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Dossier de la colección de arte tecnológico.
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1 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
COLECCIÓN DE
ARTE
TECNOLÓGICO Light and Colour
Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte.
Arte y Tecnología I.
Grupo formado por: Talía Colodrón, Lara Abariturioz, Nuria Roca,
Elisa San Ceferino y Raquel García.
2 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
Definiciones:
Sistema del arte:
Está compuesto por un conjunto de elementos que se denominan arte: la cultura, las
pinturas, o formas de expresión realizadas por el hombre. Este sistema se puede
considerar un sistema abierto por que recibe influencia y a su vez influye en otros,
puesto que es un sistema dentro de otro más grande. Recibe influencia del mundo
científico, sistemas económicos, religiones, etc.
Colección de arte
Es un término que procede del vocablo latino "collectío" y que hace mención al
conjunto de cosas de una misma clase, que se reúnen por su valor o por el interés que
despiertan. La persona que desarrolla u organiza una colección se conoce como
coleccionista. Es un término muy empleado en el arte, y se usa para referirse al
conjunto de obras que tiene un museo o centro expositivo y que poseen algún nexo en
común.
Relación entre ambas
Al formar una colección de arte te basas en un autor, cultura temática, técnica,
formato, etc. Y todo esto forma parte del sistema del arte.
Arte tecnológico
El arte y tecnología, en cada época, han mantenido relaciones desiguales aunque
siempre ha sido inevitable un mayor o menos grado de contacto entre ellos. En la
actualidad dicha relación se nos presenta de modo palpable y en una gran diversidad
de manifestaciones. Debe fomentarse la discusión activa entorno a la utilización de las
nuevas tecnologías en la práctica artística contemporánea, a sus usos, también a sus
abusos. El arte hoy no tiene reparos en servirse de cualquier herramienta que la
ciencia o tecnología contemporánea haya realizado, tanto por las posibilidades
materiales como por las conceptuales implicadas.
3 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
Colección de Arte tecnológico:
Jenny Holzer
Jenny Holzer (nacida el 29 de julio de 1950
en Gallipolis (Ohio), EE. UU.) es una artista
conceptual estadounidense. En 1977
comenzó a trabajar con textos.
La artista pone unos textos de mensajes
cortos en extensión que sin embargo
ocultan significados profundos, obligando
al espectador a pararse, leer, comprender
y reflexionar incluso en la propia calle, ya
que utiliza espacios como edificios y otros
elementos urbanos para proyectar sus
mensajes.
Los temas que toca Holzer entran de lleno en temas tabúes en las sociedades
occidentales como son el sexo, la violencia, el amor, la guerra y la muerte. Después de
pasar una etapa como pintora abstracta influida por gente como Morris Louis y Mark
Rothko, en 1977, coincidiendo con su traslado a Nueva York, inicia su fase como
artista conceptual con la serie Truisms, estampando sus frases en camisetas y
carteles que distribuyó por la ciudad, en unos principios en los que todavía no se
consideraba como una artista sino como una activista política.
Su estrategia es colocar textos sorprendentes donde normalmente se encuentra la
publicidad habitual de manera que le da a Holzer acceso directo a un público más
amplio que, de otro modo, jamás tendría ningún contacto con el "arte" y, al mismo
tiempo, le permite socavar las formas de poder y control que suelen pasar
desapercibidas.
4 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
Esta obra ha sido creada como obra permanente para el Museo Guggenheim de
Bilbao diseñado por Frank. O. Gehry refleja el creciente compromiso que mantuvo
Holzer a finales de la década de 1980 y la década de 1990 con el espacio
arquitectónico y, más concretamente, con el espacio institucional del Museo.
La obra está compuesta por nueve paneles verticales de diodos luminosos de doble
cara, cada uno de más de doce metros de alto, que dividen en dos una de las altas e
irregulares galerías del edificio de Gehry. Las columnas que van del suele al techo,
forman una barrera imponente aunque permeable, cuya geometría rígida contrasta con
las curvas orgánicas de la arquitectura que la rodea. Los aforismos, transmitidos en
euskera, español e inglés, son una variación de Arno, un texto escrito originariamente
para un proyecto cuyo fin era recaudar fondos para la investigación del SIDA y que
más tarde fue adaptado para una proyección instalada en un espacio exterior en 1996
en Florencia.
