Algunas consideraciones sobre la música del siglo XX

Por Omar TerceroImpresionismo Musical

El impresionamos musical surge como una corriente, con la necesidad de los compositores de probar nuevas combinaciones de instrumentos que aumentara la riqueza tímbrica, con lo que se da una ejecución secuencial, es decir en impresiones, haciendo alusión al impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color.

“En Francia, el Impresionismo lo encabezó Claude Debussy, que fue influenciado por los pintores  impresionistas franceses y por la poesía de Paul Verlaine, Charles Baudelaire y Stéphane Mallarmé y  lo enfocó como reacción, tanto al interés formal del clasicismo de compositores como Wolfgang Amadeus Mozart o Ludwig van Beethoven y la vehemencia emocional del romanticismo de compositores como Robert Schumann y Franz Schubert. Además combinó elementos innovadores y tradicionales: Utilizó la escala de tonos enteros e intervalos complejos que hasta ese momento no se habían usado y recurrió a los intervalos de cuartas y quinta paralelas propios de la música medieval, que aparecen en su poema sinfónico "Preludio a la siesta de un fauno" (en el original: Prélude à l'après-midi d'un faune) de 1894, basado en un poema de Mallarmé. Cabe destacar que la extensa obra pianística de Debussy requirió nuevas técnicas interpretativas, que incluían un generoso pero sensible uso de los pedales para crear un torrente indiferenciado de sonido.

La música impresionista francesa continuó su evolución en la obra de Maurice Ravel entre otros, como Paul Dukas, Albert Roussel, Charles Koechlin, Alexis Roland-Manuel, André Caplet y Florent Schmitt.

Al comienzo de la I Guerra Mundial en 1914 el gran refinamiento, así como las limitaciones técnicas del impresionismo musical, provocaron argumentos adversos de compositores y críticos. Un nuevo grupo de compositores franceses antirrománticos, Les Six (Los Seis), influidos por Erik Satie, satirizaron y rechazaron lo que consideraban excesos de esta corriente. El impresionismo, concebido por Debussy, como tendencia contraria al romanticismo, fue visto como la fase final de la música romántica.

El impresionismo musical, más que un movimiento, se refiere a una cierta estética paralela a la corriente pictórica impresionista, fundamentada en el puntillismo sonoro, la riqueza de color tímbrico y la prioridad de la impresión artística y la atmósfera poética.”1

Claude Debyssy.

“Nacido en Saint-Germain-en-Laye, el 22 de agosto de 1862, Hizo aportes significativos en la producción de innovaciones armónicas, así como en el tratamiento de su textura orquestal. Con una sólida formación académica en el conservatorio de París y tras recibir los beneficios de poder viajar a ciudades europeas como Florencia, Venecia y Moscú, pudo demostrar tanto a discípulos como maestros, su particular riqueza musical. Fue además desde muy temprana edad, ganador de premios como el Grand Prix de Roma, con su cantata ‘El hijo pródigo’ en 1884. El ‘Prix de Rome’, era la famosa recompensa anual concedida por concurso entre los estudiantes del Conservatorio de París por el instituto de Francia. El favorecido quien debía ser menor

1 http://impresionistaenfuga.blogspot.mx/2011/05/impresionismo-musical.html

de treinta años, recibía una pensión de estado por espacio de cuatro años sucesivos, parte de los cuales debían transcurrir en la Academia de Francia, en la muy famosa y prestigiosa Villa de Medicis, cerca de Roma (Dumesnil, 1951). Durante su estadía en Rusia, tuvo la oportunidad de conocer a grandes músicos tales como: Tchaikovsky, Borodin, Malakiriev y Musorgski. Entre sus obras más importantes y conocidas se encuentran: ‘Pelléas y Melisanda’, ‘Imágenes’, ‘Preludio y siesta para un fauno’, ‘Juegos’, ‘Nocturnos’ y ‘El mar’, obras para piano, canto lírico, música de cámara, entre otros (Debussy, s.f.).”2

Preludio a la Siesta de un Fauno.

