Periódico Arte Al Límite Edición 84 Agosto 2012

S A N T I A G O D E C H I L E I

Junto a la fiesta deportiva que se celebra en Londres, se desarrollan en la capital británica una serie de actividades artísticas, entre las que destacan las muestras de Yoko Ono, Olafur Eliasson y Damien Hirst.

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d i s t r i b u c i ó n g r a t u i t a

La colección Daros –pronta a inaugurar una gran casona restaurada en Río de Janeiro- busca generar conexión entre artistas latinoamericanos.

Entrevistamos a expertos y autoridades para examinar cuánto se ha avanzado en las iniciativas gubernamentales sobre arte y cultura.

coleccionismoPoliticasculturales

Polit

icas

cultu

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PáG. 34

Nº 84 Agosto 2012

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EQUIPO

Ana María Matthei directora / Ricardo Duch director / Cristóbal Duch asesor comercial / Catalina Papic directora

de arte / Camila Duch proyectos culturales / Juan José Santos editor internacional / Antonella Galarce editora

nacional / Consuelo Pivcevic diseñadora gráfica / Paulina Loyola diseñadora / Alejandra Torres periodista

/ Marcela Catalan periodista / Francisca Medina historiadora de arte / Diego Alfaro Licenciado en letras / Yuriko Takahashi periodista /Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos / Ennio Bucci crítico / Enrique Solanich crítico

Pedro Labowitz crítico / Ignacio del Solar asesor / Carla Vásquez licenciada en estética / Pierina Cavallo periodista / Jorge Azocar asesor / Julio Sapollnik asesor / Manuel Munive asesor /

Bernardita Garib escritora y artista/ Valentina Acuña periodista / Rocío Munizaga periodista

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ras la suspensión por parte de la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio del Exterior del apoyo a Arte

al Límite para poder dar a conocer la obra de creadores nacionales fuera de nuestras fronteras, pocas opciones nos quedaban para fomentar la cultura chilena. Sin embargo una ventana se abría; el concurso Ventanilla Abierta del Consejo Nacional de la Cultura y Las Artes (CNCA) que destinaría fondos a empresas culturales para facilitar su difusión.

Concertamos diversas reuniones personales y estuvimos constantemente en comunicación para no cometer ningún error, ya que se cambiaron las normas del concurso a última hora y la documentación requerida, que incluía realización de videos, sellos notariales, presencia de artistas, apoyo expreso de galeristas, cartas de embajadores, traducción de textos, etc... Acudimos a dicha “ventanilla” para entregar lo pedido en los plazos estipulados. “Ya se han entregado los recursos, vuelva usted en el 2013”, fue la respuesta. No solo el trabajo de semanas, la involucración de otros profesionales ni los recursos económicos destinados a la postulación fueron en balde; también el de muchos otros postulantes que recibieron la misma respuesta, entre los que se encuentran importantes difusores del arte nacional.

Esta situación, con la que quizás algunos de nuestros lectores podrían identificarse, supone un ataque no solo a nuestro trabajo, sino al de los artistas chilenos.

Queríamos conseguir esos fondos para mostrar la revista Arte al Límite y también la obra de dos creadores en una feria internacional de arte. Envío de revistas y cuadros tendrán que financiarse por otros medios (ya que nuestra participación en la feria estaba ya acordada y que lo último que queremos es perjudicar a los artistas), víctimas de unas prácticas defectuosas, muy poco transparentes y engañosas. Pongamos algunos ejemplos; tras mandar la documentación nos comentan que la asignación de fondos es por orden de llegada, cuando no nos habían informado nada de eso. Correos electrónicos con respuestas poco precisas. La valoración de las postulaciones la realizaba un comité de expertos que se juntaba dependiendo del volumen de proyectos y de las fechas de sus viajes… ¿es esto serio? ¿No es lo lógico reunir a ese comité una vez recopiladas todas las postulaciones en una fecha previamente establecida? Un proceder poco digno de una instancia gubernamental.

