METODO BÁSICO PARA BATERÍA

MATERIAL PARA PRIMER SEMESTRE DEL CURSO PROPEDEUTICO

PARA INGRESAR A LA LICENCIATURA EN JAZZ Y MUSICA POPULAR

POR: ALEXIS FABIAN TOVILLA MARTINEZ

Introducción

Este método está pensado y diseñado para resolver muchas de las dudas del aspirante a la Licenciatura de Jazz y Música Popular, en cuanto a la importancia que tiene la lectura, el fraseo, los estilos y la historia de la batería, enfocados a formar músicos instrumentistas profesionales, capacitados para desarrollar sus habilidades en el cualquier área como podría ser: el área pedagógica, el área de investigación, el área practica.

Muchas veces el aspirante tiene ideas equivocas de lo que la carrera de instrumentista es en realidad. en el mundo que vivimos el tocar la batería en muchas veces es un pasa tiempo, en esta Licenciatura de Jazz y Música Popular se trata de formar a músicos profesionales capacitados para abordar diferentes funciones, como seria: Músico sesión, solista, arreglista, director, etc.

Objetivos

Objetivo General: El alumno desarrollará mediante ejercicios que van de lo básico a lo complejo, habilidades en la lectura, ejecución e interpretación de solos para tambor, ritmos afro-caribeños y brasileños. Así como también conocer la rudimentación básica y las técnicas adecuadas.

Contenido Pag.

Introducción 2

Objetivo 2

Breve introducción a la Historia de la Batería 4

1. Grip (diferentes tipos de agarre de las baquetas) 8 1.1. Grip Alemán 8 1.2. Grip Francés 9 1.3. Grip Americano 10 2. Strokes ( golpes) 11 2.1. Full stroke 12 2.2. Down stroke 13 2.3. Tap stroke 14 2.4. Up stroke 15 3. Rudimentos 16 3.1. Singles (sencillos) 16 3.2. Doubles (dobles) 16 3.3. Single Paradiddle (sencillos y dobles combinados) 18 4. Interpretación de solos de tambor 4.1. Dinámicas 25 5. Desarrollo de ritmos 5.1. Afro-cubano 29 5.2. La clave 29 5.3. 5.3.1. Palito pattern 30 5.3.2. Cascara 31

Breve historia de la Batería. “La Batería nace a principios del Siglo XX. Los principales elementos que la componen (bombo, tarola, platos,…) existían ya en las orquestas clásicas de la música Europea y las fanfarrias militares. La aparición de la batería se relaciona con la aparición del Jazz. Podemos decir que el jazz es el primer estilo musical que implementa la batería en su forma primitiva del momento que se vivía. En 1910 en Estados Unidos tocaban con 3 y 4 percusionistas (uno para la tarola, otro para el bombo y los demás para los diferentes elementos como platos, cajas chinas, etc.) o solamente dos si se tocaban fanfarrias. La invención del atril de tarola y sobre todo las patas para el bombo (comercializado en 1910 por Ludwig) permite ensamblar los diferentes elementos para que sean tocados por menos instrumentistas. La llegada del Ragtime y la necesidad de músicos para las salas de baile, termina de hacer necesario el ensamblaje de la batería, donde un solo instrumentista tocaba todos los elementos anteriormente mencionados. En esta época, el papel de la batería era el de seguir y mantener el ritmo, con un estilo musical muy similar al de las marchas militares, los bateristas utilizaban los rudimentos del tambor clásico pero con un fraseo diferente, directamente inspirado en las orquestas. (redobles menos rígidos, sincopas y acentuaciones solo en el primer tiempo. Durante el periodo de los años 20´s, los constructores se proponen a aportar mejoras tecnológicas en todos los aspectos, pero sin duda la gran superación fue en lo que respecta a los primeros Toms afinables que apenas se conocían y usaban en un principio. Una serie de accesorios que se fijaban de cualquier manera al bombo y de los primeros fue el pie de charles o contratiempo llamado “sock cymbal” un plato demasiado rudimentario. En aquel entonces, el jazz se hacía para bailar y la batería tenía la misión de solo mantener el ritmo y marcar los tiempos fuertes en el bombo que aun era grande y pesado que muy a menudo era reemplazado por el bajo, resulta bastante curioso observar que aun no se utilizaba el platillo ride para acompañar el ritmo. Al final de los años 20, el único medio que un baterista de la época tenia para llamar la atención era el de efectuar alguno que otro pequeño solo en la

