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Monografía de Introducción a la investigación
DÉCADA DEL 30
Alumnas: Zaefferer, Montserrat (78954)- Dana, Sharon (79200)
Asignatura: Introducción a la investigación
Docente: José María Doldan
Carrera: Diseño de interiores
Fecha de entrega: 1 de julio de 2013
Zaefferer, Montserrat- Dana, Sharon 2
INDICE
1. PLANTAMIENTO DEL PROBLEMA…………………………………….3
2. HIPÓTESIS……………………………………………………………………….3
2.2 Hipótesis secundaria…………………………………………....3
3. TRABAJO DE CAMPO……………………………………………………….4
3.2 Bauhaus…………………………………………………………………4
3.2.1 Nombre…………………………………………………………….4
3.2.2 Relación con el diseño……………………………………….5
3.2.3 Arquitectura……………………………………………………..6
3.2.4 Contexto histórico político………………………………..6
3.2.5 La nueva Bauhaus……………………………………………..7
3.2.6 Características de la Bauhaus…………………………….8
3.2.7 Máximos representantes y sus obras………………..9
3.2.8 Imágenes………………………………………………………….11
3.3 Art Decó………………………………………………………………..12
3.3.1 Morfología y tecnología………………………..………...12
3.3.2 Decadencia……………………………………………………….13
3.3.3 Art Decó en la era de la fantasía………………………14
3.3.4 Imágenes………………………………………………………….23
4. ORDENAMIENTO DEL MATERIAL……………………………………..24
4.2 Cuestionario jerarquizado……………………………………..24
4.3 Respuestas…………………………………………………………….24
5. CONCLUSIONES…………………………………………………………….…25
BIBLIOGRAFÍA………………………………………………………………….26
Zaefferer, Montserrat- Dana, Sharon 3
1. PLANEAMIENTO DEL PROBLEMA:
Conviven dos movimientos importantes, el racionalismo y el art deco, esta
investigación se va a basar en el vínculo entre ellos y cual impacto más en Argentina.
2. HIPÓTESIS: a pesar de que la Bauhaus tuvo un gran impacto en el mundo, en
Argentina impacto más el art deco, conociendo que el racionalismo es mucho más
conceptual que el art deco que es decorativista.
Hipótesis secundaria: el art decó fue adoptado por la clase media que
históricamente no estaban tan afianzados a la historia francesa como lo estaba la
clase alta.
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3. TRABAJO DE CAMPO:
Bauhaus:
La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la
escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en
Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas en manos del partido nazi en
el año 1933.
Nombre:
El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "construcción", y
Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un
arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de
su existencia.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria
reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de
la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con el pensamiento socialista de su
fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925)
mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento,
coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van
der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa
de enseñanza.
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Relación con el diseño:
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño
industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos
profesiones no existían tal cual y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la
escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran
medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna,
incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana:
desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von
Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron
declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en el año 1996.
Siendo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el acosante crecimiento
del Nacional Socialismo, debido a que la ideología Bauhaus era vista como socialista
internacionalista y judía. Los Nazis cerraron la escuela. Muchos de los integrantes de la
misma, entre ellos el mismo Walter Gropius, refugiados, se instalan finalmente en
Estados Unidos para seguir con sus ideales.
"La Escuela Bauhaus" tuvo su sede en tres ciudades:
1919 – 1925: Weimar
1925 – 1932: Dessau
1932 – 1934: Berlín
Estuvo organizada por tres directores:
1919 – 1927: Walter Gropius
1927 – 1930: Hannes Meyer
1930 – 1933: Ludwig Mies van der Rohe
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Arquitectura:
Uno de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación es "La forma sigue a
la función"
El edificio de la Bauhaus (Dessau, Alemania. 1925-1926) de Walter Gropius, es el más
emblemático de la Bauhaus, se despliega en varios volúmenes, independientes entre
ellos, y diseñados según la función para la que fueron concebidos. El edificio de la
Bauhaus de Dessau, considerada como la obra maestra del racionalismo europeo, tiene
una configuración relacionada con las condiciones de la zona donde se ubica: limita con
una calle, atraviesa otra perpendicular a la primera y dos de sus alas contornean un
cercano campo deportivo, y se abre al ritmo de la vida urbana con sus grandes fachadas
de luminosas cristaleras.