Instalación para Bilbao
(Installation for Bilbao)
Jenny Holzer
1997
Guggenheim Bilbao
5 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
Jim Campbell
Jim Campbell (Chicago, 1956)
graduado en Ingeniería
Electrónica y Matemáticas por
el Instituto de Tecnología de
Massachussetts (MIT), es un
artista pionero en la
transformación digital de datos
en obras de naturaleza
artística que cruza con el arte
contemporáneo, ciencia y tecnología. Actualmente vive en San Francisco, California.
Con una amplia trayectoria como cineasta, fusionará sus conocimientos científicos y
su bagaje artístico creando, a partir de 1988, instalaciones de lo que él llama
“electrónica a medida”, diseñada de manera específica para cada creación artística.
Coincidiendo con el Año Internacional de la Luz en 2015, el Espacio Fundación
Telefónica expone el trabajo de Jim Campbell, 27 obras basadas en una combinación
de técnicas de videoarte y luz que proyecta en soportes de reproducción comunes
como LEDs, LCDs y monitores o pantallas de televisión. A través de la manipulación
de la electrónica y la informática, el artista nos aproxima al mundo de las
videoinstalaciones y esculturas de luz de gran belleza visual. Esferas de leds, pixeles,
video proyectores, frames, circuitos electrónicos y fotografías pixeladas, que producen
imágenes evocadoras y provocadoras que retan al visitante cuestionando su
capacidad de percepción.
6 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
Para ver la imagen en movimiento
http://www.jimcampbell.tv/portfolio/low_resolution_works/exploded_view/exploded_vie
w_commuters/
La obra mide 72x46x38 pulgadas y para realizar la obra el artista ha utilizado 1152
LEDs, alambre y acero.
Con su trabajo, Campbell juega con la manipulación del espacio y reflexiona sobre el
modo en que el ser humano procesa y decodifica la información visual. Es habitual que
reduzca la cantidad de elementos constitutivos de las imágenes (pixeles) a un mínimo,
llevándolas hasta los límites de la coherencia visual, desdibujando nuestras categorías
y ordenamientos lógicos.
Exploded View Commuters. Jim Campbell, 2011, expuesto en Londres, Light Show
en 2013.
7 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
Leo Villareal
Leo Villareal (nacido en 1967 en Albuquerque, Nuevo
México) es un artista estadounidense que vive y trabaja
en Nueva York. Su obra combina luces LED y la
programación de computadoras codificada para crear
pantallas iluminadas.
Villareal se graduó de Portsmouth Abbey School en 1986.
Recibió una licenciatura en escultura por la Universidad
de Yale en 1990 y un título de postgrado de la
Universidad de Nueva York Tisch School of the Arts,
Interactive Telecommunications Program (ITP).
El 5 de marzo de 2013, Villareal debutó con su pieza más grande hasta la fecha, "Las
Luces de la Bahía", una instalación de luz pública que consiste en 25.000 LEDs
ensartadas en los cables verticales del puente de San Francisco-Oakland Bay. La
instalación costó $ 8 millones para instalar y se activará todas las noches hasta el año
2015.
Cilindro II. Leo Villareal, 2012, expuesta en Londres, Light Show en 2013
8 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
La obra se compone por 19.600 LED blancas que están programas de tal manera que
crear sin cesar cambiantes patrones, evocando las lluvias de meteoros, la caída de
nieve, nubes de luciérnagas y otros fenómenos naturales.
