Indice

Introducción……………………………………………………………………………………2

Desarrollo……………………………………………………………………………………… 4

Conclusión……………………………………………………………………………………11

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Amistad Surrealista

Introducción

La amistad es una de las relaciones interpersonales más comunes que la mayoría de

las personas tiene en la vida. La amistad nace cuando dos personas tienen

inquietudes en común. Hay amistades que nacen en pocos segundos y otras que

tardan años en forjarse.

Es uno de los temas más analizados por los poetas, los sabios y los filósofos, cada

uno de ellos definieron la palabra “amistad” con simples oraciones que llevan todas a

una sola palabra: Amor. Es que la amistad, deriva de aquella palabra tan fuerte, solo

que la amistad conlleva diferentes temas. Los filósofos griegos la definían como una

virtud, un regalo de los dioses; por otro lado Aristóteles mencionaba tres tipos de

afecto: por poder, por placer, por interés y por el bien, solo la última, se delimitaba

como la verdadera.

Preocupación; interés por sus problemas, virtudes, bienestar y comunicación, son la

base para lograr aquel cariño mutuo entre dos personas. Cicerón cree que “solo en el

peligro se conoce al verdadero amigo”.

Las relaciones de amistad han sido profusamente narradas, tanto en el mundo de la

literatura como en del cine y la televisión, a grado tal que si bien un listado

verdaderamente completo sería imposible, es fácil identificarlas en casi cualquier obra.

“Si sientes que todo perdió su sentido, siempre habrá un ¨te quiero¨, siempre habrá un

amigo”; dijo Ralph Waldo Emerson (1809-1882), Poeta y pensador estadounidense.

Otra de las frases celebres relacionadas al tema es de Shakespeare “Los amigos que

tienes y cuya amistad ya has puesto a prueba / engánchalos a tu alma con ganchos de

acero”.

En los años 20 surge un nuevo movimiento, que nace en Francia a partir del

dadaísmo. Florecido como una rama literaria, presentado por André Breton. La primera

fecha histórica del movimiento es 1916, año en el que, el precursor, líder y gran

pensador del movimiento, descubre las teorías de Sigmund Freud y Alfred Jarry,

además de conocer a Jacques Vache y a Guillaume Apollinaire. Durante los siguientes

años se da un confuso encuentro con el dadaísmo, movimiento artístico precedido por

Tristan Tzara, en el cual se decantan las ideas de ambos movimientos. Estos, uno

inclinado hacia la destrucción nihilista (dadá) y el otro a la construcción romántica

(surrealismo) se sirvieron como catalizadores entre ellos durante su desarrollo.

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En 1924 Breton presenta su libro “Manifiesto surrealista”, en el cual el expresa sus

creencias sobre la nueva rama de la literatura, e incluye lo siguiente:

Indica muy mala fe discutirnos el derecho a emplear la palabra surrealismo, en el

sentido particular que nosotros le damos, ya que nadie puede dudar de que esta

palabra no tuvo fortuna, antes de que nosotros nos sirviéramos de ella. Voy a definirla

de una vez para siempre:

Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se

intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento

real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de

la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."

Filosofía: "El surrealismo se basa en la creencia de una realidad superior de ciertas

formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo, y en el libre ejercicio

del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos

psíquicos, y a sustituirlos por la resolución de los principales problemas de la vida.

Han hecho profesión de fe de Surrealismo Absoluto, los siguientes señores: Aragon,

Baron, Boiffard, Breton, Carrive, Crevel, Delteil, Desnos, Eluard, Gerard, Limbour,

Malkine, Morise, Naville, Noll, Peret, Picon, Soupault, Vitrac."

La pintura y la escultura nacen en consecuencia de la poesía surrealista, como un

manifiesto en las artes plásticas. André expone sus la psicología surrealista: el

inconsciente es la región del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino

que forma un todo con ella. El arte, en esa esfera, no es representación sino

comunicación vital directa del individuo con el todo. En otras palabras, tiende a

representar, abandonando toda preocupación estilística, la vida profunda del

subconsciente, la labor del instinto que se desarrolla fuera de los límites de la razón. El

arte surrealista es inmediato, irreflexivo y está despojado de toda referencia a lo real.

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así

como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage.

Tras conocer a Breton, varios artistas adoptaron el surrealismo y lo expresaron en

cuadros y diversas pinturas. Artistas tales como Masson, Dalí, Oscar Domínguez, Man

Ray, entre otros.

Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro.

Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y

fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es

predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de

signos y formas biomorfas.

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Por su parte Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según

Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo...»;

inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico.

El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en

distintas épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton

declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de «...surrealista dentro del

cubismo...». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en

que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio

máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta

monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry

Moore y en la poesía y el teatro con la de Fernando Arrabal.

El surrealismo es conocido como el movimiento de lo irracional y lo inconsciente en el

arte de las vanguardias. El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad y en el

pensamiento libre. Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede

dominar al subconsciente. Tomó del Dadaísmo, la importancia del azar y la rebeldía,

pero rechazó su carácter negativo y destructivo. Posteriormente buscó inspiración en

el inconsciente, la imaginación, el método de la escritura automática y el estudio de las

teorías del psicoanálisis de Freud.

Desarrollo

Man ray, Dalí, Picasso; fueron grandes artistas consagrados de 1930. Sin embargo

hubo una mujer que se caracterizó, a diferencia del resto, en utilizar el lienzo de una

manera distinta. En vez de pintar sobre él, lo utilizó para confeccionar piezas de

indumentaria que trasmitían en ellas, arte.

Si, Elsa Schiaparelli no era una simple modista, sus trabajos complejos, eran obras,

cada una de ellas contaba una historia diferente, y por eso se consagró, no solo como

la diseñadora de 1930, sino que también se ganó el papel de rival de Mademoiselle

Chanel, reconocida diseñadora desde 1920. Schiaparelli no solo vendía una

indumentaria diferente a la de Chanel, creaba fabulosas piezas de arte confeccionadas

en forma de sombreros, guantes, vestidos y faldas.

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Las décadas de los veinte y treinta del pasado siglo fueron tiempos tan fértiles como

convulsos en los campos de las ideas, el arte y el progreso industrial. Especialmente

en París, crisol de todas las vanguardias de la época, donde se dio el fenómeno más

revolucionario de la historia del arte contemporáneo: artistas plásticos, escritores,

filósofos, inventores, cineastas, mecenas y modistas solían trabajar juntos con

absoluta espontaneidad, en un continuo fluir de ideas y colaboraciones tan natural

entonces como natural es hoy la separación y el secreto entre las distintas disciplinas.

En aquella época, la moda era sólo alta costura, y estaba en manos casi

exclusivamente de mujeres.

Vionnet, Lanvin, Alix, Louise

Boulanger y las hermanas

Callot eran modistas notables y

célebres, y cada maison tenía

su clientela. El poder era de

ellas y de Coco Chanel, la reina

de todas, que introdujo en la

costura los conceptos de

juventud y racionalismo, y que

dijo proféticamente que "la

moda que no se hace para las

masas no es moda, pues muere al nacer"; a ella, que defendió siempre su trabajo

como un oficio y no como un arte, le seguimos debiendo las mujeres nuestra actual

silueta. De modo que, teniendo en París una Chanel que cambió la moda para

siempre, unos artistas cubistas que cambiaron radicalmente la expresión artística

contemporánea y unos arquitectos racionalistas que transformaron el espacio urbano y

el hábitat con un lema común -"menos es más"-, también tuvieron lugar movimientos

contrarios. El más sonado de todos fue el surrealismo, corriente que arrastró a Elsa

Schiaparelli hacia la cumbre de la alta costura de los años treinta y la convirtió en la

única rival seria de mademoiselle Chanel.

Elsa Schiaparelli nació el día 10 de septiembre de 1890 en Roma, Italia. Fue

reconocida como una de las diseñadoras de moda más importante de la década del

30. Se destacaba de chica, por ser una chica solitaria y rebelde, que se oponía a los

controles de sus padres. Muy joven, decidió a irse a vivir sola, ya que necesitaba vivir

su vida en libertad, característica que luego expreso en varios de sus diseños. Para

escaparse del matrimonio arreglado que la estaba obligando a ejercer su padre, Elsa

decidió escaparse a Londres en 1913. Luego de casarse con un Conde, en 1916,

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Foto de Schiaparelli tomada por Man Ray

deciden irse a vivir un tiempo a Estados Unidos. En 1920, luego de tener a su única

hija, se separa y comienza a trabajar en cualquier lugar que podía, para mantener a su

nueva familia.

