22
MAX BILL

MAX BILL corregido.pdf

Embed Size (px)

Citation preview

Page 1: MAX BILL corregido.pdf

MAX BILL

Page 2: MAX BILL corregido.pdf
Page 3: MAX BILL corregido.pdf

1. Biografía

2. Influencias Dadaismo Cubismo Estilo abstracto

3. Arte concreto o Neoconcretismo Características del Neoconcretismo

4. Características de la obra de Max Bill

5. Escuela de Ulm: MOCHSCHULE FÜR GESTALTUNG

6. Obras importantes

ÍNDICE

Page 4: MAX BILL corregido.pdf

BIOGRAFÍA

Max Bill (22 de diciembre de 1908 en Winter-thur - 9 de diciembre de 1994 en Berlín) fue un arquitecto, pintor, escultor, diseñador gráfico, tipográfico e industrial, publicista y educador suizo.

Page 5: MAX BILL corregido.pdf

Max Bill estudió en la Kunstgewerbeschule de Zúrich y en el Bauhaus de Dessau. Fue el primer rector de la escuela HfG de Ulm y formó parte del grupo “abstraction-création” desde 1932 a 1937. Organizó la exposición circulante “Die gute Form” (1949). Nació en Winterthur (Suiza). De 1924 a 1927 estudió orfebrería en la Kunstgewerbeschule de Zúrich, donde fue influido por el dadaísmo y el cubismo. De 1927 a 1929 estudió artes en la Bauhaus de Dessau, donde se aproximó al fun-cionalismo del diseño con profesores como Was-sily Kandinsky, Paul Klee y Oskar Schlemmer.Cuando terminó sus estudios regresó a Zúrich para dedicarse a la pintura, la arquitectura y el diseño gráfico. En 1930 crea su propio estudio de arquitectura y ya como miembro de la Deust-cher Werkbund realiza la finca de Nuebühl de estilo moderno, cerca de Zúrich. En 1931 adoptó la teoría del “arte concreto” de Theo van Does-burg, según la cual era posible alcanzar la uni-versalidad con la claridad. En 1932 trabajó como escultor y se adhirió a algunas organizaciones artísticas como la Abstraction-Création, el grupo de artistas Allianz de Suiza, el Congrès Interna-tonal d’Architecture Moderne (CIAM) y la Union des Artistes Modernes (UAM), de París.En 1944 Bill incursionó en el diseño industrial, con el diseño de un reloj de aluminio para Jun-ghans, firma con la que colaboró durante varios años diseñando relojes de pared, de cocina y de pulsera con estilo racionalista y estética indus-trial. Uno de esos relojes de pared está expuesto en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. Los relojes de pulsera Junghans “Max Bill” se siguen produciendo y son apreciados por los aficionados y coleccionistas de relojes. Diseñó un taburete minimalista, el Ulmer Hocker (1954), uno de sus diseños más conocidos.Organizó la exposición “Die gute industrieform”, que pretendía fomentar la alta calidad de los objetos de diseño industrial.En 1951 fundó junto a Inge Scholl y Otl Aicher, la Hochschule für Gestaltung en Ulm, Alemania (HfG Ulm), una escuela de diseño que continua-ba la tradición de la Bauhaus. En esta institución fue rector y director de los departamentos de arquitectura y diseño de producción entre 1951 y 1956. En esta escuela Bill defendió el funciona-lismo y el formalismo geométrico de la Bauhaus, ya que creía que las formas basadas en las

leyes matemáticas poseían una pureza estética, y por lo tanto, universalidad.Sus proyectos intentaban representar la comple-jidad matemática de la Nueva Física de principos del siglo XX. Trató de crear objetos a fin de que esta nueva ciencia de la forma puede ser enten-dido por los sentidos. Un buen ejemplo de ello es su trabajo con la banda de Moebius.1 Esta aproximación al diseño luego fue continudada por Hans Gugelot en la misma HfG de Ulm.En 1957, y tras abandonar la HfG de Ulm, fun-dó su propio estudio en Zúrich y se dedicó a la escultura, la pintura y la arquitecura. En 1964 fue nombrado arquitecto jefe del pabellón de “Edu-cación y creación” en la Exposición Nacional de Suiza y miembro honorario del American Institute of Architects.Desde 1967 a 1971 se convirtió en miembro del Consejo Nacional de Suiza, y luego se convir-tió en profesor en la Staatliche Hochschule für Bildende Künste de Hamburgo y presidente de Diseño Ambiental, de 1967 a 1974. En 1973 se convirtió en miembro asociado de la Real Acade-mia de Ciencias, Literatura y Arte de Flandes, en Bruselas. En 1976 se convirtió en miembro de la Academia de las Artes de Berlín, donde muere en 1984. Su estilo formal y geométrico no llego a triunfar a gran escala, precisamente por la serie-dad y rigurosidad de sus diseños.