Las luces realizan coreografías abstractas en el espacio. La intensidad y velocidad
cambia continuamente. Villareal explica que la secuencia no tiene principio, medio o al
final y dice: "es como un esquema aleatorio elaborado, que nunca va a repetir la
misma progresión de secuencias de nuevo. '
Yayoi Kusama
Nació en Matsumoto, (Japón) en 29 de marzo de 1928. Estudio la carrera de arte en
los 50. Se caracterizó en sus comienzos por la influencia de la pintura tradicional
japonesa y las consecuencias de sus crisis alucinatorias, debido a los malos tratos
sufridos en su infancia. Este hecho queda recogido en sus obras puesto que nacen las
“redes de infinito,” representado por lunares
que marcan su seña de identidad. Es muda a
EEUU en 1957. En Nueva york lidera
movimiento avant-garde.
Organizó “happenings” extravagantes en
Central Park y el Puente de Brooklyn. Fue muy
productiva aunque no se benefició
económicamente. Algunos de sus amigos y
seguidores fueron Joseph Cornell y Donald
Judd. Su trabajo acoge características
del feminismo, minimalismo, surrealismo e
incluso expresionismo abstracto. Su obra está
impregnada de contenido autobiográfico y
psicológico incluyendo pinturas, esculturas,
performances e instalaciones. Es a su vez también novelista y poeta. Yayoi
Kusama ha exhibido su trabajo con celebridades como Andy Warhol.
Rwegresa a Japón en 1973 y a mediados de los setenta ingresa voluntariamente en
un hospital psiquiátrico. Sigue participando en exposiciones y muestras de arte en todo
el mundo. En 2002 participó en la exposición Sunday Afternoon en Nueva York, en
2003. En 2006 se convirtió en la primera mujer en obtener el Praemium Imperiale de
Japón, en la categoría pintura. Actualmente tiene el record de precio pagado por la
9 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
obra de una artista mujer viva. El 24 de agosto se inauguró el Kusama-Vuitton pop-up
Store. Para celebrarlo se erigió una muñeca gigante de la imagen de la artista sobre
las puertas de la entrada principal del centro comercial Selfridges en Oxford Street.
Otras de sus obras son: Yayoi Kusama, Infinity Net: The Autobiography of Yayoi
Kusama, 2011, en ingléstraducida por Ralph McCarthy, University of Chicago Press,
Chicago, Illinois, "Yayoi Kusama", 2003, alemán, Kunsthalle wien, Vienna, Austria.
Obsesión infinita es la primera retrospectiva de la obra de Yayoi Kusama que se
presenta en América Latina. La exposición presenta un recorrido amplio del trabajo de
la artista viva más prominente de Japón a través de más de un centenar de piezas que
abarcan de 1950 a 2014, incluyendo pinturas, obras en papel, esculturas, videos,
presentaciones con diapositivas e instalaciones.
Obsesión infinita sigue la trayectoria de esta figura rebelde e inconforme que va de lo
privado a lo público, de la pintura al performance, del estudio a la calle.
El Museo Tamayo presenta por primera vez en México más de 100 obras de Kusama
en la exposición “Yayoi Kusama. Obsesión Infinita” que van desde sus inicios como
artistas hasta obras más recientes del 2013. El recorrido se conforma por obras
pictóricas, esculturas, la muestra de su película y los maravillosos cuartos de los
espejos que te trasladan directamente al mundo de Kusama.
10 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
Antoni Muntadas
Antoni Muntadas, Barcelona, 1942 Artista experimental.
Estudia Ingeniería Industrial en Barcelona. En 1964
participa en la fundación del grupo Machines. Aunque sus
comienzos se vinculan a la pintura, desde 1971 se dedica
a los nuevos soportes multimedia y audiovisuales.
Establece su residencia en Nueva York en 1974 y centra
su trabajo en las relaciones entre el arte y la vida y utiliza
fundamentalmente la televisión como soporte. En sus
instalaciones suele yuxtaponer fragmentos de telediarios
o de símbolos, o proyecta diapositivas de anuncios
publicitarios sobre una televisión apagada (Televisión, 1980). En 1997 completa su
formación en el Center for Advanced Visual Studies del Massachusetts Institute of
Technology donde, más tarde, impartirá una serie de cursos, además de en otros
centros y universidades americanas y europeas.