entrada de alguna canción, o bien, en alguno que otro momento de efectuar un aumento de volumen. Felizmente durante esos años aparecen los primeros virtuosos como es el caso de “Baby Dodds” primer baterista que hace solos en las canciones quizá debido a su virtuosismo de esa poca. “Zutty Singlenton” que fue el primer baterista que se preocupo de la utilización de distintos tonos sonoros de la batería. Los 30 ven resurgir una especial demanda de música para bailar. Los centros de baile se extienden por doquier y de esta manera aparecen numerosas orquestas de baile y una gran cantidad de big-bands, así como muchos grupos de jazz y otros tipos de música que nacían en estos años. Y resurge enormemente la necesidad de contratar bateristas con mejor ritmo y estilo. Los fabricantes mejoran enormemente la calidad de todos los materiales que conformaban todos estos instrumentos e incluso se hacen inventos que mejoran la interpretación. El pedal de charles se convierte y es totalmente operativo a el atril de contratiempo como actualmente se conoce y que es definitivamente quien cambia la sonoridad completa de este instrumento e incluso la manera de llevar el ritmo. Igualmente la aparición de los atriles para los platillos (que hasta en ese momento se soportaban sobre el bombo) también se anuncia la aparición del platillo “ride” de acompañamiento que revoluciona por completo el porvenir de la batería. Poco a poco, casi sin que los propios bateristas se dieran cuenta, todas estas transformaciones los liberarían de los encasillados ritmos base y liberarían sus manos de una forma sorprendente, trasladando el ritmo del bombo a los platillos dejando así libre la mente para hacer avanzar la batería hasta como la conocemos hoy en día. Los toms con parches afinables se imponen definitivamente y los toms base sobre un soporte o atril inventados por el constructor “Slingerland” hacen una aparición fulminante e incluso algunos se montan con un pedal para poder cambiar la afinación . Algunas canciones como “sing sing sing” (orquesta de Benny Goodman en 1937) con Gene Krupa, las baquetas contribuyen a hacer evolucionar la imagen del baterista que se convierten en verdaderos solistas en las orquestas, llegando incluso a liderear sus propias formaciones. Igualmente, el “set” de Gene Krupa se convierte en la batería estándar para todos los músicos de jazz y orquestas y los fabricantes comienzan a proponer a los músicos destacados que les dieran ideas para una construcción mas mejorada, llegando así la época en

que la batería se convierte en el “set” de instrumentos que hoy en día conocemos. Muchos y distintos bateristas marcan este periodo. “Sidney Catlet” es uno de los primeros en anunciar la transición hacia la batería con un swing inmejorable, una técnica ápido ísima y una versatilidad magnifica para la ejecución de solos. Aunque llega enseguida “Papa” Jo Jones que “desmilitariza” la batería y le aporta versatilidad musical y melodía así una interpelación con el solista. Se dice que el que es el primero en tocar el pedal de contratiempo como tal y utilizar el plato ride, difícilmente se puede evocar el periodo Be-Bop sin mencionar a Kenny Clarke, ya que el primero en suprimir del bombo la necesidad de tocar los 4 tiempos fuertes y además introduce la sincopa, haciendo así de su estilo una pieza fundamental de la evolución del jazz, de orquesta y en definitiva de la interpretación de la batería. Siempre se destaca de él su virtuosismo con las escobillas. Años 50´s, La evolución más importante de este periodo es la aparición de las pieles sintéticas o parches para las tarolas, bombos y toms. Comercializadas por primera vez en 1957 por Remo D. Belli fundador de parches Remo. El fabricante Rogers propone en 1959 el primer sistema de sujeción de toms verdaderamente articulado (fijado sobre el bombo). La aparición del Rock'n'roll asociado al desarrollo de la tecnología (discos, TV...) y el "show business" ponen a los instrumentistas en primer lugar de la sociedad. El boom de grupos como los Beatles, Roling Stone, etc. Popularizan aún mas el instrumento entre las generaciones más jóvenes. Los fabricantes se proponen ofertar todo tipo de materiales, desde la batería para debutantes como los modelos de gama alta. La enorme cantidad de baterías de Rock, cada uno con su propio estilo, contribuyen a la mejora desorbitante de la fiabilidad y la sonoridad de este instrumento. Para hacer frente a la cantidad de grabaciones que se efectúan en estos momentos aparece, por primera vez una figura que no se conocía hasta entonces, el Batería de estudio e igualmente, los años 60 ven la aparición de las primeras estrellas de la batería de Rock como Keith Moon (The Who) y sobre todo John Bonham (Led Zeppelin). Aunque aún se puede ver la influencia del Jazz en todos los baterías del momento, poco a poco cada estilo va desarrollando su propio sonido y sus propias características apareciendo casi inesperadamente una serie de baterías que desarrollan por completo y llevan hasta el límite la Técnica de ejecución de la Batería, entre ellos destaca sin dudad alguna Buddy Rich que además de el técnico mas grande que ha dado la batería se convertiría con los años en un