DistincionesPremio honorífico, Triennale de Milán, 1936Premio Kandinsky, 1949.Primer premio internacional de la Bienal de Arte de San Pablo, Brasil, 1951.Gran Premio de la Triennale de Milán, 1951Premio al arte de la ciudad de Zúrich, 1968Doctor honoris causa de la Universidad de Stutt-gart, 1979Gran Cruz de Mérito de la República Federal Alemana, 1985Caballero de la Orden de las Artes y Letras, Francia, 1985Doctor honoris causa de la Escuela Politécnica Federal de Zúrich, 1994

Page 6: MAX BILL corregido.pdf

INFLUENCIASCUBISMO

El cubismo es considerado la primera vaguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspec-tiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener nin-gún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mis-mo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal. Ya no exis-te un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo as-pecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.A pesar de ser pintura de vanguardia los géne-ros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar de ello, utiliza como tonos pictóricos apa-gados los grises, verdes y marrones. El mono-cromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la paleta.Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto con independencia de lo que representa, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela todo tipo de objetos hasta formar collages.La obra resultante es de difícil comprensión al no tener un referente naturalista inmediato, y ello explica que fuera el primero de los movimientos artísticos que necesitó una exégesis por parte de la “crítica”, llegando a considerarse el discurso escrito tan importante como la misma práctica artística. De ahí en adelante, todos los movi-mientos artísticos de vanguardia vinieron acom-pañados de textos críticos que los explicaban.

Page 7: MAX BILL corregido.pdf

DADAÍSMO

El Dadaísmo fue un movimiento cultural surgido primero en Europa y posteriormente en Estados Unidos. Fue creado en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza) entre 1916 y 1922 con Hugo Ball como fundador, cuando una serie de artistas de distintas nacionalidades se encontraron como refugiados en esa ciudad durante la Primera Guerra Mundial. Posteriormente fue adoptado por Tristan Tzara, quien se convertiría en la figura más representativa del Dadaísmo.1 El Da-daísmo surgió del desencanto que sentían esos artistas al vivir en la Europa del periodo tardío de la Primera Guerra Mundial y, posteriormente, de la actitud de rebelión hacia la abulia y desinterés social característico de los artistas del periodo de entreguerras.1Artistas reconocidos de este movimiento fue-ron Tristan Tzara y Marcel Jank de Rumanía, el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball, Hans Richter y Richard Huelsenbeck. Tras varios encuentros informales en distintos cafés, empe-zaron a darle forma a la idea de crear un cabaret internacional. La primera celebración tuvo lugar el 5 de febrero de 1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de variedades con canciones francesas y alemanas, música rusa, música negra y exposiciones de arte. Ese mis-mo año se publicó un panfleto titulado Cabaret Voltaire que contenía aportaciones de Guillaume Apollinaire, Filippo Tommaso Marinetti, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani y Vasili Kandinski; en la cubierta aparecía un dibujo de Jean Arp. En 1917 se inauguró la Galería Dadá.La expansión del mensaje dadaísta fue intensa,

amplia y tuvo repercusiones en todos los cam-pos artísticos. En Alemania encontró adeptos entre los intelectuales y artistas que apoyaban el movimiento espartaquista. En Francia ganó las simpatías de escritores como Breton, Louis Aragon y el poeta italiano Ungaretti.El Dadaísmo suele ser una sucesión de palabras y sonidos a la que es difícil encontrarle lógica. Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por la constante nega-ción. Así, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción. El Dadaísmo es caracterizado, tam-bién, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta forma, un antiarte. El movimiento da-daísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. De hecho, por defi-nición, cuestiona el propio Dadaísmo.El Dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo, entendiendo por humanismo toda la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria.[cita requeri-da] No por casualidad en una de sus primeras publicaciones había escrito como cabecera la siguiente frase de Descartes: «No quiero ni si-quiera saber si antes de mí hubo otro hombre.»El Dadaísmo se manifiesta contra la belleza

