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FLAMMA,
DOCUMENTAL POÉTICO Y REFLEXIVO
PRESENTADO: DANIELLA GUEVARA PATIÑO
JENIFFER DEL CARMEN MORÓN SIERRA
TRABAJO DE GRADO PARA OPTAR POR EL TÍTULO DE
COMUNICADORA SOCIAL CON ÉNFASIS EN AUDIOVISUAL
DIRECTOR DE TRABAJO DE GRADO:
LUIS FELIPE CARDONA
PONTIFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANA
FACULTAD DE COMUNICACIÓN Y LENGUAJE
CARRERA DE COMUNICACIÓN SOCIAL
BOGOTÁ 2015
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ARTÍCULO 23, Resolución No. 13 de 1946
“La Universidad no se hace responsable por los conceptos emitidos por los alumnos en
sus trabajos de grado, solo velará porque no se publique nada contrario al dogma y la
moral católicos y porque el trabajo no contenga ataques y polémicas puramente
personales, antes bien, se vean en ellas el anhelo de buscar la verdad y la justicia”.
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AGRADECIMIENTOS
Agradecemos el apoyo incondicional de nuestros padres, Gerardo Guevara, Yaneth
Patiño, Heriberto Morón y Delvis Oñate; y al resto de nuestras familias, por siempre
darnos ánimo y palabras de motivación para ir tras nuestros sueños y nunca rendirnos.
Este proyecto es muestra de lo que más amamos hacer desde pequeñas, nuestra
pasión por el baile. Y no sólo esto lo hace muy especial, sino la participación de
nuestros amigos más cercanos y compañeros de universidad en la realización del
producto, por su interés y ánimo a ser parte de éste, de la forma que fuera posible,
incluso si esto significaba dejar menos tiempo para sus propios proyectos.
Por otro lado la ayuda incondicional de nuestro asesor Luis Felipe Cardona, por su
compañía en el proceso y asesoría para lograr un buen producto. El Centro Ático por el
apoyo incondicional, desde equipos y espacios para la producción, hasta turnos de
edición de Audio, Video y Corrección de color, este último al que le damos
agradecimientos especiales al Coordinador del área de postproducción y colorista
Carlos Mario Lozano, a Monica bustamante y a Diego Hoyos por la amabilidad y
disposición a colaborar en el proyecto. Últimamente a la Pontificia Universidad
Javeriana por los permisos para las locaciones y la colaboración del personal de
seguridad durante los días de grabaciones.
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Contenido
1. Resumen y abstract ................................................................................. 7
2. Introducción ............................................................................................. 8
3. Objetivos ................................................................................................. 10
3.1 General .............................................................................................. 10
3.2 Específicos ....................................................................................... 10
4. Justificación ............................................................................................. 10
5. Metodología ............................................................................................. 12
6. Estado del arte ....................................................................................... 13
7. Marco teórico ........................................................................................... 17
7.1: Bill Nichols ........................................................................................ 17
7.2: Video danza / Videoclip .................................................................... 19
7.3: Dziga Vertov ..................................................................................... 21
8. Marco conceptual. .................................................................................. 22
9. Diario de campo “FLAMMA” .................................................................... 24
9.1 Preproducción .................................................................................. 24
9.2 Producción ........................................................................................ 32
9.3 Post producción ................................................................................. 45
10. Conclusiones ........................................................................................... 45
11. Lista de referencias ................................................................................. 47
7
1. Resumen
El presente proyecto de investigación/creación pretende realizar un corto documental
poético y reflexivo sobre la danza urbana en Bogotá. Un proyecto audiovisual que guía
al espectador hacia una experiencia netamente estética y reflexiva del cuerpo humano
y su comportamiento o reacción ante la música. La historia contada a través del baile
que da cuenta de un estilo de vida específico, como lo es la del bailarín, cuyo arte le
permite un espacio de expresión, ya sea como escapatoria o enfrentamiento de su
propia realidad; es decir, todo un proceso de catarsis para el artista.
De esta forma, los bailarines en conjunto representan un concepto de vida, que incluye
los cinco estados de ánimo sugeridos por los autores dentro de la creación artística
involucrada como alegría, relajo, pasión, estrés/desespero y confianza en uno mismo;
junto con distintos tipos de baile como dancehall, poppin’ & lockin’, hip hop, krump y
wacking. Estilos de la danza urbana representativas del hip hop y dance hall,
apropiados por los bailarines de Bogotá. Cada emoción irá ligada a una danza y música
específica, puesto que todo lo que se escuche se verá reflejado en lo que siente la
persona y cómo lo expresa mediante su cuerpo. En pocas palabras, este relato
documental expondrá la danza como la mera necesidad básica del artista.
Abstract
This poetic and reflexive docu short about urban dance in Bogota, guide us to a
distinctly aesthetic and reflexive experience of the human body and his behavior or
reaction with music. A story narrated through dance that shows us a specific lifestyle, as
is the dancer, whose art allows the artist a space for expression, either as a scape or as
a coping of its own reality, that is a whole catharsis process for the person.
In this manner, dancers all together will represent a life concept, that includes five
frames of mind suggested inside the artistic creation (joy, relaxation, passion,
stress/despair and self confidence) along with different types of dances like: dancehall,
poppin’ & lockin, hip hop, krump and waacking, respectively. Representative urban
dance styles from Hip Hop appropriate by the dancers in Bogotá. Each emotion will be
8
bound to each dance and music in specific, since all that is listened will be reflected on
people’s feelings and how they express it through their body. In brief, this docu tale will
expose dance as the artist’s very basic need.
2. Introducción
El presente trabajo de grado corresponde a un producto audiovisual cuya línea de
investigación reside en las industrias culturales. Un corto documental donde se muestra
la vida de un grupo de personas de forma estética, debido al arte que estos mismos
crean con su cuerpo a partir de las emociones experimentadas en sus realidades.
Todo documental permite que el público se vuelva espectador de sucesos ajenos, sin
embargo, es tiempo de que se empiecen a ver distintas formas de narración más
cercanas a la danza y a la música, que a los recursos formales literarios, que de igual
manera cuentan y muestran esos pedazos de realidad. Por ello, la modalidad de
representación documental poética y reflexiva:
Dirige nuestra atención hacia los placeres de la forma, haciéndonos reflexionar
sobre sus problemas. Interioriza muchas de las cuestiones y preocupaciones que
constituyen el tema de este estudio, no secundaria o subsiguiente de análisis
retrospectivo, sino como un tema inmediato e inaplazable sobre la propia
representación social (Nicholls, 1997).
