manual completo para guitarra

Conoce la Guitarra

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Historia de la GuitarraDesde la cítara, pasando por el laúd y llegando hasta la guitarra moderna, han pasado varios miles de años.

En la obra de Maurice J. Summerfield (tercera edición 1992, Ashley Mark Publishing Company), se ofrece una interesante hipótesis sobre el origen de la guitarra española. Summerfield opina que debe descender de los instrumentos romanos tanbur o cithara, llevados a España por los romanos aproximadamente en el año 400 d.C. Esta teoría se opone frontalmente a la convencional, que dice que el antecesor directo de la guitarra es el ud, instrumento llevado a España por los moros después de la invasión de España durante el siglo VIII. En las siguientes líneas se establece una pequeña polémica basada en parte en la información publicada por el Museo de Prado de Madrid.

Hay evidencias de que un instrumento de cuatro cuerdas parecido a la guitarra fue tocado por los Hititas (quienes ocuparon una región ahora conocida como Asia Menor y Siria) cerca del año 1400 a.C. Este instrumento se caracterizaba por sus lados suaves y curvos - una de las primeras características básicas de cualquier instrumento identificable como predecesor de la guitarra. Los griegos también fabricaron un instrumento similar que fue luego modificado por los romanos. Ambas versiones parecen carecer de los lados curvos. Lo que es interesante aquí es que esa cithara romana apareció en España siglos antes de la invasión morisca.

A pesar de esto, se ha interpretado que el primer instrumento parecido a la guitarra que apareció en España lo hizo sólo después de esta invasión con la introducción de ud arábico en el Sur. Pero con la introducción de la cithara romana siglos antes, podemos decir que a pesar de la influencia del ud en el desarrollo de la guitarra no es su verdadero antecesor. De acuerdo con esta teoría la guitarra española derivó del tanbur de los Hititas, a la kithara con "k" de los griegos y finalmente a la cithara con "c" de los romanos.

Sin embargo, es posible que después de la llegado de los moros a España, la cithara romana y el ud arábico se hubieran mezclado e influenciado mutuamente durante varios siglos. Sin embargo no hay una documentación específica acerca de esto, pudiera ser que los constructores de uds y citharas hubieran visto el trabajo de los otros, extendido a través de las presentaciones de los trovadores viajeros. Por el año 1200 d.C. la guitarra de cuatro cuerdas había evolucionado en dos variedades: la guitarra morisca, que tenía un fondo redondeado, un mástil ancho y varias incisiones en la tapa para la salida del sonido, y la guitarra latina, que se parece más a la guitarra moderna con una sola boca y un mástil más estrecho.

Historia de la Guitarra

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Adolfo



A finales del siglo XV la vihuela nació añadiendo dobles cuerdas e incrementado su tamaño. Era un instrumento de cuerda pulsada con un mástil más largo (la longitud vibrante de las cuerdas era de 72 a 79 cm.) con diez u once trastes y seis órdenes. La vihuela se convirtió en el instrumento preferido de las corte española y portuguesa y mantuvo su popularidad hasta finales del siglo XVII, cuando los instrumentos orquestales y de teclado se volvieron más populares.

Aunque la guitarra existió simultaneamente durante este periodo, la vihuela y el laud la ensombrecieron hasta finales del siglo XVII, cuando se añadieron demasiadas cuerdas al laud y era muy dificil de tocar y afinar. Por otra parte también la vihuela fue reemplazada lentamente por la guitarra de cinco o seis cuerdas (las cuales tenían siete y nueve cuerdas respectivamente: una cuerda aguda simple y tres o cuatro órdenes - o pares - de cuerdas). Fue probablemente la adición del quinto orden a finales del siglo XVI lo que dió a la guitarra más flexibilidad y ámbito sonoro y así aprovechó el potencial del repertorio que le habían legado sus ascendentes.

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, algunas guitarras usaban seis cuerdas simples y emplearon unas barras de refuerzo debajo de la tapa armónica. Estas barras fueron añadidas para reforzar la estructura y permitieron adelgazar la tapa para obtener una mayor resonancia y una mejor distribución del sonido a lo largo de la tapa armónica. Otros desarrollos contemporáneos incluyen el uso de un mástil reforzado y elevado usando madera de ébano o palisandro, y la aparición de un mecanismo de tornillo metálico en lugar de las clavijas de madera para afinar. (Es importante destacar que el trastero elevado ha tenido un gran impacto en la técnica del instrumento porque las cuerdas estaban demasiado lejos de la tapa armónica de forma que había que apoyar uno de los dedos de la mano derecha para que sirviera de soporte a los demás). Estas guitarras serían reconocidas inconfundiblemente como las primeras guitarras clásicas.

En los comienzos del siglo XIX, en los trabajos de los españoles Agustin Caro,nManuel Gonzalez, Antonio de Lorca, Manuel Guiterrez y otros constructores europeos incluyendo a Rene Lacote y a Johann Staufer encontramos las características de los precursores más directos de la guitarra clásica moderna. Johann Staufer, vienés, tiene una reputación legendaria. En su tienda aprendió a construir guitarras C. F. Martin, que luego se trasladaría a los Estados Unidos y cuya firma sigue construyendo guitarras hoy en día. También desarrolló el trastero elevado, a petición de Luigi Legnani, el guitarrista y primer interprete de los conciertos de Paganini. Sus otros avances en la construcción de la guitarra incluyen un mástil ajustable y reforzado con acero y las clavijas de tornillo sin fin que todavía se usan en las guitarras modernas.

Hacia 1850, la guitarra se preparó para el más importante desarrollo que hubiera tenido desde sus comienzos: el trabajo de Antonio Torres Jurado. Con el apoyo de Julian Arcas y sus propias y brillantes intuiciones, Torres refinó los soportes estructurales de la guitarra incluyendo siete varas extendidas bajo la tapa armónica. Aumentó también el tamaño de la caja de resonancia y el ancho del mástil. Estas innovaciones influyeron en la mejora del volumen del sonido y la respuesta en los bajos asi como el descubrimiento de una técnica para la mano izquierda para el enriquecimiento del repertorio. Ahora la guitarra estaba preparda tanto para las demandas del solista como para las del conjunto instrumental.

Aunque ha habido más descubrimientos en la construcción de la guitarra, desde mediados del siglo XIX nuestra guitarra moderna conserva la mayoría de lo que fue descubierto hace casi 150 años. Nadie puede decir que haya llegado el fin de la evolución de la guitarra, pero hasta ahora la mayoría de las mejores guitarras desde el punto de vista del volumen, proyección, transparencia y belleza del tono han sido construidas por los grandes guitarreros Torres, Ramirez y Arias a partir de la segunda mitad del pasado siglo.

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Ejercicios de CalentamientoUn programa completo para crear destreza y flexibilidad.

Te presentamos un programa completo para el calentamiento que lentamente te dará flexibilidad en el movimiento de los dedos. Estos ejercicios no están hechos para obtener fuerza, sino agilidad. En todos los casos, si sientes dolor o incomodidad, deja de hacer el ejercicio. Es importante que evites cualquier lesión. Los ejercicios tienen un ciertó número de repeticiones (5-10 veces, por ejemplo). Al comenzar le programa, haz el número mínimo, y cada semana ve aumentando una repetición. Si te sientes cómodo puedes aumentar el número de veces, pero no abuses.

Si experimentas dolor, detén el ejercicio inmediatamente. Si es necesario, consulta a tu médico.

NOTA IMPORTANTE: Si has presentado síntomas o has tenido como diagnósitco el padecimiento del Síndrome de Tunel Carpal, ten precaución al hacer las volarflexiones de muñeca (un movimeinto hacia abjo de la muñeca). Si sientes dolor, deténte inmediatamente y consulta a tu médico.

Posición para hacer los ejercicios

La posición para hacer los ejercicios de este programa es sentado, con los brazos y manos hacia adelante, las palmas hacia abajo (como si te sentaras frente al teclado de tu computadora). El programa también puede desarrollarse de pie o con los brazos totalmente extendidos.

Ejercicio 1 Calentamiento y relajación

Ejercicio 1. Relaja las manos de modo que las muñecas queden flojas y

sueltas. SUAVEMENTE agita tus manos de un lado al otro. Repítelo 10-20 veces.

























































Ejercicios de Calentamiento

Ejercicio 2 Círculos con los dedos

Debes rotar cada dedo en un movimiento circular , comenzando con el meñique

y terminando con el pulgar. Cuando termines con un dedo, entonces haz el movimiento al revés.

Rota cada dedo 10-20 veces en cada dirección.

Ejercicio 3a Flexión de las muñecas: Dorsiflexión

Lentamente dobla las manos hacia adelante tan lejos como te sea posible sin que esto te cause dolor o incomodidad.

Mantén la posición por 3 segundos y luego descansa. Repite 5-10 veces.

Ejercicio 3b Flexión de las muñecas: Volarflexión

Haz el ejercicio 3a pero al revés, doblando las manos hacia abajo tan lejos como te sea posible sin casuar dolor o incomodidad.

Mantén la posición por 3 segundos y luego descansa. Repite 5-10 veces.

NOTA IMPORTANTE: Si has presentado síntomas o has tenido como diagnósitco el padecimiento del Síndrome de Tunel Carpal, ten precaución al hacer las volarflexiones de muñeca (un movimeinto hacia abjo de la muñeca). Si sientes dolor, deténte inmediatamente y consulta a tu médico.

Ejercicio 4a Supinación

Teniendo las manos en posición de tocar el teclado, voltéalas hacia arriba, de modo que puedas ver tus palmas. Estira lo que puedas sin experimentar dolor

o incomodidad.

Mantén durante 3 segundos y descansa. Hazlo LENTAMENTE 5 o 10 veces


Ejercicio 4b Pronación

Repite el mismo ejercicio del 4a, pero en este caso haz un movimiento circular contrario al que hiciste anteriormente.


Ejercicio 5a Flexión de la muñeca (interior)

En la posición que se ve en la ilustración, mueve las manos hacia adentro. Estira


lo que puedas sin experimentar dolor o incomodidad.


Con las manos en un puño relajadao, suavemnte gira las muñecas en un movimiento circular hacia adentro.

Repite el movimiento en sentido contrario.

Repítelo 5 o 10 veces

Ejercicio 7 Estiramiento de los dedos

Ejercicio 5b Flexión de la muñeca (exterior)

En la posición que se ve en la ilustración, mueve las manos hacia afuera. Estira

lo que puedas sin experimentar dolor o incomodidad.


Ejercicio 6 Círculos con las muñecas (circundicción)


Coloca las manos en la posición de un puño haciendo un ligero ángulo hacia abajo. Mantén la posición 3 segundos y luego descansa. Después, extiende los dedods totalmente hasta un punto en el que no te cause dolor o incomodidad.

Repite LENTAMENTE 5-10 veces

Ejercicio 8 Flexión y extensión de los dedos

Ejercicio 8a Flexión de los dedos

Lentamente dobla los dedos de modo que con la punta de ellos puedas tocar parte de la plama como se ve en la ilustración.

Estira lo que puedas sin experimentar dolor o incomodidad.


Ejercicio 8b Extensión de los dedos

Lentamente extiende los dedos totalmente como se ve en la ilustración.

Estira lo que puedas sin experimentar dolor o incomodidad.



teEjercicio 9 Doblez de dedos

Comenzando por el pulgar y terminando con el meñique, flexiona cada dedo hacia la palma lo más posible, estirando sin que esto cause dolor o incomodidad.

Mantén la posición 3 segundos y descansa. Lentamente estira los dedos hasta su máxima extensión. Mantén durante 3 segundos y descansa.

Ejercicio 10 Empujando con los dedos

Junta las puntas de los dedos como se ve en la ilustración. Lentamente empuja las dos manos sin que se toquen las palmas. (La posición de los codos determina qué tanta tensión se está agregando).

Lentamente levanta los codos hasta el punto en que se estiren los dedos y las


manos sin que se cause dolor o incomodidadd. Mantén durante 3 segundos. Lentamente relaja las manos hasta que solamente se toquen las puntas de los dedos. Repite LENTAMENTE 5-10 veces

Ejercicio 11 Extensión de los dedos.

Entrelaza los dedos de las manos. Lentamente rota tus manos de modo que puedas ver parte de las palmas y las muñecas. Estira hasta donde puedas sin sentir dolor o incomodidad. Repite en dirección contraria (ver ilustraciones). Mantén durante 3 segundos y descansa. Lentamente regresa el punto de comienzo. LENTAMENTE 5-10 veces.

Ejercicio 12 Relajación

Relaja las manos de modo que las muñecas queden flojas y sueltas. SUAVEMENTE

agita tus manos de un lado al otro. Repítelo 10-20 veces.




















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Guía de Acordes Básicosm7=menor 7 7= dominante o séptima (G7=Sol dominante o Sol séptima)

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Adolfo

Guía de Acordes Básicos

Guía de Acordes Básicos

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Lección 1 Acordes Mayores

Lecciones básicas


En esta primera entrega, revisamos algunos aspectos fundamentales para que puedas tocar la guitarra hoy

mismo.

Acordes

La mejor forma de comenzar es aprendiendo a acompañarte mientras cantas. Para eso tienes

que tocar con la guitarra los acordes y cantar la melodía. Al principio cuesta un poco de trabajo coordinarse, pero eventualmente cualquiera puede hacerlo.

file:///F|/salvados%20Adolfo/todo%20soft/Todos%...%20Guitarra/Lección%201%20Acordes%20Mayores.htm (1 of 6) [03/08/2004 13:15:55]























































Adolfo



de acorde: Un acorde es el sonido de tres o más notas tocados

Teoría breve

La música está compuesta de 3 elementos: armonía, melodía y ritmo. La armonía se compone del conjunto de

acordes que sirven de soporte a la melodía.

Definición

al mismo tiempo.

Los Acordes Mayores

Comenzaremos por aprender los acordes "mayores" (en una próxima entrega te

explicaremos por qué se llaman así y cómo funcionan). Usaremos las

inversiones (también llamadas "posturas") más fáciles. Trata

de practicar cada una con un sonido limpio, claro y fuerte.


Do

MayorRe

Mayor

Mi

MayorSol

Mayor

La

Mayor

El sistema de notación internacional substituye las notas Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si por las letras C, D, E , F, G, A, B respectivamente. Como este tipo de notación es el más común es el que utilizaremos; así cuando busques los acordes de una canción en un libro o en internet podrás saber qué acordes son sin necesidad de una ilustración.

Cuando veas una letra mayúscula en una canción, o en una secuencia acordes, significa que

es un acorde mayor, por ejemplo D significa Re Mayor. Si la letra tiene una "m" por ejemplo (Dm) significa que es un acorde de Re Menor.

No hace falta presionar demasiado la cuerda con los dedos. Para que te sea más fácil lograr un sonido limpio y claro, coloca el dedo cerca del traste (sin pisarlo). Si te duelen los dedos, descansa un poco y


vuelve a empezar. Eventualmente tus dedos tendrán la fuerza necesaria.

Progresiones

Ahora sí, a practicar. Lo que vamos a hacer es una serie de secuencias y combinaciones que se llaman

"Progresiones". Lo que tienes que hacer es contar lentamente "uno, dos, tres, cuatro..." y entonces tocar el acorde cuatro veces, y luego cambiar al siguiente acorde. Comienza muy lentamente, asegurándote de que tus dedos se colocan en el siguiente acorde con facilidad. Hazlo tan lento que no cometas ningún error, y gradualmente verás que aumentarás la velocidad de modo casi automático.

Progesión 1

||:C | C | C | G | G | G :||

Los signos ||: y :|| indican que debe volverse a empezar

Progresión 2

||: G | G | G | C | C | G | G | D | D | G :||



Progresión 3

D | D | D | G | G | A | A | G | G | D y vuelve a empezar

Progresión 4

||:E | E | E | D| D| A | A | D | D| E :||

Puedes hacer tus propias combinaciones utilizando las siguientes posibilidades:

D | G | A

G | C | D

E | A | D

Ahora que has aprendido varios acordes y algunas progresiones que los combinan,

debes saber que aunque tu primera lección contiene cosas simples, muchísimas canciones buenas y famosas se han hecho con el material visto en esta lección. Por ejemplo, la canción "Yolanda" de Pablo Milanés usa



estos acordes (en una secuencia D | G | A), también tenemos canciones populares como "Con todos menos conmigo" (progresión A | D | E) de Timbiriche, o la últimamento muy popular "Te quiero tanto" de Onda

Vaselina (Progresión G | D | C), sin mencionar algunas canciones de Rock clásico como "Gloria" (Progresión E D A E).

Procura practicar estos acordes y las progresiones hasta que las domines. Cuando te sientas bastante

bien tocando esto, entonces puedes pasar a la lección 2, pero no te adelantes. Es mejor aprender poco a poco.




























Lección 2 Acordes Menores

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En esta segunda entrega, veremos una nueva familia de acordes.

