Introducción a la Síntesis deSonido y al Protocolo Midi

Autor

Prof. Matías Dulcich

MIDI 1 Introducción

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1. �����������

1.1. ����� �� ���La forma de hacer música ha cambiado

para siempre. Hoy en día, artistas pertenecientes a una gran variedad de estilos y tradiciones utilizan instrumentos MIDI como herramientas de composición, producción e interpretación. La calidad (e incluso la cantidad) de música generada alrededor del mundo ha crecido vertiginosamente gracias al fenómeno del MIDI; fenómeno que también ha revolucionado el modo en el que las personas trabajan sobre cada aspecto relacionado a la música y a la producción de sonido, abarcando tanto a estudios hogareños como a estudios de producciones multimillonarias.

MIDI aparece en juegos de computadoras y también es utilizado en la

producción de música y sonido para cine, TV y videos musicales. Los compositores utilizan MIDI para expandir su vocabulario musical y para acercarse a su música mucho más profundamente que a través del papel pentagramado. Los artistas multimedia utilizan MIDI para integrar los aspectos visuales y auditivos de sus realizaciones e instalaciones.

La aparición de la tecnología MIDI estuvo íntegramente impulsada por un instrumento musical relativamente nuevo: “El Sintetizador”. Es por este motivo que a lo largo de nuestro curso realizaremos

primero un estudio del funcionamiento interno del Sintetizador de Sonido para luego adentrarnos de lleno en el estudio de la tecnología MIDI. Repasemos ahora un poquito de historia

1.2. �������������������������Las décadas del 60’ y 70’ fueron

revolucionarias en lo que a música respecta. Parte de esta revolución se llevó a cabo gracias a la creación de instrumentos musicales nuevos. Además del creciente uso de la guitarra eléctrica y de los órganos y pianos eléctricos, una clase totalmente nueva de instrumento musical comenzaba a aparecer tanto en conciertos como en álbumes: el sintetizador electrónico.

Como se observa en la figura 1.1, estas

máquinas eran gigantescas y de aspecto extraño. El sonido que generaban era más extraño aún, y basaban su funcionamiento en circuitos electrónicos analógicos. Estos utilizaban voltajes eléctricos para crear y controlar el sonido. Al crecer el voltaje, el sonido se hacía más agudo y al disminuir el voltaje, el sonido se hacía más grave. A esta técnica se la denominó Voltaje de Control (CV). Varias compañías pequeñas comenza- ron a fabricar instrumentos basados en el concepto de voltaje de control. En los sinte- tizadores de la figura 1.1 se puede observar la presencia de pequeños cables eléctricos

Figura 1.1 Primeros sintetizadores electrónicos. Ambas imágenes corresponden a Moog’s Modulares

de mediados del 60’

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denominados Patch Chords que se utiliza- ban para transmitir voltaje de control a las diferentes partes del sintetizador, para poder así, darle forma y carácter al sonido generado.

Estos primeros sintetizadores podían emitir solo una nota a la vez (monofónicos). Para obtener más de una línea musical en simultáneo, tenías que comprar varios sintetizadores o debías grabar las diferentes partes en una cinta. Además eran difíciles de configurar, utilizar y mantener. Pero eso no importaba, ya que estas máquinas daban a los músicos de la época algo que no podían obtener de otra forma: sonidos nuevos y frescos.

Mientras a mediado de los 70’ bandas como ELP, Génesis y otras lograban enloquecer unos cuantos oídos utilizando sintetizadores monofónicos fabricados por Moog o ARP, la compañía Oberheim ya introducía el primer teclado sintetizador polifónico (capaz de producir varias notas en simultáneo) – (figura 1.2) A diferencia de sus predecesores difíciles de manejar, este era más simple, poseía un teclado incorporado, podía reproducir hasta 4 notas simultáneas (una mejora del 400%) y tenía un sencillo arreglo de perillas y potenció- metros que uno podía manipular para crear sonidos ricos y maravillosos de forma rápida. Además, este sintetizador era mucho más simple de transportar y fácil de programar.

Poco tiempo después, compañías como Yamaha, Moog, Roland, ARP y otras, introdujeron en el mercado nuevos modelos de sintetizadores polifónicos de buen sonido y más sencillos, aún, de utilizar. Por esos días, lo que pocos años antes era una máquina pesada, cara y difícil de manejar, comenzaba a transformarse en un instru- mento musical popular utilizado cada vez más por un grupo creciente de músicos diversos.