Captar la atención total de la audiencia en imágenes tan seductoras, que su detallada y
lenta contemplación llevará a la persona a un estado de conciencia intensificada, donde
siempre se mantendrá no sólo cuestionando eso que se le presenta, sino
cuestionándose a sí mismo. De ahí que, en ningún momento se expondrán ideas a
través de palabras habladas o escritas, pues las imágenes serán interpretadas de
acuerdo a quien las vea. Un ejercicio que comienza en su plenitud con la obra maestra
de Dziga Vertov, “El hombre de la cámara” (1929); la cual muestra un día cotidiano en
una ciudad Rusa, siendo el mayor atractivo, la cámara como puro observador de la vida
cotidiana. Todo un ejercicio de subjetividad y de intimidad uno a uno, pantalla y
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persona, que hace que se interactúe de manera distinta con lo que se le presenta. Por
ende, es necesario de un tema muy atractivo visualmente y qué mejor arte que la
danza para explorar los alcances del cuerpo humano expresándose al ritmo de la
música. Dos artes que fusionadas crean un performance. Un proyecto experimental
que abrirá las posibilidades al público y a los realizadores colombianos de pensar en
distintas formas de narrar y de ofrecer variedad en los productos audiovisuales, ya que
a pesar de que estas modalidades de documental no son nuevas, se han dejado de
lado, sin probar otras posibilidades.
Para quienes escribimos el presente texto, la danza es algo que ha estado en nuestras
vidas desde corta edad. Nos pareció el recurso expresivo ideal, en el cual el ser
humano se identifica plenamente, puede ser consciente de su cuerpo y puede
experimentar libertad ante cualquier problema o situación. Se investigarán cinco tipos
de baile urbano y se identificarán distintas academias que enseñan este tipo de danza,
para elegir tanto a estudiantes o profesores, que estén dispuestos a participar en este
proyecto. Por otro lado, se recorrerá la ciudad para encontrar sitios visualmente
llamativos que sirvan de escenario para los bailarines. Con estas fuentes se
desarrollará una propuesta narrativa y estética con los criterios de la teoría de Nicholls,
junto con un esquema alusivo al clásico utilizado en la narrativa americana compuesta
por actos que conformarán la historia (inicio, nudo y desenlace), “una serie de
secuencias que alcanza su punto más importante en una escena de clímax y que
provoca un gran cambio de valor, más poderoso en su impacto que cualquier
secuencia o escena anterior” (Mckee, trad. de 2002, p. 37).
Un producto audiovisual corto, donde brilla la composición de la imagen, lograda con la
selección de locaciones y el juego en arte con la presentación de los bailarines en cada
una de éstas. Toda la duración del corto no será solo de baile, la razón por la que
elegimos este formato es porque queremos mostrar la realidad de forma estética. Cada
segmento de coreografía irá acompañado por planos mostrando situaciones de la vida
cotidiana de cada bailarín donde se exprese la respectiva emoción para cada uno. Un
montaje con grandes variaciones de ritmo, con picos altos y bajos que le brindarán al
espectador una cercanía única con las imágenes en la gran pantalla.
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3. Objetivos:
3.1Objetivo general:
● Realizar un documental poético y reflexivo sobre la danza urbana en Bogotá,
con el fin de brindar una experiencia estética e introspectiva sobre el cuerpo y su
expresión, a través de este tipo de música.
3.2 Objetivos específicos:
● Fijar una posición dentro del documental poético y reflexivo.
● Lograr una comprensión y una apropiación conceptual con la modalidad de
trabajo de estos dos tipos de documentales.
● Investigar históricamente los productos audiovisuales que involucren danza,
música y documental.
● Diferenciar y delimitar este tipo de documental de los videoclips y/o de la
videodanza.
● Analizar las teorías alrededor de los documentales de modalidad poética y
reflexiva.
● Conseguir bailarines que estén formados para los siguientes tipos de danza
urbana: dancehall, poppin’ & lockin’, hip hop, krump y waacking; con el fin de
ofrecer distintas formas de expresión que propongan variedad de emociones.
● Organizar la preproducción, producción y post del corto documental.
4. Justificación
Con este documental se explora el baile de manera poética y reflexiva, desde la
modalidad documental de representación de Nichols, por lo que abordaremos la
narración desde una perspectiva metafórica e introspectiva del cuerpo ante la danza y
la música. De manera que ya no estaremos hablando de un seguimiento de vida al
bailarín donde se muestre su estilo de vida mediante las arduas audiciones, las
diferentes presentaciones, la presión, la búsqueda de la aceptación, la perfección, etc.
Nuestro enfoque se encamina más por cómo funciona el corazón del artista danzante,
cómo su pasión lo define en cada movimiento que realiza y en cada sensación que
percibe. Nos centraremos en la simple libre expresión del cuerpo con la danza urbana.
11
Aquí, mostramos el arte como singularidad y no como competencia, tampoco como
algo explicativo que busque una razón de ser o un porqué, puesto que nos estamos
refiriendo a uno de los rasgos más naturales que tiene el ser humano como lo es sentir
la necesidad de moverse ante ciertos sonidos. Sentir vibrar el cuerpo al escuchar la
música y dejarse llevar por esa corriente de impulsos nerviosos que invaden todas las
extremidades, gracias a lo que pareciera ser una fuerza invisible de insignificantes
ondas sonoras en nuestros oídos.
Es cierto que en la industria extranjera podemos encontrar variedad de documentales
poéticos y reflexivos de la danza, como lo es “Flamenco” (1995) de Carlos Saura,
“Pina” (2011) de Wim Wenders y “Dancing Cities” (2013) de Roger Gual; algunos
productos audiovisuales que se aproximan de cierta forma al nuestro. No obstante, su
línea narrativa reside más en la conexión cuerpo-espacio que cuerpo-música. “Pina” y
“Dancing Cities” recurren a la danza contemporánea, por lo que ya la ejecución de una
coreografía de ese tipo, es poesía, debido a que este baile incita a la exploración y al
descubrimiento de la persona con todo aquello que lo rodea. Por el contrario, nuestro
proyecto propone el reto de exponer la danza urbana como poesía, conceptos que a
primera vista no parecieran tener relación alguna por sus diferentes contextos. Nuestra
narrativa ofrece un relato metafórico de uno a uno, cuerpo y música, junto a las
emociones expresadas por los protagonistas de la historia.
Es esta la experiencia estética y reflexiva que se lleva el espectador, a través de las
imágenes contemplativas en movimiento, a través de las emociones ligadas a un tipo
de música en específico y a través del cuerpo simplemente siendo. “Flamma”, del latín:
llama, fue el nombre escogido para este proyecto de grado, principalmente por su
sonoridad y su significado. Es la descarga luminosa que explota en el ser una vez
colisionan las pequeñas partículas vibratorias cargadas de música y emoción. En pocas
palabras, este corto documental abarca no sólo a ese público que practica la danza ya
sea como profesión o hobby, sino a todo aquel sensible al arte, a las melodías, a los
ritmos y a las atractivas imágenes a las que estarán expuestos.
