcelona en el marco del Festival Grec 2010, posteriormente realiza una temporada en el Teatro Español de Madrid y una larga gira que la ha llevado por teatros de todo el territorio español. Delicadas ha conseguido desde su estreno un éxito total de crítica y público.

T de Teatre ha creado ocho espectáculos, ha representado más de 2.500 funciones y ha convocado la asistencia de más de 900.000 espectadores.

Marcos Ordóñez (El País Semanal, “Los 100 personajes del año 2011”)

Título: AVENTURA! !Autor y director: Alfredo Sanzol !Intérpretes: Mamen Duch Marta Pérez Carme Pla Albert Ribalta Jordi Rico Àgata Roca !Escenografía: Alejandro Andújar !Música original: Fernando Velázquez !Iluminación: Carlos Lucena !Sonido: Roc Mateu Vestuario: Alejandro Andújar y Adriana Parra !Producción ejecutiva: Daniel López-Orós

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EVA YERBABUENA ¡AY! viernes, 9 de mayo de 2014 21,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 25 €, Reducida, 18 €

!La inquietud de Eva Yerbabuena y su interés por descubrir nuevos lenguajes comunicativos a través de la danza la han llevado, tras un receso por maternidad de 13 meses, a reencontrarse con su público a través de dos propuestas escénicas tan dispares como únicas. ¡Ay! es el último montaje de la bailaora con el que ahonda en sí misma, en sus miedos e inquietudes, en sus deseos y anhelos. Una búsqueda que plantea en una propuesta minimalista en la que las luces y las sombras, el cante, una guitarra y un violín ponen las notas de color. Estrenado en Londres en marzo de 2013, inicia una gira nacional e internacional.

Con Persuasión y devoción, Eva Yerbabuena baila a Zurbarán y a sus santas

vírgenes. Un proyecto que reúne sobre las tablas danza, flamenco, música barroca, pintura y diseño de moda y que es la antesala de la exposición Santas de Zurbarán. Devoción y persuasión.

Los dos últimos proyectos que ven la luz en la primavera de 2013 vienen a engrosar el currículo de una bailaora nacida en Frankfurt y trasladada a Granada con apenas 15 días. Es bailaora con cierta formación autodidacta y comienza a desarrollar su faceta de coreógrafa desde muy joven. Movida por el interés que despiertan en ella el flamenco y la danza crea su propia compañía en 1998. Sus inicios están marcados

por la experiencia de grandes maestros como Enrique “El Canastero”, Angustillas “La Mona”, Mariquilla y Mario Maya. Simultanea los estudios de danza con otras disciplinas como el arte dramático y la coreografía, esta última en La Habana (Cuba) de la mano de Johannes García. 

En 1985, comienza su trayectoria profesional en la compañía de Rafael Aguilar con Diquela de la Alhambra. Algunos años más tarde, pasa a formar parte de la compañía de Paco Moyano, donde interpreta Ausencia, A tomar café y De leyenda... A partir de 1990 colabora esporádicamente con Javier Latorre, Manolete, El Güito y con Merche Esmeralda.

Flamenco Women (1997) del director británico Mike Figgis, supone su primer contacto con el cine. La colaboración en este documental no deja indiferente a su director quien la convoca nuevamente para Hotel (2001) largometraje de ficción donde Eva comparte experiencias con John Malkovich entre otros.

Entre los últimos trabajos destacan su participación con Mike Figgis para el encargo especial anual Deloitte Ignite, de la Royal Opera House (Londres), titulado por el director Just tell the truth, y su colaboración para una campaña de la Firma italiana Missoni, en la que aparece junto a Pedro Almodóvar.

LA CRÍTICA HA DICHOAy!, muestra a la bailaora poderosa y casi sobrenatural, en plena forma (…) ofrece una presencia magnética –es una de esas bailarinas tan conocedoras de la técnica que trasciende a ella.  Su espectáculo está estructurado en una serie de seis escenas que se suceden como fascinantes monólogos dramáticos de baile, expresados en un lenguaje fuerte y con un físico rígido que cala hasta los huesos.

The Times, Donald HuteraCon su nuevo trabajo, ¡Ay!  vuelve a un formato más tradicional: una serie de piezas en las que baila en solitario con el acompañamiento de música en directo (…) Yerbabuena la hace sentir como la esencia misma del flamenco, que parece dibujar sonidos directamente en su alma. (…) Se muestra a sí misma como una excelente intérprete de flamenco, en plena forma y con un  juego de piernas a la vez preciso y matizado, a las que siguen momentos más experimentales que revelan su concepción artística (del flamenco).

The guardian, Sanjoy RoySu baile ahonda profundamente en el alma, en su primera escena, un grito físico desesperado, como el dolor de una madre. Pero lo que es increíble es que mientras su cara y cuerpo se retuercen en contorsiones y sacudidas que ilustran la extrema emoción humana,  interpreta  algunos de los juego de

piernas más limpio y más preciso que jamás hayas oído.

London Evening Standard. Lyndsey WinshipAy! es tan atrevido como se plantea. En el número introductorio, un delgado haz de luz, el sonido de una nota sombría de Yerbabuena deslizándose dentro y fuera (del haz) como un fantasma (…) a medida que se rompe la nota en un escalofrío, las manos de la bailarina responden a su estímulo (…) Cuando se pone en marcha la acción en tal extremo, puede haber ningún lugar adonde ir. Pero Yerbabuena mantiene la intensidad. (…) ha recorrido un largo y tortuoso camino para llegar a este nivel artístico, pero ha valido la pena quedarse con ella.

The independent. Jenny Gilbert. Con taconeo, guitarra, cante y violín, la bailaora Eva Yerbabuena despejó las dudas que, dice, asomaron por su cabeza en los 18 meses  que ha estado sin bailar, alejada de los escenarios por su maternidad.  Más  de 10 minutos de aplausos, con los 1.500 espectadores que llenaron el  Teatro Sadler’sWells en pie, entregados, emocionados. Así fue como  despidió el público londinense a la bailaora granadina y a su compañía en la presentación mundial de su nuevo espectáculo, Ay!. Yerbabuena, de 42 años, regresó con una propuesta más intimista y más minimalista, donde las luces y las sombras son las protagonistas, sin un cuerpo de baile, sólo ella bailando y la guitarra de su inseparable Paco Jarana.

