INSTITUTO UNIVERSITARIO DE TECNOLOGIA INDUSTRIAL

“RODOLFO LOERO ARISMENDI”

I.U.T.I.R.L.A

EXTENSION CIUDAD GUAYANA

SEDE PUERTO ORDAZ

DISEÑO GRAFICO

CUARTO SEMESTRE - NOCTURNO

EXPRESIONES ARTISTICAS A FINALES DEL SIGLO XIX E INICIOS

DEL SIGLO XX

Bachilleres:

Aronico Vanessa C.I. 20.807.667

Puerto Ordaz, Noviembre del 2012

INDICE

Introducción 3

Movimientos artísticos del siglo XIX 4

Movimientos artísticos presentes en el siglo XIX 8

Siglo XX: Escuela de Chicago 15

El pre-modernismo. Inicios y evolución del Modernismo. 18

El Arte Moderno 21

Conclusión 23

Referencias 24

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INTRODUCCION

El surgimiento y desarrollo de los movimientos artísticos, se encuentra en

constante evolución desde el siglo XIX, la pintura ha tenido significativas técnicas

buscando nuevas formas más elaboradas, entre ellas tenemos el impresionismo,

postimpresionismo, modernismo, realismo y romanticismo.

En cuanto a nuestros movimientos artísticos contemporáneos del siglo XIX, se

pueden observar la influencia de diversas destrezas artísticas ellas son, fauvismo,

expresionismo, expresionismo abstracto, cubismo, futurismo, dadaísmo,

surrealismo y abstracción geométrica.

Las artes tienen diferentes carácter el más predominante es el religioso, por las

grandes pinturas que poseen las iglesias católicas dominantes en Europa, donde el

perfeccionamiento hace surgir nuevas formas más complejas.

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Movimientos artísticos del siglo XIX

El siglo XIX fue una época de profundas transformaciones políticas, sociales,

económicas y culturales. En Inglaterra a mediados de siglo XVIII, Revolución

Industrial, que modificó no sólo la economía, sino también la demografía, las

relaciones sociales y los hábitos y costumbres de toda una sociedad.

Desde el siglo XVIII, en la mayoría de los países europeos gobernaban

monarquías absolutistas, que se vieron sustituidas en el siglo XIX por otras formas

de gobierno en las que no sólo los monarcas, sino también la sociedad, tuviera

derecho particular en la toma de decisiones políticas. Inglaterra fue el primer

Estado que permitió a la burguesía intervenir en la política. Los principios

ideológicos y filosóficos de la Ilustración se intentaron aplicar por primera vez en

las colonias inglesas de Norteamérica y en Francia.

En cuanto a las artes plásticas, el historicismo marca a la nueva arquitectura,

que se deja influir por la añoranza al pasado, que encuentra su originalidad en el

estudio del pasado origen. Concentraba todos sus esfuerzos en recuperar la

arquitectura de tiempos pasados. Al neoclasicismo del pasado siglo le continuó el

neogótico, asociada a los ideales románticos nacionalistas. La arquitectura

ecléctica, en hace evolucionar a la historicista, combinando variedad de estilos

arquitectónicos en una nueva estructura.

El movimiento Arts & Crafts contempló la idea de aprovechar el desarrollo

industrial y tecnológico, viendo en el artesano una figura destacable. Con la

disolución de sus ideales y la dispersión de sus defensores, las ideas del

movimiento evolucionaron, en el contexto francés, hacia la estética del Art

Nouveau, considerado el último estilo del siglo XIX y el primero del siglo XX.

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El romanticismo del siglo XIX fue la antítesis del neoclasicismo. La moderación,

el racionalismo, la pública inmoralidad serán tajantemente reemplazados por el

exceso, el sentimentalismo, la búsqueda de crear una moralidad cada vez más

inalcanzable. Los ideales cimentados por Rousseau, el precursor ideológico del

romanticismo, culminarán en la Revolución francesa, que sería el punto de partida

para la creación de una nueva época. La revolución será constantemente evocada

a lo largo del siglo, junto con ideales como la libertad, la independencia y el

nacionalismo, en ese entonces perteneciente a la izquierda política. Los pilares son

el individualismo burgués, que quedaría plasmado en el subjetivismo literario; la

evasión de la realidad, en pro de la creación de una nueva sociedad mejorada; la

exaltación de la naturaleza, en la cual suponían que el Hombre estuvo exento de

dramas y dificultades.