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5. Metodología
El trabajo de campo es la metodología principal que llevaremos a cabo en la
producción de este documental. Desde las asignaturas proyecto I y II se ha venido
trabajando toda la base teórica, lo cual ayudó a que la creación del guión fuera más
sencilla. La mayor parte de la investigación ya está hecha, por lo que consideramos
dirigir esta metodología de lectura, investigación y escritura a un segundo plano. El
trabajo de campo, como ya se mencionó, por el contrario es el que nos permitirá el
acercamiento con los bailarines; quienes son los protagonistas y llevan en ellos las
emociones con las que queremos impactar a la audiencia de nuestro producto.
Desde el comienzo del proyecto decidimos que fuera un producto realizado desde cero
por nosotras más nuestro equipo de trabajo, por ello, algunas de las canciones serán
compuestas especialmente para el proyecto, junto con canciones de la plataforma
virtual Jamendo, de creative commons; adicionalmente con las coreografías originales
creadas en conjunto con los bailarines. Cada uno de los estilos de baile escogidos
tendrá su propia coreografía, su propio ritmo musical, su propia estética y su propio
montaje. Además de aprovechar los ensayos para buscar perfeccionar cada
movimiento y lograr la precisión de éste, también logramos un espacio de conocimiento
con los bailarines, debido a que podemos observarlos y analizarlos en cuanto a la
emoción con que cada uno baila, para impulsar el performance final. El “scouting”
(Sanders, 2010) de locaciones fue el punto de inicio para empezar con la producción,
ya que una vez las locaciones están listas, los recursos humanos preparados y las
fechas fijadas, procedemos entonces a la grabación del trabajo realizado para los
últimos meses.
En los días de grabación se concentrará todo el conocimiento adquirido a lo largo de la
carrera y principalmente el últimos año y medio de investigación de los conceptos
elegidos, para plasmar en este producto audiovisual. La fase final del producto es
donde montar la línea de tiempo se vuelve el mayor logro de todo el proyecto. El tiempo
del audio será la estructura principal de todo el proyecto, puesto que es la que da el
13
ritmo a la imagen. De igual forma, es esa la base para realizar las coreografías y el
elemento que determine el uso de las imágenes y los tiempos exactos entre secuencias
de estilos de baile. Será un montaje métrico, acompañado de un montaje rítmico:
El criterio fundamental para la construcción de este montaje es la absoluta
longitud de los fragmentos. Los clips de película son empalmados de acuerdo a
sus longitudes, al igual que un compás de música. La realización consiste en la
repetición de estos «compases» (Einsestein, como se cita en Alsina y
Romaguera, 1994)
6. Estado del arte
El famoso experimento de Dickson junto a Thomas Edison a finales de 1894 o
principios de 1895 (no se registra una fecha exacta), es el primer registro de cámara de
cine con grabación de audio directo.
Figura 1. En el filme se aprecia a un músico tocando violín, mientras dos
hombres bailan. Es este el primer producto audiovisual en el que aparecen la
música y el baile. (Dickson, 1894b)
14
Figura 2. Antes del corto documental el experimento de Dickson, está “Carmencita” un
film mudo a blanco y negro, de una duración aproximada de menos de un minuto
donde el personaje practica una rutina de baile, la cual se presentó por cuatro años en
el Koster and Bial’s Music Hall en Nueva York. (Dickson, 1894a)
No estamos hablando de ningún personaje que entra a escena y actúa, sino de una
artista frente a una cámara practicando el número de baile que tanto conoce. En este
momento, la cámara es espectador de esa realidad, es decir, el documental
observacional se convierte en una evidencia junto con el arte de la danza.
Posteriormente “El Cantante de Jazz” de 1927, el primer largometraje con sonido
sincronizado, película adaptada de una obra teatral, y que será quien inicie la época de
los musicales en Hollywood, considerada un icono por la innovación en el momento y la
nueva narrativa, una narrativa con números musicales que hacen avanzar la historia.
De esta forma, vemos cómo se incorpora el sonido y la música como hilo conductor de
la historia, el tema principal reside en cómo el protagonista quiere seguir un rumbo en
su vida diciendo ser cantante de jazz y comunicar sus emociones y sentimientos a
través de la música. Luego con Busby Berkeley
se introducen las coreografías más la música, y su técnica de generar figuras atractivas
desde varios ángulos y planos, pues no sólo se fijaba en el potencial de un sólo bailarín
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frente a la cámara, sino del dinamismo de varios que unidos producían un resultado
atrayente en términos visuales.
Figura 3. Número musical con coreografía utilizando formas geométricas(Berkeley,
1933)
Llega la era de oro de Hollywood en los 30’s, en la que se produce un gran número de
musicales donde la línea narrativa tomaba como base a la música. Esta era es
caracterizada por la gran producción que hay detrás de ella, actores, Star system,
grandes locaciones, sets, miles de historias, etc. Características representativas de la
ficción. El formato que escogimos sin embargo tiene un crecimiento considerable al otro
lado del mundo. En Rusia, con Dziga Vértov encontramos al “Hombre de la cámara” en
1929 y es aquí donde tenemos el primer acercamiento a un documental con modalidad
poética y reflexiva. El ojo de la cámara objetiva que todo lo capta y lo muestra tal como
es, mediante el ritmo de los planos y la duración de cada uno, donde se empiezan a
provocar sensaciones y a generar un ejercicio de análisis en el espectador sobre esas
imágenes que se presentan. El truco reside en el montaje y la presentación de las
escenas.
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Figura 4. Dziga Vertov, Man with A Movie Camera (1929)
Más adelante, aparecen ya los tres elementos en cuestión (la danza, la música y el
documental) que se asemejan más al contenido audiovisual que queremos lograr. Por
ello, surge una lista de documentales extranjeros más contemporáneos: Breakin’ and
Enterin’ de Topper Carew (1983), Mad Hot Ballroom de Marilyn Agrelo (2005), Rize de
David Lachapelle (2005), Ballerina de Bertrand Normand (2006), Planet B- boy de
Benson Lee (2007), Every little step de Adam Del Deo (2008), This is it de Kenny
Ortega (2009), First position de Bess Kargman (2011), Fame High de Scott Hamilton
Kennedy (2012), Dancing in Jaffa de Hilla Medalia (2013) y Tap World de Dean
Hargrove (2015).
Todos ellos son documentales expositivos y/o informativos donde principalmente
muestran la vida de los bailarines, las situaciones a las que se enfrentan, cómo se
preparan para pertenecer a grandes compañías, la competencia, la búsqueda de
aceptación, etc. De igual forma, al investigar documentales locales que tocarán el tema
de la danza, nos encontramos con un tratamiento parecido. Señal Colombia lanza una
17
serie documental de baile folklórico llamado “Danza Colombia Vida” que recorre las
diferentes regiones del país y exhibe su cultura y raíz mediante la danza característica
del sitio. Esta miniserie se centra en explicar el significado de cada baile y la tradición e
historia que hay detrás de ellos. Lo mismo que sucede con “Sublevación urbana” el
documental de hip hop colombiano que se realiza en Bogotá, mediante entrevistas y
presentaciones de baile y rap, construyen un relato de cómo se ha gestado el hip hop
en la capital colombiana. De nuevo, unen los tres elementos pero no les dan el enfoque
poético y reflexivo que buscamos, por ende las referencias audiovisuales más
acertadas y aproximadas a este proyecto de grado, serían “Flamenco” de Carlos Saura
(1995) y Pina de Wim Wenders (2011), puesto que nos muestran la danza de manera
más introspectiva y más de sentimiento que de explicación (Nichols, 1997) . De esta
forma, para encaminar nuestra línea narrativa por un rumbo más metafórico, que le
abra espacio a lo poético y contemplativo. Una narración a través del baile, relato de
mera interpretación visual, donde el cuerpo es quién verdaderamente toma la ‘palabra’.