El Mundo, Daniel Postico

Título: ¡AY! !Dirección Escénica y Coreografía: Eva Yerbabuena !Género: Danza - Flamenco !Duración: 80’ !Público preferente: Todos !Música y Dirección Musical: Paco Jarana !!Diseño de Iluminación: Fernando Martín !Baile: Eva Yerbabuena !

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ROBERTO OLIVAN ENCLAVE ARTS DEL MOVIMENT A PLACE TO BURY STRANGERS viernes, 16 de mayo de 2014 21,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 13 €, Reducida, 10 €. !

! La búsqueda hacia el interior más puro del ser humano, de la conexión de éste con el universo, tan cercana y tan lejana a la vez generan la verdadera felicidad. Con este punto de partida, el coreógrafo catalán Roberto Olivan, a medio camino entre Bruselas y Catalunya, idea un espectáculo que combina organicidad con fuerza y energía, proponiendo siempre un registro fresco, emotivo y en el que la danza contemporánea se expresa a través de diferentes lenguajes escénicos. A place to bury strangers, ha sido nominada a los premios BUTACA 2013. La obra es un punto de partida, un inicio de camino de regreso hacia aquello que cada uno podría considerar esencial.

Los pasajes del espectáculo tienen que ver con momentos cruciales de la vida y que muy posiblemente cualquier otra persona puede reconocer en su propia experiencia, dando valor a la consciencia de que vivir el presente es importante pero tener deseos y sueños de futuro lo es todavía más.

La historia que se narra es un viaje alucinante no sólo a los temores, angustias e inseguridades, sino también a las esperanzas, a los sueños utópicos y a la búsqueda de la liberación espiritual. Los diferentes puntos de vista nos ofrecen diversas dimensiones de unos personajes que intentan vivir al margen de las convenciones sociales. La obra trata sobre encontrar el lugar al cual se pertenece; allí

donde encontramos el hogar sin casa, donde nos sentimos ricos sin tener dinero, donde nos sentimos conectados con todo y todos y donde el alineamiento de nuestro ser con lo que esencialmente somos nos dirige hacia esta felicidad que estamos buscando constantemente.

La música de la obra es creación de Laurent Delforge, maestre de Instrumentación Electroacústica en el Royal Conservatorium de Mons y Liège, en Bélgica. Interesado en diferentes formas de expresión musical, se mueve entre la música pura acousmatic, la improvisación instrumental y la variación ecléctica de la múscia electrónica beat.

ROBERTO OLIVÁN,

LA COHERENCIA DE UN ARTISTA COMPROMETIDO Y MULTIDISCIPLINAR

De Roberto Oliván (Tortosa, 1972) podemos valorar su paso por PARTS (Anne Teresa de Keersmaeker, fundadora de la compañía Rosas, para la cual él también bailó), su contacto, también en su residencia en Bélgica durante doce años, conBob Wilson y Trisha Brown, su estudio de las artes circenses; es decir, podemos valorar su poderosa y potente trayectoria artística.

Pero lo que diferencia a los grandes artistas no es su currículum, sino el uso que hagan de él, de sus experiencias, de su entorno, del tiempo que va cambiando a su paso por la vida, de su filosofía sobre el arte, sobre la vida, sobre la sociedad, sobre el ser humano, y cómo esto realmente sepan fusionarlo, como camino obligatorio de entenderse a sí mismos y su arte, para darle forma en un espectáculo. 

Roberto Oliván es por tanto un artista contemporáneo, que se ha dejado seducir sin miedos por las disciplinas, que ha sabido fusionar lo popular y lo elevado de la técnica, porque su mente es dinámica y enérgica y no entiende el

arte de otra forma que, por tanto, no sea de varios ámbitos; un arte nunca estático, siempre en movimiento porque el artista se alimenta de todo lo que le rodea. Y consigue que su coherencia traspase la escena y no sea simplemente un propósito de creación, en el que se decide llevar a cabo una fusión de elementos, gentes, temas porque es lo bueno o lo que se lleva, sino que consigue una coherencia consigo mismo a partir de entender el arte como algo orgánico en continuo movimiento, como es el ser humano en sí mismo, que “entra en una cadena de acción-reacción”.

LA CRÍTICA HA DICHO

Brillante, fluido y enriquecedor. Así es A place to bury strangers, último espectáculo del catalán Roberto Olivan (Tortosa, 1972)

El espectáculo clava al espectador en subutaca, incapaz de parpadear ante el baile energético que desprende el grupo.Los amantes de la danza no pueden perderse un espectáculo que acredita que no hay crisis creadora entre los coreógrafos actuales. El éxito de la obra reside en su fecundo vocabulario coreográfico, repleto de ricas frases que enlazan circo y danza contemporánea en una simbiosis

Título: A PLACE TO BURY STRANGERS !Género: Danza Contemporánea-Circo !Duración: 65’ !Dirección artística: Roberto Olivan!Intérpretes: Spela Vodeb Sol Vázquez Felipe Salazar Roberto Olivan Matias Marre Música: Laurent Delforge!Dramaturgia  Roberto Magro!Diseño luces: Manu Martínez !Diseño vestuario: Roberta Petit !Coproducción Mercat de les Flors, Enclave Arts del Moviment Con la colaboración de Transversal, Xarxa d’activitats culturals

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VICTOR ULLATE BALLET DE LA COMUNIDAD DE MADRID

EL ARTE DE LA DANZA viernes, 23 de mayo de 2014 21,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 35 €, Reducida, 25 €. !

