Издание подготовлено в рамках проектаФИГУРИНА. Фестиваль современного художественного образования

15 – 23 мая 2015Культурный центр ЗИЛ

Организаторы фестиваля:ГАУК г. Москвы «Культурный центр ЗИЛ»АНО «Мастерская художественного проектирования»

Куратор проекта – Николай Селиванов (Культурный центр ЗИЛ) Куратор программ фестиваля – Татьяна Селиванова (Культурный центр ЗИЛ) Информационный менеджмент проекта – Наталья АвдееваКоординатор проекта в Культурном центре ЗИЛ – Екатерина ЮшкевичСо-куратор экспозиции – Андрей Суздалев (Государственный центр современного искусства)

Подготовка издания:Автор концепции издания, составитель, комментарии – Николай СеливановРедактор – Ольга СтукаловаПереводы: с французского – Маргарита Королева,с английского – Алексей Петухов, Ольга СтукаловаФотосъемка – Виктория МайороваДизайн – АНО «Мастерская художественного проектирования»Элементы оформления – Отдел дизайна Культурного центра ЗИЛ

ISBN 5-902840-03-1

© Культурный центр ЗИЛ, Москва, 2015© Николай Селиванов, концепция проекта ФИГУРИНА, Москва, 2015© Коллектив авторов, тексты, Москва, 2015 © Владельцы прав, изображения в каталоге, Москва, 2015© ФГБНУ «Институт художественного образования и культурологии» Российской академии образования, коллекция детского рисунка, Москва, 2015© АНО «Мастерская художественного проектирования», макет , 2015Все права защищены

ФИГУРИНАФестиваль

современного художественного

образования

15 мая – 23 мая 2015 годаКультурный центр ЗИЛ

Москва 2015

МАСТЕРСКАЯ ХУДОЖЕСТВЕННОГОПРОЕКТИРОВАНИЯ

– оглавление –

ПРЕДЫСТОРИИ / Педагогика

[Николай Селиванов / Про «ars» и «techne» (фрагмент статьи «О Свободных искусствах и школьном тупике»)]

[ Комениус / Мир чувственных вещей в картинках ][ Иоганн Генрих Песталоцци / Наблюдение ]

[ Николай Селиванов / «Дары» Фридриха Фребеля и искусство модернизма ]

[ Селим Хан-Магомедов / ВХУТЕМАС – ВХУТЕИН ][ Джон Дьюи / Метод проектов ]

[ Возрождение / Леонардо да Винчи / Леон Баттиста Альберти ]

[ Российская Академия художеств ][ Наталья Фомина / Второй Всероссийский съезд

художников (1909-1912 гг.) ][1930-е. Репрессивный перелом в художественной

культуре СССР / Наталья Михайлова / Художественные школы как первая ступень профессионального

образования (фрагмент)]

[ naturе morte / мертвая природа ]Выставка из коллекции Музея детского рисунка

ФГБНУ «Института художественного образования и культурологии» Российской академии образования

(1898 – 1962) ]

МАНИФЕСТЫ– манифесты преобразований / все искусства вместе –

[ Бруно Мунари / Искусство как ремесло (фрагмент) ][ Фабрицио Фьордипонти / Манифест Аrtinsieme ]

[Борис Юсов / О взаимодействии искусств в развитии детей на интегрированных занятиях

(фрагменты)]

ФИГУРИНА’ 2015 / манифесты

Sally Stuudio. Таллин, ЭстонияАнимоптикумАрхитектурная буква. Школа искусств «СТАРТ»Ателье 399. Марсель, ФранцияГалерея XXI векаГруппа «Т»Изопарк. Детская художественная галереяМастерская-ТАФ. Школа ЕрмолаеваМастерские художественного проектирования. Культурный центр ЗИЛМосковский музей современного искусства (MMOMA)Московской школы фотографии и мультимедиа им. А. РодченкоМузей Лувр. Париж, ФранцияМузей Очень Молодого Искусства ARTFORМузей современного искусства PERMM. ПермьМусейон. ГМИИ им. А.С. ПушкинаНа Васильевском. Детская художественная галерея. Санкт-ПетербургНа машине времени. Центр «Кадашевская слобода»На старт! Внимание! Искусство! Таллин, ЭстонияОрех. Стефани ДжонсТворческая мастерская Третьяковской галереи на Крымском ВалуТворческие студии. Государственный центр современного искусстваТеатр Живописи Ляли ТелятниковойТри цвета. Рига, ЛатвияЦентр авангарда на ШаболовкеШУМ. Детская дизайн-школаДмитрий Крымов10 эпизодов. Мастерские художественного проектированияСвободные мастерские ММОМА

– summary / EN– summary / RU

=

9

10

131417

222832

3638

52

55

687076

=

88

9096100106112118122128136

142

146

150168174182186

190

194198204

214

220226230234238240

246

250252

6

Что такое «фигурина»?

«Фигуринами» назвал графические образы героев оперы «Победа над Солнцем» Эль Лисицкий. Полное название этой графической серии – «Пластическое оформление электромеханического спектакля “Победа над Солнцем”». То есть, по замыслу Лисицкого, на сцене должны были действовать электромеханические устройства. Их более популярное сейчас название «робот», придуманное Карелом чапеком в 1920 году, широкоизвестным стало значительно позже. Лисицкому нужно было изобрести своё название для этих устройств. Он называет их «фигуринами» – уменьшительной формой от слова «фигура». Это понятие вбирает в себя широкий диапазон явлений – это скульптурные статуэтки, манекены, шахматы и, наконец, механические куклы. Фигурин всего девять: «чтец», «Будетлянский силач», «Трусливые», «Путешественник по всем векам», «Спортсмены», «Забияка», «Старожил», «Гробовщики», «Новый».

Опера «Победа над Солнцем» была создана Михаилом Матюшиным (атор музыки), декорации первой постановке выполнил Казимир Малевич, автор либретто – Алексей Крученых, стихотворный пролог написал Велимир Хлебников.

Путешественник по всем векам

7

«Победа над Солнцем» – это футуристическая опера – манифест, воплощающий образы будущего, которое непостижимо и поэтому выражено в эстетике абсурда, алогичности. Поэтическая «заумь», диссонансная музыка, супрематическая образность были призваны разрушать представления о «красоте», как устаревшей категории. Солнце – символ «старой» красоты, которое необходимо победить с помощью новых художественных средств.Впервые «Победа над Солнцем» была поставлена в 1913 году в Петербурге в «Луна-парке». В 1920 году постановка была осуществлена в Витебске силами группы «УНОВИС» (художник – Вера Ермолаева). Тогда же, в 1920 годы, Эль Лисицкий разработал свой проект оформления оперы «Победа над солнцем». Единственным свидетельством не осуществленного замысла Эль Лисицкого остались альбомы эскизов. В 1923 году в Берлине по этим эскизам была сделана серия цветных литографий. Было издано 75 экземпляров, в каждом по 10 листов, подписанных карандашом самим автором (один экземпляр хранится в Третьяковской галерее).Эта графическая серия Эль Лисицкого воспринимается сегодня как символ новой эстетики, программное произведение Русского Авангарда. Сам Лисицкий писал – «Фигурины – это символическое изображение мирового обновления».

8

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

Художественное образование имеет большую историю. Понятие «художественное образование» появилось сравнительно недавно и с момента своего возникновения вызывает споры, хотя особая деятельность в обучении молодежи была осознана уже в глубокой древности. Когда-то способность создавать поэтические метафоры была необходимым свойством свободного гражданина. Без развитой фантазии невозможно было создать причудливый мир рукописных книг и каменную пластику соборов. В эпоху становления ремесленных городов творческое развитие было непосредственно направлено на освоение тайн ремесла и формирование универсальных способностей интеллекта. Во все времена особо ценилось умение художника абстрагировать сложнейшие представления о мироздании и воплощать их в образы. Для развития этих способностей интеллекта каждое время находило свои формы. Но были эпохи, когда создание метафор, фантазия, знание ремесел и универсальность интеллекта становились ненужными, избыточными. Тогда «художественное образование» превращалось в ограничитель для развития творческого мышления и сводилось к копированию готовых образцов, бездумному воспроизведению кем-то найденных образов, композиционных схем, эстетических идеалов прошлого. И это явление тоже не менее древнее, связанное с отсутствием потребностей в новых идеях, остановкой в развитии, стагнацией культуры.Во все времена цели художественного образования определялись пониманием места и роли человека в общественной жизни, пониманием смысла жизни. Но всегда подлинными ценностями человеческого общества все же были развитие и творческое

самоосуществление. Эта великая энергия творчества и есть жизнь, порождающая, обновляющая, обеспечивающая возможность существования. А художественное образование – проводник этой энергии.В художественном образовании пересекаются две сферы деятельности, две области познания мира – искусство и педагогика. Если сознавать, что искусство в значительной степени выполняет дидактические, воспитательные и развивающие функции, а педагогика видит себя искусством, преображающим и обновляющим сознание общества, то синтез искусства и педагогики приобретает особый смысл.История идей, в которых педагогика и искусство пересекаются – очень древняя, но не многочисленная по своему наполнению. Просто эти идеи столь влиятельны и жизнеспособны, что на их основе формируются жизненные программы многих поколений.Цель раздела Предыстории – из этих идей, недавнего опыта и исторических событий сформировать контекст, необходимый для понимания современного состояния художественного образования.

Николай Селиванов,куратор проекта ФИГУРИНА

9

Пр

ед

ыс

то

ри

и

ПЕ ДАГОГИК А

Комениус (Ян Амос Коменский)Orbis Sensualium Pictus. Мир чувственных вещей в картинках, или Изображение и наименование всех важнейших предметов в мире и действий в жизни Введение

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

10

Николай Селиванов

Про «ars» и «techne»(фрагмент статьи «О Свободных искусствах и школьном тупике»)

В Эрмитаже есть огромный гобелен, на котором изображены Семь Свободных Искусств. Изобразительного искусства среди них нет. В контексте художественного музея отсутствие среди «каких-то» давно не актуальных «свободных» искусств самого главного для нас – изобразительного, вызывает у современного человека недоумение. Где искусство? То, которое и есть настоящее искусство? Конечно, это недоумение может возникнуть при одном обязательном условии: современный человек сумеет сформулировать такой вопрос для самого себя. Эта оговорка неслучайна. Она выражает мое отношение к современному российскому образованию, которое не направлено на развитие таких свойств личности и возможностей мышления, которые позволяют удивиться, глядя на этот крупный музейный предмет. Поэтому недоумения ни у кого и не возникает.

Обратимся к истории вопроса. А она очень древняя. Набор Свободных Искусств, как комплекс необходимых интеллектуальных умений культурного человека, формировался долго – столетиями, пройдя путь от расцвета греческой философии, далее, к римской риторике, наконец, к средневековой схоластике. Постепенно количество свободных искусств стало равняться семи. Итак, свободные искусства: грамматика, риторика, диалектика, арифметика, геометрия, астрономия, музыка. Все

искусства были поделены на два цикла обучения.Первый цикл – из трех учебных наук (грамматика, риторика, диалектика) назывался словом тривиум (trivium), второй цикл – из четырех (арифметика, геометрия, астрономия, музыка) – квадривиум (quadrivium).Очевидно, что грамматика, риторика и диалектика формируют такие представления, которые можно определять, как эстетические и мыслительно-методологические, и они необходимы для качественных оценок явлений. Построение смысловой конструкции, различение и восприятие смыслов и их оценка, стремление к ясности и выразительности своей речи – все это создает особые свойства мышления, дающие возможность «говорить и слушать» – т.е. понимать чужие мысли и выражать свои, одновременно овладевая критериями качества для оценки того, что говорить и как говорить.А следующие за тривиумом четыре дисциплины – арифметика, геометрия, астрономия, музыка (иначе называемая гармоникой), попадая в контекст ужесформированной среды самостоятельного мышления, развивают интеллект за счет усложнения методологии мыслительных операций и овладения абстракциями, необходимыми для умозрительного восприятия мира. Наконец, занятия музыкой (проблемы соединения, сопоставления, соподчинения, ритма) развивают умения высшего интеллектуального синтеза.Необходимо сказать, что тривиум и квадривиум на всем протяжении учебного процесса сопровождались тем, что мы сегодня называем дополнительным образованием.В первую очередь – это были театрализованные выступления, для которых заучивались поэтические произведения не только поэтов прошлого, но и

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/Н

ик

ол

ай

Се

ли

ва

но

в /

Пр

о «

ars

» и

«te

ch

ne

»

ФИ

ГУ

РИ

НА

11

современников. Так, учащиеся одновременно изучали историю: не даты-события-персонажей, а «славное прошлое» своей родины (естественно, мифологизированное и идеализированное, но целью при этом было развитие нравственных качеств личности) и осуществляли многоаспектную практическую творческую деятельность.

Вернемся к изобразительному искусству.Объяснение его отсутствия среди Свободных Искусств достаточно простое.

В 17-м веке, когда ткался этот эрмитажный гобелен, понятия «изобразительное искусство» еще не существовало. Были ремесла, умения – живописное, ваятельное, гравировальное и т.д. Такой тип деятельности понимался в контексте древнегреческого термина, описывающего любое практическое знание и умение – технэ (τέχνη, téchne). Да и в русском языке слово «искусство» происходит от древнеславянского «искоусъ» – опыт.Параллельно с греческим «технэ» существовало латинское слово «ars», давшее нам современное «art». Но «ars» включалось в иное смысловое поле, имеющее отношение к интеллектуальной оснащенности, или особому знанию, которое определяет, как свойства личности, так и способность к какому-то виду деятельности. И, следуя этому смыслу, свободные искусства назывались «artes liberales» и представляли тот набор знаний, владение которым делало человека свободным и интеллектуально самостоятельным. Но самым важным по своей особенности смыслом латинского слова «ars» является его индоевропейская референция «ar- ti-», указывающая на соединение каких-то частей в новое целое.

Именно такое понимание художественного действа мы находим у Горация в «Науке поэзии»:«Если бы женскую голову к шее коня живописецВздумал приставить и, разные члены собрав отовсюду,Перьями их распестрил, чтоб прекрасная женщина сверхуКончилась снизу уродливой рыбой, – смотря на такуюВыставку, други, могли ли бы вы удержаться от смеха?<…>Если известное слово искусным с другим сочетаньемСделаешь новым – прекрасно! Но если и новым реченьемНужно дотоль неизвестное нечто назвать, – то придетсяСлово такое найти».

(Пер. М. Дмитриева)

То есть, «ars» – это умение сочетать части, чтобы получить новое целое.Глубинное отличие «ars» от «techne» состоит в приоритете интеллектуального управляющего действия на основании культурного знания (в «ars»), в отличие от результата материального делания (в «techne»).

Если метафорически установить различие между -techne- и -art-, то образно это можно представить, как различие между гончаром, делающим сосуд, и поэтом, рассказывающим о своих чувствах. Естественно, если для творца важен именно процесс изготовления вещи, то и поэт может рассматривать свою деятельность в русле -techne-. Но желание воплотить сложную идею перемещает интерес к процессу изготовления на второй план, выдвигая на первый – умение управлять символической

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/Н

ик

ол

ай

Се

ли

ва

но

в /

Пр

о «

ars

» и

«te

ch

ne

»

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

12

системой. И это уже –art-, зависящее от общей культуры личности. И -techne-, и -art- интегрированы в современное безразличное «искусство», что постоянно требует разъяснительных комментариев о каждой конкретной позиции, которую занимает творец в конкретном художественном произведении. Как-то так я понимаю это различие.

Теперь ключевой вопрос: откуда и для чего появилось странное словосочетание – «изобразительное искусство»? Оно появилось, очевидно, в русле смысла -techne- для оценки и описания особого рода вещей, а также различных категорий вещей – картин, скульптур, иллюстраций и т.п. Для изготовления этих вещей и нужно особое умение – изображать.Кроме того, были необходимы критерии для оценки этих умений. Но стоило появиться фотографии, как с понятием «изобразительное искусство» возникли серьезные проблемы.«Искусство изображать» стало непосредственно зависеть от технического устройства. Затем при появлении и развитии кинематографа и особенно сейчас, в контексте компьютерных способов представления идей, судорожные попытки выбраться из понятийного тупика привели к появлению нового уродца – термина «визуальные искусства». Но большинство этих «визуальных искусств» (кино, анимация, 3D моделирование …), вбирая в себя и звук, и тексты описания умозрительных вещей, являются многокомпонентными, синтетическими, гибридными, полихудожественными, а никак не исключительно визуальными!Из всего этого следует, что понятия, с помощью которых мы описываем свою деятельность, не соответствуют реальности. А это значит, что у нас

отсутствует понимание смысла и целей культурной созидательной деятельности. Прошлый объяснительный смысл утрачен и необходимо обрести новый, позволяющий жить и плодотворно развиваться сегодня.Поясню свою мысль вопросом: какие вещи мы собираемся научить изготавливать наших учащихся?Если этот вопрос задается в контексте ремесленной школы (обучение ткачеству, кружевоплетению, эмалевой росписи, акварельной живописи и т.п.), то ответы очевидны.Но, если это вопрос задается в контексте общего образования или дополнительного развивающего образования, то на него надо искать новый ответ. Является ли целью общего художественного образования обучение изготовлению вещей? Или все же цель другая – развитие особых свойств мышления? Techne или Art?От ответа на этот вопрос и будет зависеть концептуальная позиция современного художественного образования, его методологии, содержание и перспективы.

Литература:1. Адо И. Свободные искусства и философия в античной мысли. М.: «Греко-латинский кабинет» Ю.А. Шичалина, 2002.2. Квинт Гораций Флакк. Собрание сочинений. – СПб, Биографический институт, Студия биографика, 1993.

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/Н

ик

ол

ай

Се

ли

ва

но

в /

Пр

о «

ars

» и

«te

ch

ne

»

ФИ

ГУ

РИ

НА

13

Ян Амос Коменский(Jan Amos Komensky, 1592 – 1670)

Мир чувственных вещей в картинкахЯн Амос Коменский, или Комениус (Comenius) – чешский педагог и мыслитель, современник Шекспира, Сервантеса, Лопе де Вега, Джордано Бруно, Коперника, Декарта, Гоббса, Рембрандта. Комениус был основателем философского движения, называемого «пансофизм» – всезнание (мудрость). Пансофизм ставил своей целью объединение всех добытых человечеством знаний в универсальную дидактическую форму, предназначенную для передачи «всезнания» людям, независимо от их общественной, расовой, религиозной принадлежности с помощью школ на их родном языке. Идеи «пансофизма» заложили фундамент новой европейской педагогики, преодолевая ограниченность античной модели (тривиум и квадривиум), за счет развития национальных культурных программ и мировоззрения «Просвещения».Главный труд Комениуса называется «Мир чувственных вещей в картинках, или Изображение и наименование всех важнейших предметов в мире и действий в жизни (Orbis Sensualium Pictus). Этот универсальный педагогический инструмент был нацелен на развитие конкретно-образного мышление у детей. Способность к умозрению – «внутреннему зрению», «искусство памяти», символическое мышление, которые развивались античной традицией, становятся неактуальными и постепенно исчезают вместе с воспроизводившей их схоластикой.

Комениус (Ян Амос Коменский)Мир чувственных вещей в картинках.

Оглавление – «Букварь»

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/Ко

мен

иус

/ М

ир ч

увст

венн

ых

вещ

ей в

кар

тинк

ах

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

14Иоганн Генрих Песталоцци(Johann Heinrich Pestalozzi, 1746 – 1827)

Наблюдения и элементарное рисованиеВ своем тексте – «Метод» Песталоцци выделил следующие наиболее существенные принципы обучения:– пользование всеми органами чувств для восприятия окружающего мира;– учет того, находится ли предмет изучения близко или далеко от органов восприятия, как в узком, так и в широком – мировоззренческом – смысле;– организация в сознании ученика соответствия

Комениус (Ян Амос Коменский)Мир чувственных вещей в картинках.

Понятие – «Душа»

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/Ко

мен

иус

/ М

ир ч

увст

венн

ых

вещ

ей в

кар

тинк

ах

ФИ

ГУ

РИ

НА

15

между понятием о связях между предметами и действительной связью между предметами в природе;– подчинение несущественных деталей существенным;– приоритет подлинных наблюдений над опосредованными знаниями;– установление приоритетов значений в сознании ученика, согласно приоритетности значений вещей и явлений в природе;– систематизация всех предметов и явлений по их свойствам (категории, по Аристотелю);– предельное абстрагирование простых понятий, прежде чем перейти к осмыслению сложных;– формализация суждения о предмете лишь после завершения его восприятия и исследования;– самостоятельность суждений и использование разных форм представления этих суждений.По мнению Песталоцци, необходимо развивать у детей способность различать особенности форм предметов, учить их изображать на бумаге, то есть рисовать: «Искусство рисовать заключается в способности представить себе путем наблюдения за предметом его очертания и свойственные ему отличительные признаки и с помощью линий правильно их воспроизвести».Песталоцци применял метод элементарного образования: сначала дети обучались проводить линии, затем фигуры, постепенно повторение геометрических линий становится излишним, и остается умение рисовать.Также к области изучения формы Песталоцци относил и обучение детей письму. Дети должны предварительно упражнять свою руку в написании элементов букв и лишь затем переходить к написанию

самих букв. До того как дети научатся обращаться с пером, швейцарский педагог рекомендует, чтобы они писали грифелем на аспидных досках, что облегчает им переход от линий и геометрических фигур к буквам, которые, конечно, тоже можно вначале рассматривать как совокупность линий и дуг.

(Цит. по: Песталоцци И.Г. Избранные педагогические сочинения в трёх томах // Т.3. М., 1965)

Иоганн Генрих ПесталоцциЭлементарное рисование

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/И

оган

н Ге

нрих

Пес

тало

цци

/ Н

аблю

дени

е и

обра

зцы

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

«Дети должны предварительно упражнять свою руку в начертании элементов фигур и лишь затем переходить к самим фигурам, которые,

можно вначале рассматривать как совокупность линий и дуг».И.Г. Песталоцци

ФИ

ГУ

РИ

НА

17

Детский сад. Начало XX века.Фребелевский Архив изучения детства.

Университет Рохемптон. Лондон, Англия

Николай Селиванов

«Дары» Фридриха Фребеля и искусство модернизма

Фридрих Фребель (Friedrich Wilhelm August Frobel, 1782 – 1852) – австрийский педагог, изобретатель «Детского Сада» и первого игрового развивающего конструктора «Дары».

Свою педагогическую теорию Ф. Фребель сформировал в контексте критики модели образования И.Г. Песталоцци (точнее, внутреннего несогласия, так и не получившего теоретического выражения), в школе которого он побывал в самом начале своей педагогической деятельности. Отвергая мысль Песталоцци – «вниманию детей не следует предлагать ничего отдалённого, ничего незнакомого, ничего такого, что не находилось бы в постоянном и длительном соприкосновении с их бытием и деятельностью», Ф. Фребель как раз и строил свое обучение на самых общих и отвлеченных образах и идеях. Кроме того, Ф. Фребель не мог согласиться с тем, что исходным пунктом познавательной деятельности И.Г. Песталоцци считал внешнее наблюдение: «Только истина, вытекающая из наблюдений, дает человеку силу, которая мешает вторжению в его душу предрассудков и заблуждений».Ф. Фребель создал развивающий конструктор «Дары», чтобы заниматься с детьми в Детском саду. Конструктор «Дары» обеспечивал активное развитие

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/Ни

кола

й Сел

иван

ов /

«Дар

ы»

Фри

дрих

а Ф

ребе

ля и

мод

ерни

зм

18

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

абстрактного и образного мышления ребенка, его фантазии.

Фридрих ФребельДар №3

Фридрих Фребель Дар №2

ФИ

ГУ

РИ

НА

19

В конструкторе Ф. Фребеля заложен принцип саморазвивающейся познавательной системы.Например, первым Даром является мяч. «Такой предмет для его пробудившейся самодеятельности, который сам выражает собою самостоятельность и в то же время подвижность, который может быть охвачен, понят ребенком в этой его самостоятельности и подвижности, в котором как и в собственной душе ребенка таится единство всякого многообразия» пишет Ф. Фребель. Неотъемлемой частью процесса игры с конструктором для самых маленьких является мать (или наставник), которая, передавая ребенку Дар, отталкиваясь от свойств формы элементов конструктора, озвучивает и описывает разнообразные явления мира, категории пространства, свойства вещей. «Шар и кубик являются средствами изображения целого ряда других предметов: кубик может быть столом, скамейкой, очагом, колодцем, печкой …». Значительно позже в многочисленных фребелевских детских садах опыт каждой игры получал и графическую фиксацию в форме плана-орнамента, отражавшего выстроившуюся комбинацию из брусочков. Из этих «планов» склеивались книжки-раскладушки – своего рода орнаментальные символические истории.

Педагогическая теория Ф. Фребеля основывается на понимании единства информационной реальности познающего субъекта, без оппозиции – внешнее / внутреннее. Для Ф. Фребеля ключевое значение имеют геометрические абстрактные универсалии, позволяющие осмыслять с их помощью бесчисленное множество вещей и явлений.Ключевым фактором, позволившим Ф. Фребелю изобрести конструктор, стала его работа по

классификации кристаллов в Берлинском университете под руководством профессора Христиана Самуэля Вейса (Christian Samuel Weiss). Вейс развивал идеи аббата Рене Жюста Ауи (Renе Just Haüy), создавшего теорию бесконечных модификаций форм кристаллов, состоящих из примитивов: «… у всех кристаллов <…>, какими бы изменяемыми ни были их рисунки, есть постоянное ядро. Это ядро является первоначальной формой, а вторичными формами становятся те, которые отличаются от первоначальной формы». Ауи выделяет шесть первоначальных форм, которые «физический анализ» позволяет «с помощью геометрии» привести к «трем наиболее простым геометрическим формам».«… естественное развитие природы – экономия и простота ее средств, приводят к богатству и разнообразию результатов», пишет Ауи.

Рене Ж. Ауи Модель кристалла из грушевого дерева. 1802 - 1804 гг. Коллекция моделей кристалловМузей Тейлора. Харлем, Нидерланды

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/Ни

кола

й Сел

иван

ов /

«Дар

ы»

Фри

дрих

а Ф

ребе

ля и

мод

ерни

зм

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

20

В «Дарах» Ф. Фребеля присутствует и философский контекст – это «эйдосы» древнегреческого философии. Эйдосы (др.-греч. εἶδος — вид, облик, образ) понимались, как материальные воплощения «идей», «смыслов». Эйдосы можно видеть и с их помощью можно познавать мир.У Платона эйдос понимается, как обладающая неизменяемой формой идея. Стремясь найти самые первоначальные формы идей, от которых берет начало мироздание, Платон выбрал пять правильных многогранников, получивших название «тел Платона». Каждый многогранник представляет собой одну из стихий: ТЕТРАЭДР – огонь, ОКТАЭДР – вода, КУБ – земля, ИКОСАЭДР – воздух, ДОДЕКАЭДР – вселенная, как нематериальная категория.«Мать узнала, что Фридрих Фребель учил, что детям нельзя разрешать случайно узнавать закономерности Природы, пока они сначала не познакомились с основными формами, находящимися в скрытом виде позади этих закономерностей. Космические геометрические элементы были тем, что сначала должно стать видимым детскому мышлению», – писал крупнейший американский архитектор, основоположник органической архитектуры, Ф.Л. Райт. «Эти кленовые кубики я ощущаю в своих пальцах и по сей день». Конструктор Ф. Фребеля всегда находился в мастерской архитектора. В доме-музее архитектора «Тальесин Вест» (Taliesin West) он представлен и сегодня.

Идеи Ф. Фребеля получили широкое распространение посредством фребелевских детских садов во второй половине XIX – начале XX века и за такой длительный период сформировали интеллектуальный

В многочисленных фребелевских детских садах опыт каждой игры получал графическую фиксацию в форме плана-орнамента,

отражавшего выстроившуюся комбинацию из брусочков. Из этих «планов» склеивались книжки-раскладушки – своего рода

орнаментальные символические истории.

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/Ни

кола

й Сел

иван

ов /

«Дар

ы»

Фри

дрих

а Ф

ребе

ля и

мод

ерни

зм

ФИ

ГУ

РИ

НА

21

фон, влияние которого мы наблюдаем не только в творчестве архитектора Ф.Л. Райта. Многие новаторы в искусстве начала XX века – Ж. Брак, П. Клее, П. Мондриан и многие другие получили импульс для своего творчества от «эйдетического» конструктора – непосредственно или опосредованно. Во фребелевский детский сад во Флоренции во время путешествия по Италии родители приводили в детстве и Василия Кандинского. Понимая общность и одновременность формирования творческих принципов этих авторов, можно говорить о влиянии Ф. Фребеля на искусство XX века, нашедшем свое выражение и в современной архитектуре и дизайне.Казимир Малевич не ходил в фребелевский детский сад. Но однажды, в 1911 году, его товарищ – Михаил Матюшин, которого очень вдохновляли кристаллы, повел Малевича на публичную лекцию по кристаллографии профессора Юрия Викторовича Вульфа, который открыл для российской публики идеи Рене Жюста Ауи. Ю.В. Вульф прочел четыре лекции в Политехническом музее для Народного университета им. Шанявского в 1911 году. Возможно, влиянием этих «кристаллографических» идей мы и обязаны появлением на свет самого радикального произведения XX века, находящегося в собрании Государственной Третьяковской галереи – великого примитива, «потенциала всех возможностей» – «Черного квадрата».

Список литературыBrosterman N. Inventing Kindergarten. – New York: Harry N. Abrams, 1997Фребель Ф.. Будем жить для своих детей / Сост. и пред. Л.М. Волобуева. – М.: Карапуз, 2001Медынский Е.Н. История педагогики. – М., 1926 (В 1915 - 1917 годах Медынский преподавал на Высших педагогических (бывших Фребелевских курсах), в Петрограде)Селиванов Н. Компьютерная педагогика в художественном образовании детей и подростков: Теоретические основы и опыт внедрения. – М.: Красанд, 2011

Разворот альбома Фрэнка Ллойда Райта с вклеенной инструкцией к «Дарам» Фридриха Фребеля.

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/Ни

кола

й Сел

иван

ов /

«Дар

ы»

Фри

дрих

а Ф

ребе

ля и

мод

ерни

зм

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

22

Селим Хан-Магомедов

Работы студентов по дисциплине «Пространство» (отвлеченные задания и архитектурная пропедевтика)Из книги Селима Хан-Магомедова «Архитектура советского авангарда. Книга первая. Проблемы формообразования. Мастера и течения»(Хан-Магомедов С. О. Архитектура советского авангарда / В 2 кн.: Кн. 1: Проблемы формообразования. Мастера и течения. М.: «Стройиздат», 1996. -709 с.: ил.)

Глава 5. Рационализм (как архитектурное течение)Раздел 7. Работы студентов по дисциплине «Пространство» (отвлеченные задания и архитектурная пропедевтика)

Отвлеченные задания по дисциплине «Пространство» практически все студенты Основного отделения выполняли в макетах (глина, картон, бумага, проволока и т.д.). Работы, получившие одобрение, фотографировались, а лучшие хранились в качестве методических образцов. Даже по самым скромным подсчетам общее количество работ на темы отвлеченных заданий, выполненных студентами по

этой дисциплине, приближалось, видимо, к двум тысячам. Многие из них фотографировались как отдельно, так и группами (до 20 штук сразу).После расформирования ВХУТЕИНа в 1930 г. оригиналы потеряли методическую ценность и были просто выброшены. Богатый негативный фонд также оказался утраченным. В результате на протяжении более полувека богатейший опыт преподавания дисциплины «Пространство» на Основном отделении ВХУТЕМАСа – ВХУТЕИНа в 1923-1929 гг. оказался фактически забытым.Очень небольшая часть фотоизображений была опубликована в 20-е годы в сборнике «Архитектура ВХУТЕМАСа» (1927), в некоторых журналах, в многотиражной газете ВХУТЕМАСа –ВХУТЕИНа. а также в вышедшем в 1934 г. учебном пособии «Элементы архитектурно-пространственной композиции», написанном В. Кринским, И. Ламцовым и М. Туркусом. Опубликованные тогда работы не давали полного представления о месте и роли дисциплины «Пространство» в общей системе художественной подготовки специалистов (и прежде всего архитекторов) во ВХУТЕМАСе – ВХУТЕИНе.Например, без учета выполнения всеми студентами отвлеченных формальных заданий и проектов по архитектурной пропедевтике нельзя понять, почему студенты мастерских, руководимых конструктивистами, провозглашавшими функционально-конструктивную обусловленность формы, так свободно решали художественные задачи объемно-пространственной композиции.Курсовые и дипломные проекты архитектурного факультета и последующие проекты выпускников этого факультета неотделимы от тех отвлеченных заданий, которые выполнялись на Основном

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/С

елим

Хан

-Маг

омед

ов /

ВХУ

ТЕМ

АС –

ВХУ

ТЕИ

Н

ФИ

ГУ

РИ

НА

23

отделении. Во всяком случае, общий художественный уровень и многие формальные особенности архитектуры, создававшейся выпускниками ВХУТЕМАСа – ВХУТЕИНа, закладывались именно на Основном отделении группой рационалистов.Поэтому было необходимо выявить достаточно большое количество студенческих работ по отвлеченным заданиям и ввести в научный и творческий обиход. Мне удалось выявить в частных архивах более 600 фотоизображений отвлеченных заданий по дисциплине «Пространство».Значительная часть этих фотоизображений впервые публикуется в этой книге. Их публикация преследует цель дать представление о концепции формообразования рационализма, о месте и роли этого течения в общих стилеобразующих процессах.Если в Обмасе Ладовский после каждого отвлеченного задания давал сразу же производственное задание на ту же тему, в Основном отделении общая и профессионально ориентированная пропедевтика были разделены во времени: общая - это первый курс, специализированная – второй. Причем преподаватели некоторых специальных факультетов предпочитали сами участвовать в разработке программ для производства заданий второго курса тех групп студентов, которые ориентировались на этот факультет.Все преподаватели дисциплины «Пространство» были архитекторами. Поэтому не возникало никаких дополнительных проблем при разработке производственных заданий для архитектурных групп Основного отделения. В самом коллективе преподавателей этой дисциплины постепенно произошла внутренняя специализация – одни больше тяготели к отвлеченным заданиям, другие руководили

выполнением производственных заданий.

Отвлеченные задания по дисциплине "Пространство" на выявление массы и веса объемной композицииОсновное отделение ВХУТЕМАСа - ВХУТЕИНаСередина и вторая половина 20-х годов

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/С

елим

Хан

-Маг

омед

ов /

ВХУ

ТЕМ

АС –

ВХУ

ТЕИ

Н

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

Экспозиция работ по дисциплине "Пространство - одной студенческой группы на тему - выявление и выражение массы и веса.

Основное отделение ВХУТЕИНа. 1927/26 уч. год. Студенты у своих работ

25

ФИ

ГУ

РИ

НА

25

Возглавлявшие дисциплину «Пространство» Балихин и Кринский также специализировались, первый курировал цикл отвлеченных заданий, второй – производственных.Кроме того, произошла и некоторая специализация отвлеченных заданий. На курс были перенесены специфически архитектурные отвлеченные задания, тема которых варьировалась и постепенно уточнялась таким образом, что некоторые из этих тем как бы объединяли в себе отвлеченное и производственное задания. Среди этих тем были: выявление конструкции, выявление вертикального ритма, организация комплекса объемов в пространстве.