Fue elegido para representar a España en la 51º edición de la Bienal de Venecia
(1995) interviniendo en el espacio con el proyecto On traslation: I Giardini. El artista, a
través de una reflexión que cuestiona el concepto de producción cultural y sus
implicaciones en cuanto a las formas de representación nacional, toma precisamente a
la propia Bienal como objeto de crítica. La Bienal para Muntadas es un acontecimiento
carente hoy de vigencia, porque posee una mirada estanca en torno a las maneras de
concebir las clasificaciones en el arte.
Es una instalación site-specific para el Centro
de Arte Reina Sofía, el espacio interior y
exterior del edificio, al tiempo que recupera el
contexto cultural y arquitectónico del espacio
como Hospital Provincial, a través del vacío de
las salas y las luces y los sonidos de la Plaza
de Atocha (Glorieta de Carlos V) que penetran a
través de ocho ventanas abiertas al exterior.
11 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
Cerith Wyn Evans
Cerith Wyn Evans es un artista conceptual, escultor y
cineasta galés, nacido en 1958 en Llanelli. Fue en 1990
cuando comenzó a crear instalaciones, esculturas y luz.
Asimismo, la influencia del cine se hace presente en sus
obras.
Estas suelen ir acompañadas de fuegos artificiales y breves
textos de neón, reflejando el gran interés del artista en el
lenguaje y la comunicación. Suele recurrir a frases de
películas, de la filosofía y de novelas y poemas. Su primera
exposición individual tuvo lugar en 1996 en el White Cube. Sus obras tratan de la
fenomenología del tiempo, el lenguaje y la percepción y pretende crear un lugar que
"está fuera de lugar…”. La reputación de Evans va in creciendo, ya ha expuesto en la
Exposición de Arte Británico, en Venecia, el Hayward y en la Tate.
“Trato de evocar en la obra un espacio intersticial entre la imagen y la palabra o el
lenguaje y otro idioma, entre encendido y apagado: las cosas en espacios
intermedios... que se encuentran entre la percepción de una persona y la percepción
de otra persona”, Cerith Wyn Evans.
Bola de espejos.
12 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
Obra del artista galés Cerith Wyn Evans, Cleave 02 (la parte maldita), de 2002. Es una
obra de dimensiones variables. Es un espejo a modo de lámpara, que adopta la forma
circular de un globo. Como se puede apreciar que la luz proveniente de algún tipo de
proyector (obturador) incide sobre el dispositivo creando sombras reflejadas en la
pared blanca adoptando una forma de eclipse rodeado de numerosos destellos, de la
luz, que conforman la instalación.
Carlos Cruz-Diez
Carlos Cruz-Diez es un artista plástico
venezolano, nacido en 1923 en Caracas. Se le
considera uno de los principales representantes
del pop art (arte óptico) a nivel mundial, vive y
trabaja en París desde 1960. Su investigación ha
aportado al arte una nueva forma de
conocimiento sobre el fenómeno del color, que
ha ampliado su universo perceptivo.
Es presidente de la Fundación del Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-
Diez en Caracas y miembro de la Orden de Andrés Bello (OAB).
Cruz-Diez propone entender el color como una realidad independiente que se
desarrolla en el tiempo y en el espacio real sin necesidad de soporte. Su trabajo
incluye ocho investigaciones: Couleur Additive, Physichromie, Induction Chromatique,
Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope y Couleur dans
l’espace.
CHROMOSATURATION.
13 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
El artista venezolano inicio su serie de instalaciones de Cromosaturación fluorescentes
en 1965. Estos ambientes artificiales producen espacios donde el color 'actúa con
toda su fuerza en la piel, los objetos del espectador y superficies de las paredes
circundantes.' Cada Cromosaturación está compuesto de tres cámaras de color
separadas: roja, verde y azul. De modo que el color se convierte en una situación del
espacio.
Esta experiencia origina perturbaciones en la retina, habituada a percibir
simultáneamente amplias gamas de colores. La Chromosaturation puede actuar como
la chispa que activa en el observador la noción del color en tanto que situación
material, física, que sucede en el espacio sin la necesidad de la forma e incluso sin
soporte, autónomamente de las convenciones culturales.