El "sonido" menor

En nuestra lección anterior vimos los acordes mayores. Son muy activos, tienen un sonido estable y cuando se combinan tienden a ser alegres. Los menores tienen una tonalidad más melancólica, triste y obscura. Sin embargo, son muy importantes en la música, porque le dan equilibro a la actividad de los mayores. Cuando combinas sonidos activos con sonidos pasivos obtienes movimiento.

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Adolfo



La menor

Mi menor

Re menor

NOTA: Cuando veas una letra "m" minúscula despues del nombre del acorde (por ejempl "Em"), significa que es un acorde menor. Esta notación (C=Do, D=Re, E=Mi, etc.) es internacionalmente utilizada y aprenderla es de gran utilidad, pues casi todos los libros y cancioneros la utilizan.

Progresiones

Las progresiones que vamos a practicar en esta lección utilizan acordes mayores y menores. Primero algunas progresiones simples combinando solo menores para que te acostumbres y luego combinados con mayores:

Combinación 1: Em | Em | Em | Am | Am | Am | y vuelve a empezar

Combinación 2: Am | Am | Am | Dm | Dm | Dm | y vuelve a empezar

Ahora sí, veamos cómo suenan con los mayores:

Combinación 3: G | D | Em | C | D | y vuelve a empezar



Combinación 4: C | Am | Em | Am | y vuelve a empezar

A partir de aquí hay muchísimas combinaciones que puedes tocar. Por ejemplo, los famosos "círculos" y literalmente miles de canciones están basados en ellos. Veamos solo algunos:

Círculo de Do: C | Am | Dm | G | y vuelve a empezar

Círculo de Sol: G| Em | Am | D | y vuelve a empezar

Usos

Estas combinaciones y progresiones te pueden ayudar a tocar más canciones. Por ejemplo, la combinación #3 es una de las más utilizadas por el grupo Maná. Escúchala atentamente y verás que son los acordes utilizados en "Rayando el Sol" y muchas otras de sus canciones. Con estos acordes tan si mples y algunos otros (Am), Paul McCartney compuso "Let it Be".

Con los círculos se han escrito miles de boleros ("Reloj", "Total" y muchos más -Círculo de Do-) y canciones de Rock & Roll (Por ejemplo "Stand by Me" -círculo de Sol-).

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Recuerda practicar estos acordes y las progresiones hasta que las domines. Cuando te sientas bastante bien tocando esto. En un futuro próximo, veremos más acordes.













Lección 3 Cejillas


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Lección 3 Cejillas

En esta tercera entrega, veremos una de las formas de acordes más "temidas" del guitarrista principiante. Se trata de las cejillas.

Para poder tocar algunos acordes ese necesarios presionar con el dedo índice todas las cuerdas. Esto no requiere tanta fuerza como parece, pero como es una actividad que nunca realizamos ordinariamente, los músculos de la mano simplemente no están acondicionados para esa tarea, por eso es prudente realizar algunos ejercicios que sirvan para preparar tus músculos para esta nueva acción.

Ejercicios de Preparación

El ejercicio es muy sencillo, lo único que tienes que hacer es colocar tu dedo índice en el traste número 1, pisar al mismo tiempo todas las cuerdas, y tocar con la mano derecha. El sonido debe ser claro y nítido, si las cuerdas zumban es porque has pisado mal. Toca con la mano derecha cuatro veces (4 tiempos). Ahora, suelta las cuerdas y extiende los dedos tres o cuatro veces (seguramente dolerán). Aguarda unos cinco segundos y ahora pisa las cuerdas en el traste número 2. Repite todo lo anterior hasta llegar al traste número doce.

En estas ilustraciones

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file:///F|/salvados%20Adolfo/todo%20soft/Todos%20...itarra/Todo%20Guitarra/Lección%203%20Cejillas.htm (1 of 5) [03/08/2004 13:29:26]
























































Adolfo

Lección 3 Cejillas

Lección 3 Cejillas

te enseñamos cual es la idea:

Haz este ejercicio una o dos veces por día (digamos una vez en la mañana y otra en la tarde). Repítelo durante tres o cuatro días, y entonces sigue con esta lección.

Nuevas progresiones.

Existen unas progresiones que técnicamente se denominan I-VI-II-V, y comunmente se les ha denominado "círculos". Dependiendo del acorde con el que comienzan (es decir con la tonalidad de la prograsión) se les da un nombre, por ejemplo "Círculo de Do" o "Círculo de Fa", aunque lo correcto es decir que estamos tocando una profesión I-VII-II-V en C, o en F.

Para lograr tocar estas nuevas progresiones en algunas tonalidades necesitarás acordes con cejillas (y algunos de los acordes que ya conoces).

Escribe tu e-mail:




Lección 3 Cejillas

Si MayorSi menorDo sostenido

menorMi bemol menor

Fa sostenido menor

Sol sostenido

menorFa mayor

En estos acordes nuevos encontrarás algunas cosas diferentes: los símbolos "b" y "#". Esos símbolos significan que el acorde es "sostenido (#)" o "bemol (b)". Los bemoles y sostenidos en un piano son las teclas negras.

Progresión I-VI-II-V en C (Círculo de Do) : C | Am | Dm | G| y vuelve a empezar

Progresión I-VI-II-V en D (Círculo de Re) : D | Bm | Em | A | y vuelve a empezar

Progresión I-VI-II-V en E(Círculo de Mi) : E | C#m | F#m | B | y vuelve a empezar *

Progresión I-VI-II-V en F(Círculo de Fa) : F | D#m | F#m | C | y vuelve a empezar

Progresión I-VI-II-V en G(Círculo de Sol) : G | Em | Am | D | y vuelve a empezar

Progresión I-VI-II-V en A (Círculo de La) : A | F#m | Bm | E | y vuelve a empezar

Progresión I-VI-II-V en B (Círculo de La) : B | G#m | Ebm | D | y vuelve a empezar *

*Esta progresión


Lección 3 Cejillas

seguramente te costará bastante trabajo porque tiene tres acordes con cejillas, así que tómalo con calma.

De todas estas progresiones, las más comunes son en C, D y G (además de ser las más fáciles).

Repite y apréndete estas progresiones, porque conforme conozcas más canciones, te darás cuenta de que usan fórmulas muy parecidas a esto con algunas variaciones que no te costarán ningún trabajo.

color=#00ff00 size=4>Usos

color=#ffffff>Como ya te dijismo, los famosos "círculos" han sido la materia prima de miles de canciones, desde Boleros ("Reloj", "Total" y muchos más -Círculo de Do-) y canciones de Rock & Roll (Por ejemplo "Stand by Me" -círculo de Sol-).

El uso de de cejillas es algo que debes aprender, pues otras canciones en cicos I-IV-V también son muy populares. Por ejemplo "La Bamba" o "Guanamera" usan acordes C-F-G y las formas de F y G son más prácticas y rápidas de usar con el acorde en una postura de cejilla.


Lección 4 Acordes dominantes


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A estas alturas, ya conocemos los acordes mayores y menores. La familia de los dominantes es muy similar a la de los mayores en estructura básica y sonido, sin embargo son más "activos". Regularmente se utilizan con dos propósitos: para crear tensión o para preparar el final de una canción.

Los acordes dominantes se utilizan mucho en blues, rock & roll y generalmente brindan una tensión interesante en cualquier progresión.

La nomenclatura del acorde es muy simple: tras la letra que indica la nota, se coloca un 7 y entonces sabemos que es un acorde siete o dominante. Aquí puedes ver de qué se trata:

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Adolfo



Do 7

width=42>

Re 7

width=39>

Mi 7

width=42>

Fa 7

width=41>

Sol 7

width=38>

La 7

width=41>

Si 7

Nuevas progresiones.

Esta progresión es la clásica de Blues y Rock & Roll. También se le llama "Blues de 12 compases"

C | C | C | C7 | F | F7 | C | C7 | G7 | F7 | C | G7 y vuelve a empezar

Puedes tocarla en otras tonalidades también:

D | D | D | D7 | G | G7 | D | A7 | G7 | D | A7 y vuelve a empezar

E | E | E | E7 | A | A7 | E | B7 | A7 | E | B7 | E y vuelve a empezar

G | G | G | G7 | C | C7 | G | D7 | C7 | G | C7 y vuelve a empezar

A | A | A | A7 | D | D7 | A | E7 | D7 | A | E7 | A y vuelve a empezar

Finales para canciones

Los acordes dominantes se usan mucho para concluir una canción. La tensión que agregan al sonido requiere una resolución. Estas son las formas más comunes de terminar una canción:



A7 | D

G7 | C

E7 | A

D7 | G

B7 | E

Seguramente el sonido te será familiar.

Ahora que conoces los dominates, haremos una pequeña substitución en el último acorde para agregar alguna tensión.

Progresión I-VI-II-V en C (Círculo de Do) : C | Am | Dm | G7 | y vuelve a empezar

Progresión I-VI-II-V en D (Círculo de Re) : D | Bm | Em | A7 | y vuelve a empezar

Progresión I-VI-II-V en E(Círculo de Mi) : E | C#m | F#m | B7 | y vuelve a empezar

Progresión I-VI-II-V en F(Círculo de Fa) : F | D#m | F#m | C7 | y vuelve a empezar

Progresión I-VI-II-V en G(Círculo de Sol) : G | Em | Am | D7 | y vuelve a empezar

Progresión I-VI-II-V en A (Círculo de La) : A | F#m | Bm | E7 | y vuelve a empezar

Progresión I-VI-II-V en B (Círculo de La) : B | G#m | Ebm | D7 | y vuelve a empezar



Otra progresión muy común es la conocida como I - V - IV - V

C | G7 | F | G7

D | A7 | G | A7

E | B7 | A | B7

G | D7 | C | D7

También puedes invertir un poco el orden:

C | F | G7 | C

D | G | A7 | D

E | A | B7 | E

G | C | D7 | G

Con esta lección ya conoces las tres familias de acordes más comunes en la música: los acordes mayores, menores y dominantes. Un gran porcentaje de la música popular está basado en estos acordes, así que si te los aprendes todos, en todas sus inversiones podrás tocar prácticamente cualquier cosa. ¡Aventúrate a los cancioneros y trata de tocar las canciones que te gustan!

Pero aún no termina la diversión, aún nos falta conocer muchas familias de acordes (son casi 30 familias en total), sus usos, así como la forma de desarrollar el ritmo, los rasgueados, así como afinar la técnica de la mano derecha, pero antes de llegar a ese paso debes dominar las tres familias de acordes que hemos aprendido.



color=#00ff00 size=4>Usos

color=#ffffff>Los acordes dominantes se usan mucho en Rock & Roll, sin embargo también son la base de muchísimas canciones muy rítmicas. El sonido activo de los dominantes los hace ideales para música con mucho ritmo.

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Lección 5 Blues

El Blues es un estilo que es la piedra angular de la música popular contemporánea. Del Blues se derivó directamente el Rock & Roll y su influencia en la música contemporánea ha sido decisiva, su sonido característico permite con un sencillo patrón de doce compases infinidad de posibilidades. Todo guitarrista debe saber al menos lo básico del blues.

El blues consiste en una simple progresion de acordes, estos son I-IV-V. En general se utilizan acordes septima dominantes para darle un sonido mas bluesero. Se le dice 12 Bar Blues a este tipo de progresion por que esta comprendido en 12 compases dispuestos de la siguiente manera: Los primeros cuatro son la Tonica (I), los dos siguientes el cuarto intervalo(IV), seguidos por la tónica nuevamente en dos compaces mas. El compas 9 es el que marca el final de la rueda con el quinto intervalo, dejando la cuarta para el compas 10, y en los ultimos dos compaces nuevamente la tonica.

Esta progresion puede ser alternada en alguno de los compaces, como lo muestra el gráfico, pero siempre debe mantener esa estructura, tan caracteristica en el sonido rockero tambien. Con esta base pueden realizarse muchisimas combinaciones de ritmos, para darle más sentimiento a lo que se toca.

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file:///F|/salvados%20Adolfo/todo%20soft/Todos%20Cursos%20Tutoriales/Todo%20Guitarra/Todo%20Guitarra/Lección%205%20Blues.htm (1 of 6) [03/08/2004 13:30:15]


















































Adolfo

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La progresión de doce compases se aplica a cualquier clave, pues los tonos siempre son el I, IV y V. Progresiones de blues en otros tonos:

Blues en C ||: C | C | C | C7 | F7 | F7 | C7 | C7 | G7 | F7 | C7 | G7 :||

Blues en D ||: D | D | D | D7 | G7 | G7 | D7 | D7 | G7 | A7 | D7 | A7 :||

Blues en E

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Lección 5 Blues

||: E | E | E | E7 | A7 | A7 | E7 | E7 | B7 | A7 | E7 | B7 :||

Blues en F ||: F | F | F | F7 | Bb7 | Bb7 | F7 | F7 | C7 | Bb7 | F7 | C7 :||

Blues en G ||: G | G | G | G7 | C7 | C7 | G7 | G7 | D7 | C7 | G7 | D7 :||

Boggie Woogie

Los patrones Boogie son unos de las más comunes y agradables acompañamientos usados en la música de blues. A continuación te muestro seis riffs de un compás cada uno, para empezar. Toca cada ejemplo como estan (tono de Mi), después trata de trasladar cada patrón a los acordes A (IV) y B (V), y luego a un 12 bar blues.

|---------------------------------||---------------------------------||

|---------------------------------||---------------------------------||

|---------------------------------||---------------------------------||

|---------------------------------||---------------------------------||

|-2---2---4---4---2---2---4---4---||-2---2---4---4---5---5---4---4---||

|-0---0---0---0---0---0---0---0---||-0---0---0---0---0---0---0---0---||


Lección 5 Blues

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|---------------------------------||---------------------------------||

|---------------------------------||---------------------------------||

|---------------------------------||---------------------------------||

|-2---2---2---2---2---2---4---2---||---------2---4---5---4---2-------||

|-0---0---3---4---0---0---0---0---||-0---4-----------------------4---||

|----------------------------------||----------------------------------||

|----------------------------------||----------------------------------||

|----------------------------------||----------------------------------||

|-----------------2-2--------------||----------------------------------||

|---------2-2-4-4---------2-2-4-2--||-2---2---------2---5p4p2--------2-||

|-0-0-3-3-------------3-3----------||-0---0---3h4---------------3h4----||

La Escala de Blues

Ahora entremos un poco al tema de la improvisación. Puedes grabar un Blues en La (A) en una grabadora de cassettes, y luego cuando escuches la grabación, prueba tocando alguna de las notas de la escala de Blues en La tratando de seguir el ritmo.

Esta escala se


Lección 5 Blues

basa en la pentatonica menor, pero con un grado mas agregado, este es el cuarto aumentado, esta nota le da a la escala un sonido bien blusero, esa es la unica diferencia con la escala pentatonica menor, asi que no es dificil de aprender.

Descripción: Es el sonido caracteristico del Blues, deriva de la pentatonica

Cualidad: Bluesera

Estilos Musicales: Blues, Rock, Jazz, Fussion

Acordes: Menor, Menor 7ma, Menor 9na, Dominante 7ma, Dominante 9na

Intervalos: 1--3b-4-#4-5--7b

src="../imagenesdocs/guitarra/lecciones/bluesf.jpg" width=530 border="0">

Busca los patrones geométricos que te parezcan más cómodos y practica esta escala hasta que te la sepas de memoria. Te puede costar un poco de esfuerzo pero si lo haces, tendrás una sólida preparación hacia tocar tus propios solos en prácticamente cualquier estilo, así que vale la pena el aprendizaje.

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Cómo afinar la guitarra


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Uno de los aspectos más dificiles e importantes para el que comienza a estudiar la guitarra es la afinación. Es importante que tu guitarra este afinada, por el simple hecho de que te será imposible aprender a tocarla si no lo esta.

Existen diversos tipos de accesorios para afinar con presición, desde los diapasones de horquilla, pasando por silbatos, hasta los afinadores electrónicos que controlan con exactitud la frecuencia de cada nota. Te recomiendo que si esta en tus posibilidades, compres un afinador electrónico, te cuesta un poco más 25 dlls.

Nota que da cada cuerda de la Guitarra

Antes de empezar a aprender la manera más común de afinar la guitarra, tenemos que conocer la nota que da cada cuerda de ella: La cuerda de arriba (la más gruesa de todas, que también se llama 6ta. cuerda) da la nota de Mi, las notas de las cuerdas siguientes son La, Re Sol, Si y la cuerda más delgada de todas también al igual que la sexta (o la cuerda más gruesa de la guitarra) da la nota de Mi pero más aguda. Debes aprenderte de memoria la nota que da cada cuerda. Aqui te presento una imagen de lo que te estoy hablando:

Método básico de Afinación

Aflojas la sexta cuerda hasta que no dé ningún sonido, y luego la irás subiendo (apretando) muy despacio hasta que dé un sonido claro sin subirla mucho; en ésta disposición se considerará ya afinada la sexta, pasamos entonces a afinar

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Adolfo



la 5ta. cuerda que después de aflojarla como se hizo con la anterior la irás subiendo muy poco a poco hasta que ésta cuerda tocada al aire (es decir, sin que la pise la mano izquierda) produzca el mismo sonido que el de la sexta cuerda pisada en el 5to. traste. Ya afinada la quinta se procederá sucesivamente a la afinación de las demás cuerdas de acuerdo a la tabla siguiente:

· La cuerda 6ta. pisada en 5to. traste da el sonido que corresponde a la 5ta. al aire.