En su viaje a Estados Unidos en 1916, tuvo la oportunidad de conocer a Gabrielle

Picabia, esposa del artista dadaísta Francis Picabia, su relación fue creciendo a lo

largo del tiempo, aquella relación, la ayudo en su futuro para inculcarse en el

surrealismo. En 1924 Elsa asistió a un desfile y, tras el pase fue sorprendida por Poiret

probándose un abrigo de terciopelo negro y forro de seda azul. "¿Por qué no se lo

compra?", preguntó el maestro. Ella le respondió que no podía permitírselo y, además,

que no tendría oportunidad de lucirlo. Poiret le dijo: "Una mujer como usted puede

llevar cualquier cosa en cualquier ocasión. Y deje de preocuparse por el dinero". Aquel

fue el primer regalo que el generoso Poiret le hizo. Schiaparelli pasaba su mayor parte

del tiempo escribiendo y esculpiendo, tambien creaba prendas para sus dos mejores

amigos, y fue allí cuando Poiret descubrió su potencial.

Era tanto una artista como una diseñadora, ella comando a los talentosos artistas

asociados con el movimiento surrealista. Sus diseños estaban basados en sueños,

conceptos provocativos, eventos contemporáneos, fantasías eróticas, momentos

tradicionales y su propio físico. Tenía un amplio repertorio para la hora de crear sus

diseños, textiles extravagantes, texturas pronunciadas, miles de estampas y colores,

diferentes tipos de cierres, botones y ornamentos, desde caprichosos hasta bizarros.

Todos aquellos detalles los usaba como medio creativo de expresión.

Después de varios años de vender diseños y

piezas de forma freelance, logró abrir un

pequeño atelier en 1927 en la calle I’Université

y capturo la atención del mundo Europeo y

Americano de la moda, con su primera

colección, constituida por sweaters, blusas,

faldas y vestidos de punto tricotado. Sus

diseños eran geometricos, pero en noviembre

de aquel año, introdujo el sweater blanco y

negro “trompe L’oeil, que contaba con el diseño

de un lazo en el cuello, aquel jersey fue el más

vendido en America. Vogue decide publicarlo

como una obra maestra, creativa y

técnicamente. De la noche a la mañana, Elsa

6Vestido langosta creado por la artista

se convirtió en “lo ultimo de París”. En 1928 el aumento de capital, le permite expandir

la producción. En 1929, Schiaparelli ya trabajaba con tejidos nobles, como la seda, el

lino, el algodón y se permitió fabricar sus propios estampados. Sus colecciones

empezaron a adquirir un aire de alta costura de lujo. Sus estampados empezaron a ser

codiciados por los grandes fabricantes de tejidos, que le proponían negocios

ambiciosos. Schiaparelli fue invitada a mostrar su reciente colección en Nueva York y

elige el deporte como tema: Atuendos de tenis, de golf, de piloto de avión, de esquí, de

natación, y nació el estilo Schaparelli.

Y también nacen, de su mano, los tejidos experimentales que sólo ella se atreve a

usar: seda y lanas recauchutadas, cuero barnizado, plástico, celofán y cremalleras

decorativas. Y la famosa falda-pantalón, la guinda para una sociedad que todavía no

entiende el aire masculino de la moderna vestimenta femenina y se escandaliza

cuando, las mujeres iban vestidas con dicha prenda.

En 1932, contaba con más de 400 empleados produciendo entre 7000 y 8000

atuendos por año. Y expandió su

local, agregándole a el también, su

estilo único e inconfundible. Cortinas

de charol, muebles negros, cuerdas

para colgar en ellas ropa multicolor y

los accesorios, cada vez más

presentes en sus colecciones.

