Año 1

· Núm

ero 2

· Abr

il 20

12

Dirección: Kike Lugo

Edición: Pavo Aizcorbe

Redacción: Rubén Ba-rrera R.

Diseño Editorial y Gráfico: Yune Ireri

Colaboradores:-Gerardo Zúñiga

-Norberto Hernández-Rogelio Martínez

Joya-Edgar Jared Flores

Año INúmero 2Abril 2012

ContactoWeb:

http://www.conservatoriocelaya.edu.mx/

Facebook:

http://www.facebook.com/

partituraespiral

Mail:

partitura.espiral@gmail.com

La Música del Éter ········································································ 2

Memorias de un Violonchelo ·······················································6

El Método Kodály ··········································································8

Estudiar de manera ordenada para avanzar ····························9

Escuchando el cine mudo ·························································· 10

Sinestesias ····················································································14

Reason ·························································································· 16

Pasión del Sur ···············································································18

Concierto: Cuarteto Sequenza ··················································22

Eventos ·························································································26

Estimados lectores, estamos de nuevo con ustedes, presentando ya nuestro segundo

número. Aún seguimos ideando los conceptos que definirán la revista, deben saber que tenemos muchas

ideas y aspiraciones. La respuesta que hemos recibido hasta el momento no ha sido mala y esperamos que esta no decaiga, y que al contrario, siga afianzándose y acrecen-tándose, conforme crezca el proyecto. En un futuro, esperamos que esta publicación se vuelva parte de cada uno de ustedes, de cada una de las per-

sonas que concurren en el conservatorio ya que todos nosotros, en conjunto, somos verda-

deramente el conservatorio.

Editorial

~ Í n d i c e ~

Por Rubén Barrera R.

Pues esto es posible, gracias a la maravillosa imagi-nación, a la dedicación, y al apasionado amor de un hombre por la física y la música. Su nombre era Lev Serguéivich Termen, y su invento se conoce como The-remin, el cual fue hecho en 1919 y patentado en Esta-dos Unidos en el año de 1928. El thereminvox o theremin es un instrumento musical electrófono, y debe su nombre a la versión afrancesada del apellido de su inventor (León Thérémin). Consta de una caja con dos antenas, de las cuales una suele ser recta y vertical, con la cual se controla la frecuencia o tono, y se sitúa del lado derecho del intérprete; la otra es horizontal y con forma de bucle, la cual con-trola el volumen, y se encuentra del lado izquierdo del ejecutante. Los theremines originales estaban fabrica-dos con las entonces novedosas válvulas de vacío, que presentaban problemas de mantenimiento y estabili-dad térmica, además de necesitar altos voltajes para su funcionamiento.

LA MÚSICA DEL ÉTER

¿Te imaginas poder tocar un instrumento musical, sin necesidad de tener contacto físico con él?

Abril 20122

Actualmente existen versiones transistorizadas de theremines, que son más adecuados para el trans-porte, de mucho menor consumo eléctrico y mucho más estables. Y ahora, estimados lectores, se preguntarán ¿cómo funciona este aparato? Pues bien, trataré de expli-carlo a continuación. El funcionamiento del control del tono (antena derecha) está basado en los mismos principios utilizados en la radio (principio heterodino). La frecuencia del generador está controlada por la capacidad formada entre la antena y el cuerpo del intérprete, dependiente de la distancia entre am-bos. Posteriormente esta señal es demodulada para obtener sonidos en el rango de frecuencias de audio (20 Hz-20kHz). El control del volumen (antena iz-quierda) funciona de manera similar, pero convir-tiendo la frecuencia obtenida en una tensión esta-ble controlada por un amplificador VCA. En otras palabras, cuanto más cerca está la mano derecha del intérprete de la antena vertical, más agudo será el sonido producido; y cuanto más cerca de la an-tena horizontal esté la mano izquierda del músico, más bajo será el volumen del sonido, y viceversa. El mismo Termen lo explica de la siguiente mane-ra: “Se obtienen fácilmente sonidos de tono varia-ble utilizando una corriente alterna de frecuencia también variable. Se coloca una pequeña varilla vertical a modo de antena, lo que genera ondas electromagnéticas de muy débil intensidad alrede-dor de la misma. Estas ondas tienen una longitud y una frecuencia definidas: la aproximación de una mano, que es un conductor eléctrico, altera la con-figuración del campo electromagnético que rodea a la antena, cambia su capacitancia y, por lo tanto, afecta la frecuencia de la corriente alterna genera-da en el instrumento. De esta manera, se produce una suerte de “toque invisible” en el espacio que circunda la antena, y, de la misma manera en que en un chelo la presión de un dedo sobre la cuerda produce un sonido tanto más agudo cuanto más se acerca el dedo al puente, en el theremin el tono se incrementa cuanto más se acerca la mano a la ante-na. Del mismo modo, la intensidad del tono cambia al aproximar una mano a la otra antena, de forma circular, alrededor de la cual se forman ondas elec-tromagnéticas siguiendo el mismo principio. La aproximación de una mano produce un cambio en la intensidad de la corriente alterna que produce el tono. Así, levantando la mano por encima de la antena horizontal en forma de anillo la nota crece

3Partitura Espiral

en volumen, mientras que bajan-do la mano por debajo de ella se hace más débil, hasta morir en el medio del más suave pianissimo”. Es por esto que el theremin es el único instrumento musical que se toca “sin tocarse”.