· La cuerda 5ta. pisada en 5to. traste da el sonido que corresponde a la 4ta. al aire.

· La cuerda 4ta. pisada en 5to. traste da el sonido que corresponde a la 3ra. al aire.

· La cuerda 3ra. pisada en 4to. traste da el sonido que corresponde a la 2da. al aire.

· La cuerda 2da. pisada en 5to. traste da el sonido que corresponde a la 1ra. al aire.

Afinación sobre una nota como referencia

Una de las formas comunes de afinar la guitarra es tratando de igualar las notas equivalentes que debe producir cada cuerda de tu guitarra con otro instrumento afinado, ya sea un piano u otra guitarra.



file:///F|/salvados%20Adolfo/todo%20soft/Todos%2...odo%20Guitarra/Cómo%20afinar%20la%20guitarra.htm (2 of 2) [03/08/2004 13:31:20]










10 secretos para mejorar

Tips y AyudasPágina Principal > Entretenimiento > Aprende Guitarra > Lecciones de guitarra > Tips y Ayudas > Documento

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10 secretos para mejorarConoce los diez tips más útiles para mejorar realmente como guitarrista.

por Jamey Andreas

1. Mírate en un espejo.Oobserva tus manos y tus dedos mientras tocas. Procura evitar la tensión y economiza tus movimientos. Asegúrate de que no estás en tensión por tu postura, ya sea sentado o de pie.

2. Redefine la palabra "error" llamándola "resultado no buscado"Al tener un resultado no buscado, supones que hay una causa y debes tratar de descubrirla y cambiar para producri en resultado diferente (el que buscas). Cada error es una oportunidad de aprender. Encuentra las causas y planea cómo mejorar para obtener un resultado diferente.

3. Ser específico con el errorTrata de ser absolutamente claro acerca de lo que pasa con un error. ¿Qué nota estás perdiendo? ¿Qué tocaste mal? ¿A donde se suponía que debían ir tus dedos al tocar?

4. Grábate todos los díasGrabáte en un cassete todos los días. Escúchalo y decido que cosas no te gustaron y empieza a pensar cómo mejorar eso.

5. Toca en público todo lo que puedasEstúdiate ¿Cómo tocas en público? ¿Estás en tensión? ¿Cómo te sientes emocionalmente? ¿Sientes ansiedad, miedo? ¿Te sientes a gusto? ¿Te gusta tocar para los demás? Estúdiate cada vez y te conocerás mejor como guitarrista y podrás mejorar.

6. Pretende que cada dedo es una persona y dale un nombre. ¿Cuales son sus cualidades? ¿Cuales sus defectos? Trabaja individualmente en cada uno. Velos como si fueran "tu grupo", si cada uno hace lo que debe hacer entonces las cosas mejorarán. Enfoca los problemas y ventajas de cada dedo de tus manos, izquierda y derecha.

7. Utiliza recordatorios frente a tí cuando practiques. Cualquier área que creas que necesita mejorar, escríbela en un papel (puede ser un post-it) y pégalo donde puedas verlo para que te recuerde mejorar ese aspecto en concreto. ¡Siempre encontrarás algo qué mejorar!

8. Movimientos adelantados.Cada vez que muevas un dedo, imagínate cual va a ser tu siguiente movimiento. Tu mente tendrá la idea clara y tus dedos obedecerán al

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Adolfo



cerebro más fácilmente.

9. Lenguage corporal.Cuando practiques, ponle atención a todo tu cuerpo. Tu postura es vital para evitar el cansancio.

10. Usa un metrónomo.Utiliza un metrónomo para construir tu técnica y medir tu desempeño. Toca a una velocidad en la que no cometas ni un solo error. Cuando tengas más comodidad, entonces aumenta la velocidad.

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Bloques de práctica: 10 minutos hacen maravillas


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Bloques de práctica: 10 minutos hacen maravillas

Por Shane Roe

Con la vida cotidiana cada vez queda menos tiempo para practicar. Muchos compartimos el problema del tiempo y tenemos que sacar el máximo jugo a nuestras sesiones de práctica. Aquí tienes algunos tips para “Prácticas de 10 minutos” que te ayudarán a lo largo del día:

-Trabaja en una escala una y otra vez. En diez minutos puedes trabajar una escala unas 50-100 veces.

-Practica cambios de acordes durante diez minutos. Tal vez hay alguna combinación que te cueste trabajo. Pásate 10 minutos repitiendo el cambio de un acorde al otro, al principio lo más lento posible.

-Trabaja en alguna frase concreta. Tal vez quieras tocar un solo y puedes tomarte 10 minutos para practicar una pequeña frase hasta que te salga perfecta.

-Escucha una canción en un CD y toca junto con ella. Esto mejor tu oido y te permite tener una buena noción del ritmo. En 10 minutos puedes practicar 3 veces la misma canción.

-Trabaja en una canción que quieras memorizar.

-Trabaja con la púa o con los dedos durante 10 minutos.

-Simplemente toca cualquier cosa: acordes, combinaciones, melodías. Esto mejora tu oido, pero va dándote combustible para componer tus propias canciones.

Existen muchas otras cosas que puedes hacer en tus “prácticas de 10 minutos”. Por supuesto, tener tu guitarra a la mano es esencial. Procura no tener que sacarla del estuche, consíguete un tripie (stand) adecuado para que en cualquier momento puedas tomar tu guitarra. Si tienes un poco más de tiempo para practicar, entonces arma “mini-sesiones” de diez minutos. Trata de hacerte el propósito de hacer estas prácticas a lo largo del día. Estos pequeños bloques de tiempo te permitirán mejor continuamente tu estilo.¡Buena suerte!

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Adolfo

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Crecimiento horizontal y Vertical


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Crecimiento horizontal y VerticalCrecer como guitarrista puede ser para mejorar, o puedes estancarte. Conoce las diferencias para tocar mejor cada día.

por Jamey Andreas

Conforme avanza un guitarrista, puede haber dos tipos de crecimiento: vertical y horizontal. Los dos son necesarios. Pero ¿En qué consisten?

Veamos un primer escenario. Llega conmigo una persona que ha tomado lecciones de guitarra durante un buen tiempo. Habrá tocado por un par de años y quizá más. Le pido que toque algo con lo que se sienta cómodo y comienza a tocar algunas cosas, las ejecuta e interpreta confiadamente y bastante bien. Le pregunto qué busca al venir a mis clases y me dice "Toco un montón de cosas, pero siempre de la misma manera. Quiero aprender algunas cosas nuevas, algunos acordes interesantes, más rasgueados, quizá aprender algo clásico". En otras palabras, lo que quiere es realizar un crecimiento vertical. Quiere tener un mejor nivel como guitarrista.

Ahora, veamos el segundo escenario: Llega alguien que a tocado por un tiempo y ha recibido lecciones. Cuando le pido que toque algo, lo hace realmente mal, le digo que toque otra cosa y tras algunas excusas vuelve a tocar pésimo. Si sigue tocando y aprendiendo material, tendrá un crecimiento horizontal, es decir, tocara igual de mal, y solamente tendrá más material, pero ningún crecimiento como guitarrista.

La razón por la que se ha estancado y no puede mejorar su forma de tocar es porque tal vez no sabe cómo practicar para resolver problemas y obtener resultados. Como toca mal y no hace nada por mejorarlo (o no sabe cómo hacerlo), tiene cimientos muy débiles para poder pensar en un crecimiento vertical. Así que el crecimiento horizontal es tocar las mismas cosas sin ningún progreso.

Si esta persona no quiere seguir aprendiendo canciones nuevas que le impliquen un reto, o las toca de la misma manera en la que siempre ha tocado, entonces se estanca y su crecimiento será horizontal. Cualquiera puede tener crecimiento horizontal. Solo se trata de aprender nuevo material, pero sin ninguna mejor técnica ni musical.

El progreso vertical es difíci. Requiere trabajo.

¿Sabes cuántos estudiantes jóvenes he conocido que tocan únicamente el principio de algunas canciones y las tocan muy mal? Muchísimos. Esto es triste e innecesario.

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Adolfo



Si te gusta la guitarra, y tienes un compromiso personal para mejorar tu desarrollo, si te mueres por tocar como tus guitarristas favoritos, entonces debes pensar en crear crecimiento vertical. No se trata de repetir una y otra vez las cosas que ya tocas, sino reforzar tus músculos, escuchar más lo que tocas, mejorar sensiblemente tu sentido musical. Y eso se logra no solamente repitiendo cosas, sino experimentando, atreviéndose a tocar cosas nuevas y siendo creativo.

Por experiencia se que no es fácil el crecimiento vertical pero no es imposible. La palabra "difícil" no es necesariamente la única. Yo siempre veo estas dificultades como retos. Si quieres mejorar como guitarrista es momento de que te empiecen a gustar los retos. Tenemos que aprender a tomar los retos poco a poco, uno detrás de otro.

Si te has estancado y sientes que simplemente tras mucho tiempo no mejoras, es entonces tiempo de pensar en cómo lograr crecimiento vertical. Compra libros con los guitarristas que te gustan y no tengas miedo, tal vez los ejercicios sean difíciles, en ese caso hazlos lentamente, no hay prisa. Alguien dirá "es que si compro un libro de Jimi Hendrix no voy a poder tocarlo". Eso puede ser cierto al principio, pero si te aplicas a aprenderlo de la manera más lenta posible y sobre todo de manera sistemática, estarás en el principio de tu crecimiento vertical. Adquiere el hábito de aprender canciones completas, no solo las partes que te gustan o lo que te parece más fácil.

Es importante darse cuenta de que la calidad de nuestro crecimiento vertical determina la calidad de nuestro crecimiento horizontal. Aplícate a aprender cosas nuevas que sean retos, y lo que aprendas aplícalo en otras situaciones. Cuando aprendas nuevo material, tu crecimiento horizontal también se verá fortalecido.

Si el crecimiento vertical es constante y estable, el nuevo material que aprendas mejorará sensiblemente, y conforme aprendas nuevas canciones las tocarás mucho mejor. Este es el tipo de crecimiento horizontal que hace falta.

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Cómo crear tu Repertorio


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Cómo crear tu RepertorioNo solo se trata de practicar, sino de tocar algo coherente, completo y sin errores frente a otra gente. Aprende cómo crear tu repertorio.

por Jamey Andreas

Al paso de los años me he encontrado con muchos estudiantes de guitarra quienes realmente no pueden tocar nada, aunque hayan tomado clases a veces por años. Si se les preguntaba que tocaran algo, lo mejor que podían hacer era tocar pedazos aislados de canciones o de solos en los que habían trabajado. Han perdido algunas partes del conocimiento acerca de la ciencia y el arte de practicar que les hubiera ayudado mucho. Uno debe saber tocar "algo" concreto de tal modo que los demás puedan oirnos tocar. ¿Cómo tocar algo lo suficientemente sólido para que no me cause vergüenza y que a quien me escucha no le sea incómodo verme pasar un mal rato? ¿Tienes un repertorio?

Contesta a estas preguntas:

¿Tocas un grupo de canciones o melodías con las que te sientes cómodo, confiado y que disfrutas tocando? Si alguien te pide que toques algo, ¿Puedes interpretar algo concreto, completo y no solo pedacitos? ¿Has probado y refinado tu repertorio en frente de la gente? Hay muchas razones por las cuales contar con un repertorio es vital para desarrollarte apropiadamente como guitarrista, y te las explicaré en detalle. Pero en primer lugar déjame contarte de las razones por las cuales muchos "guitarristas" no tienen un repertorio:

a) Nadie les dijo cuán importante es tener un repertorio.b) Nadie les dijo cómo construir su repertorio.c) Es más fácil dejar las cosas a medio acabar, en pedacitos, que ponerlos juntos. De hecho el tocar una pieza completa en el tiempo adecuado y sin un solo error es a veces la parte más difícil de aprender a tocar una canción.

Primero toca para tí mismo.

Algunas personas siempre practican, pero nunca tocan. Otras siempre tocan, pero nunca practican. Cada una es mala, pero la primera es la peor. Un día, cuando empezaba a tocar, sucedió que tomé una guitarra y empecé a tocar una pieza de las que estaba practicando en mis clases. Me di cuenta de que muy rara vez me daba el gusto de tocar algo simplemente por el placer de oir la música que estaba produciendo. Estaba demasiado preocupado "practicando". A partir de ese día todos los días después de practicar prendía y una vela y tocaba las cosas que me gustaban. No me obsesionaba con los errores ni me auto-flagelaba, simplemente tocaba y disfrutaba.

Para mí este fue el principio de desarrollar un repertorio, provocado por

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file:///F|/salvados%20Adolfo/todo%20soft/Todos%2...do%20Guitarra/Cómo%20crear%20tu%20Repertorio.htm (1 of 3) [03/08/2004 13:33:18]























































Adolfo



mi propia necesidad emocional de tocar algo que me gustara. Estaba regresando al punto original por la que había querido tocar la guitarra, pero me había complicado demasiado.

Tocando para los demás

Conforme pasó el tiempo, me di cuenta de que si no empezaba a actuar para otras personas no mejoraría mucho. Me di cuenta de que si no encontraba cómo refinar lo que tocaba no iba a llegar muy lejos.

Entonces aunque no me gustara la idea, tenía que tocar para otras personas y dejar que me escucharan. Tuve que admitir que me daba miedo y que tenía pavor a equivocarme. Al principio comencé imaginándome que daba un pequeño concierto y fue una buena idea. Comencé tocando para mi familia, les hacía que se sentaran frene a mí y tocaba para ellos. Así podía experimentar la presión y los nervios de tocar frente a alguien y enfocar qué era lo que más me costaba trabajo para mejorarlo.

Fue entonces que cada vez que llegaba a clases de guitarra, tenía preparada una canción y la tocaba para mi maestro antes de empezar la clase. Para la siguiente clase ya debía tener una canción nueva.

Continué haciendo esto y comencé a mejorar muchísimo. Al realizar estas "actuaciones" me di cuenta de que mi tiempo dr práctica se estructuraba y oranizaba mejor. Me daba cuenta de las cosas que tenía que practicar más para que mi "actuación" fuera mejor. Por supuesto que tuve la satisfacción de lograr la habilidad necesaria para tocar algo coherente frente a otra persona e incluso a veces recibía sus aplausos. Para aquellos que les falte motivación para prácticar, déjenme decirles que no hay nada como saber que se va a tocar en público para forzarse.

A partir de ese momento entonces comencé a dar conciertos en público y empecé a ver mi foto en los periódicos ¡Se estaba poniendo divertido!

Cómo crear un repertorio: ¡Escríbelo!

Escribe tu proyecto de repertorio. Eso te ayudará a saber hacia donde quieres ir. Incluso al planear tu repertorio puedes saber qué efectos causar colocando piezas suaves, otras rápidas, algunas muy agresivas, etc.

Como primer paso, escribe tres canciones o melodías que te gusten y que se encuentren en tu nivel para poder tocarlas. No importa cuáles sean, lo importante es comenzar con algo y desarrollarse a partir de ahí.

Tras practicarlas cada día, grábalas. Escúchalas (no te preocupes por los errores, solo tendrás que practicar más).

Poco a poco verás que tus canciones o melodías mejoran cada vez más.

Cuando estés tocando razonablemente bien, planea quién será tu primer víctima para que escuche tu "mini-concierto". Por supuesto es buena idea que sea alguien que verdaderamente te aprecie y con quien sientas confianza (te sentirás menos nervioso.)

Graba tu concierto en vivo. Más tarde podrás escucharlo y estarás seguro de que estarás tocando lo peor que puedes: estarás nervioso, se te olvidarán cosas, etc. Es importante saber cual es tu peor nivel porque ¡Simplemente no puedes caer más bajo! Y si empieza a gustarte lo que oyes, significa que vas por buenos pasos. Si te escuchas y verdaderamente es horroroso, no te preocupes, más práctica, más grabaciones y todo se resolverá.

En este punto, en el que ya habrás "tocado fondo" y encarado tus peores miedos, es donde todo comienza a mejorar. Tomarás ese cassette, y poco a poco, cada día, irás mejorándolo. En un mes habrás mejorado notablemente tu nivel como guitarrista, y comenzarás a ser eso: un guitarrista, y no solo un estudiante de guitarra.

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La próxima vez que actúes en vivo en un mini concierto, saldrá mejor y cuando llegue el punto de tocar algo aún mejor y más grande tendrás ya bastante experiencia. Para cuando pase el tiempo, ya tendrás un repertorio bastante sólido. Y algún día, cuando te pares frente a un público no sudarás frío, no te equivocarás e incluso disfrutarás de lo que estás haciendo. Y eso era lo que soñabas cuando comenzaste a tocar la guitarra ¿Lo recuerdas?