7. Marco teórico
7.1. Bill Nichols
Para esta investigación nos basamos en Bill Nichols y su obra La representación de la
realidad (1997), donde se explica qué es el documental y cuáles son los seis modos de
representación que éste propone.
Nuestra intención es plasmar dos modalidades de representación, el modo poético y el
reflexivo, de manera que los elementos y características de cada uno no se vean
afectados al combinarlos. Queremos ver cómo la narración audiovisual y la historia
representada se complementan y cómo éstas generan cuestionamiento en la
audiencia.
El documental reflexivo, … es la modalidad más introspectiva; utiliza muchos de
los mismos recursos que otros documentales pero los lleva al límite para que la
atención del espectador recaiga tanto sobre el recurso como sobre el efecto…
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La exposición poética dirige nuestra atención hacia los placeres de la forma,
haciéndonos reflexionar sobre sus problemas (Nicholls, 1997, pp. 66, 93).
Nuestro propósito es que el público y sobre todo los conocedores del medio audiovisual
sean testigos de un producto impecable; que puedan apreciar el trabajo minucioso
realizado desde la producción hasta los recursos técnicos y narrativos.
El mayor objetivo es lograr que el producto genere impacto a nivel emocional, que haga
cuestionar al público sobre lo que ve más allá de la información obvia, que entre en
conflicto con los elementos que se le presentan en escena. Nuestro caso específico: la
danza urbana, mostrándola como algo más que arte y hobby, mostrar lo complejo de
ésta, desde la técnica hasta la ejecución de cada bailarín dependiendo de la emoción
con que lo ejecutan. Independientemente del tipo de modalidad, este producto está
compuesto por características representativas del formato documental: exponer hechos
de la vida real y generar cuestionamientos sobre la realidad que se plasma.
“La modalidad reflexiva de representación hace hincapié en el encuentro entre
realizador y espectador en vez de entre realizador y sujeto” (Nicholls, 1997, p.97)
Durante toda la producción realizamos un trabajo muy cercano con los bailarines.
Observarlos, conocerlos, escucharlos y entenderlos se vuelven los puntos claves para
la ejecución de la estructura narrativa. Se va a crear una coreografía, proceso que
requiere más de ocho horas de encuentro el cual será el espacio para lograr consolidar
estos puntos clave en los 4 meses de producción. Estos puntos servirán para darle el
enfoque preciso al documental y plasmar a la perfección las emociones de cada
bailarín en cada una de las secuencias de baile. Esta fase del producto, la fase
práctica, la fase de trabajo de campo se realizará soportado en la idea plasmada desde
el anteproyecto, argumentada gracias al trabajo de Nicholls con los modos de
representación documental.
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7.2. Video Danza / Video Clip
La historia de los video danza es una constante reflexión sobre nuevas
aproximaciones coreográficas y audiovisuales, trazada por la convergencia
fronteriza entre el movimiento físico y el movimiento visual. Ambos se contienen
el uno al otro dentro de nuevos espacios: la arquitectura de la cámara y el juicio
subjetivo del espectador. (Ochoa, 2015, p.1 )
Debido a la narrativa que proponemos en este documental, de contar una historia a
través de la danza, creímos pertinente delimitar el formato para no generar confusiones
ya sea en la escritura del guión, en la entrega del producto final y/o en el público. En
este caso, los elementos que traemos a colación (la danza, la música y la carga
emocional de las dos juntas) tienden a ser próximos de la videodanza y del videoclip,
por lo que hay que revisar en qué partes residen las diferencias de cada uno.
La videodanza según el secretario general del Gran Prix International Vidéo Danse,
Jacques Menet es:
Un nuevo arte que establece una alianza entre la danza y la técnica audiovisual,
es un camino de búsqueda en términos audiovisuales, una auténtica obra
artística para la imagen cuyo escenario es la pantalla de televisión así como las
nuevas tecnologías on line y off line, en una conjunción entre la creación y la
memoria (como se citó en Carrillo, 1992, p.1)
Por lo anterior, nos damos cuenta lo muy parecido que puede llegar a ser este formato
con nuestro documental, Carrillo (1992) nos menciona especificaciones que nos
ayudan a definir más las características. Por ejemplo, en este caso, no hay movimiento
que acompañe a la música, no hay una conexión de ritmo. El acoplamiento que se
genera es más del movimiento y no movimiento de cuerpo en relación al espacio y el
tiempo; es por ello que se liga a la danza contemporánea, puesto que este tipo de baile
“...puede expresar emociones o no. Se puede bailar con música o sin música. Puede
utilizar cualquier tipo de música. A menudo la música es simplemente un elemento de
20
fondo o es un elemento rítmicamente independiente del baile.” (Escuela Municipal de
Música Antequera EMMA, 2015, p.1). Este tipo de obra artística busca la permanencia
en el tiempo mediante las tecnología, es decir, mediante lo audiovisual. Rebeca plantea
que es una de las formas en que el baile no se vuelve presentación de un único
momento en un único lugar, sino una forma en que las coreografías pueden dar vuelta
al globo; su plataforma de salto.
En cuanto al videoclip, recurrimos a Sedeño (2007), donde define al video musical
como:
un formato-producto audiovisual en la medida en que consiste en una
elaboración intencional de un conjunto de entidades empresariales, económicas
y sociales para cubrir unos objetivos lucrativos, con el consiguiente peso e
influencia socio-político-económicos. Es decir, nos encontramos ante un objeto o
mercancía fabricado por un determinado tipo de industrias, denominadas en
terminología socioeconómica industrias culturales o industrias de la cultura (p.1).
Este formato tiene tres características que lo determinan, su intención publicitaria; la
combinación o mezcla de la música, la imagen y el lenguaje verbal; y la constitución de
un discurso en específico. En esta medida, el videoclip estaría más cercano a nuestro
documental que la misma video danza por el hecho de inclinarse más a lo comercial.