Page 8: MAX BILL corregido.pdf

eterna, contra la eternidad de los principios, con-tra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los concep-tos abstractos y contra lo universal en general. Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intempora-lidad, la contradicción, el “no” donde los demás dicen “sí” y el “sí” donde los demás dicen “no”; defiende el caos contra el orden y la imperfec-ción contra la perfección. Por tanto, en su rigor negativo, también está contra el modernismo, y las demás vanguardias: el expresionismo, el cu-bismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusán-dolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. La estética dadaísta niega la razón, el sentido, la construcción del consciente. Sus formas expre-sivas son el gesto, el escándalo, la provocación. Para el Dadaísmo, la poesía está en la acción y las fronteras entre arte y vida deben ser aboli-das.El aporte permanente del Dadaísmo al arte moderno es el cuestionamiento continuo de qué es el arte o qué es la poesía; la conciencia de que todo es una convención que puede ser cuestionada y que, por tanto, no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo artístico. Gran parte de lo que el arte actual tiene de provocación (como la mezcla de géneros y materias propia del collage) viene del Dadaísmo.Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo e irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los va-lores estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encon-trados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras. El pintor y escritor alemán Kurt Schwitters destacó por sus collages realizados con papel usado y otros materiales similares. El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes —un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades.

En poesía el Dadaísmo abre el campo para la llegada del surrealismo y ayuda a crear un len-guaje poético libre y sin límites. Para entender qué es la estética dadaísta en el mundo de la poesía nada mejor que recoger los consejos que Tzara propone para hacer un poema dadaísta. El texto fue publicado en la recopilación Siete manifiestos dadá, «Dadá manifiesto sobre el amor débil y el amor amargo», VIII (1924).

Page 9: MAX BILL corregido.pdf

ESTILO ABSTRACTO

Abstracción:

Abstracción geométrica:

Abstracción geométrica:

Arte abstracto, estilo artístico que surgió alre-dedor de 1910 y cuyas consecuencias múltiples han hecho de él una de las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autóno-mo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha elaborado a partir de las expe-riencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y construc-tivas.

La abstracción de Piet Mondrian se elaboró a partir de la retícula cubista, a la que progresi-vamente redujo a trazos horizontales y vertica-les que encierran planos de color puro. Por su simplificación, el lenguaje del neoplasticismo, nombre que dio a su doctrina artística, satisfacía las exigencias de universalidad del artista (véase De Stijl). En Francia, la abstracción de Fernand Léger (Contrastes de forme, 1913-1914) y la de Picabia (Udnie, 1913) utilizaron formas cubistas sin renunciar a la intensidad cromática. En Ru-sia, tras haber sido el principal representante del cubo-futurismo, Kazimir Maliévich rompió radical-mente con todas las viejas concepciones del arte

En paralelo a la abstracción constructivista se desarrolló una abstracción llamada biomórfica, que nació de las formas creadas por Jean Arp a finales de la década de 1910, retomadas por artistas como Joan Miró y Alexander Calder. En el periodo de entreguerras, Theo van Doesburg, después de haber sido uno de los principales defensores del neoplasticismo, renovó de ma-nera decisiva el arte abstracto al mantener que la creación artística sólo debía estar sometida a reglas controlables y lógicas, excluyendo así cualquier subjetividad. El manifiesto del arte con-creto, que publicó en París en 1931, dio lugar a la tendencia del mismo nombre que tuvo un gran desarrollo en Suiza con Max Bill y de Richard Paul Lose, en Francia con François Morellet, y en todas las formas de arte sistemático nacidas después de la guerra. Estas tendencias entra-ron entonces en competencia con las diversas corrientes tachistas y gestuales (Jean Bazaine, Alfred Manessier, Pierre Soulages y Georges Mathieu, entre otros) que el crítico Michel Tapié reagrupó bajo la denominación de arte informal.