!Víctor Ullate, (ZARAGOZA, 1947) estrella internacional de la danza, fundó en 1988 la compañía que lleva su nombre y que acaba de cumplir veinticinco años de trayectoria. En 1997, la compañía incorporó la denominación Comunidad de Madrid. Víctor Ullate es el director y cuenta desde 1999 con Eduardo Lao como director artístico. El talento y el esfuerzo de ambos artistas son claves para la permanencia y el éxito de esta compañía excepcional. Desde el momento mismo de su creación, el Ballet Víctor Ullate se convirtió en la primera compañía privada española de nivel internacional, en cantera de bailarines estrella y en un emblema de la danza en

España. A lo largo de estos veinticinco años, el rigor y la exigencia han sustentado la selección y formación de bailarines, la elección y creación de coreografías, la creatividad y el nivel de los espectáculos. Por eso la calidad de la compañía se ha mantenido constante. Hoy como hace dos décadas y media, el Víctor Ullate Ballet es una garantía para el público: de emoción, de belleza, de calidad, de Danza.

Como es la única compañía española asociada a una escuela – y Víctor Ullate es un maestro reconocido mundialmente- este Ballet ha sido a la vez cantera de bailarines y por eso ha contado y sigue contando entre sus filas con artistas de

primerísimo nivel. En estos veinticinco años han formado parte de la compañía grandes bailarines que hoy en día ocupan un lugar relevante dentro de la danza mundial. El propio Eduardo Lao ha protagonizado en esta compañía los roles más memorables de su carrera. La compañía ha contado entre sus estrellas invitadas con Marie Claude Pietragalla, Carole Arbó, Joan Boada o el bailaor flamenco Antonio Márquez. Intelectuales de la talla de Francisco Nieva o Vicente Molina Foix han escrito libretos de ballet expresamente para las creaciones de Víctor Ullate y también han trabajado especialmente para la compañía compositores

españoles de vanguardia como Luis Delgado, actores como Francisco Valladares y cantantes como Enrique Morente, Estrella Morente y Carmen Linares.

El repertorio del Víctor Ullate Ballet – Comunidad de Madrid ha abarcado en estos cinco lustros todas las facetas del ballet. Algunos de los espectáculos de la compañía se han convertido en referencias para el resto de las compañías españolas. Ha ocurrido así con clásicos como Giselle o Don Quijote – actualizados por Víctor Ullate- que deslumbraron a los críticos de todo el mundo y siguen siendo hasta hoy las únicas referencias españolas en ballet clásico.

“La Danza es sin duda la primera de las artes que el ser humano manifiesta de forma instintiva. Posteriormente a la infancia, momento en el que esto sucede, en algunas personas queda arraigada esta característica y en otras simplemente desaparece o queda inhibida por otras preferencias personales, condicionadas principalmente por la educación recibida o por otras vocaciones innatas.

A este primer grupo de personas pertenecen los que llamamos bailarines, palabra con gran amplitud de matices y disciplinas, cuyo nexo es el movimiento.

Hemos querido resaltar con esta coreografía la importancia del único elemento sin el cual la danza sería imposible: el Bailarín; el cual se especializa en cualquiera de las múltiples tendencias o estilos para desarrollar una de las artes más completas y universales que el ser humano puede crear partiendo del elemento o instrumento más perfecto que la naturaleza ha creado, el cuerpo humano.

Hemos querido mostrar con el arte de la danza los distintos matices y características que dos coreógrafos distintos son capaces de captar de cada elemento, pues cada coreógrafo capta de distinta forma las diferentes sensibilidades de cada elemento o bailarín de los que dispone.”

Víctor Ullate y Eduardo Lao

Estrenada el 8 de octubre de 2010 en el Teatro Cuyás de las Palmas de Gran Canaria, con esta coreografía se pretende resaltar la importancia del único elemento sin el cual la danza sería imposible: el Bailarín. Éste se especializa en cualquiera de las múltiples tendencias o estilos, para desarrollar una de las artes más completas y universales que el ser humano puede crear, partiendo del elemento o instrumento más perfecto que la naturaleza ha creado: el cuerpo humano. En El Arte de la Danza se muestran los distintos matices y apreciaciones que dos coreógrafos son capaces de captar de cada elemento, pues cada uno percibe de diferente modo la sensibilidad de cada bailarín.

EL ARTE DE LA DANZA Coreografías: Víctor Ullate y Eduardo Lao Iluminación: Paco Azorín Vestuario: Víctor Ullate, Eduardo Lao, Pedro Moreno y Carlos Javier Martín Bailarinas Ksenia Abbazova, Zara Calero, Sophie Cassegrain, Leyre Castresana, Elena Diéguez, Marlen Fuerte, Kana Nishiue, Laura Rosillo, Reika Sato, Alba Tapia, Zhengjia Yu. Bailarines Dorian Acosta, Lorenzo Agramonte, Mariano Cardano, Mikael Champs, Matthew Edwardson, Oliver Edwardson, Jonatan Luján, Stefano Maggiolo, Cristian Oliveri, Josué Ullate. Duración:95’ Músicas: Frédéric Chopin, In Slaugther Natives, Richard Wagner, Gaetano Donizetti, W.A. Mozart, Bebe, Lura, David Byrne & Caetano Veloso, Rita Hayworth, Tony Pastor, Massive Attack, Madredeus, Lisa Gerrard, Antonio Chainho y Kodo. !

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METAPRODUCCIONES JULIO CÉSAR domingo, 15 de junio de 2014 19,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 22 €, Reducida, 17 €.

!Decir que “Julio César” es una obra de gran actualidad resulta una obviedad, puesto que todas las obras de los grandes genios en general, y de Shakespeare en particular, lo son por definición. Sin embargo, en el caso del título que nos ocupa, me gustaría destacar su conveniencia y oportunidad en el momento presente. Todos los expertos en Shakespeare coinciden en que el lenguaje de “Julio César” es tosco y directo, alejado seguramente de la riqueza estilística propia del dramaturgo inglés. Estoy convencido de que dicha austeridad verbal le confiere

a la pieza una fuerza y una violencia poco común sobre el escenario. Me gustaría poner el acento de nuestro montaje precisamente en las palabras, en su fuerza poética y evocadora, y, de manera muy especial, en su capacidad provocadora, en su capacidad potencial para modificar el ánimo y alterar la conducta de los que las escuchan. Una manipulación, la verbal, que casi siempre está al servicio del más fuerte, del que ostenta el poder, y que casi nunca está al servicio del pueblo, es decir, de nosotros.