Esta obre se desarrolla, “en primer lugar, una orquestación peculiar con sólo 3 flautas, 2 oboes (mutado uno en corno inglés), 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas y dos arpas sumadas a la formación de cuerda. Ni trompetas, ni trombones, ni percusión, nada que le alejara de la sonoridad perseguida, tenue y vaporosa.

Destaca además la estructura de la composición: seis partes de longitud desigual dominadas por el solo de flauta inicial (très modéré), que es expuesto luego con una armonización leve y después completa. Una segunda parte presenta un segundo motivo en el oboe y conduce a una atmósfera de mayor animación. Después, en la tercera, clarinete, oboe y cuerda presentan un elemento melódico nuevo, de gran emotividad y lirismo (même mouvement et très sostenu). La cuarta parte retoma el primer tema transformado rítmicamente. Después el tema se reexpone y se esquematiza en una especie de coda final. Por primera vez, Debussy se apartaba totalmente de la estética establecida, de cualquier obligación tonal y toma a su antojo los recursos para expresar esa impresión general que en él dejó el poema de Mallarmé. “3

Expresionismo musical.

El expresionismo se caracterizó, como su nombre lo dice en la expresividad y anímica y subjetividad del arte, contrario a la sensorialidad del impresionismo. Sus compositores más representativos son: Schönber, Berg y Webern, conocidos como la Escuela de Viena.

“Alban Berg, un concepto más amplio, complejo y articulado de la forma y el timbre musical que su maestro. sus obras destacan las óperas Wozzeck (1925) y Lulú (1935), además de Suite lírica para cuarteto de cuerda (1926) y Concierto para violín y orquesta (A la memoria de un ángel) (1935).

Arnold Schonberg, se formó cuando en Viena había un caluroso debate entre wagnerianos y brahmsianos, Sus primeras obras fueron un fracaso de público, como el poema sinfónico Pelleas und Melisande (1903)

Anton Von Webern, circunscrito a obras de pequeño calibre, no tuvo mucho reconocimiento en vida, si bien su obra fue profundamente vanguardista e innovadora. bras destacan Bagatelas (1913), Trío para cuerdas (1927), La luz de los ojos (1935) y Variaciones para piano (1936).129”4

2 http://astrolabio.phipages.com/storage/.instance_2290/ARTICULO_715.pdf 3 http://www.ecured.cu/index.php/Claude_Debussy 4 http://impresionismoyexpresionismomusical.blogspot.mx/

Revoluciones Rítmica y Folklórica.

Sus principales representantes son: Igor Stravinsky y Bela Bartok.

Stravinsky fue un “compositor ruso nacionalizado francés y, posteriormente, estadounidense. Una de las fechas clave que señalan el nacimiento de la llamada música contemporánea es el 29 de mayo de 1913, día en que se estrenó el ballet de Stravinsky La consagración de la primavera. Su armonía politonal, sus ritmos abruptos y dislocados y su agresiva orquestación provocaron en el público uno de los mayores escándalos de la historia del arte de los sonidos.

Autor de otros dos ballets que habían causado sensación, El pájaro de fuego (la obra que lo dio a conocer internacionalmente en 1910) y Petrushka, el citado día de 1913 Stravinsky se confirmó como el jefe de filas de la nueva escuela musical. Sin embargo, él nunca se consideró un revolucionario; de manera similar a Picasso en el campo de las artes plásticas, el compositor se caracterizó siempre por transitar de un estilo a otro con absoluta facilidad, sin perder por ello su propia personalidad. El ruso, el neoclásico y el dodecafónico son, a grandes rasgos, los tres períodos en los que puede dividirse la carrera compositiva de este maestro, uno de los referentes incuestionables de la música del siglo XX.”5

“Junto a su compatriota Zoltán Kodály, Bela Bartok es el compositor más importante que ha dado la música húngara a lo largo de su historia y una de las figuras imprescindibles en las que se fundamenta la música contemporánea.