Основными для архитектурных групп на втором курсе были такие задания:«Первое задание – на выразительность архитектурного объема и, в частности, на выразительность поверхности.Второе задание – на выразительность массы и веса архитектурного объема.Третье задание – на выразительность архитектурной конструкции.Четвертое задание – на выразительность архитектурного пространства...

Отвлеченные задания по дисциплине «Пространство» на глубинную фронтальную композицию (фронтальная композиция с глубинным

пространством). Основное отделение ВХУТЕМАСа - ВХУТЕИНа. Середина и вторая половина 20-х годов

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/С

елим

Хан

-Маг

омед

ов /

ВХУ

ТЕМ

АС –

ВХУ

ТЕИ

Н

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

26

Главным фактором, определяющим композиционные задачи в производственных заданиях, являются утилитарные функции задаваемых утилитарных сооружений. Эти функции в основных чертах определяют: а) формы сооружений и их внутренние пространства; б) возможные точки зрения и в) окружающую среду, т. е. те условия, которые являются главными факторами и определяющими композиционные задания в заданиях курса».

Проектов по архитектурной пропедевтике производственных заданий было, естественно, меньше, чем отвлеченных, так как их выполняли только на архитектурном факультете.Удалось выявить около 100 студенческих проектов по архитектурной пропедевтике. Здесь уже наряду с макетами почти обязательно требовались архитектурные чертежи. В качестве тем брались, как правило, очень простые объекты с четкой и ясной функцией.<…>Другой тип производственного задания на выразительность фронтальной поверхности – это выявление ритма (проекты весны 1928 г.). Для заданий на выявление выразительности формы отбирались объекты, которые можно было решить как небольшое компактное сооружение с преобладанием в интерьере одного главного пространства. Это манеж (1927-1928), выставочный павильон, книжный киоск (1925), читальня (1928-1929).Задания на массу и вес в архитектурной пропедевтике нередко давались на темы, близкие к предыдущему заданию: ботанический павильон (1927-1928), павильон силикатной промышленности (1926-1927),

пункт скорой помощи (1927-1928), раздевальня в спортивном комплексе.Среди проектов на выявление выразительности конструкции можно назвать такие темы: смотровая вышка на берегу реки, вход на стадион (1926), спортивный «каток» на склоне горы, мостовой переход через улицу между зданиями (1927), качели, трибуна, переходной мостик и др.Среди заданий на выявление выразительности внутреннего пространства наибольший интерес представляют темы: плавательный бассейн (1927-1928), универмаг-пассаж и др.В конце 20-х годов при сокращении часов курса пропедевтики нередко в одном задании объединяли две темы. Так, например, в 1929 г. было дано объединенное задание на выявление выразительности формы и внутреннего пространства – выставочное здание аквариума-террариума.Задания на выразительность внешнего пространства предлагались в виде комплекса с одним главным объектом и множеством небольших (например, универсальный рынок с одним зданием и рядами палаток-павильонов), или в виде небольшого конкретного объекта (например, спортивная площадка с открытым солярием, 1929-1930), где преобладало открытое пространство или же в виде полуотвлеченного, полупроизводственного задания на планировочно-пространственное решение обширного ансамбля в реальном масштабе города. Предлагалась городская ситуация (с обозначением улиц и т.д.), и на отведенном участке надо было создать выразительную объемно-пространственную композицию из архитектурных объектов (хотя и лишенных конкретного функционального назначения).

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/С

елим

Хан

-Маг

омед

ов /

ВХУ

ТЕМ

АС –

ВХУ

ТЕИ

Н

Отвлеченные задания по дисциплине "Пространство" на вертикальный ритм. ВХУТЕМАС. 1927. Выставка макетов (студенты у своих работ)

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

28

Джон Дьюи(John Dewey, 1859 –1952)

Метод проектов«Метод проектов» как педагогическую форму в конце XIX начале XX века разработал американский педагог, философ и общественный деятель, Джон Дьюи. «Метод проектов» явился результатом многолетней деятельности Дьюи по созданию модели так называемой «трудовой школы». В ней Дьюи стремился практически реализовать идеи и социальные программы, вытекающие из его философских идей, модели школы будущего. В центре философии Дьюи находится действие (греч. pragma – дело, действие). Практическая деятельность и использование инструментов для ее осуществления – вот идеи, определяющие подходы Дьюи к педагогике.Описывая состав новой школы (столовую, кухню, производственные мастерские, физическую, химическую и биологическую лабораторию) Дьюи пишет: «Соединительным звеном всех этих отдельных занятий должна стать библиотека, собрание умственных средств разного рода, которое является источником света, озаряющим практическую работу, придающим ей высший смысл, облагораживающее значение. <…> В музее собраны образчики сырья на различных ступенях его обработки, орудия производства от самых простых до самых сложных, коллекции фотографий и картин, изображающих пейзажи и сцены из жизни тех местностей, откуда везут сырье, и различные моменты обработки этого сырья. <…> Литература в свою очередь освещает различные периоды мировой промышленности:

например, эпизод Пенелопы в Одиссее освещает известную фазу в социальной жизни. <…> Музыка в шотландской песне передает песнь колеса или в арии Маргариты – песнь прялки».

Концепция трудовой школы Дьюи оказала большое влияние и на советскую педагогику. В начале 20-х годов XX века в Советской России получили распространение так называемые комплексные программы Дж. Дьюи и, собственно, «способ

Школа Дж. Дьюи Работа над проектами.

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/Д

жон

Дью

и /

Мет

од п

роек

тов

ФИ

ГУ

РИ

НА

проектов», термин, которым определяли один из подходов к обучению в трудовой школе.В 1928 году Дьюи приехал в Советский Союз, чтобы помочь Наркомпросу в освоении «способа проектов». Н.К. Крупская принимала его в своём кабинете на Чистых прудах. Профессор В.В. Кумарин пишет: «Луначарский, по совету Ильича, вместо «прусской модели» ввёл американскую. Ленину очень хотелось, чтобы пролетарские детишки росли здоровыми, не витали в облаках «всестороннего развития личности», а как можно раньше распознавали своё призвание и не болтались в жизненной проруби как круглые отличники».В середине 1930-х годов в СССР снова «восстановили в правах» прусскую модель образования. А после 1937 года Дьюи был «опознан» в СССР как пособник троцкизма, а его книги были изъяты из советских библиотек. При этом, в СССР многое из концепции трудовой школы Дж. Дьюи было заимствовано и получило дальнейшее развитие, воплотившись в формах дополнительных и развивающих занятий школы политехнической («труд», «домоводство», «работа на приусадебном участке» и т.п.).Имя Дж. Дьюи и его «метод проектов» в качестве инновационной педагогической технологии вернулись в российское образование в середине 90-х годов прошлого века.

Литература:

Дьюи Дж. Школы будущего. – М.: «Работник просвещения», 1922

Дьюи Дж. Демократия и образование. – М.: Педагогика-Пресс, 2000

Школа Дж. Дьюи Занятия изобразительным творчеством. Лепка кроликов с натуры.

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Пе

да

го

ги

ка

/Д

жон

Дью

и /

Мет

од п

роек

тов

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

30

Святой Элигий в своей мастерской. Ок. 1450 Рейксмюзеум. Амстердам

techne / ремесло

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

32

Эпоха ВозрожденияОбучение осуществлялось в мастерских. Детей и подростков, имеющих склонность к художественному ремеслу, следуя всеобщей практике ремесленного обучения, приводили сами родители. Дети оставались жить и работать в качестве помощников – подмастерьев у мастера. В крупных мастерских воспитанники изучали: ювелирное дело, литературу, математику, скульптуру, живопись и архитектуру. Основной художественной дисциплиной являлся рисунок. Система обучения рисунку была тесно связана с композицией.

Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи писал в своей «Книге о живописи», ставшей практическим руководством для последующих поколений: «Юноша должен прежде всего учиться перспективе, потом – мерам каждой вещи, потом – копировать рисунки хорошего мастера, чтобы привыкнуть к хорошим пропорциям членов тела, потом с натуры, чтобы утвердиться в основах изученного: потом рассматривать некоторое время произведения руки различных мастеров, наконец – привыкнуть к практическому осуществлению и работе в искусстве».«Обучайся сначала науке, потом обратись к практике».Обучение должно проходить в веселой игровой форме (игра с соломинкой: рисуется отрезок на стене, затем учащимся раздают соломинки; тот, кто путем отламывания максимально приблизится

к натуральной величине нарисованного на стене отрезка, тот и получает награду). Последовательность рисования фигуры человека: 1) установка фигуры на плоскость поиск оси равновесия, 2) установление пропорциональных отношений, 3) закрепление основ изображения – рисование по памяти.

Академия Живописи

В своей «Академии живописи» Пьетро Франческо Альберти (потомок многочисленной, известной семьи Альберти) собирает «под одной крышей» те формы учебной деятельности, которые обеспечивают подготовку художника эпохи Возрождения. Это: рисование античных слепков, занятия теорией пропорций, перспектива, геометрия, «греческая» мудрость. Но в центр этой системы он помещает занятия анатомией. Такой набор знаний качественно отличается от средневекового ремесла.

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Воз

рож

дени

е /

Лео

нард

о да

Вин

чи /

Лео

н Б

атти

ста

Аль

берт

и

Пьетро Франческо Альберти Академия живописи (Святого Луки, Рим). Музей гипсовых слепков (Gipsoteca)Гравюра. Начало XVII века

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

34

Но в первую очередь, Альберти знакомит ученика с основными положениями линейной перспективы. Он касается и вопросов воздушной перспективы. Но в своем педагогическом методе Альберти переоценивает значение завесы, противореча методу обучения рисованию с натуры, превращая искусство рисунка в механическое проецирование натуры на плоскости.В эпоху Возрождения завесой пользовались многие художники. Метод заключался в следующем: между натурой и рисовальщиком устанавливалась «картинная плоскость» (завеса), которая могла быть двух видов: рама с натянутой прозрачной кисеей или калькой, на которой художник и делал свой рисунок, либо рама с натянутыми нитями. Через завесу в виде рамы с натянутой калькой художник наблюдал предмет и переносил на кальку перспективное изображение натуры. Второй вид завесы – рама с натянутыми нитями. Нити делят раму на определенное количество клеток. Бумага, на которой художник рисует, разделена на такие же клетки. Наблюдая через прицел натуру, рисовальщик фиксирует результаты наблюдений на своем рисунке и получает перспективное изображение формы предмета.Множество пейзажей, натюрмортов, портретов, сюжетных сцен в XVI – XVII века создавались с помощью «завесы». Позже в обиход вошли камера обскура и камера люцида.

Альбрехт Дюрер. Рисование лютни с помощью «завесы» из кальки

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Воз

рож

дени

е /

Лео

нард

о да

Вин

чи /

Лео

н Б

атти

ста

Аль

берт

и

ФИ

ГУ

РИ

НА

35

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

36

Екатерина Хилкова. Внутренний вид женского отделения Петербургской рисовальной школы для вольноприходящих. 1855Холст, масло. 73 х 89 смГосударственный Русский музей, Санкт-Петербург

ФИ

ГУ

РИ

НА

37

Российская Академия художеств«В основу педагогической системы Академии художеств в XVIII– XIX веках были положены принципы, выработанные Королевской академией живописи и скульптуры в Париже, однако во многом она ориентировалась на деятельность итальянских академий, прежде всего — Болонской.<…>Для академической библиотеки были приобретены выдающиеся теоретические труды: «Два правила практической перспективы» Д.Б. Виньолы, изданные в Болонье в 1583 году, «Анатомия тела человека» на латыни А. ван дер Спигеля, вышедшая в 1627 году в Венеции, труды П. Гонзаго на французском, опубликованные в Петербурге в 1807 году. Воспитанники рисовали круглый год ежедневно, от 2 до 4 часов, в зависимости от возрастов. Практическое освоение рисунка начиналось с простейших элементов. Тренировка заключалась в выработке четких разнообразных линий и изображений геометрических форм от руки, без применения линейки, циркуля и других измерительных инструментов. После обретения первых навыков рисунка приступали к копированию с гравированных таблиц деталей человеческой головы и фигуры.<…>Важное значение в процессе обучения приобретали классы «гипсовых голов» и «гипсовых фигур», где рисовали со слепков античных статуй. Эти занятия способствовали развитию мышления учащихся, достижению монументальной строгости

и композиционной простоты, естественности в изображении человека. Непревзойденные образцы классической древности являлись для юного мастера фундаментом художественного видения действительности.

Академия <…> соединяла в себе собственно академию и художественное училище. <…> В училище принимались мальчики всех сословий пяти-шести лет, и в течение девяти лет их учили общеобразовательным дисциплинам, а также копированию гравюр и рисунков. Наиболее способных переводили в специальные классы и в течение шести лет из них готовили скульпторов, живописцев, граверов и архитекторов».

(Цит. по Ржевская Е. Российская Академия художеств: истоки русского искусства [Электронный ресурс] // Российская Академия художеств: официальный сайт. 2015. URL: http://www.rah.ru/the_academy_today/250_letie_akademii/detail.php?ID=21600 (дата обращения:

04.05.2015).

«Императорская Академия художеств в Санкт-Петербурге предназначалась для учеников из низших слоев населения: детей солдат, мелких чиновников, крепостных крестьян. Только к 1820-м годам обучение в Академии художеств становится престижным, и среди учащихся появляются представители высшего сословия (см. биографию графа Ф.П. Толстого).А с 1893 года официальное обучение в Академии стало доступно женщинам. Ранее они могли посещать занятия только как вольнослушатели».

«Цит. по История русской культуры. XIX век : Учеб. пособие для вузов /

Н.И. Яковкина . – СПб. : Лань (СПб), 2000 г.)

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Росс

ийск

ая А

каде

мия

худ

ожес

тв

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

38

Н.Н. Фомина

Второй Всероссийский съезд художников (1909-1912 гг.)

Деятельность художественно-педагогической общественности России в конце ХIХ – начале ХХ вв. по определению роли изобразительного искусства в воспитании детей, подростков, юношества (Второй Всероссийский съезд художников и Сетлемент)Фрагмент статьи

(См.: Труды Всероссийский съезд художников в Петрограде. Декабрь 1911 – январь 1912. Пг., т. 1, 1914; т. 2 -3. 1915История художественного образования в России XX века. В лицах, фактах, событиях, произведениях художественного творчества детей и подростков: Монография / ФГНУ «Институт художественного образования» Российской академии образования. М.; «Педагогика», 2002. Том I. C. 14 – 37.)

<…> Наше внимание материалы съезда, изданные в период первой мировой войны, привлекли в начале 1990-х гг. . Проблемы эстетического воспитания в начале прошлого века по своему содержанию и природе представлялись родственными тем проблемам, с которыми художественно-педагогическая общественность столкнулась в 1960-80-е годы. Знакомство со стенограммой съезда со

всей очевидностью подтверждало истину: светлые периоды единения деятелей культуры, художников-педагогов и ученых во имя эстетического воспитания и художественного образования наступали в нашей стране тогда, когда надвигалась трагедия невостребованности искусства, его непонимания, забвения или уничтожения культурных памятников.Обращение к материалам съезда в данном исследовании определяется содержанием и формой их издания, которое рассматривается нами как достоверный исторический документ. Стенограмма съезда, составившая три тома, снабженная иллюстрациями и научным аппаратом, дает возможность представить весь ход подготовки съезда (1909-1912 гг.), процесс организации выставок ученических работ, сопровождавших работу съезда; взаимодействие участников и организаторов съезда с официальными государственными органами, управляющими общим образованием в стране (Министерство просвещения) и художественным образованием и воспитанием (Академия художеств), участие психолого-педагогической науки в становлении и обосновании прогрессивных концепций художественного развития. В стенограмму включены не только доклады, но и прения, расписанные по дням, часам и минутам, а также тезисы непрочитанных сообщений. Так как материалы были изданы через два года после окончания съезда, в них были включены и принятые после съезда решения государственных организаций, что дает возможность выяснить практическую значимость его работы; меру участия и влияния науки, искусства и власти на реальный процесс художественного воспитания. Научный аппарат включает списки участников съезда, дающие возможность представить «географию» Съезда,

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Н.Н

. Фом

ина

/ В

торо

й В

серо

ссий

ский

съе

зд х

удож

нико

в

ФИ

ГУ

РИ

НА

39

охватившего все губернии Российской империи; каталоги или подробные описания всех выставок, организованных в соответствии с его проблематикой.Взгляд на три тома материалов съезда как на «текст», представляющий культурный срез конкретного времени, дает возможность выделить особенности состояния проблемы художественного воспитания общества на рубеже веков, как проблемы психолого-педагогической науки и практики общеобразовательной и специальной школы, а главное – культуры ХХ века. Следует еще раз подчеркнуть, что организация съезда была инициативой художественной и педагогической общественности.Съезд готовился долго, потому что делалось это основательно, всерьез, с полным пониманием главных проблем. Со времени работы первого съезда русских художников и любителей художеств в 1894 году, созванного по поводу дарования Галереи П. и С.Третьяковых городу Москве, прошло 15 лет. За это время стало очевидно, что принятая на нем формулировка «элементы художественного образования необходимы для полноты развития личности (направленная на то, чтобы ввести рисование во все учебные заведения – Н.Ф.), оказалась неосуществленною». Проблема художественного просвещения, эстетического воспитания общества, поставленная на московском съезде, не была решена. О ее актуальности напомнили прошедшие в начале века форумы психологов и Съезд зодчих, широко развернувшееся движение «Искусство в жизни детей».Собравшийся в 1909 году Устроительный комитет очередного Всероссийского съезда обозначил качественно новую задачу предмета: «в связи

с обучением рисованию, необходимо широкое ознакомление учащихся с жизненным и идейным значением искусства во всех его повседневных приложениях». Комитетом была признана необходимость не только обучения школьников рисунку, но и приобщения их к искусству с вытекающим отсюда содержанием образования, в котором должно раскрыться «жизненное и идейное значение» разных видов искусства. Одной из ведущих задач съезда должно было стать ознакомление участников с существующим опытом в области художественного воспитания. Устроительный комитет отмечал, что «жизнь дала обилие данных», и потому необходимо «выяснение назревших мероприятий к широкому художественному просвещению и указанию путей к большему подъему народного благосостояния применением сил к художественно-промышленному труду».Столь серьезное внимание к вопросам художественного просвещения определялось рядом причин, названных в документе 1909 г.: «В духовных учебных заведениях на художественное развитие учащихся не обращается достаточного внимания, и не оттого ли столько примеров небрежного отношения к предметам художественной старины в наших храмах. Наша иконопись, благодаря появлению печатной иконы, переживает ряд острых нужд. Провинциальные художественные музеи, будучи учреждениями учеными и учебными, совершенно лишены должного просвещенного руководительства и действительного надзора со стороны тех мест, в ведении которых они состоят. Многие художественные собрания сохраняются в условиях, угрожающих им гибелью. Художественные выставки наши направляются лишь в десяток городов, обходя большинство. Специальное

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Н.Н

. Фом

ина

/ В

торо

й В

серо

ссий

ский

съе

зд х

удож

нико

в

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

40

художественное образование наше страдает неполнотою сообщаемых сведений: в области научной техники и химии живописи, в деле знакомства с сохранением художественных произведений, в деле их возрождения и восстановления, в области умения ценить и народно-бытовые богатства. Наша художественная промышленность страдает от наплыва западного машинного художественно-промышленного товара, что происходит от полного незнакомства Русского общества с красотами нашего ручного народного творчества. Отечественные художественные предметы древности уничтожаются по неведению или невежеству, расхищаются или вывозятся за рубеж, в другие страны, где спрос на них все более и более растет».Путь к спасению «неоценимых гибнущих памятников родной старины» и великого исторического значения искусства устроители съезда (среди которых граф А.А. Голенищев-Кутузов, граф П.С. Шереметев, художники А.Н. Бенуа, М.В. Добужинский, Н.К. Рерих, архитекторы И.А. Фомин и А.В. Щусев) видели в художественном просвещении общества.Вопросы просвещения учащихся, преподавателей и специалистов в области разных видов искусства стали центральными в работе восьми отделов съезда. I отдел рассматривал проблемы эстетики и истории искусства; II отдел – художественного воспитания в семье и школе и преподавания графических искусств; III отдел – живописи и ее техники; IV отдел – архитектуры и художественного облика городов; V отдел – русской старины и ее охраны; VI отдел – художественной промышленности и кустарного дела; VII отдел – искусства в театре; VIII отдел – общие вопросы. Работой отделов руководили И.Е. Репин, Л.Н. Бенуа, Д.В. Айналов и другие выдающиеся

деятели русской культуры. Названия и задачи отделов уточнялись на протяжении 1909-1911 гг. Так, второй отдел первоначально назывался «Художественное образование», в его работе предполагалось рассмотрение проблем только специального образования.В результате серьезной подготовки Второй Всероссийский съезд художников, проходивший в декабре 1911 – январе 1912 гг., стал ярким событием русской культуры и, в частности, истории художественного воспитания. На нем были сформулированы цели и задачи художественного образования и воспитания общего и специального, духовного и светского, намечены пути их решения.Съезд получил следующее название, определявшее широту интересов его учредителей: «Всероссийский Съезд Художников всех отраслей графических и пластических искусств: живописцев, архитекторов, скульпторов и проч., преподавателей тех же искусств и любителей художеств». В работе съезда приняло участие 300 учителей, приехавших из разных краев Российской Империи. В материалах съезда опубликован 41 доклад по проблемам художественного воспитания, каждый из которых сопровождался интереснейшими прениями, охватившими фактически всех участников отдела.О представительности и компетентности II-го Отдела Съезда свидетельствует список учреждений и общественных организаций, принявших участие в его работе и выразивших интересы художественного воспитания и образования во всех его звеньях.Сопоставление хода дискуссий, проходивших в восьми отделах съезда, показывает, что второй отдел, посвященный вопросам художественного воспитания, был наиболее массовым и ориентированным на

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Н.Н

. Фом

ина

/ В

торо

й В

серо

ссий

ский

съе

зд х

удож

нико

в

ФИ

ГУ

РИ

НА

41

практику. Собравшиеся учителя предпочитали доклады методического характера, выражали неудовольствие выступлениями психологов, историко-теоретическими рассуждениями. В таком поведении проявлялась не столько бестактность учительства, сколько желание высказаться самим. Среди трехсот педагогов не было людей случайных: каждый привез свой интересный опыт. Выставки ученических работ, по их мнению, не отражали многообразной практики художественного воспитания, сложившейся на местах.

<…> Теоретический уровень определяла работа первого отдела (эстетики и истории искусства), содержание которой можно рассматривать в качестве методологической основы всего съезда. Именно в работе первого отдела на примере искусства прошлых столетий и современности показана роль искусства в нравственно-эстетическом воспитании общества. Эта проблема объединила художников, представлявших разные направления и занимавших в то время заметное место в художественной жизни России: убежденного реалиста И.Е.Репина, представителей новых направлений в искусстве – Н.И. Кульбина и В.В. Кандинского, искусствоведа, профессора Д.В. Айналова и многих других.

<…> Большое место в первом отделе заняли доклады о новом соотношении разных видов искусства в культуре, об их взаимосвязи на художественно-образной основе. Доклад князя С.М. Волконского, посвященный ритму в искусстве, открыл сложность и глубину проблемы в исторической ретроспективе. А.Н. Дроздов в докладе «Живопись и музыка» выразил свое отношение к программной музыке, которую назвал «изобразительной». Анализируя современную

музыку и имея в виду, прежде всего, «Прометея» Скрябина, он утверждал: «Последние достижения изобразительной музыки открывают нам широкие перспективы в области эстетических синтезов».Н.И. Кульбин через анализ гармонии и диссонанса попытался выявить их «тесные сочетания в искусстве и жизни», говоря о законах гармонии, «как основных законах природы и как об основе искусства». Он высказал мысль, что из теории художественного творчества вытекает «один закон, а именно, что художник-живописец изображает не только цвет и формы, но и все те важные признаки предмета, которые необходимы для передачи поэтического переживания». Интересно, что в качестве аргумента Кульбин привлек детский рисунок.«Вот – детский рисунок, – объяснял Н.И.Кульбин. – Четырехлетний ребенок нарисовал нечто и говорил так: поезд идет, звонок звонит, звон летит. Здесь он нарисовал звук.Этого ребенка нельзя заподозрить в предумышленности, но у него есть предчувствие, интуиция. Затем, если взглянуть на остальные работы того же ребенка, то увидим, что он весьма своеобразно представляет красоту, он нарисовал вот это нечто и говорит: «красавица».В этих рисунках – подтверждение того, что попытки рисовать звук и т.д. – не блажь, не озорство, а это вечное искусство, существующее в природе».При объяснении новых течений в искусстве Н.И.Кульбин приходит к важному выводу: «Новое искусство, сближающееся с детским, уже не копирует природу, а стремится проникнуть в ее сущность». Следовательно, для представителя «нового искусства» «детское искусство» – часть природы, помогающая проникнуть в ее сущность.

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Н.Н

. Фом

ина

/ В

торо

й В

серо

ссий

ский

съе

зд х

удож

нико

в

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

42

В докладе В.В. Кандинского «О духовном в искусстве», прочитанном Н.И. Кульбиным, утверждалось: «Живопись – искусство, а искусство вообще не есть бесцельное создание вещей, растекающихся в пустоте, но есть сила и власть, полная целей и должно служить развитию и утончению человеческой души… Оно есть язык, которым говорят в только ему одному доступной и соответственной форме души о вещах, которые для души – хлеб насущный, и который она только и может получить в этом виде».Историк искусства Д.В. Айналов выразил крайне уважительное отношение к современному искусству, особо отметив В.В. Кандинского, доклад которого он воспринял как «новую идеологию современного искусства». Айналов поставил перед всеми участниками съезда проблему подготовки общества к восприятию новых форм в искусстве: «Мы все чувствуем всем существом своим, что прежние, недавние заветы художественного творчества как бы нарушены, что новое, иногда будто бы странное, непонятное, но крайне сложное искусство явилось на смену прежнего и требует себе места в жизни и в понимании общества, в его идеологии».Учитывая, что ребенок рассматривался участниками съезда как носитель искусства будущего, можно понять, что проблемы современного искусства тесно связывались с вопросами художественного воспитания и образования. Но сравнение дискуссий первого и второго отделов показывает существенную разницу в подходе к творчеству ребенка: если предметом внимания современных художников (представителей левого крыла в искусстве) был спонтанный детский рисунок («продукт природы»), то художники-педагоги собрались ради ответа на вопрос: чему и как учить на уроках рисования. То есть

в центре их внимания была проблема содержания и методов приобщения к искусству, новизна которых определялась открытием определенных фаз художественного развития детей и подростков, «природой» («натурой») ребенка, что объясняет сущность нового «натурального» метода преподавания рисования.Оба подхода – художественно-эстетический и художественно-педагогический – могли пересечься, так как в центре внимания и художника-авангардиста, и художника-учителя, имеющего, как правило, традиционную академическую подготовку, оказывался ребенок, его природные задатки и родовые особенности. Драматизм ситуации состоял в том, что, несмотря на единодушие в понимании целей и задач художественного просвещения всего населения страны и учащегося в первую очередь, расхождения, казалось бы, частного характера, которые будут показаны в процессе анализа содержания дискуссий, оказались существеннее. В результате, по большому счету, проблема художественного воспитания на уровне общеобразовательной школы была красиво показана на Съезде, но не была решена в полном объеме на государственном уровне.<…> Съезд проходил в здании Академии художеств в атмосфере искусства: его работа сопровождалась выставками художественного и педагогического характера. Они отражали как разные направления в изобразительном искусстве (русском и зарубежном), так и разные методы преподавания рисования: выставка старины и древней иконописи из частных собраний И.П. Лихачева, С.П. Рябушинского, В.М. Васнецова, И.И. Харитоненко; «Искусство в книге и плакате»; ХХ выставка Петербургского общества художников; выставка «Союза молодежи»,

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Н.Н

. Фом

ина

/ В

торо

й В

серо

ссий

ский

съе

зд х

удож

нико

в

ФИ

ГУ

РИ

НА

43

в ней участвовала группа москвичей, вскоре организовавших в Москве выставку «Ослиный хвост». В январе 1912 г. в Петербурге работала выставка «Сто лет французской живописи (1812 – 1912)», устроенная журналом «Аполлон» и Французским институтом в Петербурге, а также выставка «Мира искусства». О выставках педагогического характера участникам съезда подробно сообщил С.К. Исаков: «…одна находится в здании Академии художеств, это показательная выставка, иллюстрирующая новейшие и прежние течения в преподавании рисования. Тут вы найдете образцы моделей, применяющиеся при геометрическом и натуральном методах обучения. Коллекцию руководств и изданий по преподаванию рисования, по психологии детского возраста, по истории искусств, а также коллекцию образцовых иллюстрированных детских книг. Там же выставлены ученические работы, которые иллюстрируют новый, так называемый «натуральный» и прежний «геометрический» методы преподавания рисования. Кроме того, в 1-ом Реальном Училище выставлены работы учащихся по рисованию, лепке и ручному труду, присланные из различных учебных заведений».<…> Проблема создания особой эстетической среды для ребенка заняла видное место на Съезде. Этому способствовали выставки литературы (программно-методической, учебной и детской) и выступления специалистов. Следует отметить, что в 1908 году в Петербурге прошла выставка «Искусство в жизни детей», памятная участникам Съезда, среди которых находился ее организатор – Н.Д. Бартрам, в то время являвшийся заведующим художественной частью Кустарного музея в Москве, вошедший в историю как создатель Музея игрушки (1920 г.). В воспоминаниях дочери Н.Д. Бартрама приводится

отзыв о выставке «Искусство в жизни ребенка», опубликованный в журнале «Огонек» за ноябрь 1908 года. Содержание статьи дает возможность представить экспозицию, на которой были показаны экспонаты из Музея этнографии и антропологии – игрушки киргизов, самоедов, чукчей, гиляков, айнов; игрушечная мастерская московского уездного земства в Сергиевском посаде, коллекция художника Н.Д. Бартрама. Особо отмечалось присутствие детских работ: «Если к перечисленному выше присоединить экспонаты отдела «детских работ»: применение американского метода эстетического воспитания и индустриального образования в московской школе г-жи Шлегер, детское творчество и детские работы в детских клубах бывшего общества «Сетлемент» в Москве, работы гимназии г-жи Кирпичниковой в С.-Петербурге, «отдел музыки», которым заведует приват-доцент А.Ф. Каль, «отдел общества учителей рисования» с любопытными детскими рисунками дошкольного возраста, детские журналы…, то станет вполне очевидным, насколько широко обнимает программа замечательной выставки искусство в жизни ребенка».В «защиту красоты» в жизни ребенка на Съезде выступил Е.М. Кузьмин: «…Красота в школе. Скучная, казенная, бескрасочная обстановка современных школ. Чувство красоты между тем воспитывается не рассуждениями, а ее созерцанием. Необходимость цветов, красивых впечатлений. Красота в обиходе: домашняя обстановка, костюмы, жесты, слова». «Надо, чтобы ученик, войдя в класс, воспринимал со стен и потолка красивые впечатления и почувствовал идею красоты. Подобные попытки сделаны в Западной Европе, - в общественной школе в Цюрихе имеется стремление в стилизации ее в досках и партах, - окна

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Н.Н

. Фом

ина

/ В

торо

й В

серо

ссий

ский

съе

зд х

удож

нико

в

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

44

украшены цветами и т.д.».Многие докладчики связывали эстетизацию среды и атмосферы в семейном воспитании с домашним чтением, которое для маленького ребенка начинается с литературы, специально для него написанной и проиллюстрированной. Одним из главных недостатков современной детской книги художники-педагоги считали ее несоответствие «эволюции эстетических переживаний».Л.Г. Оршанский в докладе, специально посвященном иллюстрации детских книг, подчеркивая, что «совершается процесс обновления детской книги, сближения ее с искусством, освобождения ее из рук непризнанных к просвещению детей», утверждал: «Плохая или банальная иллюстрация отнимает у ребенка иллюзию, слащавая картинка низводит порывистое детское чувство до степени благовоспитанности. Сколько поучительного дает чтение детям вслух иллюстрированной книги. Дети слушают внимательно, быстро переводят слова в образы». Наблюдения Оршанского выявили педагогический аспект проблемы, который выражается в том, что «очень часто можно видеть большое разочарование» детей при восприятии иллюстраций.И далее он отмечает, что «только со времени появления интереса к детским рисункам возникает сознание необходимости и возможности такой работы». Он выражает также предположение о национальном характере детского творчества, поэтому ориентация на немецкие образцы при иллюстрировании детских книг «нам не подходит»; «…у нас и до сих пор нет полного иллюстрированного издания народных сказок, как имеются в Германии, Швеции, Англии. И только в самые последние годы

появляются первые художественно иллюстрированные книги. Имена художников известны: Нестеров, Билибин, А. Бенуа, Малютин».Проблему взаимодействия выразительного языка иллюстрации с детским рисунком развил Б.В.Смирнов, выделив воспитательное значение иллюстрации.<…> Смирнов предложил метод деятельного воспитания детей в процессе чтения иллюстрированной книги. «Нельзя ребенка научить любить книгу путем рассуждений, слова не всегда достигают цели. Нужно дать возможность ребенку, чтобы он сам создал книгу». Предварительно следует обратить внимание детей на иллюстрации в книгах, на обложку, на заставки, на концовки, - даже на украшение заглавных букв; ни одна мелочь не должна быть упущена, так как все эти мелочи способствуют художественной цельности книги. Рассказывая о своем опыте работы над иллюстрированной книгой с учениками, Смирнов отметил, что со стороны учеников был проявлен огромный интерес и желание создать свою библиотеку. Сюжетами книг были сказки (своего сочинения!), дневники каникул, пьесы и стихотворения (также своего сочинения). Свой доклад он проиллюстрировал демонстрацией тридцати пяти книжек – самостоятельных работ учеников приготовительного и первого классов Павлоградской Мужской Гимназии.Опыт, накопленный к тому времени в детских садах, свидетельствовал о том, что эстетическое воспитание следует начинать с самого раннего возраста и именно с организации среды. «…Все то, с чем ребенок близко соприкасается, должно быть непременно красивым, – убежденно говорил К.М. Лепилов в докладе, посвященном занятиям искусствами в семье и в

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Н.Н

. Фом

ина

/ В

торо

й В

серо

ссий

ский

съе

зд х

удож

нико

в

ФИ

ГУ

РИ

НА

45

детском саду. – Только таким путем можно надеяться развить в человеке эстетическое чувство, любовь ко всему прекрасному и желание делать самому только хорошее».Пафос его выступления выражен в «лозунге воспитания» того времени «от ребенка к методу», убеждении в верности слов Эллен Кей (Кей,Эллен –шведская писательница и педагог, автор знаменитой книги «Век ребенка»,1902 г. – Н.С.), назвавшей ХХ-й век веком ребенка, в доверии к наблюдениям, сделанным в области «психической жизни ребенка» экспериментальной психологией.В своих тезисах он подчеркнул следующие положения: «В виду громадного значения эстетического чувства в жизни и деятельности человека и принимая во внимание, что впечатления раннего детства укладываются в человеке гораздо глубже, чем все остальные, необходимо в систему воспитания ввести занятия искусствами». «В целях эстетического развития необходимо обращать внимание детей на красоты окружающей природы и обстановки». «Бумага, цветные карандаши, мелки, кусок линолеума на стене, краски и глина должны быть предоставлены ребенку с момента его сознательной жизни». «Ребенку должна быть предоставлена полная свобода в выборе сюжетов, а руководительство взрослых должно выражаться лишь указанием на логические несообразности изображаемого ребенком».Проблема соотношения свободы ребенка и участия педагога явилась определяющей при обсуждении и обосновании разных форм и методов приобщения к искусству. Уже в то время были сделаны наблюдения о развивающем значении занятий лепкой и конструктивной деятельностью, начиная с раннего детства.

