Las TrazantesGRAÁFICA

15 de junio – 15 de julio 2016

A R G E N T I N A - R a q u e l F o r n e rC O S T A R I C A - A l e s s a n d r a S e q u e i r a

C r i s t i n a G u t i e é r r e z - C r u z , L i B r i c e n o ,

P a t r i c i a R u c a v a d oG U A T E M A L A - M i l a g r o Q u i r o a ,

M a r c e l a V a l d e a v e l l a n oM E É X I C O - M a g g i e V a l e r o C u e v a s

N I C A R A G U A - L a u r a B a á e z d e L a c a y oP E R U Ú - I r e n e M i n e k o C h i - N a á L i v i a

1 1 C a l l e 3 - 3 6 Z o n a 1 0 G u a t e m a l a C . A .T e l s . 2 3 6 0 - 2 8 6 5 / 2 3 6 0 - 2 9 3 5 / 5 5 2 9 3 6 8 1

www.galeriadearterocioquiroa.com

mvaldeavellano@arteresponsable.com

No hace mucho tiempo, el dibujo se convirtió en la nueva pintura. Desde pequeñaescala e íntimo de tamaño, hasta cubriendo paredes, muy cuidadoso y trabajadoo decididamente de línea suelta y técnica mixta, sea cual sea su formato ytécnica, la re-aparición de este medio en el mercado, una vez burlados los prejuicios como el de “color, tamaño y lienzo hace a una obra más cara”, volvió a aparecer con fuerza.Pero ¿por qué el cambio? ¿Se dio porque hoy en día las tendencias en el arte son moda y precisamente porque se necesitaba una nueva tendencia, resurgió? ¿O fueron otros factores los que le dieron el espacio para renacer? De hecho, la re-emergencia del dibujo estaba lejos de ser impulsada por el mercado, y su resurgimiento como medio de valor, se debe a un proceso más lento que "las modas" de los centros hegemónicos del arte, o sea, “las pasarelas” de Basel y demás.Para entender su impacto actual, es necesario mirar hacia las décadas de los 80- 90 del siglo pasado, un momento en el que, a los ojos de muchos, la escena del arte parecía muy diferente.Es evidente que cualquier intento de definir rápidamente un momento en la historia del arte está condenado a un exceso de simplificación. Una amplia gama de artistas formaron la zona de contrapunto de cara a "los gabinetes quirúrgicamente acerados de Hirst o los pálidos espacios negativos de Whiteread", como les llama el artista y escritor Michael Brennan.En los centro hegemónicos del arte, que como en todas las áreas económicas, rigen el mercado, el trabajo de la sudafricana que se asentó en Holanda, Marlene Dumas y sus dibujos en "La imagen como carga" marcan el mundo del arte, hasta llevarla al MoMA y a la Tate en este siglo. Esa mujer y su fuerza gráfica, dedicada a retratos arquetipales, (entre otros artistas masculinos, como Immendorf, Richter o Bauer), ella, con un evidente gesto pictórico, abre el espacio para la gráfica.

Immendorf

Dumas

Richter

Bauer

Este resurgimiento es ahora tan evidente que suimportancia vuelve al seno de las galerías, a lapar del impulso que el mercado da a lashistorietas y comiquitas, que inundan losespacios de arte, hoy en día.

Y en Latinoamerica, entre muchos artistas deimportancia, como Fernando Valdiviezo enGuatemala o Uaira Uaua Jacanamijoy enColombia, las mujeres en la gráfica incidenfuertemente en la escena de las artes visuales,como la mayoría de Las Trazantes.

Valdiviezo

Uaira UauaJacanamijoy

Las Trazantes son proyectilesmodificados para aceptar unapequeña carga pirotécnica en su base.Esta se enciende al ser disparada,ardiendo intensamente y haciendo elproyectil visible, ardiendo como estasmujeres latinoamericanas que hacengráfica, proyectiles que dejan tras síuna estela con su marca indeleble yademás, ese rastro deja trazasinconfundibles, en la memoria de quienlas ve.