La arquitectura Bauhaus se desarrolló después de la Primera Guerra Mundial. Se basa en
formas simétricas de orígenes grecolatinos.
Contexto histórico-político:
La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento
moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente
en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político,
social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad
está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo.
La nueva Bauhaus:
Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados
Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra
Fría. László Moholy-Nagy fundó en Chicago en 1937 la New Bauhaus. De las nuevas
encarnaciones de la escuela, esta sería la que respetaría más fielmente el plan de
estudios original. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los
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lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la
Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la
denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva
Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966 el pintor y diseñador argentino Tomás
Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en
las artes. La enseñanza en la Bauhaus y sus profesores
La pedagogía se dividía en tres partes:
• Primera parte: Durante seis meses, el aprendiz se adaptaba a los talleres de la
Bauhaus y descubría sus preferencias gracias a la convivencia con los artistas formaban
parte de ella. Trabajaba con piedra, madera, metal, barro, vidrio, colorantes y tejidos,
mientras se le enseñaba dibujo y modelado. En este tiempo, se aplicaba un curso
obligatorio denominado Vorkurs, donde se investigaba los principales componentes del
idioma visual en textura, color, forma, contorno y materiales. Esto llegó a conocerse más
tarde como “Método Bauhaus”.
• Segunda parte: Entraba a los talleres y recibía una instrucción práctica y formal por
tres años. Más adelante, pasaba su examen de artista. A través de esto, se elegían a los
estudiantes más destacados.
• Tercera parte: Los que fueron seleccionados recibían cursos prácticos en las fábricas y
salían bajo el título de arquitecto.
Pintura, escultura, diseño de muebles, carpintería, trabajo en hierro y cristal, tejido,
alfarería, grafismo artístico, pintura mural, escenificación, danza, teatro, tipografía y la
arquitectura eran los distintos tópicos que se impartían en la institución.
Esta Escuela tuvo diversos profesores. Todos eran de distintas profesiones: pintores,
escultores, arquitectos, urbanistas, tipógrafos, grabadores, tejedores y artesanos.
Algunos de ellos fueron: Johannes Itten (quien realizó el curso preparatorio y el centro
del proyecto pedagógico), Lyonel Feininger, Wassily Kandinsky, Joost Schmidt, Marcel
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Breuer, Gunta Stölz-Stadler, Theo Van Doesburg, Gyorgy Kepes, Ludwig Miës van der
Rohe y el propio Walter Gropius, entre otros.
Gracias a la influencia de estas personalidades, los alumnos creaban objetos de la vida
cotidiana como sillas, camas, armarios de cocina, prototipos de kioscos publicitarios,
servicios de té y café en metal, lámparas y tejidos con dibujos abstractos.
Características de la Bauhaus:
Este movimiento estaba influenciado por diferentes corrientes como el Constructivismo
ruso, Suprematismo, Expresionismo y Neoplasticismo. Rubio (s/f), en documento en
línea, describe las características de este movimiento: “El estilo de la Bauhaus se
caracterizó por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así
como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración.”
En 1925 se alzó una serie de edificaciones de forma rectangular, con base en hormigón y
cristal -la cual fue diseñada por el primer director de la Escuela-. Ya para aquel entonces,
se inclinó más hacia el funcionalismo. La expresión de la belleza y conveniencia de los
materiales básicos sin adorno se volvieron cada vez más frecuentes en el estilo de este
movimiento.