De igual forma, nuestra intención no es hacer una pieza publicitaria de algún grupo,
banda o artista musical, por lo que no entraríamos en la categoría de videos musicales,
así ellos contengan elementos compartidos con la presente propuesta, como lo el es el
tipo de videoclip conceptual que Sedeño (2007) explica:
No cuentan una historia de manera lineal, lo que hacen es crear cierto ambiente
o estética de tipo abstracto o surrealista. Se apoyan sobre una forma poética,
sobre todo en la metáfora. Puede ser una secuencia de imágenes con un
concepto en común en colores o formas que unidos por la música forman un
21
cuadro semiótico que expresa el sentir de la música, no precisamente la letra de
la canción (p.1)
De aquí destacamos el uso de la metáfora, el cual será un recurso de suma
importancia en nuestra narrativa. No obstante sí contamos con una historia lineal,
donde los diferentes eventos que suceden tienen una lógica y un orden.
7.3. Dziga Vertov
En este orden de ideas, es pertinente mencionar a Dziga Vertov y el cine-ojo. Un
personaje importante que influyó en el medio y en la forma de hacer documentales.
Este cineasta planteó el cine ojo, con el cual rompe los esquemas y propone lo
experimental como oposición al mecanismo de ficción.
En resumen Vertov busca poder mostrar lo invisible para el ojo humano. Busca
otro punto de vista otra forma de ver las cosas. Experimentar las posibilidades
que nos permite la cámara puntos de vista altos o muy bajos. Combinación de
imágenes, perspectivas imposibles. Combinaciones locas de imágenes una tras
otra. Ver una misma acción desde varios puntos de vista al mismo tiempo
(Escuela libre de cine documental, 2010, p.1)
Vertov buscaba otro punto de vista de la realidad, la verdad como es, sin
modificaciones o algún guión predispuesto. Es de esta forma que queremos mostrar la
verdad, la del bailarín y su espontaneidad al bailar, sólo que lo único ensayado en el
documental serán las coreografías. Sin embargo, no es suficiente capturar esa realidad
y mostrarla, por ello, entra en juego un tema importante: la edición y el ensamblaje de
esas piezas de verdad para que tengan un soporte. Aquí el montaje es todo menos la
unión cronológica o lineal de las escenas, pues el orden va de acuerdo a la intención
del director y el mensaje o impacto que quiera generar, ya sea mediante el ritmo o
velocidad de las imágenes. Una vez más, nuestra línea narrativa se encamina por un
montaje lineal,y sí se orienta por tomar como pieza importante la edición en el
momento de presentar el producto final.
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8. Marco conceptual
A continuación presentamos una serie de conceptos claves que abarcan la esencia de
este trabajo de grado sobre la danza urbana.
Términos Definición
Krump
Figura 9. Fotografía de 8tracks.
“Krumping es un estilo afro-americano de baile callejero que se desarrolló en las calles del Sur de Los Ángeles. Se caracteriza por movimientos libres expresivos, sumamente energéticos y es una parte mayor de la cultura de baile junto otras técnicas, como: breakdance, popping, locking y freestyling” (En Wikipedia, 2008)
Waacking
Figura 10. Fotografía de Pallares.
Waack / Punk es una forma de danza creado en los clubes LGBT de Los Ángeles , procedente de la época disco de 1970 en Los Ángeles, Waacking consiste en mover los brazos al ritmo de la música , por lo general en un movimiento de los brazos por encima y por detrás del hombro
Popping pop
“Popping es una danza de la calle y uno de los estilos de funk originales que vinieron de California durante las décadas de 1960 y 1970 . Se basa en la técnica de contraer y relajar los
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Figura 11. Fotografía de Tomtackle
músculos para causar una sacudida en el cuerpo del bailarín, conocido como un pop o una contracción rápidamente. Esto se hace continuamente al ritmo de una canción en combinación con diversos movimientos y poses”. (Kevin, 2015)
Locking lock
Figura 12. Fotografía de Wad dance company
Popping-Locking (originalmente Campbellocking ) es un estilo de baile funk, que es hoy en día también se asocia con el hip hop. El nombre se basa en el concepto de movimientos de bloqueo , lo que básicamente significa la congelación de un movimiento rápido y " Lock " cerrar en cierta posición , manteniendo esa posición por un corto tiempo y luego continuar en la misma velocidad que antes. (En wikipedia, 2010)
Hip Hop
Figura 13. Fotografía de Elite Dance Force
Hip Hop, se refiere a estilos de danza de calle realizado principalmente a la música hip- hop o que se han desarrollado como parte de la cultura hip -hop. Incluye una amplia gama de estilos principalmente Breaking, Locking , y Popping que se crearon en la década de 1970 y se hizo popular por los equipos de danza en los Estados Unidos.
Figura 14. Fotografia de CS4FN
En música y en teoría de la música, el beat es la unidad básica de tiempo, el pulso (evento de repetición regular) del nivel mensural (o nivel de beat). El beat es usualmente definido como el ritmo que los oyentes crean con sus pies cuando están escuchando una pieza de
24
música, o el conteo que hacen los músicos mientras tocan. (En Wikipedia, 2014)
Dancehall - wine
Figura 15. Fotografía de the dance collective
El dancehall es un género de música popular jamaicana que se originó hacia finales de los años 1970. Inicialmente, el dancehall era una versión del reggae llena de "espacio", a diferencia del estilo roots, dominante en la escena musical de la isla durante buena parte de la década de los setenta.
9. Diario de Campo “FLAMMA”
9.1. Preproducción
Fecha: Julio 2015
Lugar: Centro Ático
Durante este mes comenzamos a concretar la línea narrativa del documental, es decir,
el orden de las secuencias de baile de acuerdo a su intensidad dramática, de manera
que quedaran en orden similar al de una estructura clásica (McKee). Luego, el
siguiente paso fue centrarnos en cada tipo de baile (Dancehall, Popping & Locking, Hip-
hop, Krump y Waacking) para definir locación de cada uno, estilo, paleta de colores,
tipo de montaje, vestuario, referentes, elementos de arte, etc.
Dancehall: Colores pastel. Terraza de una torre alta (Torre Colpatria).
Referente:
25
Figura 16 y Figura 17. El uso de colores en las imágenes será el referente para nuestra
secuencia de dancehall (Walk Off The Earth, (2015); Major Lazer, (2013)
.
Popping & Locking: Colores fosforescente. Estudio de Tv en Ático.
Referente:
26
Figura 18. Nelly Furtado- Radio.
Hip-hop: Negro, plateado y dorado. Locación: Estudio de baile del edificio nuevo de la
facultad de Arte.
Krump: Negro y amarillo. Locación: Bodega.
Referente:
Figura 19. Step up: Revolution.
Waacking: Rojo y negro. Locación: Algún teatro.
Referente: Moulin Rouge.
27
Figura 20. Christina Aguilera, Lil’ Kim, Mya, Pink- Lady Marmalade.