La Galería de Arte Rocío Quiroa decidió organizar esta muestra, encabezando

nada menos que con Raquel Forner, la famosísima artista argentina,nacida en 1902 y fallecida en 1988. El grabado de Forner, de 1974, que RocíoQuiroa presenta, es un testimonio de su extraordinario valor. Importantísimadibujante, galardonada, entre miles de reconocimientos, como la mejorexpresionista de Argentina, por la fundación Konex en 1982, es una trazantecuya huella sigue encendida y brillando más intensamente a través del tiempo.

Raquel Forner

De Costa Rica, una de las trazante es Alessandra Sequeira,ganadora recientemente del Art Dubai Exhibition Award, en TAG Gallery,Bruselas, Bélgica. Ella presenta los trazos que soñó y descubrió por la mañanaque eran sinapsis, que luego representó y transformó en interconexionescuánticas, a través de las que todos estamos conectados. Ubicándonos en latrama del Todo, Alessandra nos presenta una obra en la que el tiempo no existe,porque su propuesta dialoga en el presente.En su brillante curriculum podemos realzar los siguientes reconocimientos:Muestras por selección en Life Force Center, Chicago; Upstream Gallery NewYork, NorthernTrust y Espace Expression Gallery, con Latin American Art, Auction& Awards, Miami, donde ganó el premio por Costa Rica; en la 5ª Trienal de Riga,su pieza fue seleccionada para formar parte de la colección del Museo; yexpone también en Galerija Arka en Vilna, Lituania.Exposiciones individuales en Colorida Art Gallery, Lisboa, Portugal y otra en elMuseo Calderón Guardia, en San José, Costa Rica. Forma parte del grupo deartistas Top 7 de Galería ArtFlow. Expone y ofrece una experiencia relacional enla Escuela Nacional de Arte Plásticas de Guatemala en su 94 aniversario y esrepresentada en Lisboa, Portugal por Colorida Art Gallery y por TAG en Bruselas.

Alessandra Sequeira, Sinapsis, tintas sobre papel, 22.9 x 30.5 cm. 2013.

En 2014 forma parte de la iniciativa Proyectos Descoloniales en el Arte, en el Instituto Nicaragüense de Cultura Hispánicahttps://www.academia.edu/9509818/Proyectos_Descoloniales_en_el_Artey forma parte del libro 1800, http://www.yumpu.com/document/view/53342320/libro10800-final-v2pdf y de la edición de Studio Visit Magazine 2016, de Open Studios Press, Boston: https://issuu.com/arteresponsable/docs/sv32

Alessandra Sequeira, SINAPSIS, 22.9 x 30.5

cm. 2013.

Representa a Costa Rica como seleccionada en la Bienal CONTEXTILE 2014, en Guimarães, Portugal y la representa Colorida Art Gallery en Lisboa:http://www.colorida.biz/AlessandraSequeira/

Alessandra Sequeira Sinapsis, 22.9 x 30.5 cm. 2013.

En sus propias palabras, ella define así su trabajo:

“El dibujo es el andamiaje no sólo de la imagen, sino también dela consciencia. La línea conecta, traza rutas, vías de encuentro ode fuga. Los trazos en cada tinta de esta serie, fueron primeroesbozados en sueños. Luego en la vigilia, tradujeron su sentido deinterconexiones, que mediante la pareidolia pueden serinterpretados como neuronas o como las super cuerdas de lafísica cuántica, pero ante todo, son una mirada a un mundoimaginal en el que todo sucede en imágenes que conectan sintiempo ni espacio.