Conrad Shawcross
Conrad Hartley Pelham Shawcross es un
artista británico especializado en esculturas
mecánicas basadas en ideas filosóficas y
científicas, nacido en 1977. Estudio en la
Universidad de Oxford y es el miembro más
joven de la “Royal Academy of Arts”, lo que ya
supone un gran logro y prestigio.
Artista rodeado de racionalidad científica, cuyas las esculturas exploran cuestiones
al límite de la geometría y de la filosofía, la física y la metafísica. Crea ambiciosos
montajes estructurales y mecánicos, empleando una extensa variedad de materiales y
medios de comunicación.
14 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
La obra “dentro de un cubo” de Conrad Shawcross de 2008 consiste en un aparatoso y
complejo juego de luces y sombras que se mueven. La inspiración se debe a una
anécdota acerca del complicado proceso de mapeo de la estructura molecular de la
insulina por medio de una radiografía de cristal, logrado por el químico Dorothy
Hodgkin, ganador del Premio Nobel. Shawcross explica que aunque siempre ha
hecho obras con luz y movimiento, no había estado muy interesado en las sombras
hasta que leyó la descripción de Hodgkin, lo que se asemeja a la decodificación de la
forma de un árbol de la sombra que sus hojas proyectan en una pared.
Bruce Nauman
Es un artista nacido el 6 de diciembre de 1941,
en Fort Wayne, Indiana, EE. UU. Su obra abarca
una gran variedad de medios, como la escultura,
fotografía, neón, video, dibujo y performance.
SLOW ARC INSIDE A CUBE
15 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
Nauman estudió matemáticas y física en la Universidad de Wisconsin-Madison y arte en
la Universidad de California, Davis. En 1990 recibió el Premio Max Beckmann. En 2002
participó en la exposición Sunday Afternoon para la galería 303 en Nueva York, EUA
comisariada por Patricia Martín, fue una selección de obras para destacar cómo la
minimización de los medios y los gestos a través de la repetición puede producir obras
de extrema densidad visual, física y conceptual. En 2004 expuso su obra Raw Materials
en Tate Modern, Londres.
Bruce Nauman está considerado en el top five de los artistas vivos más cotizados en la
actualidad. En 1996 introdujo un elemento clave en sus obras de arte: el neón. Un medio
que le sirvió para introducir en sus piezas, inteligentes guiños lingüísticos. También hace
una crítica social y política a su época con mensajes simples, irónicos o ambiguos. Es
a mediados de los 80 cuando utiliza la luz para poner de manifiesto las contradicciones
propias de la condición humana y del mundo que hemos construido en conjunto. Es el
caso de Malice (1980), pieza en la que la contradicción surge entre el significado del
concepto “maldad” y su seductora presentación en forma de luminoso reclamo
publicitario, llamativo, evocativo e, incluso, con un toque sexual al recordar las
luminarias de los centros nocturnos. Este tipo de choque emocional y conceptual es un
tema constante en la obra de Nauman.
Obras representativas de este segmento destacan, además de Malice, Floating room
(1972), Elusive signs, Sex and Death/Double 69′ (1985), Human Nature (1983) o
Carousel (1988).
Bruce Nauman, Malice, 1980
16 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
David Batchelor
Es un artista nacido en julio, el día 17 de 1955 en Dundee,
es artista, escritor y un tutor mayor en la teoría crítica en el
departamento de Curaduría de Arte Contemporáneo en el
Royal College of Art de Londres.
David Batchelor estudió Bellas Artes en Trent Politécnica,
Nottingham (1975-8), y Teoría Cultural en el Centro de
Estudios Culturales Contemporáneos de la Universidad de
Birmingham (1978-1980). Ha expuesto ampliamente en el
Reino Unido, Europa continental, los Estados Unidos y
América Latina; escrito dos libros, Minimalismo (1997) y
Chromophobia (2000), es el editor de Color (2008) y ha
contribuido a varias revistas, incluyendo Artscribe, Friso
(revista), y Artforum. David era un miembro del Consejo Tate Bretaña 2002-5, un órgano
asesor en el desarrollo y la programación en la Tate Britain.
