Guitarra

(Fr. guitare ;. Ger Gitarre ; Ella. chitarra ;. Sp. guitarra ,. puerto Violo ;. puerto brasileño violão ).

Un instrumento de cuerda de la familia del laúd, punteados o pulsaba, y normalmente con trastes a lo largo del diapasón. Es difícil definir con precisión las características que distinguen las guitarras de otros miembros de la familia del laúd, porque 'guitarra' el nombre se ha aplicado a los instrumentos que muestran una amplia variación en la morfología y la realización de la práctica. La guitarra clásica moderna tiene seis cuerdas, una cámara de resonancia de madera con paredes laterales curvos y una espalda plana. Aunque su historia anterior incluye períodos de abandono en lo que se refiere a la música de arte, siempre ha sido un instrumento de apoyo popular, y se ha convertido en un instrumento de concierto establecido internacionalmente dotado de un repertorio cada vez mayor. En el sistema de clasificación de Hornbostel y Sachs la guitarra es un "cordófono compuesto 'del tipo laúd ( ver Lute, 1 § y Cordófono ).

1. Estructura de la guitarra moderna.2. Origins.3. La guitarra de cuatro platos4. La guitarra de cinco platos5. Los primeros seis cuerdas de la guitarra.6. La guitarra clásica moderna.7. Las variantes de la guitarra clásica.8. Las variaciones regionales.BIBLIOGRAFÍA

HARVEY TURNBULL / PAUL SPARKS (1, 2, 5, 6, 8 (ii)), JAMES TYLER (3, 4), TONY BACON (7), Oleg V. Timofeyev (8 (i)), KUBIK GERHARD (8

( iii)), THOMAS F. OMPRUEBE (bibliografía)

Guitarra

1. Estructura de la guitarra moderna.

La figura 1 muestra las partes de la guitarra clásica moderna. En los instrumentos de la más alta calidad, éstas han sido tradicionalmente hechos de maderas cuidadosamente seleccionadas: la parte posterior y laterales de palisandro brasileño, el cuello y el cedro diapasón de ébano, la cara o la mesa, acústicamente la parte más importante del instrumento, es de abeto, seleccionada por su capacidad de recuperación, la resonancia y el grano (cercanía de grano se considera importante, y una mesa de buena voluntad tienen un conteo de granos alrededor del 5 ó 6 por cm). La tabla y la espalda son cada uno compuesto de dos secciones simétricas, como es la circunferencia total de las paredes laterales. La mesa está soportado por puntales de picea Sitka, que contribuyen en gran medida a la calidad del sonido.El exceso de extracción de muchos de estos bosques condujo a una escasez mundial a finales del siglo 20, y luthiers, después de haber agotado sus existencias anteriores, se dirigió a los materiales alternativos. Palisandro de la India y el arce se utiliza a menudo en lugar de palo de rosa brasileño (comercio de que fue prohibido en todo el mundo), la mesa estaba hecha a veces de Canadá o de cedro rojo del oeste (lluvia ácida y la guerra en los Balcanes haber afectado suministrada de picea europea), la caoba de Honduras y Brasil fue utilizado en ocasiones para el cuello, y blackwood africano estaba siendo considerado como un sustituto del ébano.

La disposición tradicional tiene los puntales radiales desde debajo de la boca de sonido debajo de la parte inferior de la tabla, de ahí el término "fan-pavoneándose '.Varios otros

patrones son el resultado de experimentos por diferentes fabricantes: algunos fabricantes utilizan una caja de resonancia mucho más fina y un patrón de rejilla de finos puntales longitudinales con un menor número de grandes puntales laterales, creando una membrana soportada por una rejilla delicado pero fuerte, otros prefieren un diagonal rejilla de puntales (que incluyen la fibra de carbono para la fuerza adicional). Como sonido de alta calidad que se ha logrado por varios de estos fabricantes, es evidente que no se puede hablar de un patrón estándar pavoneándose, sea cual sea el modelo, la tabla se debe permitir que vibre adecuadamente.Vibraciones de las cuerdas se transmiten a la mesa por un puente de palo de rosa, que también actúa como elemento de sujeción de cadena inferior. La longitud de vibración inferior de cada cadena se determina por un marfil o hueso silla de montar en el puente y por una tuerca, también marfil o hueso, en el extremo superior. Los trastes (generalmente 19), dando un rango total de octavas tres y medio, son de plata de níquel. Las tres cuerdas superiores están hechas de nylon, la. Tres inferiores de hebras de nylon recubiertas con metal fino La afinación se efectúa mediante las espigas traseras activar un mecanismo de engranado que convierte el hueso o rodillos de nylon. La afinación estándar es de E-A-d-g-b-e ' . Música de la guitarra está anotada una octava más alta de lo que parece.

Hay dos métodos de unión del cuello con el cuerpo - el método «españoles» y el «método de cola de milano '(ver figura 1 ). En la primera el cuello se proyecta en el cuerpo, y las paredes laterales se insertan en el talón del cuello, mientras que en este último el cuerpo se completa primero y el cuello montado en el bloque superior. El método españoles es más difícil de lograr, pero da lugar a una unión más fuerte entre el cuello y el cuerpo y por lo tanto es preferible, ya que es un área de gran tensión. Decoración guitarra moderna se limita a una incrustación de mosaico de madera que rodea la boca de sonido; la incrustación se puede repetir en el puente, pero el puente más a menudo tiene marfil, madera o purfling sintético, que también es funcional, ya que protege la madera de la presión de las cuerdas . Las medidas típicas para una guitarra son: longitud total 98 cm, longitud de cadena de 65 o 66 cm; anchura inferior a los 37 cm combate, en la cintura 24 cm, y en la parte superior pelea de 28 cm, longitud de cuerpo 48,5 cm; tuerca a cuerpo 30 cm, profundidad inferior a los 10 cm de combate, en el combate superior 9,5 cm.

Guitarra

2. Origen.

Se ha especulado mucho sobre el origen de la guitarra, y varias teorías se han propuesto para explicar su presencia en Europa. Algunos lo han considerado como un desarrollo alejado de la antigua cítara griega - como sugiere la relación etimológica de "cítara" y "guitarra", mientras que otros han visto antepasados guitarra entre los laúdes de cuello largo, de principios de Mesopotamia y Anatolia o en el plano 'laúdes coptos de Egipto' respaldados. Uno de los temas de desacuerdo ha sido si la guitarra era del desarrollo europeo o indígena fue en cambio uno de los instrumentos introducidos en la Europa medieval por los árabes, pero la aplicación de la "guitarra" el nombre, con sus matices de la práctica musical europea, antigua y oriental laúdes delata un conocimiento superficial de los instrumentos en cuestión.

Corto de cuello laúdes, entre los cuales se clasifican de la guitarra europea, aparecieron muchos siglos después que el tipo de cuello largo. Las primeras representaciones de la forma de la guitarra en un laúd de cuello corto y apareció en Asia Central, en el cuarto y tercero siglos antes de Cristo. Desde ese momento hasta el siglo cuarto ce Centrales laúdes asiáticos eran de muchas clases, la forma de guitarra se encuentra en los ejemplos que datan de la primera del siglo cuarto ce ( fig. 2 ). El tipo no se cumple de nuevo hasta su aparición en miniaturas bizantinas del siglo 11 como un instrumento de arco, y desde este

momento la forma de la guitarra fue representado en la iconografía medieval de manera similar ( ver violín ). Laúdes pulso y púa aparecido en una variedad de formas en la Edad Media, algunos citoles (que fueron arrancadas con una púa) Forma enfoque guitarra y se representan con trastes ( ver cítola ).

La historia de la guitarra en Europa se remonta al Renacimiento. Guitarras de este periodo se construyeron con las dos espaldas curvadas y planas y la principal característica que identifica a la guitarra renacentista es el perfil característico de su aspecto frontal, una forma que compartía con la vihuela.

Nombres de instrumentos relacionados con la "guitarra" se producen en la literatura medieval a partir del siglo 13, pero muchos ahora se piensa que se refieren a la Gittern, que difería en varios aspectos de la guitarra renacentista (para una discusión de algunos de estos nombres iniciales, ver Gittern ). Sin embargo, a finales de siglo 15 Gittern fue, según Tinctoris ( c 1487), sintonizado cuarto-principal tercio-cuarta, una afinación utilizado también para el contemporáneo de cuatro platos laúd y algunas guitarras de cuatro platos. Evidencia iconográfica sugiere que la ampliación de la gama del laúd europeo data de principios del siglo 15 (cadenas apareadas después de haber sido introducido en la 14 ª). Un quinto orden se añadió en los agudos, y más tarde en el siglo 15 un sexto orden se añadió en el bajo, lo que - a juzgar por la parte del siglo 16 pruebas musical - en la afinación G / g - c / c '- f / f '- a / a - d ' / d '- g '. Este patrón de intervalo, pero con todos los cursos ajustados al unísono, fue compartida por la vihuela de mano, que reemplazó al laúd en España. "Vihuela" fue calificado por primera vez por de mano (dedo arrancado) en el siglo 15, los nombres anteriores relacionados fueron Vihuela de Penola y vihuela de arco. Parece claro que el dedo arrancado vihuela era una adaptación del instrumento de arco con forma de guitarra. La forma básica se mantuvo, pero las características más adecuadas para un instrumento desplumado fueron adoptadas, a saber, un puente de tipo laúd y un rosetón central.

Fue también durante el siglo 15 que la guitarra renacentista de cuatro ordenes apareció, un instrumento que tenía mucho en común con el laúd y la vihuela. La fuerte influencia de estos dos instrumentos se debe a su superioridad artística a la guitarra: la gama más amplia ofrecida por sus cuerdas extra habría permitido música más ambiciosa que se jugará el compuesto o para ellos. Las descripciones de la guitarra de cuatro ordenes de diferentes regiones tienen suficiente en común para indicar que un solo tipo de instrumento se había establecido de forma generalizada, el esquema completo de la guitarra es evidente en todos ellos, así como el centro de rosa, el laúd- tipo puente y trastes. En siglo 16 representaciones mano derecha del guitarrista se acerca a las cuerdas desde arriba ( fig. 3 ), sin púa se utiliza (ya que esto no permitiría la música polifónica a realizar). Una de las afinaciones de guitarra de cuatro platos tenía duplicaciones en la octava superior en el último curso. Otras características del laúd que apareció en la guitarra eran la rosa, el puente (fijo en el cuadro) y la parte trasera redondeada, estriada. La parte posterior plana fue compartido con la vihuela, al igual que el contorno de cintura frontal (para ejemplos, ver Vihuela ).

Guitarra

3. La guitarra de cuatro ordenes

(Fr. guiterre , guiterne ; ella. chitarrino , chitarra da sette corde , chitarra Napolitana ;. Sp. guitarra de ordines quatro ). Del siglo 16 guitarras eran mucho más pequeños que el instrumento moderno, y el instrumento de cuatro platos podría ser descrito como un tiple. Juan Bermudo ( El libro Llamado Declaracion de instrumentos musicales (Osuna, 1555 / I , cap. LXV) describió la guitarra más pequeña ( mas corto ) que la vihuela y esto

se ve confirmado tanto por la iconografía contemporánea ( fig. 4 ) y por el requisitos técnicos para la mano izquierda en gran parte de la música sobrevivir. En el siglo 16 hasta cinco platos guitarras (a diferencia de las vihuelas de cinco platos descritos por Bermudo) parecen haber sido instrumentos pequeños. La longitud de una guitarra de cinco platos hecha por Belchior Dias en 1581 (Royal College of Music de Londres; fig.5 una ) es de sólo 76,5 cm Otras características del instrumento del siglo 16 - compartidos por otros instrumentos de cuerda pulsada de la época - eran una rosa, a menudo de. intrincada construcción ( fig. 6 ), en lugar de una boca de sonido abierto; trastes intestino atado alrededor del cuello (ocho a diez trastes parece más habitual), y un conjunto de puente bajo en la tabla (esto permite que la guitarra Dias para tener una longitud de la cuerda vibrante de 55,4 cm).

El patrón de intervalo básico de las cuerdas de tripa fue cuarto-principal tercero-cuarto; hubo, sin embargo, una variedad de afinaciones aplicadas a los cursos.Bermudo describió y dio nombres de las letras para afinaciones que dan como resultado lo siguiente: g '/ g - c '/ c '- e '/ e '- a '( Nuevos templo ) y f '/ f - c ' c '- e ' / e '- a '(templo viejos ). Dijo que la afinación de edad ( viejos ) fue mejor de 'viejos romances y música rasgueo "y que el ajuste nuevo debe ser preferido para la" música moderna ". (El ajuste anterior se encuentra en libros de la guitarra contemporáneos franceses como «à corde avalée ', ver avallées Cordes ). Tanto las afinaciones antiguas y nuevas tienen el cuarto curso en octavas, y el más bajo, y más gruesa, del par de hilos se denomina "bordón" por los españoles y un "bordón" por los franceses. La disposición particular encordado del cuarto curso (con la cuerda más cercana al tercer curso) se deduce de las pruebas internas de repertorio completo del instrumento, que viene corroborado tanto por pruebas similares para la guitarra de cinco platos (véase § 4) y el supervivencia de esta práctica en las guitarras folclóricas de España, Portugal, Brasil, etc No todas las fuentes de música requieren esta cadena inferior. Scipione Cerreto ( Della prattica musica , Nápoles 1601 / I ) dio una totalmente reentrante tuning sin octava más baja en el cuarto

curso: g '/ g '- d '/ d '- f  '/ f  '- b ', que Es decir, Bermudo templo Viejos intervalos, pero un tono más alto. Esta afinación es corroborada por una impresión anónima de 1645, conserto vago , un conjunto de piezas para un trío compuesto por guitarra, laúd y tiorba, en la que la guitarra tiene que ser afinado que el anterior con el fin de cumplir con las afinaciones normales de la otra dos instrumentos.