Es un poco extraño el hecho de que un instrumento tan peculiar nos sea tan desconocido, y más ahora que vivimos en una época en la que los avances tecnológi-cos causan tanta fascinación en la gente. Su timbre se asemeja al so-nido de un chelo combinado con el de la voz humana. Sin embargo, y aunque no lo crean queridos lec-tores, la mayoría de ustedes han escuchado el sonido del theremin más de alguna vez. ¿En dónde?, se preguntarán. Seguramente en el cine o en la televisión, ya que el theremin fue muy utilizado en películas de serie B de Hollywood de las décadas de 1940 y 1950 para ambientar escenas de terror o crear efectos sonoros especiales en filmes de ciencia ficción. Aun-que no siempre fue así, pues en

un principio este “eteró-fono” sirvió para inter-pretar

repertorio clásico y romántico, de la misma manera en que se usa un violín o una flauta. De hecho, el compositor Dimitri Shostako-vich fue uno de los primeros en incluir en piezas orquestales este aparato, por ejemplo la música para la película “Odna” de 1931. Para concluir el presente artículo, dejaré que el físico y músico Lev Serguéivich Termen (Leningrado, hoy San Petersburgo, 1896-1993) nos relate cómo se le ocurrió la idea de construir semejante ins-trumento:“La idea me vino primero justo después de nuestra revolución. Al comienzo del Estado Bolche-vique. Quería inventar algo como un instrumento pero que no fun-cionara mecánicamente, como el piano, el chelo o el violín, cuyo movimiento del arco era compa-rado al de una sierra. Concebí un instrumento que pudiera crear sonido sin el uso de energía me-cánica, como el director a una orquesta. La orquesta toca mecá-nicamente, usando energía mecá-nica; el director tan sólo mueve sus manos, y sus movimientos tienen un efecto en el arte mu-sical de la orquesta. Comencé a estudiar electricidad a los 7 años y música a los 9. Amé la música desde la infancia, porque la sen-tía como algo vivo y real. Cuan-do comencé a tocar el chelo,

me confundía la contra-dicción entre la música y la forma en que la obtenía: a través del movimiento del arco,

a la manera de un serrucho mientras

“Siempre había

deseado encontrar una forma de unir mi

pasión por la

electricidad con la que sentía por

la música”

Abril 20124

oprimía las cuerdas con los dedos. Siempre había deseado encontrar una forma de unir mi pasión por la electricidad con la que sentía por la música. A los 13 años descubrí las altas frecuencias y los transfor-madores Tela. Tomé en una mano una vara de metal de tamaño medio y obtuve una chispa de alto voltaje acompañada de un sonido de alta frecuencia, obser-vando que un cambio en la distancia causaba una va-riación en el tono del sonido. En 1920, por invitación del profesor A. F. Yoffe, volví al Instituto de Ciencias Físicas, Tecnológicas y de Radio, que él dirigía. Más tarde me pusieron a cargo del laboratorio de oscila-dores eléctricos. Diseñé una técnica que permitía la medición de la temperatura de un gas y un sistema de señales eléctricas que detectaba el movimiento de un hombre dentro de un radio de 4 ó 5 metros. Este método me permitía detectar cambios en la distancia de una magnitud de 0,0001”. Hoy en día se han fabricado theremines de manera más o menos artesanal con formas de interactuar

muy distintas, por ejemplo los theremines ópticos que miden la cantidad de luz que les llega a un sensor, o los modelos que participan de la tecnología MIDI, lo que les posibilita obtener, virtualmente, cualquier timbre usando un sampler, aunque con defectos en la calidad tímbrica.

Me despido con un par de interesantes videos, en uno aparece el mismo León Theremin haciendo uso del instrumento y en otro, Clara Rockmore, quién fue una de las mas grandes ejecutantes del mismo. ◆

León Thereminhttp://www.youtube.com/watch?v=w5qf9O6c20o

Clara Rockmorehttp://www.youtube.com/watch?v=pSzTPGlNa5U

5Partitura Espiral

Por Gerardo Zúñiga

Que no s diria un in strumento si p udiera hablar?Si pudiera recordar cada instante y por cada persona que fue tocado, las infinitas sensaciones y emociones que es capaz de transmitir, ser quien produce la mú-sica que llegará a los oídos a mover los sentimientos de quien lo escuche.Nicole Lafourcade, escritora y traductora chilena quien tiene una sólida vocación por la literatura y las letras, estudió la carrera de interpretación musical especializándose en violonchelo, en la Universidad Católica de Chile. Combinando estas dos hermosas artes escribió un poema que está inspirado en las “Memorias de un Violoncello” el cual se divide en 4 movimientos: Pre-ludio, Folía, Fuga y Elegía. A continuación presenta-mos un fragmento de la Fuga…

Memorias de un Violonchelo?