С.К.Исаков утверждал, что занятия «скульптурой из бумаги» могут стать «первым шагом в художественном воспитании», начиная с 5-6-летнего возраста.Преимущества занятий скульптурой обосновывал известный скульптор И.Я.Гинзбург в докладе о преподавании лепки в общеобразовательной школе. «Научиться лепке, конечно, не более трудно, - утверждал он, - чем научиться играть или рисовать. Впечатление от предмета передается в лепке непосредственно тем же чувством, от которого оно исходит и которым воспринимается, осязанием. Это самое реальное, простое чувство. В действительности же, у нас до сих пор лепка в школах ставится в огромной зависимости от рисования».Многие участники дискуссии не согласились с Гинзбургом, но проблема была поставлена и получила свое позитивное решение в дальнейшем: опыт ХХ века показал, что многие задачи на развитие объемно-пространственного мышления успешнее решаются сначала в объемной форме, а затем на плоскости листа.<…> Д.Л. Лучинский поставил проблему преподавания истории искусств, как «необходимого элемента художественного (эстетического) образования и воспитания». «Первый громкий голос о необходимости преподавания истории искусств во всех учебных заведениях, – напомнил докладчик, – раздался у нас в России на 1У-м Съезде русских зодчих, когда после обширного доклада профессора Психо-Неврологического Института Владимира Николаевича Пясецкого «о значении искусств в нашей жизни и изучении их истории в русских школах», была вынесена следующая резолюция: «Четвертый Съезд русских зодчих, считая искусство одной из основ жизни, наравне с религией и наукой, а введение во все

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Н.Н

. Фом

ина

/ В

торо

й В

серо

ссий

ский

съе

зд х

удож

нико

в

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

46

русские школы системы эстетического образования и воспитания – подним из лучших факторов нравственного оздоровления России и увеличения ценности всех сторон деятельности русских граждан, – признает необходимым просить подлежащие правительственные учреждения принять к сведению следующие пожелания Съезда:1) О введении в реформированные низшие школы наглядных пояснений лучших памятников русского искусства и видов главных русских городов, при помощи постоянно находящихся в школах стенных таблиц;2) О введении во все средние и высшие учебные заведения общеобразовательного, более или менее сжатого, но полного, курса Всемирной истории изобразительных искусств, читаемой при помощи постоянно находящихся в этих учебных заведениях стенных таблиц.3) Об образовании при Императорской Академии Художеств особой комиссии специально по изданию на казенный счет систематических серий стенных таблиц, сначала по истории русского искусств, а затем и по истории искусств иных стран».<…> Доклад встретил возражения, которые со стороны искусствоведов мотивировались отсутствием педагогических кадров; художники-педагоги считали, что историки искусства читают курс неинтересно, не вызывая желания студентов и школьников заниматься искусством. Так, А.А. Павловский (из Петербурга) заявил следующее: «…я – профессор истории искусства… Надо отдать справедливость, что направление преподавания всеобщей истории за последнее время было или политическое, или экономическое, а культурой занимались мало. Только в последнее время начинают обращать внимание на

культуру и на искусство. Следовательно, лиц, которые могли бы преподавать историю искусств – нет…Мое предложение… такое: желательно ознакомление юношей и детей с историей искусств путем популярных сообщений, устраиваемых совместно для целого ряда учебных заведений и при помощи волшебного фонаря».«Шумные аплодисменты» вызвало убежденное заявление А.Т. Федотова: «Единственным лицом, могущим изложить понятно и увлекательно историю искусств, я считаю художника».А.Г. Гроссман утверждал, что по окончании средней школы девушки и юноши «сведущи в какой угодно области знаний, говорят о социальных вопросах, много читали, но для них идеалом пейзажиста является Айвазовский, а идеалом жанриста – Бельский».В результате дискуссии был поднят вопрос о взаимосвязи школы и семьи с музеями. Предметом специального рассмотрения явился опыт зарубежных музеев. Зарубежный опыт рассматривался как огромный источник знаний в области эстетического воспитания. Музеи еще в XIX в. стали пропагандистами своих коллекций. Их возможности в области эстетического воспитания расширялись благодаря изданию научно-популярных книг и брошюр, а также реп¬родукций. Во многих западных государствах были созданы общества, ставящие своей задачей организацию лекций об эстетическом обра¬зовании, устройство постоянных и подвижных музеев с репродукция¬ми художественных произведений для украшения ими стен учебных заведений. К концу XIX в. в Бер¬лине был создан союз для организации экскурсий среди молодежи школьного возраста, охватывающий своей деятельностью всю Герма¬нию.

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Н.Н

. Фом

ина

/ В

торо

й В

серо

ссий

ский

съе

зд х

удож

нико

в

ФИ

ГУ

РИ

НА

47

К 1910 г. в Северо-Американских Штатах было признано, что заботы о насаждении искусства в стране составляют обязанность государства, для чего был создан «Союз искусств», в который вошли 914 музеев, обществ и художественных кружков.Научно-популярная литература об искусстве и в России к концу XIX в. получала все большее распространение в связи с появлением репродукций и «све¬товых» картин, которые прикладывались к изданиям некоторых лек¬ций и брошюр об искусстве для массового читателя. Методы популя¬ризации искусства, получившие распространение в музеях, применя¬лись и в популярных изданиях об искусстве, и в школе. Но самым распростра-ненным в литературе оставался метод биографического рассказа о художнике, восходящий к «Жизнеописаниям наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» Джорджо Вазари.Среди сообщений, в которых объединились разнообразные соображения в области эстетического воспитания, своей компетентностью и широтой постановки проблемы выделился доклад Юдина А.Н. «Эстетическое воспитание в семье и школе и его значение в развитии искусства (на материале гимназий Министерства народного просвещения)».<…> Именно в связи с докладом А.Н. Юдина развернулась дискуссия о том, как преподавать рисование, о методе. «При старом геометрическом методе в классе была искусственная, – считал Юдин, – скучная обстановка (проволочные модели геометрического тела, орнаменты, маски и т.д. – все формы без цвета), среди которой нет места ни фантазии, ни свободному индивидуальному творчеству, ни понимания живой действительности». В результате «…юношество не возбуждалось видеть

и понимать красоту, не научалось и изображать ее, и выходило в жизнь без всякого запаса постоянных, живейших и бескорыстных радостей».В основе нового натурального метода понимание того, что «не должно подавлять самобытности стремлений и способностей человека, каждый должен смотреть на природу своим взглядом, самостоятельным, а не пользоваться шаблонными понятиями о жизни, правде и красоте.…Путем интенсивного наблюдения над окружающей жизнью, дети могут научиться отражать эту жизнь. Для сего вводится, кроме рисования с натуры карандашом и красками, рисование по памяти, на заданные темы, свободное творчество, лепка, знакомство с художественными произведениями путем их рассматривания, посещение музеев, экскурсий».«Принцип нового метода: краски, свет неразрывны с формой, они же, неизбежно являются единственной почвой, из которой должна развиваться каждая картина, каждое украшение помещения, – невозможно видеть мир иначе, как через цвет и форму.Большое значение в воспитательном и художественном отношении имеют рисовальные экскурсии за город под руководством учителя».<…> Участниками дебатов предлагались конкретные меры по совершенствованию художественно-педагогического образования, программы и учебные пособия. Концептуальной основой дискуссий стала идея о смене приоритетов в содержании образования учителей искусства: главным должны были стать психолого-педагогические дисциплины, которые определяли путь приобщения к искусству – «от ребенка к методу», что существенно отличалось от принятых в художественных вузах традиций, когда не очень успешный художник вынужденно предпочитал

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Н.Н

. Фом

ина

/ В

торо

й В

серо

ссий

ский

съе

зд х

удож

нико

в

48

труд учителя.

Геометрический метод преподавания рисованияМодели для преподавания рисования

Работы учащихся по рисованию с натуры

49

Натуральный метод преподавания рисованияМодели для рисования с натуры по натуральному методу

Рисование с человеческой фигурыРисование с живых животных

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

50

<…> Н.В.Лебедева познакомила с положением дел в учебных заведениях, из которых выпускаются учителя искусства.«Во-первых, Академия Художеств и при ней Педагогические Курсы.…История методики рисования отсутствует, несмотря на огромный материал в академической библиотеке…Во-вторых, Центральное Училище технического рисования барона Штиглица.В Училище, кроме научных и специально-художественных предметов, читается методика рисования. Ученики, приобретшие надлежащую опытность в преподавании практическими занятиями в состоящей при Центральном училище начальной школе, получают особые свидетельства, дающие право занимать должности учителей рисования и черчения в средних и низших учебных заведениях.Далее – Императорское Строгановское Художественно-промышленное училище.… В программе училища приводятся исключительно художественно-образовательные предметы. Здесь даже и о методике не упоминается».<…> Традиция проведения выставок ученических работ в стенах Академии художеств имеет свою продолжительную историю, в которой были сильные и слабые стороны. Проведение съезда в стенах Академии совпало с тем периодом, когда академическое образование переживало известный кризис.<…> А.К. Воскресенский, выступая в защиту Академии художеств, напомнил, что именно «сама Академия Художеств обратила внимание на обездоленное положение предмета и решила сделать первый шаг к поднятию его значения и более рациональной

постановки обучения. По учебным округам и учебным заведениям был разослан циркуляр, приглашающий прислать в Академию работы учащихся по рисованию, для ознакомления с существующими методами и общим положением вопроса. … Это было давно: слишком 40 лет назад».Причиной ошибочного направления в обучении рисованию в большинстве учебных заведений они считали «подчинение рисования надзору лиц не только не компетентных в этом деле, но часто имеющих о нем самые превратные понятия, т.е. видящих успехи в рисовании лишь в том случае, когда ученики отчетливо копируют с готовых образцов». Единственным выходом являлось учреждение постоянного специального органа, «надзирающего за обучением рисованию, что и предприняла Академия, организовав периодические конкурсы учебных заведений по рисованию».Со временем наметилось расхождение в требованиях к качеству учебных работ между Академией, местным школьным начальством и современными педагогическими веяниями. «… Для выигрышного участия в конкурсах, для того, чтобы можно было показать товар лицом и пришибить конкурента, нужно вдвое больше времени, нужна чеканка в работах, отделка, законченность, чистота, – словом – мастерство. В ученических же рисунках, это встречается весьма редко, – особенно теперь, когда, согласно новейшим взглядам, главное место в процессе работы занимает не степень ее законченности или техническая отделка, а те духовные приобретения, которые совершаются попутно. Следовательно, более важно не то, что изображено на бумаге, а тот путь, по которому шел изображающий; те умственные этапы, которые были им пройдены

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Н.Н

. Фом

ина

/ В

торо

й В

серо

ссий

ский

съе

зд х

удож

нико

в

ФИ

ГУ

РИ

НА

51

предварительно; те сложные психологические переживания, во время которых ему пришлось многое перечувствовать».<…> В своем выступлении А.В.Маковский показал, что, несмотря на противоречивое отношение учителей рисования к Академии, конкурсы по-прежнему пользуются широкой популярностью среди них. Так, последняя конкурсная выставка не состоялась из-за огромного количества присланных работ, что затруднило ее организацию. «Было прислано 300 тысяч рисунков, и их негде было поместить… Работа продолжалась полторы недели, от света до света. Я являюсь на первое заседание с членами Комиссии Брюлловым, Боткиным и Бенуа, и мы начинаем обходить выставку. Обход длился часа три, причем в выставочном помещении было 5 градусов мороза в то время, когда на улице было 6 градусов» .Позиция учителей была непримиримой, они стремились освободиться от диктата Академии в общеобразовательных учебных заведениях.К.М. Лепилов высказал убеждение, что «Академия попросту игнорирует преподавание рисования!», встреченное «шумными аплодисментами».Выступления против Академии не могли решить главной проблемы: задачи проведения выставок ученических работ. Хотя в ходе их обсуждения были обозначены и просветительские, и методические, и воспитательные задачи выставок, то есть, обозначен широкий круг функций в рамках педагогики и воспитания учащихся.<…> По общему мнению, сложившемуся в результате докладов и дискуссий, обсуждения выставок и конкурсов, перспективным методом приобщения к искусству был признан натуральный метод. Именно этой общей позицией руководствовались

художники-педагоги, предложившие государственным ведомствам свой проект решения, выработанный на заключительных заседаниях II Отдела Съезда. Их предложения, с которыми исполнительная комиссия Съезда обратилась к Министру Народного Просвещения, были выражены в следующем ходатайстве:«О скорейшем пересмотре ныне существующих программ по обучению рисованию в общеобразовательных учебных заведениях, не отвечающих требованиям современной педагогики и не содействующих развитию всех способностей, заложенных в натуре каждого человека.Новые программы должны быть составлены в полном соответствии с запросами жизни; должны быть лишены мертвых устарелых форм и намечены лишь в общих чертах, предоставляя возможный простор инициативе отдельного преподавателя».<…> Художники-педагоги настаивали на новых формах взаимодействия школы с Академией художеств, что выразилось в следующем тезисе: «О замене существующих при Императорской Академии Художеств конкурсных комиссий, для рассмотрения работ учащихся по рисованию в учебных заведениях… - организацией всероссийских выставок при съездах учителей рисования, созываемых периодически. Кроме Всероссийских учительских Съездов и выставок, необходимы такие же Съезды и выставки местные, окружные и областные».<…> Рассмотрев данные предложения, Министерство Народного Просвещения признало «возможным осуществить эти пожелания лишь в форме допущения преподавания в учебных заведениях только общих начал искусств, в виде необязательного предмета для желающих, и в свободное от обязательных занятий

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

Н.Н

. Фом

ина

/ В

торо

й В

серо

ссий

ский

съе

зд х

удож

нико

в

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

52

время».В свою очередь Академия Художеств напомнила, что «право наблюдения за преподаванием рисования в различных учебных заведениях уже предоставлено Императорской Академии Художеств (п.4, &5 Устава Академии 1893 г.)

Репрессивный перелом в художественной культуре СССР. 1930-е

Н.Н. Михайлова(1941 – 2004)

Художественные школы как первая ступень профессионального образованияФрагмент статьи

(Цит. по: Михайлова Н. Художественные школы как первая ступень профессионального образования // История художественного образования в России. Проблемы культуры XX века. Монография / ФГНУ «Институт художественного образования» Российской академии

образования. М.; «Педагогика», 2002. С. 110 – 112.)

Художественное образование в большей мере, чем искусство, находится в зависимости от материальных условий, культурных традиций, политической организации существующего общественного строя.Художественная жизнь 1930-х годов в СССР развивалась очень динамично. На протяжении этого десятилетия совершенствовались и формы идеологического и административного воздействия на культуру и искусство. В это время окончательно утвердился на долгие годы как основополагающий метод «социалистического реализма». Начал действовать первый пятилетний план 1928–1933 гг. Для его осуществления были приглашены американские и немецкие инженеры и архитекторы.

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

1930

-е /

Н.Н

. Мих

айло

ва /

Худ

ожес

твен

ные

шко

лы

ФИ

ГУ

РИ

НА

53

В это же время, наряду с иностранными художниками, архитекторами и инженерами, в культурной жизни и индустриальном формотворчестве продолжали играть видную роль и отечественные художники разных направлений, которые верили, что коммунизм как политически передовая идеология нуждается в передовом по своим художественным формам искусстве.Искусство первой пятилетки провозглашает новое понимание отношения искусства к натуре. Общественное назначение, которое утверждалось в это время за искусством, должно было выражаться в идейном воспитании человека и отражаться в образах, воспевающих счастливую жизнь строящегося социализма, в изображениях, способных «тронуть сердце и разум». При такой трактовке целей искусства именно идея приобретала первенствующее значение в произведениях изобразительного искусства. Причем, идея должна была быть выражена в любом жанре, любом сюжете. При этом художник изображал не конкретный предмет или человека, а некий жизнеутверждающий символ.Провозглашенный на первом Всесоюзном съезде писателей Максимом Горьким метод социалистического реализма должен был окончательно придать советскому искусству более традиционное, приближенное к народу звучание. Основными требованиями партийных идеологов, выдвинутыми в 30-е годы, были: искусство должно быть идейным – открыто демонстрировать свое соответствие политическим лозунгам, искусство должно быть активным и социально опосредованным, доступным и понятным народу, искусство должно отражать действительность. К середине 30-х годов формулировки социалистического реализма

неоднократно изменялись, уточнялись и пришли к требованию не просто активного, идейного отношения к жизни, но и обязательного отражения в произведениях революционного социалистического идеала, что означало идеализацию действительности. Деятелям культуры было предложено «создать советскую классику». В результате торжества этого метода советский авангард утратил в 30-е годы свои передовые позиции в советском искусстве.Конечно, авангард, благодаря новаторским художественным формам выражения, не мог быть понятен широким массам и, даже, отрицался частью зрителей. Такая ситуация в художественной жизни позволила функционерам от искусства объявить его «антинародным». Партийная критика стала решительно отвергать беспредметное искусство, а любые проявления необычных художественных форм объявлялись формалистическими. Статьи Осипа Бескина «Формализм в живописи» и «О незаинтересованности эстетического суждения», вышедшие в 1933 году, положили начало борьбе с формализмом. Для многих художников 30-х годов, занимавшихся долгое время революционными исканиями, это обернулось жестоким разочарованием, их отбросили к «классическому реализму» XIX века, который, как считала партийная бюрократия, должен быть понятен народу. Художникам предложили воспевать советский строй, строительство новой счастливой жизни под руководством партии и лично товарища Сталина. Тем, кто не подчинялся этим идеологическим установкам и находил другие цели искусства, был закрыт доступ к общественной жизни. Художники, которые продолжали профессиональный поиск новых форм, объявлялись безыдейными формалистами,

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

1930

-е /

Н.Н

. Мих

айло

ва /

Худ

ожес

твен

ные

шко

лы

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

54

подвергались «народному осуждению», наиболее последовательно отстаивающие свои убеждения подвергались мерам принуждения, вплоть до ареста, ссылки и расстрела. Постоянный диктат и цензура партийных органов, кампа¬нии «народного гнева и осуждения», притязания на управление искусством закреплялись постановлениями высших партийных органов.После опубликования постановления ЦК ВКП(б) от 23 апреля 1932 года «О перестройке литературно-художественных организаций» в отдельных автономных, союзных республиках, краях, областях и городах на его основе начали создаваться союзы художников. Так МОСХ создан в 1933 году. В этом же году воссоздана Всероссийская Академия художеств в Ленинграде, являвшаяся высшим учебным заведением. Объединение художников в профессиональные союзы облегчало надзор за состоянием умов и творческим процессом. В 1930 году закрылся ВХУТЕИН. Педагогическая система от методов, принятых во ВХУТЕМАСе и ВХУТЕИНе, сочетавших научные и художественные дисциплины, имевшие целью обучать студентов многообразному языку пластических форм, законам формо- и цветообразования, сочетавших универсальные авторские курсы В.А.Фаворского, П.Я.Павлинова, К.Н.Истомина, включавших курсы художественного конструирования, постепенно эволюционировала к формам обучения, ориентированным на подготовку, главным образом, художников-станковистов.К концу 20-х - началу 30-х годов начинает складываться представление о том, что школа имеет свои специфические задачи по сравнению с творчеством. В программах преобладает учебная установка, что приводит к тому, что учащиеся

оказываются на положении ученика, а не начинающего художника, каковыми они себя ощущали во ВХУТЕМАСе и ВХУТЕИНе. В этих учебных заведениях существовали черты школы-мастерской, где большое значение имели личность педагога, его творческие поиски, а одна и та же программа, внедряемая большими художниками своего времени, могла повернуться различными гранями, что создавало условия для наиболее полного развития творческой личности.На базе ВХУТЕИНа были основаны художественные институты: институт живописи, скульптуры и архитектуры в Ленинграде, институт изобразительного искусства и архитектурный институт в Москве. Воссозданная в 1933 году «Всероссийская Академия Художеств должна была осуществлять научно-методическое руководство подготовкой художественных кадров, содействовать творческому развитию принципов социалистического реализма в практике и теории советской многонациональной художественной культуры».<…>

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

1930

-е /

Н.Н

. Мих

айло

ва /

Худ

ожес

твен

ные

шко

лы

naturе morte / мертвая природа

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

56

НАТЮРМОРТc1898 по 1962 год

Выставка из коллекции Музея детского рисунка ФГБНУ «Института художественного образования и культурологии» Российской академии образования

Подбор и подготовка рисунков, научное консультирование – Н.Н. Фомина, член-корреспондент РАО, доктор педагогических наук, заведующая лабораторией изобразительного искусства ФГНУ ИХО РАО.

Авторы идеи и кураторы выставки – Татьяна Селиванова, Николай СеливановФотосъемка – Виктория Майорова

Натюрморт – один из жанров изобразительного искусства. Известны натюрморты декоративные, символические, философские, аналитические, абстрактные, написанные на открытом воздухе, являющиеся частями фресок, натюрморты «обманки» и т.д. Но главная и самая распространенная функция натюрморта – учебная. Натюрморт является основным дидактическим инструментом художественного образования уже несколько столетий. Продуманная комбинация предметов, или, точнее говоря – комбинация формы / цвета / освещения / фактуры, позволяет художнику анализировать, соотносить,

абстрагировать, экспериментировать и тем самым, развивать свое художественно-пластическое мышление, учиться и совершенствоваться. Но работа с натюрмортом, развитие и обучение художника полностью зависят от поставленной задачи. А задачи могут быть разные, и натюрморт можно использовать для разных целей.

Историческая экспозиция знакомит с положением дел в отечественном художественном образовании. Небольшая выставка из коллекции Музея детского рисунка представляет подборку натюрмортов и дидактических материалов, отобранных временем, типологически раскрывающих традицию, которую «поддерживала» Императорская Академия художеств, утверждая учебные программы по ИЗО для Министерства просвещения и проводя выставки-конкурсы ученических работ. Эту административную «традицию» безуспешно пытались изменить все передовые педагоги и художники, начиная с середины XIX века. Об этой традиции когда-то иронично высказался самый известный российский педагог Павел Петрович Чистяков: «У нас натурально, а у них (Тициана и Караваджо) лучше».После установления в СССР в 1930-е годы безальтернативной «академической» традиции, натюрморт, по сути, превращается в инструмент для интеллектуальной и эмоциональной репрессии детей и подростков. Это очень выразительно демонстрирует «матрица» этой дидактики – стеклянные негативы, с которых тиражировались «Примерные годовые планы уроков рисования для общеобразовательной школы с 1-го по 7-й класс» (1950 – 60-е годы). Большая часть заданий здесь связана с рисованием предметов по отдельности, изолированно, даже не натюрмортов.

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

nat

urе

mor

te /

мер

твая

при

рода

ФИ

ГУ

РИ

НА

57

Примитивность, натурализм, ограниченность, грубость, антиэстетика, копирование образцов, многократное повторение, бессмыслица – только так можно охарактеризовать этот тотальный для нашей страны метод художественного воспитания.

«...чем руководствовался преподаватель, выполняя ту или иную программу? Почему, например, для натуры в I классе вслед за апельсином ставилась мельница, а за книгой утюг? Какая между ними внутренняя связь? Где постепенность по трудности исполнения и с чем, собственно, преподаватель хотел ознакомить учеников?… И темы для иллюстраций иногда приводят в недоумение. Например, ученицам III класса предложено: «Ночь. Келья в Чудовом монастыре (Пимен и Григорий)». Трактовка у десяти учениц, как у одной. На всех рисунках одинаковая келья, везде Пимен сидит на табурете у стола, подперев левой рукой голову и держа перо в правой. Григорий лежит на полу… Ну, где же здесь хоть намек на индивидуальность? Очевидно, ранее детям показали неудачную картину. Тогда для чего же собственно их иллюстрация? И какой смысл иллюстрации вообще?».

(Цит. по: Труды Всероссийский съезд художников в Петрограде.

Декабрь 1911 – январь 1912. Пг., т. 1, 1914; т. 2 -3. 1915)

Примерные годовые планы уроков рисования для общеобразовательной школы с 1-го по 7-й класс.

Стеклянные негативы для печати методических пособий.Академия педагогических наук СССР

1960-е годы

->Страница из альбома методических материалов по ИЗО

СССР. 1940-е годы

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

nat

urе

mor

te /

мер

твая

при

рода

Страницыиз альбомов методических материалов по ИЗО. СССР. 1930 -1940-е годы

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

62

В подобранной коллекции рисунков удивляет совсем другое – то, как живое, творческое начало находит для себя путь в условиях жесткого «канона», когда педагоги формулируют не учебные, а художественные задачи. Но это, скорее, редкие исключения, в контексте «мертвой природы».Эти ученические работы из коллекции ИХО РАО интересны также трансляцией мироощущения своей эпохи, отражением доминирующих в это время тенденций в искусстве. В центре образовательного процесса всегда находится преподаватель – его художественные взгляды, его творчество, его идеология проецируются на работы учеников. Эти учительские проекции могут быть не явно выражены, а вот время всегда можно опознать. След времени не только в пожелтевшей бумаге, но и в изысканных линиях предметов в рисунке 20-х годов, отсылающих нас к эстетике серебряного века. Или чертежная жесткость линий, свойственная конструктивизму, отличает натюрморты «школы Ленинград». Здесь можно встретить приглушенность и сложность колорита Фалька и декоративизм Экстер, или прозрачность акварелей Фонвизина. Но помимо стилистических ассоциаций, цитат из мира живописи, в натюрмортах время живет в предметах, в самих изображаемых вещах. Кузнецовский фарфор и венский стул как воспоминания о XIX веке, казенность тяжелого пресс-папье и чернильница с «боевой» перьевой ручкой из 40-х, мясорубка, «унесенные временем» бутыли из под молока… И только чучело вороны неизменно – стоит в натюрмортных фондах обязательным атрибутом художественного образования и поныне.

Щербаков В. Натюрморт с луковицей и коробкой спичек. 15 марта 1941. Москва. Изо-студия ЦДХВД. Картон, масло.15х18.

Коллекция Института художественного образования РАО. Инв. П136№(1)

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ре

ме

сл

о/

nat

urе

mor

te /

мер

твая

при

рода

Лиморенко Анна, 15 лет. Натюрморт с рыбами и гранатом. 1961. Преподаватель В.С. Щербаков. Картон, масло. 39,5х52Коллекция Института художественного образования РАО. Инв. Пщ39 №88

Егоров Виктор. Натюрморт: туфли, кувшин, чашаНачало 1920-х. Бумага, итальянский карандаш. 23х35,5

Коллекция Института художественного образования РАО. Инв. П80 №10

Неизвестный автор. Скрипка и футляр. 1928-29. Москва, школа им. К.Маркса.

Бумага, карандаш, гуашь. 50х 35Коллекция Института художественного

образования РАО. Инв. П4 №192

– главное в векторе будущего – сами дети. Они будут.Борис Юсов

– манифесты преобразований –

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

68

Бруно Мунари

Искусство как ремесло

Бруно Мунари (1907 – 1998) – итальянский художник, дизайнер, педагог, теоретик. Ключевая фигура в культуре Италии второй половины XX века.

Цит. по: Искусство как ремесло / Бруно Мунари

[пер. с итал. М. Визеля]. М.: Издатель Д. Аронов. 2014. C. 18-20.

<…> Пришло время отказаться от мифа о художнике-боже¬стве, создающем исключительно шедевры для самой изыс¬канной публики. Пора понять: покуда искусство отстра¬няется от жизненных проблем, оно мало кому интересно. <…> Художнику следует отказаться от всяких романтических представле¬ний и стать нормальным человеком, работающим среди других людей – осведомленным о современных техноло¬гиях, материалах и способах организации труда. И, не изме¬няя своему врожденному эстетическому чувству, скромно и компетентно отвечать на запросы ближнего своего.Дизайнер – вот кто призван восстановить утерянный контакт между искусством и зрителями. Имеется в виду – живым искусством и живыми зрителями. Не картина для залы, а электроприбор для кухни. Не должно быть искус¬ства, оторванного от жизни (прекрасным – любоваться, уродливым – пользоваться). Если создавать предметы нашего повседневного обихода как произведения искусства (и при этом – не по случайному капризу художника), нам больше ничего не придется прятать.

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/ Б

руно

Мун

ари

ФИ

ГУ

РИ

НА

69

Перед теми, кто занимается дизайном, стоит важная за¬дача: очистить мозги ближнего своего от всех предубежде¬ний касательно искусства, предубеждений самой догматической природы, заставляющих человека думать одинаково всю свою жизнь, не обращая внимания на то, что жизнь ме¬няется, и в наши дни быстрее, чем когда бы то ни было!<…> Дизайн появился в 1919 году, когда Вальтер Гропиус основал в Веймаре Баухауз. В программе этой школы говорилось:Мы знаем, что научить можно только техническим способам реализации художественного замысла, но не искусству. Функции искусства была придана в прошлом формальная значимость, которая отторгла его от нашего повседневного существования, в то время как искусство всегда присутствует там, где живет здоровый и честный народ.Поэтому наша задача – создать новую систему образования, которая сможет привести благодаря новому учебному плану, опи¬рающемуся на науку и технику, к полному пониманию человеческих потребностей и к исчерпывающему удовлетворению их.Таким образом, мы должны сформировать новый тип худож¬ника-творца, способного работать в любом жанре, который пона¬добится, – не в силу собственной одаренности, а потому, что он знает, как соответствовать человеческим нуждам <…>. Мы хотим подкрепить его уверенность в собствен¬ном творческом потенциале, научить его не пасовать перед новыми фактами в собственной работе, свободной от готовых формул.С того времени мы наблюдаем за всe убыстряющейся сменой стилей в искусстве: абстракционизм,

дадаизм, кубизм, сюрреа¬лизм, информализм, неоабстракционизм, неосюрреализм, неода¬даизм, поп-арт, оп-арт. Одно пожирает другое, и снова всe начинается сначала.Слова Гропиуса не потеряли своего значения; а программа этой первой школы дизайна претендовала на то, чтобы сформи¬ровать художника нового типа – художника, полезного обществу, помогающего ему обрести равновесие и избавиться от разделения на «фальшивый» мир, в котором мы живем материально, и мир «идеальный», в котором можно найти моральное убежище.Когда предметы, которыми мы пользуемся каждый день, и сама среда, в которой мы живем, станут произведением искусства – то¬гда можно будет говорить о том, что такое жизненное равновесие достигнуто.<…>

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/ Б

руно

Мун

ари

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

70

Фабрицио Фьордипонти

Манифест ARTINSIEME

ARTINSIEME (insieme, наречие «вместе»; существительное «ансамбль»)Фабрицио Фьордипонти итальянский музыкант, педагог, режиссер, теоретик.www.artinsieme.eu

ArtInsieme можно понимать как «Все искусства вместе», сокращенно –ВСЕИСКУССТВА.Artinsieme является педагогическим проектом, который находится на пересечении различных форм традиционных искусств и познавательных направлений (все они здесь рассматриваются как искусства). Проект представляет модель школы, сама деятельность в которой понимается как Искусство Преподавания (Art of Teaching).Artinsieme не видит никакой разницы между Искусством и Познанием (научными формами описания мира – Н.С.), но рассматривает их как явления одного порядка, в соответствии с древней классификацией всех областей знаний по двум группам – искусств тривиум и искусств квадривиум (Семь Свободных Искусств). Для Artinsieme художественная культура и научно-дисциплинарное познание – есть Искусства, потому что знание является Единым.Artinsieme черпает свое вдохновение из педагогических теорий французского

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/ Ф

абри

цио

Фьо

рдип

онти

ФИ

ГУ

РИ

НА

71

философа и социолога Эдгара Морена (Edgar Morin), выраженных в формуле – «хорошо сделанная голова» (“the well-done head”).С позиций Artinsieme, Искусство, в первую очередь, являясь делом творческой свободы, не может оставаться в закостеневших формах (застывших и «ископаемых»). Эти закостеневшие формы принадлежат прошлому, и они являются препятствием для экспериментов, исследований и развития. Они, скорее, «закрывают ум, а не открывают его» (буквально – Н.С.).С позиций Artinsieme, каждое из искусств связано с другими посредством логических смысловых связей, и все искусства соотносятся друг с другом.Как известно, зрелость каждого человека прямо пропорциональна его возможностям связного восприятия вещей, поэтому в Artinsieme знания не исчерпываются одним из Искусств, они развиваются путем изменений, двигаясь от одного Искусства к другому (например, от музыки к живописи, поэзии, кино, театру, от истории к биологии, социологии, психологии, философии, экономике, от математики к лингвистике и так далее). В других случаях, одно Искусство укрепляет мысль, уже высказанную другим Искусством, посредством его обогащения.Все происходит в непрерывном потоке Познания, что благодаря многопрофильности, облегчает процесс обучения и познания (объяснение этому можно найти в теории множественного интеллекта Говарда Гарднера). Вся эта сложная структура становится основанием для формирования гибких и мнослойных идей, для расходящихся или сходящихся направлений мысли (как показано в работах Д.П. Гилфорда (J.P. Guilford), американского психолога, занимавшегося диагностикой творческих способностей).