¿Composición? A veces solo tienes que tocar

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¿Composición? A veces solo tienes que tocarComponer puede ser un reto y una gran frustración. Aprende a liberar las tensiones y a disfrutar del proceso.

por Laura Wilson

Cuando empecé a tocar la guitarra, siempre quise componer canciones. Sin embargo parecía que nada me salía, y yo me daba de topes contra la pared tratando de componer algo. Escuchaba el radio, me metía en mi colección de CD"s buscando las respuestas sobre cómo quería que sonaran mis canciones. Traté de escribir en muchos géneros: pop, rock, blues. Estaba desesperada por escribir una sola canción. Siempre que me sentaba a componer, acababa más frustrada y de hecho empecé a detestar la guitarra. A veces hasta me daban ganas de romperla en el suelo. Muchas veces la dejé en su estuche durante semanas por la frustración. Simplemente nada parecía salir bien. Quería escribir una gran canción, pero me sentía sin esperanza.

Entonces ocurrió un día que tomé mi guitarra y puse mi máquina de ritmos y simplemente me puse a tocar. En realidad no pensaba en qué estaba tocando, incluso no estaba pensando ni siquiera en lo que estaba haciendo. Simplemente lo deje fluir. Y entonces ¡Oh sorpresa! Las ideas comenzaron a fluir. Entre más me la pasaba simplemente sentada y tocando, me sentía mejor y mejor y mi música comenzaba a salir. ¿Qué estaba pasando? Incluso ni siquier tenía que concentrarme en el género o buscar hacer una canción. Mis influencia musicales desde la infancia comenzaron a salir. ¡Me sorprendí increiblemente! Comencé a grabar todo lo que hacía. de pronto, me encontré componiendo tres canciones por día. Después, me senté a oir la música que había creado y comencé a cuestionarla, y ¡desilusión! simplemente nada me gustaba y regresé a donde había empezado: frustrada y sin esperanza.

Me detuve a pensar mucho en esto. ¿Qué me ocurría? Y la respuesta era que había cuestionado mis canciones trtando de sonar como alguien más que escribe una buena canción. Me dí cuenta de que bueno o malo, lo que habia tocado me había salido del croazón. Aún si a nadie le gustase alguna de esas canciones, para mí eran un asunto muy personal. Lo importante era que yo me sintiera bien. Por supuesto que no sonaba como mis compositores favoritos, pero es que ¡YO no soy mis compositores favoritos! Soy una persona distinta, con diferentes influencias y diferentes formas de tocar. Todos tenemos una individualidad. Crecí con la música de los 70"s y 80"s. Las canciones que escribí hablan sobre mi historia musical y mis posibilidades como guitarristas, y en verdad no creo que sea importante si le gustan a alguien más. Esa música que yo había compuesto me encantaba, me hace sentir cómoda. Y me gusta tocarla. Y ahí esta la clave, no importa

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Adolfo

Doctrina ¿Composición? A veces solo tienes que tocar Ir

¿Composición? A veces solo tienes que tocar

lo que escribas, ni en qué género, ni qué tan complicada o simple sea, mientras a tí te haga sentir bien y te guste. Tienes que estar contento con lo que escribes. No yo, ni tus hermanos, o primos. ¡Tú! Porque en este asunto de la música cuenta muchísimo lo que tú puedes y quieres expresar al mundo. Esta es una de las grandes metas de cualquier músico. Lo fundamental es crear música, no complacer a nadie y no se trata de egoísmo, sino que es la única manera de quitar ese bloqueo que uno siente al componer y esa tendencia a criticarse.

Las influencias musicales te ayudan, pero no son tu. Trata de ser tú mismo con tu música, así simplemente no te puedes equivocar. Si tú crees en la música que hace, la otra gente también lo hará eventualmente. No tienes que hacer casi nada, porque ya está ahí. Simplemente síentate a tocar, toca lo que te gusta y trata de organizar tus conocimientos para que se convierta en algo coherente. No solo compondrás mejores canciones a la larga, sino que disfrutarás muchísimo más el proceso. Y de eso se trata tocar la guitarra ¿no?

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Nunca es tarde para empezarCualquier persona puede aprender a tocar la guitarra sin importar la edad. Desde adultos hasta personas bastante mayores (más de 70 años), encontrarán en la guitarra un nuevo reto.

Algo que he aprendido de la guitarra en casi 15 años de práctica, es que no hay edad para comenzar. Por supuesto que un niño que aprende a tocar puede llegar muy lejos... o abandonarlo rápidamente. La juventud tiene una gran energía, pero con frecuencia poca paciencia y disciplina y esas son precisamente las virtudes necesarias para tocar la guitarra. Un adulto puede carecer de tiempo o de energía, pero su interés y paciencia pueden obrar maravillas.

Cualquier persona puede aprender a tocar la guitarra sin importar la edad. Desde adultos hasta personas bastante mayores (más de 70 años), encontrarán en la guitarra un nuevo reto.

Una ventaja de aprender a tocar la guitarra siendo mayor es que ya se conoce bastante música. Esto brinda un panorama muy claro para quien empieza a tocar la guitarra como adulto, pues le queda muy claro qué quiere tocar.

Mucha gente piensa que tocar la guitarra requiere muchísimos años. Ciertamente que con el paso del tiempo se van mejorando las habilidades, pero lo básico puede aprenderse en 6 meses, y en un par de años puede tocarse algo de muy buen nivel.

Cuando la gente me pregunta si no será demasiado tarde para aprender, siempre pregunto la edad. Una vez me dijeron “tengo 60 años” y contesté “Bueno, si hoy no empiezas a tocar la guitarra, cuando tengas 62 estarás igual que ahora, pero si empiezas hoy, quizá para tu cumpleaños número sesenta y dos puedas tocar algunas cosas muy interesantes.”

Uno de los mayores motores para tocar la guitarra está en la motivación y en la constancia. Una persona adulta puede ser muy constante, y su avance le irá motivando más y más.

Dejar de aprender a tocar la guitarra por la edad no es un buen motivo. Si en casa no hay por ahí una guitarra arrumbada, hay que emprender el viaje a la tienda de instrumentos musicales más cercana ¡Y divertirse comprando una guitarra!

Una ventaja muy grande de tocar siendo adulto, es que uno suele tener una situación económica menos apretada que la de un estudiante, por lo que puede acceder con mayor facilidad a instrumentos de mejor calidad, que son determinantes para aprender correctamente.

También es probable que haya una academia de música cercana. Matricularse es cosa de un minuto. También hay muchos cursos en internet (como los que presentamos en Encuentra.com) y una cantidad

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Adolfo



inmensa de libros.

Hoy en día existe la ventaja de una gran cantidad de material didáctico: libros, CD’s, revistas que facilitan más que nunca el aprendizaje.

Decidirse a tocar la guitarra es el comienzo de un camino estupendo y divertido que brinda una cantidad innumerable de satisfacciones. ¿No sería fabuloso tocar nuestra canción favorita? ¿No sería muy gratificante tocar canciones con los amigos?

Al tocar la guitarra hay muchas barreras, pero la menos válida de todas es la edad. ¡Nunca es tarde para empezar!

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Todos Podemos CantarPrepárate para una verdad que te sorprenderá: todos tenemos la habilidad de cantar.

Por Karen Farnum Surnami

Prepárate para una verdad que te sorprenderá: todos tenemos la habilidad de cantar. El deseo de cantar habita en el alma humana y en el espíritu de cada persona. Si tienes el deseo, entonces puedes cantar. Todas las personas llevan a un cantante, un bailarín, un guitarrista dentro de ellos que está buscando la oportunidad de expresarse. El objetivo de los artículos que estoy escribiendo y que irán apareciendo poco a poco aquí es descubrir al cantante que llevas dentro y permitirle que su canción sea escuchada.

Desde el principio de la humunidad, su voz ha sido usada como el medio de expresión por excelencia. Es el instrumento musical más antiguo. En todas sus formas, -murmullos, hablar, gritar o cantar- el propósito de la voz humana es comunicar.

Cuando cantamos estamos comunicando un mensaje. No importa si el mensaje es una canción o una frase en un discurso, la comunicación siempre está ahí. Siempre ha sido una aspiración el comunicar los sentimientos humanos mediante el canto. La comunicación puede ser tan simple como un sentimiento feliz o tan compleja como el significado y simbolismo contenidos en una poesía. Cantar es un modo de transmitir nuestras emociones, quizá también por esa razón mucha gente es tan aprensiva a la hora de cantar.

En realidad el canto es un proceso realmente simple, se trata de hablar con un tono musical definido y dejar que nuestro cuerpo haga algo en lo que tiene bastante práctica: respirar. A pesar de que es algo tan simple (cantar en un tono y respirar) hay gente que tiene que re-educarse para abandonar la tensión muscular y lograr un estado de relajación y confianza. Al tratar de cantar muy bien, mucha gente no se da cuenta de su auténtico potencial.

A veces queremos cantar como alguien más o tenemos una idea preconcebida de cómo esperamos que suene nuestra voz. En realidad el objetivo es descubrir tu propia voz, lograr que cuando cantes lo hagas de una forma libre y natural.

Algunas personas tienen voces "pequeñas" o "ligeras" otras "grandes" o "pesadas". Tratar de cambiar tu característica fundamental como cantante solo acarrea problemas: Un lirio jamás podrá convertirse en una rosa y además ¿Para qué querría hacerlo? Cada flor tiene su propia belleza. Es lo mismo cuando se trata de desarrollar la voz, la clave es usar lo que tenemos y refinarlo. No parece tan difícil ¿verdad?

Los cantantes, como con los guitarristas y cualquier otro artista, no pueden desarrollar sus propias habilidades cuando tratan de emular a

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Adolfo



alguien más. Esto no quiere decir que no podamos aprender de los grandes artistas o tener influencias, pero debemos darnos cuenta de que cada persona es única y que cada persona tiene una fisiología individual y un desarrollo emocional distinto. Si esto se aplica en la guitarra, en la voz es cien veces más cierto porque tú puedes ir a una tienda de guitarra y con suficiente dinero comprar el mismo equipo que usa tu guitarrista favorito y tendrás un terreno ganado. Sin embargo aquí estamos hablando de tu cuerpo y con lo que respecta a la voz no puedes alterarlo. Tu estructura ósea, tu capacidad respiratoria, tu altura, todo afecta al sonido de tu voz. La voz es, a final de cuentas, como una huella digital: única e irrepetible. No hay nada más agradable que finalmente encontrar tu propia voz y lograr sacarle partido. Piensa en esto: ningún cantante importante o famoso lo ha sido por tratar de emular a alguien más. Tuvo que explorar y desarrollar sus propias fortalezas, debilidades, talentos y sonido individual, del mismo modo que tu lo harás si te decides a cantar y a seguir estos artículos conmigo.

Cuando escribo esto lo hago teniendo en mente que cualquier persona puede cantar si lo quiere y que no importa qué tan lejos quiera llegar. Puede ser que nunca hayas tenido una lección de canto y te interese cantar por diversión, tal vez tengas muy poco tiempo para estudiar, o no tengas dinero para pagar un maestro, tal vez solo quieres refrescar algo de tu propio conocimiento técnico. No importa si lo que quieres es cantar en un grupo de rock, o en una fiesta con tus amigos o amigas o formar parte del coro de la Iglesia, creo que aquí puedo darte algunas idea que te gustarán, así que espero que nos sigas cada semana en este nuevo espacio.

¡Ah! Y si crees que aquí solo tuviste una introducción de un "curso de canto" te equivocas. En esta lección, quizá tu primer lección aprendimos que:

1. La voz humana es el medio de comunicación por excelencia.2. La voz humana fue el primer instrumento musical.3. La voz humana puede comunicar palabras en frases o mensajes con música.4. Todos podemos cantar, todos tenemos una voz única e individual que podemos y debemos descubrir. 5. Nuestra voz es como una huella digital, así que no sirve de nada querer copiar a otro cantante.

¡Hasta la próxima!

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¿Vivir de la Guitarra?


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¿Vivir de la Guitarra?Conoce los consejos de un veterano que un día hizo realidad su sueño y ha vivido de su música durante 30 años

por Kirk Lorange

He vivido de la guitarra durante 30 años. Comencé cuando terminé la educación media superior. A veces todos tenemos el sueño siendo jóvenes de convertirnos en guitarristas profesionales. Después de todo ¡Es tan placentero tocar! Y siempre te dicen que te dediques a algo que te gusta ¿verdad? Bueno, pues yo también tuve ese sueño.

Mi primer trabajo fue tocar guitarra acústica instrumental en un bar en Montreal (era el Sir Winston Churchill Pub). Tocaba canciones populares haciéndoles arreglos para guitarra acústica. No era un trabajo de estrellato, pero aprendía y me comenzaba a dejar un dinerito.

Todos soñamos con hacer una carrera musical y vender millones de discos, igual que Mark Knoplfer, Eric Clapton o Santana. Todos queremos tener ese nivel de éxito y por supuesto esa es la clase de metas que más fácilmente pueden aniquilar tu carrera musical. Hacer de la guitarra tu forma de vida tiene muy poco que ver con vender millones de discos. Necesitas muchos factores, y por supuesto que un poco de suerte nunca está de más. Es evidente que a veces estar en el lugar correcto en el momento correcto es crucial. Pero si no empiezas poco a poco, nunca lo vas a lograr.

Hacer una carrera musical no es fácil, eso es evidente. Sin embargo tampoco es demasiado diferente a cualquier otra carrera. Cuando sales de la universidad tras terminar una carrera de administrador no piensas que te van a dar trabajo como presidente de General Electric o de Siemens. Cuando sales de la universidad sabes que tendrás que empezar desde abajo y que tendrás que hacerte un espacio en la "jungla corporporativa" y que con mucho esfuerzo y un poco de suerte algún día podrás tener una posición general, y si tienes verdaderamente mucha suerte podrás algún día ser director. En la música es lo mismo. Si comienzas con objetivos realistas, tienes muchas más posibilidades. Lo que debes hacer es intentarlo con una actitud correcta y pensar siempre como un profesional.

Hay muchas formas de generar dinero como guitarrista. De hecho, yo procuro hacer un poco de todo.

La forma más evidente es ganar dinero actuando ante un público, también es de lo más satisfactorio y al mismo tiempo difícil especialmente si tocas tu propia música, estando solo o con un grupo. Otra posibilidad (y no creas que estoy bromeando) es irte a un parque agradable donde haya buen clima y ponte a tocar, abre el estuche de tu guitarra y alguien eventualmente arrojará un par de monedas, otros se

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Adolfo



quedarán un rato escuchándote. ¡Es mejor que no obtener nada practicando en el cuarto de tu casa! ¿Te suena demasiado duro? ¡Créeme que hay cosas peores!

Otra forma de ganar dinero es tocando como un guitarrista profesional para grupos. Eso no significa tener tu propio grupo, o tocar necesariamente la música que te gusta. Se trata de tocar lo que te pidan. Si eres suficientemente bueno y profesional nunca te faltará trabajo. Si tocas lo que te piden, como te lo piden, te sabes las canciones perfectamente, llegas a tiempo a los ensayos, cuando se trate de tocar haces lo que te toca de manera consistente, siempre habrá alguien que piense en tu nombre cuando necesite un substituto.

Si eres un guitarrista lo suficientemente bueno y tienes la actitud profesional correcta incluso podrías convertirte un día en un guitarrista de estudio. Un instrumento que siempre hace falta en cualquier sesión de grabación es un guitarrista. ¿Sabías que Jimmy Page de Led Zeppelin apareció como guitarrista en prácticamente todos los discos grabados en Inglaterra en la primera mitad de los sesentas?

Si eres suficientemente versátil, también puedes encontrar una carrera tocando en comerciales para TV o radio. En esto debes ser muy profesional y hacer lo que te pidan. El terreno de la música comercial no es un terreno para explayar tu talento o creatividad. Te piden que toques flamenco y lo tocas. Si quieren un blues también tocas lo que piden y listo. Frecuentemente un productor te pedirá que toques algo que no te gusta o que simplemente tú sientes que no va. Puedes hacer sugerencias, pero no insistir o estarás en la calle más pronto de lo que piensas. A veces tú solo ves una parte del proceso musical, no sabes qué otras partes del arreglo formarán parte de la obra final.

La puntualidad y tener tu propio equipo (y que sea un equipo de estupenda calidad) es imprescindible. A ningún productor le gustará que hagas ajustes en tu guitarra o amplificador mientras el reloj está haciendo tic-tac y cada hora de estudio cuesta $500 dólares.

Y por último, una buena opción es dar clases. No es la forma más lucrativa de vivir de la guitarra, pero te ayudará a practicar como loco, a repasar lo que ya sabes y podrás tener una vida más estable. Conozco amigos que tienen alumnos y enseñan en escuelas y universidades y en conjunto no les va nada mal.

Si te gustan las herramientas y meterte a fondo en cosas técnicas también puedes pensar en ser un técnico de guitarra. Tengo un viejo amigo que era técnico de guitarras, era increíblemente bueno. Tenía muchísimo trabajo porque otros guitarristas siempre le llevaban a arreglar sus instrumentos cuando fallaban. Era verdaderamente excelente, disciplinado, creativo y muy consistente. Este amigo se llama Seymour Duncan, y creo que últimamente no le ha ido tan mal.