Hacia el post-romanticismo se gestaría la idea de que la belleza del arte se

encuentra en el arte mismo: El arte por el arte. Varias corrientes se consideran

postrománticas: El parnasianismo, se caracterizaría por su ruptura con el

subjetivismo y con el exceso de sentimentalismo; el simbolismo según definió el

propio Jean Moréas es "Enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa

sensibilidad, la descripción objetiva", se encuentra impregnada de intenciones

metafísicas, misterio y misticismo; el decadentismo surge por el acto de potenciar a

Baudelaire, que buscaba la belleza en lo repugnante, busca revelarse contra la

falsa moralidad burguesa.

Otra alternativa al romanticismo fue el realismo, inspirado en los efectos

sociales del nuevo capitalismo. Es habitual el uso de la sátira, la denuncia, las

temáticas de enfermedad, suciedad, locura, pobreza, vicios y prostitución. El

realismo se potenciaría en el naturalismo, más influenciado por el materialismo, el

positivismo o el determinismo.

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La pintura del siglo XIX no estuvo exonerada del quiebre histórico con su

historia. Tampoco lo estuvo de la multitud de corrientes de filosofía del arte.

También se dejó influenciar por el fenómeno político francés, la ruptura con el

tradicional artista que muestra lo que la monarquía y su aristocracia pretenden. El

mundo no está en orden, y eso pretende mostrar el nuevo arte, al mismo tiempo

que propone un nuevo orden: El Romanticismo. Allí donde el neoclasicismo

propone una belleza ideal, el racionalismo, la virtud, la línea, el culto a la

Antigüedad clásica y al Mediterráneo, el romanticismo se opone y promueve el

corazón, la pasión, lo irracional, lo imaginario, el desorden, la exaltación, el color, la

pincelada y el culto a la Edad Media y a las mitologías de Europa del norte.

Hacia mediados de siglo hay una vuelta, en cierta forma, al racionalismo como

fuente de inspiración. El notorio desarrollo industrial provocado por la Revolución

industrial, sus «efectos secundarios» y la frustración con los estímulos

revolucionarios de 1848 llevan al artista a olvidarse del tema político y a centrarse

en el tema social. El manifiesto realista comprende que la única fuente de

inspiración en el arte es la realidad, no existe ningún tipo de belleza preconcebida

más allá de la que suministra la realidad, y el artista lo que debe hacer es

reproducir esta realidad sin embellecerla.

Los pintores paisajistas ingleses del romanticismo afianzarían las bases sobre

las que más adelante trabajarían los impresionistas. De Turner los impresionistas

tomarían su gusto por la fugacidad, sus superficies borrosas y vaporosas, el

difuminado y la mezcla de colores intensos; pero desecharían el componente

sublime, propio de la pintura romántica.

Hacia finales de siglo y comienzo del siglo XX se podía ver una gran variedad

de vanguardias. El punto máximo del individualismo implicaba que cada artista

debía promover su propia vanguardia, que afirmaba, de carácter universal y

verdadero. El postimpresionismo, el puntillismo, el simbolismo pictórico, el

expresionismo, el cubismo, el fauvismo, el surrealismo, el futurismo darían cuenta

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de una sociedad que vive en la revolución por la revolución, la vanguardia por la

vanguardia, la universalidad por la universalidad. Una sociedad donde los plazos

son cada vez más pequeños, el ritmo cada vez más rápido.

Aunque rompió con la moderación armónica, el Romanticismo no

necesariamente funcionó como antítesis del clasicismo. Beethoven (1770-1827),

que significó un nexo entre ambos estilos, desarrolló principios heredados de

Haydn en término de contraste, al mismo tiempo que extendió temporalmente la

forma sonata. Se retomó la tonalidad cromática ampliándola y llegando al extremo,

en el Post-romanticismo, de suspenderla o creando tonalidad errante generalizada.

También fue ampliado el tamaño de la orquesta llegando a extremos utópicos

como el de Berlioz. En este siglo se gestaría el culto al pasado, particularmente a

Bach y el barroco, por lo que se daría inicio a la interpretación como nueva rama.

Hacia mediados de siglo también sería importante el papel del nacionalismo como

búsqueda estética.

Hacia fin de siglo se gestaría el impresionismo, que buscaría su expresión en la

ruptura con la tonalidad, buscando en la modalidad como forma búsqueda

arcaizante. También se inspiraría en músicas "exóticas", particularmente en la

música de gamelán. Rompería con el contraste en favor de la homogeneidad

incluso hasta llegar al concepto de música funcional, como es el caso de la pieza

experimental de Erik Costome "Musique d'ameublement".