verdadero showman. Elvin, Tony Williams, etc. son otros de los más representativos de este periodo, una verdadera joya en la evolución de este instrumento. De los 70 a la actualidad El desarrollo musical de muchos grupos de esta época se debe a la proliferación de toms y platos en sus baterías. Los dos toms sobre el bombo se convierte en normal en cualquier fabricante de baterías. Y los demás sistemas de sujeción y soporte se vuelven cada vez más normales y fuertes. Y es a partir de los años 80 cuando se inventan todo tipo de soportes, herrajes, pies, etc., hasta la aparición del Rack (que aguantan todo el sistema de soportes). Los años 70 ven la aparición de fabricantes japoneses (Pearl, Tama, Yamaha,...) que poco a poco se irán comiendo a las marcas americanas y Europeas, gracias a su bajo coste y su gran rendimiento, este es el aldabonazo final para la total popularidad de este instrumento. El mayor aporte de este periodo es la aparición de los primeros toms secuenciados, emergiendo de la nada una gran cantidad de baterías electrónicas, ritmos pregrabados, cajas de ritmos, etc. Y aunque esto no supone ningún avance técnico, si que en la cuestión física del instrumento y la sonoridad del mismo, supone un avance enorme. Muchos y grandes baterías marcan el comienzo de este periodo, aparece el estilo "Jazz Rock Fusión" revelando una nueva raza de baterías absolutamente virtuosos, como los Vinnie Colaiuta, Dave Weckl y Dennis Chambers de hoy en día, estos son Jack Dejohnette (Gran improvisador y con una independencia asombrosa), Billy Cobham (Quizás el más técnico de todos los baterías), Steve Gadd (Gran dominador de todos los estilos musicales). Algunos grandes nombres de la historia de la batería, no me gustaría que se me olvidaran nombra, aunque su aporte no haya sido tan significado como otros, son, sin duda alguna, la gran base de la historia de la batería: Chick Web, Max Roach, Philly Jo Jones, Art Blakey, Roy Haynes, Bernard Purdie, Harvey Mason, David Garibaldi, Steward Copeland, y otros grandes virtuosos que seguro que se me olvidan. Solamente la tecnología de construcción de los nuevos instrumentos nos dirá hacia donde nos lleva la nueva visión del ritmo en este instrumento. La construcción electrónica de los elementos que la componen nos llevan de nuevo hacia una sonoridad sin límites, solo nos queda esperar a disfrutar de lo que nos depara el futuro”. Fuente: http://usuarios.multimania.es/drumstatus/historia.html

Diferentes tipos de agarres (Grip)

El Grip Alemán

En el Agarre alemán, las palmas de las manos son paralelas a la superficie del parche, y la baqueta se mueve principalmente con la muñeca. El agarre alemán ofrece una gran cantidad de energía, pero sacrifica la elegancia que aporta el uso de los dedos como en el control francés. Se utiliza cuando la energía es la principal preocupación, como cuando se reproduce un bombo. Esta es también la empuñadura principal para el método de Moeller.

El Grip Francés

En el Grip francés, las palmas de las manos quedan cara a cara directamente una hacia la otra y la baqueta se mueve principalmente con los dedos. Esto permite un mayor grado de finura, por lo que muchos prefieren el agarre francés. Debido a que este agarre utiliza los músculos del dedo más pequeño y más rápido, este control es utilizado por los campeones de single-stroke. También viene muy bien para tocar swing en tiempo rápido en el ride. Para golpes más fuertes, la muñeca rota mucho de la misma manera como cuando martillas un clavo.

Grip Americano

El Grip Americano es un híbrido del Grip francés y alemán. Las palmas de las manos normalmente se encuentran en un ángulo de 45 grados, y tanto los dedos y la muñeca se utilizan para impulsar la baqueta. Esta sujeción se considera un agarre de uso general por los percusionistas ya que combina el poder de agarre alemán con la delicadeza del agarre francés. Se utiliza para tocar de todo, desde tambores hasta xilófonos.