1.3. �� ������������������En la segunda mitad de la década del

70’, la incorporación de una memoria programable en el interior de los sintetiza- dores fue, quizás, el avance más importante que sucedió a la polifonía. ¿Por qué? Bueno, tengamos en cuenta que todos los sintetizadores polifónicos poseían un

pequeño computador interno, el cual estaba destinado a censar constantemente el estado del teclado, para verificar que teclas habían

sido presionadas y pasar esta información hacia los osciladores disponibles (que son los dispositivos encargados de generar el sonido correspondiente a cada nota). Sucede que este pequeño computador, en conjunto con una memoria programable, también podía ser útil para almacenar y recuperar (dentro de dicha memoria) los sonidos creados por el usuario. Esto sería como tomar una fotografía del estado de todas las perillas y botones del instrumento. Esto abría un mundo completamente nuevo para las interpretaciones en vivo. Veamos por qué:

Antes de la incorporación de la memoria programable, debido a la gran cantidad de tiempo que demandaba configurar un sintetizador para lograr un sonido determinado, los músicos debían utilizar un sintetizador diferente por cada

sonido a ejecutar a lo largo de un show. Horas y horas de preparación eran

Figura 1.2 Sintetizador polifónico de 4 voces Oberheim

OB-4

Figura 1.3 Keith Emerson de ELP configurando su pila de

sintetizadores antes de un show

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(a) Secuenciador Roland MC-4

Secuenciador Oberheim MSX

(b)

Figura 1.4 Primeros Secuenciadores

necesarias para configurar cada uno de los sintetizadores a utilizar. La llegada de la memoria programable permitió que con la simple acción de presionar un botón, un sintetizador pueda cambiar de sonido instantáneamente. De esta forma se hizo posible que, mediante la utilización de un único sintetizador, se puedan ejecutar diferentes sonidos a lo largo de todo un show o una sesión de grabación. En conclusión, la incorporación de memoria programable hizo que el sintetizador sea un instrumento mucho más práctico.

1.4. �� ������������������Hacia finales de los 70’, muchos

sintetizadores habían logrado forjar cierta personalidad única. Algunos poseían maravillosos sonidos de instrumentos de viento de metal. Otros eran más aptos para los sonidos de instrumentos de viento de madera, o para simular instrumentos de cuerdas, o campanas, o pianos, o efectos exóticos, etc. La próxima necesidad consistía en poder combinar lo mejor de cada instrumento dentro de un único sistema musical.

En el afán de lograr sonidos nuevos, algunos músicos ejecutantes de sintetizador adoptaron una técnica nueva que consistía en tocar una misma línea sobre dos teclados diferentes en forma simultánea, utilizando una mano sobre cada instrumento. Así, un tecladista podía utilizar lo mejor de cada instrumento: las cuerdas del sintetizador de cuerdas, los metales del sintetizador de metales, etc. Esta era una técnica algo complicada y, en el mejor de los casos, la polifonía quedaba limitada a la cantidad de dedos que hay en una mano.

En el año 1979 se llevó a cabo el próximo gran avance: algunos teclados nuevos comenzaron a estar equipados con un conector de interfaz de computadora en su parte posterior. Instrumentos pertene- cientes a compañías como Oberheim, Rhodes y Roland podían, por primera vez, conectarse con otros instrumentos de igual marca y modelo. Por ejemplo, un sintetiza-

dor OBX de Oberheim podía conectarse contra otro OBX. Al tocar una tecla en alguno de los dos teclados, ambos generarían el sonido correspondiente a su propia programación. Esto significó un avance fenomenal para los intérpretes del momento, ya que de esta forma, se podía apilar un sonido sobre otro (layering) sin la necesidad de tener que tocar sobre dos teclados a la vez. Sin embargo este avance no contempló el hecho de poder interconec- tar instrumentos diferentes de fabricantes diferentes, para que puedan funcionar en forma conjunta.

Mientras tanto, también a finales de los 70’, comenzaban a aparecer los primeros secuenciadores digitales. Estos eran dispositivos capaces de registrar una interpretación musical llevada a cabo sobre un instrumento electrónico, con el objeto de reproducir la misma a posteriori. Ejemplos de estos secuenciadores eran el Roland MC-4 Micro-Composer y el Oberheim DSX (figura 1.4).

El Roland MC-4 era un secuenciador primitivo de cuatro pistas que poseía ciertas salidas de voltaje de control para ser utilizado con los viejos sintetizadores analógicos, y también presentaba un conector digital especial único de Roland, para ser utilizado con algunos instrumentos

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nuevos de la misma marca. El secuenciador Oberheim DSX era bastante más sofisticado, aunque tenía la limitación de que solo podía ser utilizado con sintetizadores de la línea OBX de la misma marca.