Mientras que el modalismo y escalismo del Impresionismo influenciarían más

tarde a los compositores modernistas, el interés por la música con mínimos

contrastes influenciaría al Minimalismo. El cromatismo postromántico, por el

contrario, ejercería más influencia en el Expresionismo, que desarrollaría el

atonalismo Libre y posteriormente el Dodecafonismo.

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Movimientos artísticos presentes en el siglo XIX

Impresionismo

Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como música y

literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura

impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la

segunda mitad del siglo XIX en Europa –principalmente en Francia- caracterizado,

a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la "impresión" visual) y el

instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus

antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento

de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue

bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al

cuadro de Monet "Impresión: sol naciente". Siendo diametralmente opuesto a la

pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior,

especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.

Si hay un autor clave entre los precursores del movimiento impresionista, éste

es Édouard Manet. Dos trabajos son esenciales en la comprensión de su influencia

sobre el grupo.

Postimpresionismo

Este término se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios

del XX - tras el impresionismo. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry en

1910, con motivo de la exposición celebrada en Londres de pinturas de Paul

Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Este término era sólo una extensión

del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los post-impresionistas

continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura,

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pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción

y expresión a su pintura.

Aunque los post-impresionistas basaron su obra en el uso del color

experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar

fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. Seurat,

denominado neo-impresionista por sus criterios más próximos al impresionismo,

inventó una técnica denominada puntillismo, cuyo ejemplo más destacado es el

cuadro Un domingo de verano en la Grande Jatte (1884-1886, Instituto de Arte de

Chicago).

La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo

del color y una mayor libertad formal. Cézanne se interesó por resaltar las

cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes,

volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos y rocas (1895-1898,

Museo de Arte Moderno, Nueva York). Su interés por las formas geométricas y la

luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los

experimentos del cubismo.

Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte

popular, se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas,

como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889, Palacio de Bellas Artes,

Bruselas).

Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas

coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación

subjetiva, ejemplificada en Noche estrellada (1889, Museo de Arte Moderno de

Nueva York), preludió el expresionismo. Henri de Toulouse-Lautrec estuvo

fuertemente influido por las composiciones lineales de los grabados japoneses, y

su obra se caracterizó por los intensos grabados de contorno y los colores planos.

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Otros movimientos artísticos posteriores, como el cubismo, el expresionismo, el

fauvismo, el surrealismo y el futurismo, presentaron algunas de las características

de la pintura impresionista: la libertad expresiva del artista y el énfasis en el

concepto abstracto del arte.

Naturalismo

El naturalismo es un estilo artístico, sobre todo literario, basado en una

objetividad sexual y documental en todos sus aspectos, tanto en los más sublimes

como los más vulgares. Su máximo representante, teorizador e impulsor fue el

periodista Émile Zola que expuso esta teoría en el prólogo a su novela Thérèse

Raquin y sobre todo en Le roman expérimental (1880). Desde Francia, el

Naturalismo se extendió a toda Europa en el curso de los veinte años siguientes

adaptándose a las distintas literaturas nacionales. El naturalismo presenta al ser

humano sin albedrío, determinado por la herencia genética y el medio en que vive.

Se considera que el Naturalismo es una evolución del Realismo. De hecho, la

mayoría de los autores realistas evolucionó hacia esta corriente materialista, si bien

otros orientaron su descripción de la realidad hacia el interior del personaje

llegando a la novela psicológica.

El Naturalismo, al igual que el Realismo, refuta el Romanticismo rechazando la

evasión y volviendo la mirada a la realidad más cercana, material y cotidiana, pero,

lejos de conformarse con la descripción de la mesocracia burguesa y su

mentalidad individualista y materialista, extiende su mirada a las clases más

desfavorecidas de la sociedad y pretende explicar los males de la sociedad de

forma determinista. El Naturalismo tenía como objetivo explicar los

comportamientos del ser humano. El novelista del Naturalismo pretende interpretar

la vida mediante la descripción del entorno social y descubrir las leyes que rigen

la conducta humana. El Naturalismo surge en París; Zola fue el iniciador del

movimiento Naturalista, al decidir romper con el romanticismo, crea este

movimiento literario; siendo considerado el maestro de este movimiento junto con

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Gustave Flaubert. En sus obras más importantes describirían de manera cruda y

realista el contexto social de París, el lugar de inicio del movimiento.