Strokes (Golpes)

El alumno debe conocer los diferentes tipos de golpes que le permitirán desarrollar la técnica rudimental necesaria, con la que logrará interpretar Solos de tambor, con las Dinamicas necesarias. Ya que es parte importante en la interpretación de cualquier pasaje musical. Los clasificamos en 4 golpes:

De sonido Fuerte De sonido Suave Full Stroke Tap Stroke Down Stroke Up Stroke

Full Stroke

El Full Stroke es un golpe de sonido fuerte, con un movimiento completo de la baqueta, es decir la baqueta comienza Arriba, golpea y regresa a su posición inicial “Arriba. (este golpe prepara otro golpe Fuerte)

La baqueta comienza arriba (punta) y,

Termina arriba haciendo un golpe completo.

Down Stroke El Down Stroke es un golpe de sonido fuerte, con movimiento de Arriba hacia Abajo, es decir la baqueta comienza Arriba, golpea y se queda Abajo, (este golpe prepara un golpe suave).

La baqueta comienza arriba (punta),

Termina con la punta abajo. De esta forma se puede Ejecutar un golpe suave. (próximo golpe “tap stroke”).

Tap Stroke

El Tap Stroke es un golpe de sonido Suave, con movimiento minimo y corto. Es decir, comienza Abajo y termina Abajo. (este golpe prepara otro golpe suave).

La baqueta comienza abajo (punta),

Termina abajo, ejecutando de esta manera un golpe De sonido suave ( corto y controlado).

Up Stroke El Up Stroke es un golpe de sonido suave, con movimiento de Abajo hacia Arriba, Es decir comienza Abajo y termina Arriba, (este golpe prepara un golpe Fuerte).

La baqueta inicia abajo (punta).

Y termina con la punta abajo, ejecutando un golpe de Sonido suave y posteriormente tocar un golpe fuerte (full o Down stroke).

En los siguientes ejercicios podremos practicar los diferentes Strokes, ordenados en diferentes secuencias y notaremos que cada uno delos ordenamientos produce diferentes secuencias de Strokes. Abreviare cada uno con la primer letra de su nombre: Full = F Down = D Tap = t Up = u. Mayusculas para los strokes que producen sonido fuerte y minúscula Para los que producen sonidos suaves. Formando con ellos secuencias como D t u t F t F t … Etc.

3.Rudimentos

Un Rudimento es un patrón simple de combinaciones con ambas manos que practicándolos con regularidad nos dan destreza y herramientas para poder ejecutar pasajes rítmicos sobre el set con mucha facilidad. Es recomendable que al estudiar estos patrones, el alumno se asegure de estar relajado, tener un sonido uniforme y estar usando la técnica correcta en ambas manos, (que en este caso usaremos la técnica Americana).

Singles

El Single Stroke Roll o Roll simple, es el primer rudimento en la lista de Percussion Arts Society , se debe estudiar a una velocidad lenta para reafirmar cada golpe antes de darle velocidad, procurando de esta forma cuidar los aspectos: sonido, relajación y técnica.

Dobles

El Double Stroke Roll o Roll Doble, es el onceavo rudimento en la lista de Percussion Arts Society , se debe estudiar a una velocidad lenta para reafirmar cada golpe antes de darle velocidad, procurando de esta forma cuidar los aspectos: sonido, relajación y técnica.

Single Paradiddle

El single paradiddle es una sencilla combinación de golpes simples y dobles, y es uno de los recursos más eficaces con el que cuenta el baterista a la hora de expresarse. Antiguamente, el paradiddle estaba relegado únicamente para el estudio de la técnica del tambor. En la década de los ’70 con el advenimiento del movimiento conocido como jazz rock, músicos de la talla de Billy Cobham, David Garibaldi, Steve Gadd, Alphonse Mouzon, Danny Seraphine, Lenny White, y Tony Williams por nombrar algunos, utilizan el paradiddle en un nuevo concepto musical con absoluta maestría y musicalidad. Al igual que los rudimentos denominados Singles y Doubles strokes, el paradiddle pertenece a los 40 rudimentos de tambor adoptados por la NARD (National Association Rudimental Drummers). El nombre que reciben estos rudimentos son justamente la onomatopeya vocal del sonido que producen, y en el caso del paradiddle, la mención de este punto es de vital importancia.