Además de las afinaciones de guitarra, Bermudo proporciona información sobre cómo pre-existente vocal y música instrumental puede intabulated para la guitarra.Señaló (f.xxix v ), que se podía imaginar ( ymaginar ) guitarras, vihuelas, etc atento a cualquier nivel de tono deseado, por lo que incluso si los campos de escritos no sucedió para adaptarse a la afinación real del instrumento, seguirían caber cómodamente en el diapasón. En otras palabras, se podría transportar la música para que quepa en una de instrumento. Muchos editores modernos han malinterpretado esta enseñanza práctica, y han producido ediciones en las que se transcribe la música en lanzamientos inverosímiles. Bermudo fue a avisar al principiante para hacer diagramas de diapasón de afinación distintos niveles para ayudar en la toma de intabulaciones f.xcvi ( v ). Parece claro a partir de su discusión que un tamaño del instrumento afinado a un nivel de tono real era para toda la música, y no las guitarras de diferentes tamaños y tonos.

La mayor parte de la evidencia de la iconografía, las fuentes de música e instrucciones de ajuste indican que la guitarra de cuatro platos era un instrumento pequeño, agudos, sin embargo, los fragmentos de una instrucción a los Gitterne (casi con toda seguridad una traducción y edición por James Rowbotham (Londres, c 1569 ) de pérdida Adrian Le Roy et Briefve vertido instrucción fácil ... la guiterne , París, 1551), da los tonos de

afinación en notación personal como c - f - a - d . Si se toma literalmente, esto implica un mayor de cuatro platos guitarra. Michael Praetorius ( PraetoriusSM , ii), que es probable que haya consultado a una de estas impresiones, cita a los mismos tonos. Pero como esta es la única prueba de un instrumento más grande, la posibilidad de un error de impresión en la impresión Rowbotham debe ser considerado. La clave de C en el diagrama de sintonización aparece en la cuarta línea, pero puede haber sido concebido para el segundo, en cuyo caso, la afinación sería el mismo que Bermudo Nuevos templo . Ciertamente, toda la evidencia actual sugiere que desde el siglo de mid-17th "Gittern el término fue utilizado en Inglaterra para referirse a un pequeño instrumento, agudos (aunque, por el momento, pero no antes, no hay pruebas de que podría haber pertenecido a un alambre tenso, instrumento parecido a la cítara).

En la realización de la técnica de guitarra polifónica música era similar a la de laúd y vihuela; la mano derecha fue apoyada por el dedo meñique descansando en el puente o en la mesa, y la producción de sonido general se logró por el pulgar y los dos primeros dedos de pulsar las cuerdas. Tal posición fue posible gracias a la baja altura de las cuerdas sobre la mesa, que se ponen a ras con el diapasón. La música fue anotada en tablatura. Los diferentes sistemas utilizan cuatro líneas para representar los cursos, y en la música impresa en España y en Italia la línea más baja representa el curso más alto que suena (que establece una correspondencia física entre el instrumento en posición de juego y la música), mientras que este se invierte en fuentes francesas (estableciendo una relación intelectual entre la línea superior y los sonidos más altos). Los sistemas de españoles e italianos utilizan números para indicar los trastes que se detuvo (0, cadena abierta; 1, primer traste, etc), el sistema francés utiliza letras (a cadena abierta; b , primer traste, etc.) El ritmo se indica con valores de nota por encima del 'staff', los cuales siguen la parte más rápida de movimiento, notas de manera más sostenidas que ser inferida por el intérprete. Aunque Bermudo dio consejos sobre cómo localizar las notas que no puede ser posible en algunos cargos debido a sistemas de afinación pitagórica aparentemente, tablatura de guitarra se basa realmente en un temperamento con la mayoría de los semitonos iguales en tamaño.

La primera música sobreviviente de la guitarra de cuatro platos aparece en Alonso Mudarra los Tres Libros de musica en cifras párrafo vihuela (Sevilla, 1546 / R ): cuatro fantasías (uno en el viejos tuning), una 'pavana' y un entorno de O Guardame Las Vacas , que utiliza el suelo romanesca. La música es de la misma calidad que la música de vihuela Mudarra, que comprende la mayor parte de la colección. La fuente más antigua en lengua italiana es lutebook Melchiore de Barberiis de Opera intitolata Contina ... Intabolatura di lauto ... Libro decimo (1549 39 ) en el que se encuentran cuatro "fantasías" para guitarra. Estas son en realidad piezas ligeras de baile, una de ellas fue reimpreso por Guillaume Morlaye (1553 34 ) como "branle '.

Fue en Francia que la música para el instrumento de cuatro platos floreció. Comenzando con el libro (perdido) en primer Guillaume Morlaye (1550), una serie de libros de la guitarra publicado por la imprenta Granjon y Fezandat incluía música de Morlaye (libro 1, RISM 1552 32 / R , ver fig.4 , libro 2, 1553 34 / R (Fezandat solo); libro 4, 1552 33 / R (Fezandat solo)) y Simon Gorlier (libro 3, 1551 22 / R ). Una serie concurrente fue publicado por el Roy y Ballard Le impresoras con música de Le Roy (libro 1, 1551 23 / R , libro 2, 1555 / R , libro 3, 1552 / R , libro 5, 1554 33 / R ) y Grégoire Brayssing (libro 4, 1553 / I ). El repertorio de estas publicaciones comprende una amplia gama de material de ajustes de baile simples e intabulaciones de chansons a fantasías más bien finas. Algunos de los ajustes de baile tienen divisiones virtuosos y las fantasías son cuatro por el famoso laudista Alberto da Ripa que se comparan favorablemente con los mejores fantasias laúd. Libros segundo y quinto Le Roy son totalmente para voz solista y guitarra. Entre las

fuentes españolas vihuela de Miguel de Fuenllana la colección Orphenica lyra (Sevilla 1554 / I ) también contiene música de guitarra, entre ellos Juan Vásquez covarde Cavallero y el romance , Passavase El Rey Moro , tanto para voz y guitarra (la línea vocal se indica mediante cifras rojas en las tablaturas). También hay seis fantasias y un entorno de 'Crucifixus est'. En Inglaterra y en otras partes del instrumento de cuatro platos también disfrutó de cierta popularidad. Además de Rowbotham de una instrucción a los Gittern , hay algunas fuentes laúd inglés manuscritos que contienen muestras de tablatura de guitarra de cuatro platos ( GB-Lbl Stowe 389; GB-Lbl Add.30513; US-NH -Braye lutebook '(ed. en Ward, B1992)). Phalèse, quien estuvo activo en Lovaina, publicó dos colecciones para el instrumento (1570 35 , 1573, perdido). Gran parte de la música en el primer libro fue tomado de las publicaciones anteriores franceses. El instrumento fue utilizado ampliamente en Italia, y un número de fuentes manuscritas italianos de finales de los siglos 17 16 y principios sobrevivir en las bibliotecas europeas. (Para una lista extensa de fuentes de guitarra ver Tyler, A1980, pp.123-52).

Aunque el instrumento de cuatro platos es generalmente considerado como una guitarra renacentista, debido a su repertorio del siglo 16, sigue siendo ampliamente utilizado, principalmente, para la reproducción de la música popular, a lo largo de los siglos 17 y 18. Agostino Agazzari ( l Del sonare sopra 'basso , Siena, 1607) recomienda su uso en un conjunto continuo, el 1645 conserto vago colección ya ha sido mencionado. Pietro Millioni ( Corona del primo, secondo, e terzo Libro , Roma, 1631) proporcionan un diagrama de acorde para el curso de cuatro, así como para el más grande, de cinco platos guitarra, y por lo tanto proporcionan una idea de su uso en la enorme repertorio de música de guitarra rasgueo. En Londres, John Playford publicó un Booke de nuevas enseñanzas para la cítara y Gittern (? 2/1652), la mitad de los cuales está dedicado a canciones populares inglesas dispuestas para un pequeño instrumento afinado a intervalos de guitarra. No está claro si este instrumento, el Gittern, es el alambre nerviosa como la cítara o si 'Gittern el término se sigue utilizando en esta fecha tardía para indicar la guitarra.

Todas las ediciones conocidas de Joan Carles Amat Guitarra española desde 1626 hasta c 1819 (primera edición,? 1596, perdido) contiene un capítulo dedicado a la guitarra de cuatro platos, indicando tal vez el pequeño instrumento ha continuado, aunque limitado, el uso en el siglo 19. En las culturas de España y Portugal, tanto en el Viejo y el Nuevo, pequeñas guitarras agudas se han utilizado y siguen en uso hasta nuestros días. El moderno ukulele tuning g '- c '- e '- un 'es lo mismo que ajuste Bermudo (sin bordón ), y el

ukelele alternativa afinar un '- d '- f  - b 'es muy similar a Cerreto la re-entrante sintonización de 1601.

Guitarra

4. La guitarra de cinco platos

(It. chitarra spagnuola ;. Sp. guitarra ). Fuentes iconográficas confirmar que los instrumentos de cinco platos parecido a la guitarra estaban en uso al menos desde el final del siglo 15, especialmente en Italia. 'Viola' El término italiano se aplicó a estos, así como a los instrumentos con seis y siete cursos. 'Viola' y de «viola da mano '(y sus equivalentes españoles' vihuela ') fueron utilizados a menudo por lo general en el sentido de los instrumentos de este tipo general y la forma, a veces el pequeño de cuatro platos instrumento también se incluyó. Fuenllana (f.IV), por ejemplo, escribió sobre la "vihuela de Quatro Ordenes, Que Dizen Guitarra '. Él también se imprime la primera música conocida para un instrumento de cinco platos ('vihuela de Cinco Ordenes "), fantasías y intabulaciones vocales que requieren un instrumento afinado a intervalos de guitarra (a partir del quinto curso; cuarto-cuarta-principal tercera-cuarta) , aunque no hizo ninguna

mención de parcelas reservadas o hacer un collar.Bermudo se refiere a una "guitarra de Cinco ordenes", diciendo que uno podría hacerse mediante la adición a la guitarra de cuatro platos una cadena un cuarto por encima del curso actual en primer lugar (f.xxviii v ). También describió afinaciones nuevas e inusuales para ella, así como de una "guitarra grande 'de seis cursos y para el instrumento de cuatro platos. No hay música sobrevive por cualquiera de estas afinaciones. La guitarra se ha descrito anteriormente Dias podría ser un ejemplo de Bermudo 'guitarra de ordenes cinco' (más tarde fuentes italianas llaman a este tipo de instrumento pequeño un "chitarriglia ').

Una fuente francesa, los dibujos de Jacques Cellier ( Recherches de plusieurs singularités , c 1583-7; Pn F- fonds fr.9152), muestra un instrumento de cuatro platos (siete cuerdas) con una carta de ajuste para un instrumento de cinco platos: g - c / c '- e - a - d '(octava encadenar sólo aparece para el cuarto curso). Esta afinación reentrante sería, si el tercer curso se plantearon un semitono, una disposición típica de encordado (con su bordón en el cuarto curso) para la reproducción de gran parte de la música italiana y francesa después de "arte" escrito para la guitarra. Un primer curso en d 'era bastante común (véase, por ejemplo, Benedetto Sanseverino,Intavolatura facile (Milan, 1620)), aunque un primer curso en e 'fue convertido en el estándar. Fuentes españolas menudo se recomienda Bordones en ambos los cursos cuarto y quinto, sobre todo si la guitarra era para ser utilizado sólo para rasguear. La edición más antigua conocida del folleto Amat en la guitarra (1626) da el ajuste siguiente: A / a - d / d '- g / g - b / b - e '; se supone que la edición perdido primero (1596?) dio la misma información.