David Batchelor ha participado en el Light Show de 2013 (Hayward Gallery, London)
aportando sus luminosas obras, entre las que destaca Magic Hour, creada por el artista
a base de lámparas fluorescentes, cables, cajas y paneles de conexión. Batchelor hace
David Batchelor, Magic Hour, 2004-05
17 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
instalaciones escultóricas con objetos que se encuentran en las calles de Londres, los
ahueca, apila y les da una nueva vida a base de colores brillantes, composiciones de
luces y sombras. Su obra posee un aire familiar al estar compuesta por los restos
materiales de la vida moderna, a partir de chatarra, domésticos en desuso o rotos. Se
convierten en objetos hipnóticos, representando la presencia del color en nuestro
entorno cotidiano. "A menudo utilizo color para atacar forma, descomponerlo un poco o
comenzar a disolverla. Pero no estoy en absoluto interesado en el color "puro" o en color
como una presencia trascendente... Así que si utilizo colores para empezar a disolver
las formas, también utilizo formas para evitar colores quedar totalmente separados de
su existencia cotidiana”.
Lucio Fontana
Lucio Fontana es un pintor y escultor
Argentino. Nació el 19 de febrero de 1899 en
Rosario, aunque desde muy temprana edad
vivió en Milán donde se formó en la academia
de Brera. En 1917 se alistó en el ejército
italiano y combatió en la Primera Guerra
Mundial. En 1921 regresó a Argentina, donde
estuvo siete años y trabajó como escultor
junto a su padre, hasta que en 1924 abrió su
propio estudio.
Al regresar a Italia en 1928 volvió a ingresar en la academia Breba y acabó siendo uno
de los cofundadores del grupo de abstractos italianos e influenciado por los futuristas.
Entre 1934 y 1939 vivió en París, donde conoció a Miró, Brancusi y se vinculó al grupo
Abstraction-Creation.
En el año 1940 vuelve a Argentina y abandonó la abstracción para meterse en la
escultura figurativa de tendencia expresionista y lanzo una “protesta artística” contra la
guerra.
En el año 1947 regresó a Milán, donde fundó el movimiento espacialista. Y a partir de
los años 60 vuelve a las formas sencillas.
18 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
Por último, Fallece el 7 de septiembre de 1968 en Verase, Italia.
Estructura de neon para la novena trienal de Milán de 1951.
Esta escultura aérea fue suspendida desde el techo de la escalera central del palacio
del arte de Milán y lanzo un lenguaje visual que más adelante se convirtió en una parte
fundamental del arte contemporáneo.
Está formada por un tubo de neon de 100 metros de largo extendido a lo largo del
techo que forma curvas de luz.
La pieza era una representación clásica de lo que Fontana llama un "ambiente
espacial" y "concepto espacial", lo que vio como la superación de las divisiones en la
arquitectura, pintura y escultura para llegar a una síntesis en la que convergieron color,
movimiento y espacio.
La escultura permanece al movimiento artístico espacial y el propio autor decía: “El
artista espacial ya no impone un tema figurativo en el espectador, pero lo pone en la
posición de crear en sí mismo, a través de su propia imaginación y las imágenes que
recibe”
Varios críticos de la época describen la obra como un lazo o un pedazo de espagueti,
pero a Fontana no le gustaba esta interpretación simplista.
La obra fue destruida pero en 1972, cuatro años después de la muerte de Fontana se
realizó una copia.
Luz espacial.
19 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
Fue dada en préstamo permanente a la colección de arte cívica de Milán y en
septiembre de 2008 se reinstaló en el edificio del trienal.
Monica Bonvicini
Monica Bonvicini es una artista,
escultora y fotógrafa italiana.
Nació el 3 de febrero de 1965 en
Venecia, Italia. Sus estudios los
realizó en la academia
hochschule der künste de Berlín
y en la universidad de las artes
de Valencia, California.