Abril 20126

XXVII¿Dónde empezará el camino de tus sueños?A veces creo olerlo toronjilcerca al borde marino de un nautilusvarado en tierra.Vagón umbrales de puertas giratoriasasomándome al embrujo de tus cantosvagón sordinamuy desafinadoy me devuelvesonírico y ausente.¿Dónde debo buscar tus fragancias prohibidas?¿Cerca del llanto que te borra?Carnazón de mi fugado precipicio. XXVIIINo des vuelta así de prontotodo el libro de sonidosque nos tocanNo abandonesel recorrido ciego de mis manos por tus curvas orificiasdonde he ido semillando cada unade mis hambrientas soledades. XXIXTeme perdistetemoen llave de fateme cerrastede repenteteme estás diluyendoen pianissimo silencioy el arco de mi sueñono puede devolvertey de volartemetemo. XXX¿Dónde buscarme en tus rincones?¿Dónde encontrarme sonatinasinfonescaen este desencierro que me entregastan vestido de réquiemdespedida?Pulsaciones de sonido doloridasno dejan que mi arco te acaricie.Espero atento el ritornelloacunando requiebros desvestidos.

XXXI

No puedo rastrearte esta nocheno puedo

no encuentro tu sontus silencios

no siento el ritmo interno que va desahumándomecuando juntos en concierto

el pulso amaderado¿Dónde?

¿Dónde ha enmudecido?Intento rescatar tu voz gra-aguda

en medios tonostu voz que sólo canta para mí

y voy en trémolos y a ciegas.

XXXIISombrando busco

la tierra de inocenciamosto embriagante

derramado por caminosque no vuelven nunca

a la primera fuente de sonedad.Me luzco

girando en el alientodel nido perdido.

No somos más que prisionerosintentando sacar el canto de la fuente.

No somos más que huesosmaderales

a la espera de que un soplonos encienda ◆

Si quieres conocer el poema completo lo puedes encontrar en: http://www.cabalgata.com/autores/nicole_lafourcade/violoncello

Fu gaFragmento

7Partitura Espiral

El M

étod

o Kodály Por Rogelio Martínez Joya

Abril 20128

El Método Kodály, también conocido como el Concepto Kodály, es

un enfoque para la educación musical. Fue de-sarrollado en Hungría durante la segunda mitad del siglo XX por Zoltán Kodály.

Zoltan Kodály (Kecskemet 1882 - Budapest 1967) músico y compositor húngaro de gran nivel, de-mostró tal interés por la pedagogía musical que decidió dejar a un lado su faceta de compositor y director de orquesta para dedicar gran parte de su vida a la recopilación de un amplísimo repertorio de música popular y folklórica (se habla de ciento cincuenta mil canciones), para utilizar en su me-todología. Su filosofía respecto a la educación sirvió de ins-piración para el método, que se desarrolló a

continuación por sus asociados.

Referencias:http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=gVW13w2fXh8

http://musicaymovimientogerena.wordpress.com/2009/11/21/la-fononimia-kodaly/http://www.arcademusica.com/0000009a521202e0a/0000009a5511cf854.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Zolt%C3%A1n_Kod%C3%A1lyhttp://en.wikipedia.org/wiki/Kod%C3%A1ly_Method

Entre los métodos peda-gógicos de la Educación Musical, el

método Kodály es uno de los más completos, ya que abarca la educación vocal e instrumental desde sus orígenes hasta sus niveles más altos en el campo profesional. Tiene una sólida estructura y una acertada secuenciación pedagógica basada en criterios científicos que tienen en cuenta el de-sarrollo psico-evolutivo del alumnado. Incorpora una serie de gestos llamados “Fononí-mia”, en los cuales se asignan gestos de la mano a las diferentes notas. Es una manera clara y conci-sa para ver el perfil melódico, trabajar la audición interior, desarrollar el canto y, sobre todo, adaptar la entonación a aquellos que les cueste un poco

más la situación espacial de las notas musicales del sistema occidental. ◆

Este paso es pri-mordial para el desenvolvimiento de

los siguientes puntos.

Hacerlo de esta manera, ayudará a

detectar los aciertos y errores que resaltan en nuestra parti-tura.

Una vez detectados los problemas mediante el punto anterior, ir directamente a estos. Los analizamos, repasamos y resolvemos.

Por grados de dificultad.

Esto es parte del punto número

3.

en ritmo, afina-ción, fraseo, inter-

valos, etc.

(6 veces seguidas de manera perfecta sin trabas).

Todo el tiempo nos los dicen pero, siempre hacemos caso omiso.

La relajación es importante para poder hacer a conciencia lo que ya se han venido haciendo en los anteriores puntos. Es im-

portante estar relajados durante nuestro estudio para no tensar la garganta

(canto), nuestras manos (instru-mentistas) etc., en general nues-

tros músculos.

La memoria jue-ga un papel muy preciso en nuestro estudio diario, por que esta es la que nos asegura el buen resultado del estudio deseado.

Este tipo de memoria dará realce a nuestra se-guridad.

Esta más que dicho.

◆

Estu

diar

de m

anera ordenada para avanzarPor Edgar Jared Cobo

9Partitura Espiral

anadora de cinco premios Oscar y tres Globos de Oro, entre otros premios, es algo espectacular, en verdad, pues a veces si no tiene diálogos ni efectos especiales y sobre todo que es en blanco y negro, llegamos

a creer que no será buena. “El Artista” demuestra lo contrario, pues a pesar de ser cine mudo es una excelente película, todo embona perfecto y nos retrocede un poco en el tiempo… La historia se desarrolla en Hollywood, en 1927. George Valen-tin ( Jean Dujardin) es la mayor estrella del cine mudo, tiene el mundo a sus pies, posee fama y no envidia a nadie; pero debido a su arrogancia no se da cuenta de que el fin de su fama y estilo de vida está llegando. Por su parte, una bai-larina llamada Peppy Miller (Bérénice Bejo) empieza a ser la estrella del cine sonoro. Miller había sido descubierta por Valentin y se hizo famosa por su gran carisma y talento en el baile. Con la llegada del cine sonoro, todo Hollywood se renueva, pero Valentin rehúsa dejar de hacer lo que más ama, contar historias mudas. La pregunta es: ¿puede sobrevivir George Valentin a este nuevo mundo con sonido? Es interesante la manera en que nos plantean esta historia de comedia y drama que se encuentra en medio de un gran cambio en el cine: del cine mudo al sonoro. Saliendo un poco del éxito de “El Artista”, se debe aclarar que el cine mudo no fue “mudo” del todo, contenía imágenes de diálogos que apa-