Desde el siglo 17, el ajuste de la información con frecuencia no indicaron bordones en absoluto. Esto produjo un total de re-entrante de sintonización: un / una - d '/ d '-g / g - b / b - e 'con el tono más bajo que el de la tercera curso (véase, por ejemplo, Luis de Briceño: Método ... párrafo Aprender a tañer la guitara a lo español (París, 1626 / R ), Marin Mersenne: Harmonie universelle , ii (París, 1636-7 / R ), Francesco Valdambrini: Libro primo d'intavolatura di Chitarra (Roma, 1646), Libro secondo(Roma, 1647); Antoine Carré: Livre de guitarre (París, 1671 / R ), Gaspar Sanz: Instrucción de Música Sobre La guitarra española (Zaragoza, 3/1674)). Dos fuentes italianas para esta afinación reentrante ofrecer otra variante: un / a - d '/ d - g / g '- b / b - e 'con una octava superior en el tercer curso ( I-Moe Campori 612.XL10. 21 y I-Bc AA360). La modificación más común para la afinación tipo reentrante era un / a - d '/ d '- g / g - b / b - e 'que, a juzgar por las necesidades musicales de sus partituras, fue utilizado por los compositores principales de solos de guitarra de la época: Francesco Corbetta, Angelo Michele Bartolotti, Giovanni Battista Granata, Robert de Visée ( ej.1 ), Ludovico Roncalli, entre otros.

La razón de estas afinaciones reentrantes se desprende de las partituras originales: en gran parte del "arte" de música para guitarra (en contraposición a la música exclusivamente pulsaba), el alto, re-entrante quinto curso se utilizó la escala melódica paso de trabajo en conjunción con los cursos agudos otros, rara vez fue el curso quinto utilizado como un bajo. El cuarto curso también se utiliza más a menudo en la misma forma que la quinta. Una expresión típica fue la que Sanz llama 'campanelas "(campanillas): tantas cuerdas abiertas como sea posible se emplearon en las notas de los pasajes de escala, por lo que las notas sonaron en adelante, una fusión en la siguiente en la forma de un arpa o campanas (ver Ej. 2 ). Incluso cuando un muelle tubular se utilizó en el curso cuarto la disposición de encordado era técnicamente importante, con la cadena superior octava coloca más cercano el curso quinto y bourdon más cercano del tercer curso, lo que permitió que el jugador la elección de golpear la parte superior del par solo ( necesario con más frecuencia), o incluso el bordón cuando la música se requiere la octava más baja. Esta encordado fue mencionada por Lucas Ruiz de Ribayaz, Antonio Stradivari y Denis Diderot entre otros y se muestra en una serie de fuentes iconográficas.

Es hasta el jugador para decidir cuál de las diversas afinaciones posibles y stringings era adecuado para cada fuente de música, lo que no siempre fue fácil. En general, las fuentes

de música exclusivamente strummed podría ser utilizado con cualquier sintonización porque las preguntas de inversiones de acordes adecuados y las sutilezas armónicas fueron tocadas raramente sobre en este repertorio. Durante gran parte del estilo mixto de música de guitarra, que utilizó punteado (It. pizzicato) técnica, algunos acordes rasgueados (EE rasgueado .; It battuto , battente ), y las frecuentes Campanela pasajes (que se encuentra en las fuentes más importantes de Italia y Francia) , una afinación reentrante, generalmente con un muelle tubular en el curso cuarto, era adecuada. Fuentes ocasionales como Francisco Guerau dePoema harmónico (Madrid, 1694 / I ) parecen requerir bordones en el cuarto y los cursos de quinto.

Con sus afinaciones únicas y su énfasis en la más brillante y de mayor osciló música, en general, un modismo muy diferente a la del laúd o cualquier otro instrumento desplumado de las veces, la guitarra de cinco platos era muy diferente de la guitarra moderna. Sólo a partir de mediados del siglo 18 tenía el carácter de la guitarra comienzan a acercarse a la del instrumento que hoy conocemos en el desarrollo de una gama de graves y su técnica de interpretación. Medios de mediciones de la guitarra de cinco platos barroco fueron: longitud total 92 cm; longitud de la cuerda 63-70 cm; ancho 20 cm-17 cm-24 cm; profundidad varía de acuerdo a si la parte de atrás era plana o redondeada (abovedada). La guitarra de cinco platos conserva características de la más pequeña, de cuatro platos instrumento, pero clavijeros curvas con clavijas inserta lateralmente ya no apareció.

Aunque muchas guitarras habían rodeado espaldas, esta característica por sí sola no identifica el tipo más tarde, especial de la guitarra conocida hoy por su nombre del siglo 19, el battente chitarra . Desarrollado en el siglo de mid-18th a lo largo de las líneas de la recién perfeccionado mandolina napolitana, el instrumento por lo general tenían un respaldo muy abovedado, pero en lugar de cuerdas de metal y trastes de tripa. Las cadenas de pasar sobre un puente móvil y se fija en la parte inferior del cuerpo ( fig. 7 ). Al igual que la mandolina napolitana, la mesa de la battente chitarra estaba inclinada hacia abajo desde el puente en lugar de ser completamente plana como la guitarra intestino nerviosa. A pesar de que en general se había emparejado cadenas, el battente chitarra también podría tener tres cuerdas a un curso. Parece que ha sido utilizado principalmente para acompañamientos de música popular, y se jugó probablemente con un plectro. No hay repertorio conocido por él, aunque las partes en alfabeto notación para el 'chitarr' a battendo 'que acompaña a la' chitarr 'a penna "(un instrumento de ocho platos más probable que haya sido un napolitano mandolone ) en un medio- siglo 18, posiblemente manuscrito napolitano puede ser para la battente chitarra ( I-Mc Noseda 48A).

Muchas guitarras barrocas han sobrevivido, en particular los muy decorados, que eran más propensos a ser preservado por los coleccionistas que los modelos más claras. Un estudio de las imágenes contemporáneas revela que los instrumentos fabricados con maderas claras y con una decoración relativamente poco eran más comunes. En las colecciones del museo hay muchos instrumentos de fabricantes como Matteo y Giorgio Sellas, Tessler Giovanni, René y Voboam Alexander, Joachim Tielke ( fig. 8 ) y Antonio Stradivari ( fig.9 ). Los dos instrumentos de Stradivari sobrevivientes están muy bien proporcionada, con poca decoración, a pesar de su sencillez se ha acentuado en los últimos años por la eliminación de los detalles decorativos como los tradicionales "bigotes" en ambos lados del puente.

La primera anotación específicamente para la guitarra de cinco platos data de la última parte del siglo 16, cuando un sistema nuevo símbolo para representar desarrollado completos, acordes de cinco notas. Parece que apareció por primera vez en un manuscrito italiano ( I-Bu 177 iv), que contiene las partes superiores de madrigales y canzonettas de la

década de 1580 por compositores como Marenzio y Vecchi. Allí, las letras minúsculas del alfabeto que representa acordes específicos se encuentran en las palabras y en los lugares en los que hay cambios en la armonía. Otras fuentes antiguas italianas (todos los manuscritos de canciones) incluir una copia supuestamente c 1595 por Francesco Palumbi ( F-Pn Español 390), y una fecha de 1599 ( I-RVAT Chigiani L.VI.200). Estos textos contienen en su mayoría españoles, pero el uso de la carta italiana ( alfabeto ) notación. Hay algunas fuentes españolas para el sistema de cuerda, (perdido), por ejemplo Amat folleto de 1596 (y sus reimpresiones del siglo 17) y Briceño (1626), en la que los acordes son simbolizados por números en lugar de letras. La notación numérica se encuentra raramente, mientras que el italiano alfabeto se convirtió en el estándar de notación del acorde. Radicalmente diferente de cualquier otro tipo de notación anterior, este sistema, que implicaba que el artista era pensar sólo en términos de armonías bloques verticales (como guitarristas modernos ritmos hacen), desarrollado en conjunto con el aumento de la monodia italiano. De hecho, algunas de las fuentes más tempranas de manuscritos de la monodia de compositores como Peri y Caccini (por ejemplo, I-Fc Codex Barbera GF83) contienen alfabeto . Es, tal vez, también significativo que en el 1589 florentino intermedia , un hito importante en el desarrollo del estilo monódico nuevo, dos guitarras se utilizaron en el famoso Cavalieri Ballo del Gran Duca , una pieza que siguió siendo popular durante al menos otro siglo.

La primera aparición en la impresión del alfabeto sistema era Girolamo Montesardo de Nuova inventione d'intavolatura por sonare li balletti sopra la chitarra spagnuola, senza numeri nota e (Florencia, 1606). Durante el siglo 17 una gran cantidad de libros de la guitarra apareció en la impresión utilizando sólo este sistema para los solos de acorde rasgueado (muchas de las piezas que también podrían ser considerados partes de acompañamiento para su uso en los conjuntos). Los escritores importantes del alfabeto libros fueron: Foriano Pico (1608), GA Colonna (1620, 1623, 1637), Sanseverino (1620), Carlo Milanuzzi (1622, 1623, 1625), Millioni (1624, 1627), Millioni y Monte Lodovico ( c 1627, 1637, 1644, etc), GB Abatessa (1627, 1635, c 1650, 1652), GP Foscarini (1629), Tomaso Marchetti (1635), Corbetta (1639), Agostino Trombetti (1639), Antonio Carbonchi (1643), Carlo Calvi (1646), Giovanni Bottazzari (1663), Giovanni Pietro Ricci (1677) y Antonio di Michele (1680), para más detalles de las ediciones segunda y posteriores de muchas de estas colecciones ver Tyler, A1980, pp 123-58. El último conocido alfabetolibro era una edición de Millioni y 1637 Monte el libro en 1737.

Además de las Alfabeto fuentes de solos de guitarra, hay una enorme cantidad de publicaciones de arias italianas que utilizan la guitarra como instrumento para acompañar la voz. En este repertorio se encuentran las publicaciones de muchos de los grandes compositores vocales de la época, tales como Stefano Landi (1620, 1627) y Sigismondo d'India (1621, 1623), y varios libros de Andrea Falconieri, Kapsperger GG, Milanuzzi, ES Vitali, Biagio Marini, Miniscalchi Guglielmo, Alessandro Grandi (i), y otros. En las colecciones con contribuciones de varios compositores se encuentran cinco arias de Monteverdi (Milanuzzi, 1624, 1634 RISM 7 ) todas exclusivas de estas impresiones, así como arias de Frescobaldi ( VogelB 1621 2 ), Domenico Mazzochi (1621 RISM 16 ) y Cavalli (RISM 1634 7 ). El objeto de acompañamiento de la guitarra en este repertorio aria importante del siglo 17 todavía no se ha estudiado a fondo, y el papel de la guitarra como un instrumento muy utilizado continuo no se ha destacado suficientemente.

Además de la elaboración de los acompañamientos de las indicaciones armónicas del alfabeto , del siglo 17 guitarristas también aprendió a leer ya improvisar unContinuo acompañamiento de la línea de bajo (con y sin figuras). Aunque la guitarra barroca a menudo era incapaz de hacer sonar la nota de bajo cierto debido a sus

afinaciones, un acompañamiento continuo idiomático podría ser realizado por las armonías correctas. La línea de bajo cierto fue interpretado por un instrumento adecuado, como una tiorba o el violonchelo. El prefacio de la mayoría de los libros aria da una carta instruyendo al guitarrista sobre cómo leer el bajo, pero muchos de los libros de solos de dar instrucciones más detalladas. Corbetta los libros de 1643 y 1648 dan continuo de juego de la información, al igual que los de Foscarini de 1640. Sanz dedicó toda una sección de su libro a tocar guitarra continuo y Santiago de Murcia Resumen de acompañar la instancia de parte con la guitarra (Madrid, 1717 / I ) fue, como su título indica, en gran parte dedicado a la enseñanza de la guitarra de juego continuo. Pero las instrucciones más completas y extensas de todos apareció en Nicola Matteis de Le falsa consonanse della musica (Londres, c 1680) y la edición de Inglés más tarde las consonancias falsas de Musick (1682 / I ).Este tutor para Guitarra continuo es uno de los más útiles y detallados de cualquier siglo 17 tratado continuo para cualquier instrumento (incluyendo teclado).

Así como el estilo rasgueado de la guitarra se encuentra en las Alfabeto fuentes de principios del siglo 17, un nuevo estilo de música de la guitarra comenzó a aparecer en la impresión de alrededor de 1630 con el segundo y tercer libro de Foscarini (publicados juntos, sf). Aunque uno de los principales activos de la guitarra fue su capacidad para tocar acordes en bloque en un estilo de rasgueo rítmico (esto fue considerado como el verdadero lenguaje de la guitarra), Foscarini adaptado tablatura de laúd y de la técnica en combinación con los acordes rasgueados para llegar a un estilo mixto de escribir solo de guitarra. En su prefacio él se disculpó por los elementos como el laúd. Fue este nuevo estilo mixto, que fue utilizado por los compositores más finos de guitarra del siglo 17 y principios de los años 18. Aunque Corbetta incluido algunos solos muy finas en su libro de 1639, fue por la mañana Bartolotti que, en 1640, produjo los primeros completamente desarrollados, ejemplos de esos nuevo idioma, y su segundo libro ( c 1655) contenía algo de la música más fina guitarra barroca del siglo 17. Fue Corbetta, sin embargo, quien se convirtió en el compositor más conocido de guitarra italiana, con sus publicaciones de 1643 y 1648, que contenía música de primer orden. Otros escritores importantes de Italia para la guitarra eran Granata (1646, c 1650, 1651, 1659, 1674, 1680, 1684), Valdambrini (1646, 1647), Domenico Pellegrini (1650), Francesco Asioli (1674, 1676), Matteis ( c 1680, 1682) y Roncalli (1692). Es irónico que, a pesar de que la guitarra era conocido como un instrumento españoles, fue en Italia que su repertorio fue desarrollado por primera vez.