El secreto de vivir de la guitarra es hacer un poco de todo lo anterior: un poco de grabaciones, tocar para otros grupos, tocar una noche o dos en algún sitio, dar clases, etc. Todo al mismo tiempo. ¡Por supuesto que te dará una buena dosis de trabajo! Pero de eso se trata ¿no? Los músicos a veces somos vistos como flojos, vagos, poco confiables y muy probablemente alcohólicos. Pero si no eres nada de eso y eres consistente, la gente del negocio de la música se dará cuenta y como no es fácil de encontrar te sorprenderás cuánto pueden llegar a confiar en tí. Trata de ser recto, puntual, educado, confiable. Asegúrate de que queda bien claro cuánto vas a ganar en lo que te contraten ANTES de tocar, si puedes que te lo pongan en papel.

¿Suena difícil? Bueno, pues en la vida nada es fácil. Pero sí puedo asegurarte algo: me encanta tocar la guitarra, y lo he hecho durante 30 años y aunque no soy millonario ni vendo discos como Eric Clapton, mi familia y yo nos hemos mantenido de la música con la misma dignidad que el gerente de una empresa grande. ¡Pero yo me he divertido mucho más!

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¡Atrévete a cantar!


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¡Atrévete a cantar!Además de tocar la guitarra, la gente querrá oirte cantar. Te damos los mejores tips que te ayudarán a "lanzarte al ruedo".

No tengas miedo de cantar. Mucha gente empieza a tocar la guitarra porque quiere cantar con sus amigos. Es un hecho: puedes saberte una pieza instrumental preciosa, pero a la gente le llama la atención cuando alguien junto con su guitarra se pone a cantar ¡Aún si lo hace bastante mal!

A todos nos cuesta trabajar esto. Para empezar, tocar la guitarra y cantar al mismo tiempo nos ha parecido a todos imposible al principio, sin embargo conforme vas tomando práctica con tu instrumento, tu cerebro puede ejecutar dos operaciones totalmente distintas (cantar y tocar) al mismo tiempo. Es solo cuestión de tiempo.

Pero ¿Cantar? Sí, ya se que da miedo: las manos te tiemblan, sudas frío, te da miedo hacer el ridículo... Y aún solo cantas bajito, apenas tú te oyes. Y peor aún si alguien nos pide que cantemos algo...

Bueno, pues ¡hay que cantar! Y es importante que al hacerlo no estés viendo dónde pones los dedos, sino que veas a la gente que te escucha. Te aseguro de que no se van a reir si te equivocas o si cantas mal, porque todos sabemos que es difícil, y quien te escucha sabe que probablemente no lo haría mucho mejor. Trata de cantar y practica, igual que practicas la guitarra.

Tu repertorio

Tener un repertorio de canciones es importante, pero ten cuidado al elegirlo. Primero, busca un buen número de canciones populares que todo el mundo conozca y que sean un "hit", tus posibilidades mejoran mucho, porque si los que te oyen empiezan a cantar contigo, entonces no escucharán tanto si tienes buena o mala voz. Además, ¡hay que hacer ambiente! ¿no? En tu repertorio debes tener de todo un poco: canciones rítmicas y "movidas", baladas románticas y canciones de tu país. No hay nada más espantoso que conocer a un español que no sabe ni una pieza de flamenco, o a un mexicano que no se sabe una canción ranchera. ¡La gente quiere escuchar canciones típicas!

Regla de oro: Procura no tener canciones deprimentes. Si la gente está alegre, la deprimirás, y si está triste ¡olvídate!

También es buena idea de que incluyas varios géneros: rock & roll, blues, jazz, pop. ¡Todo funciona!

Postura

Trata de relajarte. Mantén la cabeza erguida. Si estás sentado, procura

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Adolfo



que tu espalda se apoye en algo.

Volumen y entonación

Regla de oro: Es mejor cantar a un volumen medio y un poco bajo (no en volumen, sino en tono) a cantar muy bajito o muy fuerte y empezar cantando notas altas. ¡Se te puede ir la voz!

PronunciaciónHaz un esfuerzo por pronunciar claramente las palabras de la canción.

VibratoSolamente tienes que imitar a una oveja haciendo "beeeeee". Prácticalo bastante, y entonces intenta cantar algunas canciones con ese vibrato. Es un truco simple, pero puede darte estupendos resultados.

TiempoConcéntrate en el ritmo, melodía y la letra y trata de cantar junto con tu acompañamiento. Practica un buen rato y no tendrás problema con esto.

AfinaciónTal vez esto es lo más difícil. Puedes tener uno voz grandiosa, pero si cantas desafinado, entonces sonará ¡horrible! Aún si no tienes una voz de campeonato pero cantas entonado las cosas se ponen mucho mejor. Trata de repetir notas que toques en tu guitarra con la voz.

SentimientoToma nota, este truco es tan bueno que debería cobrarte por él: siempre puedes decir "canto mal, pero con mucho sentimiento" ¡Asegúrate de que tu voz expresa un sentimiento! Si cantas una canción alegre, trata de sonreir mientras cantas, y eso se reflejará en el ánimo de la canción, pero sobre todo en el ánimo de la gente.

Carisma vs. Talento

Una vez comencé a cantar y tocar en un bar. Yo sabía que no cantaba muy bien, y tenía un amigo que cantaba increíble, así que le pedí que fuera conmigo al bar. Primero yo canté una canción solo (y con un poco de vergüenza), y luego llegó mi amigo. ¡Fue deslumbrante! Cantaba increiblemente bien. Sin embargo al final de la noche el dueño del bar me dijo "Muy bien, fue una buena noche, nos vemos la próxima semana ¡pero a tu amigo no quiero verlo nunca más en mi bar!". Me fui de espalda. Mi amigo cantaba muy bien, pero tenía un "algo" que desagradaba a la gente. El dueño del bar prefería mi voz no tan buena, pero a la gente le gustaba, y mi amigo cantó muy bien, pero no le cayó bien a la gente.

Bueno, pues eso es todo por el momento. Espero que te sueltes un poco y empieces a cantar ¡Es divertido!

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¿Acústica o Eléctrica?

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¿Acústica o Eléctrica?Al empezar, siempre se tiene el gusanillo de tocar una eléctrica. Pero ¿Realmente qué es lo mejor para tí y para el estilo de música que quieres tocar?

Todos, cuando comenzamos a tocar la guitarra, sentimos ese "gusanillo" de tocar la guitarra eléctrica, y realmente la guitarra eléctrica es apasionante. Sin embargo, no la recomendamos mucho para quienes apenas comienzan a aprender por varios motivos:

Una guitarra eléctrica generalmente es más cara que una acústica. Necesitas de mucho más equipo para tocar: guitarra, amplificador, procesador de efectos, etc. (Consulta aquí todo el equipo necesario) Además, tocar una guitarra acústica de cuerdas de nylon o de metal es más difícil porque las cuerdas son mucho más gruesas, por lo tanto, el día que uno logra tocar una eléctrica, los dedos se desplazan con gran facilidad. Si aprendes en una eléctrica, el día que tomes una acústica realmente sufrirás.

También tiene mucho que ver si tocas solo o acompañado. Si tocas en solitario (la mayoría comenzamos así), una guitarra acústica es bastante independiente y puedes llevarla a cualquier lado (fiestas, reuniones, salidas al campo) cosa que no es tan simple para el guitarrista eléctrico. Pero si tocas en un grupo, tu guitarra acústica se perderá fácilmente si no la amplificas, y es mucho más fácil amplificar una eléctrica que una acústica.

Otro punto a considerar es el estilo de música. Cada guitarra tiene su uso. Retomando el punto de las acústicas, ya decíamos que hay con cuerdas de nylon y de metal. Las primeras se usan para tocar guitarra clásica, boleros y flamenco. Es la más popular en hispanoamérica. Las de cuerdas de metal tienen un timbre muy interesante, pero son útiles solo para tocar canciones pop, folk, bluegrass y country. Sin embargo, si lo tuyo es el rock entonces una acústica no te será muy práctica (a menos que quieras tocar un "unplugged").

Si apenas estás empezando, te recomendamos que compres una guitarra acústica de tipo española con cuerdas de nylon. Son versátiles, relativamente baratas aún siendo buenos instrumentos y con ellas puedes tocar casi de todo. Si ya tocas algo, podrías embarcarte en la aventura eléctrica que tiene cosas estupendas.

Conclusión

Analiza tu tipo de estilo, cuánto presupuesto tienes y con quién tocas. Para iniciar cómprate una acústica de tipo español.Aquí puedes consultar una guía para comprar tu primera guitarra.

Para los intermedios una guitarra con cuerdas de metal del tipo "Folk" les puede dar una buena variedad, y también pueden pensar en una eléctrica

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Adolfo

Acústica o Eléctrica?

¿Acústica o Eléctrica?

¿Para los avanzados? Si a estas alturas no tienen una eléctrica, una acústica de folk y una clásica entonces es que realmente han perdido un poco el tiempo.

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Breve Diccionario MusicalUna selección de las definiciones más mportantes para entender mejor el idioma de la música.

Recopilación de Pablo Muñoz

AcordeConjunto de sonidos que suenan de forma simultánea. Los acordes se clasifican por el intervalo que se genera entre sus notas y se cuentan de abajo a arriba. El tipo de acorde más habitual es la tríada, que se construye con dos terceras consecutivas o una tercera y una quinta. Si el intervalo de la tercera inferior es mayor y el de arriba menor, se trata de un acorde o tríada mayor (como en do mayor: do, mi y sol). Si los intervalos están en el orden tercera menor-tercera mayor, entonces se trata de un acorde menor (como en do menor: do, mi bemol y sol, o la menor: la, do y mi). Menos comunes son los acordes disminuidos (dos terceras menores consecutivas, como en si, re y fa, y los aumentados (dos terceras mayores, como en do, mi y sol sostenido). Acorde perfecto es un acorde de tres sonidos formado por una nota fundamental, una tercera (mayor o menor) y una quinta justa. También se pueden describir los acordes como una combinación de intervalos de tercera (como entre do y mi) y de quinta (como entre do y sol), contando ambos desde la nota del bajo (en este caso, do). ArmoníaLa combinación de notas que se emiten simultáneamente. El término armonía se emplea tanto en el sentido general de un conjunto de notas o sonidos que suenan al mismo tiempo, como en el de la sucesión de estos conjuntos de sonidos. La armonía sería el término contrapuesto al de melodía (en que los sonidos se emiten uno después de otro).

ArpegioSucesión de los sonidos de un acorde.

CadenciaFórmula musical que brinda una sensación de reposo al final de una frase o composición. Dichas fórmulas no sólo suenan así en un sentido estrictamente musical, sino también, dada su familiaridad, llevan al oyente a esperar un punto de detenimiento temporal o permanente.

CadenzaPasaje solista de carácter virtuoso, desarrollado como una improvisación, que suele insertarse cerca del final de una composición o sección musical. Las cadenzas brindan al solista la oportunidad no sólo de demostrar su brillantez técnica, sino también de mostrar su talento para elaborar los materiales básicos de una composición

CompásPeríodo de tiempo igual a otros con que se marca el ritmo de una frase musical, cuya división natural viene indicada en el pentagrama por unas líneas verticales

ContrapuntoCombinación simultánea de dos o más melodías. La palabra contrapunto viene del latín punctus contra punctum (punto contra punto) o nota

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Adolfo



contra nota. Ello significa una melodía contrapuesta a otra. Si bien el término es casi un sinónimo de polifonía (una textura musical que contiene simultáneamente dos o más melodías), ambas palabras difieren ligeramente en su uso habitual. La polifonía se refiere a las texturas en general (oponiendo la polifonía a la homofonía), mientras que el vocablo contrapunto suele reservarse para las técnicas de composición polifónica.

Cromatismo (del griego, chroma, "color"), en una composición musical, es el uso de notas que no pertenecen a la escala musical sobre la que se basa la composición. En esencia, un tono cromático es aquél producido por la elevación o descenso de un semitono (por ejemplo, de fa a fa sostenido), sobre una de las notas individuales de la escala diatónica básica de siete notas (en do mayor, por ejemplo, estas notas son do, re, mi, fa, sol, la y si).

DiapasónPequeña horquilla de dos puntas utilizada por los músicos para obtener, al golpearla, un sonido o tono fijo con el que se afinan los instrumentos. Se fabrica con una aleación de cromo, níquel y acero. Produce un sonido puro, casi sin armónicos, que no varía con los cambios de temperatura. Los diapasones que no dan el tono preciso pueden mejorarse limándolos con cuidado. En experimentos físicos y acústicos se utiliza también el diapasón, a veces con caja de resonancia. Fue inventado en 1711 por el trompetista y lautista inglés John Shore. En tiempos recientes se han fabricado diapasones electrónicos que sintetizan la curva sinusoidal pura. Éstos tienen la ventaja de producir cualquier frecuencia, mientras que el tradicional sólo vibra en una. La mayoría de los diapasones se afina en la = 440 Hz (la 4).

EscalaSucesión ordenada de sonidos por grados conjuntos: ~ diatónica, la formada por cinco tonos y dos semitonos; ~ cromática, la que procede por semitonos.

Estudio(del francés, étude), pequeña pieza musical destinada a la mejora de determinados aspectos de la técnica del instrumentista. Normalmente se agrupan en colecciones. En el caso de los compuestos por los grandes compositores (como Chopin, Liszt o Debussy) se trata de verdaderas obras de concierto.

Fraseo Expresión acuñada por el musicólogo Hugo Riemann en 1884. Es la explicación de la estructura y constitución de la frase musical, así como el arte de combinar los distintos elementos que configuran las frases de cada una de ellas. Ello se hará a través de matices, ligaduras, respiraciones y acentos que hagan inteligible la estructura melódica y armónica de la música. Es, sin duda, uno de los elementos más importantes de la interpretación. No basta ser fiel a las indicaciones del autor y al estudio concienzudo de su estructura; habrá que añadir a todo esto una dosis de intuición, de improvisación, de "arte" para que la interpretación adquiera toda su magia. Para el interprete será necesario adquirir una buena técnica de su instrumento.

FugaComposición musical de un solo tiempo y escrita en estilo polifónico, en la que un tema melódico se ve sistemáticamente sometido a la imitación melódica. La textura musical de una fuga descansa en el contrapunto (melodías entretejidas), y su rasgo estilístico más importante es el tratamiento del material temático por medio de la imitación. Esta característica es típica también del fugato, un pasaje que emplea técnicas de la fuga dentro de otra forma, por ejemplo, la sonata. Sin embargo, no necesariamente se ajustará en todos los detalles a una forma fija. La calidad de la fuga depende del partido que se saque del contrapunto riguroso de una única idea. Por ello, cualquier fuga responderá esencialmente a una fórmula abstracta, aunque se desviará de ella en cierto grado.



ImprovisaciónEl arte de expresar o crear toda o parte de una composición en el momento de la interpretación. Para improvisar con efectividad, el músico debe comprender a fondo las convenciones propias de un estilo musical dado. Estas convenciones actúan como una suerte de biblioteca mental, con secuencias efectivas de acordes, patrones rítmicos y motivos melódicos, que se combinan, varían y utilizan como punto de partida para nuevas invenciones. Estos recursos contribuyen a que la música resultante sea coherente, a la vez que permiten un espacio para la creatividad espontánea.

IntervaloDiferencia de altura entre dos tonos musicales oídos sucesiva o simultáneamente. En la armonía occidental, los nombres de los intervalos indican el número de notas de la escala diatónica (la escala de siete notas que usa los tonos de do a si) comprendidas en el intervalo. Así, el intervalo do-sol se denomina de quinta, ya que comprende cinco notas de la escala diatónica (los intervalos siempre se cuentan con ambos extremos incluidos). El unísono (del italiano, "una sola nota") consiste en dos tonos idénticos (por ejemplo, dos voces que cantan el do central). La octava (del latín, octavus) es un intervalo entre dos notas separadas por 5 tonos y 2 semitonos (por ejemplo, del do central al do inmediatamente superior en la escala). Términos como quinta o tercera no resultan suficientemente precisos para definir completamente a los intervalos diatónicos, por lo que se añaden los términos calificativos de mayor, menor, perfecta, disminuida o aumentada. Los unísonos, octavas, cuartas y quintas pueden calificarse como intervalos perfectos. Su identidad acústica es tan fuerte que si su tamaño se viera alterado de forma perceptible, perderían su carácter esencial. Por ejemplo, se puede analizar una cuarta perfecta como do-fa para descubrir dos tonos enteros (do-re y re-mi) y un semitono (mi-fa). La escala diatónica también contiene el intervalo fa-si (de tres tonos enteros), que el oído percibe como radicalmente diferente de una cuarta perfecta. En este último caso, se denomina cuarta aumentada, ya que es mayor que la cuarta perfecta en un semitono. Los otros intervalos diatónicos (segundas, terceras, sextas y séptimas) aparecen en dos tamaños, uno de ellos mayor que el otro en un semitono. La tercera menor mi-sol (un semitono, mi-fa, más un tono entero, fa-sol) coexiste junto a la tercera mayor do-mi (dos tonos enteros, do-re y re-mi) al constituir juntos el acorde de do mayor.