Representa a Costa Rica como seleccionada en la Bienal CONTEXTILE 2014, en Guimarães, Portugal y la representa Colorida Art Gallery en Lisboa:http://www.colorida.biz/AlessandraSequeira/

Elijo los vínculos para viviry para dibujar, formandoparte de un Todo, sinjuicios ni prejuicios. Afirmocon la línea la unidadsobre la singularidad denuestro Ego.Mis dibujos son unameditación activa,compartida.”Alessandra Sequeira

Cristina Gutiérrez-Cruz, artista costarricense que presenta en LasTrazantes su serie de tintas, Fuerzas Roja. Cristina ha trabajado el tema de la rosadesde sus inicios. Es pintora y dibujante paralelamente.Ella busca la esencia de seres vivos como la rosa y la ballena con el fin decomprender la esencia del Todo, ¿qué es lo que hace que un ser o un objeto sea loque es? Su visión es metafísica, ella representa la esencia de una la realidadpersistente en un ser más allá de los cambios como la vida o la muerte, su esencia,aquellos los rasgos que le confieren unicidad y mantienen el concepto del serintacto.En su curriculum artístico, podemos realtar su Mención Honorífica de la Bienal dePintura, en la Galería Nacional Museo de los Niños, “El Artista a través de losobjetos”, en 1999. En 2007 - gana la Mención Honorífica con su obra Destellos, en laprimera Bienal de Pintura Jorge Manuel Dengo, Concurso abierto del InstitutoCostarricense de Electricidad, ICE, en Costa Rica.

Cristina Gutiérrez, “Fuerza Roja 1”, 42 x 32 cm. tinta sobre papel, 2016.

Cristina Gutiérrez, “Fuerza Roja 2”, tinta sobre papel, 42 x 32 cm. 2016.

Recientemente, es seleccionada para el libro “The Besto of 2016” de International Emerging Artists Award de Art Dubai y por Artavita para participar en Spectrum Red Dot, Miami.

Cristina Gutiérrez, “Fuerza Roja 3”, tinta sobre papel, 42 x 32 cm. 2016.

En sus propias palabras, así habla ella de la esencia de la rosa:

“Una vez se descubre cómo incorporar la esencia de la rosa enla propia vida, la exploración se convierte en un viaje fascinante.Como un símbolo antiguo, el centro de la flor representa laesencia de un manantial de amor, siendo el valor que unifica losdemás factores en todos los aspectos de nuestras vidas. Cadapétalo de los seis pétalos de la rosa corresponde a la Fe;Rendición; Servicio; abundancia; perdón y conquista deobstáculos. La rosa cuenta no sólo con el paradigma de ser lamás bella flor sino que también es el símbolo de sentimientosprofundamente espirituales para todas las culturas donde secultiva. Por eso, desde el principio de la historia hasta la fecha,sigo pintándola, en la búsqueda de su esencia.”

Cristina Gutiérrez-Cruz

Cristina Gutiérrez, “Fuerza Roja 4”, tinta sobre papel, 2016.

La joven artista peruano –japonesa,Irene Mineko Chi-Ná, (実音子 知名) a pesar de su corta edad,ha sido galardonada en su Perú natal con la Medalla de Oro de la EscuelaNacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, la más prestigiosa de ese paísy anteriormente, se hizo acreedora a la Primera Mención de Honor del ConcursoConmemorativo del Sesquicentenario de la Unificación Italiana, en 2012,organizado por la Embajada de Italia en Perú, y ya tiene en su haber variasexposiciones relevantes.

Irene Mineko Chi-Ná, Eva Mitocondrial / Mama Ocllo, tinta china sobre papel, 60 x 63 cm. 2016.

En “Las Trazantes” presenta "Eva Mitocondrial o Mama Ocllo", haciendo unparalelismo entre la "primera mujer" en la cultura Inka y la "Eva Mitocondrial" quevivió hace 200,000 años en África. Podemos rastrearla de hija a madre y se puedeestablecer un tiempo para cada mutación encontrada. De ahí su nombre. Unprincipio que se repite en todas las dimensiones naturales y "Mama Ocllo", mujer deManco Capac y fundadora de la civilización andina. Sus piezas son tintas sobrepapel.

Irene Mineko Chi-Ná, Eva Mitocondrial / Mama Ocllo 2, tinta china sobre papel, 60 x 63 cm. 2016.