Con esta determinación en mente, les presentamos en esta edición un reportaje con las voces de expertos, autoridades y directores de museos, donde enfrentamos esa interrogante. Los invitamos a debatir y opinar sobre este tema a través de nuestras redes sociales o comunicándose con nosotros a [email protected]. Lo que piensan al respecto los amantes del arte nos importa. Nuestra ventanilla está abierta.

T

EDITORIAL

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SUMARIO

06 .Arte Olimpico I 12 .Politicas Culturales I 16 .Marcela Krause I 17 .Macarena Illanes I 18 .Agenda Santiago

20 .Agenda Regiones I 22 .Agenda Web I 24 .Perfil Arte I 30 .Críticas I 34 .Coleccionismo I 38 .Jacob Karpio

40 .Amelia Errazuriz I 41 .En el taller: Los Balmes I 43 .Reseña de libros de arte I 44 .Barriovisión Barrio Italia

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F., VENTAS [email protected], [email protected], SUSCRIPCIÓN: [email protected], FONO-FAX 955 32 61, WEB www.arteallimite.com, FACEBOOk facebook.com/arteallimite, TWITTER @ARTE_AL_LIMITE ,PORTADA Edición Nº 84 /Juegos olimpicos, Londres 2012., IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile.Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

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22.agenda webMaría Elena Etchepare expone su obra en Arequipa, Perú, en una muestra binacional que se inserta en la celebración de la semana de la mujer.

41.los balmesVisitamos el estudio que comparten Gracia Barrios y José Balmes. A pocos metros se ubica el taller de su hija, Concepción, un lugar que

mezcla familia y arte.

Avisos_FDT_final2012 Arte al Limite Prensa 27,5x21_traz.pdf 1 25-05-12 15:13

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REPORtAJE JJOO

los juegos olímpicos que se celebran en londres, no sólo están integrados por el deporte: un colorido festival se ha apoderado de calles y museos de la capital inglesa, donde artistas como anish Kapoor, damien Hirst, olafur eliasson y Jeremy deller han aportado con sus obras. les presentamos en esta edición una completa selección de lo más destacado de estas olimpiadas del arte.

Por Antonella Galarce, periodistaFotos cortesía London 2012 Festival Press Office

ARTE OLÍMPICO

uede resultar sorpresivo el hecho de por largo de tiempo existió una categoría de competencia sobre artes en las Olimpiadas. No se trataba de

festivales o exhibiciones: era un certamen específico donde los contrincantes recibían medallas por sus méritos en arquitectura, literatura, música, pintura y escultura.

El pentatlón moderno es idea del Barón Pierre de Coubertine, hijo de padre artista y madre música, que decidió integrar el arte en la competencia. El pedagogo e historiador francés proponía que el ser humano completo necesita tanto del arte como del deporte para aventajar el cuerpo y la mente. Largo tiempo le costó convencer a los organizadores del certamen, pero lo consiguió en 1912. De Coubertine sabía que los Olimpiadas griegas de antaño incluían competencias de trompeta y heráldica.

Hoy, Londres retoma parte de esa tradición con una variada cartelera que incluye a artistas ingleses e internacionales. Las Olimpiadas Culturales, celebración que duró 12

P semanas con actividades en toda Gran Bretaña tienen su broche de oro en el festival que se realiza desde el 21 de junio al 9 de septiembre. Las cifras son asombrosas: un visitante cualquiera en el país británico puede acceder a 10 millones de panoramas gratuitos. En total, participan 25 mil artistas de los 204 países incluidos en los Juegos Olímpicos, con 137 inauguraciones de creadores internacionales y 85 de autores británicos.

Entre las actividades más destacadas se encuentra “The World in London” (“El Mundo en Londres”), muestra construida a partir retratos en gran formato de londinenses, encargados a fotógrafos de los 204 países que participan en las Olimpiadas. En tanto,

la instalación llamada “Peace Camp” (“Campamento de Paz”), busca batir el récord de carpas instaladas en toda la costa británica. El proyecto de la artista Deborah Warner pretende celebrar la poesía y el paisaje.