Мысль, развиваемая с позиций Artinsieme, одновременно предрасположена к математической (научной) логике, и к творчеству (выражению), интерпретации, к планированию, а также к импровизации, к индуктивным, дедуктивным и другим умозрительным методам, подготавливающим мышление как для восприятия уже существующих схем, так и освобождающих от тех же схем, с целью создания новых и более эффективных идей. Ведь легче решать проблемы, если мы будем смотреть на них с разных точек зрения, обладая более широким диапазоном знаний и используя разные интеллектуальные системы.С позиций Artinsieme, каждое из Искусств, обладая своей собственной природой, в то же время не может обойтись без связей с другими.Artinsieme должно быть свободным, всегда оставаться свободным и не опускаться до компромиссов, которые могут изменять эту сущность, заставлять изменяться и переставать быть тем, чем оно на самом деле является.С практической педагогической точки зрения, для того, чтобы помочь развитию этого способа мышления (что необходимо в мире глобализации), Artinsieme необходимо:– представлять Искусство, прежде всего, как инструмент познания (нет ничего более захватывающего, чем знание и понимание вещей);– объединять Искусства и традиционные знания в органичную общую структуру, которая превращается в Прекрасное (каким Искусство всегда должно быть), и составляет собственную силу из сил многих Искусств, движущихся по синергетическому пути в едином направлении;– пробуждать интерес людей к Искусству и Культуре

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/ Ф

абри

цио

Фьо

рдип

онти

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

72

настолько, насколько это возможно;– приучать человека к сознательному уважению всех правил, принятых в современном обществе, уважению к свободе слова, к свободе, необходимой для развития Науки и Искусства, к гражданскому обсуждению самих правил, к чувству сопричастности к другим людям, поддерживать интеграцию, вместо нетерпимости и расизма;– обучение должно преследовать в основном благотворительные, а не коммерческие цели, потому что Искусство, когда оно используется, чтобы творить добро, становится еще прекраснее ...Artinsieme – это не только Искусство, как это может показаться из первой части термина: – «арт» –…, используемого в общепринятом сегодня этимологическом смысле. Artinsieme является «новым» способом бытия –арт’а – самого, новым смыслом Искусства.Мы не понимаем, почему прекрасная перспектива понимания смысла познания была утрачена, а слово -арт- отделено от использования применительно к специфическим областям знаний (астрономического искусства, математического искусства, военно-морского искусства и т.д.). И сегодня мы используем такие «холодные» термины, как «дисциплина», или хуже того и «холоднее» – «предмет»!Астрономия, литература, музыка, живопись, математика, архитектура, экономика, кино, театр, психология, социология и т.д. требуют исследований, которые не могут не принимать во внимание творческий потенциал, и/или интерпретацию, и/или выразительность. Кроме того, изучение является всегда творческим, и/или объяснительным, и/или выразительным.Посредством творческого потенциала,

выразительности и интерпретации субъект обучения проявляет собственный интеллект и собственную восприимчивость. Для каждой области познания (без исключений) необходимы творческие, выразительные и объяснительные способности человека, чтобы эта область стала изученной, исследованной и «продвинутой».Исследователь и ученый является творцом, как музыкант или живописец. В своей работе они преследуют общую цель, которая является исследованием, и/или изучением, которое протекает в процессе обучения. Ученый, как, вообще, любой исследователь, отправляется на поиски истины, или в поисках усовершенствования, точно так же, как и художник. Все они ищут объяснение определенным явлениям природы, этики, души, общества, физики...Именно поэтому, в соответствии с Artinsieme, каждое поле знания – это есть -арт-, Искусство. Следовательно, познание – это Искусство. Еще в древние времена разделение искусств на две ступени – тривиум и квадривиум, было ошибкой. Однако, по крайней мере, там сохранялось слово -арт-.А сегодня мы смешны. Ведь знание – едино!Мы не понимаем, почему в начальной и в средней школе, с первого класса, есть разделение знания на «дисциплины» (математика, итальянский и т.д.) и область «дополнительного развития» (физическое воспитание, художественное образование или рисование, музыка и т.д.). А если развития личности в математике или в изучении итальянского не происходит (?), или, что делать, если мы не можем получить образование с их помощью? Какой в этом смысл?Кроме того, что означает «обучение рисованию»? Это шанс дать детям возможность развить свой

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/ Ф

абри

цио

Фьо

рдип

онти

ФИ

ГУ

РИ

НА

73

собственный взгляд на мир! Но нет, они его не получают! Они рисуют, они красят, они вырезают и т.д.Artinsieme предлагает ввести в школьный процесс обучения понятия, которые являются правильными с этимологической точки зрения: Лингвистическое Искусство (это искусство или нет, если мы умеем хорошо читать и писать?), Математическое Искусство (это искусство или нет, если мы умеем хорошо решать задачи?), Музыкальное Искусство, Техническое Искусство, Экономическое Искусство, Искусство Выражения (например, вместо «рисования») и т.д.Artinsieme стремится к единству Познания, к единству Искусств. Мы думаем, что этот шаг необходим для развития человеческого вида в сторону добра. Действительно, мы полагаем, что стоящие проблемы должны быть исследованы в нескольких дисциплинарных перспективах (то есть, согласно Artinsieme, артистических перспективах). Так, с экономической проблемой нельзя оставаться только на экономическом уровне. Экономическую проблему стоит исследовать с позиций разных областей знаний, которые должны включать, например, социологические, психологические, юридические оценки и т.д. Мы можем сказать то же самое об экологических проблемах или любых других проблемах человечества.Разделение культуры на сектора и профессиональные специализации, как и существующие сегодня формы «предложенного знания», представлены так, как будто все мысли встроены в жесткие понятийные рамки. Таким образом, мысль оказалась мало адаптированной к пониманию междисциплинарных связей.Благодаря специализации, сознание человека развивалось путем детализации

знания, но интеллект, развитый таким образом, остается только микроскопическим сектором в поле значительно большего знания. Такая специализация принесла значительные результаты в бесконечно малых областях культуры, и… одновременно породила полное незнание чего-нибудь другого.Из этого следует, что о явлениях судят и их оценивают с помощью предубеждений и предвзятых мнений, а не на основании действительного понимания того, чем являются вещи и явления в контексте широкого обзора.А чтобы говорить научно, мы активируем в памяти только те нейронные связи, которые принадлежат к области «научного объяснения», в то время как другие нейронные связи не задействуются.У гиперспециализированного человека есть общие представления о других областях знания – частично или совсем несвязанных с его компетенциями. Но такие представления у гиперспециализированного человека в большинстве случаев ложны, потому что они не поддержаны научными знаниями, которые находятся вне его сектора профессиональной компетентности. Так, титул «доктор ...», получаемый в университете, воспринимается обществом как гарантийный талон на интеллект или научную подготовку его владельца. Но мы думаем, что научная степень в какой-либо одной области знания подразумевает, в то же самое время, невежество в чем-нибудь другом.Но такое положение зависит от доброй воли ученого, который может стремиться развивать свои знания, заполняя пробелы в других областях. Практик, который действует так, безусловно, более продуктивен и эффективен в своей работе.Еще мы должны помнить, что у человека развита

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/ Ф

абри

цио

Фьо

рдип

онти

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

74

только очень небольшая часть (пточнее сказать, это бесконечно малая часть) его интеллектуального потенциала. Вследствие этого, человек не может найти решения общей проблемы жизни, которой озадачен человеческий род от начала времен, а именно, обрести счастье и гармонию.Один человек не в состоянии сделать этого, но, возможно, если люди объединятся, смогут с этим справиться.Если бы только можно было бы собрать вместе людей с разными видами интеллекта, и каждый из них мог бы преодолеть предрассудки и предубеждения по отношению к знаниям, не принадлежащим к его компетенции!К сожалению, предрассудки (домыслы) – зло для человека, от которых, как нас учит история, человек никогда не был свободен. С помощью случайного возвышения интеллекта одной личности над интеллектом других, эти предрассудки как создавали, так и продолжают непрерывно создавать несправедливость, действуя с позиций силы и власти, влияя на свободу других.Предрассудки и домыслы являются высшей формой глупости, так как они препятствует открытому «решению проблем», как началу конструктивного диалога, который направлен на решение проблем разного уровня сложности.Мы видим глубокие исторические корни у современных противоречий между намерениями школы, как учреждения, предназначенного для подготовки граждан к завтрашнему дню на основаниях конституционных норм, определяющих целями образования формирование «хорошо воспитанного и хорошо мыслящего» человека, и реальным общественным развитием, преследующим совсем

иные цели.Школа хочет единства знаний – общество делит знание на множество специализаций.Школа стремится к созданию межкультурного общества – общество не в состоянии осуществить это на практике.Школа хочет справедливости – общество не в состоянии это обеспечить.Школа должна вознаграждать за достоинства – общество лишь изредка отдает должное подлинным достоинствам.Школа хочет равных прав – общество предполагает различия.Школа думает о будущем, а общество стремится исправить ущерб, нанесенный в прошлом.И что получается в итоге?Настоящее школы видится бесформенным синтезом между«… тем, что должно быть, и не…»и«…тем, что было и больше не…»Это огромная проблема, и мы должны ее решить в ближайшее время, если не хотим совсем выпустить ситуацию из рук.С помощью Artinsieme, мы хотим предложить новый способ создания искусства, который будет дополнять (заметьте «дополнять», а не «менять») само понятие Искусство.Искусство рассматривается нами как более полный класс мышления, чем мыпривыкли обычно себе представлять:– Искусство – которое хочет объединяться, а не разделять.– Искусство – которое хочет быть свободным.– Искусство – которое предлагает настоящие решения

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/ Ф

абри

цио

Фьо

рдип

онти

ФИ

ГУ

РИ

НА

75

проблем современногочеловека.– Искусство – которое стремится к диалогу.Основой этимологического узла проблемы, требующего своего решения является то, что Искусство – это образовательная в своей сущности деятельность, и что-либо не образовательное является не «настоящим искусством» но «artism’ом» (искусственностью – Н.С.)!И, если мы думаем так, то, сколько «актуального искусства» нам придется выбросить в туалет?Обучение – от латинского «educere» (condurre fuori, что означает «выводить»). В итальянском словаре смысл обучения выражен так: «Чтобы помочь при помощи соответствующих дисциплин развивать хорошие наклонности сердца и силы ума, и для борьбы против нехороших наклонностей, чтобы сгладить в человеке особые дефекты и грубый характер».Мы надеемся, что модель Artinsieme будет тщательно изучаться, как она тогодействительно заслуживает, и что она будет помогать расти тому направлению мысли, где будут уважать чистоту помыслов.Не это ли является задачей Искусства?

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

76

Борис Юсов

О взаимодействии искусств в развитии детей на интегрированных занятиях(фрагменты)

Статья опубликована в пособии для учителя «Когда все искусства вместе... Полихудожественное развитие учащихся различных возрастных групп». – М.- Мурманск: Исследовательский центр эстетического воспитания Российской академии образования, 1995. – С.6-48.

Юсов, Борис Петрович (1934 – 2003), член-корреспондент Российской академии образования, доктор педагогических наук, профессор

<…> Художественное воспитание остановилось в кругу неразрешимых проблем. Где взять время для более широкого изучения искусства, изуверски стиснутого учебным планом массовой школы? Как включить в расписание те искусства, которые остались за рамками ЛИМита (Литературы, ИЗО, Музыки), но бурно врываются в художественную жизнь общества (театр, кино, видео, поэзия, дизайн, архитектура, народное искусство, аудиовизуальный технокомплекс, компьютерная графика, лазерные технологии и пространственный синтез формы, звука и цвета)?

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/Б

орис

Юсо

в

ФИ

ГУ

РИ

НА

77

Где взять учителя широкого профиля, и сколько художественных институтов он должен закончить в дополнение к истории с филологией? Но, может, ему лучше познакомиться с географией, археологией и этнографией? Можно ли для уплотнения времени слить все искусства воедино?Практика может быть разная, как различны народы, условия жизни школ, личности учителей и учеников, плотность очагов современной и древней культуры в окрестностях школы, художественная квалификация работников. Но сущность, принципы истолкования художественной культуры общества и личности должны иметь единый исток – истину, которая одна на всех перекрестках и испытаниях судьбы.

<…> Всего каких-то тридцать-сорок лет тому назад, пусть даже сто лет, которые лишь миг на фоне тысячелетий, масса людей даже не подозревала о таких видах искусства, как кино, радио, телевидение, лазеро-голографическая оптика, стереоскопическая звуковая цветовая среда, транслируемая на любые дистанции. Возможности старых искусств – архитектуры, музыки, живописи, театра, инструментального исполнительства, книги и печатного слова – настолько изменились, так же, как и условия их бытования, что теперь это новое искусство, неведомое даже людям конца XIX века. Отпочковались и разработали собственный аппарат новые отрасли науки, особенно генетические науки о человеке и его детстве: педагогика, психология, педиатрия, физиология, ядерная физика, генетика, эмбриология, этнография, антропология, археология, статистика, бионика, экология, география, физика Земли. Технические возможности светотехники, изобретение лампочки, автомобиля, самолета, радио, телефона,

телевидения, лазера, записи и размножения звука, цвета, графических символов и текстов, реактивные и ракетные атмосферные и космические аппараты, геологическое зондирование, спектрография, кристаллография и материаловедение, криогенные сверхпроводниковые измерительные технологии изменили образ науки и улучшили уровень исследований, выделили области познания, считавшиеся невероятными.

Качественно изменилось соотношение сфер мысли, знания и художественной культуры.

Наивно думать, что исследования и разработки в области педагогики искусства могут продолжать существование на уровне свинцового карандаша, клавесина и растирания красок в каменной ступе – для «украшения жизни» аристократически куртуазного досуга и волнующего изящные чувства общения полов из высшего общества – за счет невежества «подлого сословия», пригодного лишь к услужению. Пора бы понять, что бурный расцвет рассудка и технологий требует бурной заботы о духовной стороне жизни, внимательного разбора того, что и в какой степени здесь продвинулось, а что, невзирая на видимость расцвета, оказалось искаженным и находится в состоянии глубокого упадка.Простое понятие синтеза культуры как единого целого, куда входят и искусство, и естественные науки, и практические технологии, вплоть до производства бытовых вещей и продуктов питания, требуют работы воображения и хотя бы элементарного прогнозирования, в том смысле, что если одна сторона человеческого бытия непомерно разрослась и достигла якобы невероятного прогресса, то и другие

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/Б

орис

Юсо

в

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

78

стороны должны быть продвинуты в равной мере, и это продвижение надо спланировать, в том числе на уровне образовательных систем, готовящих ресурсы человеческой личности и способности воспринять новое.Не будем говорить о новом, «будем думать о нужном», как гласит Учение мудрости («Надземное»), ибо, как известно, новое – это забытое или прежде неосознанное. Для педагогики искусства сегодня необходимы три рода вещей: подняться на уровень современного синтеза мысли и знания, с этого уровня представлений поскрести по сусекам прошлых эпох человеческой мудрости, в каких отношениях находились там вечные элементы человеческой культуры – мысль, знание и деяния (хотя бы в сфере художества), и третье, наметить пути продвижения в будущее – помочь детям избавиться от хлама ветхих привычек современного состояния культуры и искусства.

<…> Но главное в векторе будущего – сами дети. Они будут. Они займут жизненное пространство вместо нас. Они сделают то, что нам только смутно видится и то, о чем мы, вообще, не догадываемся. Сегодня на девяносто пять процентов мы приобщаем детей к искусству прошлого, кое-что даем из современности или от наших близких предков и совсем не приучаем к искусству будущего: какими будут танцы лет через двадцать, что будут петь, как одеваться, какие будут города, как будет меняться язык. Область фантазии, мечты, грядущего нами не исследуется на уроке, а это может быть должно стать главной тенденцией образования. Это культура воображения, а от нее зависит и настоящее.Воображение имеет и в наших намерениях

практический смысл, как на этом настаивали и настаивают ряд современных философов и представителей образования – В.В. Давыдов, Э.В. Ильенков. В художественном воспитании нас заклинило на понятии продукта творчества, на категории творчества вообще. Этому отдана громадная умственная энергия, множество публикаций, десятки лет научной и методической традиции (волна максимального ажиотажа вокруг «креативности» приходится на Западе на 60-е годы, в наших изданиях – на 70-е). Теперь это заброшено, так как дело не пошло дальше общих фраз повторяющихся из книги в книгу.Категория творчества – это деловая, практическая сторона искусства, его продуктивная сторона. Есть продукт – есть художник. Никто не поверит, если кто-то скажет, что хочет создать шедевр. Область практического творчества, или «прикладного воображения» выдвигала перед художественным воспитателем три рода задач («Прикладное воображение: принципы и процедуры творческого решения» – так назвал свою книгу Алекс Осборн, изобретатель метода «мозгового штурма» и один из зачинателей волны интереса к творчеству на Западе). Первая – сообщение детям суммы ремесленных навыков, чтобы повторять возникшую традицию и потакать вкусам публики. И таких ремесленников нужно довольно много, чтобы расписывать стены, играть исполнителями в оркестрах и на свадьбах, разыгрывать сценарии напечатанных в книгах пьес, рисовать иллюстрации в книжках – художественных и научных. Попутно решалась вторая задача – из массы мастеров выделялись таланты, хотя до сих пор никто не знает, как это происходит – родится талант, или его можно вырастить, как капусту, или,

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/Б

орис

Юсо

в

ФИ

ГУ

РИ

НА

79

возвышеннее, кристалл алмаза. Говорят, от числа найденных талантов зависит судьба страны. В этих целях изучается искусство прошлого: почему данное произведение считается мировым шедевром и как этого добился автор. Отсюда – решение третьей задачи: воспитание людей, умеющих понимать и объяснять искусство – искусствоведов. Эти три задачи и составляют суть современной школы: мастерство, талант, интерпретация художеств. В основе их лежит продуктивная сторона искусства, творчество, понимаемое как практика, навык, ремесло, продукт.Но поищем, что говорят о самом важном качестве художника гении всех веков и самых разных течений, даже враждебных друг другу. Все они говорят – фантазия. Иначе – творческое воображение, мечта. Если современная психология почти ничего не может сказать о категории творчества, то она почти ничего не говорит и о творческом воображении, даже просто о воображении как душевном качестве личности.

<…> Давно замечено и очевидно в практике, что например, стихи – это музыка, ритм, а чтение стихов или просто разговор неизбежно сопровождается движениями чтеца, мимикой, жестом, так как без мимики невозможно и рта открыть. Внимание и взгляд уходят внутрь. Веки опускаются и взлетают. Или в театре: актер движется в пространстве сцены, садится, встает, то же самое происходит в танце. Архитектуру называют застывшей музыкой или застывшим танцем в силу смены высотности и изменения широты звучания во времени и пространстве. Обратите внимание на мимику и движения дирижера и музыкантов оркестра, участников хоровой капеллы.Звуки определенной вибрации и силы вызывают

вспышку света в кристалле определенного свойства. Ароматические свойства вещества непосредственно связаны с архитектоникой и пространственными особенностями молекул. Если сродство физических материй переложить на искусства и их язык, то напрашивается некоторая упорядоченность этих параметров. Если нельзя сказать, что одно из искусств важнее другого, то можно говорить об аналогиях пластических свойств их языков, выражаемых или отражаемых сознанием.На аналогиях параметров и общих свойствах языков искусств основана наша гипотеза полифонического воображения. Если ученик по восходящей пройдет систематическое образование в области многих художеств или научится разнообразить отклик души, учитывая все более сложные формы «вибрации чувств», и входить в нужный резонанс с искусством, то он овладеет полифоническим воображением, достигнет определенной степени полихудожественной развитости.Ведь это важно, слушая, например, музыку, уметь транспонировать ее в образы или цвета, пространственно-восходящие или развивающиеся во времени движения и структуры, а может быть, и ароматы. В этом, возможно, состоит многосложность переживания искусства и переноса образов на трагедию окружающего мира, природные явления, исторические события, нравственность, отношения и облик людей.Возникает важный вопрос. Какое искусство положить в основу такого полифонического раскрытия личности? Толстой считал высшим искусством музыку, Пушкин – поэзию, а Шиллер – драму, театр. На наш взгляд, это можно сделать в контексте любого вида художественной деятельности. Любое искусство

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/Б

орис

Юсо

в

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

80

синтезирует в себе возможности полифонического раскрытия в движениях, жестах, звуках, красках, пространственных мерностях, хотя его языку свойственны законы, которые преимущественно опираются на определенные порядки свойств и проявлений ребенка, меняющиеся с возрастом. Бывают же в детстве периоды овладения речью – классический период «от двух до пяти», по К.И.Чуковскому. Психолог Л.С. Выготский в работе «Воображение и творчество в детском возрасте» называет определенные периоды преобладания того или иного искусства. Младшие дети с удовольствием лепят, рисуют, раскрашивают и клеят, но это время проходит. Возраст стихов Л.С. Выготский перенес на подростков, у которых, по выводам психолога Д.Б. Эльконина, начинается разрастание сфер «личной» жизни. Все переплетается: и искусство, и физическое развитие, и психические доминанты возраста.Конечно, можно, несмотря на данные психологии и ущербность одностороннего развития (по словам французского психолога Анри Валлона), запереть ребенка трех-пяти лет в музыкальную школу, а потом – в консерваторию или после четвертого класса отдать в работу балетного или художественного училища. Но разве не тот же самый ребенок читает книги, ходит в кино и картинные галереи, отвечает на уроках литературы и географии. И разве, как пишут психологи А.Н. Леонтьев и Н.С. Лейтес и многие другие, несмотря на выдающиеся способности детей-математиков, в 5-7 лет решающих задачи, доступные только студентам старших курсов математических институтов, – разве нечто детское не «окрашивает все их существо». К этой окраске, несомненно, относятся и художественно-эстетические принципы деятельности сознания.

Можно развить определенную степень полифонического воображения и на занятиях языком одного искусства, но не будет ли это насилием над природой сознания, многоаспектность которого все равно будет врываться в данное исключительно изолированное искусство. И не лучше ли на уроках всякого искусства применять всю палитру средств художественной формы, разминать и пластифицировать художественное воображение. Это и будет развитием его творческих способностей в той же мере, как занятия практическими основами художественного мастерства.<…> Давным-давно, еще на заре советской школы психолог Петр Петрович Блонский сформулировал идею многостороннего эстетического развития ребенка. Аналогичную мысль на базе изобразительного искусства развивал А.В. Бакушинский. Были у них и ярые противники. Например, даже один из основателей музыкальной педагогики Б.В. Асафьев считал, что привлечение других искусств на уроки музыки ведет к растрате времени и мешает детям усвоить неповторимую специфику музыкального языка. Мы бы отнесли это к историческим недоразумениям, аналогично тому, как Л.Н. Толстой отрицал искусство Шекспира. Нам кажется, педагогическое будущее принадлежит синтетическим, синергетическим моделям художественного развития, но они должны строиться не на искусствоведческом, профессиональном принципе программ, а на широком культурологическом основании. Навыки искусства тоже должны быть предметом заботы учителя, они необходимо вводятся в содержание и последовательность занятий.<…> Существует еще одна методологическая

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/Б

орис

Юсо

в

ФИ

ГУ

РИ

НА

81

и практическая проблема, и возникает она с несколько неожиданной стороны. Величайшие надежды теоретики художественного воспитания США связывали с тем обстоятельством, сформулированным Г. Ридом в Англии, что искусство является колыбелью творческих качеств личности, которые в средних и старших классах школы переносятся и на уроки естественнонаучных дисциплин, и вообще, все школьное образование должно быть перестроено по такой методике, которая принята в работе с учащимися на уроках искусства. Представители научно-математических дисциплин и высшего технического образования с восторгом приняли эту идею. Очень быстро там появилось огромное количество курсов и программ по развитию творческих способностей. Но, перехватив инициативу у предметов искусства, они, как и прежде игнорировали художественные занятия, развивая творчество на научно-технической основе, искусство «спустили» в начальную школу и в классы для детей с задержкой развития.В нашей истории не наблюдалось такой полосы. Но, разрабатывая проблемы интегрированного преподавания искусства, мы испытываем давление со стороны наших коллег, преподающих искусство по узкой профессиональной и искусствоведческой методе. Ведь они тоже привлекают, например, на уроках изобразительного искусства и поэзию, и музыкальные произведения, устраивают красочные драматизации и танцы в сделанных детьми национальных костюмах. Традиционны связи литературы с театральными постановками, экранизацией, восприятием живописи и музыки. Этим теперь не удивишь. Зачем, говорят они, нам новые интегрированные программы? Мы и так соединяем на

уроке разные виды искусств.Проблему общего преподавания искусства решают также с помощью курса «Мировой художественной культуры», который рекомендован старшим классам и педагогическим вузам для компенсации недостатка в художественных познаниях в старшем звене образования. Эстетика и мировая художественная культура преподаются даже в технических вузах и училищах. Но присмотримся к содержанию программ мировой художественной культуры и методам ее преподавания. Это все тот же искусствоведческий курс. Строится он на основе комментариев эстетиков и искусствоведов XVIII – XX вв. и является сжатым курсом эстетики и художественной критики европейского искусства. В иллюстративной части курс состоит из выдающихся памятников литературы, музыки, живописи и других видов искусства как суммы мировых художественных достижений. Это суммативный, информационный, не развивающий курс. Он не годится для младших детей и едва ли годен даже для среднего школьного возраста, когда еще не просматриваются накопления детей по истории, географии и не сформирована общая культура мышления. И Европа еще не мировая художественная культура, хотя на региональном уровне педагоги прибавляют к программе сведения по национальной и народной художественной культуре, о древних истоках и связях с другими народами. Но и это – только сведения, разговоры об искусстве. Практических занятий не наблюдается.

<…> Исходными посылками, которые были положены нами в основу систематизации полихудожественного образования, явились следующие.

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/Б

орис

Юсо

в

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

82

Образная природа искусстваИскусство отражает окружающий мир и представления человека об этом мире в форме художественного образа, а не понятий и фактов, различаемых с помощью этих понятий путем наименования фактов и отнесения их к разным группам.

ВоображениеИз образной природы искусства вытекает и значимость главного процесса в художественной деятельности – воображения. Этим акцентом полихудожественный, интегративный подход отличается от профессионально-искусствоведческого, где главными выступают знания о фактах искусства прошлого.

ТворчествоВоображение – вектор будущего, устремление к новому, а творчество – это раскрытие нового, его самостоятельное выражение в новой форме каждым ребенком. Творчество предполагает некоторый шаг в неведомое в форме мысли или творческой деятельности. Творчество предполагает не повторение и запоминание существующего, а «порождение образа» (В.П. Зинченко), позволяющего взглянуть на мир иначе, с новой точки зрения, с другой стороны, продвинуться вперед в сравнении с тем, что было прежде, придать сущему новый вид и порядок.

Духовное возвышениеВоображение как всеобщий процесс питается всеми помыслами и действиями человека, и важно, чем оно насыщается.Все понимают, что воображение должно получать

возвышенную духовную пищу. Но что такое духовность? В последние годы так часто пишут об этом, но никто не раскрыл еще педагогический смысл духовности. Попробуем обсудить это.Духовность – это идеальный план действия, бескорыстный, тонкий (не грубый), возвышенный (не заземленный). Духовное – это всеобщее, не специальное. В духе человек выступает не как профессионал, а во всеобщем масштабе своей личности, без одежек, как таковой, в своей непосредственной крупности. Дух – не пассивность, созерцательность, затворенность. Это – действие, активное творчество на общее благо. Бескорыстие порождает бесстрашие, щедрость, порыв. Для духовного действия характерна радость творить благо, а также – свобода, самостоятельность, индивидуальность. Индивидуальность – это значит, творить за счет собственных внутренних возможностей, без плагиата, это личный вклад, на основе того, что можешь дать именно ты, своими силами и собственными руками. Значит, духовность – это творчество, шаг к новому, к мечте. И, наконец, дух – это мысль, разум, сознательность, мудрость без мистики и сентиментальности. Таковы признаки духовности – те качества, которые надо воспитывать.

<…> Гуманитарный синтезГуманитарный синтез – это один из путей гармонизации образовательной системы, художественного развития, в частности. Искусство неизбежно соседствует с историей, географией, антропологией, этнографией, культурологией, экологией, астрономией, – очерчивая самый близкий круг. Непременными источниками содержания художественных программ должны являться (и

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/Б

орис

Юсо

в

являются) следующие циклически сопряженные компоненты, образующие в этом ряду замкнутый круг.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

84

7. Космосфера (Астросфера)6. Эргосфера (сфера духа) / Креатосфера (сфера творчества)5.Артосфера (художественное творчество)4.Техносфера (техническое творчество)3.Антропосфера (ноосфера, антропогенный компонент мироздания)2. Биосфера (природный аспект, жизнь)- животные- растения1. Геосфера (геология и климат)

Первый уровень (снизу вверх) – это неживая природа: горы, долы, пустыни, реки, океаны, тропики, северный холод. Сюда обращена практическая наука, здесь источник естественных знаний, классификация понятий, счисления и измерения, формулы и механические системы. Здесь же – источник эстетических ценностей гор, морей, равнин, металлов, золота, кристаллов драгоценных камней и самоцветов. Само искусство является частью природы – шума ветра, звучания, красок, движения, высот и падений, грома и молнии, ураганов, морских бурь и затишья. Это «вмещающий ландшафт», по Л.Н. Гумилеву. Органической частью ландшафта являются растительный и животный мир, и их значение для искусства не нуждается в комментариях. Искусство опирается на всю совокупность научных представлений о естественном окружении человека и живые наблюдения.Но человек – первый сознательный уровень природы и создает особый слой явлений – историческую среду, темп развития которой несравнимо опережает

естественную историю.Эти четыре слоя – геологическая оболочка Земли, растения, животный мир и человек – образуют нижний пласт грубых материальных процессов. Законы образования этноса Л.Н. Гумилев приравнивал к законам естественных наук, как В.И. Вернадский – ноосферу, которая, по его определению, не покидает пределов Земли.Верхняя триада, начиная с креатосферы, требует иного отношения. Это не только сфера жизни, но и сфера духовной инициативы. Духовно устремленный человек создает небывалые в природе технические устройства и процессы, раскрывая технологию естественного мира, и создает естественные науки – творческий слой, невероятно ускоряющий необратимые изменения природы и человеческих этносов, их движение по лицу Земли, возвышение и угасание.В нашем контексте требует особого внимания соотношение технического и художественного творчества, искусства и научно-категориальных систем. Обе эти области – продукт творчества человека и находятся в гармонии между собой и с естественным ходом истории, но гармония не исключает иерархии, точнее, иерархия есть разновидность гармонии. Мы обращаем внимание читателя, что в нашей классификации Артосфера (художественное творчество) поставлено выше по рангу, чем Техносфера (техническое творчество).Соотношение науки и искусства, категориального и художественного мышления, понятий и образов – вечная проблема. Мнения здесь в веках были разные. Многие великие умы пришли от науки к искусству. Леонардо да Винчи сочетал оба начала. Ломоносов писал оды и основал в России целую индустрию

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/Б

орис

Юсо

в

ФИ

ГУ

РИ

НА

85

мозаичной живописи. Гете, наоборот, пришел от искусства к науке и известен как автор оригинальной теории цвета, научной системы колористических моделей мира. Можно опуститься в глубь веков и обнаружить, что первым теоретиком европейской музыки был математик Пифагор. А в средние века музыка преподавалась на математических факультетах как теория гармонии (Гармоника в системе квадривиума, – Н.С.).Искусству порою отводилась чисто «портретная роль»: того или иного отображения, воспроизведения окружающего. Но искусству принадлежит «порождение образов», по выражению В.П. Зинченко. Архитектор создает сооружения, которых не было до того, как построено данное здание, и оно вещественно – формирует новую мерность пространства. В известном смысле, образы и других искусств являют такую же реальность, как и создания технического рассудка.Основой науки и искусства являются пространственные мерности, вибрации и ритм пропорций. И можно говорить о творческом преображении мира через художественный замысел. Искусство как гармония разделяет с наукой общие законы природы, но с известным опережением, объясняющим иерархически более высокое положение художественного творчества. Когда в сферу актуальности научных открытий природных порядков вошло понятие композиции – в кристаллографии, акустике, спектрографии, в структуре и линейной характеристике пространства – к которым обратилась наука на переднем крае: космонавтика, молекулярная биология, структурная химия, металловедение, – оказалось, что законы композиции пространственных структур уже

многие столетия и даже тысячелетия эмпирически установлены и применяются в архитектуре и живописи.Этот опережающий в сравнении с наукой характер художественно-образного познания позволяет говорить о постановке задачи гуманитарного синтеза естественно-технической и художественной культур в школьном образовании. Полисенсорная структура воображения (или пре-ображения, пере-ображения) есть, одновременно, и система формирования общих с наукой творческих способностей развития так называемой интуиции – эфемерного качества ума, о котором никто ничего не мог сказать научно состоятельного кроме таинственных словесных уловок и которое теперь может быть представлено образовательной системе в педагогически ощутимой форме.<…> Полихудожественный подход, интеграция, синтез художественного воздействия или интегрированное понимание данного искусства и интегрированное преподавание данного искусства – это качественно новый уровень работы с детьми. Здесь недостаточно простого взаимного иллюстрирования и подкрепления данного искусства примерами из других областей.Интеграция – это раскрытие внутреннего родства разнообразного художественного проявления и перевод, перенос, преображение данной художественной формы в другую художественную модальность – цвета в звук, звука – в пространство, пространство – в мерность строки стихотворения.<…> Сегодняшние школьники, да и учителя, не ведают, что в древних семитских языках (шумерский, египетский, арамейский, гебрейский) каждая буква помимо начертания и звука несла в себе число и цвет. Это утрачено в современной письменности и печатных

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/Б

орис

Юсо

в

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

86

текстах. Но еще сравнительно недавно рукописные книги и тексты создавались по этому правилу. Быть может, в древности текст передавал не только содержание, но и цветовые картины, количественные соотношения и пропорции формы. Реликты этого сохранились в преданиях. Будда предлагал ученикам простой предмет и ставил задачу описать его тремя словами или – не менее, чем на ста страницах письменного текста.<…> Изобразительное искусство – это форма, физическая форма, геология любого художества, перерастающая в архитектуру, архитектонику пространственных объемов, символизирующих незыблемость явленного, как египетские пирамиды, римские термы и арки. Но членение и структура общественного пространства видны, как правило, не в «Парфенонах», а в стихийных греческих и римских поселениях, так же, как архитектура советской поры – это не Жолтовский и Щусев, а Магнитогорск и Комсомольск-на-Амуре, и тот, кто знает их первозданный вид, тот представляет, какое это было «без-образие». Изобразительное искусство и архитектура так же двулики и лживы, как и общественная мораль определенной эпохи. Но художники с высоким ощущением человеческой перспективы создают произведения, являющиеся не только символом эпохи, но, главное, вехой на пути к будущему для последующих поколений. Нередко символ возникает на фоне мерзости и праха, как иконы Рублева или китайские пагоды. Постепенно к этому символу пристраиваются новые знаки, и возникает красота, размером с Петербург – как символ обновления и общественной перспективы, как музыка Баха и Моцарта.<…> Вот, пожалуй, все из главного. Сделаем

краткий перечень наших основных принципов. Это беспредельная перспектива человека, воображение, мечта, фантазия, вектор будущего, идеалы, героика, подвиг, раскрытие сил и возвышение личности, духовное обогащение, радость устремления, расширение и утончение чувств, живое искусство, развитие творческих сил ребенка в разных видах художества, коллективность, общечеловеческие ценности, уважение к родной культуре, языку, красоте и истории отечества: ведь, быть может, родным местам суждено сыграть выдающуюся роль в истории человечества.