En sus propias palabras, ella lo dice así:

“Hoy se conoce que en algún momento de la evolución denuestra especie, una hembra –a la cual se le ha dado el nombresimbólico de Eva- desarrolló una secuencia de ADN al que sedenomina ADN mitocondrial, ya que se trata de un genomacontenido en las mitocondrias (orgánulo presente en todas lascélulas). Como el genoma mitocondrial sólo se puede obtener dela madre, dichos estudios revelan que todos los seres humanostenemos un ascendente femenino, uno solo y común a todos porvía materna.Esto quiere decir que todos los mitos arcaicos que se refieren alorigen del hombre y a las deidades femeninas, deberían sertomados más en serio. Las antiguas civilizaciones tuvieron lasabiduría de ubicar a las figuras femeninas en un sitial deimportancia, por tratarse de las generadoras de vida. Misimágenes nos remontan a esta época primordial, con una Evaarcaica y primigenia a quien la ciencia ha llamado EvaMitocondrial, es Mama Ocllo, o cualquier otra primera mujer delas diferentes culturas que pueblan el planeta. Es por ello que lahe representado una y múltiple, integrada a una naturaleza queaparece frente a ella y a una multiplicidad de hojas naturalesque representan a la Naturaleza.”

Irene Mineko Chi-Ná (実音子 知名)

Irene Mineko Chi-Ná, Eva Mitocondrial / Mama Ocllo, 3 y 4tinta china sobre papel, 60 x 63 cm. 2016.

Laura Báez de Lacayo, artista nicaragüense que trasciende fronteras,presenta en “Las Trazantes” sus proyectos en papel para su serie OCEÁ-NICA, engran formato. Trabajando en lápices de color, nos regala con el movimiento de losmares y el reflejo de su luz, pero no como un paisaje, sino como un reflejo de lamente y el alma. Cruzar el océano es siempre el reto del descubrimiento. En elocéano convergen todos los mares, ríos y la lluvia, sin jamás saturarlo y toda el aguase evapora del océano sin que se vacíe. El mar simboliza el espíritu universal, que seentrelaza con el alma individual. Cuando el océano tiene su superficie tranquila,que simboliza el vacío y la iluminación, el corazón del conocimiento, que es laciencia y el significado secreto de la lengua del espíritu. Cuando se agita elocéano, es la extensión de agua, cuyo cruce es peligroso y arriesgado,condicionado a la llegada a la costa, a la seguridad.

Laura Báez de Lacayo, Levantamiento Marítimo,

Prismacolorsobre papel Bristol,

22.9 cm. x 30.5 cm. 2016

Laura Báez de Lacayo, Guacalito, Prismacolorsobre papel Bristol, 22.9 x 30.5 cm. 2016

Y el mar como la mente, “es una perturbación de la consciencia”, decía Osho. YLaura Báez de Lacayo fue seleccionada para el libro “The Best of 2016” de ArtDubai, precisamente por su metáfora del mar y la mente. Laura ha ganado variosreconocimientos, entre los que podemos contar ser seleccionada por ARTAVITApara participar en noviembre de este año en Spectrum Red Dot en Miami yaparece en el libro ENTRE SIGLOS de arte contemporáneo Centroamericano, asícomo en ICA, International Contemporary Art, editores de artistas seleccionados enun libro anual 2016 en New York, USA. Y entre otros, en su país ganó en 2004 el TercerPremio del Certamen Nacional de Pintura “Antonio Sarria”, del Banco Central deNicaragua y en 2002 finalista del Premio Nacional de Pintura “Toribio Jerez” BancoCentral de Nicaragua y actualmente, fue seleccionada por el Ministerio de culturade su país, para exhibir en São Paulo, Brasil.