Su trabajo ha sido presentado en la Bienal de Berlín en 1998 y 2003, la Bienal de
Estambul en 2003 y la Bienal de Venecia en 2001, 2005, 2011 y 2015.
Ha sido galardonada con varios premios. El León de oro en la Bienal de Venecia en
1999, el Premio Nacional de la galería de arte joven en Berlín en 2005 y el Rolandpreis
für Kunst en Bremen en 2013.
Desde el año 2003 Monica Bonvicini ha sido profesora de escultura y Performance en
la Akademie der Bildenden Künste en Viena
Actualmente reside en Estados Unidos
.Not for you
20 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
Esta instalación fue realizada en el año 2006 y está formada por letras de acero
galvanizado de gran tamaño con bombillas de 40W. Las dimensiones exactas son: 99 x
400 x 14 cm.
Esta obra es una confrontación y una paradoja: yo veo algo que en un principio me
informa de que no se refiere a mí, pero en realidad si, lo está haciendo de la manera
más directa posible, poniendo el mensaje directamente en mi cara y en un espacio
público, más directo que cualquier anuncio podría hacerlo
Not for you se refiere a situaciones de exclusión y separación, así como a las estructuras
lingüísticas de la energía, control de acceso territorial, derechos de residencia,
circulación y libertad personal, esta escultura desarrolla su potencial de confrontación
precisamente en los lugares que buscan apropiárselo.
Es una mezcla de belleza, el deseo y la intimidad, por un lado, poder, violencia y
manipulación, por el contrario.
¿Por qué nuestra colección es una colección de arte
tecnológico?
Se trata de una colección de arte ya que pertenecen a una misma clase. En nuestro
caso todas las obras están formadas por algún elemento de luz, como por ejemplo
LEDs.
Se trata de arte tecnológico ya que las obras han sido realizadas en la actualidad, con
nuevas tecnologías como diferentes aparatos de luz.
¿Cómo nos hemos repartido el trabajo?
Cada una de las componentes del grupo, que somos: Nuria Roca, Lara Abariturioz,
Elisa San Ceferino, Talía Colodrón y yo Raquel García, dimos una posible idea para
realizar la colección con las medidas necesarias. Después elegimos la que más nos
gustó y era posible de realizar.
21 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
El siguiente paso fue buscar las definiciones necesarias para poder realizar el trabajo,
de esto nos encargamos Talía y yo (Raquel), mientras que Elisa, Nuria y Lara
buscaban diferentes artistas que trabajasen con la luz.
Después nos repartimos los doce autores de la siguiente manera:
Talía Colodrón: Yayoi Kusama y Antoni Muntadas.
Elisa San Ceferino: Bruce Nauman y David Batchelor.
Lara Abariturioz: Lucio Fontana y Monica Bonvicini.
Nuria Roca: Cerith Wyn Evans, Carlos Cruz-Diez y Conrad Shawcross.
Raquel García: Jenny Holzer, Jim Campbell y Leo Villareal.
Cada una eligió la obra de sus artistas y realizó el correspondiente comentario.
Una vez hecho esto, realizó cada una su propio dossier.
A la hora de conseguir los materiales para poder realizar la exposición cada una
aportó los materiales que podía conseguir de manera más fácil.
Valoración:
Este trabajo me ha resultado muy interesante, ya que he conocido nuevos autores y
obras de la actualidad de arte tecnológico, un tema del que no sabía mucho. Me ha
llamado mucho la atención el tema de la luz, ya que capta de manera rápida la
atención del espectador. La obra de Jim Campbell me ha resultado muy interesante
por el movimiento de las luces y las sombras que puede llegar a crear.
El trabajo en grupo ha sido bueno y no ha habido gran problema a la hora de
repartirnos las tareas de cada una.
22 Raquel García Cordero, Grupo 4, 1º Grado de Arte. Arte y Tecnología I.
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https://es.wikipedia.org/wiki/Yayoi_Kusama
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http://www.tba21.org/augarten_activities/1/artworks/41