Primitivismo

El primitivismo se expresa a través de la sensibilidad del artista y del lenguaje

de la pintura. El movimiento intenta condensar las pulsiones del espíritu que llevan

a crear y las manifestaciones más libres de la imaginación. El camino de la

autenticidad artística se buscará en el arte africano o en las manifestaciones de

culturas remotas y en el arte popular. Los agentes que sirven como punto de

referencia son aquellos no traspasados por la historia del Occidente, los pueblos

ágrafos no europeos, los niños y a menudo los locos. Porque ellos pintan, dibujan o

esculpen atendiendo a una necesidad básica, lejos de consideraciones, discursos y

retóricas históricas. Se busca, pues, la autenticidad y la sinceridad del mensaje

artístico. “Picasso y otros muchos se servirán de lo primitivo, de aquellas obras de

arte nacidas de la espontaneidad como fin para el lenguaje artístico.

La expresividad de las máscaras africanas, por ejemplo, hace que no sean sólo

esculturas, sino que tras ellas exista todo un universo mítico, todo un universo de

pulsiones, pasiones, miedos y diversiones, de formas-fetiche cuya finalidad es

mágica. El arte negro se concibe, por norma general, como exorcizador de los

espíritus que pueden ensañarse con el hombre. Se utilizan contra fetiches ante

aquellas fuerzas desconocidas y no aprehensibles que pueden amenazar la

existencia del hombre. Por ello, estas figuras deben servir de constante antídoto y

freno, y no representan a nadie ni nada concreto, sino que su poder es más bien

sugestivo y catalizador. La presencia de estas figuras armoniza la materia con la

que están hechas, su forma y su significado. En sí condensan numerosas

naturalezas, la mítica, la material y la espiritual. En la convicción e integridad

espiritual del arte africano, Picasso y sus correligionarios no sólo reconocen una

alternativa a la fragmentación y al vacío interior del arte europeo del siglo XIX, sino

también un valor artístico al que atribuyen un significado universal. El carácter

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primigenio e indivisible del mensaje artístico se convierte en la escala vinculante y

en el ideal conductor de la modernidad”.

Realismo

El Realismo fue un movimiento artístico y literario cuyo propósito fundamental

consistió en la representación objetiva de la realidad, basándose en la observación

de los aspectos cotidianos que brindaba la vida que para ese momento estaba en

esa época.

Esa exigencia de contemporaneidad, ajena a evocaciones o fantasías de corte

romántico, posibilitaron a los artistas realistas un amplio campo de representación,

tanto en la temática como en su intencionalidad. Precedido por el Romanticismo y

seguido por el Simbolismo y por el Impresionismo, el Realismo no se reveló en

Europa con igual intensidad ni tampoco de modo simultáneo. Su apogeo puede

situarse entre 1840 y 1880, sin perjuicio de que en algunos países su práctica se

prolongara durante el primer cuarto del siglo XX.

La aparición y desarrollo del Realismo fue fruto de la agitada situación política

que protagonizó Francia a raíz del derrocamiento de la monarquía burguesa de

Luis Felipe y de la proclamación de la II República en 1848 y, veinte años más

tarde, en 1871, tras el advenimiento de la Comuna, de la proclamación de la III

República. Es a lo largo de esos años cuando surgen los movimientos obreros y

proletarios que, avalados por las teorías de Marx y Engels, se inspiran en nuevos

sentimientos sociales y en nuevas ideas políticas, cuya influencia también se

dejaría sentir en el mundo artístico.

El Realismo comenzaría, efectivamente, como un movimiento del proletariado

artístico. La representación del pueblo sin idealismos, es decir, tal como era

objetivamente, encerraba un cierto mensaje sociopolítico. Así lo ratificó Courbet,

uno de los padres del Realismo, cuando en 1851 expresara sin ambages que "yo

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no soy sólo socialista, sino también demócrata y republicano partidario de la

Revolución; en una palabra y sobre todo, un realista, es decir, un amigo sincero de

la auténtica verdad".

Esa veracidad del Realismo fue entonces duramente criticada, acusándole de

recrearse en lo feo y en lo vulgar, en lo morboso e, incluso, en lo obsceno. Se

quiso ver, ante todo y sobre todo, que la representación de, por ejemplo,

campesinos, o sea, de trabajadores vulgares, comportaba una protesta y, en

definitiva, un ataque a la sociedad existente.

En ese compromiso con lo social, el Realismo dio paso a temas que hasta

entonces se habían ignorado, elevando a la categoría de protagonistas de sus

obras a tipos humanos que nunca tuvieron el honor de ser representados.