Escuchando el cine mudoUna película muda que tampoco es a color... ¿Qué es esto en el 2012?

Por P

avo A

izcor

be

Abril 201210

recían repentinamente en la pantalla y lo más interesante: música en vivo.

La finalidad fundamental del cine clásico de Hollywood era entretener al espectador, alejándolo de sus preocu-

paciones cotidianas, e introducirlo en la historia planteada por la ficción cinematográfica. En el

manual “How to Write Photoplays” (1921) de Emerson y Loos, expresan lo anterior con

las siguientes palabras:“El [guionista] amateur debe recordar siempre que la gente va a la sala de cine para olvidar sus problemas y volver a ser joven en un mundo de héroes y heroínas donde al final todo es como debe ser.” Una característica importante es que se

buscaba la identificación emocional del espectador con aquello que se le muestra,

especialmente con los puntos de vista y las emociones de los personajes protagonistas.

Volviendo al enfoque de la música, desde el principio

muchas de las proyecciones cinematográficas gozaron de un acompañamiento musical, sin él, el espectáculo se consideraba incompleto. En la exhibición de las películas solían presentarse dos segmentos musicales: la obertura (situada antes de la proyec-ción) y la banda sonora (simultánea a la proyección).

Escuchando el cine mudoUna película muda que tampoco es a color... ¿Qué es esto en el 2012?

11Partitura Espiral

La obertura consistía generalmente de música popular, canciones exitosas de la época o fragmentos de música clásica. La obertura, además de satisfacer los gustos del público, podía servir para intro-ducirle en la atmósfera general de la película, contribuyendo así a la claridad en la exposición de su historia y preparando emocional-mente al espectador. La banda sonora podía ser de tres tipos, he aquí lo interesante:1) Improvisada: creada por un organista o pianista mientras veía la película.2) Compuesta específicamente para una película en concreto.3) Elaborada a base de música preexistente. La elaboración de las bandas sonoras era generalmente trabajo de los directores de orquesta en las grandes salas de cine y de los pro-pios pianistas en las pequeñas salas, teniendo así la posibilidad de escuchar una banda sonora diferente dependiendo del cine al que se asistiera. De igual manera seguían principios que hacían que las bandas sonoras cumplieran una serie de requisitos: la banda sono-ra debe ayudar a dirigir la atención del espectador, dar claridad y continuidad a la película, pasará desapercibida y buscará generar determinados estados de ánimo.

En el artículo “Music and Motion Pictures” (1926) de Hugo Riesen-feld, se describe el proceso de composición musical:“Para la preparación de la música de una película, en primer lu-gar el director ve la película mientras toma notas. Luego consulta su biblioteca en busca de composiciones musicales que opina que generarán la atmósfera precisa. Con sus partituras delante, pide que le proyecten de nuevo y prueba con el piano la música que ha escogido. De vez en cuando pulsa un botón, que avisa al proyeccio-nista de que debe apagar la máquina, para buscar una composición diferente o tomar más notas. Una vez que la música es ensamblada y sincronizada con la película, es entregada a los copistas que pre-paran la banda sonora completa para los músicos. Normalmente se dedican tres o cuatro días a los ensayos.”

Una vez observada la película y obtenido la música que mejor se ajusta a ella, se determina su sincronización con la imagen, intro-duciendo cada composición en momentos concretos.Por lo general, los personajes principales son dotados con un tema musical. También se incluían un tema de amor, un tema para el

Abril 201212

“malo” y uno para el personaje cómico que aparece en repetidas ocasiones. El asociar determinada música con personajes concretos era una costumbre establecida en los años veinte, cumpliendo dos objetivos: ayudar a la carac-terización concreta de los personajes principales y dirigir la atención sobre los mismos. Según Rapee en “The Music for Your Theatre”:“Con frecuencia ocurrirá que dos personajes, teniendo cada uno un tema, aparecerán juntos, en cuyo caso será necesario componer música original para esa escena en particular tratando los dos temas con arreglo a las reglas del contrapunto.” El valor de la música era tal, que a veces se utilizaba como indicador de determinados recursos narrativos y efectos, con ella se trataba de captar las impresiones y las emocio-

nes, logrando aumentar el impacto de lo que se veía en la pantalla, ayudando a crear una atmósfera mediante soni-dos ambiente y propiciando la aparición de determinadas emociones y sensaciones en los espectadores. A pesar de pasar “desapercibida”, la música es un elemento de gran importancia para lograr un espectáculo cinemato-gráfico completo.Interesante, ¿eh? ◆

Bibliografía:

-Película “El artista” de Michel Hazanavicius

-http://es.wikipedia.org/wiki/El_artista

-http://www.pabloiglesiassimon.com/textos/La%20funcion%20del%20

sonido%20en%20el%20cine%20clasico%20de%20Hollywood%20du-

rante%20el%20periodo%20mudo%20-%20Pablo%20Iglesias.pdf

13Partitura Espiral

as artes como creación humana; son manifestaciones de energía, tensiones y distenciones, que bus-can sembrar en las personas una idea, una emoción, quizás una

perspectiva. Su único límite se encuentra en la per-cepción; así como en la percepción se encuentra su trascendencia.El artista puede intervenir en nuestro mundo inter-no, la música puede moldear casi mágicamente el tiempo. La pintura es capaz de crear espacios que pueden ir mas allá de toda supuesta realidad. Las ar-tes nos permiten viajar a lugares a los que difícilmen-te tendríamos acceso sin ellas. Resulta interesante observar que desde la antigüe-dad encontramos puntos comunes para las artes de la pintura y la música, esto a pesar de que parecen ser completamente diferentes; ya que mientras la música sucede usando los sonidos en el tiempo, la pintura lo hace con la luz en el espacio.

Sin embargo comparten distintas características, tenemos por ejemplo, en el uso del lenguaje inter-cambian términos (cromatismo, tono, color, etc.) que ayudan a describir sus respectivas abstracciones, así como mas adelante encontramos uso de concep-tos como armonía y contrapunto, también tenemos paralelismos de género como el Impresionismo con Monet y Debussy, además ambas comparten ciertos aspectos compositivos, de estructura y de forma.

Sin embargo, para algunas personas, estas dos artes están aún más estrechamente relacionadas, esto gra-cias a las sinestesias…

El arte necesita de la capacidad perceptiva humana. Por definición, “percibir” es adquirir conocimiento del mundo exterior por medio de las impresiones que comunican los sentidos, pero existen ciertos trastor-nos en la percepción que afectan ya sea en la intensi-dad, fidelidad o integridad del estímulo externo.

Sinestesias: puntos de encuentro entre la pintura y la música

Por K

ike L

ugoe

Abril 201214

Se llama Sinestesia a la cohesión de distintas sensacio-nes en respuesta a estímulos específicos, esto es cuan-do un estímulo determinado para un sentido provo-ca sensaciones para ese sentido y para otro; tenemos entonces gente en la que los sonidos evocan colores, así como hay quien puede sentir táctilmente el acto de mirar algo, otros que huelen las cosas al tocarlas y otros que pueden saborear ciertos objetos con solo mirarlos; siendo la mas común entre estas sinestesias, el percibir colores en respuesta al estímulo con soni-dos.

Uno de los músicos sinestésicos mas conocidos, además referencial en cuanto a los puntos de encuentro entre pintu-ra y música se refiere, es Alexander Scriabin, para quien los sonidos y lo vi-sual estaban estrecha-mente relacionados.En 1910 Scriabin estre-naría Prometeo, (http://www.youtube.com/watch?v=V3B7uQ5K0IU&feature=related) composi-ción orquestal, en la que se preveía un teclado luminoso que proyectaba colores relaciona-dos con los conceptos armónicos de la obra.

Para Scriabin este fenómeno iba mas allá de sólo rela-cionar el color con notas aisladas; de manera mucho más compleja, asociaba colores con acordes y cambios de tonalidad. Para los sinestésicos, en la mayoría de los casos no suele ser una nota aislada o un ruido lo que evoque un color, aunque si bien puede suceder, es mucho mas común experimentar sinestesias con mú-sica, sobre todo si esta incluye cambios de tonalidad o si esta no termina de definirse. Scriabin decía que la música de Beethoven rara vez le evocaba colores, mientras que las obras de Rimsky-Korsakov si lo ha-cían comúnmente.

Por el lado de la pintura tenemos artistas como Was-sily Kandinski, pintor ruso, quien experimentaría in-tensas sinestesias gracias a los cromatismos de Wagner en la obra Lohengrin; “Los violines, los contrabajos, y

muy especialmente los instrumentos de viento perso-nificaban entonces para mí toda la fuerza de las horas del crepúsculo. Mentalmente veía todos mis colores, los tenía ante mis ojos…” Tiempo después Schoenberg con el cromatismo libre, las disonancias sin resolver y posteriormente con el dodecafonismo, dejaría una huella imborrable en la obra de Kandinski.Tanto Scriabin como Kandinski intentaron encontrar equivalencias entre sonidos, colores y emociones.

Cuando se habla de músicos sinestésicos Scriabin cobra casi total protagonismo, pero

probablemente el honor mas bien debería corresponder a Olivier

Messiaen.Para él los términos como tonal, modal o serial, re-sultaban engañosos y en contraparte pensaba

que simplemente ha-bía música con color o música sin color.

Messiaen realizaba anota-ciones relativas a los co-lores en sus obras, por un

lado, para ayudar al direc-tor a dar una mejor interpre-

tación y entendimiento; pero tam-bién con la pretensión de acercar al

oyente común a la experimentación de dicho fenómeno, al menos de manera exterior.

La forma de entender la música para Messiaen era completamente dependiente del color, lo veía más que como un elemento decorativo, era un elemento estruc-tural, un elemento fundamental propio de la música.