Fecha: Agosto 13 2015
Lugar: Centro Ático
Este día en la horas de la tarde nos reunimos con Catherin Hernández, una buena
amiga, quien comparte nuestro énfasis audiovisual y con quien también formamos
parte del equipo de fútbol sala de la facultad de comunicación y lenguaje. Y Willman
Aguilera, un gran amigo que conocimos desde que empezamos en la universidad pues
trabaja en Centro Ático en entrega de equipos y a quien nos acercamos a nivel
personal al hacer monitoras de estudio de tv y posproducción en este mismo. Catherin,
durante la carrera y varias de las materias que tomamos juntas mostró un gran
desempeño en el área de producción, por lo que le pedimos que nos ayudara haciendo
la producción de nuestro trabajo. Willman también en el tiempo que nos conocimos
pudimos ver su trabajo y trabajar juntos para una asignatura que Jennifer tomó el
primer semestre del 2015 llamada Videoclip Musical, Willman fue director de fotografía
de dos de estos videoclips, siendo estos dos escogidos por el profesor y la facultad
28
como parte del grupo de los mejores trabajos de la carrera y expuestos en la semana
de la comunicación en el Centro Ático. Este día hicimos oficial los cargos en la
producción del trabajo de grado.
Figura 21. Morón, Jennifer. 2015. Reunión de trabajo.
Fotografia de Daniella Guevara.
29
Figura 22. Guevara, Daniella. 2015. Escribiendo para tesis.
Locaciones, Guión/Escaleta, Música.
Fecha: 6 agosto - 3 septiembre
El puente festivo del 7 agosto, Catherin, Willman y Jennifer se encontraron en el portal
Suba a ver una de las posible locaciones para el documental, un compañero de la
carrera Mateo Villalba fue quien nos ofreció usar su bodega, llegamos al lugar a las
11am vimos la bodega, hablamos de precios y concluimos la reunión acordando hablar
después para confirmar el uso de la bodega.
30
Salimos de Suba camino al centro de la ciudad, específicamente la zona entre la calle
22 - 30 desde la carrera 7 - Av. caracas. Aquí vimos los posibles edificios de los que
podríamos usar la azotea. Decidimos pasar carta de solicitud a los edificios: Colpatria,
Centro de Comercio Internacional, y Seguros Tequendama.
Durante la semana siguiente nos pusimos en contacto con Nicolás Cantor, un amigo de
la facultad de Artes, con el hablamos de la posibilidad de ayudarnos con la música.
Nicolàs estuvo más que dispuesto a ayudarnos; le preguntamos por precios y el nos
llegó con una propuesta mejor. El trabajo colaborativo, entonces él nos ayudaba
haciéndonos la música y a cambio nosotras le ayudamos con la producción audiovisual
de videos de cualquier live session que el realice con cantantes con los que trabaja. De
hecho el lunes 7 de septiembre lo ayudamos Daniella en cámara y Jennifer en
dirección de fotografía, en la producción del video cover de César Ávila.
Figura 23. Morón, Jeniffer. 2015. Grabando cover de César Ávila.
31
Figura 24. Samaniego, Sara. 2015. Grabación Cover César Ávila.
Otra de las posibilidades para la música fue la de Creative Commons y otro amigo
músico, Daniel Reales, en conjunto con Nicolás produjeron juntos una canción de
Daniel la cual usaremos para la secuencia de Hip Hop.
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Figura 25. Morón, Jennifer. 2015. Grabación del sencillo “Viene y va”
9.2. Producción
Secuencia #1: Dancehall
Fecha: Domingo 13 de Septiembre 2015
Lugar: Salitre oriental, Conjunto Serranilla
Hoy nos reunirnos con la bailarina protagonista de esta secuencia, en el gimnasio de mi
conjunto para crear la coreografía y grabarla, de manera que esta noche pudiéramos
enviar el material a los demás bailarines. Sin embargo, Mery o mejor llamada “La
Negra” nos hizo caer en cuenta sobre los vacíos de la canción y cómo ella necesitaba
más ritmo para poder hacer la coreografía, por lo que no fue posible ni la creación, ni la
grabación del baile.
Así que hablamos con Nicolás Cantor (el estudiante de música que nos ayudó con esta
canción en específico) para hacer los arreglos de la música lo más rápido que pudiera;
ya que sin este elemento no tendríamos nada que grabar el domingo 20 de septiembre.
33
Como estábamos bastante preocupados por el poco tiempo que teníamos y por la
incertidumbre de si alcanzaría a estar la canción a tiempo para proceder a la
coreografía y a los ensayos previos, decidimos hacer un plan B y buscar algún
dancehall en creative commons1 que nos ahorrara tiempo. Pero 3 horas después de
búsqueda intensiva no logramos encontrar algo de nuestro interés, así que tuvimos que
atenernos a la espera.
Secuencia #1: Dancehall
Fecha: Lunes 14 de Septiembre 2015
Lugar: Centro Ático
El día de hoy teníamos reunión con nuestra directora de Arte, Karina Barbudo
(estudiante de Artes Visuales - U. Javeriana) para concretar el vestuario y poder hacer
la prueba de un elemento clave en esta secuencia: el polvo de colores. Debido a que
éste era muy costoso ya hecho, Karina buscó tutoriales en youtube para poder
realizarlo en casa, con materiales económicos como harina, agua y tinta.
1 Creative Commons Global Summit brings together our global community of technologists, legal experts, academics, and activists who support free culture and open knowledge shared worldwide.
34
Figura 26. Andres 18. Cómo hacer un polvo de colores.
La mezcla finalizada era similar a la masa de una pizza, así que ella tuvo que pasar la
mezcla por la trituradora, pero en el resultado solo se formaron partículas muy grandes
comparadas a las diminutas del polvo. Luego al intentar martillarlos, vimos que nos
demorábamos mucho, y que cada vez más se iba el color del polvo. Finalmente nuestra
compañera buscó otra solución en internet y nos dijo que haría otra prueba para que
en estos días lo fuéramos revisando.
Secuencia #1: DanceHall
Fecha: Del 15 al 18 de Septiembre 2015
Lugar: ----
35
En este periodo de días, revisamos el polvo que nos hizo nuestra directora de arte
mientras esperábamos que nuestro músico nos enviara la canción terminada.
Figura 27. Barbudo, Karina. 2015. Prueba polvo de color
verde.
36
Figura 28. Barbudo, Karina. 2015. Prueba polvo de color
amarillo)
No obstante hasta el miércoles en la noche obtuvimos respuesta del compositor, quien
nos dijo que la canción estaría finalizada el jueves por la noche, así que armé planes
con “La Negra” para reunirnos el viernes en la mañana y así poder hacer la coreografía.
Igual como el domingo, todo dependía del envío de la canción… Si la música no
estaba el viernes a las 7:30 am, claramente no habría ningún encuentro, ya que la
bailarina tenía toda la tarde y noche ocupada. El correo con la canción adjunta llegó a
las 4 de la tarde, así que inmediatamente le escribí a “La Negra” para poder vernos el
sábado en la mañana en la universidad. Afortunadamente tenía tiempo libre y aceptó.