Torres (2007) explica que en cuanto a la tipografía, es funcional-constructiva y la gran
mayoría de las veces se aplicó la sans serif. Se manejó el círculo, el cuadrado y el triángulo
y se utilizaron los 3 colores primarios como base. Las direcciones horizontales y verticales
surgen con mucha frecuencia. Los textos se diferencian de forma tipográfica. Se resaltan
palabras con colores de fondo o una fotografía impresa en un color no realista. Se
colocan textos breves en un ángulo de 90º, algo totalmente nuevo.
Máximos representantes y sus obras:
Han sido diversos artistas que han formado parte de la Bauhaus. Los máximos
representantes son Gropius y Miës van der Rohe.
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Walter Gropius llevó a cabo varios proyectos, incluyendo su obra maestra: El edificio de la
Bauhaus en Dessau, el cual tenía una “planta asimétrica, con pabellones situados a
diferentes alturas y predominio de ventanas horizontales, uno de los puntos de
referencia de la arquitectura racionalista”, como describe la Enciclopedia Hispánica
Platimun, op. cit. Esta obra comenzó en 1925 y fue inaugurado en diciembre de 1926.
En cuanto a Ludwing Miës van der Rohe, en 1929 -un año antes de tomar el cargo en la
Escuela- había edificado su máxima obra: El Pabellón Nacional de Alemania en la
Exposición Internacional de Barcelona. Había sido elegido por el Gobierno Alemán para
llevar a cabo el proyecto. Se trataba de un salón protocolar con base en vidrio, travertino
y distintos tipos de mármol con el fin de alojar la recepción oficial dirigida por el rey
Alfonso XIII junto a las autoridades germanas. Otras de sus obras son: la Casa Tugendhat
en Brno (actual República Checa), la Silla de Barcelona y mucho más. Además, participó
en la Exposición Berlinesa de Edificios celebrada en la capital alemana.
La Bauhaus influyó poderosamente en la Arquitectura Moderna, a tal grado de marcar la
pauta. Simultáneamente, se creó una nueva estética. Se dice que esta, sentó las bases
normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede
decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y
como fueron concebidos dentro de esta escuela.
Personalidades como Charles Édouard Jeanneret-Gris (conocido como Le Corbusier) y
Frank Lloyd Wright fueron inspirados por este movimiento y plasmaron sus obras en
Europa y EEUU. Estas dos personas, junto con Gropius y Miës van der Rohe son
considerados como padres de la Arquitectura Moderna y Hoy, a casi 90 años de su
fundación, la Bauhaus sigue siendo una referencia para el arte y el diseño, y más allá de
que sus propuestas concretas puedan no ser vigentes, su postura programática, su
concepción de la enseñanza, su visión de las artes plásticas no atados a ningún
preconcepto, abierta a todas las influencias y estímulos (no en vano Walter Gropius
declaraba que su color preferido era el “multicolor”), aun a riesgo de las posibles
contradicciones, y la aceptación primaria de todas las teorías para fundirlas en nuevas
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concepciones, son plenamente vigentes y hacen que el legado de la “Staatliches
Bauhaus” sea, a comienzos del siglo XXI, una cita ineludible para todos los creadores.sus
hermosas edificaciones siguen asombrando al mundo entero hasta la fecha.
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Art Decó:
El art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 19, que influyó
las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e
industrial.
Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses formaron
un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizaron
la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposición
Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas) en París, y se llamaron a sí
mismos los modernos; en realidad, el término art decó se acuñó en la retrospectiva
titulada "Les Annés 25".
Morfología y tecnología:
Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos
diversos de principios del siglo XX y, a diferencia del art nouveau, se inspira en las
Primeras Vanguardias. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo
Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas
del art déco, afín a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus
composiciones.
Como estilo de la edad de la máquina, utilizó las innovaciones de los tiempos para sus
formas: las líneas aerodinámicas, producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica,
la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño se
expresaron en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o
rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutrió de las experiencias del fauvismo;
trapezoides, facetamientos, zigzags y una importante geometrización de las formas son
comunes al art déco.
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Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el art déco se caracteriza también por los
materiales que prefiere y utiliza, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera
embutida, piel de tiburón (shagreen) y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-
serif o palo seco, y el adorno en forma de sunburst son típicos del art déco.
Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles: desde el
diseño de zapatos para señoras hasta las parrillas de radiadores, el diseño de interiores
para teatros y rascacielos como el Edificio Chrysler.
Decadencia:
El movimiento fue perdiendo patrocinio en las metrópolis europeas y norteamericanas
mucho después de haber alcanzado una introducción masiva, al punto de ser empleado
para representar falsas pretensiones de lujo. Finalmente, el estilo caería en decadencia,
dadas las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial.
En países coloniales o periféricos como Colombia, Argentina, México, Ecuador y las
Filipinas, se convirtió en una puerta de entrada al modernismo y continuó siendo
utilizado bien hasta los años 1950. En América Latina pueden encontrarse, durante este
periodo, varios exponentes del art déco como, por ejemplo, el argentino José Fioravanti.
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Art Déco en la era de la fantasía:
Viernes 15 de febrero de 2013 Por Fabio Grementieri | Para LA NACION
Mientras el gran sismo de la Primera Guerra Mundial sacudía Europa, Buenos Aires era la
capital boyante de un país que continuaba su desbocada carrera de progreso e ilusión,
balanceándose entre gobiernos democráticos y autoritarios. En esa singular coyuntura
nace una arquitectura soberbia que forma parte del patrimonio porteño
La Casa del Teatro (Av. Santa Fe 1243).
Palacios de ilusión
La Primera Guerra Mundial, que para Europa significó un gran sismo, para la Argentina
no fue más que un sacudón que permitió abrir las puertas a una nueva modernidad. Y
Buenos Aires, obsesionada por el progreso, presentaba óptimas condiciones para
absorberla por todos los medios. Esta aptitud ecléctica y desprejuiciada hizo que la vida
en Buenos Aires ya se asomara a la posmodernidad.
Las verdades, los gobiernos, las artes, los escenarios cambiaban con la velocidad de la
moda y el relativismo "discepoliano" se iba imponiendo como religión práctica y
cotidiana. Casi todo se desdramatizaba en la capital de un país que continuaba su
desbocada carrera de progreso e ilusión, balanceándose entre gobiernos democráticos y
autoritarios. Se puede aseverar que el período de entreguerras fue el que dio su carácter
final a una Buenos Aires mítica compuesta de tango, cine y radio; diarios, revistas y libros;
dancings, teatros y cabarets; luz, sensualidad y velocidad. Fue la época en que pasa de
ciudad capital a metrópolis sudamericana iluminada por un fervor literario inédito que
comienza a darle proyección universal.
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De madre francesa y padre vienés, el Art Déco sale a la luz internacional con la Exposición
de Artes Decorativas de París de 1925. Buenos Aires, como no podía ser de otra manera,
lo capta precozmente. Sus orígenes aristocráticos se aburguesan y muy pronto se
popularizan. A esto contribuye la captación mediática que hacen los Estados Unidos del
estilo, al que fagocitaron Hollywood y sus films y Nueva York y sus rascacielos.
La Maternidad Sardá (Esteban de Luca 2151).
El Art Déco se hizo muy familiar para el público argentino, al que estimulaba no sólo a
través de los cines sino también en su hábitat cotidiano: departamentos, bancos, fábricas,
cafés y restaurantes llevaban el sello zigzagueante de sus líneas. Era una alternativa
primordial en la feria de estilos del academicismo. Su matriz decorativista, rectilínea y
simplificadora de las formas le permitía adaptar casi cualquier arquitectura del pasado y
su versatilidad intrínseca lo deja acoplarse fácilmente a las nuevas tecnologías, como el
hormigón armado y la luz eléctrica.