El artista Damien Hirst presenta además la muestra más grande de sus obras que se haya realizado jamás en

el pentatlón moderno es idea del barón Pierre de coubertine, hijo de padre artista y madre música, que decidió integrar el arte en la competencia.

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REPORtAJE JJOO

• "La orbita" de Anish Kapoor. Fotografo: Gautier Deblond

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• "imagine peace", Yoko Ono.

el Reino Unido. 70 piezas de arte se exhiben en el Tate Modern hasta el 9 de septiembre. El escultor indio Anish kapoor aterrizó en Londres con “AcelorMittal Orbit” (en la foto), monumental obra emplazada en el corazón del parque olímpico cercano al estadio. El monumento mide 114,5 metros, es más grande que la Estatua de la Libertad en Nueva York y tiene el récord de ser la escultura más grande en Inglaterra.

El británico Martin Creed también rompió un record con su trabajo “All the Bells, work no. 1197” (“Todas las Campanas, trabajo Nº 1197”), por lograr aunar el mayor número de campanillas sonando simultáneamente. El artista incentivó a los londinenses a tocar timbres, dejar sonar sus alarmas de celular y bocinas de bicicleta durante tres minutos en la inauguración de la competencia deportiva.

En nuestra selección destaca el “Unlimited programme” (“Programa sin límites”), vinculado al trabajo de artistas discapacitados y la mayor iniciativa de este tipo que se ha desarrollado en el Reino Unido hasta la fecha. La artista Sue Austin participa en este proyecto con una performance donde bucea en silla de ruedas (en la foto). Paul Cummins,

otro de los artistas convocados, adornó el English flower garden (Jardín de flores inglés) con 15 mil flores individuales de cerámica.

Sobresale asimismo el proyecto de la artista Yoko Ono, la instalación “Imagine Peace” (“Imagina Paz”), iniciativa mundial

anti-violencia, donde el mensaje será traducido a 24 lenguas. La creadora presenta además una amplia exhibición de sus obras en la galería Serpentine, en el contexto del festival de artes olímpicas.

Sin duda, nuestro favorito es Olafur Eliasson. Para su altruista proyecto “Little Sun” (“Pequeño Sol”) que

se presenta desde el 28 de julio al 9 de septiembre en el Tate Modern, el artista desarrolló junto al ingeniero Frederik Ottesen una serie de lámparas solares de pequeño formato que pueden ser adquiridas por 16,50 euros (unos 13 mil pesos chilenos). La idea de Eliasson es contribuir a la calidad de vida de los 1,6 mil millones de habitantes en el mundo que no tienen acceso a la energía eléctrica.

“Little Sun” produce 5 horas de luz cuando se carga al sol durante el mismo periodo de tiempo. La iniciativa

sobresale el proyecto de la artista Yoko ono, la instalación “imagine Peace” (“imagina Paz”), iniciativa mundial

anti-violencia, donde el mensaje será traducido a 24 lenguas.

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REPORtAJE JJOO

Damien Hirst. Fotografía cortesía de Tate Modern

Creando el espectaculo, Sue Austin.

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Little Sun, Work by Olafur Eliasson. Photographer: Merklit Mersha

tiene como objetivo promover el crecimiento económico en las regiones del mundo donde la electricidad no está disponible, es cara, poco confiable o poco sostenible. En estas zonas las pequeñas lámparas se venden a mitad de precio, facilitando el trabajo, reduciendo el gasto en energía y elevando la calidad de vida de sus habitantes.

Los visitantes de la exhibición en el Tate Modern –que abrirá sus puertas y apagará sus luces los sábados por la noche fuera del horario de museo para promover la obra de Eliasson- podrán aproximarse a información sobre la energía solar, los desafíos de la energía global y la importancia de la luz. Cabe recordar que el exitoso artista danés repletó el Tate Modern en 2003 con su “Weather Project”, que congregó a 2 millones de visitantes durante los 5 meses que duró la exposición.