Laura Báez de Lacayo, Marea Alta, Prismacolor sobre papel Bristol, 22.9 cm. x 30.5 cm. 2016

En sus propias palabras, ella dice de sus proyectos en lápices de colores sobre elpapel:

“Dibujar con lápices de colores me devuelve a la infancia, y esuna experiencia muy valiosa para concebir mis mares en técnicamixta en gran formato. Para adentrarme en los océanos, estaforma de proyectar mis piezas, me permite acercarme a laintuición de mis primero años y acercarme a los mares deNicaragua y al poder de sus lagos, que son la metáfora perfectapara el acontecer nacional, porque el agua cambia según lahora, el viento y las mareas. Dibujo con el cuidado de una niña,que la mano no manche el papel, no debo borrar, me enfoco enel concepto y cuando uso el tajador para afilar la punta de uncrayón, siento las posibilidades de los demás colores en fila en sucaja. Estos proyectos que hoy exhibo aquí, no han sido realizadosen gran formato y tampoco lo serán, yo quise dejarlos comopiezas únicas, para “Las Trazantes”.

Laura Báez de Lacayo

Laura Báez de Lacayo, Marea Alta, Prismacolor sobre papel Bristol, 22.9 cm. x 30.5 cm. 2016

Li Briceño cohesiona en sí la fuerza del textil originario que representa los nexos de la mujer andina con el mundo y su línea orgánica. La abstracción y la figuración en tándem, trazadas en los mundos interiores, desembocan es estas formas ingrávidas y espaciales que nos permiten viajar a lugares intrínsecos que mediante sus intaglios y sus hilvanes casi invisibles pero perceptibles, nos facilita el reconocimiento de tantas realidades paralelas.

Li Briceño, Sintaxis XV, 51 x 44 cm. Grabado intervenido, 2016.

En sus propias palabras, esto dice ella de su trabajo:

“Conectar, ordenar, construir, desarmar para engendrar de losimple a lo complejo, en un rescate de la tradición oral y manualcolectiva a la memoria que nos habita. Memoria que hila lahistoria del retazo textil y del grabado, en formas libres que danpaso a la gestación de nuevas formas y códigos sutiles e íntimos.”

Li Briceño.

Li Briceño, Sintaxis XIV, 51 x 44 cm. Grabado intervenido, 2016.

Li Briceño, Sintaxis XII, 51 x 44 cm. Grabado intervenido, 2016.

Li Briceño, Sintaxis XI, 51 x 44 cm. Grabado intervenido, 2016.

Li Briceño, Sintaxis XIII, 51 x 44 cm. Grabado intervenido,

2016.

Margarita Lucía Valero Cuevas, mejor conocida como

“Maggie Valero”, es una artista e historiadora del arte mexicana, cuyosesgo de consciencia esotérica, está presente en toda su obra. El esoterismocomo vía, según Frithjof Schuon, “es ante todo una manera de ver o de conocer,pues "la prerrogativa del estado humano, es la objetividad, cuyo contenidoesencial es el Absoluto. No hay conocimiento sin objetividad de la inteligencia; nohay libertad sin objetividad de la voluntad; y no hay nobleza de carácter sinobjetividad del alma... Pues bien, el esoterismo, por sus interpretaciones, susrevelaciones y sus operaciones interiorizantes, tiende a realizar la integración puray directa; esa es su razón de ser"

Maggie Valero, Mi cuerpo, mi integridad 1 , 35.5 x 25 cm. Monotipia, 2016.

Maggie Valero, Mi cuerpo, mi integridad 2 , 35.5 x 25 cm. Monotipia, 2016.