“Julio César” es una obra eminentemente masculina y castrense: los hombres y la

guerra, los hombres y el poder que cambia de manos a través de la guerra y del golpe de estado. En este sentido, comprobamos cómo, por ejemplo, las dictaduras militares se adueñaron de toda América Latina a lo largo del siglo XX, como reacción al periodo colonial, en busca de la libertad del pueblo frente al invasor imperialista de siglos atrás. Por todo ello, creo firmemente en la oportunidad y conveniencia de la lectura en clave contemporánea (aunque no únicamente actual) de “Julio César”, en un momento claro de banalización del lenguaje y de pérdida de valor de las palabras y, por lo tanto, de las ideas. Paco Azorín

SINOPSIS

Cayo Julio César, político y militar romano, vivió y murió hace más de dos mil años. Sin embargo, la controversia sobre las circunstancias de su muerte ha llegado hasta hoy con una nitidez asombrosa. William Shakespeare recrea en esta obra la conspiración en contra del dictador romano, su homicidio y sus secuelas. Nos encontramos ante dos pilares fundamentales de la política y de la cultura universal, convertidos ya en mitos y que aquí aparecen como un tándem indisoluble: Julio César y William Shakespare.

LA CRÍTICA HA DICHO

Una obra de texto contundente y lleno de fuerza, donde texto, actores, dirección, movimiento, todo esta perfectamente sincronizado, se nota la implicación de todo el equipo y la fuerte estructura de todo el proyecto.

Un montaje que también deja espacio para el simbolismo, por ejemplo, las sillas, toman vida y significado según sea el momento, sean colocadas, lanzadas, depositadas alrededor del cuerpo de Cesar, etc., otro elemento importante es el obelisco en pie durante toda la obra y que finalmente se tumba para dar paso a la batalla final donde cada personaje librará su propia batalla antes de la muerte o la victoria.

Una lección de interpretación sin desperdicio donde todas las personalidades y todos los matices se tienen en cuenta, una ocasión excepcional para disfrutar y comprobar la fuerza de unas excelentes interpretaciones.

ESTRELLA SAVIRÓN (A GOLPE DE EFECTO-MADRID)

ACTORES O FAMOSOS

“Nunca había visto a un famoso tan de cerca. Ha sido genial”. Escuchar este

comentario a la salida de una función resulta desolador, pero también profundamente injusto para los actores. (…) Es cierto que Mario Gas, Sergio Peris-Mencheta y Tristán Ulloa son el principal reclamo del cartel. Pero no lo son, o no deberían serlo, porque salen en la tele o porque su conciencia social (la de siempre) se corresponda, en muchos casos, con un sentir popular y, en muchos otros, con la postura ideológica que está más de moda en determinados ambientes.

El trabajo de estos tres actores conmueve, estremece. Gas es, no hace de, el emperador; muestra que se sabe omnipotente hasta con su forma de pestañear. Ulloa es un hombre que, casi por obligación, termina por aceptar que el fin justifique los medios. Su cuerpo, su mirada y su voz se alían con el texto para hablar de dolor, de esperanza y de derrota. Peris-Mencheta es la encarnación del amor, la lealtad y la ira que se rebela contra la traición. Los tres ofrecen su alma de tal modo que resulta ofensivo que haya quienes se limiten a ver en ellos simples caras conocidas y no tres intérpretes soberbios, tanto por su grado de verdad como por su generosidad en el escenario.

MARÍA CAPPA (LA MAREA- MADRID)

Título: JULIO CÉSAR Autor: William Shakespeares Traducción: Ángel-Luis Pujante Dirección y escenografía: Paco Azorín Género: Clásico-Drama Histórico !Duración: 93’ !REPARTO Mario GasSergio Peris-Mencheta Tristán UlloaJosé Luis Alcobendas Agus RuizPau CóleraCarlos MartosPedro Chamizo !Concepto audiovisual: Pedro Chamizo Vestuario: Paloma BoméIluminación: Pedro Yagüe !Una coproducción del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Teatro Circo Murcia y Metaproducciones

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ATENEU POPULAR 9 BARRIS MARAVILLAS 16È CIRC D'HIVERN !martes, 12 de agosto de 2014 21,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 15 €, Reducida, 10 €.

!EL CIRC D’HIVERN EN EL ATENEU POPULAR 9BARRIS

El proyecto Circ d’Hivern surgió en 1996 con la intención de fomentar la creación de compañías estables profesionales relacionadas con el circo y de ofrecer propuestas inéditas y de calidad dirigidas a todo tipo de público, a través de una convocatoria abierta.

Lo han hecho posible artistas y creadores de circo de primer orden de la escena catalana e internacional, que han creído en el proyecto y han contribuído a situarlo en un lugar imprescindible de la cartelera de espectáculos navideños de Barcelona en los meses de diciembre y

enero. Marcel Escolano (Los Galindos), Silvestre (Los Excéntricos), Jordi y Adelaida Perillós (Circ Perillós), Sabine Rieck (Cirque Gosh), Jordi Aspa (Escarlata Circus), Adrián Schvarzstein (ex miembro del Circ Ronaldo), Leandre o Piero Steiner, son algunos de los artistas que han participado en las diversas ediciones del Circ d’Hivern, creando escuela, fomentando la cantera y fidelizando a un público sensible a una estética y a unos espectáculos con personalidad propia.

Desde el año 2005, el Ateneu Popular 9Barris distribuye sus producciones. En este sentido, el Ateneu continúa abriendo camino

con la voluntad de crear un circuito estable de circo de sala y dar a conocer la calidad artística y creadora de los profesionales del circo de Cataluña en el resto de España y Europa.