También en el contexto de las Olimpiadas Culturales, el escultor británico Richard Wilson instaló un bus sobre el

techo de un edificio en Londres, para recrear la escena final de la cinta de 1969 “The Italian Job”, película británica de culto que se ha transformado en una institución en el Reino Unido. El proyecto titulado “Hang On A Minute Lads, I’ve Got A Great Idea” (“Esperen un minuto, muchahos, tengo una gran idea”), no es sólo la escultura de un momento cinematográfico, sino que es también una metáfora sobre los límites y un desafío a las concepciones tradicionales de la arquitectura y la ingeniería al plantear la pregunta

“¿Qué pasaría si…?”

Por su parte, el colectivo de performance STREB (en portada), sorprende a los londinenses con fugaces y acrobáticas intervenciones en sitios emblemáticos de Londres, como la plaza de Trafalgar, la fachada del Tate Modern y del National

Theatre, entre otras. En una de las exhibiciones, “Speed Angels” (“Ángeles de Velocidad), tres artistas performáticos se lanzan en caída libre a 9.7536 metros por segundo, la velocidad de la gravedad. Tras caer por 31 metros, desafían la gravedad y vuelven a subir a la misma velocidad, creando un vocabulario físico de giros y caídas.

el escultor británico richard wilson instaló un bus sobre el techo de un edificio en londres, para recrear la

escena final de la cinta de 1969 “the italian Job”

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REPORtAJE JJOO

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REPORtAJE POLIt ICAS CuLtuRALES

durante la actual administración de sebastián Piñera, han sido varios los proyectos anunciados en el ámbito del fomento a la cultura y las artes que aún no poseen iniciativas legales en el Parlamento. uno de ellos es la creación de un ministerio que de alguna manera modifique o reemplace al actual consejo nacional de la cultura y las artes (cnca). conversamos con expertos, directores de museos y el propio ministro luciano cruz-coke, para intentar dilucidar el futuro de las instituciones y la gestión cultural en chile.

Por Alejandra Torres y Antonella Galarce, periodistas

¿HACIA dOndE vAMOs?

POLITICAs CULTURALEs

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13www.twitter.com/ARTE_AL_LIMITE

¿Qué opinión tiene sobre la creación de un Ministerio de Cultura? Creo que el problema no está en el modelo desde el cual se llevan las políticas gubernamentales y sus programas. El problema está en la falta de participación que se le ha dado a los distintos sectores de la cultura, ya que esta discusión se está llevando internamente, a nivel de gobierno. Las autoridades no han convocado a los distintos sectores para escuchar sus necesidades y posiciones. Durante el periodo de discusión para la formación de un nuevo modelo, que culminó en la creación del Consejo Nacional Cultura, el año 2004, éste fue sumamente integrador. El problema es que áreas culturales y por tanto sectores institucionales-gubernamentales no fueron incluidos en esta ley.

¿Qué opina respecto al proyecto de ley de donaciones culturales, y a la urgencia que le dio a este el presidente en el último mensaje presidencial del 21 de mayo? Creo que cualquier proyecto de ley de donaciones culturales debe propiciar que el mundo privado se haga cargo del estímulo y parte del financiamiento del desarrollo de la cultura. Ese es el punto mínimo que se puede pedir. Es

importante crear políticas de fomento dirigidas al sector privado, de manera que se éste tome conciencia de la importancia del desarrollo cultural del país, para que sus aportes sean sustentables en el tiempo y que no surjan solamente de sus intereses de marketing.