Secuencia #1: Dancehall
Fecha: 19 de Septiembre 2015
Lugar: Campus Universidad Javeriana
A las 10 am nos vimos con “La Negra” y buscamos un lugar adecuado para que ella
hiciera su coreografía. Inicialmente pensamos el estudio de televisión de Centro Ático,
pero era un día muy lindo y quisimo aprovechar el sol. Nuestra locación terminó siendo
un espacio cerca a la frutera, donde pudimos trabajar sin ningún problema. Mi
compañera de tesis Jen grabó y yo tomé fotos.
37
Figura 29. Guevara, Daniella. 2015. Ensayo con La
Negra I.
38
Figura 26. Guevara, Daniella. 2015. Ensayo con La
Negra II.
Figura 30. Guevara, Daniella. 2015. Ensayo con La
Negra III.
Luego de una hora, ella terminó su pieza de baile y la invitamos a una ensalada de
frutas, ahí hablamos y pudimos conocerla más a fondo. Es una chica muy abierta y
alegre, tuvimos buena conexión con ella.
En la tarde tuvimos otra reunión, esta vez con nuestro director de fotografía, Wilman
Aguilera, para realizar el guión técnico y plan de rodaje en conjunto. Como nuestra cita
al siguiente día era a las 6 am, dejamos todo listo con antelación y nos fuimos
temprano cada uno a sus respectivas casas para descansar antes del gran día.
Secuencia #1: Dancehall
Fecha: 20 de Septiembre 2015
Lugar: Torre CCI Davivienda
39
Jen, Wil y yo llegamos puntuales a las 6 am a Ático para empezar a sacar los equipos
mientras llegaba el camión con nuestra productora, Catherin Hernández. Como eran
demasiados equipos y muy pesados, nos demoramos bastante en subirlos al camión y
ya íbamos tarde, el llamado a los bailarines había sido acordado a las 7 am. Ya cuando
llegamos, empezamos a subir todo y mientras montábamos las luces, la cámara y el
sonido, los bailarines ensayaban la coreografía. Empezamos a grabar a las 10:30 am y
terminamos a las 4 pm. Afortunadamente no llovió y todo salió de acuerdo al plan de
grabación. Luego nos devolvimos a Ático a devolver todos los equipos y a pasar el
material. Tenemos un back en dos discos duros cada uno de 1 Tera y otro back up en
un computador.
Secuencia #2 y #3: Waacking y Krump
Fecha: 05 de octubre 2015
Lugar: Centro Ático
En las horas de la tarde nos reunimos con Karina Barbudo, nuestra directora de arte,
para ultimar detalles para la grabación el día domingo 11 de octubre. Primero
repasamos los vestuarios de los bailarines y después la escenografía. La locación que
teníamos pensada era el auditorio de la nueva facultad de artes pero por disponibilidad
del espacio nos tocó ver otras opciones, entre las cuales estaba el auditorio del Edificio
Giraldo, el cual visitamos este mismo día, vimos la altura del techo, las dimensiones del
escenario y el espacio entre ese escenario y el público para el montaje de cámara,
trípode y luces. El día martes 6 de octubre nuestra productora Catherine Hernández
nos informó que este escenario tampoco estaría disponible por reparaciones, lo cual
nos dejaba con la última opción, es decir, el auditorio Pablo VI de la antigua Facultad
de Artes.
El día miércoles 7 de octubre, nos reunimos con nuestro director de fotografía, Willman,
para hacer el guión técnico y plan de grabación de ambas secuencias (Waacking y
Krump).
40
Secuencia #2: Waacking
Fecha: 10 de octubre 2015
Lugar: Centro Ático
Con la locación ya confirmada, Auditorio Pablo VI, nos encontramos al mediodía en
entrega de equipos para ir por la reserva y empezar a montar todo para el día domingo.
Fuimos por almuerzo y al volver empezamos a armar las conexiones eléctricas de los
bombillos para el letrero FLAMMA, el cual es uno de los elementos principales en
cuanto a arte para esta secuencia, ya que con este baile termina el documental.
Figura 31. Morón, Jennifer. 2015. Letrero “Flamma”.
Dado que hacer la conexión de los 39 bombillos nos estaba tomando una eternidad,
decidimos parar y empezar a llevar los equipos hasta el auditorio. Willman, Daniella y
Jennifer empezaron a transportar los equipos en las zorras de ático, mientras Catherine
iba por comida y otros elementos de arte. El transporte de los equipos fue sin duda la
41
parte más dura de la noche pues es bastante inconveniente que desde el hospital en
adelante no hay rampas por lo que nos tocó llevar todo cargado; Trípodes, luces, grip,
dolly, etc. A eso de las 9pm llega el papá de Daniella, quien nos ayuda a montar.
Terminamos a eso de las 11pm y nos devolvemos al Centro Ático a terminar las
conexiones de los bombillos.
Figura 32. Morón, Jennifer. 2015. Cables para bombillos.
42
Figura 30. Morón, Jennifer. 2015. Conexiones.
Finalmente el letrero queda terminado a las 2 am.
Secuencia #2: Waacking
Fecha: 11 de octubre 2015
Lugar: Auditorio Pablo VI, PUJ
El llamado para el grupo de producción fue a la 7am, llegaron todos y nos dirigimos al
auditorio para terminar de cuadrar la escenografía y las luces. Los bailarines llegaron a
las 8am y enseguida Daniella se acercó a ellos para cuadrar sus vestuarios y
maquillaje. El rodaje comenzó a las 9:40am, empezando nuestro plan de grabación a
tiempo y grabando con mayor prioridad los planos con Dolly. A las 11:30am
terminamos las tomas que requerían a los dos personajes. Luego grabamos los planos
con la protagonista de la secuencia y los detalles de la locación. Una vez terminado el
plan de grabación, despedimos a los bailarines y todo el grupo de producción empezó a
desmontar, para luego dirigirnos a atico con los equipos y devolver todo mientras se
43
hacía el backp de todo el material de la secuencia. Dejamos los equipos del día
siguiente listos para llevar en las zorras y con eso terminado nos despedimos.
Secuencia #3: Krump
Fecha: 12 de octubre 2015
Lugar: Parqueadero S3, PUJ
El llamado para el equipo de producción fue a las 7am en entrega de equipos del
Centro Ático, desde esa hora Daniella asignó responsabilidades a todos y nos dirigimos
al parqueadero a empezar el montaje. Fotografía empezó con las luces, arte con la
escenografía, producción de la entrada de una moto para la escenografía y la comida,
la asistente de dirección de esperar a los bailarines y por último todos juntos de tener la
mejor energía para llevar a cabo otro exitoso día de rodaje. Los bailarines llegaron a las
8am y les pedimos que se relajaran un rato mientras los maquillaban, porque fotografia
aún no terminaba. El rodaje empezó a las 10am y terminó exitosamente a las 12:20pm.
Despedimos a los bailarines y empezamos a desmontar para devolver equipos y poder
almorzar. El día terminó a las 4pm después de hacer la copia de material y actualizar el
libro de producción.
Secuencia #4: Hip Hop - Producción y composición de la canción con el artista Cool
Dany
Fecha: 28- 29 de octubre 2015
Lugar: Estudio A, Centro Ático.