En esta muestra ella presenta cuatro monotipias en las que crea concienciacorporal para identificar, desbloquear, liberar e integrar los tres cuerpos con los quea diario enfrentamos la vida (cuerpo instintivo, cuerpo emocional y cuerpomental), aceptando e integrando las emociones y así generar estrategias deautorregulación.Maggie es una especialista en Frida Kalho y consecuentemente, la representacióndel cuerpo como su marca en el mundo, es un tema que le mueve interiormente.Su biografía está trazada con mayúsculas. Es demasiado dilatada para ponerlaacá, pero podemos extraer de ella algunos datos, como su amplia formación yexperiencia como Museógrafa y en 2015-2016, ha sido la Museógrafa enexposiciones de arte, entre las que destaca Carlos Vivar, Cíhuatl, Instituto deMéxico en Costa Rica, San José.Su conferencia “Échale un ojo a Frida”, es un conversatorio visual en torno a lavida y obra de Frida Kahlo, ofrecido en varios sitios y en Costa Rica en el Instituto deMéxico en Costa Rica, Museo de Arte Costarricense y Galería Nacional. San José,Costa Rica.De 2003 a 2014, fue Profesora de artes visuales y creatividad, modelo constructivistahumanista, Yeshivá Kéter Torá, México, D.F.Y de 2008-2014, Maestra de arte infantil, metodología High Scope y Reggio Emilia,Jardín de Niños Picolo, México, D.F.D.F.

Profesora en el Diplomado detitulación “Los museos, amor,pasión y profesionalización”, en losmódulos de voluntariado y amigosde museos, educación en elmuseo y procuración de fondospara proyectos culturales,Academia de San Carlos – UNAM,México, D.F., del año 2008 al 2014.De 2007 a 2009, fue profesora entalleres virtuales para el ILAMInstituto Latinoamericano deMuseos, San José, Costa Rica.Y en 2001-2003, Investigadoracuratorial para el Museo delPalacio de Bellas Artes;Facilitadora del Seminario deCapacitación a PromotoresCulturales del Consejo Nacionalpara la Cultura y las Artes;Coordinadora de museografíapara la exposición Juan Rulfo en elMuseo del Palacio de Bellas Artes,México,

Maggie Valero, Mi cuerpo, mi integridad3, 35.5 x 25 cm. Monotipia, 2016.

De 1997 a 2003 fue Miembro fundador del Comité de Relaciones Públicas yMercadotecnia del ICOM, MéxicoEn 1999 estuvo a cargo de la Proyección museográfica de la exposición “Gráfica deTamayo” para el palacio municipal de Xicotepec de Juárez, Puebla, encoordinación con el Museo Tamayo de la Cd. De MéxicoEn 1998 fue Curadora representante de México para la exposición OPEN, Venecia,

ItaliaDe 1989 a 1998 Museógrafa en diversas exposiciones para la Unidad de PromociónCultural de la Secretaria de Hacienda y Crédito Público, el Instituto Anglo Mexicanode Cultura, la Galería Siglo XXI del Centro Médico Nacional del IMSS, la UniversidadAutónoma metropolitana, Universidad Autónoma de Chapingo, Casa de CulturaJuan Rulfo, Sistema de Transporte Colectivo MetroDe 1990 a 1991, fue Coordinadora de las Galería del Conjunto Cultural Ollin Yoliztli,México, D.F.Y de 1986 a 1987, Gerente y diseñadora gráfica de la Compañía Mr. T Inc.,Jerusalén, Israel.

Ella habla así, de su trabajo:

“El trabajo gráfico que realizo para esta muestra es monotipia, donde los prejuicios estéticos o técnicos no operan en la creación, sino el trazo espontáneo y gozoso del momento efímero. Rescatando el valor del autoconocimiento, representa el aspecto femenino de su corporeidad tras la maternidad, re-conociendo su propia y única silueta sin alteraciones, vinculándola con el simbolismo tradicional y universal del cuerpo femenino.”

Maggie ValeroMaggie Valero, Mi cuerpo, mi integridad4 , 35.5 x 25 cm. Monotipia, 2016.

Milagro Quiroa Fernández, es una artista guatemalteca que brillacon luz propia, aunque de “casta le venga al galgo”, ya que es hija del gran artistaplástico y escritor Marco Augusto Quiroa. Milagro ha sido objeto de múltiplesreconocimientos, entre los que se encuentra haber sido postulada al premioVelázquez de las Artes Plásticas en Madrid (2006); medalla al artista del año enartes plásticas (2007), por la organización Premio al Artista de Año; Medalla departicipación en Más Arte Primer Corredor Cultural, Guatemala – El Salvador.Cuenta en su haber más de 40 exposiciones colectivas y 35 individuales, locales einternacionales y ha publicado un libro, intitulado “Las Hijas de los Nawales” en2008, con textos de su hermana Anaité.