Las artes no son traducibles de manera objetiva, esto es que no se pueden traducir como un idioma, por ejemplo, todos los conceptos son tan abstractos que al final eso es lo que lo define como arte y lo diferencia de el simple acto de comunicar; podemos determinar la realidad como meramente lo que ocurre dentro de nuestra conciencia, dentro de nuestra percepción in-dividual; así que aunque encontramos tantos puntos comunes, al final todos preferimos interpretar los es-tímulos de distintas y particulares maneras ya que sin esa abstracción y sin esa individualidad, el arte, cierta-mente, sería muy pobre.◆

Circulo de quintas de acuerdo a como lo perci-

bía Scriabin.

15Partitura Espiral

Sintetizadores, samplers, cajas de ritmos, reproductor cíclico de

loops, mezclador, efectos, se-cuenciador de patrones. Esas son algunas de las caracterís-ticas que convierten a Rea-son en uno de los secuen-ciadores en tiempo real más completos.Reason aúna todo tipo de instrumentos para conver-tir tus inquietudes musica-les en una realidad, eso sí,

no esperes manejar este programa a la perfec-ción desde un prin-cipio si no estás ha-

bituado a manejar sintetizadores y demás, puesto que es una aplica-ción realmente completa y a la vez compleja.

Para entender mejor lo que signi-fica este programa debemos pen-sar inmediatamente en un “rack”, y cuando lo digo de esa manera lo digo literalmente. Inclusive las co-nexiones con cables entre cada uno de los dispositivos son reales.

En lo personal me gusta pensar en 4 puntos importantes del Reason, que son de igual forma los 4 pasos

generales del

REASONPor Norberto Hernández

Abril 201216

proceso de creación musical, desde la composición misma, hasta el úl-timo proceso dinámico.

1.- Composición.- Reason cuen-ta con diversos sintetizadores. El primero de ellos por ser la base rít-mica se le conoce como Redrum Drum Computer (aunque exis-ten otros dispositivos nuevos en la versión más actual). Carga este dispositivo a tu rack y comienza a crear patrones rítmicos de di-ferentes sonidos de todo tipo. Baterías, sonidos electrónicos, etc… Esta será la base rítmica de tu composición.

Existen también sintetizadores de sonidos con los que puedes crear melodías interesantes o bien, patrones armónicos (Thor Polysonic Synth, Subtractor Analog Synth, Malström Grainta-ble Synth, etc).Todo lo que vayas sacando de lo más profundo de tu creatividad lo irás escribiendo en patrones “MIDI”, donde podrás controlar la intensidad o la duración de los so-nidos.

2.- Mezcla.- Reason tiene una mez-cladora general (The Mixer) donde podrás controlar los volúmenes de cada canal e incluso hacer envíos y hasta puedes hacer automatizacio-nes ¡¡¡como en una mezcladora real!!!

3.- Efectos.- Ecualizadores, Rever-bs, Delays, etc… Son solo unos po-cos efectos que puedes utilizar en Reason, ya sea aplicándolos directo a un sonido en específico o como envíos generales (RV7000 Reverb, The Echo Delay, etc… ).4.- Masterización.- También cuen-

ta con una suite de masterización para prácticamente terminar tu producción dentro del mismo Rea-son (MClass Mastering Suite).

¡Esta es sólo una probadita para comenzar a trabajar con Reason!

Sin embargo entre otras cosas interesantes, puede trabajar a modo “Rewire” con cualquier software de grabación de audio; o también tiene dispositivos para mediante la mezcla de sintetiza-dores (Combinator) y efectos, ¡crear nuevos sonidos!, tiene un vocoder, un arpeggiador, en fin.Para escuchar un poco de lo que se puede realizar en Reason, les dejo una composición he-cha íntegramente con este ma-ravilloso software, que pueden descargar del siguiente enlace: http://46.249.56.156/files/7%20

Electricaff.mp3 ◆

17Partitura Espiral

Pasión del SurB a n d i n i C h i a c c h i a r e t t a

Por Pavo Aizcorbe y Kike Lugo

Abril 201218

Bandini Chiacchiaretta es un famo-so dúo nacido de la unión de dos grandes músicos cuyos apellidos dan nombre al grupo: Cesare Chiacchia-

retta y Giampaolo Bandini. Estos dos presti-giosos italianos decidieron unirse en el año 2002 con el fin de proyectar el tango a través de la magia, el encanto y sensualidad de sus elementos más representativos. Poco después de su creación, se convierten en un punto de referencia a nivel internacional.

El pasado 14 de marzo, este dúo junto con la Orquesta Sinfónica Juvenil Silvestre Revuel-tas, brindarían un magnífico concierto de música argentina. El evento tuvo lugar en el Teatro José Nieto Piña en punto de las 20:30 horas.

Los músicos de la Orquesta Sinfónica Juve-nil Silvestre Revueltas comenzaron a reunirse desde casi 4 horas antes, para realizar un ensa-yo general. El Director de la orquesta, Jesús Almanza, daba indicaciones y detallaba los últimos detalles para la presentación.Después de pulir las obras para orquesta sola, se in-tegraría el dúo, para así ensayar las partes conjuntas.

Al finalizar el ensayo y tras un pequeño receso, los músicos irían a los camerinos a prepararse para dar inicio al concierto. Mientras tanto, el equipo de Par-titura Espiral fue tras el dúo con el afán de conseguir una entrevista, la cual exponemos a continuación:

Entrevista realizada el 14 de Marzo del 2012, unos momentos antes de comenzar el concierto.Los músicos nos cuentan un poco de cómo em-

pezaron a trabajar juntos, así como lo que es para ellos el tango, y también hablaron de cómo se sienten al to-car con una orquesta como la Silvestre Revueltas.