Campesinos, picapedreros, ferroviarios, lavanderas, mineros, etc., fueron fuente de

inspiración para los creadores realistas. Unos protagonistas que figuraban tanto en

los lienzos como en los relatos literarios y cuyo concurso se revelaban no como un

simple complemento pintoresco, sino que también se hacían como especies de

figuras centrales.

La contemporaneidad fue uno de los elementos esenciales del Realismo. Sus

defensores sostenían que el único tema válido para el artista del momento era el

mundo coetáneo. El propio Courbet manifestaría que "cada época debe tener sus

artistas que la expresen y reproduzcan para el futuro".

No extraña, pues, que el desarrollo del Realismo estuviera vinculado a la serie

de avances tecnológicos surgidos en el marco de la entonces incipiente revolución

industrial. Recuérdese que, en 1830, se inauguraría el primer tren de viajeros,

recorriendo el trayecto Liverpool-Manchester a la velocidad de 22 km/h; que, diez

años más tarde, París se convertiría en el nudo de una importante red ferroviaria;

que, al mismo tiempo, la invención de la hélice y de los navíos de construcción

metálica intensificarían la creación de líneas transatlánticas, y que, entre 1835 y

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1855, tendría lugar la aparición y auge progresivo del telégrafo, el teléfono y el

sello de correos, así como del periodismo ilustrado.

Romanticismo

El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en el Reino

Unido y Alemania a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra

el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, dándole importancia al

sentimiento. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición

neoclasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica

es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es

incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir

la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de manera distinta y

particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se

desarrollan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes.

Arquitectura

Todo el siglo XIX asistirá a una serie de crisis estéticas que se traducen en los

movimientos llamados historicistas: bien por el hecho de que las innovaciones

tecnológicas no encuentren en aquella contemporaneidad una manifestación

formal adecuada, bien por diversas razones culturales y contextos específicos, los

arquitectos del periodo veían en la copia de la arquitectura del pasado y en el

estudio de sus cánones y tratados un lenguaje estético legítimo.

El primero de estos movimientos fue el ya citado Neoclásico, pero también va a

manifestarse en la arquitectura neogótica inglesa, profundamente asociada a los

ideales románticos nacionalistas. Los esfuerzos historicistas que tuvieron lugar

principalmente en Alemania, Francia e Inglaterra por razones ideológicas, vendrían

más tarde a transformarse en un mero conjunto de repertorios formales y

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tipológicos diversos, que evolucionarían hacia el Eclecticismo, considerado por

muchos como el más decadente y formalista de entre todos los estilos historicistas.

La primera tentativa de respuesta a la cuestión tradición x industrialización (o

entre las artes y los oficios) se dio con el pensamiento de los románticos John

Ruskin y William Morris, proponentes de un movimiento estético que fue conocido

justamente con el nombre de Arts & Crafts (cuya traducción literal es "artes y

oficios"). El movimiento propuso la investigación formal aplicada a las nuevas

posibilidades industriales, viendo en el artesano una figura a destacar: para ellos,

el artesano no debería extinguirse a causa de la industria, sino hacerse su agente

transformador, su principal elemento de producción. Con la disolución de sus

ideales y la dispersión de sus defensores, las ideas del movimiento evolucionaron,

en el contexto francés, hacia la estética del Art Nouveau, considerado el último

estilo del siglo XIX y el primero del siglo XX.

Siglo XX: Escuela de Chicago

La escuela de Chicago fue un estilo arquitectónico surgido a finales del siglo

XIX y principios del XX en la ciudad de Chicago. Fue pionero en la introducción de

nuevos materiales y técnicas para la construcción de grandes edificios

comerciales.

Ésta surge en un contexto, en la que la ciudad es más próspera, aumenta

considerablemente el nivel demográfico, lo que supone que el urbanismo

adquiriera una relevancia máxima. Sin embargo, en 1871 un incendio devastó la

ciudad de Chicago. Era la ciudad más dinámica de EEUU y la industria su motor. El

planteamiento de las autoridades fue hacer una “ciudad nueva” que fuese

agradable para los vecinos y un emblema del poderío norteamericano. Así,

aparecerán en los años 80 los primeros rascacielos (de unos 15 pisos) en el

“centro financiero”. Paralelamente al surgimiento de los rascacielos, aparecerán los

primeros ascensores eléctricos. La Escuela de Chicago está integrada por un

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conjunto de arquitectos que proponen soluciones similares entre ellos: estructuras

metálicas revestidas según la función del edificio, ventanas que podían variar de

tamaño cuando se deseara y la eliminación, en muchos casos, de los muros de

carga. Dejan de realizarse edificios con muros únicamente de piedra (y de gran

grosor) y dominarán el panorama las estructuras de hierro recubiertas. Otra

innovación serán las ventanas corridas que ocuparán la mayor parte de las

fachadas de los edificios, esto dará lugar a lo que más adelante se llamará 'muro

cortina'.