En Francia, la guitarra de cinco platos no se llevó a cabo en alta estima inicialmente. Tanto Mersenne y Pierre Trichet se refirió a ella en términos despectivos, y la oposición en general se menciona en Briceño Método ... párr Aprender a tañer la guitara (1626), una obra defendiendo el estilo de cuerdas de rendimiento. Libro Briceño no logró popularizar el instrumento, y sólo más tarde en el siglo parecía publicaciones posteriores. Esto refleja un interés en la guitarra en los círculos judiciales generados por Corbetta, cuyo guitarre La Royalle de 1674 se dedicó a Luis XIV. Aunque el rasgueado estilo es una característica fuerte de las piezas en el libro, el alfabeto se ha abandonado y ha logrado una mayor libertad, indicando las notas de los acordes de forma individual. Corbetta fue sucedido por Robert de Visée (? c1655-1732/3), que fue nombrado profesor de guitarra formalmente al rey en 1719. Su Livre de guittarre dédié au roy se publicó en 1682, y una segunda obra, Livres de pièces pour la guittarre , apareció en 1686; ambos contienen suites de diversa longitud, compuesto de un preámbulo introductorio seguido por danzas - Allemande, Courante, Sarabande , Passacaille giga, y otros. Visée también produjo una colección de piezas para laúd y tiorba, y dejó una serie de obras en manuscrito. Rémy Médard, en sus Pièces de guitarre (1676), reconoció su deuda con Corbetta, quien le enseñó, pero como Visée cultivó un estilo más delicado. Una preocupación con el

movimiento melódico y contrapuntístico es también evidente en Nouvelles découvertes sur la guitare (op.1, 1705) de François Campion ( c 1685-1747).

Primero de Corbetta La guitarre Royalle (1671, fig.11 ) se dedicó a Carlos II de Inglaterra, que era un artista entusiasta. La guitarra estaba muy de moda en Inglaterra; Corbetta, quien se fue a Inglaterra en la década de 1660 y contó con muchos de la nobleza entre sus alumnos. Sin embargo, algunos disgusto por el instrumento se expresó, y Pepys, por su parte, celebró la guitarra en baja estima. (La inclusión en la biblioteca de Pepys, que sobrevive intacto en Cambridge ( GB-CMC ), de un manuscrito de guitarra profesor Cesare Morelli, y la evidencia de sus propias composiciones para guitarra y voz (escrito para él por Morelli), sugiere, sin embargo , que fue ganado finalmente por el instrumento.) La distinción establecida por William Turner (i) en 1697 entre el 'modo cepillado "y el" modo pellizco' indica que, así como la música más compleja Corbetta, no había ninguna falta de rasgueo en Inglaterra. De hecho, es probable que una obra perdida, Easie Lecciones de guitarra para profesionales jóvenes , registrados en 1677 como señor feudal de Francisco, era por sí mismo Corbetta. En Inglaterra del siglo 18 la guitarra pasó de moda. Fue reemplazado por el guitarrista Inglés , que tenía poco en común con la guitarra adecuada, siendo similar en forma a la cítara y habiendo cuerdas de metal afinado c - e -g - c '- e '- g '.

La guitarra de cinco tiempos fue conocido en Alemania como instrumento de rasgueo. Praetorius por lo que se describe, sino que también relató que 'puede ser utilizado con buenos resultados en otras graciosas cantiunculae canciones y agradable por un buen cantante. Más tarde en el siglo, la guitarra apareció en consorcio con el laúd, viola da gamba y angélique, acompañando a una colección de canciones de Jakob Kremberg, Musicalische Gemüths-Ergötzung (Dresde, 1689).

Corbetta presencia en los Países Bajos está atestiguada por su Varii scherzi di Sonate per la Chitara spagnola , publicado en Bruselas en 1648. El interés generado por Corbetta se mantuvo hasta el siglo 17, aunque se carece de fuentes autóctonas hasta el siglo siguiente, cuando François Le Cocq Recueil des pièces de guitarreapareció ( c 1729). Además de composiciones Le Cocq, la colección contiene obras de Corbetta, Sanz, Visée, Granata y otros guitarristas del siglo 17 (añadido por Jean-Baptiste Castillon, a quien Le Cocq había dedicado el libro). Una colección de manuscritos mediados del siglo 18 de los Países Bajos son los llamadosPríncipes Un Libro del laúd , por cinco platos guitarra ( NL-DHgm 4.E.73).

A pesar de su título, a finales del siglo 17 de origen español por Antonio de Santa Cruz, Música de vihuela ( E-Mn M.2209), no se puede comparar con los libros de vihuela del siglo 16, ya que sus contenidos constan de siglo 17 danzas españolas anotadas en cinco líneas tablatura. Incluye el alfabeto acorde y tenía manifiestamente por la guitarra de cinco platos. La fuente más importante de la música de la guitarra del siglo 17 en España es la Instrucción de Gaspar Sanz, de ocho ediciones que aparecieron entre 1674 y 1697. Sanz, en su prólogo, afirma que se fue a Italia a estudiar música y se convirtió en organista en Nápoles. Más tarde se trasladó a Roma, donde estudió la guitarra con un importante compositor de la época, Lelio Colista (algunos de cuyos guitarra música sobrevive en B-Bc , littera S no.5615). También dice que él estudió las obras de Foscarini, Granata y Corbetta. Hay muchos italianos, así como piezas de danza española en sus publicaciones y que emplea un estilo maduro y plenamente integrado de la escritura mixta con un balance de acordes rasgueo y punteado de estilo, especialmente en sus últimos passacalles de 1697.

La Luz y norte musical (Madrid, 1677) de Lucas Ruiz de Ribayaz es un trabajo dedicado a la guitarra y el arpa, la mayoría de la música de la guitarra era un plagio de

Sanz. Guerau libro de 1694 es notable por contener música de una manera casi totalmente punteado estilo, muy diferente de Sanz y la mayoría de los compositores de guitarra. Otras fuentes españolas son Santiago de Murcia Resumen (1714), su manuscrito Passacalles y Obras (1732, GB-Lbl Add.31640) y su colección de manuscritos de las variaciones de danza (Archivo de Elisa Osorio Bolio de Saldívar, Ciudad de México, Códice Saldívar, 4 ), que contiene música de un nivel muy alto, propios de Murcia preludios tienden a ser a la vez original y magistral, aunque un estudio de concordancias revela que la mayoría de las piezas en estas dos obras son en realidad arreglos de música de la corte francesa, muchas de las piezas de Lully así como Le Cocq y Corbetta.

La música de la guitarra de cinco platos discutida hasta ahora puede ser considerada como el "clásico" repertorio de finales del Renacimiento y Barroco instrumento. En general, esta música llama a las características reentrantes afinaciones que eran tan importantes para el estilo de juego y modismos empleados durante estos períodos y que hizo que la guitarra única. Pero la naturaleza de la guitarra cambió notablemente en el medio del siglo 18, junto con los estilos musicales en general. El cambio parece haber ocurrido por primera vez en Francia, donde la guitarra comenzó a ser utilizado principalmente para acompañar a la voz, utilizando un estilo de arpegio similar a la de los instrumentos de teclado. El nuevo estilo requiere verdaderas notas graves y ya en 1764 ( Journal de musique de abril) las instrucciones para acompañamientos adecuados hincapié en la utilización de un bordón sobre el quinto curso. La aparición de muchos profesores de guitarra en Francia entre 1763 y C1800, todo por una guitarra de cinco platos sintonizado A/ a - d / d '- g / g - b / b - e ', así como el abandono gradual de la tablatura en favor de la notación del personal, deja pocas dudas de que la guitarra se estaba convirtiendo en un instrumento mucho más cerca en su carácter y estilos de juego de la guitarra moderna que el instrumento barroco. Pronto, incluso los cursos dobles en octavas fueron abandonados en favor de las cadenas individuales y, ya en 1785, una sexta cuerda se indicó ( Etrennes de Polymnie , París, 1785, p.148).

Estados históricos que hacen referencia a la guitarra como un instrumento fácil debe ser tratado con cautela. Tal actitud desdeñosa es válida sólo cuando se dirige hacia la guitarra a su nivel más simple. El juicio no es cierto en el contexto de la música culta, donde las texturas más complejo que una serie de exactitud la demanda acorde patrones de digitación y un alto grado de coordinación. Estas son de particular importancia para el barroco de cinco platos guitarra, que, aunque primero utilizado como un instrumento popular, más tarde dio lugar a una literatura que presenta texturas similares al los de el laúd. Cinco curso de música de guitarra aún no se ha escuchado mucho sobre el instrumento para el que fue escrito. El desempeño en la guitarra moderna es sólo una aproximación del sonido original, moderno tendido y puesta a punto no permite que la música se diera cuenta de fidelidad.

Guitarra

5. Las primeras seis cuerdas de la guitarra.

La transición entre el Barroco de cinco platos a la guitarra un instrumento común reconocible moderno con seis cuerdas simples se llevó a cabo gradualmente durante la segunda mitad del siglo 18 y las primeras décadas del siglo 19 en España, Francia e Italia. Un instrumento de cuerpo profundo en el Museo Municipal (La Haya) como 'Francisco Sanguino, me fecit. En Sevilla Año de 1759 "es el más antiguo conocido de seis platos instrumento, y también se destaca por ser pionero en el uso de fan-pavoneándose de fortalecer la mesa. Los documentos relativos a la venta de instrumentos musicales en España muestran que la guitarra de seis platos hizo cada vez más común a partir de 1760

en adelante, constantemente reemplazando el instrumento de cinco platos, y fue la forma más común de la guitarra a través de Iberia en la década de 1790. En París, el guitarrista de origen italiano Giacomo Merchi seguía recomendando la tradicional doble cinco platos en Le guide des écoliers de guitarre ( c 1761), pero en 1777 (en su Traité des agréments de la musique sur le ejecuta guitarre ) la promoción se "mi manera de encadenar la guitarra con cuerdas sueltas ... cuerdas sueltas son más fáciles de poner en sintonía, y para arrancar limpiamente, por otra parte, que prestan sonidos puros, fuertes y suaves, se aproximan a las del arpa y, sobre todo si se utiliza cadenas ligeramente más gruesas '. Muchos de los contemporáneos parisinos Merchi todavía favorecieron a cinco doble-cursos - por ejemplo Bailleux (1773) y Baillon (1781) - mientras que seis doble-cursos sigue siendo la forma estándar de encadenar en España hasta bien entrado el siglo 19, y parece haber sido guitarristas de Italia y sur de Francia eran los principales responsables de la introducción de cadenas individuales, prefiriendo las notas graves ambigüedades que se producen, y en un principio utilizando los instrumentos originalmente destinados a doble cursos. En 1785, los fabricantes de Marsella y Nápoles eran las guitarras de construcción específicamente destinadas a la seis cuerdas simples (a menudo la afirmación repetida de que Naumann, Kapellmeister en Dresde, fue responsable de la adición de la cuerda E inferior en algún momento después de 1688 por lo tanto pueden ser despedidos de forma segura), y este nuevo diseño gradualmente entró en uso general en gran parte de Europa.

Los cambios en el instrumento básico eran muchos, y la guitarra perdió mucho que tenían en común con el laúd, el establecimiento de las primeras décadas del siglo 19 la forma que habría de convertirse en la guitarra moderna. Clavijas en lugar de las clavijas de madera, trastes fijos (marfil o ébano primero, y luego metal) en lugar de la tripa, un Boca abierta sustituye la rosa, el puente se elevó a una posición más alta (y una silla de montar y los pasadores introducidos para sujetar las cuerdas), y se convirtió en el cuello estrecho. La parte posterior plana se convirtió en estándar, y las proporciones del instrumento modificado para permitir el posicionamiento de los trastes 12 en la unión del cuerpo y el cuello. Diapasones separadas se introdujeron, a ras con la primera tabla, más tarde se levantó a mentir 2 mm o menos, por encima de ella. La pala rectangular dio paso a los jefes de varios diseños, a menudo una marca distintiva del fabricante. En general, la decoración lujosa desaparecido, aunque algunas guitarras adornadas se hicieron en el siglo 19 y el uso de fan-pavoneándose se desarrolló más en las guitarras de seis cursos realizados en Cádiz por José Pagés y Benedid Josef ( figuras 5 c y 12 ). Así como de abanico pavoneándose en la mitad inferior de la mesa, un sistema transversal pavoneándose apareció en la parte de la tabla por encima de la boca de sonido. Otros fabricantes importantes de este período fueron René François Lacote de París, Louis Panormo, vivo en Londres.