El resultado es que Circus Klezmer, espectáculo de la 9a edición del Circ d’Hivern, ha realizado después de su estadía en el Ateneu más de 200 funciones por Cataluña, resto de Europa y a nivel internacional. Rodó, espectáculo de la 10a edición del Circ d’Hivern, recibió el Premi Nacional de Circ 2006. El Circ de Sara, espectáculo de la 11a edición del Circ d’Hivern de 2006, ha recibido el Premio San Miguel al Mejor Montaje en Sala de la edición 2006

del Festival de Tàrrega. Limbus, 14o Circ d’Hivern es nominado a los XVI Premios Butaca y a los Premis de Circ de Catalunya. Circumstàncies, 15è Circ d’Hivern ha recibido el premio al mejor número de circo (la báscula de la Cia. Balagans) y el premio a la mejor dirección (Ricardo Gallardo) en los Premis de Circ de Catalunya organizados por la revista especializada Zirkólika.

Maravillas, 16è Circ d'Hivern es un espectáculo que, en tono de parodia y con mucha irreverencia, mezcla estilos y rompe las barreras artísticas del incríble mundo del circo. Cuenta la fantástica aventura de una família, tercera generación de artistas de circo, heredera de toda una tradición que después de perder su carpa y de ver como el mundo del espectáculo avanza a pasos de gigante (pero ellos no tanto...) deciden intentar adaptarse a los tiempos que corren y a las nuevas tendencias.

Para intentar descubrir que es lo que trasciende hoy en día en el mundo del espectáculo daran un salto hacia lo desconocido, haciendo lo imposible por fusionar la antiguedad con la modernidad.

Se trata de una idea original de la Família Bolondo, un colectivo formado por diferentes artistas que provienen de compañías diversas de circo, como Los 2 Play, Cie. Morosof, Maxishows o Los Gingers y que han colaborado con compañías como Circ Cric, Zimmermann-De Perrot, entre otras. Las técnicas que

encontraremos en el espectáculo son acrobacias aéreas, magia y malabares.

LA CRÍTICA HA DICHO

Soñar. Esa es, quizá, la esencia del circo. Un espectáculo apto para pequeños y para mayores. “El contacto con los niños es importante, porque ellos no atan pistas, como los adultos”, dice el director, “pero sacan sus propias conclusiones, lo ven como un espectáculo más visual que racional”. Y funciona perfectamente. “Hay un trabajo escrito que es como un disparador, la base a la que agarrarnos, pero cada artista tiene su espacio por crear dentro del marco general”, explica Emiliano, con quien ha colaborado en esta función el dramaturgo Carles Fernández Giua.

(…) “otra vida es posible...” De alguna manera, el Circ d’Hivern recoge el espíritu de lucha del Ateneu Popular de Nou Barris, un enclave cultural en este distrito periférico de Barcelona que fueron nueve barrios y que ahora son 14 y cuya lucha empezó hace 35 años. El circo como tradición social Toni Polo - eldiario.es

Título: MARAVILLAS 16È CIRC D'HIVERN !Dirección: Olivier AntoineInterpretación Família Bolondo: Blancaluz Capella, Julián González, Maximiliano Stia, Rafael Moraes, Ramiro Vergaz, Gustavo Arruda, Niko Costello, Anabel Labrador, Thierry Azoulay, “Zouz” Diseño iluminación Thierry Azoulay, “Zouz” Vestuario Rosa Solé Diseño cartel MimókaFotografías y vídeos Carles Calero, Patrícia Rodríguez DURACIÓN: 80’ !Producción ejecutiva Guillem Pizarro, Sònia Martinez Coproducción Mercat de les Flors, Bidó de Nou Barris Con el soporte CoNCA, Ajuntament de Barcelona, INAEM Con la colaboración La Central del Circ, Fabra i Coats

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COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO CLÁSICO Y NAO D´AMORES FARSAS Y ÉGLOGAS DE LUCAS FERNÁNDEZ sábado, 8 de noviembre de 2014 21,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 15 €, Reducida, 10 €. !

!VALOR Y NECESIDAD La Compañía Nacional de Teatro Clásico inicia con el espectáculo Farsas y Églogas de Lucas Fernández, dirigido por Ana Zamora, un camino de colaboración con equipos de trayectoria consolidada y calidad contrastada a lo largo de años de trabajo.

Contar para esta primera experiencia en el campo de las coproducciones con la compañía Nao d amores es un honor, y desde luego una apuesta segura. Nao nace en 2001 de la mano de un equipo de profesionales que proceden de distintos campos, como la música antigua, el trabajo con títeres y el teatro clásico, y trabaja desde entonces desarrollando una importante labor de investigación y puesta en escena en torno al repertorio medieval y renacentista de nuestro teatro. Textos como

los que componen estas Farsas de Lucas Fernández que presentamos hoy, o bien otros de Gil Vicente o Juan del Encina nos hacen comprender por sus temas, su expresión dramática y la calidad de su composición que no debemos considerar al teatro de los siglos XV y XVI un hermano menor de los títulos compuestos por Lope, Calderón o Tirso. Los autores teatrales anteriores a la comedia nueva no sólo tienen valor por sí mismos, sino que son indispensables como eslabones necesarios en la creación de la fórmula magistral de nuestra comedia nueva del Siglo de Oro. Nao d amores ha desarrollado en este campo un lenguaje propio y ha conseguido crear una poética personal de extraordinaria belleza y sentido, que ha iluminado certeramente los textos de

un repertorio apenas frecuentado en nuestros escenarios.

La obra del salmantino Lucas Fernández fue escrita muy tempranamente, sin que de ella tengamos más fecha segura que 1497 para su

Farsa o quasi comedia de la Doncella, el Pastor y el Caballero, y 1500 para su Égloga del Nacimiento de Nuestro Redentor Jesucristo. Estas piezas y otras, hasta siete, están impresas reunidas en un volumen fechado en Salamanca en 1514 e impreso por Lorenzo de LiomDedei.