¿Qué neces i ta e l pa ís con urgencia en temas culturales?Es importante que los distintos ámbitos de la cultura sean integrados en una misma inst i tucionalidad cultural, que cuente con una planta de personal y presupuesto adecuados, reconociendo el saber histórico de las distintas ent idades cul tura les que funcionan en el país. En el marco actual de mi interés: las políticas

de museos, creo que se están haciendo esfuerzos, pero es un ámbito de mucha precariedad y con poca conciencia respecto de la importancia del patrimonio nacional y el rol educativo y de comunicación de los museos hoy. Hay problemas graves: la conservación y difusión del patrimonio y la creación de conciencia respecto de su importancia; las políticas de adquisición de obras; la formación de públicos con estrategias que apunten a la creación de opinión, de conciencia crítica y reflexiva; la inserción internacional, entre otros.

es importante crear políticas de fomento dirigidas al sector privado,

de manera que se éste tome conciencia de la importancia del

desarrollo cultural del país, para que sus aportes sean sustentables en el

tiempo.

Claudia Zaldívar, direCtora del Museo de la MeMoria


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¿Qué opinión tiene sobre la creación de un Ministerio de Cultura? En rigor se anunció la creación de un Ministerio de Cultura y del Patrimonio. Toda iniciativa tendiente a organizar con eficacia los esfuerzos estatales por preservar, rescatar, difundir y poner en valor el patrimonio cultural chileno, obviamente es bienvenida. Un tema distinto es cómo esta iniciativa será llevada a cabo y cómo se reorientarán los esfuerzos que se replican en este ámbito, para lo que se debe considerar no sólo las estrategias y nuevas políticas culturales, sino también cómo se reorganizará la labor de los funcionarios que trabajan en la DIBAM y para el CNCA. La creación de este Ministerio, siendo una buena iniciativa, conlleva enormes desafíos.

¿Qué opina respecto al proyecto de ley de donaciones culturales, y a la urgencia que le dio a este el presidente en el último mensaje presidencial del 21 de mayo? Es un gran avance que la DIBAM y que los propietarios de inmuebles declarados monumento nacional puedan ser beneficiados. Considero muy positivo que empresas de menor

tamaño o empleados dependientes puedan tener participación a través de este mecanismo legal. Sin duda se extienden los mecanismos para que el sector privado pueda aportar y donar a la sociedad civil y al sector público.

¿Qué necesi ta e l país con urgencia en temas culturales?Si bien se ha avanzado mucho en estos últimos 20 años, son muchas las iniciativas que son necesarias de fortalecer en este ámbito. Entre otras, tomar consciencia del valor de nuestro patrimonio cultural y natural, por cierto, los textos escolares se deberían enfocar aún

más en ello. Por ejemplo, si hiciéramos un estudio exhaustivo de cómo se alude a nuestros pueblos originarios, a nuestras tradiciones y bienes patrimoniales nos daríamos cuenta de que falta mucho por avanzar. A la vez, en el contexto de las nuevas tecnologías de la información existen nuevos y urgentes desafíos referentes a cómo resguardar el inmenso patrimonio digital que se genera a diario. Para ello, se necesitan más fondos para investigar, conservar, ampliar depósitos, catalogar y poner en valor nuestro patrimonio.


roberto Farriol, direCtor del Museo NaCioNal de bellas artes

¿Qué opinión tiene respecto a la creación de un Ministerio de Cultura? La opción que a mi juicio es la más indicada, es asemejar las instituciones del patrimonio al CNCA e introducir la variable de la gestión, autofinanciamiento y participación en la Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos (Dibam) y en el Consejo de Monumentos. Así, las políticas culturales se seguirían gestionando de manera colectiva y participativa. El otro camino, negativo a mi juicio, sería introducir las características de la Dibam al Consejo. Sería una vuelta atrás, retornar a la autoridad unipersonal, volver a la dictación de políticas por parte de una persona, que sería el Presidente de la República y no un Directorio Nacional, como ocurre ahora.

¿Qué opina respecto al proyecto de ley de donaciones culturales, y a la urgencia que le dio a este el presidente en el último mensaje presidencial del 21 de mayo? Esta ley cuenta con el respaldo unánime del parlamento y lo que hace justamente es complementar al CNCA en el sentido que introduce estímulos tributarios, aumentando la cantidad

de donantes privados. La respaldo, apruebo y espero que el Senado, donde está ahora, la termine por aprobar antes de fin de año.