MelodíaSucesión organizada de notas de tono y duración específicas, enlazadas juntas en el tiempo para producir una expresión musical coherente. En términos de la música occidental, la melodía es (junto con el ritmo) el aspecto "horizontal" de la música que avanza en el tiempo, mientras que la armonía es el aspecto "vertical", el sonido simultáneo de tonos distintos. En muchas de las culturas musicales del mundo, la armonía no es tan importante y la melodía es el único centro de la actividad tonal.

ModoTérmino que varía de significación, desde la de escala, a la de una fórmula para la construcción de melodías basándose en una escala

Notación musicalSistema de símbolos escritos que representan sonidos musicales. El requisito principal de cualquier notación es que se adapte a la música que representa.

PartituraNotación musical de una composición en varias partes, en la que la música que debe ser interpretada por cada voz o instrumento está escrita en pentagramas separados. Los pentagramas se alinean uno debajo del otro. Una partitura completa muestra la música de todos los instrumentos; los músicos reciben individualmente unas partes separadas (particellas) que sólo muestran la música de su instrumento

Polifonía



Música que tiene dos o más partes o voces sonando de forma simultánea (en contraposición a la monofonía, es decir, la música que tiene una única línea melódica).

Preludio Tipo de composición instrumental que, en un sentido literal, siempre precede a otro movimiento (como una fuga), un grupo de movimientos (como en una suite de danzas), o una obra a gran escala (como una ópera). También puede ser un movimiento independiente. El preludio suele ser una pieza autocontenida, a menos que preceda a una ópera, en cuyo caso puede haber un final alternativo que se interpretará de forma separada en una ejecución de concierto. También resulta variable como forma. Hay obras con otros títulos (como obertura, introducción, entrada o sinfonía) que en efecto pueden ser preludios en todo, excepto en el nombre.

Ritmo musicalAspectos de la música que tratan sobre su movimiento en el tiempo y sobre la estructura de éste. Además de su significado general, el término ritmo suele hacer referencia a unos hechos temporales específicos como los patrones de longitudes de un cierto grupo de notas. En este artículo se emplean términos técnicos individuales para estas acepciones más limitadas.

SemitonoMitad del intervalo de un tono

TonalidadEn un sentido amplio, es la organización de la música alrededor de una determinada nota, llamada tónica, que sirve como punto focal. En un sentido más estricto, la tonalidad se refiere también al sistema armónico que dominó la música occidental desde alrededor de 1650 hasta 1900.

TranscripciónCambio en la notación musical de un medio a otro sin modificar la sustancia de la obra. Por ejemplo, suele referirse al proceso de cambiar una pieza escrita en tabulatura (por ejemplo, para laúd o guitarra) a la notación ordinaria en pentagramas (antes del renacimiento de los instrumentos de pulso primitivos que ha tenido lugar durante las últimas décadas, los acompañamientos de muchas canciones se solían transcribir de la tabulatura del laúd a los dos pentagramas del piano). También significa la transferencia directa de una pieza de música medieval o renacentista a la notación moderna, antes de que tenga lugar el proceso de edición (la alteración de los valores de las notas, el añadido de barras de compás o claves de tonalidad).

Variación Uno de los principios fundamentales de la composición musical, y forma musical basada en dichos principios. Variar una idea musical significa cambiar partes de ella a la vez que se conservan otras sin alterar, como en una canción folclórica en la que la segunda frase tiene una nueva melodía pero el mismo ritmo que la primera; o en la manipulación continuada de una serie dodecafónica, como en las obras del compositor austriaco Arnold Schönberg.

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Cantar es tan fácil como respirar¡Tu cuerpo ya sabe hacerlo! Si te relajas y dejas que tu cuerpo actúe, te sorprenderás con los resultados.

Respirar correctamente es extremadamente importante al cantar, porque el aire que se exhala trabaja con las cuerds vocales para crear una nota. La respiración correcta utiliza los músculos en la parte baja del abdomen y permite que la voz tenga fuerza, agilidad y finura. Esta área es la que debe realizar la presión y fuerza y no los delicados músculos de la gargante. Resulta bastante obvio que si tenemos un tremendo músculo que puede hacerlo (el diafragma), no tiene sentido poner todo el trabajo en los músculos de la garganta.

Hay una gran ventaja: tu cuerpo ya sabe cómo respirar. Lo único que tienes que hacer es relajarte y cooperar. La inhalación relajada y profunda de aire que se hace durante un suspiro es exactamente lo que buscamos para introducir el aire a los pulmones a la hora de cantar. La inhalación debe activar los músculos de la región abdominal inferior.

El proceso normal de respirar comienza cuando el cerebro envía el mensaje al sistema respiratorio soliciando oxígeno. El diafragma, una capa de músculo bastante grande y abombada que separa la cavidad abdominal de la cavidad pectoral está justamente debajo de los pulmones y les ayuda en la actividad de respirar.

Una vez que se inhala, el diafragma baja y los músculos costales levantan la caja torácia. Esto hace que dicha cavidad se agrande creando vacío en los pulmones, los cuales se xpanden al llenarse de aire. Luego en la exhalación el diafragma vuelve a su posición inicial y los músculos costales se relajan, adyudando a los pulmones a expulsar el aire.

Afortunadamente, el diafragma es un músculo involuntario y todo el tiempo tendríamos que recoredar que tenemos que respirar.

Cuando el aire pasa por la boca o la nariz al ser inhalado pasa por la tráquea. La tráquea se divide al llegar a los pulmones en dos bronquios, uno por cad pulmón (puedes ver el diagrama) que después se vuelve a dividir formando miles de pequeños bronquiolos.

Los pulmones están hechos de un tejido esponjoso. Su propósito fundamental es proveer a la sangre con oxígeno al inhalar y expeler el dióxido de carbon al exhalar.

Es muy importnate que la garganta esté relajada, dejando abierto el canal por el cual el aire debe fluir. Si la garganta no está relajada, el aire no podrá viajar adecuadamente y podría causarse un daño a las cuerdas vocales.

Un ejercicio muy simple es quedarse quieto y relajado y darse cuenta del proceso de respirar. Tómate algunos momentos y enfócate en el proceso de respiración de tu cuerpo. Respira profundamenta y no permitas que los hombros suban. Los hombres deben mantenerse en una posición

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Adolfo

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Cantar es tan fácil como respirar

relajada, abajo y hacia atrás, descansando en el cuerpo. Es necesario que el pecho pueda operar de manera óptima para la expansión de los pulmones.

Cuando se canta, esta postura debe mantenerse durante la inhalación y la exhalación de modo que el aire que se inhala o se exhala pueda ser regulado.

Tratar de controlar los músculos que se relacionan con la respiración puede ser contraproducente. La tensión adicional afectará a las cuerdas vocales procoando tensión y daños. En realidad la manipulación de la respiración no es necesaria, porque los músculos y el diafragma trabajaran de manera antural si los dejamos hacer su tarea.

La mejor manera de respirar bien es simplemente estar cómodo y dejar que tu cuerpo haga el trabajo que suele todo el tiempo.

Por otra parte, para cantar bien, no hacen falta grandes cantidades de aire, debe sorberse el aire, te sorprenderías de cómo se puede cantar aún con muy poco aire. Inténtalo y verás.

En realidad el miedo de respirar inadecuadamente se trata más de una inseguridad mental que de un problema físico. Confía en tu cuerpo y deja que respire.

En resumen:

1. Para cantar bien es fundamental respirar bien.2. Para respirar bien solo hace falta relajarse.3. La respiración profunda no requiere de grandes cantidades de aire, sino en la forma de obtener el aire.4. Para cantar correctamente lo que buscamos es un cuerpo relajado y la respiración similar a la que tienes cuando suspiras.5. ¡Deja que tu cuerpo haga el trabajo que hace todos los días, a toda hora! Ya debe tener bastante práctica, créeme.


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Cómo comprar una guitarra acústica


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Cómo comprar una guitarra acústicaUna sencilla guía que te ayudará a elegir mejor la próxima vez que quieras comprar una guitarra.

Por Roberto Ochoa G.

¿Estás pensando comprar una guitarra para tocar música clásica?, ¿y no sabes como hacer una buena inversión?.

Comentó un célebre guitarrista clásico que en este momento no recuerdo su nombre: "He comprado cerca de 20 guitarras para mi uso personal. Algunas fueron buenas elecciones y otras fueron malas". Alguien dijo alguna vez, "Las buenas elecciones son el resultado de la sabiduría. La sabiduría es el resultado de malas elecciones". Una persona sabia aprende de la experiencia de otros. Siempre nos preguntamos como saber si lo que pagamos es lo que realmente vale la guitarra. La única manera de saber si estamos comprando una ganga o estamos pagando en exceso es conocer el precio de lista. Pero tomar una desición basada solamente en el precio es engañoso. Un error común es el creer que un alto precio equivale a calidad y satisfacción personal. En el momento en que estás en una tienda de música por una guitarra, el precio es la última cosa que deberías tomar en consideración.

Entonces, como determinas cual es la mejor guitarra para ti. Si sigues lealmente éstos consejos, podrías nunca descepcionarte de nuevo con otra adquisición. Si has leido suficientes entrevistas de los grandes maestros de la guitarra clásica, encontrarás que ellos usan estás dos simples guías cuando deciden comprar una guitarra.

1. Sonido

Cuando consideras comprar la guitarra que te gusta, tendrias que preguntarte primero "¿me gusta como suena ésta guitarra?" como un común sentido de advertencia. Pero realmente algunas personas (especialmente novatos) pasan por alto esto. Con frecuencia un deslucido sonido es olvidado porque una guitarra tiene un buen decorado o un terminado reluciente. Pon atención primero al sonido, y luego a la apariencia. `

He visto dos cosas en determinar si el sonido de la guitarra es bueno. Lo primero es el tono. Que tengan una buena definición las notas altas y que las notas graves tengan una resonancia limpia con un buen sustain. Lo segundo es que tenga un buen volumen. Generalmente hablando, he encontrado que las dos van de la mano. Si tiene un buen volumen usualmente tiene un buen tono y viceversa. Les cuento una anécdota de Christopher Parkening: "Una vez toque una guitarra por dos horas que estava evaluada en $13,000 que me dejo sorprendido que alguien haya pagado demasiado. El tono me deslucia y tenia muy poco volumen. También he tocado guitarras con un tono y volumen increible que su precio era menor a $1000. He encontrado que el precio nunca es un indicador de si tanto o no gusta el sonido de una guitarra". Siempre confia en tus propios oidos.

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Adolfo

Doctrina Cómo comprar una guitarra acústica Ir

Cómo comprar una guitarra acústica

2. Interpretable

La siguiente pregunta que necesitas hacerte es "¿me gusta la interpretación de ésta guitarra?" La palabra interpretable se refiere a que tan dificil o fácil es tocar la guitarra. A un principiante le ayudaría mucho tener a una persona con experiencia presente para ayudarle en éste aspecto. Esto es porque a un principiante con cualquier guitarra le es dificil tocar. La interpretación no es menos importante que el estar contento con el sonido. ¿Que tan bueno es el sonido de una guitarra si es dificil tocarla?. Sin embargo lo del sonido es diferente. La interpretación puede en algunos casos ajustarse. La mayoría de la veces, una guitarra es dificíl de tocar por su "acción alta". Acción se refiere a la distancia entre las cuerdas y el diapasón. La guitarra ideal tiene una "acción baja" que quiere decir que las cuerdas están cerca del diapasón, de ésa manera es más comodo de tocar. Pero ten cuidado con éstas "acciones", una acción demasiado baja puede darte lo que llamamos "trasteado". Siempre checa cada traste en cada cuerda para asegurarte de que ninguno "trastee".

3. ¿Porqué algunas guitarras son muy caras?

En mis observaciones he encontrado dos cosas. La primera parece ser la marca. He visto guitarras mediocres con alto precio solo porque un fabricante conocido las hizo. Puedo decir en verdad que nunca se debe comprar una guitarra en base a una marca reconocida. La segunda razón del porque algunas guitarras son más caras es por el simple hecho de que son hechas a mano.

La mano de obra es una culminación de todas las cosas que ven en una guitarra y nunca han estado decepcionados pagando por ello. ¿Pero qué describe exactamente la mano de obra en una guitarra? Cuando uno busca calidad, uno tendria que ver un "hecho a mano" que es lo opuesto a una guitarra ensamblada. Esto usualmente significa que la guitarra fue hecha por un luthier (nombre que se le da a un fabricante de guitarras). Cuando un luthier firma su nombre sobre un instrumento, puedes estar seguro que el puso su corazón y su alma para hacer la mejor guitarra posible. Uno de los caminos de determinar si una guitarra ésta bien construida es estudiar de cerca las uniones y la roseta. Una inspección minuciosa de éstas caracteristicas te darán una buena apresiación de la confección del instrumento.

Consideraciones Finales:

Aprende a regatear.

Sin excepción. No seas tímido para intentar que te rebajen el precio. No seas precipitado.

Toma tu tiempo en escoger un instrumento. Hay personas que incluso han esperado años para hacer su primera compra sustanciosa. Christopher Parkening dijo bien cuando señaló que los estudiantes deberían ser mas considerados en mejorar sus habilidades que tratar de encontrar y comprar la mejor guitarra.

Finalmente, cuando estés comprando una guitarra, siempre trata de escoger la tienda de música más grande. Este consejo requiere tiempo para encontrar ése tipo de tienda. Con mucha frecuencia, las tiendas de música tienen 20 guitarras eléctricas, 15 guitarras acústicas con cuerdas de acero, y tal vez 2 ó 3 guitarras clásicas. Encuentra una tienda que se especialice en guitarras clásicas.

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Comprando tu primer guitarra


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Comprando tu primer guitarraComprar la primera guitarra no siempre es fácil. Aquí tienes la guía para no equivocarte

Cuando se empieza a tocar la guitarra, siempre se piensa "me compraré una que sea barata". Esa no es una buena idea, como tampoco lo es el comprar una guitarra demasiado cara. Consíguete una guitarra que sea de precio medio, porque las guitarras demasiado baratas están muy mal construídas y hasta un profesional se vería en aprietos para sonar bien, y una guitarra demasiado cara puede ser una mala inversión si finalmente no tienes la paciencia suficiente para seguir practicando.

REGLA: Cómprate una guitarra de precio medio, y cuando aprendas más, cómprate un buen instrumento.

TIP: Las guitarras Yamaha acústicas (ya sea con cuerdas de nylon o de metal) son una opción de excelente calidad a buen precio.

Cuando vayas a comprar tu guitarra, si realmente no sabes nada, lo mejor es ir acompañado de algún amigo o amiga que ya sepan tocar para que te ayuden a escoger. Tu guitarra debe ser cómoda, fácil de tocar, con una buena sonoridad y siempre es muy importante fijarse en los detalles de la guitarra: acabados, limpieza de la madera, calidad de la pintura. Una guitarra que tiene pequeños detalles defectuosos es evidentemente una mala opción, pues por dentro seguramente estará mal construida. El precio siempre es un indicativo de la calidad: lo que pagas es lo que obtienes.

Si no tienes un amigo a la mano, puedes conseguirte un paquete pre-armado. Muchos fabricantes como Ibanez o Yamaha te brindan en un solo paquete todo lo que necesitas para empezar a tocar: Guitarra, afinador, púas, equipo de limpieza, un encordador, cuerdas extra, un estuche rígido y a veces hasta un vídeo para comenzar a aprender. Estos kits suelen costar unos $190.00 USD y suelen venderse en tiendas de instrumentos musicales en muchos paises del mundo.

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Adolfo

Comprando tu primer guitarra

Desarrolla tu propio estilo


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Desarrolla tu propio estiloTener un sonido propio, único, reconocible automáticamente es mejor que tratar de copiar a alguien más.

por Harry Jacobson

Tocar acordes, saber escalas, practicar bien sin duda son ingredientes fundamentales para el guitarrista, sin embargo quiero hablar un poco menos de técnica y más sobre cómo desarrollar un estiulo propio, es decir, como tener más "personalidad" al tocar. El objetivo máximo es desarrollar tu propio sonido.

Hay muchas técnicas que le han dado a los grandes guitarristas un sello indiscutible, uno de ellos es el vibrato. Por ejemplo examines el vibrato utilizado por B.B. King: est instantáneamente reconocible. Eric Clapton también tiene un vibrato muy distintivo. Y en esa palabra está la clave: distintivo.

Es evidente que muchos guitarristas jóvenes de hoy se enfocan en imitar a sus grandes héroes y a veces no piensan en desarrollar su propio estilo. De hecho no es difícil encontrar a un buen número de chicos tocando con bastante decencia material que antes parecía "imposible" emulando a Satriani o Vai. Pero por mucho que te guste el estilo de estos guitarristas, no deja de ser una imitación . A mí me gustaría mucho más ver a estos chicos tratando de enfocar su energía en crear su propio estilo. Creo que a ninguno de estos chicos le va a gustar que alguien diga "ah, mira, un satrianito".