Existen muchos más patrones que el alumno debe realizar durante su formación, combinaciones de manos y de diferentes rítmicas, sugiero consultar el libro: “Stick control” de Ted Reed.

Interpretación de solos de Tambor

Es de suma importancia para los estudiantes leer al mismo tiempo de tocar, esto garantiza un entendimiento más práctico y eficaz de las lecciones, ejercicios, solos u obras, pudiendo también abordar cualquier material de su interés como parte de su aprendizaje, la lectura abrirá el campo de la sabiduría y facilidad a la hora de tocar cualquier pasaje, a diferencia de una persona que desconoce totalmente la notación musical. Parece algo complicado, pero el método que se usa es totalmente práctico y evolutivo, va desde las lecciones más sencillas hacia lo más complejo, garantizando así que el alumno podrá avanzar paso a paso, coordinando tocar y leer en el mismo tiempo.

Ejercicio 1

Ejercicio 2

Ejercicio 3

Dinámica

En la Música existen variaciones de intensidad de volumen a lo largo de todas sus notas, esto se denomina Dinámica, su forma de escritura es con signos que indican la expresión en Italiano, y se sitúan debajo del pentagrama. ppp - pianissimo. La intensidad de volumen es tan baja como le permitiría al músico. pp - doble piano. Se ejecuta con intensidad de volumen muy baja. p - piano. Se ejecuta con intensidad de volumen baja. mp - mezzo piano. Se ejecuta con intensidad de volumen moderada. mf - mezzo forte. Se ejecuta con intensidad de volumen moderadamente fuerte. f - forte. Se ejecuta con intensidad de volumen fuerte. ff - doble forte. Se ejecuta con intensidad de volumen muy fuerte. fff - fortissimo. Indica tocar el instrumento al nivel de volumen más alto posible.

Todo esto se ordena de la siguiente forma.

Al interpretar el pasaje musical, el instrumentista tendrá que darle el sentido dinámico y así conseguir los diferentes volúmenes de sonido.

Nota: En este ejercicio se conjunta, rítmica, dinámica y acentos.

Ritmos Afrocubanos Las Claves En los ritmos Afrocubanos, la clave juega un papel importante para darle el sentido rítmico melódico a cada frase. A continuación veremos la clave de son 3-2 y 2-3 y la clave de rumba 3-2 y 2-3. Clave de son 3-2

Clave de son 2-3

Clave de Rumba 3-2

Clave de Rumba 2-3

Lo que diferencia a ambas claves es el compás donde hay 3 golpes, en este el último de los 3 golpes es diferente: en la clave de “Rumba” el golpe 3 es tocado después del tiempo 4. Y en la clave de “Son” el mismo tercer golpe es tocado justo en el tiempo 4 del compás. Observa bien esa pequeña diferencia que será de gran utilidad, para entender los ritmos Afro-cubanos.

Palito pattern Palito para “clave de rumba 3-2”, se toca junto con la clave en la mano izquierda en el aro de la tarola haciendo la clave y la mano derecha toca el vaso* del tambor o del timbal según sea el caso. Creando dos timbres distintos que se van mezclando; también se puede tocar la clave en un jam block o cencerro y el palito en el aro del tambor o platillo. Las texturas pueden variar dependiendo el color que cada baterista quiera conseguir.

Para profundizar más en el tema de los patrones rítmicos afrocubanos sugiero visitar la página: http://www.formedia.ca/rhythms/3stick.html *lateral del tambor

Cascara La cascara es tocada en el timbal en la salsa, es usada en las secciones bajas o suaves, es decir en las partes donde el ritmo no tiene que ir tan marcado; donde la parte importante la lleva la melodía ejemplo de ello son los versos o en el inicio de un solo de jazz. Este patrón se imita en la batería tocando el vaso del tom de piso o el aro del mismo con la mano derecha, complementando con la clave en la mano izquierda

Puesto que los ritmos Afro-cubanos son adaptados para el set de batería, cada una de las extremidades toca lo que distintos percusionistas ejecutan en un ensamble de salsa. Y en este caso a la mano derecha le corresponde hacer la conga. Tocando en el tiempo dos de cada compas el “Slap” y en el tiempo cuatro la conga.

De la misma forma que en el ejemplo anterior, el baterista tiene que adaptar lo que un ensamble de salsa toca y en este caso con el bombo se lleva el tumbao, que es la rítmica que el bajista ejecuta en un ritmo de salsa.