El creciente uso de estos secuenciadores, sumado a la imposibilidad de que los mismos puedan ser utilizados con cualquier modelo y marca de sintetizador, daba lugar a que se intensificara aún más la necesidad de que haya compatibilidad entre dispositivos electrónicos de diferentes marcas. Esto haría posible que una persona pueda secuenciar y reproducir todas las partes de una canción sobre un grupo de sintetizadores.

1.5. ��� ��� ��� ��� ��� �� ��� �

��� ������� �� ��A comienzos de los 80’, los

sintetizadores ya habían dejado de ser una rareza tecnológica. Había más compañías involucradas en la fabricación de instrumentos electrónicos tanto en Japón, como en Europa y Estados Unidos. Las ventas de estos instrumentos comenzaban a crecer rápidamente. También crecía la diversidad de teclados, máquinas de ritmo, secuenciadores y otros dispositivos

musicales. Se hacía evidente que la industria del sintetizador debía dar un gran paso en lo que a compatibilidad de equipos respecta. Era necesaria la aparición de una interfase universal, a través de la cual todos los dispositivos (sin importar modelo ni marca) puedan ser interconectados dentro de una red de instrumentos musicales electrónicos.

David Smith y Chet Word, ambos pertenecientes a la empresa Sequencial Circuits, tomaron cartas en el asunto. En 1981 propusieron la adopción de un estándar universal para la transmisión y recepción de información musical entre instrumentos musicales electrónicos, sin importar marca ni modelo. La propuesta original fue denominada USI (Universal Synthesizer Interface). Esta propuesta fue aceptada por varias de las grandes compañías del momento. Así, en el año 1982, luego de varias reuniones y tratados entre los ingenieros de estas empresas, se le dio forma final al proyecto y su nombre pasó a ser MIDI (Musical Instrument Digital Interface), o Interfase Digital para Instrumentos Musicales, y se publicó un pequeño documento titulado The Complete SCI MIDI. Finalmente, en el año 1983, las empresas Sequential Circuits de Estados Unidos y Roland de Japón lanzaron los dos primeros sintetizadores equipados con MIDI. El Prophet 600 (Sequential Circuit) y el Júpiter 6 (Roland) – (figura 1.5). Estos fueron también los primeros sintetizadores que, siendo de compañias diferentes, fueron interconectados a través de sus interfases MIDI. Este hecho se llevo a cabo en el año 1983, ante una muchedumbre que miraba sorprendida, durante una muestra de la NAMM (Nacional Association of Music

merchandisers). La aceptación del MIDI fue total. Pocos

años después de su aparición, casi todos los instrumentos y dispositivos electrónicos fabricados alrededor del mundo salían al mercado provistos de interfase MIDI. Este se convirtió en un verdadero estándar universal. Al igual que las computadoras, MIDI es utilizado por millones de personas en ciento de aplicaciones musicales y no

(a) Prophet 600 de Sequential Circuits

(b) Júpiter 6 de Roland

Figura 1.5 Primeros sintetizadores provistos de interfase MIDI

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musicales también (iluminación, juegos de computadora, automatización en estudio, etc.)

Debido al rápido avance de la tecnología, los diseñadores del estándar MIDI dotaron al mismo de una gran flexibilidad para poder asimilar futuros crecimientos y expansiones. Desde sus comienzos hasta el presente, se le han agregado varias características y funcionalidades nuevas, mientras que otras han sido redefinidas de una forma mucho más clara., pero manteniendo siempre presente la principal característica: simplicidad y compatibilidad con todos los instrumentos MIDI existentes.

1.6. �������������El objetivo principal de este curso es

brindar los fundamentos necesarios para

comprender qué es MIDI, como trabaja y como trabajar con él. Además, conocer las herramientas que el mismo nos brinda para trabajar, tanto en la composición musical, como en la grabación y edición de audio. Al mismo tiempo, se tratarán algunos puntos relacionados con la interconexión y sincronización (a través de MIDI) del hardware utilizado dentro de un estudio de producciones musicales.

Al avanzar por los diferentes capítulos de este curso, es probable que te sorprendas de lo sencillo que es comprender y utilizar MIDI. Es más, a medida que tus conocimientos sobre MIDI se vayan incrementando, descubrirás que la tecnología musical contemporánea te espera repleta de posibilidades.