La obra de Wassily Kandinsky ilustra la llama-da abstracción lírica. Llegó, entre 1910 y 1912, a una abstracción impregnada de sentimiento, idealmente representativa de las aspiraciones de los artistas del grupo expresionista de Munich Der Blaue Reiter, del que él mismo formaba par-te. En Francia, Robert Delaunay elaboró, desde 1912, a partir de las teorías de Chevreul sobre el contraste simultáneo de los colores, sus Venta-nas y sus primeras Formas circulares cósmicas abstractas, mientras que Frank Kupka exponía en el Salón de Otoño de 1912 Amorfa, fuga de dos colores y en 1913 Planos verticales azules y rojos. En la misma época, en Rusia, Mijaíl Larionov y Natalia Goncharova llevaron hasta la abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que denominaron rayo-nismo.

al pintar en 1915 Carré noir dando lugar al su-prematismo. Paralelamente, Vladímir Tatlin creó con sus relieves abstractos una de las primeras formulaciones de lo que se llamaría el construc-tivismo. Alexandr Rodchenko, tras haber pintado sus tres monocromos (Amarillo puro, Azul puro, Rojo puro, 1918), y El Lissitzky, aprovecharon su conocimiento de la forma para ir avanzan-do hacia una concepción utilitaria del arte que triunfó también en la Bauhaus en Alemania bajo el impulso de artistas como László Moholy-Nagy o Josef Albers.

Page 10: MAX BILL corregido.pdf

Arte concreto o Concretismo es una tendencia dentro de la pintura abstracta que se desarrolló durante los años 1930 a partir de la obra de De Stijl, los futuristas y Kandinsky en torno al pintor suizo Max Bill (1908-1994). El término «arte con-creto» fue introducido por primera vez por Theo van Doesburg en su «Manifiesto de arte concre-to» (1930). Tal como él lo entiende, esta forma de abstracción debe liberarse de cualquier aso-ciación simbólica con la realidad, argumentando que las líneas y los colores son concretos por sí mismos. Predomina la forma sobre el color; se usan colores planos.Max Bill llevó esta idea más allá, organizando la primera exposición internacional en 1944. Fructi-ficó en el norte de Italia y en Francia en los años 1940 y 1950 a través de la obra de grupos como Movimento d’arte concreta (MAC) y Espace. Fue llevado a la práctica por el grupo Abstrac-tion-Création.Otros artistas de esta tendencia fueron Naum Gabo (1890-1977) y Auguste Herbin (1882-1960).Con posterioridad a la Segunda Guerra Mundial (1945), se desarrolla el Neoconcretismo o Pin-tura Neoconcreta, en paralelo con el informalis-mo. Cultiva una pintura abstracta del tipo “borde duro”. Esta abstracción geométrica fue repre-sentada por autores como Max Bill, Richard Paul Lohse, Zdenek Sykora y Zdenek Sykora.

Entre sus características podemos destacar:Abstracción geométrica.Exaltación de la simplicidad y la armonía.Rechazo de lo orgánico.Búsqueda de un arte puro basado en la raciona-lidad y el orden.Máxima economía de medios.Expresión formal de carácter lineal basada en el color.Estructuración de la obra a base de esquemas matemáticos de ordenación compositiva forman-do series, grupos y variaciones lógicas de color.Entre los autores de este movimiento artístico cabe destacar a Max Bill, quien en sus obras utiliza sobre todo una gran gama de colores.

ARTE CONCRETO CARACTERÍSTICAS DEL ARTE CONCRETO

Page 11: MAX BILL corregido.pdf

CARACTERÍSTICAS DE LA OBRA DE MAX BILL

UNIDAD:

Manifestar la radical unidad de lo vi- sible parece ser el objetivo primordial de Max Bill. Esa bús-queda de la forma como raíz común es lo que le permite cambiar de actividad (pasar, por ejem-plo, de la arquitectura a la escultura, o del diseño de objetos a la tipografía) sin cambiar de actitud ni de método. Su modo de afrontar el trabajo diluye, sin aparente esfuerzo, las fronteras con-vencionales que, a menudo, separan entre sí las diversas artes y oficios.Bill conjetura la existencia, en el territorio de las formas, de leyes perma- nentes que incumben a las estructuras formales al margen de su tama-ño, tal como sucede con algunas leyes que rigen el mundo biológico las cuales valen tanto para los grandes mamíferos como para las bacterias. Su manera de abordar los problemas formales es tan consistente que es posible ver sus alfabe-tos como pequeñas arquitecturas y, recíproca-mente, imaginar el edificio de la Escuela de Ulm como una frase escrita en el paisaje.A pesar de que su obra se asienta sobre una só-lida base conceptual, Bill es ante todo un hombre de acción. A través de los conceptos, la realidad tiende a ordenarse como una sucesión de ca-tego- rías agrupadas por parejas de términos opuestos: idea/forma, abstracto/concre- to, arte/ciencia, ética/estética. Se crea, así, una especie de sistema binario que plantea una disyuntiva y parece exigir la exclusión de uno de los contra-rios. Pero, como Max Bill demuestra, a través de la acción siempre es posible descubrir un espa-cio entre esas marcas excluyentes, un margen de maniobra en el que se di- luye o se supera la oposición irreductible entre los términos. Max Bill apuesta por la acción entendida como el único recurso capaz de devolvernos el sentido de la unidad primordial del mundo.