A medida que iban transcurriendo

los años, su apego por el arte iba

aumentando, y ello se notaba en

cada uno de sus diseños, ya que

dejo de lado aquello que se vendía

de manera natural, para fusionar el

arte con la confección. Desde 1930

a 1940, realizan mutuas

colaboraciones entre ella y diversos

artistas surrealistas. Aquellos

artistas con los cuales ella solía

asistir a eventos, tomar el té, pasar tarde, comenzaron a asociarse para crear

verdaderas piezas de arte con textiles. Jean Cocteau, Salvador Dalí y Leonor Fini, se

asociaron con la diseñadora y de una forma alegre y divertida, se inspiraron de forma

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Elsa junto a su gran amigo Dalí

recíproca. Man Ray fue su mayor inspiración, se asociaron y por un largo tiempo

trabajaron tanto en sus diseños como en su fotografía. En 1933 diseñó su primer

vestido largo en crespón de China blanco combinado con una chaqueta de frac. Un

éxito clamoroso que fue copiado en todo el mundo. Sus manos transformaban las telas

sintéticas en objeto chic. A Elsa Schiaparelli se le deben el uso del rayón y su mezcla

con tejidos nobles, el primer tejido elástico de rayón y látex, la creación de terciopelos

transparentes e impermeables, y la utilización textil de láminas de celofán. En Europa

y Estados Unidos, su fama de inventora y creadora textil se agrandó a pasos

agigantados. En 1933 lanzó una colección hecha con rayón plisado y arrugado con

efecto corteza de árbol, algo que no volveió a verse hasta cincuenta años después, en

las colecciones de Issey Miyake, otro gran creador textil de los años ochenta.

En 1937 presenta los trajes de chaqueta surrealistas creados con Salvador Dalí y toda

una serie de sombreros-espectáculo: tricornios, boinas y el famoso sombrero-zapato.

Finalmente se materializa el sueño de Schiaparelli de casar la moda con el arte.

Pero para llegar a su plena consagración como modista-artista, Schiaparelli tiene que

vivir un verdadero frenesí mundano. En los años treinta, las noches de París son más

chic que elegantes. Ella acude a todas las fiestas e inventa trajes extremos para sí

misma: trampantojos, plumas de gallo, delantales de jardinero, bolsillos secretos para

petacas de licor… Se convierte en una creadora completa.

Aunque sólo Dalí declara abiertamente la influencia de Schiaparelli en los artistas

surrealistas, afirmando que la moda es una función simbólica de la vanguardia, su

papel como mujer surrealista es importante. Man Ray fotografía sus creaciones y

Tristan Tzara escribe sobre el gusto automático de sus sombreros. A la vez, los

artistas surrealistas trabajan para la alta costura, como ilustradores y fotógrafos o

como diseñadores. Louis Aragon vende a Schiaparelli, Patou y Chanel los collares que

fabrica su pareja, Elsa Triollet, y Alberto Giacometti crea broches de metal y botones

para su amiga Schiap. Ella se dedica a declinar el guante como objet trouvé, con

anillos, uñas lacadas y garras incrustadas, en beneficio de artistas y fotógrafos, y las

manos femeninas como hebillas, botones y cierres, o como ilustración hecha por Man

Ray para la antología poética Les mains lisses, de Paul Eluard. La surrealista Meret

Oppenheim desarrolla la célebre instalación Déjeuner en fourrure, una taza de té con

un plato forrados de piel de animal. E inspira a Schiaparelli varios usos rompedores de

la peletería, además de su famoso botín forrado con pelo largo de mono, inspiración

actualmente reconsiderada por Prada y visible en los escaparates de este próximo

otoño. Además del traje de sastre con bolsillos-cajones con tiradores brillantes, fruto

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de su estrecha colaboración con Dalí, Schiaparelli introduce la langosta que adorna la

cabeza de Gala Dalí como estampado para un vestido para la duquesa de Windsor. Y

presenta una colección, Le cirque, abundante en referentes dalinianos: lágrimas,

esqueletos y sombreros-tintero. Para el sombrero- zapato, Schiaparelli adopta en

doble sentido el método paranoico-crítico de Dalí: un zapato no es un zapato, sino un

sombrero.

Por la seguridad de sus negocios, durante la guerra mundial, Schiaparelli, al igual que

muchas casas, cerró su cada y dejó París en 1941, para volver a Estados Unidos,

precisamente, New York. Dejó el diseño a un lado para ofrecerse de voluntaria en las

actividades involucradas a la guerra, incluyendo servicio de enfermería. Después de

cuatro años vuelve a Paris para continuar su carrera.

Pero nuevos creadores aparecieron, Christian Dior y Balenciaga, eran las nuevas

casas del momento En plena huelga de sastras, cuando Dior y Balenciaga deben

cancelar sus desfiles, la astuta Schiap se las arregla para presentar la colección de

costura más barata de la historia, obteniendo una excelente publicidad y una portada

en el semanario

norteamericano Newsweek

titulada "Schiaparelli the

Shocker".