Milagro Quiroa Fernández, Gala, 27 x 20 cm. Tinta sobre papel, 2016.

En su espléndida línea, el art decco, el rococó y el barroco, a la par del dibujocontemporáneo se dan la mano en su propuesta eminentemente femenina y devuelta a los valores originarios.El excelente trazado de líneas que limitan sus formas y contornos, deja entrever unlirismo y un sentido del humor característico. Se trata de la abstracción de suespíritu que permite fijar la apariencia de la idea en dos dimensiones.

Milagro Quiroa Fernández, Alas Silenciosas,27 x 20 cm. Tinta sobre papel, 2016.

Milagro Quiroa Fernández, El Emperador,

27 x 20 cm. Tinta sobre papel, 2016.

"Mi padre siempre acompañó sus relatos con alguna de suspinturas y su plástica con alguna descripción poética", comentaMilagro Quiroa, y parece que hablara de sí misma, puesto que sutrabajo mantiene una narrativa y una lírica evidente, ya sea en lagráfica, en el arte objeto o la pintura. Cada personaje rezumahumor, candor y lirismo.

Milagro Quiroa Fernández, El círculo mágico, 27 x 20 cm. Tinta sobre papel, 2016.

Patricia Rucavado es una escultora identificada con la esencia de lasaves. Como no se puede esculpir si ser buen dibujante, -al menos en las técnicasancestrales, porque hoy en día cualquiera moldea cosas con resina y ya,- cuentacon una gran fortaleza en su trabajo gráfico, dibujo y grabado. En Las Trazantes,presenta sus xilografías, en las que los árboles en los que se posan las aves, lasllanuras o los animales a cuyo alrededor aletean, están siempre presentes.

Patricia Rucavado, Arando, poesia em papel, 38.4x49.cm. xilografía, 2016.

Para ella, las aves son mensajeras simbólicas entre el Cielo y la Tierra. Tambiénrepresentan a las almas, pues el vuelo implica la liberación de las restricciones físicasdel mundo. La tradición las ha vinculado con la sabiduría, la inteligencia y la rapidezde pensamiento. Por ejemplo, la expresión <<me lo dijo un pajarito>> procede de lacreencia de que las aves comunican secretos.Patricia ha expuesto en su natal Costa Rica, Guatemala, Argentina, RepúblicaDominicana, Lituania, Finlandia, Letonia, Nicaragua y Francia. Entre sus datosrelevantes encontramos que en 2014 se hizo acreedora al Segundo Premio enEscultura “Rafa Fernández” en el Salón Anual ACAV. En 2014 ganó el tercer lugaren escultura en el Salón Anual “Dinorah Carballo” de ACAV. En 2003 gana laMención de Honor Certamen Paisaje Universitario, Pintura Universidad de CostaRica. Y es Miembro activo de la Asociación costarricense de artistas visuales ( ACAV); Miembro de la directiva de ACAV (2014-2012-2011-2010); Miembro de laAsociación Internacional de Artistas Plásticos (AIAP), afiliado a la UNESCO, con sedeen París.

Patricia Rucavado, Casa Amarilla, poesía enpapel, 43 cms x 59.5 cm. xilografía, 2016.

Patricia Rucavado, Verano, poesía en papel,

43 cms x 59.5 cm. xilografía, 2016.

Ella se refiere así, de su trabajo:

“El árbol posee un simbolismo ancestral, ícono universal utilizadoen todas las espiritualidades humanas, sus raíces lo conectancon la Tierra y sus ramas buscan los cielos, fluyen en el aire,producen flores y frutos, alimentan y dan cobijo. El aveacompaña al árbol, que igualmente tiene un simbolismo muyfuerte con poderes de unir cielo y tierra por su capacidad devuelo y que entre muchas de sus cualidades representan lafamilia, la disciplina y la libertad.”