El trabajo de Ana Zamora y su compañía nos ha regalado en otras ocasiones una experiencia teatral única, por medio de la cual hemos tenido la oportunidad de viajar a los orígenes de nuestro teatro, y este

montaje no es una excepción. Ana ha extraído y elaborado una dramaturgia personal con cinco de estas pequeñas piezas que conforman el conjunto original, construyendo con ellas un espectáculo en el que los pastores y las gentes rurales se expresan en toda su sinceridad, respirando un realismo vigoroso y definiéndose llanamente a ellos mismos y lo que quieren con sus propias palabras. De esta forma, y mediante el empleo del texto, la música y de la danza, Nao d amores ha puesto en pie una fiesta para los sentidos que reivindica con pasión lo popular, situando en el centro el tema del amor que, a pesar de los obstáculos, se eleva siempre victorioso

Helena Pimenta Directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico

NAO D’AMORES

En el año 2001 nacía Nao d amores, colectivo de profesionales procedentes del teatro clásico, los títeres y la música antigua, que bajo la dirección de Ana Zamora, desarrolla una labor de investigación, formación y creación en torno al teatro medieval y renacentista.

En el año 2008, a través de un convenio con el Excmo. Ayuntamiento de Segovia, Nao d amores iniciaba una nueva etapa como Compañía Residente en la Casa del Arco de San Andrés, una torre adosada a una de las puertas de la muralla, espacio en el que actualmente desarrolla sus actividades.

Ese mismo año, Ana Zamora y Nao d amores eran galardonados con el Premio Ojo Crítico de RNE por su “imprescindible viaje a los orígenes de nuestro teatro, guiados por una mirada respetuosa a la vez que imaginativa; culta al tiempo que popular”.

En estos diez años de travesía han profundizado sobre diversos núcleos temáticos que abarcan el período

comprendido entre el siglo XII y el XVI, una labor que ha desembocado en la presentación seis espectáculos profesionales, que a día de hoy, son todo un referente sobre cómo abordar nuestro teatro primitivo: Comedia llamada Metamorfosea, de Romero de Cepeda (2001); Autos de la Sibila Casandra (2003) y de los Cuatro Tiempos (2004) ambos de Gil Vicente; Misterio del Cristo de los Gascones (2007) a partir de textos del siglo XV; Auto de los Reyes Magos (2008) en coproducción con el Teatro de La Abadía, y Dança da Morte / Dança de la Muerte (2010) en coproducción con el Teatro da Cornucópia, de Lisboa.

Como equipo estable de reconocida trayectoria en la puesta en escena de nuestro teatro primitivo, los componentes de Nao d amores, han colaborado artísticamente con laCompañía Nacional de Teatro Clásico en los espectáculos Viaje del Parnaso (2005) de Miguel de Cervantes, bajo la dirección de Eduardo Vasco y Tragicomedia de Don Duardos (2006) de Gil Vicente, bajo la dirección de Ana Zamora.

FARSAS Y ÉGLOGAS Autor:Lucas Fernández !Dramaturgia y Dirección Ana Zamora !Intérpretes Sergio AdilloEva JornetJosé Vicente Ramos Elena RayosMaría Alejandra Saturno Juan Pedro Schwartz Alejandro Sigüenza Isabel Zamora !Arreglos y Dirección Musical: Alicia Lázaro Coreografía Javier García Ávila Asesor de Verso Vicente Fuentes Escenografía David Faraco Vestuario Deborah Macías Iluminación Miguel A. Camacho y Pedro Yagüe !Duración: 75 !Producción Nao d amores Germán H. Solís.

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CIA. PEP BOU CLINC! domingo, 23 de noviembre de 2014 12,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 7 €, Reducida, 6 €.

!Clinc! es un gesto, un movimiento, una actitud que hace que todos nosotros seamos conscientes de la belleza de todo lo que nos rodea.

Una señal que nos recuerda que siempre podemos hacer que nuestro entorno sea mejor.

Una invitación a catar, probar y experimentar con la realidad más cotidiana.

Un canto a la imaginación donde el espectador es invitado a traspasar los límites de la imaginación en la búsqueda de sus sueños.

Un espectáculo pensado para estimular la imaginación, las ganas de jugar y rehuir los miedos

que viven en nuestro interior.

Un montaje único creado mediante un lenguaje singular pensado para un público universal con ganas de ser sorprendido y de descubrir las virtudes que esconde en su interior.

Clinc! Es un espectáculo creado y dirigido por Pep Bou. Nace fruto de los años de experimentación con el lenguaje de las pompas de jabón y otras estructuras tensoactivas. Este montaje está protagonizado por dos de los talentos emergentes de la compañía (Isaías Antolín y Eduardo Telletxea).

El montaje es un paso más en el lenguaje propio de la factoría Bou, incorporando nuevos personajes y

dotándolo de una acentuada tonalidad cómica que conforma un tipo de espectáculo innovador donde las escenas de teatro visual no son las únicas protagonistas de la obra.

Clinc! narra las peripecias de dos personajes que se encuentran en un mundo ignoto donde todo les es desconocido. Mediante la experimentación inician un proceso hacia el conocimiento exterior e interior que no culminará hasta que hagan “Clinc!”.

Clinc! simboliza el cambio de actitud que tienen las personas cuando dejan de ver la vida de forma pesimista; cuando deciden contemplar la belleza de su entorno y comenzar a

cooperar en lugar de vivir de forma aislada. Se trata de un gesto o un símbolo en el que los personajes protagonistas de la obra cambian de actitud y en lugar de vivir con miedo a aquello desconocido disfrutan de su desconocimiento.

Este cambio de actitud se alcanza mediante la manipulación de los elementos cotidianos de esta realidad ignota: el uso del agua, el jabón, los tubos, círculos, máquinas de vapor de humo, etc... Mediante esta manipulación nuestros protagonistas conseguirán contemplar la belleza de aquello que los rodea, ser conscientes de su capacidad para transformar la realidad y de los beneficios de la

Poesía como espectáculo

PEP BOU es un mimo excelente que tiene los brazos lo bastante largos como para alcanzar el azul de la lejanía. Ha triunfado con las burbujas, flores del aire, olas imposibles para el agua misma. Esta poética de las pompas de jabón, equivalente a las palabras, es obra de su ingenio. ¿Dónde diablos podemos inscribir este espectáculo insólito? No se trata tanto de la magia operativa como de poetizar la efectividad del juego de las burbujas. El espacio escénico respira y tiene el nervio de la pureza.