En Buenos Aires, el Art Déco alcanza un brillo y un espesor similar al del Art Nouveau. Es
más bien cosmético y pocas veces genera estructuras espaciales originales. Su versatilidad
le permite, en su vertiente clasicista, deshacerse de los órdenes y componer sobre la base
de simetrías y proporciones reafirmadas por facetados, estrías y escalonados. En su
vertiente goticista muestra un gran avance en la resolución de una nueva arquitectura
para rascacielos cada vez más altos, que así pueden liberarse de recetas completamente
historicistas, crecer en altura y estructurarse a través de haces de líneas y replanos, de
manera telescópica.
Son pocos los cultores absolutamente fieles al estilo, entre ellos los arquitectos Alejandro
Virasoro y Andrés Kalnay, que buscan explorar la innovación transformando la decoración
en un nexo integrador de diseño y construcción. El primero fue un proyectista
"afrancesado" y ejecutor desenfrenado de innumerables edificios de departamentos
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cuadriculados, con obras cumbre como el Banco El Hogar Argentino (Bartolomé Mitre
575), que despliega un espacio interior catedralicio, y la Casa del Teatro, ese reverberante
zigurat de la avenida Santa Fe.
Edificio sobre la calle Perón 2622.
El húngaro Kalnay, por su parte, practica una versión centroeuropea del estilo,
ornamentada con objetos y personajes, para erigir casas como castillejos, cines como
caleidoscopios o cantinas como pabellones de diversión; tal el caso de la Confitería
Munich en Costanera Sur. Pero será su hermano Jorge, más dedicado a la sobriedad
racionalista, quien construirá el "búnker" periodístico Art Déco del precoz zar mediático
del período: la sede del diario Crítica, sobre la Avenida de Mayo, una puesta en escena
con motivos decorativos americanistas para el "ciudadano-periodista-director" Natalio
Botana.
El Art Déco se instala en las clases medias, las mismas que poco antes elegían el Art
Nouveau y ahora consumen el nuevo estilo retratado por el cine y las revistas. Prende
entonces en los frentes de los edificios para casas y departamentos otorgando prestigio
de "modernos" a los propietarios. Constituye la nueva cara de "casas chorizo", petits-
hôtels, villas, chalets y edificios de renta que no abandonan sus matrices originales pero
que se cubren de muchos recuadros, prismas y zigzags, con sus superficies siempre
ejecutadas con el mágico símil piedra. En todos aparece un repertorio geológico, una
densidad mineral y acentos fósiles dentro de un aura medieval y melancólica. Algunas
construcciones adquieren características monumentales, como la mole de Perón 2622,
realizada por el francés Roger Tiphaine, mezcla de esbelto paquebote con estilizado
templo egipcio , con dos torres-chimeneas como amarres para dirigibles que bien podría
estar junto al Central Park de Nueva York.
Un estilo para todos los gustos y todas las posibilidades, el Art Déco se impone también en
la arquitectura institucional y pública. Prolifera en varios edificios de Diagonal Norte,
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donde las corporaciones lo utilizan según su ascendencia. De la veta francesa en "La
Equitativa del Plata" que alojaba a la "Aéropostale" a la flemática variante británica en el
edificio de la compañía Shell. También surge en la " City" con edificios como el Banco de la
Provincia de Buenos Aires, donde revivifica el clasicismo insuflándole modernidad. Pero no
sólo lo usa la "patronal" sino también los sindicatos; es el caso de las sedes de La
Fraternidad o la Unión Ferroviaria.
La Facultad de Medicina de la UBA, en Paraguay 2155.
En el ámbito oficial, tiñe escuelas en diversos barrios con variantes que reciclan motivos
indigenistas pero también geometrías abstractas; salpica ministerios, oficinas públicas y
hospitales, como el Ministerio de Obras Públicas y el de Hacienda o la Maternidad Sardá;
estructura y adorna parquizaciones y urbanizaciones como las costaneras.
Como no podía ser de otra manera, se cuela además en edificios comerciales e
industriales. Desde los pequeños frentes de boutiques y sus vidrieras diurnas y nocturnas,
pasando por los hoteles como el "decogótico" City o los garajes -establos de hormigón
para autos-, hasta los mercados que tienen su apoteosis en el de Abasto. En una inédita
síntesis greco-gótica, cuando se inauguró esta catedral abastecedora su apariencia era
religiosa y su espacio interior, casi místico.