VARIACIÓN:

La variación no es más que el rostro visible de la unidad, ya que sólo el cambio pone a la luz lo que permanece. Cual- quier motivo formal puede ser modificado y desarrollado a través de múltiples varia- ciones las cuales son expresión de sus potencias. La variación, además de ser el principio fundamental de configuración musi-cal, es una técnica de composición aplicable a las demás artes. En música, a partir de un tema dado, se trata de introducir modificaciones en el ritmo, la articulación, la melodía, la armonía, el timbre, etc., de un modo sucesivo, pero nunca en todos los factores a la vez.Max Bill procede del mismo modo en el campo de las artes visuales. Trabaja,por ejemplo, con la figura del cilindro sometiéndolo a diversas variaciones en altura y grosor, pero manteniendo constante su volumen; o bien desarrolla algunos de los posibles trazados de una línea, toman-do como dato fijo su longitud. En las célebres “Quince variaciones”, de 1934-38, el tema es el desarrollo progre- sivo desde un triángulo equilá-tero hasta un octógono regular mediante el giro del último lado de cada polígono, que impide que éste se cierre generando una figura en espiral formada por segmentos rectilíneos; las varia-ciones tomarán, en cada caso, algunos de los elementos de la figura y su proceso de construc-ción, incorporando además el color como ulterior procedimiento de diversificación.Todas estas metamorfosis de la mate- ria refuer-zan la idea de la unidad profun- da de la forma. A lo largo de su obra, Bill recupera motivos formales ya empleados y los somete a nuevas variaciones como si se tratara de un proceso continuo. Opera, así, por transformación, en el sentido literal del término (transformar equivale a pasar de una forma a otra).

Page 12: MAX BILL corregido.pdf

INTELIGIBILIDAD:

El arte de Max Bill es eminentemente intelec-tual, no en el sentido reductivo en que a veces se emplea ese término (ce- rebral, impasible, ajeno al sentimiento), sino en su acepción más noble: como intento de hacer comprensible para el espectador hasta el menor detalle del procedi-miento que el autor ha seguido, mostrándonos, sin veladuras ni reservas, cómo ha sido hecho. Sus proyectos de monumentos son, a este propósito, ejem- plares. Véanse el monumen-to al trabajo de 1939 y el monumento al preso político desconocido de 1952. Toda la compleja sintaxis constructiva de estas piezas está mi-nuciosamente explicada en su forma, todos los pasos dados han dejado su huella en el objeto, hasta el punto de que el contenido de la obra se identifica con el proceso de su composición. Esta voluntad de hacer las cosas claras y reconoci-bles probablemente no era ajena a su formación como tipógrafo y grafista, en la medida en que estas dis- ciplinas apuntan ante todo a la legibi-lidad del mensaje, a la inequívoca transmisión de informaciones respecto a las cuales se trata de evitar cualquier posible con- fusión. Mientras algunos artistas fundan su prestigio en el cultivo de la oscuridad y el secretismo, Bill se atreve a exponer sin tapujos las claves de su obra, a de- jarlas descarnadamente a la vista, por si pueden aprovechar a otros.Nunca trata de sorprender. No le in- teresan ni la ambigüedad ni el equívoco. Los objetos deben parecerse a lo que esperamos de ellos. Un reloj, por ejem- plo, debe ser, ante todo, un reloj como los otros. Lo que el diseñador puede aportar, como hace Bill en su famoso reloj de pared, es un grado más de evidencia: por ejemplo, apro-vechando el distinto radio de las dos agujas para situar en dos coronas diferenciadas la lectura de las horas y de los minutos.