La estrella de este número es un gran pez, hijo del viento, que huye de la rutina del teatro. La nieve en un ventanal no remataría mejor la comedia. De todos modos, los clavos y la dentadura de la prosa no tienen aquí nada que hacer. Las burbujas, ejército de la luz, flotan en el vacío, que es la mejor manera de afirmar un pacto, y nos recuerdan que también nosotros nacemos y morimos y somos anillas de una raíz que no requiere médicos. Porque

efímero significa que dura poco, y la humanidad no es sino una constelación de efímeras estrellas.

Joan Brossa

(Traducción del catalán de Pere Gimferrer)

!(…) haciendo gala de una maestría difícilmente imitable, Pep Bou es capaz de jugar con materiales delicados difíciles de dominar para crear un universo onírico de formas estrambóticas y colores brillantes. Su pericia logra así crear una coreografía que recrea imágenes, sensaciones y sentimientos. Todo un logro si se tiene en cuenta que sus materias primas son agua, jabón, aire y luz, además de la música.

Millones de espectadores de todo el planeta se han quedado boquiabiertos con este ‘domador’ de pompas de jabón, que hace que los asistentes entren de lleno en un mundo de ilusión creado de forma magistral por el denominado Buster Keaton de lo biodegradable.

Artez -Marzo 2010

Creación y dirección: Pep Bou Interpretación: Isaías Antolín, Eduardo Telletxea, (Agustí Sanllehí) Movimiento: Marta Carrasco Escenografia: Castells Planas de Cardedeu Diseño y confección de vestuario: Rui Alves Iluminación: Pep Bou y Jep Vergés Construcción elementos escenográficos: Pascualin, S.L Técnico luces y sonido: Jep Vergés Música: Ferran Martínez Palou Montaje de sonido: Mon Feijóo Audiovisuales: Elsabeth Fotografia: David Ruano Producción ejecutiva: Pepa Arnal Administración: Marta Corbera Parcer: Lau Delgado Producción: Companyia Pep Bou Duración: 65 minutos

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CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL SANDRATORAL PRODUCCIONES AMANTES viernes, 28 de noviembre de 2014 21,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 15 €, Reducida, 10 €.

!“Amantes”, obra teatral, llega desde “Amantes”, película, dentro de la corriente actual que establece una nueva relación entre el cine y el teatro. Desde la invención del cinematógrafo, la literatura dramática ha surtido de personajes, temas y argumentos al joven arte, al que pronto se le adjudicó el número 7. Comedias y tragedias han inundado las pantallas, en un trasvase siempre algo problemático, pues que un film resultara “teatral” solía ir en detrimento de su pureza cinematográfica. En los últimos años, se ha producido un movimiento inverso, es el teatro quien acude al cine, y el espectador no reprocha,

sino que más bien agradece, que la historia que transcurre en el escenario tenga el dinamismo y la claridad expositiva que cabe exigir a las buenas películas. La película “Amantes” se prestaba especialmente a ser sometida a la “metamorfosis” teatral, por su peculiar estilo trágico, concentrado en un clásico trío, el microcosmos donde anidan, se enconan y resuelven los mil matices de la pasión amorosa.

Vicente Aranda, en el esplendor de su madurez como creador, ha recorrido, a través de una filmografía tan coherente como variada, una amplia gama

de asuntos, desde la indagación en los secretos del subconsciente hasta la crítica del entorno social y político que le ha tocado vivir. Un rasgo constante de su estilo ha sido el análisis de la psicología del deseo, presente siempre, tanto en sus títulos intimistas como en sus frescos históricos.

“Amantes” alcanza un punto álgido, donde Eros y Tanatos se enfrentan y dialogan, observados con la urgencia de un “thriller” sentimental y la serena solemnidad de una mirada religiosa. El erotismo recupera su dimensión sagrada, vivido con intensidad y confusión por

unas criaturas de la España de anteayer, y de siempre.

Algún crítico ha señalado que “Amantes” inicia una trilogía sobre la pasión amorosa, realizada con guiones de Álvaro del Amo, cuyos siguientes títulos serían “Intruso” y “Celos”. En “Amantes”, pieza teatral, vuelven a encontrarse Aranda y Del Amo, para contar la misma historia en una obra diferente. Trini, Luisa y Paco regresan y, desde otro ámbito, viven ante nosotros el desgarro de sus sentimientos, la contradicción de sus impulsos y el enigma de su triple, e irresoluble, destino compartido.

LA CRÍTICA HA DICHO

Uno de los puntos fuertes de esta adaptación es la consecución de las hermosas imágenes, casi fotografías, con las que del Amo deleita al público. Podría decirse que en este aspecto, la obra es muy cinematográfica, aunque siempre desde una perspectiva teatral, es decir, sin dejar atrás lo vivo del teatro, la respiración.

Destaca también la escenografía a cargo de Paco Azorín, quien ha creado un espacio atípico que recrea varias estancias en las que conviven los personajes. Un escenario sobrio y frío de madera en el que llama la atención su inclinación, quizá una suerte de precipicio por el que estos tres amantes están condenados a caer, una vertiginosa pendiente que irremediablemente les empuja hacia un desolador vacío.

“Amantes” logra ser una adaptación más que aceptable que consigue enganchar al público incorporando una mayor dosis de conceptualidad, bastante menos carga sexual y violencia que en la película.

MILICIANO (mibutaquita.com)

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!Creo que el gran hallazgo del montaje teatral de Amantes es la propuesta de dirección de Álvaro del Amo. Ha huido de reproducir las escenas de la película en un escenario y ha buscado un tratamiento teatral a ese triángulo amoroso que se mezcla y confunde durante la narración.