Libros de instrucciones revelan que no existía un método estándar para reproducir la técnica. Tradiciones anteriores persisten, la mano derecha se apoya todavía en la mesa (en algunos instrumentos de una pieza de ébano se deja en la mesa para evitar el desgaste), aunque Nicario Jauralde ( A Preceptor completo para la Guitarra Española ) advirtió en contra de que se reclina sobre el dedo meñique la mesa ya que esto evita que la mano que se mueve por 'cambios en Piano y Forte' e inhibe "los otros dedos que actúan con agilidad. De la mano derecha el movimiento del dedo se limitaba todavía principalmente al pulgar y los primeros dos dedos. La técnica para atacar las cuerdas era normalmente tirando , con las puntas de los dedos crecientes después de arrancarlo; Apoyando , en el que los cepillos más allá del dedo de la cadena que se funda sobre la cadena de abajo, se mencionó poco y aparentemente no se aplican en general. Los artistas intérpretes estaban divididos sobre si es o no emplear las uñas en la producción del

sonido; Fernando Sor (1778-1839), el jugador español líder, prescindir de las uñas, mientras que su compatriota, Dionysio Aguado (1784-1849), los empleó. El pulgar izquierdo se usa a veces para preocuparse notas en el más bajo ( E ) cuerda, una técnica hecha posible por el diapasón estrecho. El instrumento se llevó a cabo en una variedad de maneras, y fue apoyada a menudo por una correa de cuello redondo del jugador; Aguado incluso inventó un soporte especial - la tripodion - en el que descansar el instrumento.

Tablatura fue abandonado en la segunda mitad del siglo 18, con la notación del personal la reemplace, en un primer momento en los libros de instrucciones y acompañamientos de canciones. La primera anotación personal para guitarra evolucionó en Francia y en Italia, las convenciones de notación de música de violín siendo evidente en piezas individuales para los primeros 6-string - o, como ahora se sabe, clásico - guitarra. La convención de notación de música de guitarra en un personal dirigido por la clave de sol, los sonidos reales que son una octava por debajo del tono escrito, todavía está en uso.

La música publicada por primera vez en seis platos guitarra apareció en España en 1780, fecha de la Obra para guitarra de SEIS Órdenes de Antonio Ballesteros.Otros métodos apareció en 1799: Fernando Ferandiere de Arte de Tocar la guitarra española y Federico Moretti Principios párrafo Tocar La Guitarra Ordenes de sís. En este último trabajo, Moretti (un napolitano al servicio de la corte española) proporciona una idea de la diferencia entre los instrumentos de uso general en España y en Italia a finales del siglo 18:

aunque yo uso la guitarra de siete cuerdas sueltas, parecía más apropiado para dar cabida a estos Principios a los seis cursos, que siendo lo que generalmente se juega en España: esta misma razón me obligaba a publicar en italiano, en 1792, adaptado para la guitarra con cinco cuerdas, porque en ese momento el que tiene seis años no era conocido en Italia.

Tanto Sor y Aguado estaban en deuda con Moretti para que tomen conciencia de la posibilidad de que parte de la redacción de la guitarra, y los dos se hicieron muy activos fuera de su país natal, España. Aguado, cuya Escuela de guitarra fue publicada en Madrid en 1825, se instaló por un tiempo en París, pero Sor cabo la carrera de concertista de viaje, con lo que la guitarra a un público mucho más amplio. Antes de salir de España, Sor había adquirido cierta reputación como compositor, su ópera Telémaco nell'isola di Calipso se realizaron con éxito en Barcelona en 1796. En Madrid, el patrón de Sor fue la duquesa de Alba. También vive en Madrid fue Boccherini, quien, inspirado por el entusiasmo de su protector, el marqués de Benavente, hizo los arreglos de varios de sus quintetos para incluir la guitarra.

Sor salió de España en 1813, una decisión dictada por las circunstancias políticas, y se dirigió a París, donde permaneció durante dos años. Visitó Londres, donde ofreció varios recitales, regresando a París para una producción de su ballet Cendrillon . El éxito de esta obra le permitió visitar Moscú y San Petersburgo, donde jugó ante el tribunal. A continuación, regresó a París y, a excepción de una nueva visita a Londres, residió allí hasta su muerte en 1839. París fue uno de los principales centros de interés de la guitarra, y varios otros intérpretes virtuosos se establecieron allí, incluyendo Matteo Carcassi (1792-1853) y Ferdinando Carulli (1770-1841).Este último fue el responsable de L'harmonie à la guitare appliquée (1825), el único trabajo conocido teórico para el instrumento del siglo 19. Está limitada en su alcance, ofreciendo poco más que un acompañamiento de acordes y arpegios, típico de la música de guitarra gran parte del período. Paganini abandonó el violín por un tiempo en favor de la guitarra, para el que compuso varias obras. Una guitarra francesa hecha por Grobert lleva las firmas de Paganini y Berlioz. Este último, un guitarrista competente, que se menciona brevemente el

instrumento en su Traité d'Gran instrumentación et modernes d'orquestación op.10 (1843), comentando que "es casi imposible escribir bien para la guitarra sin ser un jugador en el instrumento '.

El guitarrista italiano más importante fue Mauro Giuliani (1781-1829). La primera vez que se hizo famoso en Viena, donde se estableció desde 1806 hasta 1819.Además de dar recitales como solista, Giuliani apareció con el Hummel pianistas y Moscheles y la Mayseder violinista. En 1819 regresó a Italia, estableciéndose en Roma y más tarde Nápoles, donde continuó dando recitales. Su hija Emilia fue también un talentoso guitarrista, y actuaron juntos en público. Viena, como París, tuvo muchos guitarristas entusiastas, y mucha música sencilla fue publicada para atender a la demanda: Leonhard von Call producido muchas obras de este tipo, al igual que Diabelli. Aunque Francesco Chabran estaba enseñando (y componiendo para) la guitarra en Londres a finales del siglo 19 18 y principios, no fue hasta 1815, con la llegada a Londres de Sor (y del italiano Guiseppe Anelli virtuoso) que el entusiasmo por el instrumento se generalizó. Numerosos profesores fueron publicados durante el primer tercio del siglo 19 ( fig. 14 ), y el Giulianiad (una de las primeras revistas dedicadas a la guitarra), apareció en 1833. Aunque el interés decayó en la segunda mitad del siglo, las publicaciones - en la década de 1890 - de la señora Sidney Pratten (Catharina Josepha Pelzer), el actor Inglés líder, revelan que todavía hay un público para la guitarra usada de una manera fácil. Durante la última década del siglo 19 y la primera década del vigésimo las orquestas de instrumentos desplumados, aficionados disfrutaron de gran popularidad en toda Europa y los EE.UU., con docenas de guitarras y mandolinas (ya veces banjos) que se utilizan para realizar las obras originales y transcripciones de luz música clásica. Gran Bretaña, Francia, Alemania, Italia y los EE.UU. tenían muchos cientos de orquestas tales, lo mejor de ellos compitiendo en festivales nacionales e internacionales.

La mayoría de las publicaciones del siglo 19 se han diseñado para familiarizar al público con lo que era prácticamente un nuevo instrumento y, como tal muchos son didácticos, y también de alcance limitado, ya que pronto se hizo evidente que algunos aficionados se dedicaron a dominar suficientemente las obras más exigentes de los guitarristas-compositores. La popularidad de la guitarra radica en la facilidad con la que se podría gestionar un simple acompañamiento de una canción, y muchos de los tutores de prácticas se limita a exponer las habilidades fundamentales necesarias para lograrlo. Las piezas simples que llevan al artista una etapa más allá de este nivel elemental y contiene muchos clichés, ya que son productos de los guitarristas, por lo general se encuentran fácilmente en los dedos. En un nivel superior son los estudios diseñados para preparar a la intérprete de las obras considerando; más exitosa en este contexto son las de Aguado, Carcassi, Coste Napoléon y Sor, todos los cuales siguen siendo de gran valor para los estudiantes. Es a los propios guitarristas que hay que acudir en busca de las mejores composiciones de este periodo. A pesar de compositores de la talla estaban familiarizados con la guitarra, que no escribió nada por ella, y la crítica de Berlioz de no jugar compositores, que 'le dan cosas para jugar ... de efecto pequeño ", es válida. Los logros de Sor y Giuliani en el establecimiento de un repertorio de obras de gran escala es la característica más notable de este período. Sus rangos de salida de piezas fáciles - siempre en la demanda por los editores - a las obras extendidas para el instrumento solista y diversas combinaciones de instrumentos. Giuliani compuesto por varios conjuntos de variación, tres conciertos (opp.30, 36 y 70), una serie de dúos de guitarra y violín o flauta, una obra para guitarra, violín y cello (Op.19), y un conjunto de tres piezas para guitarra con cuarteto de cuerdas (Op.65). Sor texturas son a veces más compleja que la de Giuliani, y el más rico en variedad armónica. En sus sonatas opp.22 y Sor 25 presentó un mayor número de temas de lo que es habitual en este formulario, compensando así las

restricciones en materia de desarrollo impuestas por las limitaciones del instrumento. Su composición más exitosos fueron los Variaciones sobre un tema de Mozart Op.9, una obra maestra virtuoso que resume claramente las posibilidades de principios del siglo 19 la técnica guitarrística clásica y sigue siendo la pieza más frecuentemente realizada de música de la guitarra de la época. A pesar de que no pueden ser considerados como obras de gran estatura, las composiciones de los primeros del siglo 19 guitarristas suelen ser encantador, elegante y vivaz como para ser escuchado con placer ( Ej. 3).

Guitarra

6. La guitarra clásica moderna.

Los principios del siglo 19 la guitarra se desarrolló más en la segunda mitad del siglo por el fabricante español Antonio de Torres Jurado (1817-1892), cuyos experimentos condujeron a los instrumentos que se convirtieron en modelos para sus sucesores. La guitarra consigue así un tamaño estándar y forma por primera vez en su historia (véase fig.5 arriba). Torres aumento de las dimensiones totales del instrumento y estableció la longitud de vibración de las cuerdas en 65 cm; desarrolló el sistema de fan-pavoneándose introducido por sus predecesores en Sevilla y Cádiz, utilizando un sistema de siete puntales radiales desde debajo de la boca de sonido, con dos puntales adicionales situadas tangencialmente por debajo de la 'fan'. El puente moderno, con las cuerdas pasando por encima de la silla para estar atado a un bloque rectangular ( fig. 15 ) es también atribuible a Torres, y se ha convertido en norma desde su tiempo. Es en la que los fabricantes de pavoneándose más modernos han experimentado, variando tanto el número y el patrón de puntales, e incluso ampliar el sistema para incluir la parte de la tabla por encima de la boca de sonido. Cuerdas de tripa quedó obsoleto tras la introducción de cuerdas de nylon en 1946, con los jugadores que prefieren la mayor tensión y mayor durabilidad que ofrece el material hecho por el hombre.

Durante un tiempo, las mejoras logradas por Torres quedó confinado a España, donde una serie de fabricantes distinguidos le sucedió: Vicente Arias, Manuel Ramírez, Enrique García, Marcelo Barbero y - activa en el siglo de mid-20th - José Ramírez, Manuel Contreras, Marcelino López Nieto y otros. El renacimiento del interés en la guitarra en el siglo 20 dio lugar a la aparición de fabricantes de pendientes en otros países: Hermann Hauser (Alemania), Robert Bouchet (Francia), David Rubio y Paul Fischer (Inglaterra), y otros en Japón, donde el instrumento se ha vuelto extremadamente popular. Aunque a finales de siglo la mayoría de fabricantes siguen construyendo sus instrumentos a la manera tradicional españoles perfeccionado por Torres, líder luthiers en los EE.UU., Australia y Gran Bretaña se había iniciado en la década de 1970 para rediseñar la estructura interna de la guitarra clásica. Se dirige principalmente a incrementar el volumen del sonido de una guitarra puede producir, una consideración cada vez más importante ya que muchos compositores comenzaron a utilizar el instrumento regularmente en obras de cámara y orquestal. Por ejemplo, el "TENSO" sistema desarrollado por Paul Fischer utiliza un entramado rectangular muy ligera de montantes de abeto, que atraviesa la veta de la tabla, así como a lo largo de su longitud. Este refuerzo permite el espesor de la tabla que se reduce en gran medida (alrededor de 1,6 mm, en contraposición a alrededor de 2,4 mm en una guitarra española tradicional), lo que resulta en una mayor flexibilidad. Para aumentar aún más el tamaño efectivo del diafragma, Fischer también experimentó con mover la boca de sonido a la parte superior de la mesa, y dividiéndola en dos semicírculos. El fabricante australiano Greg Smallman utiliza un sistema similar, aunque se prefiere colocar su rejilla en un ángulo de 45 grados con respecto a la veta de la tabla.