-Bueno maestros, pues sabemos que no es la primera vez que vienen ¿ésta sería su visita número?La segunda o la tercera. Sí…como mínimo la tercera. El próximo año la cuarta.

-¿Y cómo los ha tratado México, que pueden decirnos de su cultura, de su gente?Estamos enamorados de México, regresamos cada vez con mucho placer.

-¿Nos pueden platicar un poco de su historia? ¿Desde cuándo se conocen? ¿desde cuándo trabajan juntos?De hace muchos años, como diez. Nos conocimos en un concurso en Italia, y después empezamos a tocar en un principio con acordeón, guitarra y más instru-mentos, porque tenemos un cuarteto también, pero después de un año empezamos a pensar en por qué no intentar un dueto con bandoneón y guitarra. Entonces Cesare empezó a practicar y después de unos seis me-ses empezamos a ofrecer conciertos; ahora tenemos mucho trabajo y viajamos por todo el mundo.

19Partitura Espiral

-¿Siempre quisieron tocar tango? ¿Cómo fue su primer contacto con esta música?Nosotros tocamos música clásica también, Giampaolo toca la guitarra clásica y yo toco el acordeón clásico también. Después con esa experiencia fue que empezamos a tocar tango, simplemente porque nos gusta. Es un placer tocar esta música que es un poquito de Ita-lia también, por que los argentinos tienen un poco de nuestra misma sangre. –Risas.

-¿Qué piensan, qué sienten, cuando tocan tango?Pensar nada, sentir mucho. –Risas- Es música increíble, da muchísima emoción siempre. Es pasional, fuerte, y cada vez es diferente.

-¿Qué se necesita para interpretar el tango?Pasión, se necesita conocer la vida. Creo que es una mezcla de rigor y libertad, dos cosas que parecen contrarias y en el tango son lo mismo.

-¿Cómo es para ustedes tocar con una orques-ta juvenil como la de nuestro conservatorio?Para nosotros es increíble tocar con esta mag-nífica orquesta. Son jóvenes activos, con ganas de tocar, mucha fuerza y preparación; es un gran placer tocar con ellos. Se pueden sentir sus ganas de tocar; es muy diferente con una orquesta profesional, que a veces es un poco…aburrida, –Risas- o cansada. Con ellos es un gran placer, igualmente con Jesús (director de la orquesta), que lo conocemos ya de hace al-gunos años, y Aurora (directora del conserva-torio), que es una gran directora. Apreciamos el trabajo de toda la escuela, la orquesta, el coro, la banda de alientos, de todo. No es fácil encontrar una escuela así, incluso en otras par-tes del mundo.

-¡Muchas gracias Maestros! Para finalizar, ¿si no pudieran tocar más tango, qué tocarían?Bach…

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Tras finalizar el dúo se despediría del público, que encantado no paraba de aplaudir, por lo que tuvieron que regresar para retribuir a éstos

con un encore, interpretarían “La Cumparsita” obra original del compositor Gerardo Matos Rodríguez (http://www.youtube.com/watch?v=6yoLXINtBwE&feature=related) que es probablemente el tango más famoso de la historia.

Sin duda, este fue un magnífico concierto, lleno de energía y pasión, donde además pudimos apreciar una calidad técnica e interpretativa sobresaliente. Para quienes no pudieron asistir, recuerden que hay una versión en DVD que pueden adquirir en el Conser-vatorio de Música y Artes de Celaya, donde además, también encontraran DVDs de otros conciertos no menos interesantes, conciertos que nuestro conserva-torio pone al alcance del público celayense. ◆

Repertorio

Tango Íntimo --------------------Andrés Martín

Daniela------------------------------Andrés Martín

Concierto para guitarra, bandoneón y

orquesta ---------------------------------------------Pujol

-Intermedio-

Tangazo ---------------------------------A. Piazzolla

Verano Porteño ---------------------A. Piazzolla

Otoño Porteño -----------------------A. Piazzolla

Invierno Porteño -------------------A. Piazzolla

Primavera Porteña ---------------A. Piazzolla

21Partitura Espiral

Otro de los eventos que tuvimos en el mes de marzo, fue el concierto que ofrecieron nuestros amigos del cuarteto Sequenza, realizado el día 22, en punto de las 20:30

horas, en el Teatro José Nieto Piña.

Para quienes aún no conozcan a dicho cuarteto, les te-nemos aquí una breve reseña…Se conforma por:Adrián Barrera Ramos – 1er. ViolínEdson Mendoza Campos – 2do. ViolínLuis Francisco Samaniego Hernández – ViolaDiego Gutiérrez Ruiz – Violonchelo

Ellos, estudiantes sobresalientes del Conservatorio de Música y Artes de Celaya, integran este magnífico cuar-teto, que ha tenido una estupenda proyección gracias al gran esfuerzo de sus integrantes así como al induda-ble talento del que hacen gala los mismos, juntos han realizado conciertos en León, Guanajuato Capital, San Luis de la Paz, San Miguel de Allende, Dolores Hidalgo, San José Iturbide, Celaya y así mismo en la ciudad de Querétaro.