Пр

ед

ыс

то

ри

и/

Ма

ни

фе

ст

ы

пр

ео

бр

аз

ов

ан

ий

/Б

орис

Юсо

в

идеальный план действия / всеобщее, не специальное / активное творчество на общее благо / бескорыстие / бесстрашие / щедрость / радость / свобода / самостоятельность / индивидуальность / личный вклад / шаг к новому, к мечте / мысль / разум / сознательность / мудрость без мистики и сентиментальности

фигурина Новый

2015 / манифесты

Sally Stuudio. Таллин, ЭстонияАнимоптикумАрхитектурная буква. Школа искусств «СТАРТ»Ателье 399. Марсель, ФранцияГалерея XXI векаГруппа «Т»Изопарк. Детская художественная галереяМастерская-ТАФ. Школа ЕрмолаеваМастерские художественного проектирования. Культурный центр ЗИЛМосковский музей современного искусства (MMOMA)Московской школы фотографии и мультимедиа им. А. РодченкоМузей Лувр. Париж, ФранцияМузей Очень Молодого Искусства ARTFORМузей современного искусства PERMM. ПермьМусейон. ГМИИ им. А.С. ПушкинаНа Васильевском. Детская художественная галерея. Санкт-ПетербургНа машине времени. Центр «Кадашевская слобода»На старт! Внимание! Искусство! Таллин, ЭстонияОрех. Стефани ДжонсТворческая мастерская Третьяковской галереи на Крымском ВалуТворческие студии. Государственный центр современного искусстваТеатр Живописи Ляли ТелятниковойТри цвета. Рига, ЛатвияЦентр авангарда на ШаболовкеШкола искусств СТАРТШУМ. Детская дизайн-школаДмитрий Крымов10 эпизодов. Мастерские художественного проектирования. Культурный центр ЗИЛСвободные мастерские ММОМА

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

90

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

SALLY STUUDIO

Таллин, ЭстонияОснователь и художественный руководитель – Аннели Кёстер(Annely Köster)Год основания: 1991Возраст учащихся: от 3 – 19 лет

Aia 13B, Tallinn, EstoniaPost address: P.O.Box. 3233, 10505 Tallinn, EstoniaTelephone: +372 641 8518stuudio@kunstikeskus.eewww.sallystuudio.ee

Аннели Кёстер (Annely Köster):

Роль искусства в обществе изменяется. Мы не можем более рассматривать ее прежде всего как ритуальную или эстетическую. Кроме того, тема хорошего вкуса ушла в прошлое, даже на уровне государственных учебных программ.Искусство связано с разнообразными сферами жизни, оно делает заметным невидимое, задает вопросы и иногда предлагает на них ответы.Искусство заигрывает с общественными и естественными науками, не говоря уже о гуманитарных; оно смещает границы между различными областями и образует смежные зоны.Искусство подобно междисциплинарному «клеящему веществу» и движущей силе, соединяющей несходные элементы неожиданным образом, создавая для них общий кров на метауровне. Искусство заставляет нас думать, обсуждать и, что самое важное, сделать шаг за пределы удобного и привычного мира.

Аннели Кёстер (Annely Köster) основатель и директор международного молодежного триеннале современного искусства Eksperimenta!, профессиональный преподаватель, новатор в области художественного образования, исследователь.С 2011 по 2014 год руководила программой для преподавателей художественных дисциплин в Эстонской академии художеств, с 2009 по 2011 год — рабочей группой по вопросам искусства в рамках планирования образования в Эстонии.В 2005 году курировала национальный Год искусства, с 2005 по 2013-й – издавала путеводитель по эстонским галереям “Art this Week”, с 1996 по 2002 годы создавала и возглавляла образовательный отдел Эстонского художественного музея.В 1991 основала художественную школу Sally Stuudio, которой руководит до сих пор.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

92

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

Sally Stuudio — некоммерческая организация, которая находится в столице Эстонии Таллине и состоит из двух основных подразделений — художественной школы и Центра знаний об искусстве. Sally Stuudio основана в 1991 году — тогда же, когда Эстония восстановила свою независимость, а имя получила по кличке большой и дружелюбной собаки, датского дога Салли (1991-2002), жизнь которой продолжается на эмблеме школы.Миссия Sally Stuudio — развивать понимание искусства и утверждать его статус в обществе. «Центр знаний об искусстве» ставит целью расширить сферу искусства — приблизить художественную сферу к людям и повысить уровень осведомленности в этих вопросах в эстонском обществе.Художественная школа Sally Stuudio развивает у воспитанников независимое, творческое и критическое мышление, умение выражать свои мысли как вербально, так и материально — средствами современного искусства. Для этого в программе объединены методы современного и традиционного искусства.Художественная школа Sally Stuudio организует занятия для детей и молодежи, неформальные образовательные курсы для взрослых и курсы повышения квалификации для учителей и работников школ. Регулярные занятия посещают около 200 учеников в возрасте от 3 до 19 лет. А курсы для взрослых прибавляют к этому числу еще около 400 человек.Основные критерии Sally Stuudio — быть содержательными, творческими и вдумчивыми. Проекты и выставки Sally Stuudio, разрушающие границы между искусством и повседневной жизнью, между работами детей и творениями профессиональных художников, получили широкую известность и признание. Открытость, готовность к экспериментам и плодотворное сотрудничество с эстонскими художниками дают возможность

предложить начинающим авторам уникальный опыт организации своих выставок, а обществу в более широком смысле — новые сюжеты и переживания.Sally Stuudio выступила организатором выставки и проекта триеннале молодежного современного искусства Eksperimenta!

EKSPERIMENTA!триеннале молодежного современного искусства

IDEAlaboratory – специализированная междисциплинарная конференция, на которой обсуждаются концепции, экспериментальные проекты, новые направления деятельности, связанные с художественным образованием. IDEAlaboratory является параллельной теоретической программой триеннале Eksperimenta!

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

EKSPERIMENTA!триеннале молодежного современного искусства

EKSPERIMENTA!IdeaLaboratory

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

96

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

АНИМОПТИКУММЕДИААРХЕОЛОГИЧЕСКИЙ ПРОЕКТ

АНИМОПТИКУММедиаархеологический проект Федора МихайловаФёдор Михайлов – медиаархеолог, дизайнер, преподаватель. Работает на стыке художественного образования, информационных технологий и интерпретации культурного наследия с 2004 года, собирает коллекцию оптических игрушек с 2010.Живет и работает в Москве.feodororg@gmail.comwww.animopticum.com

Федор Михайлов:

Современное художественное образование – это постоянное переосмысление собственных исторических, социокультурных и теоретических оснований. Традиционное художественное образование — это стереотипное воспроизведение традиций. Чтобы оставаться современным, образование должно соотносить себя с текущей ситуацией и историческим контекстом.Образование без исторической и социокультурной рефлексии обречено воспроизводить умирающие традиции.Например, новые технологии перестают удивлять сами по себе и не могут удержать зрителя без развитого содержания. Поэтому современный медиаарт, построенный на технологических новинках и «вау-факторе», вымрет, как медиаарт 19-го века: потерявшим эффект новизны диорамам, фантасмагориям, стробоскопам и зоетропам было нечего сказать, а кинематограф институализировался в качестве искусства благодаря развитию повествовательных техник.В наше время учиться придется всю жизнь. Мы занимаемся образованием в разных форматах и для разных возрастов, чтобы компенсировать недостаток предложений вне перенасыщенной и переоцененной цепочки «кружок-спецшкола-вуз». Мы не считаем свою деятельность художественным образованием или современным искусством, но настаиваем на ее необходимости как составной части обоих.

Анимоптикум– это выставочно-образовательно-развлекательный проект, посвященный оптическим игрушкам и предыстории кино и анимации.

В 2010 году Фёдор Михайлов начал собирать коллекцию оптических устройств, в которой сейчас

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ФИ

ГУ

РИ

НА

99

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

уже более сотни объектов, исследовать их, писать тексты, изготавливать реконструкции, делать выставки, проводить мастер-классы и краткие курсы по медиаархеологии. На этих курсах дети и взрослые узнавали об истории и теории визуальных медиа через реконструкцию и художественное освоение старинных технологий.

Искусство оживления и наука о светеСлово «Анимоптикум» состоит из двух частей: анима – на латинском означает «душа», как в слове «анимация» – одушевление, оживление; и оптика – наука о свете.

Постижение тайн жизни и светаВ проекте Анимоптикум мы изучаем, как люди с древнейших времен одушевляли, оживляли неживое, заставляли двигаться неподвижное, как постигали законы света, раскрывали его тайны и учились их использовать. И как потом все эти знания привели к появлению кино и анимации. Как только мы узнаем об этом что-нибудь интересное, тут же рассказываем на сайте проекта, в статьях, на лекциях и экскурсиях.

Лучше один раз увидетьМы показываем инструменты и приборы, которые помогали в постижении тайн природы или использовали открытые законы для удивления, устрашения, обмана, обучения и увеселения. Позже эти серьезные инструменты превратились в обычные и оптические игрушки и стали популярны среди детей и взрослых. Теперь вы можете посмотреть на собранные в нашей коллекции оптические игрушки, потрогать, покрутить и понять их устройство на наших выставках, лекциях и мастер-классах.

Чудо своими рукамиВ истории кино и анимации оптические игрушки сыграли ключевую роль. Именно они привели к изобретению кино и заложили основы искусства

анимации. Мы уверены, что и сегодня, когда картинки оживают на каждом электронном устройстве вокруг нас, когда работа с видео и анимацией становится частью всё большего количества профессий, нам есть чему научиться у истории, что понять, глядя на старинные приборы, и что освоить, делая оптические игрушки своими руками. Для этого на наших мастер-классах мы рассказываем истории, показываем оптические игрушки и помогаем каждому освоить секреты их изготовления.

Курс «Изобретение анимационного кино»За две недели группа учащихся (от 9 до 14 лет) с пятью преподавателями – медиаархеологом, фотографом, саундартистом, комиксистом и мастером академического рисунка – переизобретает кинематограф на основе технологий 19-го века.Программа: историческое введение с демонстрацией оптических игрушек из нашей коллекции; технология получения изображения – камера-обскура и цианотипия; визуальное повествование – история на слайдах для волшебного фонаря; кодирование звука – саунд-трек на ленте для музыкальной шкатулки; иллюзия движения – оживление изображений.В итоге курса участники освоили старинные технологии, изготовили аппараты и создали с их помощью короткую анимацию, лучше понимая процесс возникновения и становления кино и анимации как новых медиа, его специфику, ограничения и возможные направлений развития в изменившихся условиях.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

100

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

СТАРТАРХИТЕКТУРНАЯ БУКВА

СТАРТГосударственное бюджетное образовательное учреждениедополнительного образования детей города Москвы «Детская школа искусств «СТАРТ» архитектурно-художественного профиля» (ГБОУДОД «ДШИ «СТАРТ»)Год основания: 1992Директор ДШИ «СТАРТ» – Нона АзнавурянМосква, ул. Зоологическая, 18www.startartschool.ru

Нона Азнавурян:

Программа учебного предмета «Архитектурно-художественное проектирование» нацелена на создание условий для самореализации личности, предоставление ребенку возможности почувствовать себя творцом.В программе деятельность архитектора рассматривается по следующим направляющим, которыми впоследствии определяются основные векторы образовательного процесса:- созидание и проектное мышление (создание своего образа и воплощение его в материале – конечный результат работы по любой изучаемой теме);- эрудиция (тесная связь информации с творческой работой: основательное погружение в изучаемую тему дает старт к последующей самостоятельной творческой работе);- образно-логический характер мышления (развитие дивергентности мышления, богатой ассоциативности, парадоксальности образности, мобильности, склонности к переосмыслению и трансформации известного);- художественно-конструктивное видение окружающего мира (переориентирование внимания детей с восприятия внешних оболочек форм на внутреннюю структуру объекта, на осмысление его тектоники и устройства, на закономерности формообразования и его соотнесение с окружающей средой, на техническую разработку замысла в планах, фасадах, интерьерах, конструкциях);- связь науки и техники (изучение возможностей материалов для моделирования и конструирования действующих моделей);- синтетическое представление об архитектуре в содружестве всех видов искусств – живописи, скульптуры, театра, музыки, дизайна (широкий спектр деятельности учащихся – рисование, черчение, конструирование, лепка, прослушивание музыки,

101

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

102

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

соответствующей изучаемой теме, организация и оформление «СТАРТ-парадов» – театрализованных презентаций проектов);- развитая интуиция (вариативная формулировка заданий, ориентированных на разные индивидуальные особенности учеников – степень развитости их воображения, уровень знаний, находчивость, логические способности, нешаблонность мышления, личный темперамент);- эстетическая составляющая архитектурного творчества (приоритет художественности в любом задании);- техническая проработка проекта в рисунке и чертах (изучение законов изобразительной грамотности)- пространственность и масштабность (развитие пространственного мышления в натурных зарисовках на соотношение объемов, пропорции, соразмерность, освещение, колорит архитектурного пространства; моделировании из бумаги, картона, проволоки);- абстрактность языка архитектуры и дизайна (манипуляция упрощенными формами, комбинаторика на выявление возможных композиционных вариантов);- утилитарные функции архитектуры (реализация детских идей, воплощение в материале их замыслов, участие в реально значимых проектах в городской среде);- коллективный характер архитектурного и дизайнерского творчества (коллективные проекты);- связь произведений архитектуры и дизайна с материально-технической базой эпохи (знакомство учащихся с максимально возможным набором различных материалов, инструментов и техник, акцент на современные технологии – фломастеры, леттрасеты, пенокартон, рапидограф, аэрограф, компьютерные технологии);- связь архитектуры со временем («погружение» в эпоху, ее общественный строй, происшедшие в ней события, деяния ее выдающихся представителей, игры в «мастеров»).

Архитектурная школа «СТАРТ» работает по авторской программе и методике преподавания уже 35 лет. В школе работают 35 архитекторов – преподавателей. Общее количество учащихся от 5 до 16 лет составляет 1400 детей.Сегодня школа работает как методический центр по архитектуре и дизайну. Преподаватели проводят семинары, мастер-классы, открытые уроки по программе и методике «СТАРТ» в России и за рубежом.Школа «СТАРТ» является членом ассоциированных школ ЮНЕСКО, по программе культурное наследие России 1998 года.Представители школы с 2000 года входят в рабочую группу «Архитектура и дети» Международного Союза архитекторов.Школа постоянно ведет широкую международную деятельность: выставки в Болгарии, Голландии, Франции, Чехии, США, Норвегии, Финляндии. Реализованы международные проекты: «Дети России на фестивале искусств Пьера Кардена» (Франция) 2009-2012 гг., «Наши города» (Москва-Барселона) – 2013 г., «Мы все похожи» (Берлин – Москва) – 2014г.

Основой учебной программы школы «СТАРТ» является проектный подход, который направлен на комплексное развитие творческого потенциала ребенка средствами архитектуры и дизайна. Приобщение детей к архитектурно-художественному творчеству рассматривается как основа для развития креативности, образно-логического, конструктивного и проектного мышления.Проектный подход является основным вектором при реализации творческих проектов, позволяет ребенку решать социальные, коммуникационные задачи, помогает хорошо ориентироваться в существующей природной и искусственной среде, а также грамотно и гармонично создавать в будущем комфортную, позитивную среду для себя и своих близких.

ФИ

ГУ

РИ

НА

103

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

АРХИТЕКТУРНАЯ БУКВА

Темой дипломного проекта является «Архитектурная буква» или «Дом-буква», в конечном итоге все буквы складываются в фразу «Архитектура и Дети», название символизирующее одно из направлений деятельности Международного Союза архитекторов. И это символично, так как «СТАРТ» – школа архитектурного творчества, где детей учат основам архитектурного проектирования, композиции и изобразительной грамотности.В результате, каждая из букв выполнена с использованием архитектурных приемов, деталей и конструктивных особенностей творчества одного или нескольких известных мастеров архитектуры.Перед учащимися ставится задача выбора выразительного образа, формы, отвечающей архитектурному стилю, который наилучшим образом соответствует силуэту выбранной буквы. Затем выполняется объемно-пространственная композиция, то есть макет на заданную тему. Выбор материала и цветовое решение помогают усилить выразительность созданного образа.Эта работа позволяет учащимся не только изучить культурное наследие и всемирные архитектурные памятники, но и прикоснуться к творчеству современных авторов и направлений в архитектуре и дизайне.Выполнение дипломных проектов – это коллективная работа, где каждый из учеников несет ответственность за конечный, общий результат и помогает сплотить всю группу. В результате получается творческий проект, состоящий из разных архитектурных стилей, объединенных в целостную композицию.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

106

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

АТЕЛЬЕ 399

Ателье 399Педагог: Одетт Тиссье (Odette Tissier)Марсель, ФранцияАтелье 399 расположенона крыше-террасе жилого дома архитектора Ле Корбюзье, названного «Жилой единицей» (1945 – 1952).С 1995 года.741 Le Corbusier 13008 Marseille, France

Одетт Тиссье (Odette Tissier):

Мне кажется, что художественное развитие ребенка – самый важный аспект в становлении его личности и того взгляда, через призму которого он потом будет воспринимать окружающий мир.Мы используем такие практические подходы для знакомства с произведениями художников:1. Наблюдение: взгляд – ощущение.2. Анализ:- откуда падает свет?- где находится художник?- обращаем особое внимание на цвета, линии.3. Изучение процесса и техники создания произведения.4. Также можно обсуждать историю социального контекста в момент создания произведения.

Очень важно изучать произведения на основе репродукций лучшего качества, но самое важное – настаивать на посещении выставок, музеев, различных вернисажей. Надо обязательно объяснять важность художественного взгляда на окружающий мир, давать определение понятиям «красиво» и «некрасиво», которые, безусловно, очень субъективны, поэтому «красиво» может превратиться в «некрасиво» и наоборот.Очень важны и личные встречи с художниками. Необходимо открывать для детей концепцию современного искусства, но и не забывать про искусство прошлого.Также надо давать детям возможность развивать собственные индивидуальные способности посредством изучения техник художников. Повторение действий какого-либо художника детьми во время создания собственных произведений даёт им уверенность в своих художественных способностях и помогает творческому развитию.Выставки и вернисажи в конце учебного года дают

ФИ

ГУ

РИ

НА

107

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

детям возможность почувствовать себя частью чего-то очень важного. Всем детям очень нужно это признание для того, чтобы «расцвести». Позитивный взгляд посторонних людей (на вернисажи приходят все желающие), а не только семьи и близких ребенка, очень поднимает его самооценку. Это своего рода поощрение тех усилий, которые были потрачены на создание самой работы. Сами дети открывают для себя свои работы под другим углом зрения, переживают эмоции, которые впоследствии помогут им понимать других художников и другие произведения.В мастерской ребенок должен чувствовать себя счастливым и свободным! Счастливым: узнавать, открывать, обогащать свою культуру, изучать разнообразные художественные средства, чувствовать свое владение какими-либо техниками.Свободным: занимать собой пространство. Рисовать разными средствами на разных форматах, в разных положениях – лежа на полу, сидя за мольбертом, за столом и т.д.Мы применяем разные материалы – клей, чернила, акрил, мелки, песок, камни.Мы даем возможность ребенку выражать свои фантазии.У детей появляется возможность освободиться от ограничений, которые с возрастом их окружают всё больше (ребенок 4-5 лет рисует намного свободней, чем ребенок 7-8 лет, который уже столкнулся с реальной жизнью и её ограничительными рамками).В мастерской детям дается право нарушать условности, создавая свои эстетические правила, и смотреть на реальность абсолютно индивидуальным взглядом.

После работы преподавателем (общеобразовательная школа, Управление школами, работа с инвалидами и другие педагогические проекты) в 1995 году я подписала договор с администрацией

Марселя, который позволил мне создать мастерскую визуального искусства в тандеме с общеобразовательными школами. Это было сделано для того, чтобы дать возможность детям углублять свои знания об искусстве, открывать для себя новые произведения искусства и художников, приблизиться к их техникам, пропустить их через себя, воспроизводить эти художественные процессы в специальной мастерской.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

108

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

Марсельский дом стал своего рода архитектурным «манифестом» Ле Корбюзье, давшим начало строительству многоэтажного массового жилья во всем мире после Второй Мировой войны. Одной из отличительных черт корбюзианской архитектуры является плоская крыша-терраса, предназначенная для прогулок и развлечений. На плоской крыше марсельского дома Ле Корбюзье спроектировал детский сад и специальную белую стенку для рисования цветными мелками.

Ателье 399 размещается в помещении этого детского сада.Сейчас помещение Ателье 399 принадлежит начальной школе, которая находится в самом здании.Возраст детей: от 4 до 12 лет.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

112

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ВЕРНИСАЖГАЛЕРЕЯ XXI ВЕКА

ВЕРНИСАЖСтудия «Вернисаж» в «Галерее XXI века»Возраст детей: от 6-ти до 14 летРуководители: Воджо Интойо и Алёна БорщаговскаяСтудия работает с 1972 годаМосква, Кременчугская ул., дом 22

Алёна Борщаговская,Воджо Интойо:

Является ли художественная деятельность нашей мастерской одной из форм современного искусства? Да.

Современное художественное образование, каким хотелось бы его видеть, это инструмент познания и эстетического осмысления мира. Это механизм трансляции мирового культурного опыта и самодостаточный элемент художественной культуры. Ключевой фигурой в художественном образовании является педагог, руководитель. Он должен обладать всей массой художественного знания, быть эрудирован в области психологии и педагогики, а самое главное, уметь мыслить, структурировать знания, которые он передаёт ученикам. В процессе передачи знаний современный педагог выступает не только экспертом, но и равноправным коллегой.Умение самостоятельно конструировать задачу и находить способы ее решения, профессионально используя художественные умения (ремесло) – это и должно быть основным результатом современного художественного образования. А талант и искра божья даются избранным и в эту схему не укладываются.Работая с детьми в художественной студии, мы прекрасно понимаем, что ребенок живет в семье с родителями, бабушками, старшими родственниками. Поэтому наш путь – через ребёнка к взрослому.Наше влияние должно распространяться на всю семью. А ребенок – самый хороший ретранслятор для этих целей.Ребенок менее закомплексован, заштампован, чем взрослый, больше открыт всему новому, откровенен в своих пристрастиях и бесхитростен в оценках, бескорыстен в своем творчестве. В основе специфически детского сознания лежит образ. Ребенок – это не маленький взрослый, а

ФИ

ГУ

РИ

НА

113

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

инопланетянин.Наша работа с детьми не вписывается в модель последовательного профессионального образования. В студии «Вернисаж» могут заниматься дети с разным уровнем подготовки, способностей и творческих возможностей. Конечно, назвать это образованием, строго говоря, нельзя. Это художественное воспитание, это студийная работа не учителя с учеником, а художника-просветителя с будущим зрителем.За достаточно долгую жизнь нашей студии менялись поколения, менялись государственное устройство, условия существования, но приоритет оставался незыблемым. Художественное творчество не развлечение на досуге и не скучная учеба «от простого к сложному», а большое, интересное и важное дело. А станет ли оно профессией для ребенка, жизнь покажет.

Проект «Почтовое искусство или искусство почтой» посвящен современному искусству mail-art. Он объединил детей нашей студии с профессиональным сообществом художников в разных городах России. Работающие в стиле mail-art художники пользуются сугубо почтовыми материалами: письма, конверты, почтовые карточки, посылки, марки становятся в их руках инструментами творчества. По условиям mail-art все произведения должны пройти почту и иметь почтовые штампы. Путешествуя, открытка, письмо, послание попадает в руки разных людей, которые рассматривают и оценивают эти художественные объекты. Каждая работа отправлена конкретному адресату, но в тоже время открыта для всеобщего обозрения. Результатом этого проекта стала выставка, на которой было представлено более трехсот произведений mail-art.Коллаж – еще один вид современного искусства, используемый нами в работе с детьми. Он помогает развивать ассоциативность мышления,

конструировать, создавать новое изобразительное пространство. Он очень демократичен. В него можно «играть» коллективно, участвуя в больших художественных акциях. А можно последовательно изучая возможности этого искусства, создавать уникальные произведения.

Руководители студии – выпускники Московского Полиграфического Института, наследники традиций ВХУТЕМАСа и ВХУТЕИНа.В 2002 году художественная студия «Вернисаж» стала частью Государственного выставочного зала «Галерея XXI века». Существование студии в рамках выставочного зала создало новые возможности и смыслы.В «Галерее XXI века» существуют три пространства. Экспозиционное пространство – площадка для диалога и творческих коммуникаций художника и зрителя, место для выставок. Музейное пространство – пересечение традиционных культур народов мира. В экспозиции представлены текстиль, керамика, предметы быта, куклы стран Азии и Африки. Пространство художественной мастерской. Она оснащена профессиональным оборудованием, материалами для работы, библиотекой по искусству, видеотекой.Наиболее плодотворная форма работы с детьми в студии – создание художественных проектов.

«Искусство знать. Научная картина мира для художников разного возраста»Совместный проект Государственного Центра Современного Искусства и Галереи XXI векаАвтор объекта – Александра Сапьяник, 13 лет

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

118

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ГРУППА „Т”

ГРУППА «Т»Московская группа дизайнеров и типографовРуководитель – художник, преподаватель, издатель – Михаил ВолоховВозраст учащихся: школьники, студенты (14– 20 лет)Год основания: 2009 г.Места размещения: Институт искусств и креативных технологий (бывший факультет Дизайна МГГУ им. М. А. Шолохова)Москва, Рязанский пр-т, д. 9Профильная школа №26 г. Москвы, профиль «Графический дизайн и типографика»

Михаил Волохов:

Нужно воспитать такое поколение, которое было бы способно мыслить парадоксально, не просто воспроизводя уже существующее, но способное в процессе совместной творческой деятельности к порождению нового знания.Графический дизайн – наиболее молодая и быстро развивающаяся область искусства, базовым способом введения в которую является создание внутри образования ситуации, когда проектная организация деятельности становится основной. Очевидно, что такое образование не только должно быть высокотехнологичным, адаптируя людей к постоянным изменениям и всевозрастающим потокам информации, но и призвано оснастить их необходимыми средствами для понимания внутренней логики развития графического дизайна как профессиональной области; способствовать профессиональному самоопределению учащегося и его личностному росту.Смысл такой модели обучения в организации совместной развивающей деятельности, в которой ученик является активным субъектом образовательного процесса.Современное дизайн-образование, восходящее во многом к авангардным практикам и образовательному опыту Баухауза и Вхутемаса, является одним из инструментов трансформации и обновления художественной культуры, неотъемлемой частью живого художественного процесса.Метод проектов в современном художественном образовании не только может рассматриваться, как эффективное средство развития компетенций, но как мы считаем, способность к проектированию сама по себе является базовой компетенцией.В отличие от понятийного знания проявление компетенции тесно связано со способом ее формирования, а ее качество определяется мерой

ФИ

ГУ

РИ

НА

119

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

включенности учащегося в деятельность. Только направленное преобразование учебных ситуаций в творческие акты, максимально приближенные в психологическом и эмоциональном плане к реальным условиям, преобразует традиционное художественное образование в современное.Важной особенностью нового образования является исследовательский, инновационный характер его содержания, при котором основными результатами являются творческие акты, реализуемые и репрезентируемые в рамках исследовательских, выставочных и образовательных проектов.Сейчас метод проектов – один из общепринятых в системе профессионального образования методов, с помощью которых учащиеся могут развить в себе самостоятельность мышления и ответственность.

Группа «Т» образовалась на факультете Дизайна МГГУ им. М. А. Шолохова в 2009 г. на базе междисциплинарного практикума по графическому дизайну. Группа «Т» объединяет участников пониманием графического дизайна, как инструмента визуальной коммуникации, специфической формы творческой деятельности, для которой характерным является широкое применение пректных технологий, части современного искусства.

Среди проектов Группы «Т»:- Мэйл-арт проект «POST RODCHENKO» (2011 г.). Гран-при в номинации «Графический дизайн» на «Арт-Сессия’2014», Республика Беларусь, Витебск.- Организация I-й и II-й молодежной конференции «Графический дизайн как язык визуальной коммуникации» (при поддержке Образовательного фонда им. Братьев Сергея и Евгения Трубецких).- Исследовательский семинар по графическому дизайну им. Ильи Зданевича «Зыч». ГЦСИ (19 апреля 2014 г.), Культурный центр ЗИЛ (24 апреля 2014 г.).

Борис Пастернак. ПостерАвтор: Дарья Вознесенская

2015 г.

А.н. Работа выполнена в рамках второй молодежной разновозрастной конференции «Графический дизайн, как язык визуальной коммуникации

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

122

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ИЗОПАРК

ИЗОПАРКДетская художественная галереяХудожественный руководитель – Алексей ОрловскийГод основания: 2004Возраст учащихся: от 4,5 до 17 летМосква ул. Островитянова д.19/22izopark19@mail.ruwww.izopark.ru

Алексей Орловский:

Насколько сегодня актуальна система профессионального художественного образования, просуществовавшая не одно десятилетие и выпестовавшая целую армию живописцев и рисовальщиков, обслуживавших колхозы, пафосные государственные учреждения и наглядную агитацию советских населенных пунктов «от Курил до Кушки»? К сожалению, это «творчество» не обогатило нашу жизнь и его эстетическая и культурная ценность, мягко говоря, сомнительна, тем более о воспитательной роли этого «искусства» говорить не приходится. Наш диапазон художественных привязанностей и сегодня измеряется от Шишкина до, не побоюсь замахнуться, «импрессионистов». И с мировыми именами как-то не сложилось, они, конечно, есть, но мало, да и творят что-то такое, что кардинально противоположно их академическому образованию.Наше время диктует «перезагрузку» в художественном образовании. Мы живем в другом мире, и если для старшего поколения его изменения и трансформации не столь заметны или просто не представляют интереса, то наша аудитория, дети и подростки – это уже другой «человеческий вид», мыслящий иначе в ускоренном беспокойном «сетевом» пространстве. И никуда от этого не уйти. Меняется время – изменяются системы художественного образования. Энтузиазм художников-педагогов наталкивается на вопрос: «А что делать-то?», тем более, что нет четких и ясных, как прежде, методик. Шаблонное мышление господствует. Школы эдаких «таксидермистов» с завидным упорством имитируют академические традиции, подменяя подлинную ценность искусства – новаторство и свободу – на унылое изучение ремесленных навыков. Или как вариант, что-то у кого-то подсмотреть, слегка видоизменить, и этот вторичный продукт обозвать «проектом». Но художественный проект – это самостоятельно

ФИ

ГУ

РИ

НА

123

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

разработанный и изготовленный продукт, материальный и интеллектуальный, обладающий субъективной или объективной новизной.Итак, наше время требует перемен в художественном образовании. Я против радикальных движений и навязывания новых форм педагогики, в конце концов, динозавры и мамонты вымерли естественным путем в результате эволюции. Кроме того, сила альтернативного образования в штучности подходов и методик каждого отдельно взятого художественного

коллектива и его педагогического состава. Роль пионера и новатора должна стать основной для наставника, работающего с детьми и подростками.Но также не должно быть «альтернативно-образовательного» единомыслия. Задачи профориентации перестали быть приоритетными, изменились акценты в образовательных практиках.Мы не готовим ремесленников от искусства, а делаем художественную прививку для самореализации творческих способностей. Креативность, живой интерес и возможность делать то, что нравится – это отличная мотивация для творчества. Школа-клуб, место встречи и творческого взаимообогащающего общения с педагогом-мастером и сверстниками.Счастье, если дети приобщаются к художественной культуре, ведь это они завтра будут определять ее уровень и характер нашего искусства.

Детская художественная галерея «Изопарк» входит в Объединение выставочных залов Москвы. Важной задачей галереи является экспонирование детских работ, не только собственных, но и коллекций юных авторов художественных школ и студий Москвы, а также проведение региональных и международных выставок детского искусства.Значимым направлением в работе галереи является и художественно-образовательная деятельность в творческих студиях. Наряду с традиционными художественными дисциплинами, которые помогают осмыслить и научиться передавать красоту окружающего мира, здесь создаются яркие проекты и уникальные коллекции, которые потом путешествуют по самым престижным выставочным площадкам Москвы, России и других стран.

Находить оригинальные способы самовыражения, творить необычное, экспериментальное, чтобы «дух захватывало» – это самое интересное в нашей работе с детьми.

Цирк. Егор Гусаченко. 10 лет

Прогноз погодыПолина Благова.15 лет

Проект „Прощай оружие”. Групповая работа. 2011

Разные профессионалы_Настя Калинина_10 лет

Шкаф-футуристаГрупповая работа. 2013

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

128

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ТАФШКОЛА ЕРМОЛАЕВА

Мастерская-ТАФШкола ЕрмолаеваС 1980 г.Основатель школы –Александр Ермолаевwww.masterskaya-taf.rumasterskaya-taf@mail.ru

Александр Ермолаев:

ЖИТЬ В СВОЁМ ВРЕМЕНИ.ЖИТЬ В МИРЕ, НЕ ТОЛЬКО В СВОЁМ УГЛУ

Современное художественное образование может соответствовать характеру своего времени. Хотя, конечно, и сегодня кто-то может ходить в лаптях и кафтане, жить в землянке, ездить на собачьих упряжках, жить собственным натуральным хозяйством, делать деревянную посуду и выплавлять металл для домашней утвари.Однако, естественнее не отказываться от достоинств цивилизации, тем более не ОТВОРАЧИВАТЬСЯ от естественных открытий ИСКУССТВА 20 ВЕКА, возникавших в унисон с научно-техническими, социальными, культурными изменениями в мире.Академическое художественное образование на любом уровне сегодня – противоестественно. Попытки жить только ценностями, предшествующими временам импрессионизма, сезаннизма, футуризма, конструктивизма, а далее цветового экспрессионизма, поп-арта, искусств оптического, кинетического и множества современных реализмов: метафизического, магического, граничного – возможны, но не тогда, когда речь идёт о детях.Нельзя лишать их удовольствия вместе с А. Матиссом открывать жизнь цвета в различных жизненных ситуациях; вместе с Д. Моранди затихать под обаянием мягких цветовых сочетаний; вместе с А. Калдером удивляться пластическим возможностям взрослых «игрушек» – живых мобилей, возвращающих в детство цирковых представлений; вместе с К. Малевичем радоваться живым комбинациям летящих плоских фигур, а также многому иному, открытому искусством 20 века.Эти открытия соединяет сегодня дизайн, прибавляя к ним инженерную осмысленность и научное объяснение.

ФИ

ГУ

РИ

НА

129

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

Поэтому содержанием сегодняшнего художественного воспитания (точнее, чем образование) является дизайн, соединяющий народные, исторические (отнюдь не академические, безжизненные) традиции с непрерывным экспериментом, с открытиями, возможными в связи с освобождением от иллюзий возможности движения лишь по наезженной колее.Наша работа с детьми и подростками довузовского возраста не состоит в том, чтобы подготовить их к поступлению в очередное учебное заведение. Мы считаем злом раннюю специализацию, не дающую ребёнку шанса выбирать тогда, когда у него появится возможность сознательного выбора. После окончания учёбы в кружке, в художественной школе, техникуме, колледже – полезно сделать паузу, осмотреться, поразмышлять, поработать. Это тем более целесообразно, если учесть, что художественное образование – преимущественно «женское царство».В связи с этим смысл нашей работы с детьми – не встраивать их в сегодняшние производственные структуры, а расширяя их сознание, представление о широко понимаемой будущей профессии (включающей дизайн архитектурный, предметный, графический, социальный, вербальный, театральный) и социально-культурной реальности, готовить их к роли посредника-врачевателя человеческих несообразностей в той области, которая покажется ему привлекательной. Такой подход, возможно, поможет смягчить вопиющее несоответствие между полученным образованием и реальной областью деятельности большинства молодых людей.Является ли наша работа одной из форм современного искусства? Нет, не является, хотя, конечно же, любой продукт можно использовать в непланируемом качестве. Искусство как место самовыражения, демонстрации незрелости, амбициозности и эгоизма сегодня выглядит анахронизмом. Творец в любой области должен быть гражданином, должен быть полезным конкретному

человеку, а значит – и человечеству, и при этом делать свою работу на максимальном художественном уровне. И этому надо учиться, этому надо учить на любом возрастном уровне.Творец в любой области должен быть гражданином, должен быть полезным конкретному человеку, а значит – и человечеству, и при этом делать свою работу на максимальном художественном уровне. И этому надо учиться, этому надо учить на любом возрастном уровне.