Las teorías más novedosas sobre el urbanismo y la sociología urbana se

desarrollarán aquí, en Chicago. En 1893 se celebra la Exposición Universal por lo

que fue un escaparate impresionante, pero las clases dirigentes, inmediatamente,

se pusieron a copiar el modernismo europeo.

El pragmatismo norteamericano está presente en la mente de los arquitectos a

la hora de acometer las necesidades de la nueva urbe. También el sentido de la

“economía” por lo que los nuevos materiales (ignífugos, además), y el enorme

avance técnico de la Revolución Industrial; el acortamiento de los tiempos en la

construcción; y la construcción en vertical para exprimir el precio del suelo, estarán

presentes en el planeamiento y en la construcción. Y como no hay una tradición

artística propia, la ruptura está servida. Después de 1900 será Nueva York el

nuevo centro.

Los principales arquitectos de la “escuela de Chicago” son:

W. LeBaron Jenney (1832-1907) Iniciador de la escuela y primer constructor

de rascacielos. También fue el primero en sustituir los muros exteriores por

estructuras metálicas, con lo que pudo abrir grandes ventanales. Su

preocupación fundamental será la funcionalidad, más que la estética. Sin

embargo intenta equilibrar las líneas horizontales y verticales.

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H.H. Richardson (1838-1886). Es discípulo del francés Labrouste y eso se

nota en que “pesa” el historicismo europeo. También es menos atrevido en

el uso de los nuevos materiales.

Daniel Burnham (1846-1912). Bajo su dirección se construyeron famosos

edificios entre los cuales la Union Station es uno de los más conocidos.

Burham participó en diversos planes urbanísticos en especial el de la ciudad

de Chicago.

Louis Henri Sullivan (1856-1924) bostoniano, formado en arquitectura en el

Instituto Tecnológico de Massachusetts (el MIT). Entre 1874 y 1876 estudia

en la Escuela de Bellas Artes de Paris y de regreso a Chicago es contratado

en el estudio de Dankmar Adler (otro famoso arquitecto de Chicago) con el

que se asociará en 1881 para formar el estudio Adler & Sullivan. Es el que

realizó una obra más intensa y quien más y mejor estudió la forma del

rascacielos inicial: planta baja alta para uso comercial; resto de plantas para

oficinas: predominio de lo horizontal abajo, y lo vertical arriba.

Características de esta arquitectura:

Uso masivo de los nuevos materiales: hormigón armado, hierro, vidrio y

cerámica vidriada en la fachada. La estructura metálica de los edificios

permite levantar pisos de forma modular y repetitiva.

El espacio se subordina a la función y ésa se impone sobre la forma del

edificio por lo que desaparece la decoración.

La construcción en altura, a la que se incorpora el ascensor, la

electricidad y el teléfono.

Las habitaciones se piensan “polivalentes” para que puedan cumplir

diversas y cambiantes funciones.

Arquitectos e ingenieros trabajan de la mano y asociados en equipos de

despacho (estudios) sin ningún problema.

Uso del pilar de hormigón como soporte o cimiento. Será la solución al

desafío de construir sobre un suelo arenoso y fangoso.

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Ventanas extendidas horizontalmente por toda la fachada (con las

dimensiones que se desee, dado que ya no serán necesarios los

llamados muros de carga):

Posible eliminación de los muros de carga (gracias a esta estructura

metálica)

Con respecto al exterior, se suprimen los elementos decorativos (tan

habituales en la arquitectura artística de finales del siglo XIX). Se

apuesta por superficies lisas y acristadas. Predominan las líneas

horizontales y verticales.

Atractivas fachadas de mampostería.

El pre-modernismo. Inicios y evolución del Modernismo.

El pre-modernismo, actualmente llamado “Inicios de la edad Moderna” en esta

los pintores representaban el mundo tal y como se presentaba al ojo humano.

El cambio del arte pre-moderno al de la modernidad, estuvo marcado porque los

rasgos representacionales fueron secundarios en la modernidad, mientras que

habían sido fundamentales en el arte pre-modernista.

Se ha calificado como pre-modernista la decoración mural del castillo francés de

Roquetaillade, restaurado por Eugène Viollet-le-Duc en la década de 1850. Aunque

su propósito era producir una recreación neogótica, lo que se obtuvo fueron unos

frescos con un estilo germinal modernista de movimientos orgánicos, colores y

formas de una gracia innovadora.