ADOLFO SIMÓN (Que revienten los artistas)

!Un montaje de sensaciones, de atmósfera casi irreal pero creíble, de elegantes y bellos cuadros que exploran la psicología del deseo. Del Amo ha conseguido muy hábilmente con este Amantes un espectáculo netamente teatral (a la vez que muy cinematográfico). Un más que interesante trasvase artístico que consigue introducirnos en este onírico, erótico y doloroso trío y logra algo tan complicado como hacernos olvidar (o muy cerca está de ello) el film original.

(notodo.com)

AMANTES Autor: Vicente Aranda !Dirección y Dramaturgia: Álvaro Del Amo !Reparto: Marta Belaustegui Marc Clotet Natalia Sánchez !Ayudante De Dirección César Barló !Escenografía Paco Azorín !Vestuario Juan Sebastián !Iluminación Nicolás Fischtel !!Agradecimientos Mario Gas (Por Su “Amante” Idea), Alberto Bongiorno, Carlos Gallego, Ángela Olmos...

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VOADORA TOKIO3 viernes, 12 de diciembre de 2014 21,00 h Huesca Palacio de Congresos Entradas: General 15 €, Reducida, 10 €

Voadora nace en 2007 integrada por el actor-músico Hugo Torres, el productor-realizador-músico José Díaz y la directora-actriz-artista plástico Marta Pazos. Voadora es una estructura con sede en Santiago de Compostela pero su espíritu nómada y su ansia de colaboración con otros artistas le ha llevado a desarrollar siempre sus proyectos y residencias artísticas entre Portugal y España.

Sus trabajos de investigación en creación contemporánea se caracterizan por un importante componente musical, estético, sorpresivo y evocador. A partir de la música en vivo, la imaginación, la ironía y el movimiento, Voadora

construye un lenguaje muy personal que huye de lo argumental para mostrarnos que existe una trama de las sensaciones, de los espacios, de las emociones.

Voadora recibe en 2013 el Premio de la Crítica de Galicia en la modalidad de Artes Escénicas y Audiovisuales. El jurado decide otorgar el premio por unanimidad destacando su lenguaje basado en la musicalidad, el trabajo realizado por la búsqueda de nuevos públicos, por las nuevas formas de producción y por la capacidad de unir diferentes sistemas culturales tendiendo puentes. Pero también por la capacidad de asumir riesgos y además por ser simpáticos.

La ciudad de Tokio creció hasta que quedó atrapada entre el mar y la montaña. Comenzó entonces a expandirse hacia arriba. Pero llegó un tiempo en el que los rascacielos también agotaron la ciudad vertical. Tokio continuó creciendo, esta vez hacia abajo. Esta nueva ciudad interior se llama Tokio3. Allí, en un teatro que tiene el poder de suspender el tiempo, de retirar al público del espacio cotidiano y hacerlo isla, conviven seis actores que nos sorprenden con una versión muy particular de la Divina Comedia de Dante Alighieri.

Tokio3 habla de reinventarse, de nuestros sueños, del amor y de la esperanza. Con este espectáculo, después de

“Periferia” y “Super8”, Voadora cierra su trilogía “Lugares Comunes”

Finalista Premio Max 2013 Mejor Espectáculo Revelación

3º Premio Certamen Nacional para Directoras de Escena

Premio XVII María Casares Mejor Dirección -Marta Pazos

Premio XVII María Casares Mejor Música original- Jose Díaz y Hugo Torres

Premio XVII María Casares Mejor Escenografía- Marta Pazos

Premio XVII María Casares Mejor Iluminación- Baltasar Patiño

Premio XVII María Casares Mejor Vestuario- Uxía P. Vaello

LA CRÍTICA HA DICHO

“Los Voadora proponen una nueva manera de entender las artes escénicas, más allá del sujeto y del predicado, con un resultado fascinante que cautiva al espectador. Hilarante”

Albert Cornellá. Diari de Girona.

” Siempre consiguen sorprendernos y levantar nuestros cuerpos, y nuestros corazones de las butacas. Viendo un espectáculo de Voadora sentimos que no estamos sentados, que de algún modo estamos de pie”

Lupe Gómez.Galicia Hoxe

“Voadora es una de esas compañías que aborda con inteligencia la vocación de contemporaneidad y experimentación teatral”

Inma López Silva.Tempos Novos

“Voadora es polifacética, irreverente y, sobre todo, muy lúdica. Eso, que la gozan. Y eso es lo mejor que le puede pasar a una compañía de teatro y a su público. Y lo hacen con inteligencia e ironía ante todo”

Lara Rozados. Praza Pública

O teatro como Paraíso Portátil.

Luxo, calma e voluptuosidade. Desbocado cóctel hormonal, vita nuova, dolce vita, perpetuum móbile e portátil. Unha sorte de paradise in progress, de caos calmo. Il Dan te travestido de funeral mariachi. Un zoo humano do animalario máis inquietante.

Esgrima kabuki de samurais. Os soños de Kurosawa e os pesadelos de Lynch. A metamorfose mínimal dun certo imaxinario felliniano. A lánguida morbideza... Pisadas na area dun paraíso imperdible que latexa baixo a pel, que danza, que canta, que berra e respira desde unha illa imposible como balea quimérica, cotiá e posible. Benvidos a Tokio 3. 

Pilar Comesaña. Revista Paraíso. 

Dirección y dramaturgia Marta Pazos Textos: Voadora Intérpretes Jose Díaz, Borja Fernández, Uxía P. Vaello, Marta Pazos, Hugo Torres Sergio Zearreta Música original Jose Díaz y Hugo Torres. Escenografía: Marta Pazos Iluminación: Baltasar Patiño Sonoplastia David Rodríguez Vestuario y Coreografías Uxía P. Vaello Ayudante de dirección Cátia Lopes. Apoyo dramaturgia Anabell Gago, Marina Wainer y Gena Baamonde. !Duración 90’ Producción :Jose Díaz Coproduce: Uxía P. Vaello. !!Con la ayuda de: AGADIC. Colaboran Concello de A Estrada, CDG y ACERT

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