Escucha a algunos de tus guitarristas favoritos y examina qué es lo que hace de su estilo tu favorito. Tal vez te gusta las frases de alguno, la técnica de púa de otros. Quizá te gusta el sonido del amplificador de algún guitarrista en particular. Puedes tomar prestados algunos elementos, pero siempre pensando en tu propio estilo. Por supuesto que puedes oír la influencia de Hendrix en los estilos de Stevie Ray Vaughan o de Eric Johnson, pero la influencia se ha mezclado de tal modo que con el tiempo aunque escuches algunas partes de Hendrix, puedes reconocer instantáneamente el nuevo estilo.

Yo lo qu ete recomiendo es que expandas lo más posible la gama de tus influencia. Por ejemplo escucha a B.B. King, pero no escuches su estilo de guitarra, sino cómo canta. Puedes aprender muchísimo del frase de cantantes, tiempo, inflexión y luego tratar de emularlo en tu guitarra. Muchas de las inflecciones de la guitarra están derivadas de la voz. Vibrato, bends, cuartos de tono, todo eso emula a la voz humana.

Uno de los guitarristas que más han influido en mi estilo fue Jeff Beck. Pero a pesar de que me encanta Jeff Beck, lo que verdaderamente me asombra son las lineas de su tecladista.

Tener un estilo propio es una labor de instinto, práctica, conocimiento

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Adolfo

estilo

Adolfo



pero especialmente de creatividad y exploración. Si vas a copiar el estilo de alguien, asegúrate de no convertirte en un "clon", sino en que sea tu influencia. Dale a una frase de Satriani tu propia intención, tu propio volumen, intercala su frase con frases tuyas, y genera tu propia voz. No te conviertas en la copia de nadie.



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Ejercicios para cantar


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Ejercicios para cantarConoce los mejores ejercicios para poder cantar adecuadamente.

Por Karen Farnum Surnami

La mayoría de la gente no necesita ejercicios especiales para fortalecer los músculos que se utiilzan para respirar. Estos músculos están generalmente en buenas condiciones para cantar. Sin embargo, frecuentemente existe una falta de consciencia de cómo opera el cuerpo.

1. Para experimentar una respiración natural, acuéstate en el suelo y simplemente respira. El cuerpo realmente hace todo el trabajo por sí solo. Podemos aprender muchísimo con esta técnica. Cuandoe stamos de espalda respiramos con mayor profundiad de manera natural. En esta posición el diafragma tiende a ejercitarse. Aunque no lo parezca, esto ¡Es hacer ejercicio para cantar! No tengas prisa, quédate varios minutos y observa tu cuerpo, luego ponte de pie y trata de re-crear la experiencia que tuviste pero estando parado.

2. Jadear también es un buen ejercicio para los músculos del diafragma. Inhala y exhala varias veces con respiraciones rápidas. Los músculos abdominales se moverán cada vez que respires así. Trata de hacer esto pocas veces o ete hiperventilarás y puedes marearte.

3. Hacer pequeñas exhalaciones de aire por la nariz también utiliza el diafragma. Haz una treinta exhalaciones, descansa y haz otras treinta incrementando la velocidad. Si estás en relajación, entre cada exhalación podrás inhalar un poco de aire.

4. La "muñeca de trapo" es un excelente ejercicio para permitir que el aire fluya correctamenet durante el proceso de inhalación. Para este ejercicio dóblate por debajo de la cintura y deja que tu cuerpo caiga, los brazos y la cabeza, tal como si fueras una muñeca de trapo. Deja que tu cuerpo se rlejae respirando profundamente. Después de un minuto o dos comienza a respirar inhalando lentamente e imagínate que con cada inhalación estás llenando tu cuerpo de aire como si fuera un globo y en lugar de estar colgando fuera adoptando su posición normal. Debes llegar a una posición normal, relajada y con los hombros hacia atrás. Toma una última respiración. Repite este ejercicio y antes de empezar exhala todo el aire de tus pulmones. Trata de descansar un poco antes de repetirlo mientras estás en posición normal. El aire debe fluir de manera natuarl y debes sentir cómo tus músculos abdominales están trabajando.

5. Estando de pie recuerda cómo se siente una inhalación cuando suspiras. Inténtalo y al hacerlo siente cómo el aire desciende hacia la parte baja de tu abdomen. Tienes que dejar relajados los músculos de tu estómago (¡hey! Aquí no hay lugar para la vanidad ¿O crees que Pavarotti se avergüenza al hacer esto?). Debes sentir cómo tu estómago se expande durante el proceso de inhalación. Es el diafragma que se mueve. Esto es natuarl y ocorrecto.

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Adolfo



Durante la exhalación mantén una ostura erguido y expele el aire suavemnte. Podrás sentir tus músculos abdominales moviéndose hacie adentro un poquito. Esto es algo en lo que no deberías intervenir demasiad, tu cuerpo ya sabe cómo hacerlo, solo se trata de darte cuenta del proceso. Pon tus manos en tu abdomen y siente los movimientos de los músculos . Repítelos diez veces. Esto debe permitirte eventualmente un tipo de respiración suave y profunda, fundamental para cantar correctamente.

6. Ponte cerca e una pared. Respira lenta, suave y profundamente y cuenta hasta tres. Ahora, exhala el aire haciendo un ruido de "hisssss". Tu garganta debe estar relajada y actuando solamente como un camino para el aire. Trata de mantener una intensidad estable. Trata de imaginar que el aire que expeles presiona la pared y la "mueve". Extiende el "hiss" tanto como te sea posible y luego repítelo.

7. El control de respiración requiere desarrollar tanto agilidad como flexibilidad en los músculos utilizados durante el proceso de respiración. La acción del diafragma y los pulmones puede sentirse en la espalda, así que coloca tus manos a nivel de la cintura. Imagina que eres un cilindro llenándose con aire. Respira con rofunidada y siente cómo se expande tu espalda bajo tus manos.


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Empezando a componer canciones

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Empezando a componer cancionesEn esta introducción, aprende que componer es mucho más que simplemente saber tocar la guitarra.

por Patty Larkin

Se trata de Inspiración. Para Hemingway era Paris, las mujeres, la cacería, Africa. Pero ¿Cómo compones una canción? Lograr que la "musa" te llegue es lo fundamental. A veces simplemente una canción aparece de donde menos te imaginabas. Es como un regalo. En otras ocasiones una canción es el resultado del oficio, de mucho trabajo y una buena dosis de sudor. En otras épocas, ni siquieras puedes creer que ya has compuesto alguna ez. Te sientes en una resequedad creativa total. A veces intentas buscar la inspiración comprando una nueva guitara, trabajando de noche, componiento en la mañana, tomando café, viajando...

Bueno, pues en este proceso de composición no hay por qué estar solo. No he encontrado una forma garantizada para que "te llegue la musa", pero he aprendido cómo abrir un poco la puerta para dar un vistazo hacia algo que a veces puede encender la chispa de la inspiración. Veamos lo que he aprendido y que quiero enseñarte:

Necesitas combustible para tus canciones

Lo importante es escribir. Me tomo años darme cuenta de que las canciones no ocurren a menos que las escribas. Suena simple. Es como pescar, mientras no arrojes la caña, nada ocurre. Así que lo primero era "cachar" cualquier cosa que me cayera. Cuando comienzo un ciclo de composición (porque yo trabajo en ciclos y es algo que me funciona) comienzo por mi diario. Durante 15 minutos antes de tocar mi guitarra, me siento a escribir cualquier cosa que se me viene a la cabeza. Me gusta ponerle palabras a mis sentimientos. Después de eso, los temas salen por sí solos. Después, intento hacer un poema o un verso libre. Comienzo a usar imágenes y metáforas. Tú sabes, esas cosas que aprendías en las clases de literatura y que decías siempre "y a mí para qué me sirve la poesía ¡jamás la voy a usar!"... Bueno, pues ahora sí que la tienes que usar.

Yo no emito juicios sobre mi diario. Mi diario me srive para enfocarme en algo que no sea tan mundano. También leo libros que me gustan y que me inspiran, que hablan de sentimientos. A veces leo en voz alta. Me interesa conocer las palabras que a otros les han servido. A veces también leo libros de redacción. Me dan esperanza y herramientas. Si en cualquier momento pienso en una frase que me gusta, la escribo en un cuaderno. También comienzo a escuchar más cómo hablan los demás. Lo que escuchas a tu alrededor es combustible para tu composición. Escucha la música. Escucho música que nunca tocaría. Quiero ser testigo de la belleza para poder crear y componer. Quiero apasionarme por lo

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Adolfo

aprende

Adolfo

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que hago. ¿De qué otra forma quieres escribir buenas canciones si no tienes nada qué transmitir? ¡Necesitas material! Y ese material está a tu alrededor.

Nuevas voces para tu guitarra Yo compongo en la guitarra, lo que significa que mis melodías y mi sentido armónico se deriva de un instrumento que resuena en mi cuerpo. La guitarra me fascina y me hace querer cantar. La guitarra crea una atmósfera, puedo crear texturas que acaban convirtiéndose en canciones. A veces se lo que quiero escribir aún antes de sentarme con mi guitarra. De hecho, a veces cuando quiero contar una historia uso acordes muy pero muy simples: C, G, A, E

Cambios sutiles en los acordes pueden ayudarme a crear una melodía. Por ejemplo un Fa Mayor (F) puedes convertirlo en algo así:

La tensión que agrega al acorde la cuerda con la nota del sol me atrajo. Genera una pequeña tensión que necesita resolverse en algo. Es el tipo de sonido que buscaba para la letra. También puedes probar con acordes suspendidos. La tensión ayuda. Cuando generas tensión en tus composiciones, logras una atmósfera diferente.

Alternativas

Otra forma de darle color a una progresión de acordes es usando afinaciones diferentes a la convencional. Por ejemplo, en lugar de usar la clásica afinación E A D G B e puedes usar C G C G C d. Otra afinación puede ser en D A D G A D. Esta afinación es distinta, me fascina y me ayuda mucho a componer porque rompe mis esquemas típicos de armonía. Aunque es buena idea que ya sepas tocar bien la guitarra antes de probar afinaciones nuevas o te volverás loco buscando las notas. Las afinaciones "alternativas" son una tierra sin reglas ni leyes. Y precisamente ahí es donde la inspiración llega más fácilmente.

Grábate y no te critiques

Cuando se me ocurre o me encuentro con alguna combinación o acorde interesantes, inmediatamente los grabo en un cassette. También anoto cualquier información acerca de la afinación o las notas que toqué. Dos meses después, regreso a la grabación y a las anotaciones y encuentro cosas nuevas para seguir componiendo.

Por cierto, es muy importante que dejes a tu "yo" crítico de un lado. No necesitas estarte diciendo "no sirves para componer, eso suena espantoso". Tu primer tarea no es criticar sino componer. Se trata de encontrar nuevas ideas, pulirlas, probarlas ¿Qué te gusta? ¿Qué no te gusta? ¡Se trata de hacer conexiones!

Tocando tus canciones: la prueba de fuego

Tienes que tocar las canciones que compongas, no en pedacitos, sino toda la canción. Esa es la prueba de fuego. Ahí es donde ves si es fácil o difícil de cantar, si es interesnate o no, si hay tensión o es demasiado aburrida.

¿Y si no te gusta lo que compusiste? ¡No importa! Lo fundamental es componer, una y otra vez, estás experimentando, llevando un ciclo, y estás aprendiendo. Para componer mejor debes hacerlo muchas veces. Diviértete, se feliz con tus canciones, son como "hijas", todas tienen algo especial aunque no sean particularmente bonitas. ¿Qué más da? El ciclo que tienes que hacer es: tener combustible, probar cosas nuevas, escuchar y aprender, escribir, probar, meterte en terrenos desconocidos y experimentar. Toma tu guitarra y hazte el propósito de escribir una

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canción cada semana por lo menos. No importa si es una canción buena o mala, las canciones malas siempre te enseñan cosas para mejorar. Si eres constante, verás que algún día escucharás una canción tuya y te dirás ¿Realmente compuse yo algo tan bueno? Bueno, no dejes de darle algún crédito a "la musa". ¡Hasta la próxima!

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Equipo para cantar: Tú eres tu instrumentoEl instrumento de un cantante es su propio cuerpo. Conoce cómo cuidarte para cantar mejor, así como el equipo adicional que necesita para aprender a cantar.

Probablemente no hay una mejor herramienta para un cantante que un diario. El diario te permitirá escribir tus propias observaciones respecto de tu proceso de aprendizaje. Cuando encuentres algo que te ayuda a cantar, escríbelo en tu diario. También describe la sensación que tuviste y cómo lo lograste. De esta forma puede ir desarrollando tu propia lista de pendientes y de errores. Cuando tengas problemas, puedes ir a tu lista y recordar lo que debes hacer o lo que debes evitar.

Para algunos ejercicios necesitarás un espejo para observar claramente los movimientos de tu lengua y boca, así como tu posición al cantar.

Como nadie puede escuchar su auténtico tono de voz tal y como lo oyen los demás es muy importante que tengas una grabadora, este es un excelente medio para registar tu avance y detectar errores. Debes escuchar tus grabaciones de modo imparcial y sincero, sin autocríticas destructivas pero tampoco de manera indulgente.

También debes grabar nuefvamente algunas cosas que hayas hecho hace un buen tiempo para notar las diferencias. A veces es difícil notar nuestro progreso, por lo que grabarte es una herramienta esencial.

También es importante que tengas algo con qué darte una referencia tonal. En otras palabras necesitas un instrumento. Puede ser tu guitarra, o un piano, aunque también hay algunos silbatos con tonos definidos que pueden ayudar a afinarte.

Pero no olvides que tu principal equipo para cantar es tu cuerpo. Un cantante no puede dejar a un lado su instrumento en un estuche cuando no lo usa. Es importante hidratar las cuerdas vocales tomando mucha agua. Toser en exceso o aclararte demasiado la gargante puede ser perjudicial porque estas actividades pueden dañar las cuerdas vocales. El fumar también daña tu voz y produce tonos poco claros.

Un cuerpo sano es la clave para ser un buen cantante.

En resumen:

1. Registra en un diario tus progresos, cosas que te ayudan y cosas que te perjudican y revísalo frecuentemente, especialmente cuando tengas problemas para cantar. 2. Consíguete un espejo para ver los movimientos de tu lengua y boca, así como la postura de tu cuerpo. 3. Necesitas urgentemente una grabadora que te permita registrar tu avance y escuchar tu voz tal como la oyen los demás. 4. Es importante contar con una guitarra, un piano -o teclado- que te permitan afinarte. 5. Tu cuerpo es tu instrumento musical. Cuídalo hidratando tus cuerdas vocales y evitando toser demasiado, aclarar la garganta, desvelarte o

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Frases CélebresUna recopilación de frases célebres que te ayudarán e inspirarán para tocar cada día mejor.

Recopilación de Pablo Muñoz

Para ser un buen guitarrista no solo hay que saber tocar, también hay que saber escuchar, no solo lo que tocan otros guitarristas, tambien lo que dicen (aunque no necesariamente tiene que ser un músico quien nos de un consejo). Esta sección que pretendo actualizar periodicamente (siempre con la ayuda de ustedes) esta pensada para nuestra "higiene mental", porque no olvidemos que antes de ser guitarristas somos personas.

"Pasarse el tiempo tocando escalas con rapidez es bastante fácil. Es mucho mas dificil bajar la velocidad y simplemente sostener una nota" (Ritchie Blackmore)

"Hay gente que toca para ser admirada y les encanta sentirse ídolos de otros. Tambien hay músicos cuya música conmueve autenticamente a travez de los siglos, el contenido es tal que pasan desapercibidos los aspectos técnicos. Es la diferencia entre un guitar hero y un gran músico, entre un producto de marketing y una obra de arte" (Chema Vílchez)

"Siempre hay que tratar de ser el mejor, pero nunca creerse el mejor" (Juan Manuel Fangio)

"Algo que recomiendo para mejorar rapidamente tu musicalidad, es aprender ideas cortas, 5 o 6 notas, luego una frase, parte de un solo, patrones melódicos y rítmicos, enlazar esas mismas ideas, desarrollandolas lentamente primero y acrecentando cada día mas ese vocabulario, tarde o temprano comenzas a crear tus propias ideas. Es como aprender otro idioma." (Scott Henderson)

"Si queres escuchar una orquesta al mango empújando tu música, mejor que aprendas a escribir para ella" (Steve Vai)

"No tenes que ser un virtuoso para ser un gran guitarrista. Kurt Cobain era un gran guitarrista, sus melodías eran geniales" (Steve Vai)

"Tipos que salen de los institutos hay a patadas. Por eso es que a veces veo un guitarrista virtuoso y lo admiro por su constancia, pero lo que a mí me interesa es decir cosas con la guitarra" (Pappo)

"Para mí, una partitura es chino básico. Yo amo mi oído y le hago caso a mi corazón." (David Lebón)

"Lo más importante es tocar con tu oído, porque si suena bien está bien. Claro que lo que para algunas personas suena bien para otras no, pero no creo que exista un atajo para eso. Tenés que aprender a escuchar.