A lo largo de la segunda mitad del siglo XIX se fue intensificando la tendencia,

visible en movimientos innovadores británicos como los Arts and Crafts de William

Morris o la Hermandad Prerrafaelita. Los patrones del diseño de la arquitectura

victoriana derivaron hacia formas flotantes libres, especialmente en el hierro forjado

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que se deja a la vista, se exhibe con profusión y se aprovecha más allá de su

función arquitectónica; o en el uso de grandes piezas de cristal de forma irregular

(vitraux). Algo similar ocurría en los diseños textiles florales.

El primer diseño identificado inequívocamente con el nuevo estilo es la cubierta

de un libro de 1883 dedicado a las iglesias de Christopher Wren, del diseñador y

arquitecto Arthur Mackmurdo.

En 1888 Charles R. Ashbee fundó la Guild and School of Handicraft de

Whitechapel en Toynbee Hall (este de Londres), dedicada a la decoración integral

de interiores (forja, joyería, esmalte y mobiliario). Tras cerrar en 1897 la Kelmscott

Press de William Morris, Ashbee aprovechó la experiencia de muchos de sus

trabajadores para ampliar su actividad al sector de la imprenta (Essex House

Press). La Guild se trasladó en 1902 a Chipping Camden (Gloucestershire), donde

decae hasta su cierre en 1908.

La libertad vindicada en la década de 1890 por los grupos de artistas

denominados «secesión» aparecidos sucesivamente en varias ciudades europeas

(París - el Salon du Champs de Mars de 1890, escindido de la Société des Artistes

Français-, Múnich -la Münchner Secession, escindida de la Münchner

Künstlergenossenschaft, 1892-, Viena -la Wiener Secession escindida de la

Vereinigung Bildender Künstler Österreich en 1897-, Berlín -la Berliner Secession

escindida de la Große Berliner Kunstausstellung, 1898-8 ) dio sustento ideológico y

visibilidad pública al movimiento.

Entre 1892 y 1893 Victor Horta construye la Casa Tassel. Su taller de Bruselas

se convierte en un centro difusor de la nueva estética en arquitectura y diseño.

El 1 de enero de 1895 un cartel publicitario difundido por las calles de París

representó la aceptación popular del art Nouveau en las artes plásticas: era de

Alfons Mucha y representaba a la actriz Sarah Bernhardt en Gismonda.

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En 1896 comenzó a publicarse en Múnich la revista Jugend («juventud»), que

dio nombre al estilo en Alemania (Jugendstil).

En 1897 se inauguró el nuevo edificio de Charles Rennie Mackintosh para la

Glasgow School of Art. Un grupo de artistas de esa ciudad, liderados por

Mackintosh e identificados con el movimiento modernista, se conocerá como

Escuela de Glasgow.

Entre 1897 y 1903 funcionó en Barcelona el local Els Quatre Gats, punto de

encuentro del modernismo catalán (allí expuso por primera vez Picasso, en febrero

y julio de 1900).

La Exposición Universal de París (1900) significó un hito destacado. Fueron

especialmente impactantes las instalaciones coordinadas (en diseño y color) de

obras de arte junto a muebles y tapices, expuestas por iniciativa de la Maison de

l'Art Nouveau («Casa del Arte Nuevo»), una galería de arte abierta cinco años

antes (1895) en París por el marchante alemán Samuel Bing. Al igual que ésta,

otras casas comerciales, como la londinense Liberty & Co. (Arthur Lasenby Liberty)

y la neoyorquina Tiffany's (Louis Comfort Tiffany), se identificaron tan

estrechamente con la nueva estética que sus nombres se utilizaron también como

denominaciones de la misma.

El modernismo alcanzó su apogeo en la Prima Esposizione Internazionale

d'Arte Decorativa Moderna («Primera Exposición Internacional del Arte Decorativo

Moderno») de 1902 en Turín, donde expusieron diseñadores de todos los países

europeos.

Hacia la época de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la naturaleza

altamente decorativa del diseño modernista ya había comenzado a ser

abandonada en favor de trazos más simples y rectilíneos, más en armonía con la

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estética plana y el menor coste de los diseños industriales. Hacia los años veinte

esa tendencia se concretaría en una nueva etiqueta denominativa: el Art Decó.

El arte Moderno

Arte moderno es un término propio de distintos ámbitos del mundo del que

pretende diferenciar una parte de la producción artística, que se identificaría con un

determinado concepto de modernidad por oposición al denominado arte

académico. Este representaría la tradición: mientras que el arte moderno

representaría la experimentación.