Si de majestad Art Déco se trata, también participa de ella la usina de la CATE en Puerto
Nuevo. Proyectada por los belgas Derée y Robert Duicque, es un palacio de la electricidad,
esa energía que posibilitaba la iluminación nocturna, una de las herramientas de diseño
cruciales del estilo.
Más allá del protocolo y la oficialidad, de la informalidad y la domesticidad, el Art Déco
señoreó sobre el esparcimiento y el entretenimiento. En especial sobre la legendaria
noche porteña de tango y jazz, humo y champagne , con santuarios de peregrinación
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como el Tabaris, el Chantecler o el Armenonville, con interiores de sofisticada
modernidad, a la manera de los transatlánticos.
Se abre entonces la edad dorada de los cines, esos "palacios de la ilusión" (ver recuadro)
que invaden el centro de Buenos Aires y se esparcen por casi todos los distritos de la
capital con el repertorio de fantasías en la pantalla pero también en los halls y en las
salas. En 1929 se produce un crac finaciero mundial que pone fin a los "años locos" y al
año siguiente un crac institucional nacional que cierra un período de progreso. Son
tiempos de retorno al orden, de racionalidad y austeridad, una quimera que durará poco
más de una década.
El Teatro Ópera (Av. Corrientes 860).
El surgimiento del Art Déco coincide con la desenfrenada expansión del cine. El nuevo
género inaugura una gran fantasía globalizada, una realidad paralela basada en la
imagen en movimiento y con sonido que necesita de templos para consagrar el rito de los
fieles espectadores. El nuevo estilo encaja perfectamente con la moderna fantasía al
formar un matrimonio que se consagra en Hollywood con un interminable cortejo de
duendes kitsch.
En la Argentina, y particularmente en Buenos Aires, los cines fueron un "tercer hogar", el
de la evasión. Y así como las escuelas fueron también palacios, algunos alcanzaron
capacidades superiores a los 2000 espectadores. Los ejemplos más espléndidos se
levantaron alrededor de 1930, justo cuando el cine pasa de mudo a sonoro.
El repertorio iconográfico fue muy amplio, con uso de motivos de culturas antiguas
modernizados. El despliegue se realizó sobre fachadas, foyers y salas, todo realzado por
efectos de iluminación y las posibilidades técnicas del hormigón armado o el aire
acondicionado. Entre los tantísimos que hubo merecen destacarse el Suipacha, con
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relieves alegóricos sobre el cine; el Broadway, "déco-cubista" con un cuerpo de
departamentos encima; el Capitol, que adscribía al "decollywood" californiano, el
Monumental, construido en una variante "déco-azteca"; el Palais Royal, dentro de una
elegante variante británica, y el Metropolitan, que prefiguraba la austeridad del
racionalismo.
Pero el Art Déco se eleva a la altura de una superproducción multiestelar en el cine-teatro
Ópera, construido en apenas ocho meses e inaugurado a todo trapo en 1936. Obra
cumbre del gran arquitecto de los cines, el belga Albert Bourdon, fue la gema de la red de
salas de Clemente Lococo, un verdadero "palacio de ensueño" que emulaba en fachada,
foyer y sala al Cine Rex de París.
La imagen de la fachada evoca un palacio henchido, coronado por una tiara y engalanado
con frisos brillantes como alhajas, y por debajo una inquietante marquesina. Este
reluciente hall -con revestimientos abstractos, construcciones lumínicas y escaleras
sobreactuadas- busca prologar las ensoñaciones de la sala, que cuenta con laterales
tratados como variados paisajes arquitectónicos de estilo kitsch y consistencia
escenográfica. El cielorraso que simula una gran vía láctea funciona como incitación a
evadirse evocando el firmamento de las estrellas del cine. Estupendo ejemplo de Art Déco
tardío, el eje París-Nueva York-Hollywood es la fórmula de referencia. Su exterior y los
espacios principales participan de un juego formal y cromático muy efectista, al modo de
un afiche tridimensional.