Para la canción de esta secuencia decidimos contactar a Daniel Reales (Cool Dany) el
hermano de un viejo amigo, quien antes ya nos había mostrado varias pistas y
canciones y la cuales fueron de nuestro agrado. Así que concretamos una cita con
Nicolás Cantor para reunirnos todos (Jennifer, Daniella y Cool Dany) y así poder hacer
la canción acorde a la velocidad y ritmo con que queríamos los pasos de esta
secuencia de baile. Fue una larga noche ya que los únicos turnos que nos podían dar
44
para el estudio A eran nocturnos, por lo que duramos desde las 10 pm de la noche
hasta las 7 am del siguiente día. Para ese entonces la canción ya estaba, sin embargo,
Nicolás decidió dedicarle más tiempo, así que la entrega de la canción se demoró otro
día más.
Secuencia #4: Hip Hop
Fecha: 31 de octubre 2015
Lugar: Estudio 1, Edificio de Artes Gerardo Arango.
La grabación de este día era bastante sencilla en cuanto al arte, ya que sólo
necesitábamos la naturalidad de un estudio de baile y un vestuario no muy
extravagante. Se podría decir que este baile es el que más se acerca al formato
documental, ya que los bailarines, en este caso las dos directoras de la tesis, no
entraban directamente al baile con una coreografía previamente elaborada, sino que
llegaban al estudio a calentar y a realizar la coreografía frente a las cámaras. Duramos
desde la 1pm hasta las 6:30 pm; incluyendo el montaje y desmontaje de luces y
cámara.
Secuencia#5: Popping & Locking
Fecha: 01 de noviembre 2015
Lugar: Estudio 2, Centro Ático
La última secuencia de baile estaba prevista para dar inicio el lunes festivo 02 de
noviembre en las horas de la mañana, pero ocurrió un inconveniente por parte de los
dos bailarines invitados y tuvimos que grabar un día antes. Afortunadamente el equipo
de foto, producción y arte estaba disponible. Así que empezamos el montaje desde las
3pm hasta las 5 pm, montando la tela negra que recubrió el el back de nuestra
escenografía, colgando desde la parrilla los cables y bombillos que utilizamos antes
para el letrero de Flamma y ubicando las luces para los bailarines. Ya de 5pm a 8pm
grabamos y dimos por terminadas las grabaciones de este proyecto de grado. Los
45
bailarines quedaron muy contentos con lo poco del material que pudieron y están
ansiosos por ver el estreno.
9.3 Postproducción
Una vez terminado el rodaje de todas las coreografías, Jennifer y Daniella se
repartieron el proceso de montaje para ofrecer distintas visiones a los diferentes bailes.
Así que Daniella montó Krump y Popping and locking; Jennifer Dancehall y Waacking; y
las dos Hip Hop.
Para la colorización de este corto documental, se consiguieron 4 turnos, cada uno de 8
horas con Carlos Mario Lozano y Mónica Bustamante (post productores en Centro
Ático). Este proceso definía la estética y la singularidad de cada secuencia, ya que en
cada una predominaban distintos colores y matices.
Finalmente quedaba el proceso de mezcla de audio para exportar el documental, el
cual se dio un sábado en la mañana con Diego Hoyos (Ingeniero de sonido de Centro
Ático) días antes de entregar por completo la tesis.
10. Conclusiones
Escoger un formato poco comercial a nivel nacional como lo es el documental poético y
reflexivo, es sin duda un riesgo; pues por más clara que sea la teoría, llevarlo a práctica
y obtener un producto con esas características es difícil. Aún así, decidimos hacerlo
porque estudiando a Nichols y entendiendo su teoría sobre el tema, nos dimos cuenta
que a pesar de cualquiera que sea el resultado, es un aporte significativo para la
investigación de este formato y para futuras referencias (punto fundamental en el
desarrollo de cualquier formato).
La investigación y el marco teórico sobre el que trabajamos fueron los puntos más
importantes en el campo creativo. Desde ahí conformamos una estructura narrativa que
comprendiera los puntos esenciales de las categorías de representación según Nichols,
teniendo en cuenta la imagen, sonido y sobre todo el papel que desempeñan los
personajes a través del cuerpo. Sin embargo como en todo documental esta estructura
46
es muchas veces modificada durante la producción, esto debido a los personajes
naturales y condiciones del ambiente. Nuestra estructura pretendía exponer por cada
secuencia de baile un sentimiento y una emoción acorde a la música. No obstante, el
inconveniente durante el rodaje de la primera secuencia (Dancehall, cuya emoción era
Alegría) fue nuestra protagonista. Su estilo de baile era fuerte, audaz e imponente, por
lo que en las tomas la alegría fue de las emociones poco expuestas por parte de ella.
De igual forma, aprovechamos esa fuerte expresión de ella al bailar. De ahí en adelante
entendimos que si queríamos una muestra audiovisual verdaderamente documental,
tendríamos que grabar y acomodar la estructura de acuerdo a lo que sucedía frente a
la cámara, pues es el bailarín quien nos aporta la emoción durante las secuencias de
baile. Por esta razón decidimos dejar a los bailarines expresar la emoción propia de
cada uno con la música, sin importar cual haya sido la emoción que nosotras
habíamos escogido desde el principio. El resultado esperado fue el mismo, emoción
pura que se emana de la reacción del cuerpo ante la música.
Si bien, nuestra pregunta problema residía en si era posible mostrar la danza urbana
mediante un documental poético y reflexivo; a través de planos bien compuestos donde
se pudiera contemplar la imagen del cuerpo en movimiento en su totalidad. No
obstante, durante el montaje nos dimos cuenta por qué la mayoría de documentales
que nos servían de referencia utilizaban la danza contemporánea. Este tipo de baile así
no siga un patrón rítmico, se presta para escenas largas y lentas, donde realmente sí
se puede divisar cómo cada extremidad del cuerpo humano reacciona y se expresa.
Nuestro producto final está ceñido por el ritmo de la música urbana, es decir, cortes
rápidos, que quizás no dejan “contemplar” la imagen en un todo pero que sí dejan
divisar todo el baile con más dinamismo, por el hecho de aportar distintas perspectivas
a un solo performance o coreografía.
Después de investigar a McKee y los tipos de montaje de Eisenstein, tuvimos claro
desde el principio cómo queríamos que fuera la línea narrativa, por eso el llegar a
montar fue un proceso fácil que se disfrutó. Con la ayuda de nuestro asesor Luis Felipe
Cardona, pudimos incluir de mejor forma el montaje rítmico y saber cómo encontrar los
patrones de repetición de la música para generar una mimesis exacta y dinámica. Uno
47
de los elementos representativos del proyecto fue desde el principio la propuesta de
fotografía que hicimos junto a nuestro Director de fotografía, Willman Aguilera,
propuesta en la que la corrección de color debía ser profesional para lograr lo
planteado, por lo que se hizo en el Centro Ático.
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