Francisco Tárrega (1852-1909), aunque activo en la promoción de la técnica de interpretación moderna, no inventó el Apoyando tiempos - es por lo menos tan antigua como una Dionysio Aguado. Cuando se utiliza en un gran instrumento, como la guitarra Torres, esta técnica y el no admitido tirando impulsado el desarrollo de un rico repertorio de Estudios originales y transcripciones para guitarra clásica (como se llamaba ahora). El instrumento más grande descansaba más cómodamente en el muslo izquierdo de la principios del siglo 19 guitarra, y se convirtió en una práctica estándar para mantenerla en esta forma. Tárrega no utilizó las uñas de su mano derecha, técnica, y en esto fue seguido por su discípulo Emilio Pujol Vilarrubí (1886-1980), pero Miguel Llobet (1878-1938), también discípulo suyo, se prefiere usarlos . Segovia adoptó una más relajada posición de la derecha que la de Tárrega ( fig. 16 ) y una técnica que emplea las uñas, en la que fue seguida por la mayoría de los otros del siglo 20 recitales. Es en la posición de la derecha que se ve la mayoría de las variaciones entre los artistas modernos. La posición de Segovia conlleva las cadenas generadas por el lado izquierdo de las uñas, mientras que la posición favorecida por el guitarrista francés Presti Ida (1924-1967), aprobado por la American concertista Alice Artzt, hace que el lado derecho de los clavos en contacto con las cuerdas.

Por lo tanto, sólo durante los últimos 100 años que la guitarra se ha establecido en su forma moderna y su técnica desarrollada en consecuencia. Al principio de este período carecía de un repertorio que le habría dado un estatus comparable con el de otros instrumentos. El problema de la escasa literatura fue contactado por primera vez por las obras de transcripción de otros medios, una práctica iniciada por Tárrega y continuada por sus sucesores. Material adecuado era obviamente que se encuentran en los repertorios de instrumentos estrechamente relacionados con la guitarra (es decir, el laúd y la vihuela), pero trabaja para instrumentos de arco, y el teclado, también se destacaron en los considerandos. Mucho más importante, sin embargo, es la medida en que el repertorio de la guitarra se ha ampliado en el siglo 20 por los compositores que no eran guitarristas. Segovia, el instigador principal de este alejamiento de la tradición de los guitarristas-compositores, dejó su vida de trabajo para elevar el estatus de la guitarra a la

de un instrumento de concierto de prestigio internacional, y su arte era una fuente de inspiración tanto a los jugadores ya los compositores .

En 1920 Falla escribió 'Le tombeau de Claude Debussy "Homenaje a Llobet, prueba de su creencia de que la guitarra va a volver de nuevo, ya que está particularmente adaptado para la música moderna ". Otros compositores españoles han favorecido un lenguaje más nacionalista: Joaquín Turina (1882-1949), Federico Moreno Torroba ( b 1891) y Joaquín Rodrigo (1901-1999). Todas las obras producidas por Segovia y Rodrigo dedicado composiciones a otros recitalistas españolas como Narciso Yepes (1927-1997), Manuel López Ramos y de la familia Romero, su Concierto de Aranjuez (1939) fue un homenaje a Regino Sainz de la Maza y Ruiz (1896-1981). Muchos conciertos fueron escritos en el siglo 20, el primero de ellos de Mario Castelnuovo-Tedesco (1895-1968) en 1939. Prolífica producción Castelnuovo-Tedesco para guitarra incluye un quinteto (op.143, 1950) y Platero y yo (op.190, 1960) para guitarra y narrador, y sus obras están dedicadas a muchos guitarristas: el alemán Siegfried Behrend (1933-1990 ), el estadounidense Christopher Parkening ( b 1947), el italiano Ghiglia Oscar ( b 1938), el venezolano Alirio Díaz ( b 1923), el japonés Matsuda Jiro y otros. También compuso varias obras para dúo de guitarra, incluyendo el Concierto para dos guitarras y orquesta (op.201, 1962). La combinación de dos guitarras permite la escritura más compleja de lo que es posible que el instrumento solista ( Ej. 4 ). El género dúo se estableció firmemente en el siglo 20 por Ida Presti y Alexandre Lagoya y consolidado aún más por el brasileño Sergio Abreu y hermanos Eduardo, el Dúo de Guitarras ateniense (Liza Zoi y Assimakopoulos Evangelos), y la combinación franco-japonesa de Henri Dorigny y Ako Ito. A finales de los dúos y tríos de guitarra del siglo fueron encontradas comúnmente formas de hacer música, como lo fueron los cuartetos de guitarra (ya sea integrado por cuatro guitarras estándar o para requinto , dos guitarras y guitarra baja), una forma pionera por Gilbert Biberian ( b 1944).

Segovia influencia se extendió a América Central y del Sur, donde el compositor mexicano Manuel Ponce (1882-1948) compuesto por sonatas, juegos de variación y elConcierto del sur (1941). Villa-Lobos (1887-1959) también escribió un concierto, pero es más conocido por sus Douze Etudes (1929) y Cinq Préludes (1940). ElEtudes evidencia algunos progresos desde el 19 del siglo estereotipos, pero las fórmulas siguen presentes, como lo son en los preludios. Un trabajo más ligero es suChôro no.1 (1920), con sus evocaciones de la música folk. La guitarra cuenta con un lugar destacado en la música popular americana del Sur, que impregna algunas de las composiciones de Antonio Lauro (1917-1986) de Venezuela y Agustín Barrios (1885-1944) de Paraguay. El repertorio de América del Sur se ha ampliado con el brasileño Francisco Mignone (1897-1986), el cubano Leo Brouwer ( b 1939) y Guido Santórsola (1904-1994) de Uruguay. Música de Brouwer ha sido particularmente influyente, especialmente La espiral eterna (1970) y Elogio de la danza (1972), tanto para guitarra solista, y sus conciertos para cuatro, aunque la Sonata op.47 (1976) por el compositor argentino Alberto Ginastera (1913 -83) es ampliamente considerado como la obra más importante de un compositor

latinoamericano. Importantes artistas de América del Sur han incluido Carlos Barbosa-Lima y Turibio Santos (Brasil) y Oscar Caceres (Uruguay). La tradición casi olvidada del compositor y guitarrista fue restablecido a finales del siglo 20: las cifras notables han incluido Brouwer, el ruso Nikita Koshkin ( b 1956), la República Checa Štěpán Rak ( b 1945) y el estadounidense Stephen Funk Pearson ( b 1950).

Aunque el impulso inicial vino de España, el crecimiento de la música de la guitarra moderna se mantuvo el resto de Europa, con obras de Frank Martin, Krenek, Tansman Alexandre, Malipiero, Petrassi, Milhaud, Daniel Lesur y Poulenc. A pesar de su limitado volumen, la guitarra juega un papel pequeño pero significativo en muchas siglo 20 óperas y sinfonías, así como en obras de cámara como Serenata Op.24 de Schönberg (1920-1923), de Boulez Le Marteau sans maître (1952-4 , rev. 1957), de Gerhard Concierto para Eight (1962) y Libra (1968), y de Henze Carillon, Récitatif, Masque (1974). Henze ha hecho uso frecuente de la guitarra y ha escrito varios trabajos en solitario importantes, incluyendo Drei Tentos (de Kammermusik , 1958) y dos sonatas (basados en los personajes de Shakespeare) titulada Real de Música de Invierno (1975-7). En Inglaterra, donde los actores principales en el final del siglo 20 fueron Julian Bream ( b 1933) y John Williams ( b 1941), la guitarra no se estableció en los colegios de música hasta 1961. Sin embargo compositores ingleses o compositores residentes en Inglaterra, hizo una importante contribución al repertorio. Conciertos apareció por Malcolm Arnold, Stephen Dodgson, Richard Rodney Bennett y André Previn, y la literatura solo se enriqueció con obras de Britten ( Nocturnal después de John Dowland , 1963), Berkeley (Sonatina Op.52 / 1, 1957, Tema y Variaciones op .77, 1970), Dodgson (Partita de 1963, Fantasy-Divisiones, 1973), Tippett ( La guitarra azul , 1985), Walton ( Cinco Bagatelas , 1970-71) y otros. La guitarra también fue utilizado eficazmente como acompañamiento de la voz, la configuración se incluye canciones de los chinos (1957 Britten,), Cantares (Gerhard, 1956), Cinco canciones de amor (Musgrave, 1955) y Anon. in Love (Walton, 1959). John W. Duarte ( b 1919) fue una influencia importante en el desarrollo del repertorio de la guitarra, sobre todo por sus transcripciones de las suites para violonchelo de Bach, pero también para algunas atractivas composiciones originales (tal como su Inglés suite op.31 (1967), escrito de Segovia).

El repertorio del siglo 20 exhibe una gran variedad de texturas y estilos, que van desde los tonos predominantemente, obras románticas inspiradas en Segovia a composiciones vanguardistas. Las influencias de la música folk, el flamenco y el jazz se puede encontrar, y experimentadores han introducido sonoridades inesperadas y ampliado los recursos percusivos y idiophonic del instrumento. En Petrassi de Suoni notturni (1959), por ejemplo, el artista se instruyó a hacer sonar las notas tirando de las cuerdas para que una bofetada contra los trastes; sonidos producidos en otros lugares dando golpecitos en la mesa se alternan con los sonidos normalmente jugado. Media hora Koshkin la épica Juguetes del príncipe fue compuesta para incluir el mayor número posible de efectos inusuales, y produce una notable variedad de sonidos. Atonal escritura y las técnicas seriales se les dio expresión en la guitarra - la prueba de su viabilidad en la música contemporánea. Uno de los aspectos más interesantes de la historia de la guitarra en el siglo 20 es el grado en que se vitaliza su literatura en la transición de la música compuesta por los guitarristas (o por escrito a las restricciones de un guitarrista) a las composiciones no determinada por una convencional concepción de las posibilidades del instrumento ( ex.5 ). Esto ha conducido a la aparición de obras de considerable estatura y el crecimiento de una tradición artística de la composición tal como la guitarra eludido hasta el siglo 20.

Guitarra

7. Las variantes de la guitarra clásica.

Los instrumentos que salen de la forma básica de la guitarra aparecen por primera vez en 1690, cuando Alexandre Voboam construyó una guitarra doble, que tenía una guitarra pequeña unida a la parte de agudos de un instrumento normal. Sin embargo, el siglo 19 fue un período más productivo en este respecto. Una guitarra de doble cuello - Doppelgitarre - fue hecha por Stauffer en 1807, y en la década de 1830 Jean-François Salomón construyó una guitarra con tres cuellos - el 'Harpo-lira "- que, al igual que una serie de variantes de guitarras del siglo 19, fue diseñado para mejorar lo que se consideró un instrumento satisfactorio. Sobre 1800, la guitarra Lyredisfrutado de una moda breve. Métodos y música fueron publicados por este instrumento, que tenía dos brazos curvos (recordando la lira griega antigua) en el lugar del combate superior. En otro grupo de instrumentos el número de cadenas se incrementó, a veces en el bajo, a veces en los agudos, y un instrumento - el 'guitarpa' - tenía tanto graves extra y extra cuerdas agudas. El siglo 19 vio la introducción de guitarras que variaban en tamaño y por lo tanto en el tono. Estos fueron los quinte-basse ,cuarta , Terz y Octavine guitarras, sólo el Terz guitarra

afinada G - c - f - b  - d '- g ', tiene una literatura. En la década de 1960 Narciso Yepes introdujo una guitarra de diez cuerdas, las cuerdas añadidas acostado en el bajo, con la

afinación G  - A  - B  - C - E - A - d - g - b - e '. Este ajuste permite simpáticos cadena de graves resonancias de cada nota en el rango superior de su guitarra, según Yepes. "Guitarra arpa" Una nueva (diferente al principios del siglo 19 instrumento que combina un cuello corto y grueso guitarra con una caja de resonancia-back y abovedado principalmente encordado triádica; ver arpa-laúd (ii) ) ganó cierta popularidad alrededor de 1900. Estos instrumentos, que tienen la extensión "brazo" un cuerpo extra con otras cuerdas graves simpático, se hicieron especialmente en los EE.UU., por fabricantes como Gibson Brothers Larson y Knutsen.

Del siglo 20 variantes, la guitarra flamenca está más cerca del instrumento clásico. Como la postura tradicional de la guitarrista flamenco requiere que sostiene el instrumento casi verticalmente, es deseable limitar el peso, por lo español ciprés, una madera más ligero que el palo de rosa, se utiliza para la parte posterior y los lados, y gradualmente desde la década de 1970 cabezas de la máquina se utiliza en lugar de clavijas de madera. La acción de las cuerdas es a menudo menor que la de la guitarra clásica, permitiendo que las cuerdas vibrar contra los trastes. Una placa se coloca sobre la mesa para proteger la madera de la interceptación de los dedos de la mano derecha. Aunque la función original de la guitarra flamenca era proporcionar un acompañamiento al cante y el baile ( ver Flamenco ), se ha destacado cada vez más como un instrumento solista.

En el siglo 20 se hicieron muchos cambios en el diseño básico de la guitarra clásica, principalmente para el propósito de producir un mayor volumen y penetración.Estos cambios dieron lugar a varios tipos distintos de guitarra, cada uno diseñado originalmente para satisfacer las necesidades específicas musicales de guitarristas tocando en formas de música popular, folk principalmente, jazz, blues, música de baile y rock and roll.