Si bien en algunas composiciones se conserva total o parcialmente la melodía original (Cuarenta y cuatro dúos para dos violines), en otras, sobre todo en las más maduras, se asiste a la total absorción de los ritmos y las formas populares, de manera tal que, pese a no existir referencias directas, se advierte en todo momento su presencia. Páginas como las de la única ópera escrita por el músico, El castillo de Barba Azul; los ballets El príncipe de madera y El mandarín maravilloso; el Concierto para piano nº 1 y el Allegro bárbaro para piano contribuyeron a hacer de Bartok un autor conocido dentro y fuera de las fronteras de su patria, a pesar del escándalo que suscitaron algunas de ellas por lo atrevido de su lenguaje armónico, rítmico y tímbrico.”6

La música y la política.

Por la situación política de la Unión Soviética, autores como Khachaturian y Schostakovich no tuvieron la oportunidad de viajar fuera del país, por lo que su contacto con las tendencias de la música moderna fue nula. El conflicto político alcanzó su climax para los compositores rusos al verse censurados por el propio gobierno.

Al hablar de Schostakovich es necesario hacer referencia, a todos los géneros, “la ópera, la comedia musical, la sinfonía a la miniatura para piano, la música concertante, la cantata, el cuarteto de cuerda y la música para el cine. Escribió un total de 147 números de opus, correspondientes muchos de ellos a obras que hoy se cuentan entre las páginas más interpretadas y grabadas del repertorio.

La carrera ascendente de Shostakovich sufrió un inesperado revés con el estreno en 1934 de su segunda ópera, Lady Macbeth de Mtsensk: entusiásticamente recibida por el público, tanto en Leningrado como en su posterior escenificación en Moscú, fue

5 http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/stravinski.htm 6 http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/bartok.htm

retirada de cartel tras la aparición de una crítica en el diario oficial Pravda, titulada Caos en lugar de música, en la que se acusaba al compositor de haber escrito un «concierto de aullidos», ajeno a los presupuestos de la música socialista, que debía ser clara y fácilmente asequible.

Se iniciaba así una larga y contradictoria relación con el régimen estalinista: mientras en Occidente era considerado el compositor oficial soviético, en su propio país Shostakovich hubo de sufrir las injerencias de sus autoridades culturales, a pesar de lo cual, y pese a su aparente aceptación tácita de los preceptos del realismo socialista, consiguió mantener siempre su independencia creativa.

Los estrenos de la clásica Sinfonía núm. 5 y, sobre todo, de la patriótica Sinfonía núm. 7 «Leningrado», símbolo de la lucha del pueblo ruso contra el invasor nazi, rehabilitaron a un compositor que en 1948 volvió a ver de nuevo prohibida la ejecución de sus obras bajo el estigma del formalismo.” 7

La música concreta y la música electrónica.

A partir de los años 50, la inclusión de nuevos instrumentos, técnicas y tecnologías ampliaron la gama sonora, por las propias limitaciones de los instrumentos tradicionales, con esto damos paso a la eres de la música electrónica y concreta.

Grörgy Ligeti es uno de los compositores más representativos de esta corriente, “austríaco de origen húngaro. Cursó estudios de composición en el Conservatorio de Kolozsvar (1941-1943) y, de forma simultánea, en Budapest (1942-1943). Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, Ligeti pudo reanudar sus estudios en la Academia de Budapest con Verres y Farkass, donde se graduó (1949) y empezó a impartir armonía.

Las principales obras de este período son: Volumina (1962-1966), para órgano; Requiem (1963-1965); Concierto para violonchelo (1966); Lux aeterna (1966) para doce voces; Lontano (1967), para orquesta; Continuum (1968) para clavicémbalo; Cuarteto para cuerdas n.º 2 (1968); Colado (1969), para órgano; Concierto de cámara para trece instrumentos (1970); Ramificaciones (1972), para doce instrumentos de cuerda; el Doble concierto para flauta, oboe y orquesta (1972); Clocks and Clouds (1973) para doce voces femeninas y orquesta, y San Francisco Polyphony (1974) para orquesta.”8

7 http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/shostakovich.htm 8 http://www.biografiasyvidas.com/biografia/l/ligeti.htm