Se define por tanto al arte moderno como irracionalismo en su forma más

amplia. No obstante, podemos decir que el irracionalismo es una condición

necesaria del arte, y que está presente en todas las expresiones artísticas de la

humanidad, por lo que no puede considerarse como algo característico peculiar del

arte moderno.

Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro

como arte, “el arte por el arte”, se entiende en qué sentido la definición anterior es

cierta; porque debe verse en el arte moderno el más puro, el más absoluto

irracionalismo estético que ha conocido la humanidad.

Las expresiones "arte moderno" y "arte contemporáneo" se utilizan muy a

menudo de forma totalmente intercambiable, incluso en la bibliografía

especializada y el entorno institucional, mientras que en otras ocasiones, en los

mismos ámbitos, se utilizan en oposición, reservando para el "arte moderno" un

periodo indefinido, que puede ir desde distintos momentos del siglo XIX hasta

distintos momentos del siglo XX.

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El arte moderno, como innovación frente a la tradición artística del arte

occidental, representa una nueva forma de entender la teoría y la función del arte,

en que el valor dominante de las llamadas artes figurativas ya no es la imitación de

la naturaleza o su representación literal. La invención de la fotografía había

convertido esta función artística, hasta entonces esencial, en algo accesorio,

cuando no obsoleto. En su lugar, los artistas comenzaron a experimentar con

nuevos puntos de vista, con nuevas ideas sobre la naturaleza, materiales y

funciones artísticas, llegando incluso a la abstracción. La Revolución Industrial no

sólo trajo las innovaciones técnicas que permitieron la arquitectura del hierro y del

cristal, sino que cambió para siempre las relaciones productivas y sociales, y con

ellas, la posición del artista frente a su cliente.

En su origen, dada su naturaleza reactiva, el arte moderno es un fenómeno

exclusivamente europeo, aunque en algunas ocasiones se planteaba la necesidad

de búsqueda de tradiciones alternativas fuera del arte occidental.

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CONCLUSION

Es muy difícil encontrar algún rasgo definitorio del siglo XIX que se mantenga

en el tiempo hasta la entrada del siglo XX. Si se comparan las formas de vida, la

mentalidad, las ideologías o los medios técnicos de 1800 con los de 1900, las

diferencias son mucho más grandes que las que podrían encontrarse entre los

comienzos y el final de la Edad Media, a pesar de los ocho siglos que abarca este

periodo. De todos modos el fenómeno más transcendental y renovador del siglo

fue la Revolución Industrial.

Del siglo XIX puede decirse que es el siglo de la Revolución Industrial, pero ésta

debe entenderse, simultáneamente, como causa y como efecto de otros muchos

cambios, hasta el punto de que casi nada de lo que inicialmente la impulsó y de lo

que fue impulsado por ella puede reconocerse al final de la centuria. Así pues, el

siglo XIX está mejor definido como un periodo de constantes cambios, que fue

poco a poco perfilando lo que habría de ser el siglo XX.

La historia europea del siglo XIX difiere mucho de unos países a otros, pero en

casi todos ellos se pueden establecer unas líneas de cambio que se manifestaron

con mayor o menor intensidad y que fueron las que habían de perfilar la futura

historia de la Europa del siglo XX y, en gran medida, del mundo actual.

En cierto modo, una de las características definitorias del siglo XIX es,

precisamente, la aparición de factores históricos en constante evolución. Por otro

lado, la mayor parte de esas líneas de cambio se generaron a partir de fuerzas

opuestas, de cuyo enfrentamiento surgió la evolución histórica y artística.

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REFERENCIAS

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Recuperado el 22 de Noviembre del 2012 de:

http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_del_Arte_del_siglo_XIX

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http://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_Arquitectura#Siglo_XIX

Andrea Agulló Gómez. Arte del siglo XIX – Arte Virtual. Recuperado el 22 de

Noviembre del 2012 de: http://www.alu.ua.es/a/aag43/artesiglo.htm

Siglo XIX - Wikipedia, La enciclopedia Libre. Recuperado el 22 de

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http://es.wikipedia.org/wiki/Siglo_XIX#Hacia_la_vanguardia:_el_arte

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Noviembre de 2012 de:

http://es.wikipedia.org/wiki/Modernismo_(arte)

Escuela de Chicago – Arqhys. Recuperado el 23 de Noviembre del 2012 de:

http://www.arqhys.com/arquitectura/chicago-escuela.html

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