Patricia Rucavado

Patricia Rucavado, Sereno, poesía en papel,

43 cms x 59.5 cm. xilografía, 2016.

Patricia Rucavado, Llanura, poesía en papel, 43 cms x 59.5 cm. xilografía, 2016.

Marcela Valdeavellano, invitada por Rocío Quiroa, soy la curadora,y la autora de este catálogo. Yo dejé los pinceles, lápices y canuteros hace años,sin embargo, Rocío Quiroa me ha emplazado a exhibir en “Las Trazantes”, lo queharé con cuatro tintas sobre papel, dos de mis gatos y dos sobre la corrupción enGuatemala, que aunque viva lejos, me duele y me indigna tanto, esté donde esté.

El primer proyecto es de varios dibujos en los que el escudo se transforma endiferentes temas que aquejan nuestra situación nacional, del que exhibo aquí uno.Y el siguiente, son las moscas sobre la bandera, parafraseando a Samaniego:

“A un panal de rica mieldos mil moscas acudieron,que por golosas murieronpresas de patas en él....”Dedicado al Partido Patriota “et al.”

Marcela Valdeavellano, Cooptación, tinta sobre papel, 21.6 x 27.9 cm. 2016.

Nuestra incapacidad lineal de entender los problemas del país, se centra en buscarculpables, que por supuesto los hay, pero el problema es sistémico, Cuandoentendamos que nuestras propias decisiones nos han conducido al lugar en el queestamos; que los condicionamientos coloniales mantienen al país preso deencomenderos (cucarachas) que hasta la fecha dirigen el país, con sus marionetas,como “mano dura”, por quien votaron tantos creyendo que esa elección nosllevaría a controlar la violencia… incapaces de comprender que esta es elproducto precisamente de un sistema en el que los que mandan no están sentadosen el gobierno, sino que son los que manejan el sistema productivo del país,cuidados y apoyados por sus policías – el mismo ejército- que gana sus propinaspor esto y cubiertos por el teatro de títeres que montan para cada elección, queles garantiza mantener el país en el racismo, clasismo e irrespeto por las grandesmayorías, lo que les permite mantenerse en control y hace posible que la violenciajamás termine, lo que les conviene, porque con miedo, nadie piensa.

Marcela Valdeavellano, Cooptación 2, tinta sobre papel, 21.6 x 27.9 cm. 2016.

Y mis gatos, “Ensimismadas”, son cuatro de mis 8 gatas y “Los gordos” son Zen y laMishita, dibujos de 2015. La esencia del gato, se multiplica en cada felino querecogemos de la calle en Costa Rica. Esa labor de proteger mininosabandonados, comenzó en Guatemala, cuando dejé de reproducir a missiameses, hijos de mi gata mexicana “Remedios la Bella”, hija de los campeonesde ese país en 1981.Entendí que continuar el racismo aún con los felinos, era una estupidez. La mismaRemedios me lo enseñó, ya que prefería mil veces al gato de la tortillera, consarna, que a los siameses que yo le llevaba para cruzarse.La primera gatita recogida en Vista Hermosa con sus seis vástagos, fue laMenganita, que nos dio a Sutanita y a Perensejo. Ellos y otros más, viajaron a CostaRica, vivieron allá muchos años y descansan en mi jardín. Ahora, los diez queviven conmigo, son recogidos en Escazú y Pavas en situaciones críticas,macheteados, abandonados en el río frente al que vivo y cosas peores, peroahora viven felices y queridos en casa, haciéndonos felices a nosotros también.

Marcela Valdeavellano, Los gordos, tinta sobre papel, 21.6 x 27.9 cm.2016.

Marcela Valdeavellano, Ensimismadas, tinta sobre papel,

21.6 x 27.9 cm. 2016.

mvaldeavellano@arteresponsable.com