Характерными примерами такого дизайна являются несколько дипломных проектов 2014 года выпускников – дизайнеров СТ-30:

«Создание теоретической модели дизайна будущего на основе современных представлений»Александра Ермолаева;

«Создание концепции пропедевтического переосмысления классических образцов искусства и дизайна» Александры Солдатовой;

«Школа ремесел. Инструмент связи с реальностью» Ивана Ермолаева.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

136

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

МАСТЕРСКИЕХУДОЖЕСТВЕННОГОПРОЕКТИРОВАНИЯ

МХПМастерские художественного проектированияКультурного центра ЗИЛРуководители мастерской –Татьяна и Николай СеливановыМастерская создана в 1987 г.В Культурном центре ЗИЛ с 2012 г.Москва, ул. Восточная 4 / 1www.zillcc.ruwww.art-edu-studio.com

Николай Селиванов:

Все вроде бы понятно – образование открывает мир новым поколениям, создает будущее. Но у нас это не так. Следуя какому-то противоестественному закону, наше образование удерживает новые поколения внутри замкнутого цикла, который сродни индустриальному технологическому процессу, воспроизводящему одно и то же, работающему ради сохранения изжившего себя «производства». Индустриальное воспроизводство без модернизации и без проекта будущего обречено на исчезновение. И мы видим, как это происходит.Поэтому для нас «современное художественное образование» – это просто обозначение позиции, что данная образовательная деятельность не направлена на цикличное воспроизводство одного и того же, что это – открытая система, поддерживающая идеи развития и преодолевающая стереотипы.Говоря о современном художественном образовании, мы не ограничиваем свою деятельность рамками актуального искусства, или искусства авангарда. Мы открываем для себя всю беспредельность художественной культуры и рассматриваем искусство прошлых эпох, как свою «среду обитания». Технологии и идеи, метафоры и языки культуры, события и тексты – все это пространство нашей исследовательской работы и творческого общения.

А для того, чтобы не оказаться однажды в «несовременном» состоянии мы используем «принцип ротационной смены познавательных установок – ПАМЯТЬ / ПРОЕКТ» (см. Н. Селиванов. Компьютерная педагогика в художественном образовании детей и подростков. – М., 2011). Здесь тоже ротация, но призванная порождать новое. Позиция педагога – эксперта, обладающего культурной памятью, постоянно сменяется на творческую совместную деятельность педагога и ученика, который эту

ФИ

ГУ

РИ

НА

137

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

«память» интерпретирует по-своему. Эти процессы часто развиваются параллельно, информационно подпитывая друг друга и принося творческие открытия. Использование принципа «ПАМЯТЬ / ПРОЕКТ» делает наше образование современным, постоянно обновляемым, «генетически» инновационным.

Если спросить детей, что они подразумевают под «современным художественным образованием», то в их ответах первым будет словосочетание – «разные техники». Они пришли к нам, чтобы получить средства создания новых вещей, освоить способы передачи образов, а также за удовольствием, которое, в принципе, всегда сопровождает процесс творчества. Разнообразие художественных средств и технологий – это первый признак художественного образования, нацеленного на развитие, а не на консервацию.

Но самым главным мерилом современности образования для всех участников образовательного процесса (включая родителей учеников) являются определения «интересно» или «не интересно». Это оценка интеллектуального содержания и творческих возможностей художественной развивающей деятельности.Скорости современного мира подарили нам новое благо – высвобожденное время, которое изменило структуру нашей жизни. Теперь можно заниматься многим и одновременно, выполнять разную работу, позволяющую прокормить себя. Но для этого и нужно формировать особый тип интеллекта, который называется «творческим». В этом новом историческом контексте художественное мышление буквально открывает мир человеку, дает возможность воспринимать, создавать, существовать.

Мы давно воспринимаем свою деятельность как особую форму искусства, приносящую новые

метафоры, оригинальные образы, актуальные идеи. И это происходит, естественно, в процессе обращения к культурному наследию. Текст порождает текст, культура порождает культуру. А искусство в этой ситуации – инструмент. Желание понять, узнать, воспринять прошлый опыт мы превращаем в творческую деятельность по переносу чужих метафор, прошлых смыслов, известных и забытых пластических идей, утраченных технологий в наше актуальное пространство. Перенос – это порождение новых метафор и художественных образов. И здесь не имеют значения ни профессия, ни возраст. Решают все концептуальная постановка проектной задачи и разработанный алгоритм действий, обеспечивающий реализацию этой задачи.

Наше понимание смысла современного искусства и целей художественного образования сконцентрировано в музейных проектах, осуществляемых с помощью игровых методов («GMG» – Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург; «L’amour» и «Философы» – Музей «Лувр», Париж; «Коломенский конструктор», Центр музейных технологий «Город-музей», Коломна; «Интерференция», Музей Виктора Вазарели, Экс-эн-Прованс и т.п.).Кроме того, мы разработали компьютерную художественно-образовательную технологию (виртуальные конструкторы) для самого широкого использования, которая позволяет получать опыт творческого осмысления культурного наследия и решать задачи дополнительного и развивающего художественного образования.

->GMG. L’amour. 2013

Музей «Лувр».Париж

GMG. Лабиринт. 2011Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Виртуальные конструкторы. Скриншоты

Виртуальный конструктор ЧАШНИК. Скриншот

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

142

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

MMOMA

ЕСЛИ БЫ Я ТОЛЬКО ЗНАЛ!..

Если бы я только знал!..Детская образовательная онлайн-игра по современному искусствуМосковский музей современного искусства (MMOMA)Руководитель – Катерина ЗайцеваС 2010 по 2015 годВозрастная группа: 7 – 10 летwww.mmoma.ru

Катерина Зайцева:

Современное художественное образование – это знания и навыки, которые не закрепощают в рамках одной системы, но способствуют раскрытию творческого потенциала каждого конкретного человека, обеспечивая его профессиональную мобильность. Это возможность выбора среди различных концепций, методов и школ, как академической, так и альтернативной направленности.Искусство сегодня отличает мультимедийность (широкий диапазон средств выражения) и полифоничность (свобода художественного жеста, высказывания). Для того, чтобы соответствовать этому постоянно обновляющемуся контексту, традиционные форматы и методы художественного образования следует дополнить. На теоретическом уровне это предполагает знакомство с актуальными художественными процессами, а также наиболее влиятельными идеями последних десятилетий, находящимися в поле междисциплинарных исследований культуры. На практическом уровне – речь идет о расширении инструментария, об овладении новыми материалами и технологиями (в том числе наукоемкими).Идея создать компьютерную игру для детей на материале современного искусства возникла как продолжение и развитие успешного опыта одноименной выставки «Если бы я только знал!.. Практическое пособие по современному искусству» (декабрь 2010 - май 2011 г.). Выставка была рассчитана на неподготовленных зрителей – прежде всего, детскую и юношескую аудиторию. Экспозиция строилась по принципу чередования залов с произведениями из музейной коллекции, рассказывавших о современных художественных практиках, и специальных интерактивных мастерских, в которых посетители могли в реальном времени самостоятельно опробовать технологию создания арт-

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

144

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

объектов.Выставка вызвала живейший зрительский отклик. Она доказала востребованность таких образовательных инициатив, которые ставят перед собой задачу познакомить детей и их родителей с «азами» современного искусства в игровой, недогматичной форме расширить их художественные горизонты, помочь преодолеть страх неизведанного.В июне 2014 г. разработанный по мотивам выставки проект онлайн-игры «Если бы я только знал!..» стал победителем конкурса «Меняющийся музей в меняющемся мире» в номинации «Музейные образовательные программы» и получил грант на реализацию от Благотворительного фонда В. Потанина.Онлайн-игра «Если бы я только знал!..», знакомящая с актуальными тенденциями в искусстве на примере работ из коллекции MMOMA, призвана восполнить недостаток внятной и доступной информации по современному искусству для детей. Адресованная младшим школьникам, она может стать важным дополнением не только образовательных программ нашего музея (студия «Фантазия», Детский центр), но и художественных кружков по всей стране.

Избрав в качестве образовательного формата компьютерную игру, мы стремились предложить продукт, адекватный сегодняшней визуальной культуре. За разработку образного решения игры отвечает известный российский художник и дизайнер Протей Темен. Одна из целей игры – подтолкнуть пользователя к собственной, виртуальной и реальной, творческой деятельности.

Проект в данный момент находится в разработке.Структуру игры образуют 6 разделов, в каждом из которых пользователь знакомится с ключевым понятием или кругом явлений в современном искусстве (объект, инсталляция, перформанс,

видео и др.) и, благодаря особой игровой механике (оригинальный графический редактор, квест и др.), вовлекается в познавательную деятельность.Своего рода наглядным пособием, а также материалом для всевозможных манипуляций в игре служит отечественное искусство последних 30-ти лет из коллекции MMOMA, представляющее широкий диапазон актуальных художественных практик.Часть разделов предусматривает создание игроком собственного художественного произведения или даже целой выставки, с последующей возможностью отправить результат по почте или поделиться им в социальных сетях.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

146

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ШКОЛА РОДЧЕНКО

ПРОЕКТ „ЩЕЛЧОК”

ЩЕЛЧОКВыставка «Школы фотографии для подростков»Московская школа фотографии и мультимедиа им. А. РодченкоПедагоги и кураторы проекта: Алла Афонина, Вера Лапонкина, Ольга МатвееваВозраст участников: 12-15 лет2015 г.Москва, 2-й Красносельский пер., 2www.mdfschool.ru

Московская школа фотографии и мультимедиа им. А.Родченко основана в 2006 году и является структурным подразделением ГБУК города Москвы «Мультимедийный комплекс актуальных искусств», в состав которого также входят музей «Московский Дом Фотографии» и «Мультимедиа Арт Музей».В рамках основной образовательной программы, разработанной на основе опыта ведущих современных художественных школ мира и вдохновленной отечественными школами авангарда, Школа Родченко готовит современных художников, профессионалов в области фотографии и мультимедиа по направлениям: документальная фотография, арт-фотография, видео-арт и мультимедиа.

«Подростковая школа фотографии» создана выпускниками основной программы Школы. Авторские программы занятий разработаны на основе опыта ведущих современных художественных школ мира и вдохновлены отечественными школами авангарда.

Группы формируются до десяти, максимум до двенадцати, человек. Ребята изучают историю искусств, историю фотографии. Практические занятия проходят в фотостудии, фотолаборатории и компьютерном классе Школы.Каждый учащийся поэтапно работает над созданием личного проекта, ориентируясь на заданную тему. Результатом обучения, помимо полученных знаний, становится итоговый продукт. В зависимости от выбранной программы, это могут быть выставка, авторская книга или показ-презентация работ учениками на большом экране для зрителей с обсуждением результатов курса.Мы делимся опытом и курируем личные проекты каждого ученика с момента появления идеи до конечного результата. Часто совместный финальный результат, полученный во время занятий, не

ФИ

ГУ

РИ

НА

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

уступает работам современных молодых авторов. Поэтому многие работы наших учеников интересны не только в рамках детской программы, но и становятся самостоятельными художественными произведениями.

В качестве примера нашей деятельности представляем одну из последних итоговых выставок «Школы фотографии для подростков» 2015 года – «Щелчок». Возраст участников 12-15 лет. Курс состоял из 20-ти занятий.Стоит отметить, что название выставки, а также названия работ придуманы самими авторами. Среди личных фотосерий учеников есть как вполне законченные работы, так и серии, которые могут стать началом большого проекта.

Фотограммы

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

150

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ЛУВР / LOUVRE

Манон Потвен(Manon Potvin)Руководитель образовательного отдела Дирекции популяризации и культурных программ Музея ЛуврПариж, Францияwww.louvre.fr

Манон Потвен:

Я родилась в Квебеке, в 1972 году окончила Школу изящных искусств в Монреале. Благодаря своему художественному образованию я смогла лично участвовать в различных творческих проектах по «созданию» современных произведений искусства. Работая в Квебекском университете в Монреале, я открыла для себя педагогику, систему передачи знаний и умений, и с 1975 года она стала моим призванием. Получив педагогическое образование, работала преподавателем ИЗО в Колледже Виль Мари в Монреале с 1975 по 1977 гг.

Имея такой профессиональный опыт, я приехала во Францию, являющуюся для иностранцев страной всех искусств. Меня позвали работать в группу исследователей творческого развития детей и подростков при Министерстве Образования. В течение 10 лет (с 1980 по 1990 гг.) я участвовала в формировании новой платформы художественного образования в начальной школе (API). В нашу команду входили преподаватели различных дисциплин: социологии, философии, истории искусств, музыки и изобразительного искусства. По результатам работы Министерством Образования были выпущены методические материалы, адресованные преподавателям школ по всей территории Франции. В этих документах предлагались пути изучения различных предметов школьной программы на основе произведений искусств, включенных в школьную программу. В то время в официальной программе Министерства Образования были представлены, главным образом, произведения искусства ХХ века.

В 1990 году я перешла работать в Отдел культуры музея Лувр с тем, чтобы создавать новые формы работы со школьниками и разрабатывать методические материалы для преподавателей

ФИ

ГУ

РИ

НА

151

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

Обложка методического пособия по непрерывному образованию ИЗО Министерства Образования.

Национальный Центр по Дистанционному Образованию

дошкольных учреждений и начальной школы. Очень скоро я предложила Жану Галару, основателю и заведующему Отдела Культуры Лувра, а также Ролану Мелленжеру, ответственному за образовательные проекты музея, обратиться к произведениям Лувра (от Античности до 1948 г.), показывая их связь с сегодняшней жизнью и современным искусством. В то время директором Лувра был Мишель Лаклотт, и он полностью поддержал меня в издании педагогической серии под названием «Юный посетитель», выпущенной Издательским отделом музея Лувр.

Одновременно с этой деятельностью я продолжала творить сама (участвуя в многочисленных выставках во Франции и за рубежом), что помогало мне внимательно следить за эволюцией современного искусства и лучше видеть общие черты между ним и искусством прошлого.

Манон ПотвенСвалка в АрдешФотография, апрель 1987 г.

ФИ

ГУ

РИ

НА

153

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

«Юный посетитель»Серия методических пособий издательства музея Лувр

Каждый альбом серии посвящен одной пластической теме, проведенной сквозь эпохи, проиллюстрированной произведениями из коллекции Лувра.Цель серии «Юный посетитель» – сделать произведения музея доступными для всех.

Альбом состоит из трех частей:

- Первая часть представляет собой научную презентацию, составленную искусствоведами музея, которая помогает понять художественные особенности произведений из того или иного отдела Музея.

- Во второй части содержатся произведения и тексты, освещающие данную пластическую тему через призму истории искусства от античности до современности.

- Третья часть представляет собой творческие задания и упражнения, доступные всем и объясняющие идеи, процессы, пластические «находки» художников, чьи работы представлены в двух предыдущих главах.

<-Обложка учебно-методического пособия «Увидеть прекрасное в обыденном вместе с французскими художниками-жанристами 17 века», опубликованного издательским отделом музея Лувр.

Репродукции первой страницы одной из глав методического пособия: «Увидеть прекрасное в обыденном вместе с французскими художниками-жанристами ХVIIвека», 1992.

ФИ

ГУ

РИ

НА

Пример проекта, осуществленного на основе методического пособия

На основе методического пособия «Увидеть прекрасное в обыденном вместе с французскими художниками-жанристами 17 века», изданного музеем Лувр (1992 г.) учащимися лицея профобразования был осуществлен междисциплинарный проект.Тема «Увидеть прекрасное в обыденном» помогает на примере натюрмортов и сюжетных сцен художников-жанристов обнаружить красоту в самых простых вещах повседневной жизни.Этот большой проект был реализован за два года учащимися старших классов профессионального лицея им. Жана Мермоза из города Орийак региона Канталь (Франция) под руководством Франсины Ирису, преподавателя ИЗО.При поддержке директора и небольшой команды волонтеров (куда вошли преподаватель французского языка, секретарь лицея, советник по профориентации) преподаватель поставила цель доказать, что весьма далекие от «художественной школы» ученики могут связать свое профессиональное будущее с художественным опытом. Она упорно водила ребят на выставки и лекции, приглашала специалистов в лицей – одним словом, приложила множество позитивных усилий, чтобы расширить кругозор учащихся и приобщить их к жизни своего города. В результате этих эффективных мероприятий у подростков выросла самооценка, установились тесные связи лицея с музеем, с культурной жизнью города и региона.

Проект был запущен после участия преподавателя ИЗО в обучающем семинаре, организованном Отделом Культуры музея Лувр. Затем учащиеся профессионального лицея города Орийак посетили Лувр и Национальный музей современного искусства Центра им. Жоржа Помпиду в Париже.На примере художественного и педагогического проекта, осуществлённого в этом лицее, я пытаюсь показать, как учащиеся перешли от искусства музея к современному искусству.

Целью первого года работы над проектом (1995 год) было прийти к пониманию жанровой живописи (пособие «Увидеть прекрасное в обыденном»). Преподаватель ИЗО Франсина Ирису объясняла ученикам связь между «старым» искусством и современным. Она считала необходимым, прежде всего, чтобы учащиеся критически взглянули на окружающий их мир визуальной коммуникации (искусство, реклама ...).

Любен Божен (1610-1663)Натюрморт с шахматной доскойH. : 1,06 m. ; L. : 1,46 m.© Musée du Louvre / Tony Querre

Жорж де Ла Тур (1593-1652)Шулер

H. : 0,55 m. ; L. : 0,73 m.© Musée du Louvre / A.Dequier - M.Bard

ФИ

ГУ

РИ

НА

157

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

Пластические объекты, выполненные старшеклассниками профессионального училища города Орийак после посещения Лувра

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

158

Пластические иллюстрации и тексты (на мусорном баке и на стеклянной банке), выполненные учащимися по мотивам текста, написанного французским поэтом Франсисом Понжем (1899-1988) про обычный предмет: «Кувшин».

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

160

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

От искусства в музее – к современному искусству

В течение второго года творческий поиск продолжался, и ученики создавали современные пластические объекты, выполняя их «на публике». Целью их работы было перенесение темы «Увидеть прекрасное в обыденном» в современный контекст и умение устанавливать связи между «вчера» и «сегодня».После того как учащиеся поняли принципы французской жанровой живописи XVII века, они попытались воспринять ее пластические приемы, чтобы с их помощью по-новому взглянуть на современный мир.Подобное коллективное обсуждение и изучение материала вызвало живой интерес у ребят и вдохновило их на создание своих собственных скульптур на тему современной повседневности.В течение второго года они вновь обращались к теме «Увидеть прекрасное в обыденном», используя пластические формы и приемы, свойственные современному искусству, применяемые такими скульпторами, как Сезар, Арман, Вильгле (рекуперация, аккумуляция, компрессия (сжатие), экспансия (расширение).

Используя отходы и вторсырье, учащиеся лицея им. Жана Мермоза города Орийак соединяли, склеивали, сверлили, сваривали. Все скульптурные работы были выполнены из отходов и вторсырья, собранного мэрией города во время «Весенней уборки».Каждый объект создавался в течение нескольких месяцев, необходимых для разработки замысла проекта (концептуальное искусство) и его реализации. Преподаватель французского языка помог учащимся представить проект в письменном и устном виде, а также дать выразительные названия скульптурам.

Вся работа в целом имела уровень настоящего художественного проекта.Чтобы привлечь внимание жителей города Орийака, была организована выставка скульптур из вторсырья, выполненных учащимися. А сами ребята, таким образом, возродили художественное направление «РекупАРТ».

ФИ

ГУ

РИ

НА

Пластические объекты, выполненные учащимися старших классов профессионального лицея города Орийака в течение второго года реализации проекта и представленные на выставке «РекупАРТ»

Все фотографии скульптур, созданных учащимися профессионального лицея города Орийак, выполнены Франсин Ирису, преподавателем ИЗО.

Уборка мусора: грузовик, доставляющий в лицей ненужные предметы, выброшенные на помойку жителями пригорода Орийака.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

162

Было бы интересно поговорить сейчас с теми молодыми людьми (в 1995 и 1996 годах они были еще подростками), которые в свои школьные годы участвовали в этом художественном проекте под руководством учителя ИЗО, и узнать, помог ли им полученный опыт художественного образования успешно интегрироваться во взрослую профессиональную и социальную жизнь (поскольку им сейчас по 37 лет).

Заключение:Я думаю, что представленный пластический проект, основанный на проведении параллелей между искусством дня вчерашнего и сегодняшнего, помогает детям и подросткам таким образом приобщиться к произведениям искусства. Они в состоянии сами создавать пластические объекты, чтобы увидеть и лучше понять творческие приемы художников прошлого, нередко повторяемые современными мастерами, но с использованием уже новых, самых передовых технологий.

Фотография учащихся старших классов профессионального лицея во время посещения Музея современного искусства

в г. Сент-Этьен (регион Луара), Франция, 1996 г.

Пример задания из публикации «Материалы искусства. Ювелирное искусство средних веков»Серия «Юный посетитель». Издательский отдел музея Лувр

Материалы искусстваЮвелирное искусство

средних вековСерия «Юный посетитель».

Издательский отдел музея ЛуврОбложка публикации

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

164

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

От простого сосуда к драгоценному

Речь пойдет о предмете, позволяющем понять и воспроизвести ход мыслей аббата Сугерия , который возглавлял аббатство Сен-Дени в течении многих лет. В сундуках аббатства он обнаружил античные вазы и сосуды. Все они были выточены из твердых камней (сардоникс, порфир, горный хрусталь). Красота этих очень древних объектов вдохновила его на преобразование их в литургические сосуды, предназначенные для использования во время религиозной службы. Он доверил исполнение этого замысла ювелирам, которые по его инструкциям создали замечательные оправы из позолоченного серебра с гравировкой и филигранью, инкрустированной драгоценными камнями. Среди трех сосудов, хранящихся в Лувре, один выделяется своей необычной формой в виде птицы. Античная ваза (египетская или римская), сделанная из красного порфира, дополнена оправой, преобразившей ее в фигуру птицы, которая расправила крылья, повернула голову на длинной шее и твердо стоит на широко расставленных лапах.Аббат Сугерий разместил на поверхности оправы несколько стихотворных строчек, которые объясняли бы его проект. Надпись была сделана веществом на основе серы, которое втиралось в гравированные буквы, а затем оправа обжигалась. В результате получился красивый блестящий черный цвет.

Задание

Найдите для своей работы пустую банку от варенья или флакон от духов или лекарств среднего размера около 15 см высотой и преврати его в драгоценный объект.

Прежде чем приступить к выполнению задания, дети внимательно рассматривают форму сосуда, потом, закрыв глаза, они исследуют его форму и поверхность руками. После чего используют моделирующую пасту, которая застывает на воздухе, чтобы сделать из нее какого-либо персонажа, к которому они добавят голову, руки и т.п., вдохновляясь орлом аббата Сугерия.Давая свободный ход воображению, они могут приделать к сосуду крылья, ноги, перья, затем они могут раскрасить объект гуашью, декорировать стеклом и кусочками цветного прозрачного и непрозрачного стекла. Как голова орла, которая отвинчивалась у сосуда, так и дети могут декорировать пробку в виде головы животного.

Орел аббата СугерияМрамор, бронза, серебрение

1130 г.Париж, Лувр

Флакон фармацевтический, который преобразованв персонаж, украшенный стеклом.Автор: Джеральдина

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

166

От себя лично, как скульптора, приведу следующий пример:Процесс создания Джеффом Кунсом монументального произведения из стали схож с техникой Мартена Дежардена, который обращался к мастерам по литью из бронзы, чтобы отлить скульптурную композицию «Покоренные нации»(1679-1685). Оба скульптора выполнили самостоятельно замысел и модель, прежде чем заказать на производстве отливку монумента в нужном им размере. Следует, однако, отметить, что в XVII веке скульптор значительно больше по времени присутствовал при всех этапах реализации произведения.

Джефф Кунс – вообще, противоречивый художник. Некоторые искусствоведы не считают его настоящим скульптором, поскольку он не участвует от начала до конца в создании произведения. По моему мнению, произведения современного искусства, яркими образцами которого являются работы Джеффа Кунса, не вступают в противоречие ни с уличным монументальным наследием XVII века, ни с процессом его создания. То же самое можно сказать и о Сезаре (Сезар Бальдаччини), который отлил из бронзы муляж своего собственного большого пальца, только высотой 12 метров и весом 18 тонн.

ФИ

ГУ

РИ

НА

167

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

Джефф Кунс (род. в 1955г.).BallonDog (magenta)1994-2000

Хромированная нержавеющая сталь с зеркальным покрытием, прозрачный лак

Мартен ван ден Богерт, известный как Дежарден(1637-1694).

Пленники.Бронза, раннее позолоченная.

(Отдел скульптур, Лувр, Париж)

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

168

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ARTFOR

МУЗЕЙ ОЧЕНЬ МОЛОДОГО ИСКУССТВА

ARTFORМузей Очень Молодого ИскусстваАРТФОР Студия креативных технологий Владимира и Майи Опара (Москва)Творческая мастерская Владимира и Майи Опара существует с 1996 года.Проект ARTFOR развивается с 2000 года.Владимир Опара: Vladimir@opara.ruМайя Опара: Maya@opara.ruwww.artfor.prowww.artfor.ru

Владимир Опара:

Концептуально важно, что окружающий нас мир – это система образов, а человек – образно мыслящее существо и вне системы образов не существует. В русском языке есть слово «безобразное», означающее отсутствие образа – без образное! Научить понимать систему образов, пользоваться системой образов, создавать информацию в системе образов – вот одна из главных задач современного художественного образования. Важно, что визуальные искусства это информация, созданная специфическими художественными средствами. Самый мощный компьютер – это человеческий мозг, а операционная система – это образное мышление. Всe это, поставленное на платформу культуры, помогает стать каждому человеком с огромными возможностями. Детское творчество придумали взрослые. Творчество органично присуще человеку. Главный вопрос состоит в том, сколько лет автору. Именно поэтому в нашем проекте появился Музей Очень Молодого Искусства ARTFOR. Музей нового типа, в котором возрастные границы творца, чьи работы достойны стать частью музейной коллекции, изменились. Теперь эти границы 12+. В процессе развития проекта ARTFOR и участия на «взрослых» международных выставках в России и Европе (Германия, Чехия, Бельгия, Польша, Венгрия) мы в этом убедились.

ARTFOR существует и развивается как система проектов.В процессе реализации проектов происходят обучение и изучение цифровых инструментов и основных графических программ, без которых современное искусство немыслимо. Современные компьютерные технологии позволяют подросткам создавать убедительные и выразительные произведения современного искусства. Здесь важно понимать, что это возможно только тогда,

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

170

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

когда подростки работают со «взрослыми» художниками как равные партнеры. Конечно же, для нас художественное образование, обучение – это одна из форм современного искусства.

Художественно-образовательная программа ARTFOR – это авторская программа Майи и Владимира Опара.Майя Опара – медиа-художник, член Московского союза художников, куратор художественно-образовательной программы ARTFOR, руководитель студии ARTFOR, ведущий направления «компьютерная графика».Владимир Опара – медиа-художник, член Московского союза художников, куратор художественно-образовательной программы ARTFOR, руководитель студии ARTFOR, ведущий направления «интердисциплинарные формы художественной активности».

С 2000 по 2012 г. студия ARTFOR организовывала и проводила медиа арт выставки школьников и молодых художников МИМ в Государственном выставочном зале «Галерея А-3».С 2005 по 2010 г. летний дом творчества для школьников студии ARTFOR базировался в Доме творчества Д.И. Кардовского в Переславле-Залесском.С 2006 по 2009 г. студия ARTFOR принимала участие в программах для молодёжи Государственной Третьяковской Галереи.С 2011 г. летняя медиа школа ARTFOR работает в Чехии.С 2012 г. студия ARTFOR Владимира и Майи Опара сотрудничает с музеем «Новый Иерусалим».В 2013 г. Владимир и Майя открыли «Музей очень молодого искусства ARTFOR».

Основное направление ARTFOR – это мультимедиа арт: цифровое видео, цифровая фотография,

компьютерная графика, кино, анимация, основы работы с информацией в Интернет, теория и практика современного искусства.Основной принцип программ ARTFOR: обучение через творчество.ARTFOR даёт возможность молодёжи овладеть современными цифровыми технологиями в области искусства и информации.ARTFOR работает в течение учебного года с 1 сентября по 25 мая. 16 академических часов в месяц. Лекции, практические занятия, самостоятельная работа дома по программе ARTFOR с дистанционным общением через Интернет.В летний период медиа-артшкола работает как летняя резиденция для школьников и студентов в Москве, России и за рубежом.Студия ARTFOR была номинирована на национальную премию в области современного искусства «Чeрный квадрат». Проекты художественно-образовательной программы ARTFOR были представлены в Государственной Третьяковской Галерее, в Музее современного искусства (Москва), в Государственном Русском Музее (Санкт-Петербург), на Московской международной биеннале «Стой! Кто идeт», на международных выставках современного искусства в Германии, Польше, Венгрии, Бельгии, Чехии.

Основные проекты ARTFOR: ОЧМОЛКИН (очень молодое кино), «Очень странная тихая провинция» (фотопроект),АРТАВАТАР (фотопроект), «Взгляд Арбата» (фотоинсталляция, перформанс, флешмоб на улице Арбат к 520-летию улицы), Музей очень молодого искусства ARTFOR.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

174

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

PERMM

ПРОЕКТ „ЧЕРДАК”

ЧЕРДАК. PERMMДетский проект «Чердак» Музея современного искусства PERMMС июня 2010 г.Возраст участников: 1,5 – 13 лет.Руководитель программ Детской творческой площадки «Чердак» – Анастасия СеребренниковаКГАУ «Музей современного искусства», Пермьг. Пермь, Бульвар Гагарина 24ittarma@gmail.com

Анастасия Серебренникова:

Детский проект «Чердак» стремится избежать некоторых проблем, существующих в сфере российского художественного образования и музейной педагогики. Как правило, система образования загоняет детей в рамки, выравнивает их под один стандарт, приучает действовать по заранее заданной схеме, оценивает детей по результатам их деятельности. Вследствие чего фантазия и воображение вытесняются фобиями: страхом «чистого листа», боязнью нарисовать «некрасиво» или «неправильно».Проект «Чердак» дает детям возможность отступить от правил и алгоритмов, высвободить творческую энергию, заявить о себе и быть услышанным. Оказываясь в нестандартной ситуации, рисуя не фломастером на листе А4, а большой кистью на упаковочном картоне или стене, ребенок не может использовать привычные модели поведения, начинает мыслить нестандартно, быть смелее и выдавать более интересный результат. А выставки, вокруг которых простроены занятия, способствуют развитию ассоциативного мышления и логики, порождают желание творить и конструировать. Современное искусство говорит с детьми на актуальном визуальном языке о социальных проблемах, что способствует активизации сущностных сил и интеллектуального начала, познанию себя и мира.Проект «Чердак», как и другие образовательные программы Музея PERMM способствуют популяризации современного искусства, практически выключенного из системы школьного образования, содействуют формированию нового креативного, принимающего инновации в сфере культуры поколения. Все образовательные программы объединяет общий принцип: музейный педагог является не учителем (ментором и хранителем уникального знания), а другом и проводником,

ФИ

ГУ

РИ

НА

создающим условия для интеллектуальной и творческой реализации ребенка/подростка, а также активного познания. Только с позиции друга, общающегося на равных с участниками процесса, в пространстве игры и исследования возможна успешная коммуникация с подрастающим поколением.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

178

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ПРОЕКТ „За П-ARTой”

За П-ARTой. PERMMОбразовательная программа«За П-ARTой: пермские школьникио современном искусстве»Координатор проекта – Анастасия Шипицина

Анастасия Шипицина:

«За П-ARTой» – образовательная программа музея PERMM, цель которой – ответить на вопросы старшеклассников о культуре XX и XXI веков, рассказать о паблик-арте и арт-технологиях, показать, что современное искусство – это совсем не страшно, а очень даже интересно!Участниками программы становятся команды подростков, представляющие разные школы, кружки, творческие объединения, компании друзей и соседей. В рамках серии воркшопов в течение учебного года «запартовцы» разбирают темы, которые определили для себя сами. В частности, в 2014-2015 году на занятиях обсуждались различия между классическим и современным искусством, течения искусства XX века, процессы создания арт-кластеров и творческих лабораторий художников, ребята встречались с молодыми пермскими стрит-артистами и отвечали на вопрос, почему сегодня изобразительное искусство активно взаимодействует с театром, музыкой, литературой.Занятия «За П-ARTой» мультиформатны, проводятся в форме игровых экскурсий, квестов, творческих мастерских, проектной деятельности. На каждом воркшопе команды выполняют несколько заданий, за которые получают баллы. В конце года несколько команд, набравших максимальное количество баллов, получает возможность реализовать собственный арт-проект (создать паблик-арт объект, мини-выставку, перформанс) при поддержке музея.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

180

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

МАМА, ПРОСТИ. Я СТАНУ ХУДОЖНИКОММетодическое издание «Мама, прости. Я стану художником» издано в 2014 году в рамках реализации проекта «Территория творчества: арт-технологии в современном образовании» (проект – победитель конкурса на модернизацию музейного дела Министерства культуры, молодежной политики и массовых коммуникаций Пермского края) включает в себя статьи экспертов, обобщающие новаторский опыт пятилетней работы команды Музея современного искусства PERMM в области музейной педагогики (детский проект «Чердак» и образовательная программа «За-П-ARTой: пермские школьники о современном искусстве»), актуальные тенденции в мировой и российской музейной практике работы с детьми и подростками в музее, методические разработки и пошаговое описание уроков, курсов и занятий о художниках и явлениях современной культуры. Приложением к изданию является СD-диск с готовыми поурочными разработками.К написанию текстов помимо координаторов проектов и сотрудников музея, были привлечены представители экспертного музейного сообщества, такие как Копелянская Наталья Георгиевна (музеолог, эксперт творческой группы «Музейные решения»), Алексей Григорьевич Бойко (кандидат искусствоведения, лауреата Государственной премии в области литературы и искусства, заведующий сектором музейно- педагогических технологий Российского центра музейной педагогики и детского творчества Государственного Русского музея), представители центра современной культуры «Гараж». Так же в методическом издании содержатся статьи, рассказывающие об опыте работы с детской аудиторией одного из самых прогрессивных в области

музейной педагогики музеев Перми - Пермского краеведческого музея и его филиалов.Методическое издание предназначено для преподавателей дошкольного, школьного, дополнительного художественного образования: учителя ИЗО, МХК, трудов, классные руководители, завучи по воспитательной работе, сотрудники музеев, культурные деятели.Методическое издание «Мама, прости. Я стану художником!» является уникальным для Пермского края продуктом в области образования и педагогики в сфере культуры и искусства.