Además, este concierto fue particularmente especial debido a que no sólo se interpretaría música para cuar-teto, sino también piezas solistas que nos presentarían

Por Pavo Aizcorbe y Kike Lugo

Concierto: Cuarteto Sequenza

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por separado Adrián, Edson, Luis Francisco y Diego. Y también especial, debido a que este concierto tuvo un objetivo particular: Recaudar fondos para poder rea-lizar un viaje de intercambio a Suecia, de lo cual nos cuentan, entre otras cosas, en la siguiente entrevista…

El Cuarteto Sequenza es prácticamente un ejemplo a seguir entre los estudiantes del conservatorio. El 22 de Marzo del 2012 ofre-cieron un gran concierto previo a su viaje de

intercambio a Suecia, donde recibirán clases y además darán un par de conciertos. El cuarteto nos cuenta un poco al respecto…

Pues surgió en una comida, nos pidieron que tocára-mos una Misa y una “amenización” de hora y media. Nosotros nunca habíamos tocado nada juntos. Le co-mentamos eso al Padre (Rector del conservatorio) y nos dijo: “Vénganse a la casa, yo les hecho la mano y les paso el material…”. Y así empezamos, de eso hace ya 6 años, íbamos en primero de bachillerato.

En el 2007 y 2008 fuimos al Festival de Música de Cá-

mara de San Miguel de Allende, ahí nos presentamos en calidad de estudiantes. Gracias a esas presentacio-nes nos empezamos a formalizar, ya que antes era casi puro hueso, fue de ahí que nos pusimos a tocar música de cámara para cuarteto de cuerdas, ya que lo que to-cábamos antes era más bien música para orquesta de cuerdas, la cual nosotros hacíamos más simple. En ese festival vimos lo que era en realidad la música de cáma-ra y nos latió más.

Pues, hace un tiempo vino Michael Tsalka, a tocar las variaciones Goldberg. En esas fechas coincidió que hubo un seminario que realizó el grupo de licenciatura sobre Silvestre Revueltas, y nosotros tocamos aquí (Tea-tro José Nieto Piña) el primer movimiento del Cuarteto de Revueltas, y el Maestro nos escuchó. Y al día siguien-te, estábamos por ahí cuando llegó la Directora Aurora, y nos dijo que había la posibilidad de un intercambio a Suecia, así que el Maestro Tsalka nos hizo una pequeña audición y le gustó. Es por eso que ellos vinieron hace casi medio año, y ahora vamos nosotros.

Daremos 2 conciertos. Tendremos 7 clases de música de cámara, de las cuales 3 son para el sexteto de Brahms,

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Repertorio Fantasía No.1 para viola sola -------------------------- G.P. Telemann-Largo

Sonata para violín solo Op.115 ------------------------------ S. Prokofiev-Tema y variaciones-Con brío

Estudio No.1 -------------------------------------------------- F. Fiorillo

Sonata No.1 en Sol menor para violín solo ------------------- J.S. Bach-Adagio

Adagio del Ballet “La Cenicienta” ------------------------- S. Prokofiev

Concierto para cello y orquesta en Do Mayor -------------- J. Haydn-Allegro Molto (3er mov.)

• Intermedio •

Huapango ------------------------------------------------- J.P. Moncayo

Cuarteto Virreinal ------------------------- Zarabanda con variaciones

Metro Chabacano ---------------------------------------- Javier Álvarez

Cuarteto No.1 --------------------------------------------- S. Revueltas-Allegro enérgico

-Vivo

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ya que vamos a tocar con un violista y una cellista de allá, y además otras 4 clases individuales.

Pues son muchas cosas realmente, pero creemos que lo más importante relativo a la música de cámara es dejar los egos afuera. Es algo muy muy bási-co, ya que cuando alguien tiene su ego elevado no le puedes decir nada porque inmediatamente surgen problemas. Cuando trabajas música de cámara tienes que dejar tu ego afuera para de esta manera poder ser profesional.

Al finalizar el concierto y en vista de los aplausos recibidos, el cuarteto regresa a interpretar a ma-nera de encore un arreglo realizado por el mis-mo Adrián de la conocida composición popular “Bésame Mucho”, pero después de eso el público seguía pidiendo más, así que interpretaron nuevamente “Huapango” una de las obras para cuarteto del programa.

Es así como finalizó exitosamente el concierto de nuestros amigos del Cuarteto Sequenza. Después de salir del teatro, irían felices a celebrar brevemente, ya que al día siguiente, alrededor del medio día, emprenderían su viaje a Suecia.

Si quieren ver mas fotografías de estos eventos, visiten nuestra página en Facebook:

http://www.facebook.com/PartituraEspiral donde pueden encontrar material extra de la revista, así como comentar, realizar sugerencias, recibir avances de los próximos

números de Partitura Espiral, o simplemente pasar a saludarnos. ◆

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27Partitura Espiral

Alejandro Montes ÁvalosRector Honorífico

Aurora Cárdenas ÁvilaDirectora

Carmen Fernanda Simón CorreaAdministradora

Maritza Rebolledo ConejoCoordinadora CIMAN

Benjamín Domínguez TovarCoordinador del Diplomado

María Margarita Pérez AnayaEncargada de Control Escolar

Jazmín Martínez CastañónEncargada de Caja

Viridiana Estrada CruzRecepción

Directorio Conservatorio