PRECISIÓN:

Virtud tradicionalmente adjudicada a la ciencia, que Bill trata de trasladar al arte. Para lograr este objetivo toma la matemática como modelo de referencia. Así como la música se sirve de la mate- mática en su tarea de composición sin perder por ello ni un ápice de su fuerza emotiva, también las artes visuales están en condiciones de valerse de ese paradigma para perseguir un arte en el que la forma no surja de impulsos visce- rales y subjetivos sino de una constante exploración del campo del conocimiento.Bill intentará incorporar a sus obras el uso de técnicas mecánicas que exijan precisión. Para él no hay diferencias sus- tanciales entre el objeto de fabricación industrial, la escultura y la arqui-tectura: todas ellas responden a un encadenado lógico de toma de decisiones que exclu- yen la vaguedad y la indeterminación. No trata de presentar la obra artística como fruto de una elaboración personal sino de una acción coor-dinada, guiada por un proyecto que se concreta en instruccio- nes transmisibles. Para construir el mo- numento al preso político desconocido, por ejemplo, bastaría con una concisa descripción verbal.En tanto que tipógrafo, Bill conoce la importancia del milímetro y sabe que el resultado depende por entero de la exactitud de las medidas. Su arte es descarnado y esencial: carece de ador-nos porque nos los necesita. El valor estético surge, en su caso, de una maníaca obsesión por disponer las cosas en su justo lugar y por definir entre ellas las relaciones y distancias que permi-tan su mejor reconocimiento, su percepción más prístina.

Page 13: MAX BILL corregido.pdf

REGULARIDAD:

Para Max Bill, el enemigo a batir es lo arbitrario, lo caprichoso y lo infundado. El arte debe ser fru-to de la necesidad y la limitación. Ello se traduce en la búsqueda incesante de reglas que impon-gan res- tricciones a la libertad de maniobra del artista. Bill concibe su trabajo como un juego. Y, como es bien sabido, el juego es tanto más interesante cuanto más estrictamente se somete a unas reglas.Al otorgar al objeto artístico la condi- ción de juguete, Bill refuerza su compo- nente formal. Pero, a la vez, se impone como básica regla de juego el no eludir ninguno de los requerimientos de la utilidad. De esa doble tensión proviene esa peculiar mezcla de diversión y aus- teridad que caracteriza a sus diseños. La elementalidad formal de los taburetes que Bill diseñó para Ulm -justificada por la necesidad de construirlos en los talleres de la escuela- es precisamente lo que permite su uso variado y espontáneo en las actividades escolares: como asiento (dos altu-ras), mesita, atril, etc.La idea del arte como un juego, lleva, por lo de-más, aparejada una actitud nada enfática ni pre-tenciosa sobre el papel del propio artista. El arte, para Bill, debe surgir del mundo de lo cotidiano para acabar fundiéndose con él. Por ello, no hay nada menos monumentalista que sus proyectos de monumentos, los cuales, lejos de exigir al espectador una actitud reverencial y distante, le proponen un trato amistoso y distendido, basa-do en la cercanía y en la familiaridad. El monu- mento no es más que una prolongación del espacio público: la gente puede adueñarse de él, recorrerlo o tocarlo sin restricciones. Ha perdido su afectación y ampulosidad para convertirse en algo aparentemente más desenfadado, pero aún más riguroso: en un juego.Otra rama de su trabajo, el diseño gráfico, le permite entender cabalmente el valor del pauta-do como una estructura de fondo que, lejos de imponer cons- tricciones, abre al diseñador un enorme campo de posibilidades. Así, para Bill, el arte debe ser regular, reglado, es decir, ajustado y conforme a las reglas. Debe surgir de la ela-boración tranquila e inteligente de los materiales que nos proporciona la vida diaria.

Ese es su objetivo: un arte situado en las antí-podas de la solemnidad y del engolamiento, un arte con minúsculas, tal como aparece en sus propuestas tipográficas.