Обложка книги

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

182

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

МУСЕЙОН

МУСЕЙОНИзостудия Детского центра эстетического воспитания детей и юношества «Мусейон» при Государственном Музее Изобразительных Искусств им. А.С. ПушкинаВозраст учащихся: c 5 до 11 летМосква, Колымажный пер, д.6, стр.2www.museyon.ru

Мария Лукьянцева:

ПозицияОсновной целью нашей работы является не подготовка к профессиональным художественным школам, а скорее, художественное воспитание, раскрытие изобразительных способностей и образного мышления детей. Уникальность Изостудии музея в том, что дети имеют возможность видеть и воспринимать произведения мирового искусства и переносить эти впечатления и переживания в свой творческий опыт.Образовательная художественная деятельность Изостудии опирается на классические традиции и разработанную систему художественного воспитания. И, тем не менее, образовательная художественная деятельность в музее постоянно развивается, предлагая новые современные подходы. Главное – через восприятие памятников искусства раскрыть внутренний мир ребенка, пробудить его творческую фантазию.

ПроцессМузей – особый мир, в котором все окружено атмосферой значительности, приподнятости, таинственности. Переходя из зала в зал, мы перемещаемся в разные времена, в разные государства. Мы путешествуем не в зал «Древнего Египта», а в сам Древний Египет, в Древнюю Грецию, в Древний Рим. Надо преодолеть сложные понятия времени и пространства, раздвинуть границы обычных представлений. Перемещение во времени гораздо труднее. Сначала маленькие дети могут определить «давно» только до бабушки и дедушки. Понятие давности времени приходит не сразу, но, взрослея, постепенно ребята начинают понимать, что такое десятилетия, века, тысячелетия и охотно отправляются в далекое прошлое: в древний Египет, Ассирию, Грецию.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

184

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

Ребята постарше, путешествуя по странам и эпохам, делают зарисовки в залах музея, создают работы о греческих и египетских богах и героях, о подвигах Геракла, Троянской войне, знакомятся с различными материалами и техниками, посещают гравюрный кабинет, запасники прикладного искусства.Всякий раз после прогулки по залам ребята хотят сами творить – рисовать, лепить, что-то создавать. Смело, не страшась своей неопытности, они выражают свои впечатления и чувства в рисунке. Попутно, очень осторожно, не подавляя творческой свободы, самостоятельного поиска наиболее выразительной формы, преподавателем даются элементарные понятия о цвете, о смешении красок, о теплой и холодной тональностях, об основных и дополнительных цветах, о композиции, то есть постигается начало изобразительной грамоты.

Наталья Петрова:

Итоговый проектВ какой-то момент дети завершают свои занятия в Изостудии, проучившись в ней 5-6 лет. Результатом их жизни в музее становится итоговое задание-проект.Это может быть, например, кукольный спектакль. Выбирается произведение той или иной эпохи: греческий миф или египетская сказка, продумывается сценарий. Дети рисуют эскизы костюмов, переносят их на большой лист картона, раскрашивают, вырезают и подсоединяют к рисунку палочку для держания куклы. Все вместе создают декорации на больших листах. Спектакль проходит на сцене в лекционном зале. Дети находятся за занавесью с декорациями, они двигают своих персонажей над собой и озвучивают роли.Иногда создается теневой театр. Для такого спектакля рисуются силуэты персонажей на картоне, вырезаются и красятся в черный цвет. Создается небольшая картонная сцена, экран которой закрывается

полупрозрачной, матовой калькой. Дети двигают свои силуэты за сценой, близко к кальке, и в создании теневого эффекта помогает подсветка сзади.Совсем недавний опыт Изостудии – проект, связанный с мультипликацией. Дети выбрали технику, в которой бы хотели делать свой мультфильм: рисованный, пластилиновый, рисованием по песку. Выбрали тему, связанную с музеем: известные истории, мифы древнего Египта, Греции, Рима, или написали свой сценарий, например про саму Изостудию. Сначала продумали и зафиксировали развитие событий по сценам в своей раскадровке.Далее изготовили персонажей и задние планы. Или делали отдельные готовые кадры, как например, в технике песочной анимации. Каждый кадр, малейшее перемещение персонажей в определенной сцене фиксировались на цифровой фотоаппарат. Фотографии обрабатывались в компьютере и запускались в специальной программе с наложением музыки. В итоге получились мультфильмы — «ИЗОБРАЖЕНИЯ В ДВИЖЕНИИ». Показ этих проектов состоялся на большом экране в аудитории Мусейона в рамках выпускного вечера Изостудии.

Кадр из «мультфильма» Гнисюк Ани «Добро пожаловать в Мусейон»Изостудия ГМИИ им.А.С. Пушкина. Руководитель Петрова Наталья. 2013/2014

Васильева Ника, 8 лет. Египтянин. 2015

Процесс работы над проектом «Изображения в движении» Изостудии ГМИИ им.А.С. Пушкина

Кадр из «мультфильма» Гнисюк Ани «Добро пожаловать в Мусейон»

Изостудия ГМИИ им.А.С. Пушкина Руководитель Петрова Наталья

2013/2014

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

186

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

НА ВАСИЛЬЕВСКОМ

НА ВАСИЛЬЕВСКОМДетская художественная галерея «На Васильевском»ГБОУ ДОД Центр творческого развития и гуманитарного образования «На Васильевском» Василеостровского района Санкт-Петербурга.Год основания: декабрь 2007 года.Возраст учащихся: от 5-ти летКуратор Детской художественной галереи «На Васильевском» Ольга Михайлова

Ольга Михайлова:

Современное художественное образование – это не технология и услуги, а, прежде всего, активный процесс личностного развития. Современное художественное образование – это не технология и услуги, а, прежде всего, активный процесс личностного развития.Педагог выступает как наставник, стимулирующий интерес ребенка/подростка к творчеству, к поиску, к раскрытию себя в художественной форме через освоение различных технологий.Я понимаю смысл художественного образования в развитии личности, которая находит самовыражение в творчестве. Нет личности – не может быть художественного творчества, не может быть эстетического, не может быть искусства.В процессе художественного образования молодежь должна осознавать разнообразие и богатство картины мира, ощущать сопричастность общему художественному творческому процессу, развивать выбранную тему в определенной форме, сокращая разрыв между устоявшимся традиционным и собственным индивидуальным взглядом.Современный период развития искусства характерен обилием проблем. В этой ситуации необходимо учить ребенка самостоятельно мыслить, сопоставлять, различать традиционное и новое, верно чувствовать и оценивать, принимая за основу свою личную систему ценностей.Традиционное художественное образование трансформируется в современное, благодаря акценту на индивидуальном творческом восприятии и усилению субъективного аспекта изучения искусства. В ХХ веке художественное образование формировалось на основании традиций академической школы. В ХХI веке существует гораздо больше разнообразных подходов и школ, методик и технологий.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

188

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

Я рассматриваю мою образовательную деятельность как одну из форм современного искусства, потому что 1) в галерее экспонируются работы, которое сделаны в настоящее время, некоторые из них относятся к концептуальному искусству; 2) каждая выставочная идея формирует уникальное экспозиционное пространство; 3) стремительное развитие современных технологий подталкивает молодежь к изучению форм и средств современного искусства, которые, безусловно, имеют право развиваться параллельно с традиционными формами.На мой взгляд, необходимыми составляющими современного художественного образования является ряд функций, находящихся в органичном единстве. В рамках ДХГ эти функции реализуются следующим образом:Образовательная функция ДХГ реализуется через стимулирование интереса посетителей к экспонируемым объектам, через развитие мотивации к последующим размышлениям о них, через поддержку стремления к повторному посещению.Формы реализации образовательной функции: просветительские программы, акции, мастер-классы.Социокультурная функция связана с формированием личностного отношения к произведениям художественного творчества, что стимулирует к занятию искусством. ДХГ знакомит школьников Санкт-Петербурга (нередко и их родителей) с результатами творческой деятельности ровесников из других городов и стран.Просветительская функция реализуется через специальные программы и проекты. Они предназначены для детей и родителей, имеющих начальную подготовку в сфере художественного творчества. Для них разрабатываются специальные образовательные маршруты по выставкам, снабженные ориентирами, комментариями, рекомендациями. Для более подготовленных посетителей предлагается несколько теоретико-

практических программ. Это цикловые образовательно-творческие программы, которые завершаются мастерскими, позволяющими обобщить полученные знания.

Наиболее значимые проектыМеждународный проект экологического воспитания «Человек и море» реализован при поддержке Российского Государственного гидрометеорологического университета (2010).Кураторская работа на Международной Триеннале современного искусства для школьников Eksperimenta! (Таллинн, Эстония), российская экспозиция была представлена перформансами, инсталляциями, видеопроекциями на выставках: «Пространство для эксперимента» (2011), «Art&Science. Искусство и Семиотика» (2014).Культурно-просветительский проект «Рига-Санкт-Петербург. Сходства и различия» (2013-2015). Акции в городской среде, перформансы, экскурсии, выставки: «Коллекция», «Академический рисунок». Международный партнер Пaрдаугаваc музыкальная и художественная школа города (Рига, Латвия).

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

190

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

НА МАШИНЕ ВРЕМЕНИ

Культурно Просветительский Центр «Кадашевская слобода»Проект «На Машине времени»Автор проекта – Богдан МамоновМесто размещения:Москва, Храм Воскресения Христовав КадашахС 2009 года по настоящее времяВозраст учащихся – от 7 до 16 лет

Богдан Мамонов:

Жан-Люк Годар говорил: «Не надо делать политические фильмы, надо делать фильмы политически». Как художник, более тридцати лет работающий на московской художественной сцене, я пришел к выводу, что не надо «преподавать современное искусство», но само преподавание должно стать современным искусством.Есть все основания полагать, что современное искусство, как исторический проект, не просто переживает кризис, но сходит с исторической арены. Идея искусства, как инструмента, а может быть, оружия, способного изменить сознание человека и более того, жизнь общества, сегодня утратила актуальность. Наследники великого авангарда заняты производством «предметов роскоши», оформляющих и укрепляющих систему, в основе которой лежит мысль о безудержном потреблении. Подлинно современный художник не может и не должен в этом участвовать. Вместе с тем, мы должны признать, что внутри актуального искусства за прошедшее столетие было выработано немало методологий, которые могут быть приняты на вооружение другими практиками, прежде всего образовательными. Само просвещение сегодня приобретает иной смысл и значение. Развитие дигитальных форм, погруженность человеческого сознания в сетевое пространство ставят перед образованием совершенно новые задачи, открывает миры, доселе не опознанные и возможно опасные. Среди исследователей существует мнение, что заканчивается «цивилизация книги», как архетипа, лежавшего в основе человеческой культуры, и наступает «цивилизация образа». Эти процессы происходят на фоне краха социального государства по всему миру.Как пишет философ Борис Гройс: «…можно участвовать в проектах трансформативного характера. Например, компенсировать …крах социального

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

192

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

государства. …То есть художники заполняют те ниши, которые оставил им социализм. В принципе есть инициативы, которые идут, что называется, снизу, когда художники видят, что есть какие-то задачи, которые не выполняются. Например, связанные с отсутствием возможности образования…».От себя добавлю, что речь должна идти не только об отсутствии образования, но прежде всего о «другом» образовании – образовании, в основе которого лежит не стремление «воспитать квалифицированного потребителя» (А. Фурсенко), а воспитание человека-художника, способного быть творцом в любой сфере деятельности.

Проект «На Машине времени в историю» – это погружение в прошлое, но не бегство от реальности. Мы предполагаем, что именно в прошлом можно обнаружить механизмы реанимации той антропологической модели, которая сегодня находится под угрозой.Проект основан на «преподавании» истории через механизм игры, которая базируется на моем опыте работы в современном искусстве. Это многоплановые интерактивные занятия, включающие беседы, игры, представления, реконструкцию исторических событий и, конечно, творчество. В центре процесса находится особый объект-инсталляция «Машина времени», в которой дети совершают свое интерактивное «путешествие».Занятие длится три-три с половиной часа и представляет собой игру в путешествие во времени. В ходе путешествия мы сталкиваемся со всякими приключениями, требующими интеллектуальной работы, со всевозможными игровыми задачами, которые я варьирую в зависимости от цели путешествия. Затем следует творческий блок (как бы «путевые заметки»). В основном, это рисование. Порой этот блок заменяется, а иногда дополняется историческими военно-спортивными или народными

играми.В завершение происходит реконструкция исторической баталии, связанной с местом и временем нашего путешествия. Для этой цели используется коллекция солдатиков «всех времен и народов».

Культурно Просветительский Центр «Кадашевская слобода» был создан при Храме Воскресения Христова в Кадашах настоятелем храма Отцом Александром Салтыковым, Аллой Савочкиной и Татьяной Машканцевой в 2009 году. Через год к центру присоединились художник Богдан Мамонов и его жена Татьяна Ильина, которые организовали при поддержке центра особый проект, получивший название «На машине времени в историю». Первая версия этого проекта действовала в начале двухтысячных годов при клубе родительского опыта «Рождество».Проект первоначально предполагал изучение культуры и военного дела средневековой Руси, но постепенно расширялся и сегодня он охватывает различные эпохи и сферы русской истории, включая Cмутное время, наполеоновские войны и Вторую Мировую войну.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

194

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

НА СТАРТ!ВНИМАНИЕ!ИСКУССТВО!

ИЗДАТЕЛЬСКИЙ ПРОЕКТ

На старт! Внимание! Искусство!Образовательный издательский проектАвторы: Кристи Лаанемяэ, Ану Пурре, Ану Люси, Елена Чекулаева, Ингрид Путк Некоммерческая организация «Творчески в будущее» (MTÜ Loovalt tulevikku), Таллин, Эстония.С 2011 г.Возраст учащихся: школьники с 5 по 11 класс

Елена Чекулаева:

Современное художественное образование схоже с современным и актуальным искусством. Это самовыражение через экспериментирование и поиск самого подходящего решения для воплощения идеи. Поскольку современное искусство еще не достигло своих пределов и не вписано в конкретные рамки теории, то подходящим способом для первого знакомства с ним является идейный подход. Вместо традиционных составляющих урока используются конструктивные методы обучения, то есть ученик творит, учась самостоятельно, и в этом процессе важнее самостоятельная работа, а не передача информации.

На старт! Внимание! Искусство!Образовательный издательский проектС 2011 года начался переход общеобразовательных школ Эстонии на новую Государственную программу обучения, в том числе и по предмету Искусство. «На старт! Внимание! Искусство!» – это один из первых учебных материалов по современному искусству, составленному в соответствии с содержанием и структурой нового учебного плана по искусству для 7 - 9 классов.Разработанные и созданные в соавторстве (Кристи Лаанемяэ, Ану Пурре, Ану Люси, Елена Чекулаева и Ингрид Путк) учебные материалы полностью отвечают параметрам нового учебного плана по искусству. Помимо соответствия формальным нормам, все задания выстроены по логике работы современного художника от замысла до реализации, намеренно увлекающей и эмоционально позитивной. В заданиях школьный предмет «Искусство» интегрирован с другими школьными предметами: с физкультурой, биологией, литературой, музыкой, физикой и историей.Комплект учебных материалов «На старт! Внимание!

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

196

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

Искусство!», одновременно являющийся как дидактическим, так и прикладным, состоит из книги для учеников с 16 заданиями, комплекта карточек с репродукциями для настольной и ролевой игры по составлению тематических выставок, вспомогательной книги для учителя с раскрытием каждой темы, планом урока, системы оценивания и Интернет-ресурсов. Интернет ресурсы – домашняя страница некоммерческой организации – используются в качестве вспомогательного ресурса для учителей: Flickr – для Интернет-выставки ученических работ, Facebook – для возможности поделится дополнительными примерами работ для заданий из сети Интернет, Vimeo и Youtube – для работы с видео проектами и материалами, Issuu – это открытый доступ к книге для учителя.Особенностью книги является то, что пятнадцать заданий иллюстрируют работы современных эстонских художников с их комментариями, и одно из заданий по анализу произведения выполнил учитель искусства. Если следовать логике, что выполненные художниками задания являются произведениями искусства, то, соответственно, и к ученическим работам можно относиться как к форме современного искусства.Целью игры «На старт! Внимание! Выставка!» является не только закрепление пройденного материала, но и анализ произведений в игровой, но в то же время более глубокой форме.В комплект игры «На старт! Внимание! Выставка!» входят:- 149 карточек с изображениями используемых в книге произведений, с одной стороны которых находится репродукция с авторскими данными, а обратной – ключевые слова, при помощи которых можно описать работы;- 15 разных пронумерованных тематических карточек с кратким описанием выставки c кодом и ключевыми словами, а пятнадцать заданий книги являются темами

для одноименных выставок;- 30 ролевых карточек с описанием пяти ролей.Ролевым карточкам соответствуют нагрудные значки со словами гид, журналист, куратор, посетитель и художественный критик.Все карточки пронумерованы таким образом, что выбрав подходящие работы, ребята могут составить свой код выставки и сравнить его с кодом на выставочной карточке. Выигрывает та команда, чей код будет наиболее близок к заданному выставочному коду.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

198

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ОРЕХ

ОБРАЗОВАТЕЛЬНЫЙ ПРОЕКТ

Стефани ДжонсФакультет педагогики, отделение изобразительного искусства. Университет Гамбурга, ГерманияПроект Орех (Восприятие арахиса) был осуществлен в 2014 году.Universitat Hamburg | Fakultat fur Erziehungswissenschaft | Bildende Kunst Von-Melle-Park 8, 20146 HamburgE-mail: stefanie.johns@uni-hamburg.de

Стефани Джонс (Stefanie Johns):

Современное художественное образование, соотносящее себя с дискурсами современного искусства и образования, осознает ограниченность укоренившихся методов художественного образования.Современные формы художественного образования, преодолевая эту ограниченность, могут основываться на междисциплинарных методах, развиваемых в русле синергических отношений между науками, с акцентом на антропологических проблемах взаимоотношения личности и окружающей действительности.По моему мнению, художественное образование может продолжить создание и укрепление существующих смыслов в этой сфере.В немецком языке существует этимологическая связь между словами, обозначающими образ (Bild) и образование (Bildung). Это лишь видимое указание на идею о том, что обучение с помощью и через посредство образов имеет особый потенциал для развития личных взаимоотношений между личностью и миром.Теоретическое обоснование этих идей можно найти в феноменологии. Например, в работах Бернхарда Вальденфельса и его размышлениях о картинах Поля Сезанна.Я понимаю опыт восприятия изображения как создание нового смысла и установление чувственной связи между образом и зрителем. Этот опыт открывает пространство для эксперимента и возможности углубить взаимоотношения между субъектом и окружающим миром, что позволяет человеку расти и развиваться.Цель моих исследований в области художественного образования — ощутить широкий потенциал переживания образов. Мы живем в мире образов и понимаем мир через их посредство. Какие ассоциации, значения, понимания и непонимания они

ФИ

ГУ

РИ

НА

199

могут породить, и в какой образовательной ситуации? Сам по себе опыт переживания отрицает возможность визуализации. Вопрос — как обращаться с ним — вызов для исследований в области образования и обучения. Я стремлюсь сосредоточить внимание на понимании личных образных переживаний, найти способы и условия для рассмотрения этого феномена.

ФИ

ГУ

РИ

НА

201

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ОРЕХВосприятие арахиса — часть I

В повседневной жизни предметы, которые мы считаем обычными, обладают ясными свойствами, и каждому ясно, как с ними обращаться. Их анализ чаще всего исчерпывается быстрым опознающим взглядом. Используя пример арахиса, мы проводим занятие «Восприятие арахиса», пытаясь почувствовать нечто совершенно обыденное по-новому, иначе, и дать новый импульс процессу восприятия. Задание проводилось на занятии по художественному обучению в пятом классе (возраст — 10 лет) в Гимназии в Гамбурге.Занятие начинается вводной частью, ее цель – рассмотреть и воспринять этот обыкновенный предмет. Я последовательно показываю изображения нескольких орехов. Мы начинаем обсуждать неповторимость каждого из них, и дети описывают особые, индивидуальные черты разных орехов.На следующем этапе каждый ребенок получает свой собственный орех. Я предлагаю им внимательно посмотреть на этот предмет: «Подержи твой орех в руке, ощути его форму, поверни его, чтобы увидеть все грани, понюхай его и услышь звук, одновременно понимая устройство скорлупы...» и т.д.Этот чувственный опыт ставит целью интенсифицировать процесс восприятия; в результате его каждый понимает свойства не просто ореха, а уникального, «своего собственного» ореха. Обсуждая свои ощущения на этом этапе, дети анализируют отмеченные общие черты и различия.Затем детям предлагается нарисовать «свой орех», подчеркнув его свойства. Они используют мягкие карандаши и рисуют на полупрозрачной бумаге. Такой материал позволяет сосредоточиться на структурном анализе и не уделять внимания цветовому решению и светотени. Более того, он усиливает чувство, что личный взгляд на предмет — это нечто подобное

промежуточному слою между личностью и окружающим миром. Во время выполнения рисунка дети не получали советов, «как рисовать лучше», их работу никто не исправлял. Таким образом я усиливала понимание того, что рисунок каждого — внутреннее отражение его личного восприятия.Внимательно рассмотреть орех, впитать полученные знания и воплотить их в визуальной форме — в эти моменты и начинается синтез образов. Внешний образ усваивается «внутрь», а потом, обработанный памятью и воображением, вновь обретает зримую плоть в форме рисунка.В некоторых образовательных традициях целью такого задания по рисованию было бы достижение максимального сходства между орехом и зарисовкой, и устранение различий, которые рассматривались бы как ошибки. Думаю, нам следует понять, что непохожее, новое, иное, возникающее в разных по манере рисунках, отражает личные отношения субъекта с внешним миром – и это само по себе огромный прорыв вперед. Художественное образование может усилить понимание и умение чувствовать многообразие, различия и несхожесть личных моделей восприятия.

Снова восприятие арахиса — Часть II

На следующем занятии (неделю спустя) я попросила детей закрыть глаза и представить свой орех: «Посмотри на него глазами своей памяти, пусть он явится в твоем воображении, поверни его, чтобы увидеть грани, вспомни его устройство и свои ощущения, его запах, его звук, когда ты прикасался к нему, вспомни особенные черты твоего ореха».После такого воспоминания-ощущения я предложила им выразить свои чувства и запечатлеть мерцающий внутренний образ в новом рисунке.Процесс его создания отличается от прежнего, ведь теперь детям нужно вспомнить свои прежние

<-Арахис. Рисунки с натуры

ФИ

ГУ

РИ

НА

203

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ощущения и их отражения в рисунке. Временная дистанция, отделяющая их от реальных ощущений, создает интервал и позволяет разным визуальным образам ореха (старым и новым) слиться с его внутренним образом. Переживания, связанные с орехом, отражение его в рисунке и рождение внутреннего образа, являются на свет и могут измениться заново благодаря силе воображения. По сравнению с первым опытом рисования «своего» ореха, дети получают иной опыт рисования, обогащенный процессом «перевода» из памяти на язык визуализации.Рисунки отражают эти различия, и могут прозвучать критические мнения о том, что этого следовало ожидать. Я согласна с ними, но думаю, что подобные задания могут показать ученикам разные виды восприятия и то, что рисунки могут быть воспроизведением во внешней форме внутренних взаимоотношений личности и мира вокруг.Более того, это задание создает возможности для полноценного восприятия образов, и есть бесконечное множество других образов, которые могут позволить детям понять, что смысл художественного образования — не создание идеальных копий окружающего мира и наполняющих его предметов. Напротив, его возможная цель — предложить новый опыт,ценность которого — в подчеркивании индивидуальных отношений между личностью и миром, а художественное творчество может помочь оценить многообразие его результатов как обогащающий фактор.

Стефани Джонс – исследователь, художник и преподаватель. Представления Стефани Джонс об образовании и науке основаны на трехстороннем соотношении науки, искусства и образования.Изучала педагогику, искусство и немецкую литературу в Университете Гамбурга и Гамбургской академии

художеств; окончила учебу в 2013 году. Работает научным сотрудником на факультете педагогики Университета Гамбурга.Научные интересы охватывают область художественных и эстетических исследований образного мышления, визуальной культуры и эстетики повседневности.Стефани Джонс преподает художественные дисциплины в школе детям и подросткам в возрасте от 10 до 19 лет. Кроме того, она передает опыт художественной педагогики студентам в Университете Гамбурга.Художественные произведения самой Стефани Джонс, вдохновленные явлениями повседневной жизни, направлены на поиск уникального опыта в пространстве между субъективным восприятием и окружающим миром. Эстетическая ценность обычных, кажущихся ненужными материалов, их способность пробуждать воображение и воспоминания являются главными вдохновителями ее творчества. Она стремится визуализировать то, что происходит, когда мы замечаем неоднозначность и неповторимость повседневности.

<-Арахис. Рисунки по памяти

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

204

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ГОСУДАРСТВЕННАЯ ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ НА КРЫМСКОМ ВАЛУ

АРТ_ЕЛЬНовогодняя выставкаТворческая мастерская Третьяковской галереи на Крымском ВалуЗаведующая отделом образовательных программ Государственной Третьяковской галереи –Елена ГерасимоваТворческая мастерская была открыта 18 мая 2002 годаЕжегодный проект АРТ_ЕЛЬ – с 2005 г.Возрастной диапазон: 5+www.tretyakovgallery.ru

Елена Герасимова:

Современному художнику нужно больше знать и обязательно нужно уметь думать.Современное искусство не может быть глупым. Проблема традиционного художественного образования (как и нашего образования вообще) в его фрагментарности, нацеленности на практику. Художников учат рисовать с натуры. Архитекторов и дизайнеров учат работать в специальных компьютерных программах. Искусствоведов учат анализировать произведения искусства на экранных изображениях. Очень мало пересечений этих специальных знаний, а если есть, то сделаны они небрежно. Может ли искусствовед вынести профессиональное суждение о картине, если он не знает, как она сделана? А будущему художнику разве совсем не обязательно знать о художественных открытиях, сделанных его предшественниками? Можно ли стать писателем, прочитав парочку детективов? Современное художественное образование не может сводиться к обучению ремеслу. Задача художественного образования – создать насыщенную интеллектуальную среду, в которой молодому человеку нужно научиться смотреть, думать, разбираться в парадоксах, делать выбор, вести диалог.Да, собственно, и с «ремеслом» дела обстоят не очень благополучно. В начале 30-х годов прошлого века в Баухаузе практиковались интегрированные программы подготовки студентов, где понимание формы «формировалось» не только через рисование с натуры, пространственное конструирование, но и через пластические тренинги. Тренировка органов чувств, своего тела, наверное, не менее важна для художника, чем начитанность, визуальная грамотность и продвинутость в области информационных технологий. Как часто используются в современных программах упражнения по различению оттенков

ФИ

ГУ

РИ

НА

205

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

цвета, пластические тренинги, активизация тактильного восприятия? Забытая практика, которая, как мне кажется, имеет шанс стать «воспоминанием о будущем».Качественное современное образование должно быть заточено не на ремесло, а на развитие личности. Мне кажется, именно здесь проходит водораздел между «традиционным» и «современным» художественным образованием.

Творческая мастерская открылась в новом здании Третьяковской галереи на Крымском Валу в 2002 году. Это «творческая территория в художественном музее, где дети и взрослые могут узнать, как делается искусство, и попробовать себя в роли художника».Программы мастерской – это практическое искусствознание, адаптированное для разных посетителей музея: детей, школьников, взрослых. Мы предлагаем различные формы практического изучения коллекции русского искусства ХХ века: рисование по впечатлению, композиционный анализ подлинников, копирование, изучение техник, художественные проекты. Чрезвычайно интересно делать специальные программы для «особых людей», например, пластические перформансы по мотивам скульптуры для подростов с интеллектуальными нарушениями или тактильные экспозиции «Язык скульптуры по Брайлю» для инвалидов по зрению.Имеет ли вся эта деятельность Творческой мастерской отношение к художественному образованию?По-моему, да, если понимать художественное образование не только как подготовку профессионалов, но и как обучение визуальной грамотности, развитие творческих способностей. Музеи, в этом смысле, оказываются не менее важными центрами художественного образования, чем художественные школы и студии.

Почти каждый год в Третьяковской галерее на

Крымском Валу мы открываем новогоднюю выставку «АРТ-ЕЛЬ», где показываем новые проекты московских центров альтернативного художественного образования и работы профессиональных художников. «Взрослые» и «детские» артефакты выглядят рядом вполне органично. И такое соседство, на мой взгляд, полезно не только для будущих художников.Ежегодная «АРТ-ЕЛЬ» стала заметным событием в жизни Новой Третьяковки. Это не просто «выставка детского творчества», это своего рода музейный карнавал, когда на короткое время традиции, правила, музейные запреты перестают быть обязательными. И это дает возможность пофантазировать на тему идеального музея, где экспонаты могут стать не только объектом любования, но и поводом для творчества. Табуированное музейное пространство может превратиться в мастерскую, а посетитель выставки сможет усовершенствовать экспозицию.

ФИ

ГУ

РИ

НА

211

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

АРТ_ЕЛЬ

ДАНИИЛУ ХАРМСУ / 2013 ГОД

Дети ХармсаКостюмы-ассамбляжиМастерская художественного проектирования Культурного центра ЗИЛ2011 год

«Все мы вышли из «Шинели» Гоголя», — сказал Ф. М. Достоевский. Даниил Хармс не является в этом смысле исключением. А вот после Хармса неожиданно обнаруживаешь, что все современное российское искусство — вышло из «пиджака Хармса». Гений Хармса отрыл двадцатому веку мир абсурда, парадоксов, эксцентрики, смысловых шифров и философских игр. Это мир, открывающий свои смыслы сквозь сюрреалистический занавес каламбуров, загадок.

«У Пушкина было четыре сына…»Даниил Хармс. Анекдоты из жизни Пушкина

… они выросли, и у них тоже родились дети …

Ассамбляжи создавались на основе изображений костюмов «народов СССР» из Большой советской энциклопедии. Образы национальной одежды в энциклопедии носят условный, собирательный характер, обобщающий до 15-ти «народов СССР» огромное многообразие костюмов многочисленных народностей. Эта титаническая работа была осуществлена творческой фантазией художников и искусствоведов на основе этнографических данных.Последствия этой работы оставили глубокий след на всем декоративно-прикладном искусстве нашей страны, создали фундамент эстетических программ и критериев, связанных с народными традициями.Наш проект – это попытка повторить художественный опыт с костюмами, но уже на ином историческом этапе, и в свою очередь, отталкиваясь от энциклопедических образов. И теперь собирательными костюмами стали работы детей. Причем, собирательными буквально – из вещей, вышедших из употребления и ни на что больше негодных, кроме художественного творчества.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

214

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

ГЦСИ

ТВОРЧЕСКИЕ СТУДИИ

Творческие студии ГЦСИмастерская «Движущиеся картинки»Государственный центр современного искусства (ГЦСИ)Художественный руководитель – Андрей СуздалевГод основания: 2005Возраст учащихся: 8-15 летЗоологическая, 13 (Дом Поленова)www.ncca.ru

Андрей Суздалев:

Современное художественное образование – это сложный творческий процесс, в рамках которого формируются контуры визуальной культуры завтрашнего дня. Более того, это процесс синтетический: здесь осмысленно объединяются лучшие традиционные методики прошлого, революционные открытия искусства ХХ века, творческие поиски и эксперименты дня сегодняшнего. Большую роль здесь играют новые медиа, поскольку благодаря бурному развитию цифровых технологий, они становятся «близкой средой». Несмотря на некоторую утопичность, подобные формы образования способны обеспечивать постоянный приток мыслящих творцов, формировать качественную среду для восприятия нового искусства. И таким образом закладывать возможность объединения людей культуры против «нового варварства».Необходимые составляющие современного художественного образования: проектное мышление, комплексное развитие (включающее не только основы изобразительного искусства, но и музыки, литературы, театра, истории и теории медиа и т.д.), владение разнообразными выразительными средствами и умение применять их для реализации своего замысла.Деятельность нашей мастерской не является частью существующей модели поступательного профессионального образования (кружок – школа – ВУЗ). Основная цель: дать ребенку возможность сделать первый шаг от простого потребления образов и смыслов, предъявляемых экраном, к созданию самостоятельных произведений, познакомить с современной аудио-визуальной культурой во всем ее многообразии, показать богатые возможности современного языка искусства, привить вкус к художественному поиску и эксперименту.Образовательную деятельность я воспринимаю как

ФИ

ГУ

РИ

НА

215

Ма

ни

фе

ст

ы

/

ФИ

ГУ

РИ

НА

20

15

форму современного искусства, непосредственное продолжение собственной художественной практики. Сам формат творческой мастерской предполагает работу над проблемами и задачами, одинаково интересными ученикам и художникам-педагогам, иначе говоря – совместное творчество.

В 2004 году при Государственном центре современного искусства (ГЦСИ) появилась маленькая творческая студия для детей, которая в следующем году трансформировалась в мастерскую «Движущиеся картинки» (руководитель Андрей Суздалев). Именно с этого сезона (2005/2006) отдельные несистематические занятия и мастер-классы уступают место проектной работе в постоянных группах, мастерская обретает свое имя и генеральное направление: комплексное творческое развитие детей на базе анимационных технологий.С 2013 года мастерская переезжает в отдельное рабочее пространство (Дом Поленова) и вокруг нее начинают формироваться Детские мастерские (с 2015 г. – Творческие студии ГЦСИ). В настоящее время помимо «Движущихся картинок» здесь работают следующие студии:- Мастерская видеоарта;- Мастерская «Теория и практика» (основы современного изобразительного искусства для детей младшего возраста);- Мастерская керамики и скульптуры;- Мастерская «Особые художники» (творческая студия для людей с особенностями развития (аутизм).

Результатом нашей работы становятся программы коротких фильмов, выставки и мультимедийные художественно- методические издания.Из последних значимых историй, над которыми мы работали, можно назвать:- «Малая теория всего, или Искусство знать» (2012/2013, при поддержке Политехнического музея)

– цикл анимационных работ в жанре «научпоп-арт» по различным областям знания; выставка, объединившая работы детей и взрослых медиахудожников (была показана в Москве, Нижнем Новгороде, Туле и Петрозаводске); мультимедийное издание.- Проекты, посвященные музыке XX века: «Путешествие в Венецию» (2013/2014, при участии ансамбля Марка Пекарского) на музыку Эдисона Денисова и «Пьесы в форме груши» (2014) – посвящение Эрику Сати. В настоящий момент готовятся мультимедийные издания.- «Кухонные звери» (2014/2015) – серия анимационных коллажей из кухонной утвари; мультимедийное методическое издание.- «Происшествие во времени» (2015). В новом сезоне, отмечая десятилетие мастерской, «героем» проекта и источником идей для создания оригинальных работ мы выбрали Время. Беседуя о Времени, мы обращаемся к астрономии, физике и биологии, мифологии, истории и философии, литературе, изобразительному искусству и музыке, и, наконец, к основам экранных искусств, в частности, к монтажу. Работа над проектом продолжается в настоящий момент.