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Adolfo

Frases Célebres

Frases Célebres

Tenés que grabarte y escuchar, ¿toqué bien ese vibrato?, ¿toqué ese ligado claramente? ¿estiré bien la cuerda? Y con el tiempo te guardás lo que hiciste bien y desechás lo que hiciste mal. De esa forma te vas convirtiendo en un mejor músico." (Yngwie Malmsteen)

"Para tocar rápido tenés que poder tocar claro como el cristal; de otra forma ni te preocupes en tocar rápido." (Yngwie Malmsteen)

"Cuando voy a un concierto siempre estoy nervioso; entonces cuando lo empiezo estoy a punto de cancelarlo; pero cuando lo termino, me gustaría empezarlo de nuevo" (Andrés Segovia)

"Que toques el bajo no significa que no tengas presencia" (Jimmy Page)

Cuando cojas tu guitarra y no te salga nada, descuélgatela, y crea tu música de cabeza, que es el lugar idóneo para ello.(David de Perosanz)

Cuando toques haz lo siempre como si estuvieras en directo, si se rompe una cuerda sigue tocando, si se rompe la correa sigue tocando, si se .... en fin , todo sea por que si te pasa en directo salgas bien del embrollo. (Jordi Matas)

Cuando uno piensa que sabe, mas adelante se da cuenta que no sabia nada. (Martin Rodriguez)

"No te conformes con querer ser guitarrista, anhela ser un musico" (Pablo Campos)

Hacer solos es descodificar algo que hay en tu cabeza.Toca un acorde,coge los residuos que se formen en tu cabeza,las frases que te sugiera su sonido y sacalo en la guitarra nota por nota.Ese es un buen camino (israel sanjurjo)

"Ser autocrítico pero no autodestructivo. Confiar plenamente en tus posibilidades. Regocijarte en los pequeños exitos más que en los fracasos. Si tratas de tocar rápido antes de tener la práctica necesaria, simplemente estaras reforzando el mal hábito de la ejecución confusa donde las notas pierden su sentido.Es imprecindible plasmar en el pentagrama o en un grabador tus propias ideas, por simples que sean.Pero por sobre todas las cosas tocar mucho." (La Vía Rock)

"Desea poco, espera menos y procura tener siempre bien afinada la guitarra". (Yosi)

"Los músicos sólo se preocupan de la música; los músicos profesionales tienen que preocuparse de cuestiones comerciales. Si nuestro objetivo es ser músico, tal vez lo mejor sería no hacerse músico profesional. Si lo que queremos es servir a la música, esto es parte del precio que tenemos que pagar por ese privilegio." (Robert Fripp)

"No es buen músico aquel que simplemente se concreta a tocar bien, es mejor aun aquel que aprende a compartir con otros lo que sabe" (Israel "Liras" Noriega)

"No es culto en música aquel quien distingue todas las notas sino aquel quien sabe apreciarlas y darles su significado" ( Josep Oriol López Bosch)

"La gente cuando grita en un concierto, no te aclama a ti, sino a las canciones, las canciones no son como las peliculas que las ves 2 o 3 veces. Una cancion la escuchas 40, 50, o 60 veces si te gusta y luego entra a formar parte de tu vida. Esa vida es la que gritan las personas en el concierto" (The Edge, guitarra de U2)

"Cuando empiezas te admiran y te sientes instrumentista (baterista, guitarrista, bajista...) y cuando avanzas te llaman Músico, justo cuando eres consciente de lo poco que sabes y de lo grande que es la música. Como en la vida, para llegar a ser un buen músico lo primero es la humildad, es sana y a la vez te hace superarte" (Carlos de Miguel)

"Es cierto que para tocar la guitarra hay que calentar las manos, pero no

Provisto por

El rincón del guitarrista




Frases Célebres

es un deporte". Joe Satriani.

"Una canción no es canción hasta que la canta el pueblo" (Yosi)

"Es admirable ver tocar las mismas canciones a una persona todo el tiempo,Es mas admirable alguien que se esfuerza por tocar mejor todo el tiempo." (Hecko)

"Equivocarse es ir de error en error sin perder el animo" (anónimo)

"La música es un fenómeno acústico para los prosaicos; un problema técnico de melodía, armonía y ritmo para los profesionales; una expresión del alma que nos puede elevar al infinito y que encierra todos los sentimientos humanos, para los que verdaderamente la aman de todo corazón." (Kurt Pahlen)

"La vida y el arte no son dos cosas muy diferentes" (Felix Mendelssohn)

"El éxito no da ni quita la razón a las cosas". (Antonio Cánovas del Castillo)

La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor. (Kurt Cobain)

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Paul Reed Smith Santana SE


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Paul Reed Smith Santana SE¿Una Paul Reed Smith de precio accesible? Te presentamos la prueba que hicimos a una guitarra que sin duda pondrá a sudar a más de uno.

Para cualquier guitarrista es difícil encontrar una guitarra que sea de buen precio, cómoda de tocar, con una buena variedad de tonos y de una marca reconocida. La búsqueda ha terminado, pues la afamada firma Paul Reed Smith nos presenta un modelo que vale la pena revisar: la Santana SE.

Vale la pena recordar que Paul Reed Smith se ha colocado como una de las marcas de mayor prestigio en el mercado, codeándose en apenas quince años con las legendarias Fender o Gibson. El problema con las guitarras PRS es que sus modelos siempre habían sido de un alto nivel, empezando su gama de precios en los $2,000 dólares. Sin duda son unos instrumentos de sueño con una tonalidad única y una calidad

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Adolfo



impresionantes. Pero no están al alcance de

cualquiera. O mejor dicho, no estaban...

La Santana SE aunque no ostenta el logotipo de Paul Reed Smith al frente fue creada en una colaboración conjunta de la firma PRS con Carlos Santana. El guitarrista mexicano quería crear un instrumento más asequible pero en el cual no se sacrificara la calidad a cambio del precio. El resultado es la Santana SE. De hecho las siglas "SE" significan "Student Edition"; esta guitarra fue diseñada con el estudiante de guitarra en mente. Sin embargo el instrumento ofrece mucho para cualquier profesional.

Calidad de Construcción

La Santana SE está manufacturada en Corea, hecho que puede hacer levantar las cejas de mas de uno. Los instrumentos hechos en China o Corea nunca han tenido muy buena fama. Basta ver las Stratocasters que fabrica Squier y uno se da una idea de lo que puede ser un instrumento malo. Pues la Santana SE es excepcional. Si no tuviera grabado "Made in Korea" uno nunca se enteraría porque de verdad que la calidad del instrumento es excepcional.

Un primer indicativo importante de la calidad y sonoridad del instrumento es que el brazo no está unido al cuerpo de la guitarra con tornillos como ocurre en la gran mayoría de las guitarras, sino que está pegado. Esta característica aumenta notablemente la sonoridad de la guitarra y mejora increíblemente el tono. Este es uno de los secretos de la firma Gibson. Esta característica normalemente estaba disponible solo para instrumentos de muy alta gama. Ahora la Santana SE pone estas posiblidades al alcance de la mano.



Hay que decir que si uno pone una PRS Custom 22 junto a la Santana SE de inmediato se echará de menos la fabulosa madera veteado o los finos trabajos de marquetería. En ese sentido la Santana SE es un instrumento más modesto, no cabe duda ¡Pero vale la cuarta parte de una PRS Custom 22! Mmmm... Interesante...

Calidad de componentes

Los componentes no son idénticos a los que suele usar Paul Reed Smith, pero los puentes, clavijas, etc. son de nickel, lo que nos pone muy por encima de los instrumentos baratos que utilizan clavijas de plástico cromado o puentes de acero cromado. Los botones son iguales a los que usa Gibson y vale la pena hacer notar que las piezas metálicas para colocar el thalí son excepcionalmente robustas. Todos los componentes son de buena calidad y es evidente que durarán mucho tiempo en buen estado.

El puente flotante es un poco más duro que el de una PRS Custom pero funciona muy bien, y la cejilla superior de grafito y fibra de carbono aseguran una mínima desafinación aún haciendo un trabajo rudo con la palanca de vibrato. También se puede tener un puente fijo al estilo McCarthy por el mismo precio.

Sonido

Esta guitarra tiene un sonido propio, bien definido y particularmente versátil. Las PRS normalmente



tienen sonidos densos y aterciopelados, muy similares al sonido Gibson, pero la Santana SE cuenta con un sonido más brillante. En verdad podemos decir que es un sonido intermedio entre Fender y Gibson. Si se quiere un sonido Fender solo hay que poner los agudos a tope y se hará muy brillante (sin tener el típico "twang" de Fender, pero perfectamente útil) y si se quiere un sonido Gibson basta con aumentar los bajos. Las pastillas son suficientemente versátiles como para dar sonidos aptos para el ritmo o para hacer solos. El controlador de pastillas de tres posiciones brinda las gamas básicas de sonido.

Comodidad

En cuanto a comodidad la Santana SE es una maravilla: fácil de tocar, cómoda y con una distancia de cuerdas a diapasón bastante corta. Es igualmente fácil tocar acordes que solos. La escala de la guitarra permite que con el calibre de fábrica (.09) se obtenga un sonido potente pero con suavidad en la cuerdas.

El selector de pastillas no es particularmente cómodo, porque está un poco alejado del puente. Esto asegura que uno no cambie de pastillas por error, pero se tarda un tiempo en acostumbrarse al lugar del selector.

Precio

La Santana SE está en un rango de precio bastante decente, pues cuesta $525 dólares. Ciertamente este rango de precios está bastante arriba de las guitarras de precio bajo cuya gama empieza en los $125 dólares, sin embargo



la inversión verdaderamente vale la pena, porque el instrumento cuenta con un respaldo, comodidad y sonido a la altura de Paul Reed Smith, pero una Custom 22 cuesta $2,300 dólares, con lo que $525 suena a ganga.

Conclusión

Para un guitarrista que no quiera gastarse una fortuna, y que desea un instrumento versátil, práctico, cómodo y de excelente calidad no hay que pensárselo dos veces. La Santana SE es uno de los instrumentos más equilibirados que hay hoy en día. De hecho creemos que no hay otro instrumento similar en el mercado que de tantas prestaciones a ese precio.

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Tocar y cantar... Todo es empezar

Tocar y cantar... Todo es empezarA todos nos ha pasado: tocar la guitarra y cantar al mismo tiempo no es fácil. Conoce los tips que te ayudarán a hacerlo mejor.

por Josh Graves

Para mí, tocar la guitarra siempre fha sido relativamente fácil. Aprendo algo, lo practico un rato y ¡listo! Sin embargo, como a otros muchos guitarristas, la idea de cantar adecuadamente es algo que me ha costado mucho trabajo, sin mencionar que cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo parece como querer conducir el auto y ver el mapa al mismo tiempo. Entre más rápido manejas el coche y se vuelve más complicado el camino en el mapa, es más difícil ejecutar ambas operaciones. Durante los últimos cinco años he estado investigando cómo cantar y tocar mejor, haciendo las dos cosas bien. Quiero contarte algunas de las cosas que he encontrado en esta búsqueda por cantar mejor mientras toco mi guitarra.

Primero, asumo que no tienes experiencia con la técnica vocal y que además no sabes muy bien de qué eres capaz. Bueno, pues es el momento de analizar tu voz. Tienes que grabarte en un cassette (si, ya se que es horrible, que escucharás tu voz y te sonará espantoso, pero tienes que hacerlo). Analiza tu voz. ¿Es suave? ¿Es ronca? ¿Suena mejor cuando cantas notas graves o agudas? Mucha gente odia el sonido de su voz, pero eso no significa que no tenga la posibilidad de cantar con un estilo propio. Fíjate en cantantes como Bob Dylan, Tom Petty, Van Morrison, Tom Watis, Neil Diamond, Billy Joel, Joan Manuel Serrat. Ninguno de ellos es un tenor extrordinario, sin embargo tienen un estilo reconocible y propio.

Es importante que conozcas el rango de tu voz. La regla general es que los hombres podemos cantar mejor las notas graves que las agudas, y ocurre al contrario con las mujeres que cantan mejor las notas agudas (aunque esto no es siempre necesariamente cierto). Es muy importante que cantes canciones que sean adecuadas para tu voz. Descubre tu tonalidad, y verás que es más fácil cantar algunas canciones que otras. También podrás identificarte con algunos cantantes con un estilo o voz similares a la tuy. Si no cantas algo en tu rango vocal, nunca sonarás bien. La clave del éxito para cualquier cantante es encontrar el material que se ajuste a sus capacidades.

Ahora, es hora de escoger una canción y practicarla. Puede ser bastante complicado tratar de mantener el ritmo con tus manos mientras cantas, pero si lo practicas, podrás lograr una buena coordinación que te ayudará a cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo. Empieza con canciones sencillas, aprende bien la parte cantada y luego tócala en la guitarra sin cantar. Si no puedes cantar la melodía a capella (sin acompañamiento) entonces necesitas más prácitca. Cuando puedas cantar sin acompañamiento y siguiendo el ritmo con las palmas, puede probar cantar y tocar pero hazlo a una velocidad lenta combinando el tocar la guitarra y cantar al mismo tiempo. Graba en un cassette tu práctica para que puedas oirla después. La evaluación del cassette es























































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Tocar y cantar... Todo es empezar

crucial, no solo para conocer tus posibilidades vocales, sino para conocer tus debilidades y fallas. También puedes pedirle a alguien que escuche los cassettes y te diga qué tienes que mejorar. ¡Claro que no va a ser fácil! No sientas vergüenza de tí mismo. Los estudiantes de canto son notablemente tímidos de cantar en público. No te preocupes si te pones nervioso y cometes errores. No pasa nada. Estás aprendiendo ¿no?

En mi opinión, tras conocer tu rango vocal, es fundamental que aprendas a respirar. Si respiras profundamente y desde el diafragma, no solo tendrás el aire que necesitas, sino que también te relajará. La tensión causada por tocar una parte difícil en la guitarra combinada con el nervio de cantar puede ser fatal. Aprende a respirar y asegúrate de que conoces perfectamente la canción que vas a tocar en guitarra para que te concentres en el canto.

Para aprender a respirar hay un medio muy sencillo: toma el aire muy lentamente desde la nariz y ve "inflando" el estómago (tienes que ver cómo se infla), hazlo suavemente. Ahora, mantén el aire durante unos segundos y luego comienza a sacar el aire muy lentamente y de manera constante. Imagínate que el aire tiene color y que sale de tu boca y que tienes que formar un hilo que va saliendo de tu boca y que si dejas de sacarlo de manera uniforme se rompe y se cae. Haz esto en intervalos de tiempo: inspirar 5 segundos, mantener el aire 5 segundos, expirar 5 segundos y ve aumentando los segundos paulatinamente. Algo que debes saber es que conforme tu respiración sea más larga y más profunda puedes sentir un ligero mareo. Esto se debe al oxígeno que está llegando a tu cerebro. No te preocupes, descansa un poco, siéntate, y vuelve a comenzar. No pasa nada.

¿Recuerdas cómo se infló tu estómago? Bueno, pues cuando exhales tienes que presionar el estómago para que salga el aire. Cuando cantes con tu guitarra, asegúrate de tener una buena postura para respirar adecuadamente.

Otras ideas para tomar en cuenta:

Canta la melodía exactamente. Estudia la grabación o transcripción que vayas a acantar. Asegúrate de que cantas exactamente las mismas nota sin desafinarte. Después puedes tomarte algunas "licencias artísticas" variando la melodía original, pero no lo hagas hasta que no estés totalmente seguro de que estás cantando exactamente las notas originales.

Siempre calienta. Una forma simple de calentar la voz es simplemente hacer "mmmmmmmmm" durante un rato. Canta y tararea algo sencillo a volumen bajo, canta primero notas bajas y luego altas. Practica tu respiración. Trata de bostezar varias veces, eso te ayudará mucho. También "calienta la mente" trata de pensar en las emociones y la letra para comunicar la historia de la canción. Eso tiene un gran efecto en la voz.

Tranquilízate. Una vez que aprendas a respirar, trata de que sea algo sin esfuerzo, no es necesario que la gente note tu respiración. Evita la tensión. Trata de relajarte y estar tranquilo.

Pronuncia correctamente. Trata de pronunciar muy bien cada palabra, ¡Abre bien la boca! No seas tímido.

Esto es solo el principio de un proceso entre cantar y tocar la guitarra. Cometerás errores y tienes que ser valiente. Te sentirás avergonzado, pero es algo que solo ocurre al principio. Conforme vayas mejorando, verás que valdrá la pena. ¡Ah! Y un último consejo... ¡Canta en el baño! ¡Canta en tu casa! ¡Canta en el coche! Necesitas práctica y mientras más lo hagas, mejor te saldrá. A diferencia de tu guitarra, puedes cantar en cualquier lado. Aprovéchate y practica cada vez que puedas.




























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manual completo para guitarra