Page 14: MAX BILL corregido.pdf

Escuela de Ulm. Finales del s. XX (MFG: Mo-chschule Für Gestaltung).Fue fundada por Grete e Inge Scholl en 1953. El primer director de la escuela fue Max Bill, dise-ñador del edificio de la escuela y de su programa de estudios. También se conoce como la Nueva Bauhaus porque Bill tiene intención de hacer renacer el ideario de la Bauhaus. También com-partirá con esta escuela las mismas vicisitudes pues fue cerrada en 1968 por orden estatal.El principal objetivo era convertir el diseño en una ciencia y mejorar la sensibilidad de las ma-yorías, contribuir al cambio y evolución del nivel estético, además de ideales de trabajo colectivo y humanización del trabajo industrial, sistema-tizando el proceso de diseño de modo que los aspectos formales estén determinados por la introducción del diseño en ámbitos más amplios. También se contemplan es6tudios complemen-tarios: psicología, semiótica, teoría de los jue-gos..., alejando el diseño de una mera práctica formal aunque el aspecto formal también fuera importante. Esta escuela, no obstante, caerá en aspectos excesivamente formalistas por lo que puede hablarse de fracaso si comparamos sus objetivos con sus resultados, pese a lo cual eran nos resultados de gran calidad formal.Esta escuela en los años ‘60 se convirtió en lo que se denominó el templo de la metodolatría, es decir, el culto al método.Entre sus integrantes encontramos a Beill junto con: Tomás Maldonado (teórico y ensayista), que se caracteriza por la consideración sistemá-tica que hace del diseño y cuya aportación más notable tiene un carácter teórico, aunque realizó obras para la editorial italiana Fentrinelli.

ESCUELA DE ULM MOCHSCHULE FÜR GESTALTUNG

Page 15: MAX BILL corregido.pdf

OBRAS IMPORTANTES

Las Variaciones pueden entenderse como una lección visual para el espectador acerca del pro-ceso de creación, así como de la estructura de las obras de arte.

Quince variaciones sobre un mismo tema, 1935-38.

Page 16: MAX BILL corregido.pdf

Verdichtung zu caput mortuum La disposición de los colores en Verdichtung zu caput mortuum equilibra el formato, puesto que la tonalidad de los colores agrupados en torno al cuadrado inscrito parece compensarse, de modo que el cuadro no amenaza con volcar en ningu-na dirección, ni con ascender o caer.

Page 17: MAX BILL corregido.pdf
Page 18: MAX BILL corregido.pdf
Page 19: MAX BILL corregido.pdf

Relojes realizados para la marca Junghans

El trabajo en conjunto entre Junghans y Max Bill comenzó en 1956 a partir del diseño de un reloj de cocina, en el cual trabajaron alumnos de la Facultad de Diseño de Ulm. El resultado materializa el sentido de diseño funcional de Bauhaus. El frente circular del reloj con números claramente visibles representa la forma de reloj más funcional y lógica. El diseño del frente se replica en los relojes de pulsera fabricados en el año 1961, cuando Max Bill puso la piedra funda-mental de la que sería posteriormente su exitosa línea de relojes, convirtiéndose luego en verda-dero clásicos.

Page 20: MAX BILL corregido.pdf

Banda de Möebius de granito

Una de las más conocidas esculturas de Max Bill se titula "lazo infinito" y toma la forma de una cinta de Möbius. Como se sabe, esta forma geométrica tiene la propiedad de tener una sola cara, aunque aparente tener dos.

Page 21: MAX BILL corregido.pdf

Pabellón Suizo de Max Bill

Una serie de cubos de distintas dimensiones que albergan secciones independientes de la exposi-ción, ordenados dentro de un conjunto modular tridimensional.Durante los estudios de Max Bill en la escuela de artes aplicadas de Kunstgewerbeschule de Zurich en la especialidad de orfebrería, tuvo lugar en Paris la gran Exposición Internacional de Artes Decorativas de 1925. Esta exposición le causó una gran impresión, empezándose a interesar por el movimiento moderno. Así que en 1937 con la celebración en Paris de la Ex-posición Internacional que sería una especie de continuación de la de 1925; Max Bill realizó un proyecto para el pabellón suizo, a pesar de no estar entre los 32 estudios invitados al concur-so. Este pabellón estaría ubicado a orillas del Sena en una situación destacada. Max Bill pensó en un pabellón caracterizado principalmente por un conjunto estructural modular primario del que se colgaban cajas o cubos. Los cajas estarían pintadas en diferentes colores, formando una composición, que recuerda a sus investigaciones en el stand de la trienal de Milán del año anterior y a otros de los trabajos de escultura que Max Bill estaba realizando por aquellos años.

Page 22: MAX BILL corregido.pdf

DANIEL GARCÍA ROSILLO3ºA GRÁFICO