Всеволод Артёмов. Проект «Кухонные звери» (2015)

Проект «Пьесы в форме груши», 2014/2015Фрагменты раскадровки к фильму «Далеко-далеко в океане»Автор: Варвара Лаврова

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

220

ТЕАТР ЖИВОПИСИЛЯЛИ ТЕЛЯТНИКОВОЙ

Театр ЖивописиАвтор идеи «театр живописи»и руководитель – Ляля ТелятниковаГод основания:1980 г.Москва, Вспольный пер., д. 6Возраст учащихся: от 6 до 45 летhttp://www.picartheatre.rupicartheatre1@mail.ru

Ляля Телятникова:

Современное художественное образование – это изучение всемирной истории искусства через проживание. То есть, руками, головой, телом надо погружаться во все виды искусств, пробовать «на вкус», подражать, сопоставлять, действовать!Прикоснуться к плодам человеческого гения в музыке, литературе, изобразительном искусстве, являющимися символами нашей цивилизации. Театр – очень подходящая форма для художественного образования детей.Синтез искусств способствует большему пониманию каждого из видов. На уроке живописи должна звучать музыка, поэзия. Изучение музыкальных произведений – сопровождаться показом соответствующих картин, и т.п. В детском сознании выстраивается ассоциативный ряд, и художественное произведение лучше запоминается. Таким образом, педагог должен быть «подкован» по всем видам искусства.Наша работа готовит детей к поступлению в любой творческий ВУЗ постольку, поскольку художественное развитие необходимо каждому человеку, и пока он ребенок, ему нужно формировать ВКУС и прививать любовь к искусству вообще, даже если в нем самом нет творческих наклонностей. Я рассматриваю свою работу с детьми как ПОДГОТОВКУ к актерской работе в ТЕАТРЕ ЖИВОПИСИ. Как правило, у нас дети вырастают и продолжают играть в течение минимум 5 лет, чаще 10 - 15 лет.ТЕАТР ЖИВОПИСИ – это абсолютно оригинальная субъективная форма искусства, аналогов которой я пока не встречала. Она современна, так как представляет собой синтез различных форм искусства.Последней значимой работой Театра Живописи был спектакль «Европейское искусство около Кремля» в творческом союзе с ансамблем старинной музыки «La Villa Barocca», который был показан на

ФИ

ГУ

РИ

НА

221

Ежегодной конференции директоров Национальных библиотек Европы в Доме Пашкова (май 2014 года). Театр Живописи также был удостоен чести выступить на 100-летии ГМИИ им. Пушкина в музее в зале Микеланджело (май 2012 года). Как обычно в спектаклях принимали участие школьники и даже дошкольники.

Театр Живописи под руководством Ляли Телятниковой существует как танцевально-художественная студия с 1988 года (ранее, с 1980 г. студия называлась «Театр танца» при ДК ИАЭ им. И.В.Курчатова).С 2004 года студия базируется в ГБОУ ЦО № 1239, где имеются сцена, балетный класс и костюмерная. Руководитель студии, автор идеи «театр живописи» – Ляля Телятникова, закончила Московский Архитектурный институт в 1979 году, член Союза архитекторов, ведет студию с 1980 года без отрыва от архитектурной практики и с 1991 года только как художественный руководитель. Хореографическое образование получила в балетном классе солистки ГАБТ Марианны Боголюбской. Имеет практику работы художника по костюмам в других театрах, участвовала в выставках молодежного объединения художников театра и кино, осуществляла постановки различных творческих мероприятий.Постановки Театра Живописи представляют собой хореографические миниатюры по картинам известных художников. Театр Живописи – это впечатление от картины, выраженное театральным действием. Каждый эпизод спектакля соответствует одному произведению одного художника. Идея спектакля состоит в том, чтобы живопись возникала на «холсте» постепенно через ряд ассоциаций, впечатлений, выраженных в разных формах. Здесь главное – цвет, композиция, фактура. Чтобы сравнить свои впечатления с первоисточниками, надо вернуться в музеи, полюбить изобразительное искусство. «Душа» картины, ее поэтический подтекст, фактура

и манера письма, индивидуальность художника, историко-бытовой фон – все это служит источником для постановки хореографических миниатюр. Каждая программа объединена общей темой, но составляется по принципу контраста: танцевальные картины отличаются друг от друга стилистикой костюмов и своеобразием хореографического языка так же, как отличаются друг от друга художники.

Ляля Телятникова следует идее балетмейстера М. Фокина и художника А. Бенуа о необходимости объединять ЖИВОПИСЬ, МУЗЫКУ и ТАНЕЦ в ЕДИНОЕ зрелище.В спектаклях дети и взрослые играют на равных в зависимости от типажа, актерской индивидуальности, манеры исполнения. Подготовка проходит как раздельно по возрасту, так и в разновозрастных группах. Студийцы учатся актерскому мастерству, сценическому движению и хореографии, овладевают умениями органично и музыкально двигаться в костюмах. В процессе подготовки спектакля актеры проводятся по всем уровням полифонического воздействия музыки, слова, живописи, исторических времен и некоего «ландшафта», присутствующего в каждой композиции. Классическая хореография – вторая ступень подготовки – «воспитание тела», и только затем – репетиция картины.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

226

ТРИ ЦВЕТАTRĪS KRĀSAS

ТРИ ЦВЕТА (TRĪS KRĀSAS)Центр художественного образованияРига, ЛатвияС 2000 г.Возраст учащихся: от 9 до 14 летTRĪS KRĀSAS расположены в одном из творческих кластеров города Риги «Miera ielas Republika» («Республика улицы Миера»)www.triskrasas.lvИлзе Купча - основатель TRĪS KRĀSAS. Старший специалист гуманитарного образования в Министерстве Культуры Латвии в Отделе Культуры и Образования Творческих индустрий. Преподаватель Школы музыки и искусств Пардаугавы в Риге.

Илзе Купча:

Современное художественное образование строится на идеях настоящего. Оно говорит о людях вокруг нас и взаимодействует со временем, в котором мы живем. Оно объединяет процессы познания, экспериментирование, вопросы и поиск содержательных выразительных средств, не всегда красивых или даже благопристойных. Это творческий процесс, несущий новые открытия через взаимодействие между учащимися, педагогами и обществом.

Интерес + отвага + исследование + поиск новых путей и ракурсов + качественные примеры в искусстве + ошибки + открытия + анализ = современное художественное образование

Центр определяет учебную среду как пространство эксперимента и обмена разнообразным опытом. Работающие в нем арт-педагоги – посредники между художественными и образовательными процессами – развивают схему постоянного и непрерывного сотрудничества: TRIS KRASAS – учащиеся – художники – общество. Поскольку TRIS KRASAS – открытое для публики пространство (работает с 12 до 19 часов), посетители опосредованно участвуют в работе Центра. Художники, дизайнеры и студенты творческих специальностей часто посещают Центр, чтобы встретиться в профессиональном кругу или обменяться мыслями о преподавательской работе.Мы определенно считаем, что художественное образование – одна из форм современного искусства. Образовательная работа TRIS KRASAS основана на принципах современного искусства: близкая связь с местным сообществом и окружением, участие публики, открытость к новым вызовам, образовательная среда как исследовательская лаборатория, экспериментирование и поиск новых

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

228

выразительных средств и возможностей.

Центр TRĪS KRĀSAS был создан как неправительственная организация с целью активно развивать и воздействовать на художественное образование в Латвии. Направления деятельности Центра художественного образования TRĪS KRĀSAS таковы:• развитие многогранных проектов в области художественного образования,• организация творческих мастерских на художественных выставках и в музеях,• создание учебных материалов для художественного образования,• разработка и проведение курсов дополнительного образования и мастер-классов для педагогов.Учащиеся посещают образовательные программы «Современное искусство и исследования» или «Дизайн и исследования» 1-2 раза в неделю. До этого они никогда прежде не проходили профессиональной подготовки в области искусства. Как неправительственная организация, Центр художественного образования TRIS KRASAS может гибко занять свободную нишу в образовании – обучение современному искусству и дизайну без академической программы по рисунку, живописи и скульптуре, увязывая творческую работу учащихся с другими занятиями в Центре – семинарами, дискуссиями, творческими мастерскими, выставками для специалистов и местных жителей.С 2013 по 2014 год TRIS KRASAS реализовал «Образовательный проект по искусству и исследованиям для молодежи». Целью этого проекта было предложить молодым людям образовательные курсы, основанные на междисциплинарности и совмещении принципов современного искусства и других областей, включить их таким образом в работу общественного значения, активизировав их интерес, мотивацию, творческое начало, социальную

ответственность и художественные навыки. В результате были разработаны и опробованы инновационная модель художественного образования и программа. Проект был воплощен в рамках программы «Фонды для неправительственных организаций», финансируемой Исландией, Лихтенштейном и Норвегией.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

230

ЦЕНТР АВАНГАРДА НА ШАБОЛОВКЕ

Центр авангарда на Шаболовкев библиотеке «Просвещение трудящихся»Преподаватели: Татьяна Зайцева – педагог, художник, сокуратор проекта «Супрематикус»,Александра Селиванова – историк архитектуры, куратор, дизайнер, руководитель Центра авангардаС 2012 г.Возраст детей: от 5 до 14 летСерпуховский вал, 24, стр. 2

Александра Селиванова:

Современное художественное образование должно стремиться:- к освоению проектного мышления.- к погружению в историю культуры, осмыслению культуры и искусства как целостных временных пластов.- к подключению собственного опыта, различных художественных технологий, с древнейших до новейших.- к пониманию себя самого как активного субъекта в пространстве культуры.- к представлению о мире и окружающей среде не столько как об объекте для созерцания и «вчувствования», сколько как о предмете для анализа, изменения, влияния при помощи интеллектуальных и художественных средств.

Студия Центра авангарда в своих программах базируется на пропедевтике 1920-х годов, в первую очередь – педагогическом опыте Вхутемаса и Баухауза. На наш взгляд, хотя художественные инструменты и методы обучения, разработанные в этих учебных центрах, активно применяются в современном высшем художественном образовании, но мало и недостаточно используются в программах для младшего школьного возраста. Наша задача – адаптировать эти аналитические упражнения для детей, погрузив их в культурный контекст эпохи авангарда, а значит – расширить разговор от сугубо формальных, пластических задач до социальных, философских, культурологических тем.Наши занятия – это не подготовка к художественному колледжу, ВУЗу, будущей профессии. Это, как нам кажется, подготовка к жизни в современном мире, важный элемент общего образования, которого не хватает в школах, где преподавание истории культуры, искусства и уроки ИЗО завершается где-то в районе

ФИ

ГУ

РИ

НА

1900-х годов, детям не раскрываются никакие связи, не прокладываются мосты к культуре и искусству последнего столетия.Занятия Студии Центра авангарда выстроены как месячные циклы: «Цвет», «Линия», «Фото», «Коллаж», «Слово. Книга», «Конструкция», «Объект», «Архитектура». Каждый из циклов знакомит детей с наиболее яркими художниками, дизайнерами, фотографами, архитекторами, литераторами, раскрывавшими ту или иную тему, позволяет освоить разные художественные техники, пройти путь от плоскости к объему, от «элементарных частиц» искусства (цвет, линия, фотография, слово, движение) к составным, сложным (коллаж, ассамбляж, конструкция, объект, спектакль).

Центр авангарда находится на Шаболовке, в окружении памятников архитектуры 1920-1930-х годов. Это Радиобашня В. Шухова, первый в Москве дом-коммуна «1-е Замоскворец- кое объединение» Г. Вольфензона, Коммуна-общежитие Текстильного института И. Николаева, Даниловский универмаг Г. Олтаржевского и многие другие. Центр располагается прямо в центре Хавско-Шаболовского жилмассива – градостроительного эксперимента бригады АСНОВА, всемирно известного памятника советской архитектуры. Центр авангарда инициирует создание в районе культурного кластера, туристического центра, посвященного эпохе 1920-х. Именно поэтому большинство наших заданий напрямую связано с архитектурным окружением Студии. «Супрематическая» планировка жилмассива и композиции фасадов, «ракурсы Родченко», местные социальные эксперименты (коммуны, школы-гиганты) – все это материал для наших опытов и исследований.

Задание:Придумать проект нового цветового решения фасадов жилмассива взамен утраченного еще в 1930-е годы.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

234

ШУМ

Детская дизайн-школа ШУММесто размещения: Институт бизнеса и дизайна / Мастерская Васина и ВельчинскойПреподаватель: Александр ВасинАссистенты: Юлия Кондратьева, Светлана Кузьмичева, Анна-Мария Кандалес-ВоробьеваГод основания: 2014Возраст учащихся: 6 – 12 летМосква, Протопоповский переулок, дом 9, строение 1http://shum.vasin.ruvasin@vasin.ru

Александр Васин:

Российское графдизайн-образование еще очень молодо и пока базируется на личном опыте конкретного преподавателя, как правило, не профессионального педагога, а практикующего дизайнера. Преподавание графического дизайна еще не стало рутиной, каждый изобретает свои методы, свои задания. Мы живем в трудную и счастливую эпоху открытий, со своими удачами и ошибками.Детское дизайн-обучение – занятие в нашей стране еще более новое и неизведанное.Но если ребенок, в 7-8 лет рисуя на уроках детской дизайн-школы «футуроботов» и «гарамонстров», научится понимать стилистические различия в шрифтах Футура и Гарамонд, то учиться в институте или взрослой дизайн-школе ему будет намного легче и интересней.Дизайн – это гремучая смесь ремесла и искусства, поэтому преподаватель дизайна должен быть не теоретиком, а практиком. Только в этом случае он может проверять свои идеи в своей же работе и, при необходимости, отказываться от них, заменяя их более свежими идеями. Постоянное развитие, постоянное сомнение – единственный путь актуальной дизайн-школы.Чрезвычайно важен контакт с учениками, с их культурой. Их интересы, музыкальные, литературные, кинематографи- ческие, их приколы и интернет-мемы – всe это должно интересовать преподавателя, как все новое.Преподаватели дизайн-вузов и дизайн-школ часто сталкиваются с проблемой отсутствия у поступающих культурного бэкграунда. Здесь стоит различать натасканность абитуриента на подготовительных курсах и развитое с детства чувство стиля, понимание культурных эпох, знание имен, вкус.Александр Васин:

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

236

Детская дизайн-школа ШУМ является первой ступенью дизайн-образования. Возраст от 6 до 12 лет является оптимальным для усвоения информации в полуигровой форме. После ШУМа ребенок может поступить на подготовительные курсы (частные или при вузе), потом в вуз или в профессиональную дизайн-школу. Одной из таких школ является дизайн-курс T_24 (руководители Александр Васин и Наталья Вельчинская), в котором сделан упор на активную типографику, верстку, проектирование сложноструктурных книг.Концепция ШУМА – это шум. Ребенок может бегать, петь, кататься по полу – формально нет никаких запретов. Это задача преподавателя – так построить урок, чтобы дети не впадали в буйство, были максимально заинтересованы процессом. В ШУМе используется постоянная смена локации: ребята угадывают шрифты, лежа на ковре, пишут буквы, сидя за столом, носятся по помещению от печатного пресса к резаку бумаги.Еще одно отличие от других творческих школ – на ШУМе не выгоняют родителей. Приведя ребенка, взрослые не обязаны покидать помещение, они могут попить чай в студии, почитать и даже принять участие в практической работе. Родитель видит, как проходит урок, как работает его ребенок.ШУМные уроки проходят в просторной светлой комнате в атмосфере, насыщенной дизайном: в этом же помещении занимаются и старшие – студенты Мастерской Бориса Трофимова, Мастерской Тагира Сафаева, дизайн-курса Т_24. На столах – книги, на стенах – работы, в воздухе – запах типографской краски.Занятия в ШУМе лекционно-практические, но включающие в себя и музыкально-ритмические упражнения (хлопки, пение, танец). Не засиживаться – значит не скучать.Каждый урок проводится «угадайка» – определение шрифтов по карточкам, распечаткам. Важная часть

урока – ручная печать. Ребята знакомятся с высокой печатью, с типографскими литерами, с валиком и краской. Параллельно идет рассказ о книге, плакате, визитке, их истории и применении. Иметь в 6 лет визитную карточку, да еще напечатанную своими руками – разве это не здорово?Другое задание – эксперименты с фальцовкой печатного листа и создание собственных книг-брошюр, сначала традиционных, а потом необычных, «инопланетных».Рисование (и совмещение в одном рисунке шрифта и изображения), каллиграфия ширококонечным инструментом (с разговором о римском капитальном шрифте), поиск контрформ (теневой театр в луче проектора)...Все уроки не похожи друг на друга, каждая встреча посвящена какой-то новой теме.

Но самое важное в занятиях с детьми – это импровизация.

Дети подвижны и непредсказуемы, и преподаватель все время должен следить за их реакцией. Тщательно спланированная программа урока должна быть пластичной, легко изменяющейся в зависимости от ситуации. Учиться должно быть интересно не только ученикам, но и учителю.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

238

ДМИТРИЙ КРЫМОВ Мы предложили нашим коллегам ответить на несколько вопросов, касающихся современного художественного образования в формате интервью.Позиция режиссера и художника Дмитрия Крымова.

1). Современное художественное образование – это…

В наших условиях это полное безобразие. Причем безобразие нищее, кичащееся своей «первородностью». Все, что сейчас есть хорошего и очень хорошего (а это еще осталось), держится на абсолютном энтузиазме некоторых педагогов, у которых призвание учить выше всех унизительных обстоятельств, в которые это учительство погружено. Замена хорошего педагога равносильна развалу самого образования, хотя внешне все будет продолжаться на вполне «благопристойном», официальном уровне. Образование, как система, обеспечивающая сохранение и передачу культуры следующим поколениям, висит на волоске.

2). Необходимые на ваш взгляд составляющие современного художественного образования. Какие знания, опыт и компетенции превращают традиционное художественное образование в современное.

Современное художественное образование отличается от традиционного тем же, чем современная машина BMW или TOYOTA от старых Жигулей. А для того, чтобы сделать такую машину, нужны знания,

ФИ

ГУ

РИ

НА

239

опыт и компетенция, как в данной области, так и в области организации этого самого образования… то бишь машиностроения. Сейчас в одной деревне местный умелец хорошо делает карбюраторы, а в другой – генераторы. Жалко только, что дороги между этими деревнями плохие, и дизайнера нет: уехал в город, так что собирать новую машину и придавать ей какой-то приличный вид приходится по картинкам из случайных журналов.

3). Является ли ваша работа частью модели последовательного профессионального образования: кружок –> художественная школа –> ВУЗ? Ваше отношение к этой существующей модели профессионального художественного образования. Если ваша образовательная программа не строится на представленной модели, то определите, в чем смысл вашей деятельности?

К сожалению, не является. Я делаю со студентами то, что мне подсказывает моя интуиция, при этом, стараюсь не повторяться, чтобы каждый раз пройти путь познания заново с новыми людьми. Базовые вещи, конечно, есть, и я их сохраняю, но путь прокладываю каждый раз разный. Меня вдохновляет образ учителя, который пошел в лес со своими учениками, и у костра, между делом, происходит самый важный разговор. При всей слабости и, может быть, малой реальности этой ситуации, она мне нравится больше, чем «опытный

и уважаемый профессор читает лекцию в аудитории с указкой в руке».

4). Рассматриваете ли вы вашу образовательную художественную деятельность, как одну из форм современного искусства?

Некоторые результаты этой деятельности, я думаю, имеют к этому отношение, но не сама деятельность.

5). Наиболее значимые проекты / результаты.

Наша лаборатория выросла из моего курса в ГИТИСе и все спектакли, а их за 10 лет уже около 20-ти, сделаны либо с моими прямыми учениками, либо с пришедшими в нашу группу молодыми артистами, часто еще студентами, которых я могу через несколько лет совместной работы тоже назвать своими учениками. Так что система «учитель с классом в лесу у костра» работает не только в институте. И это, пожалуй, я считаю самым серьезным результатом своей деятельности, как педагога.И, наверное, еще то, что большинство моих учеников (театральных художников) работает в театре, и некоторые с успехом и, по-моему, с удовольствием.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

240

10 ЭПИЗОДОВПРОЕКТ В ЖАНРЕ ТЕАТРА ХУДОЖНИКА

10 эпизодовОбразовательный проект в жанре театра художникаАвтор и педагог — Филипп Виноградов (выпускник мастерской Дмитрия Крымова)Возраст участников — от 14 до 16 летПродолжительность проекта 1,5 месяца2014 г.Культурный центр ЗИЛМосква, ул. Восточная, д. 4, корп. 1www.zilcc.ru

Филипп Виноградов:

Современное художественное образование – это не несовременное и не современное, а художественное или нехудожественное. Главное – позиция и способ ее выражения.Современное художественное образование – это развитие в человеке образного мышления, его ощущения причастности к искусству (современному и не только). Смысл образования – показать, что это захватывающий мир со своим языком и законами, дать некий, возможно, базовый, уровень для понимания этого мира и возможности в нем существовать. К сожалению, в большинстве случаев «художественное» образование лишь отдаляет человека от творчества, его понимания, отбивает интерес и желание этим заниматься.Как сказал Жан Тэнгли: «Мечта – это все, технике можно обучиться». Мне кажется, отличие современного художественного образования как раз заключается в том, что оно должно помочь научиться человеку мечтать … хотя неизвестно, можно ли этому научить …Составляющие художественного образования:Взаимообмен. Учитель и ученик учатся друг у друга.Интерес. Повод для самостоятельного дальнейшего движения.Ориентир. Показать направление этого движения.Гибкость. Современная художественная среда состоит из множества направлений, необходимо лавировать между ними.На мой взгляд, современное художественное образование неразрывно связано с современным искусством, разными его направлениями. Ведь одно питается и берется из другого, это две стороны одного целого, из одного качества происходит перетекание в другое... так должно быть… Веками существующая система «мастер-подмастерье» изменяется. Мир – изменяется как искусство в целом, так и школа…

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

242

возможно, в этом изменении есть еще одно отличие современного художественного образования от несовременного: бывает, что искусство ушло в свою сторону, а образование – в свою, тогда система разлаживается…

Учитель, мастер, художник, ставят одни задачи, как перед собой, так и перед учениками, вместе идет поиск ответа, а постановка задачи и поднимаемые вопросы и проблемы становятся творческим высказыванием… разве не этим же занимается и современное искусство?

10 ЭПИЗОДОВ

В 2014 году в рамках программы арт-резиденций в Культурном центре ЗИЛ был осуществлен театральный проект «Борис и Глеб» по сказанию о Борисе и Глебе из «Повести временных лет» (авторы – А. Размахов и Ф. Виноградов). В процессе реализации постановки появилась идея параллельного образовательного проекта, который и был осуществлен в Мастерской художественного проектирования Культурного центра ЗИЛ.Проект предусматривал выявление нескольких ключевых тем – эпизодов из общего повествования, обоснование их значения, поиск личного отношения к описанным событиям, воплощение полученных идей и образов в форме театра художника. Проект не предусматривал создания театрального действия. А формой реализации стала фотодокументация мизансцен 10 выбранных эпизодов.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

246

СВОБОДНЫЕ МАСТЕРСКИЕ

Школа современного искусства «Свободные мастерские» Московского музея современного искусстваМесто г. Москва, Петровка, 25Год основания 1992Возрастной диапазон учащихся от 18 и старшеwww.mmoma.ru/school/about

Основная цель Школы — подготовить специалистов, способных профессионально работать в области новейшего искусства, дать возможность молодым художникам и кураторам самореализоваться в групповых и персональных проектах. Мы рассчитываем, что выпускники овладеют всем спектром навыков, необходимых для подготовки выставочных проектов, и смогут в будущем работать без институциональной поддержки или же находить ее самостоятельно.Тщательно подобранные теоретические и практические курсы, профессиональный преподавательский состав, открытие наиболее актуальных направлений образовательной деятельности, а главное — конгломерат с музеем, создали уникальные условия для создания культурно-просветительского центра, способного играть значительную роль в развитии отечественного искусства.Школа даёт возможность молодым художникам, уже имеющим определенную техническую базу, развиваться интеллектуально в контексте современного художественного мира, а также влиться в профессиональное сообщество.Будучи частью Музея, Школа помогает художникам влиться в мир современного искусства: участие в групповых выставочных проектах, организации первой персональной выставки, развитие выставочной карьеры, приобретение работ в коллекцию ММОМА.

Школа была основана в 1992 году группой художников и искусствоведов. Среди них такие бесспорные авторитеты как художники Александр Пономарёв, Владимир Куприянов, Владимир Наседкин, профессоры МГУ Вера Дажина и Валерий Турчин. За годы работы Школы, сформировалось целое поколение художников, своим успехам в большой степени обязанных молодёжной политике

ФИ

ГУ

РИ

НА

Московского музея современного искусства.

«ИЗ ПЕРВЫХ РУК»Программа представляет собой серию открытых ежемесячных мастер-классов востребованных и опытных художников и кураторов России.

ВЫСТАВОЧНЫЙ ПРОЕКТ «МАСТЕРСКАЯ»Ежегодная выставка «Мастерская» существует с 2001 года и каждый год открывает новые имена российской художественной жизни. Это единственный ежегодный музейный проект, собирающий в большой групповой выставке произведения молодых художников из Москвы и регионов, работающих в сфере актуального искусства.

ВЫСТАВОЧНАЯ ПРОГРАММА «ДЕБЮТ»Программа представляет цикл из небольших персональных или групповых проектов молодых художников и кураторов. За годы работы через проект прошли десятки молодых художников, имена многих из них сейчас фигурируют среди активных участников современной арт-сцены.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

250

SUMMARY

en“Figurines” are the names for the graphic images of the “Victory over the Sun” opera characters. These names were given by El Lissitzky, the famous Russian avant-garde artist. Lissitzky wrote that “figurines are the symbolic image of global updates”.Art education has a long history. At all times the purpose of art education determined by understanding the human being’s place and role in society, the meaning of life understanding.True values of human society was always the development and creative self-realization. The purpose of “figurines” is to try to see the future.And for this purpose we have gathered and presented the work of those people who aims to upgrade, looking for the new ways in art education. The “Figurina” represents different points of view and different experience. Among the main topics and directions of the project there are the artistic development of thinking, perception’s skills of the new ideas and images, social activism, intellectual cultural technologies, anthropological and historical approaches, forgotten and new media, the perception and the oncoming of cultural heritage, crisis management of education through the resources of artistic culture, etc.These directions change the social significance of art education and expand sphere of its social presence.The book, like the exhibition, is divided into two thematic parts - Prehistory and Manifestos.

“Figurina”, in the first place, is a manifestation of different experiences. Project participants expressed their own attitude and understanding of the goals and sense of professional activities, identified future projects.

¬¬¬ Here are some pieces from manifestos.“Art makes us think, discuss, and, most important, to step outside the comfortable and familiar world» (Annely Köster. Sally Stuudio. Tallinn, Estonia).“Education without historical and socio-cultural reflection is doomed to play the dying tradition” (Fedor Mikhailov. The “Animoptikum.” Moscow).“The artistic development of the child is the most important aspect in the development of the personality and the view through the lens of which the child then will perceive the world» (Odette Tissier. Atelier 399 in Marseille, France).“The art project is a self-developed and manufactured product, material and intellectual with the subjective or objective novelty” (Alexei Orlovskij. Children’s Art Gallery IZOPARK. Moscow).“From the art museum - to contemporary art» (Manon Potvin. Louvre Museum. Paris, France).“The content of contemporary art upbringing (more exact word than education) is a design that connects people, historical (not academic, lifeless) tradition with a continuous experiment, with discoveries” (Alexander Ermolaev. Workshop-TAF. Moscow)/“Contemporary art education” is an open system that supports the idea of development and overcoming stereotypes”(Nikolai Selivanov. Workshops of artistic design. Moscow).“Education as a system which ensures the preservation and transmission of culture to future generations, is hanging by a thread” (Dmitry Krymov. Dmitry Krymov theater. Moscow).The curators have organized a number of special projects for understanding the existing problems of art education in historical perspective.It is the part “Prehistory” in the book and the exhibition, which deals with long-standing and very recent ideas that influence the processes of contemporary education. «Orbis Sensualium Pictus» by Jan Amos Comenius and “Gifts” by Friedrich Freybel, “Labour School” by John

ФИ

ГУ

РИ

НА

251

Dewey and the “Veil” of Leon Battista Alberti, VHUTEMAS and the Academy of Arts, these positions should develop the context for understanding of contemporary problems.The particular importance in this part of the book has the publication of N. Phomina, the corresponding member of the Russian Academy of Education, about the forgotten, but a large-scale event in the history of Russian culture – The Second Congress of Russian artists (1912).This Congress has united in the theoretical discussions of all the existing artistic trends representatives in order to create a new system of art education, facing the future. Many discussed problems of the congress remain relevant today. At this congress the work of Wassily Kandinsky, “Concerning the Spiritual in Art” was read at the first time.The great interest in this part is the proximity of the two educational concepts, seeking to overcome the narrow professionalization – the concept by Academician Boris Yusov “On the interaction of arts in the development of children at the integrated lessons” and ideas of Italian educator Fabrizio Fordiponti’s “Manifesto Artinsieme».Through participation in the project of the Institute of Art Education of the Russian Academy of Education, it became possible for the first time in the history of art pedagogy in Russia, to show methodological retrospective exhibition dedicated to the artistic training techniques which were dominated in the industrial society. The exhibition includes paintings from 1898 to 1962.The exhibition is called «Nature morte» (Still Life). The problem of inhumane, “repressive” methods of teaching drawing, formed the basis of the artistic pedagogy of the XIX-th century and throughout the XX century, opens from two points of view.So, here it is a “matrix” of this kind of education - thef glass negatives from which duplicated “The annual plans for drawing lessons for secondary school from the 1st to 7th form” (USSR, 1950 - 60 years). There are album pages with methodical photographs revealing primitive naturalism and anti aesthetics, so-called “realist school” too.

But at the same time the collection of drawings is very surprising. It is interesting how living, creative nature finds its way into the conditions of hard “canon” when teachers formulate not educational but the artistic goals.All materials of «Nature morte» part are published for the first time.

The “Figurina” project is supported by the Culture Department of Moscow City, and is carried out by the Cultural Center of ZIL, a major cultural city center. ZIL Cultural Center (early was known as The Palace of Culture in Proletarian District of Moscow) is located in the outstanding monument of Constructivism, created by architects Vesniny brothers in 1937.

фе

ст

ив

ал

ь

со

вр

ем

ен

но

го

х

уд

ож

ес

тв

ен

но

го

о

бр

аз

ов

ан

ия

252

ru

«Фигуринами» назвал графические образы героев оперы «Победа над Солнцем» Эль Лисицкий, знаменитый художник русского авангарда. Лисицкий писал – «Фигурины – это символическое изображение мирового обновления».

Художественное образование имеет древнюю историю. Во все времена цели художественного образования определялись пониманием места и роли человека в общественной жизни, пониманием смысла жизни. Всегда подлинными ценностями человеческого общества были развитие и творческое самоосуществление. Цель «Фигурины» – попробовать увидеть будущее. И для этой цели мы собрали и представляем работу тех, кто стремится к обновлению, ищет новые пути в художественном образовании. Проект «Фигурина» представляет разные точки зрения и разный опыт. Среди основных тем и направлений проекта – художественное развитие мышления, навыки восприятия нового, социальный активизм, интеллектуальные технологии культуры, антропологический и исторический подходы, забытые и новые медиа, восприятие и приближение культурного наследия, преодоление кризиса образования с помощью ресурсов художественной культуры и т.п. Эти направления меняют представления об общественном значении художественного образования и расширяют сферу его социального присутствия.Книга, как и выставка, разделена на две большие тематические части – Предыстории и Манифесты.

«Фигурина», в первую очередь, это манифестация разного опыта. Участники проекта выразили свое личное отношение и понимание целей и смысла

профессиональной деятельности, обозначили перспективные проекты.

Вот, некоторые фрагменты из манифестов.«Искусство заставляет нас думать, обсуждать и, что самое важное, сделать шаг за пределы удобного и привычного мира» (Annely Köster. Sally Stuudio. Таллин, Эстония).«Образование без исторической и социокультурной рефлексии обречено воспроизводить умирающие традиции» (Федор Михайлов. Проект «Анимоптикум». Москва).«Художественное развитие ребенка – самый важный аспект в становлении его личности и того взгляда, через призму которого он потом будет воспринимать окружающий мир» (Odette Tissier. Ателье 399. Марсель, Франция).«Художественный проект – это самостоятельно разработанный и изготовленный продукт, материальный и интеллектуальный, обладающий субъективной или объективной новизной» (Алексей Орловский. Детская художественная галерея ИЗОПАРК. Москва)«От искусства в музее – к современному искусству» (Manon Potvin. Музей Лувр. Париж, Франция)«Содержанием сегодняшнего художественного воспитания (точнее, чем образование) является дизайн, соединяющий народные, исторические (отнюдь не академические, безжизненные) традиции с непрерывным экспериментом, с открытиями» (Александр Ермолаев. Мастерская-ТАФ. Москва)«Современное художественное образование – это открытая система, поддерживающая идеи развития и преодолевающая стереотипы» (Николай Селиванов. Мастерские художественного проектирования. Москва)«Образование, как система, обеспечивающая сохранение и передачу культуры следующим поколениям, висит на волоске» (Дмитрий Крымов.

ФИ

ГУ

РИ

НА

253

Театр Дмитрия Крымова. Москва).

Для того, чтобы увидеть существующие проблемы художественного образовании в исторической перспективе, кураторы организовали несколько специальных проектов. Это раздел «Предыстории» в книге и на выставке, который касается давних и появившихся совсем недавно идей, влияющих на процессы современного образования. «Orbis Sensualium Pictus» Яна Амоса Коменского и «Дары» Фридриха Фрейбеля, «Трудовая школа» Джон Дьюи и «Завеса» Леона Батиста Альберти, ВХУТЕМАС и Академия художеств, позиции которых призваны сформировать контекст для понимания сегодняшнего дня. Особое значение этому разделу в книге придает публикация члена-корреспондента Российской Академии образования Н.Н. Фоминой о забытом, но масштабном событии в истории российской культуры – Втором съезде русских художников (1912 г.). Этот съезд объединил в своих теоретических дискуссиях представителей всех существовавших в то время художественных направлений с целью создания новой системы художественного воспитания, обращенной в будущее. Множество обсуждавшихся проблем этого съезда остаются актуальными сегодня. На этом съезде впервые был зачитан труд Василия Кандинского «О духовном в искусстве».Не меньший интерес в этом разделе вызывает близость двух образовательных концепций, стремящихся преодолеть узкую профессионализацию – академика Бориса Юсова «О взаимодействии искусств в развитии детей на интегрированных занятиях» и итальянского педагога Фабрицио Фьордипонти «Манифест Artinsieme».Благодаря участию в проекте Института художественного образования Российской Академии образования, стало возможным первый раз за всю историю художественной педагогики в России, показать методическую ретроспективную выставку,

посвященную доминировавшим в индустриальном обществе методам художественного обучения. На выставке представлены рисунки с 1898 по 1962 годы.Выставка получила название «Nature morte» (Натюрморт). Проблема антигуманных, «репрессивных» способов обучения рисованию, составлявших основу художественной педагогики в XIX и на всем протяжении XX века, раскрывается с двух сторон. Так, здесь показана «матрица» этой дидактики – стеклянные негативы, с которых тиражировались «Примерные годовые планы уроков рисования для общеобразовательной школы с 1-го по 7-й класс» (СССР, 1960-е годы). Или страницы альбомов с методическими фотографиями, раскрывающими примитивность, натурализм и антиэстетику, так называемой «реалистической школы».Но одновременно сама коллекция рисунков удивляет тем, как живое, творческое начало находит для себя путь в условиях жесткого «канона», когда педагоги формулируют не учебные, а художественные задачи.Все материалы раздела «Nature morte» публикуются впервые.

ФИГУРИНА. Фестиваль современного художественного образования15 – 23 мая 2015Культурный центр ЗИЛ