Algunos guitarristas, especialmente en los países americanos y los jugadores occidentales y los crooners, comenzó temprano en el siglo 20 para exigir un mayor volumen de la guitarra acústica con tapa llana de la forma tradicional. La empresa que inicialmente hizo la mayor parte de acomodarlos fue cf Martin de Nazareth, Pennsylvania, que se inició durante la década de 1920 para producir cuerdas de acero guitarras, alterado estructuralmente para soportar la tensión de las cadenas pesadas, y en algunos casos mayor que el instrumento estándar. Otras empresas estadounidenses activas en la popularización del uso de cuerdas de acero para guitarra incluido Larson Brothers (desde 1880) y Gibson (desde 1890). Martin es probablemente mejor conocido por la invención del

"Dreadnought" guitarra acústica con tapa llana, al parecer, el nombre del buque de guerra británico de la época. Se basaba en instrumentos hechos por Martin para la empresa Ditson de Boston alrededor de 1915, aunque no fue comercializado por Martin sí mismo hasta 1931, cuando lo que se convertiría en el D-18 y D-28 modelos fueron introducidos. El Dreadnought era más grande que una guitarra normal y tenía una cintura mucho más amplio y más bien estrechas, hombros más cuadrada. Su resultante "Bassier" tono ideal folk, country y western, blues y otras formas de música popular donde el papel de la guitarra era para acompañar la voz. El diseño de la Dreadnought ha sido ampliamente imitado por muchos fabricantes de guitarras desde su presentación, sobre todo por compañías como Gibson (a partir de 1934, comenzando con el 'Jumbo' modelo) y Guild (desde 1950) en los EE.UU. y, más tarde, en siglo, por fabricantes de guitarras japonesas.

El Dreadnought grandes o Jumbo no es, sin embargo, el único tipo de acero colgados cabeza plana guitarra acústica; acero nerviosa versiones de la guitarra clásica de tamaño y la forma tradicional, con un poco de fortalecimiento interno, abundan. Martin fue, de nuevo, un innovador en esta área de la acústica de cuerdas de acero, llamado 'populares', y muchos fabricantes de guitarra en los EE.UU., Europa y Asia oriental los siguió y produjo instrumentos similares.

Flat-top, acero nerviosa guitarras acústicas requieren una red más fuerte y más compleja de refuerzos internos que no sea la clásica o la guitarra arco-tapa. Los diferentes estilos de refuerzos que se han desarrollado a menudo se denominan con términos descriptivos, como 'X' vigorizante y 'fan' refuerzos. Las maderas utilizadas para la construcción de cabeza plana de guitarras variar en función del grado de excelencia requerido: la parte superior es generalmente de abeto rojo (en ocasiones de cedro), palo de rosa, caoba o arce se utiliza para la espalda, costados y cuello, y palo de rosa o ébano para el diapasón. Más barato piso laminado copas de uso en lugar de maderas macizas. En 1966 la compañía Ovation en los EE.UU. empezó a producir guitarras con un redondeado posterior hecha de un material sintético de fibra de vidrio se asemeja, en combinación con una tapa de madera cuello, y el diapasón; el objetivo, una vez más, el de mejorar las cualidades de un proyeccional otro modo instrumento acústico estándar.

La mayoría de parte superior plana guitarras tienen un puente fijo, como la guitarra clásica, a la que los extremos inferiores de las cuerdas se sujetan por medio de pasadores. Los más populares flat-tops son los que tienen seis cuerdas, afinadas a la norma E - A - d - g - b '- e 'lanzamientos de guitarra. Sin embargo, una variante, la de 12 cuerdas con tapa llana, también se hace, sino que se utilizó originalmente en el blues y la música folk-basado, y tiene cuerdas afinadas en seis cursos, algunos al unísono y otros una octava de diferencia.

Flat-top, acero atadas guitarras acústicas han sido ampliamente utilizados en todo tipo de música popular desde la década de 1920, el país más notablemente, bluegrass, folk y estilos cantautor y azules, pero no tanto en el jazz. En el rock, guitarras tales todavía encontrar un lugar en el estudio de grabación como un elemento de gran parte de percusión, como herramienta de un compositor, y en el escenario como un apoyo visual y musical de algunos cantantes. Reproducción de estilos y técnicas asociadas con el instrumento variar ampliamente, dependiendo del lenguaje musical. Muy a menudo, sobre todo en la música folk y otros estilos que se requiere un acompañamiento de cuerdas, una púa se utiliza para golpear las cuerdas. En los conjuntos del instrumento se utiliza ocasionalmente para tocar líneas melódicas, soporte melódico, o los solos de jazz-como, aunque en los últimos años del siglo 20 este papel era más general, se toma por instrumentos eléctricos. A veces, las uñas o uñas postizas, se utilizan para jugar dedo-

estilo (o dedo-cosecha) los patrones, un estilo también se utiliza en el nylon encadenan la guitarra clásica.

Algunos jugadores de adaptar los estándares de seis cuerdas afinaciones para adaptarse a su propio estilo y necesidades musicales, y un número de patrones se han desarrollado, sobre todo, desde el blues y la música folk. Las adaptaciones más comunes son "abiertas" afinaciones, llamados así debido a que las cuerdas abiertas se afinan para formar una sola

cuerda (por ejemplo, D - G - d - g - b - d '; D - A - d - f  - a - d ' ), que se puede jugar en cualquier terreno de juego al detener todos los hilos a través de la correspondiente traste. Estas afinaciones abiertas probablemente desarrolladas en estilo hawaiano ("slack key ') de juego y la música country, en el que una diapositiva, se presiona un cuello de botella lleva en uno de los dedos de la mano izquierda, o de otro objeto sólido adecuado, por debajo de las cuerdas , deteniendo a todos en el mismo punto, las cadenas no se tocó por separado, la diapositiva o el cuello de botella que se mueve hacia arriba y hacia abajo de modo que los acordes paralelos y se ejecuta una sola nota puede ser producido. Jugadores más convencionales detener las cuerdas de la misma manera pero con el dedo, a través del "Barre 'técnica. El otro tipo común de sintonización adaptado es el 'soltar', sintonización, en la que se baja el tono de una o más cadenas de permitir no estándar digitaciones.

El arco-top ('tallada-top', o, en ocasiones, 'cello de cuerpo') guitarra fue desarrollado en los EE.UU.. Los experimentos realizados por Orville H. Gibson en la década de 1890 produjo un pequeño número de tallado-top de vanguardia guitarras y mandolinas, pero no fue hasta la década de 1920 que la guitarra arco-tapa fue desarrollado comercialmente, como consecuencia del volumen relativamente alto en orquestas de baile que estaban jugando. Guitarras acústicas ordinarias no podían producir los niveles de sonido necesarios, la guitarra arqueada-top cumplido este requisito y se convirtió cada vez más popular en los estilos de jazz que surgieron en la década de 1930.

Entre los primeros instrumentos fue la Gibson L-5 (diseñada por Lloyd Loar), que se publicó por primera vez en 1922 y que definió la guitarra arco-tapa. Su construcción se debió más a la fabricación de violines que los métodos tradicionales de construcción de guitarras y mandolinas fue influenciado por Orville H. Gibson y guitarras de la década de 1890. La búsqueda de un mayor volumen estaba en la raíz de todas las modificaciones de diseño convencional introducido en el L-5: tenía cuerdas de acero en lugar de tripa, la tensión y el peso extra de que hizo necesario refuerzo estructural del cuerpo, la parte superior era fuerte y grueso y tallado en una forma arqueada característica, en lugar de una sola Boca había dos f-agujeros, para una mayor proyección del sonido y la mejora de las vibraciones simpáticas de la parte superior, el puente no se fijó sino "flotante" (o ajustable ) y las cuerdas pasó sobre él y se fija a una pieza de cola de metal separado unido al extremo del cuerpo.

La primera versión de la Gibson L-5 tenía un diapasón de ébano sobre un mástil de arce, el abedul o el arce de nuevo, una tapa de pícea tallada y los lados de abeto.No fue sólo la primera forma de arco-top para presentar f-agujeros, pero también fue una de las primeras guitarras que estar equipados con una 'llave del alma ", una barra de metal ajustable interna que contrarresta deformaciones y movimientos menores del cuello. El usuario temprano más famoso de la L-5 fue Eddie Lang. A partir de 1939 los modelos L-5 y otros similares fueron construidos a menudo con un cuerpo de corte, diseñada para dar al jugador un acceso más fácil a los trastes superiores.

El L-5 anunció la llegada al mercado de muchas otras guitarras acústicas arco-tapa. Los fabricantes de estos han sido principalmente americanos, e incluyen la compañía Guild,

que fue fundada en Nueva York en 1952 por Alfred Mann Dronge y George, se mudó a Nueva Jersey en 1956 y fue adquirida más tarde por Avnet Inc.; D'Angelico, conjunto por John D'Angelico, que se había formado como un fabricante de violines, en Nueva York en 1932, y continuada por su protegido Jimmy D'Aquisto después de la muerte de D'Angelico's en 1964, Epiphone, establecido en Nueva York por Anastasios Stathopoulo en el 1900, y comprado por Gibson en 1957 después de la muerte de Stathopoulo, y Stromberg, creada en Boston por Charles A. Stromberg en la década de 1880 y continuado por su hijo Elmer desde la década de 1930.

La guitarra acústica arco-top cumplido un papel específico en el apogeo de la banda estadounidense de jazz y danza, a pesar de que fue diseñado para jugar púa y produjo el mayor volumen posible cuando la púa se utilizó, algunos guitarristas se toca con los dedos de la mano derecha . La popularidad de la acústica arco-top disminuido con el uso generalizado de la guitarra eléctrica , que fácilmente superado en términos de respuesta y el aumento de volumen. Esas guitarras arco-tapa que sobreviven, lo hacen principalmente como objetos de colección, aunque los fabricantes especializados como Bob Benedetto y John Monteleone surgido en los EE.UU. a finales del siglo 20.

Otros intentos se hicieron en la década de 1930 para aumentar el volumen proyectado por la guitarra acústica. A principios de la década Mario Maccaferri (1900-1993) diseñado por la compañía francesa Selmer una serie de guitarras que tenían distintivos en forma de D soundholes (más tarde oval) y una cámara única de sonido extra en el interior del cuerpo (luego retirado), el claro resultante, calidad penetrante tono se convirtió en el sello distintivo de jugar Django Reinhardt en ese período. Una idea similar fue explotada desde 1927 en la "ampliphonic 'o' Resophonic la guitarra (comúnmente conocido por uno de sus nombres comerciales, Dobro), que tenían uno o más discos de metal resonadores montados en el interior del cuerpo bajo el puente ( fig.17 ) . El Dobro fue jugado a menudo a través de la vuelta y con una diapositiva, como la guitarra hawaiana , y ambos tipos se utilizaron en una etapa temprana en experimentos con amplificación, lo que condujo al desarrollo de la guitarra eléctrica (véase también la guitarra del resonador ).

Guitarra

8. Las variaciones regionales.

(I) Rusia: la guitarra de siete cuerdas.

En el siglo 18, las escuelas asociadas a la guitarra de siete cuerdas afinado D-G-B-d-g-b-d ' desarrollado en Rusia. Los primeros profesores del instrumento se publicaron allí por Ignatz von Held ( Methode facil vertido apprendre à la guitare pinza à cordes septiembre sans maître , 1798) y Dmitry Kushenov-Dmitriyevski (Novaya i polnaya gitarnaya shkola , 1808). La música para la guitarra de siete cuerdas se desarrolló a un alto grado de complejidad técnica por Andrey Sychra (1773-1850), que enseñó en San Petersburgo desde 1813, de sus estudiantes, Semyon Aksyonov (1784-1853), Morkov Vladimir (1801 - 64), Nikolaj Aleksandrov (1818-1884) y Vasily Sarenko (1814-1881) escribió de primera clase de música de guitarra. En Moscú, la actividad de tocar la guitarra se centró en la Visotsky jugador Mikhail improvisador (1793-1837), quien hizo hincapié en la izquierda efectos (legato hasta siete notas, portamento , vibrato). El virtuoso Fyodor Zimmermann (1813-1882) fue también un compositor e improvisador. A pesar de su popularidad en Rusia, ninguno de estos guitarristas ganó la aclamación internacional. Dos guitarristas, Nikolay Makarov (1810-1890) y el polaco MK Sokolowski (1818-1883) llegó a ser conocido; ambos, sin embargo, jugó dos bocas de «españoles» guitarras con cuerdas graves adicionales.

A principios del siglo 19 la música, por la guitarra de siete cuerdas consistía en su mayoría de conjuntos de variaciones sobre canciones populares de Rusia y arias de ópera, piezas de danza originales, transcripciones y popurrís, a mediados del siglo 'cosmopolitas' formas tales como preludios, nocturnos Etudes, y baladas fueron favorecidos. Unos pocos grandes obras independientes también sobrevivir, por ejemplo Sychra de Divertissement sur des aires russes (1813) y Reglas Prácticas en cuatro ejercicios (1817), y la Sonata por alumno Vetrov Visotsky de Aleksandr. Aunque la guitarra disminuido en popularidad en Rusia en la segunda mitad del siglo, experimentó un renacimiento en 1900 en asociación con los escritos de Valeriano Rusanov (1866-1918) y la revista Gitarist , Akkord y Gitarista Muzika . A lo largo del siglo 20 de seis y siete cuerdas guitarras coexistieron en conservatorios y escuelas de música.