Sin embargo, a pesar de su

reputación como la mejor

cortadora de alta costura, su

tienda vendía sobre todo el

prêt-à-porter que dirigía un

joven Hubert de Givenchy,

contratado por ella y que se

marchó en 1952 para fundar

su propia maison. Ese año la

marca el comenzó de las

pérdidas financieras de Elsa

Schiaparelli, se vió obligada

a multiplicar sus licencias con los fabricantes de Estados Unidos. Ya no utilizaba su

original y pionero vocabulario para hablar de moda; ya no hablaba de super lujo y chic,

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Elsa Schiaparelli junto a una modelo en 1954

sino de confección de lujo. En realidad, Elsa Schiaparelli, como tantos otros creadores

de antes de la guerra, ha perdido el tren de la nueva modernidad, ahora en manos de

una generación de costureros que miraban al futuro con un espíritu más conservador y

realista. La belleza convulsa había muerto, ¡viva la belleza! La quiebra llegó a la casa

Schiaparelli, que cerró el 3 de diciembre de 1954. Y falleció a los ochenta y tres en

Tunicia, donde se construyó una casa pasó sus últimos días allí.

Ha tenido y hoy mantiene seguidores y admiradores que se inspiran en sus

creaciones. Algunos confesos, como Zandra Rhodes, Yves Saint Laurent, John

Galliano y Jean-Paul Gaultier. Otros, como Sybilla, Yamamoto, Versace, Valentino,

Miuccia Prada y, desde que hace alta costura, Giorgio Armani, la homenajean sutil,

pero constantemente. Entre sus clientas fieles y "maniquíes mundanas", como ella

llamaba a las celebridades a quien prestaba y regalaba sus vestidos más llamativos,

destacaron una serie de actrices de extraordinario carácter, como Arletty, Mae West,

María Casares, Zsa Zsa Gabor, Katharine Hepburn, Claudette Colbert, Lauren Bacall y

Marlene Dietrich. Esta técnica publicitaria, concentrada en lo que hoy llamamos vestir

la alfombra roja y que está rabiosamente vigente, también pertenece a las intuiciones

visionarias de la creadora.

“Elsa Schiaparelli, fuente de inspiración para muchos diseñadores por sus ideas

excepcionales y absolutamente creativas” Diego Della Valle, propietario de Tod´s y

persona que controla Schiaparelli, se ha referido así a la mítica creadora.

Por su parte, la modelo francesa Farida Khelfa, perfecta embajadora del estilo

Schiaparelli, también se ha pronunciado al respecto: “Ella fue la primera diseñadora

que mezcló moda, arte y Alta Costura, inspirando, hasta hoy, a muchísimos

diseñadores a lo largo de todos estos años".

Conclusión

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Schiaparelli logró traspasar las décadas, inspirar a artistas y diseñadores a lo largo de

los años, e imponer su propio estilo. Aquel estilo moda-arte, en el cual el surrealismo

se presentaba como aquel movimiento por el cual ella se sentía atraída. Con el paso

de los años, aquella joven diseñadora que había escapado de su casa para ser libre,

fue creciendo, al igual que sus diseños y su casa. Su estética cambió, para trasformar

prendas, en piezas de arte, cada una de ellas contaba una historia involucrada con un

sueño, un deseo del inconciente, su imaginación y su concepto de la vida. Su

indumentaria trascendió en el mundo y la llevo a los eventos más chic, en los cuales

ella se convertía en el centro de atención por sus extravagantes trajes. Fue allí, en

aquellas noches donde logró convertirse en la musa de los grandes artistas

Surrealistas y sus futuros amigos en 1930. Amigos que la ayudaron, la apoyaron y se

interesaron en cada uno de sus proyectos e imágenes que quería lograr. Aquella

amistad que planteaba Aristóteles, los sabios, filósofos y pensadores, miles de años

atrás vuelve a reaparecer en aquel grupo de amigos liderado por Schiaparelli en 1930,

y hoy se vuelve a repetir en el 2012, con la reapertura de la casa. Un grupo de amigos,

socios, se reúnen nuevamente para restaurar aquella casa liderada por una mujer,

fuerte; pero que contaba con el apoyo e interés de muchos pintores y fotógrafos, con

los que compartía un mismo interés, el arte surrealista.

Bibliografía

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