Estos efectos se potencian por el contrapunto que ofrece la sobria imagen del desafiante
Gran Rex, inaugurado al año siguiente, que comparte con el Ópera el privilegio de ser las
máximas reliquias arquitectónicas nacionales de la edad dorada del cine.
DATOS & PISTAS
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Contexto. El período de entreguerras dio su carácter final a una Buenos Aires mítica. En
ese momento de esplendor, la ciudad capital se convierte en metrópolis sudamericana,
iluminada por un fervor literario inédito que comienza a darle proyección universal.
Furor. Retratado por el cine y las revistas, el Art Déco se instala en las clases medias con
su matriz decorativista, rectilínea y simplificadora de las formas, que le permite adaptar
casi cualquier arquitectura del pasado.
Versatilidad. Permeable a todos los gustos y posibilidades, así como a las nuevas
tecnologías, el estilo no sólo se impone en los frentes de los edificios para casas,
departamentos y petits-hôtels sino también en la arquitectura institucional y pública e
incluso en la noche porteña, a través de los cines y teatros que invaden la ciudad.
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4. ORDENAMIENTO DEL MATERIAL
Cuestionario jerarquizado:
1) ¿Cree usted que el Art Decó tuvo un mayor impacto en la Argentina que el racionalismo?
2) ¿Conoce más edificios, en Buenos Aires, de estilo Art Decó o racionalistas?
3) ¿Cree usted que el Art Decó fue un estilo adoptado por la clase media de la Argentina?
¿Por qué?
4) ¿En qué barrios diría que el Art Decó tuvo mayor impacto en la CABA?
Respuestas:
1) El 80% de los entrevistados contestaron que el Art Decó tuvo mayor impacto en la
argentina. El 20% que resta dijo que no tenía la certeza para responder.
2) El 90% de los entrevistados conocen más edificios de estilo Art Decó.
3) Todos los entrevistados afirmaron que el Art Decó fue un estilo adoptado por la clase
media Argentina porque esta, estaba creciendo económicamente y mediante este
estilo podían demostrar este crecimiento. A la vez los Argentinos en general se
sentían más identificados con el Art Decó que con el estilo de la Bauhaus ya que los
ciudadanos tienden más a los estilos tradicionales y clásicos.
4) Los barrios que predominaron en nuestra encuesta fueron: Palermo, Once, zona
céntrica, Almagro y Microcentro.
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5. CONCLUSIONES
Nosotras investigamos sobre la década del 30 basada en dos movimientos de diseño
importantes en esa época, el Art Decó y la Bauhaus. Elegimos que nuestra lógica de trabajo
fuese el plano de comparación y contraste ya que justamente estamos observando las
diferencias e igualdades entre dos estilos.
Nuestras hipótesis eran “a pesar de que la Bauhaus tuvo un gran impacto en el mundo, en
Argentina impactó más el Art Decó, conociendo que el Racionalismo es mucho más
conceptual que el Art Decó que es decorativista.” Y “el art decó fue adoptado por la clase
media que históricamente no estaban tan afianzados a la historia francesa como lo estaba la
clase alta.”
Para verificarlas realizamos un trabajo de campo que consistía en la recopilación de
información de páginas y artículos sacados de internet. También realizamos un cuestionario
jerarquizado a decoradores y arquitectos argentinos.
Gracias a toda la información que pudimos recopilar podemos decir que nuestras hipótesis
son acertadas. Ya que el artículo y las respuestas del cuestionario nos dan fundamentos para
verificarlas.
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BIBLIOGRAFÍA
http://www.lanacion.com.ar/1554449-art-deco-en-la-era-de-la-fantasia
http://creatividadnatural.blogspot.com.ar/2008/09/bauhaus.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Art_d%C3%A9co
http://www.laberintos.com.mx/artdeco2.html