(Ii) Iberia, América Latina y el Pacífico.

Las guitarras pequeñas de la Europa del Renacimiento fueron los prototipos de los instrumentos que han persistido en España y Portugal, y que se realizaron a través de contactos comerciales con América Central y del Sur y el Este de Asia. El crecimiento en el tamaño del instrumento clásico también tiene su contraparte en el rango de tamaño de instrumentos populares. España es el Bajo de uña , una muy grande, cuello corto guitarra de ocho cuerdas, pero la guitarra afinada E - A - d - g - b - e 'es el instrumento

estándar. El tenor guitarra tiene la afinación G - c - f - b  - d '- g ', el requinto guitarra se

afina B - e - una - d '- f  - b ', y el más pequeño es el guitarillo con cinco cuerdas afinadas un '- d '' - g '- c '' - e '' (el término Guitarro también se refiere a un instrumento pequeño, con cuatro o 12 cuerdas, interpretado por el rasgueo).Portugal tiene la guitarra normal, lo que se llama violão , el portugués guitarra es similar a la española Bandurria , y, a pesar de su nombre, no tiene el contorno de cintura de la guitarra, el portugués machete ( Cavaco , diminutivo cavaquinho ), tiene seis o más comúnmente, cuatro cuerdas, y el Rajao , que a veces tiene el cuerpo en forma de un pez, tiene cinco cuerdas ( fig.18 ).

El guitarillo también se conoce como el tiple (agudos), y en las Islas Canarias, donde el nombre haya sido transformadas para timple , tiene una espalda abovedada y, o bien cuatro o cinco cuerdas, los cuales pueden ajustarse a los intervalos superiores de la norma afinaciones afinación de guitarra, pero son más tradicional c '' - f '- un'- d '' y f '- c '' - e '- un '- d '', que se puede elevar un tono para un ajuste E. El nombre de tiple también se aplica a una pequeña bandurria en Cuba, que tiene cinco pares de cuerdas. Cuba también tiene las pequeñas guitarra tres , con tres pares de cuerdas metálicas. El término guitarrilla se encuentra en Bolivia, Guatemala y Perú. En los dos últimos denota un pequeño instrumento de cuatro cuerdas, que se utiliza para acompañar canciones y danzas. En Bolivia, donde es el único instrumento de cuerdas conocido del pueblo Chipaya del departamento de Oruro, tiene cinco órdenes dobles (afinación d '- un '- f '- c '- g ') y seis trastes, tiene un guitarra con cuerpo en forma de costillas, un frente plano y un poco curvadas hacia atrás. Guitarrillas se juegan en parejas para textless wayñus de cordero (canciones en alabanza de oveja) o tornadas del ganado (canciones para el ganado) en la k'illpa (branding animales ) festival. El chipaya de la aldea de Ayparavi tienen tres tamaños diferentes de guitarrilla : paj , Taipi y qolta , todos con cuerdas de tripa. Las dos más grandes están afinadas como el anterior, el más pequeño a. Cuarto más alto (ver Baumann B1981 y B1982)

La jarana (diminutivo jaranita ) es una pequeña guitarra mexicana utiliza en conjuntos instrumentales y para acompañar las danzas, es el equivalente del charango , que se encuentra ampliamente distribuida en América del Sur (noroeste de Argentina, Bolivia, Perú y Chile). El charango tiene cinco cuerdas sencillas por pares o cinco, en

sintonía g '( g ') - c '' ( c '') - e '' ( e ') - a '( a ') - e '' ( E '') ; el cuerpo se compone de una concha de armadillo que se ha secado en un molde para producir la forma de guitarra entallado. El nombre violão se ha mantenido en el Brasil para la guitarra clásica, la guitarra popular brasileña que se llama viola y tiene una variedad de afinaciones de acuerdo con el lugar y la función, la mayoría de ejemplos tienen cinco órdenes dobles (a veces cuatro o seis). En México, el término guitarra de golpese utiliza como una alternativa a la vihuela por una pequeña guitarra de cinco platos utilizados en los conjuntos folklóricos. El mexicano moderno guitarrón es una gran guitarra de seis cuerdas graves ( fig.19 ), sintonizado A '- D - G - c - e - un (19th century-versiones por lo general tenían cuatro o cinco cuerdas), mientras que el tipo chileno tiene hasta a 25 cuerdas dispuestas en los cursos. Puerto Rico también cuenta con un instrumento de cinco platos, con cuatro cursos de dobles y el quinto ya sea simple o doble. Se toca con un plectro. El equipo de Puerto Rico se conoce como el cuatro , un nombre más lógico identifica con la pequeña guitarra de cuatro cuerdas venezolano, la guitarra de cinco cuerdas se llama quinto en Venezuela. En las manos de un virtuoso, el venezolano Cuatro , a pesar de sus limitaciones aparentes, es capaz de texturas más complejas que las que se obliga a que en su entorno popular, y dos cuatros capacidad transcripciones de música de arte. Elmachete fue introducida por los navegantes portugueses a las islas de Hawai, donde se convirtieron en el ukelele con su reentrada tuning g '- c '- e '- a '(para las ilustraciones ver Ukulele ). También de origen portugués es el pequeño y estrecho kroncong de Java Occidental, que cuenta con cinco cuerdas. El Montese de Mindanao en las Filipinas tiene una guitarra de tres cuerdas llamado tiape . (Para una discusión del uso de la guitarra en Indonesia, ver Indonesia, § I, 3 (iv) .)

En las últimas décadas del siglo 20 el tremendo aumento de viajes internacionales desdibujado las distinciones tradicionales regionales entre los muchos centenares de diferentes instrumentos como la guitarra. Once-oscuros del Sur variantes americanas se encontraron en las esquinas de la calle en las ciudades europeas, mientras que los japoneses hechos a las guitarras clásicas podría encontrarse participando en la música de decisiones en remotos pueblos andinos.

(Iii) Africa.

En el siglo 20 la fábrica de fabricación occidental guitarra, acústica, luego eléctrica, saltó a la fama en todo el África subsahariana. Se asumió una posición central, no sólo en las culturas urbanas, sino también en algunas zonas rurales, donde varios modelos de fabricación casera fueron desarrollados localmente. Sustituyó a muchas de larga data instrumentos utilizados anteriormente para la música personal, como lamellophones y una variedad de instrumentos de cuerda, que absorben parte de sus técnicas de juego, los patrones melódicos y armónicos y conceptos musicales. Varios estilos distintivos e innovadores formas musicales fueron desarrollados por ahora legendarios compositores-intérpretes como 'Sam' Asare Kwame (Ghana), Ebenezer Calendario (Sierra Leona), Antoine Kolosoy Wendo, Mwenda Jean Bosco, Abelo Losta, Masengo Edouard (República Democrática del del Congo), Liceu Vieira Dias (Angola), Faustino Okello (Uganda) y Daniel Kachamba (Malawi).

A partir del siglo 19, los marineros de Portugal y otras naciones pueden tener guitarras jugado o instrumentos como la guitarra en los buques que hacían escala en los puertos africanos. No es de extrañar, por tanto, los primeros africanos a adoptar este instrumento eran hombres tripulación - Kru marineros procedentes de Liberia.Durante la segunda mitad del siglo 19 parece que han introducido la guitarra a los puertos a lo largo de la costa de Guinea, y al comienzo de la década de 1920 también en el puerto de Matadi, en la República Democrática del Congo (según el testimonio oral de Wendo ). Pero sólo con el

surgimiento de una industria gramófono a finales de 1920 y de las emisiones de radio de las capitales de África durante la década de 1930 y 40 hizo ganar popularidad música de guitarra. En un principio, la música local de la guitarra se impregnó con Europa, el Caribe, Norteamérica y estilos latinoamericanos. En la década de 1930 y los 40 años las principales fuentes de inspiración fueron calypso (a lo largo de la costa oeste), la música country Jimmie Rodgers y por otros (por ejemplo, en algunas partes de Kenia), y al estilo hawaiano música de la guitarra (en Zimbabwe y zonas vecinas), los cuales pronto fueron seguidos por Cuba formas orquestales y música de baile latinoamericano (África Central). Cada período de la imitación pronto dio paso a la reinterpretación creativa, dando lugar a la aparición de estilos de guitarra característicos de África sobre la base de conceptos musicales locales.

A partir de las discográficas finales de 1920 se dio cuenta de que el mercado potencial para esta nueva música: el legendario guitarrista de Ghana 'Sam' Kwame Asare grabado con su trío Kumasi en Londres en junio de 1928. Después de la Segunda Guerra II compañías discográficas dedicadas principalmente a la música de baile basada en la guitarra se formaron en Kinshasa, Brazzaville y ciudades de África Occidental, y las estaciones de radio de nueva creación difundir la música de guitarra a aldeas remotas. Uno de los musicólogos primero en registrar las nuevas tradiciones era Hugh Tracey, quien ha documentado muchos ejemplos del estilo de la guitarra Katanga de la década de 1950. En febrero de 1952 se descubrió Mwenda Jean Bosco (1930-1997) en las calles de Jadotville (Likasi) en lo que entonces era el Congo Belga, y lo lanzó en una carrera de tiempo completo. Composiciones atemporales Bosco, Masanga , Bombalaka etc estimulado David Rycroft (1958-61, 1962-5) para llevar a cabo el primer estudio académico de un estilo de guitarra africana.

La mayoría de las guitarras usadas en África durante la primera mitad del siglo 20 vinieron de Europa o África del Sur. Los instrumentos más populares, tales como los producidos por cálculos biliares de Johannesburgo, tuvo un diapasón estrecho, ya que los guitarristas africanos utilizó el pulgar para detener la cuerda más grave.Estilo dedos guitarristas de la época utilizaron un lápiz, un trozo de madera, o un clavo, etc, como tasto capo de elevar el nivel de afinación general para que coincida con la del cantante ( guitarra africana , B1995). Muchos diferentes afinaciones se utilizaron con frecuencia las cinco principales cadenas dieron una afinación estándar mientras que el sexto fue criado por un semitono a F . Las cuerdas sonaron casi exclusivamente por el pulgar y el dedo índice de la mano derecha. Técnicas especiales como el "pull-off" y el "hammer-on" se utilizaron en la mano izquierda (bajo, B1982, pp.23, 58, 115 y Guitarra africano , B1995). En jugando guitarra slide, llamado hauyani ('Hawaiian') en Zimbabwe, Zambia y Malawi, las cuerdas se ajusta a una tríada; Moya Aliya Malamusi juega en este estilo en la guitarra africana , B1995. Normalmente, una pequeña botella sirve como un control deslizante. Tanto en los dedos y púa estilo tocando los patrones melódicos que escuchan los oyentes son "patrones inherentes", sólo indirectamente relacionadas con las de los dedos, en la "IP [patrón inherente] efecto" una compleja sucesión de notas se divide por el oído en varias capas distintas ( ver África, § 3 (v) ).

La introducción de la guitarra eléctrica al comienzo de la década de 1960 generó una reestructuración de la guitarra en África. Una agrupación de plomo, el ritmo y la guitarra baja reemplazó a la guitarra solista, dividiendo el material entre ellos. Grupos congoleños, como Franco Luambo Makiadi y su Jazz OK, Tabu Ley Rochereau y su Orquesta African Fiesta, Verckys Kiamanguana y la Orchestre Veve, y Bokelo Jean y su sucesor Conga Orchestre, tomó la delantera en la música africana guitarra eléctrica basada en la 1960 y 70. En Nigeria, a raíz de la popularidad de Ghana Highlife música durante la década de 1950, lo que llevó a Yoruba y versiones Igbo, jujullegó a dominar la música urbana del

sur. En Zimbabwe, la guitarra basada en chimurenga música de Thomas Mapfumo y otros comenzaron a dominar la escena en la década de 1980. La música incorpora rasgos de la mbira dza vadzimu lamellophone, con sus patrones armónicos de 4 º y 5as. En Sudáfrica, el zulú estilos de guitarra solista fueron trasladados a la guitarra eléctrica. En 1995 las guitarras eléctricas se estaban utilizando en mbaqanga y Zulu maskandi música en solitario estaba experimentando un renacimiento tanto en guitarras acústicas y eléctricas (N. Davies, en Schmidt, B1994, véase también Sudáfrica, § III ).

Al final del siglo 20, en la era de sonido digital creado, la diferencia se había ampliado entre los músicos africanos pocos con acceso a equipos caros y los que no. Por la música acústica guitarra 1990, con la excepción de la Zulu maskandi y algunas formas jugados en caseros instrumentos, había desaparecido casi por completo en África. Sin embargo, las guitarras eléctricas son a menudo demasiado costoso para los músicos en zonas económicamente deprimidas. En África occidental, los sonidos "drum coincidentes 'y otros creados por un sintetizador había reemplazado a casi todos los instrumentos excepto la guitarra en estudios de grabación. En toda África, la música en vivo fue siendo sustituido en los lugares de entretenimiento de grabaciones en casetes pirateados a menudo transmitidas a través de los altavoces de gran alcance (Schmidt, B1994).

Guitarra

BIBLIOGRAFÍA

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