Tomando en cuenta el último mensaje presidencial, donde prácticamente no se hicieron anuncios nuevos para el

sector cultural, ¿qué opinión tiene del manejo sectorial por parte del gobierno?Hay que distinguir y decir que el gobierno tiene muy poca preocupación e interés por el terreno cultural, pero el Ministro tiene una gran sensibilidad que le ha permitido captar ese desinterés

e ir avanzando de todas formas en las tareas de su sector, particularmente en el área de infraestructura. Básicamente, en la medida de la continuidad y siguiendo antiguas políticas, ha tenido logros como la ley de donaciones y el desarrollo de teatros regionales. Ahora, el manejo legislativo del gobierno, salvo la ley de donaciones, ha sido malo. No hay hasta ahora un gobierno fundacional en cultura, no hay un rastro que vaya a quedar. Ha sido un gobierno de continuidad, sin ningún aporte hasta le fecha.

arturo Navarro, direCtor del CeNtro Cultural estaCióN MapoCho

se necesitan más fondos para investigar, conservar, ampliar

depósitos, catalogar y poner en valor nuestro patrimonio.

el manejo legislativo del gobierno, salvo la ley de donaciones, ha sido

malo.

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¿Qué opinión tiene respecto a la creación de un Ministerio de Cultura? Creo que efectivamente podría ayudar a resolver problemas que se arrastran desde hace muchos años, como por ejemplo, la falta de coordinación entre los organismos públicos dedicados a la cultura y las precarias condiciones de las instituciones dedicadas al patrimonio. Pero también podría implicar una pérdida importante. El actual Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, CNCA, es un tipo de organismo único, muy interesante. La máxima autoridad no es una figura única, sino un órgano colegiado, en el que dialogan diversas miradas relevantes para el sector. Es este órgano directivo el que define las políticas públicas. En este caso, la participación de la sociedad civil es vinculante. Si se logra crear un nuevo organismo que conserve la riqueza del CNCA y mejore la eficiencia en la aplicación de las políticas, será efectivamente un avance.

¿Qué opina respecto al proyecto de ley de donaciones culturales, y a la urgencia que le dio a este el presidente

en el último mensaje presidencial del 21 de mayo?Es plausible pensar que al ser un gobierno de derecha se priorizó una ley que promueve la participación del sector privado en cultura. Pero esta modificación era muy necesaria, está bien planteada y, de aprobarse el proyecto, mejorará mucho una herramienta que ha sido importante. Me preguntaría mejor por qué razón no se ha avanzado en otros compromisos que

también parecían ser importantes para este gobierno como la ley de monumentos nacionales.

¿Crees que existe poca voluntad política en general para abordar el tema cultural?

Lamentablemente hay demasiadas evidencias que permiten afirmar que sí. La Cultura ha estado muy lejos de las prioridades políticas del Estado, aunque se acostumbre a decir lo contrario. La Concertación demoró 13 años en concretar una institucionalidad cultural muy anhelada y en este gobierno hemos visto recortes importantes al presupuesto de cultura como sucedió con el fondo de apoyo a programas culturales del Consejo Nacional de Televisión, CNTV, e incumplimientos como el anuncio de la reforma a la Ley de Monumentos Nacionales.

bárbara NegróN, direCtora del observatorio de polítiCas Culturales

Desde un punto de vista práctico ¿cuál sería el aporte de la creación de un Ministerio de Cultura?Un Ministerio de Cultura y Patrimonio permitirá terminar con las duplicidades y la dispersión de la institucionalidad cultural actual. Como lo ha señalado el Presidente Sebastián Piñera, esta nueva institucionalidad -a diferencia de otros ministerios del aparato público- incorporará de manera permanente y vinculante a la sociedad civil en las políticas públicas. Así reforzamos los contrapesos de la autoridad de turno y los servicios ejecutores y administradores de fondos para el desarrollo de las artes y el patrimonio. Proponemos un ministerio participativo y no vertical; un ministerio horizontal y del siglo XXI, que contará con un Consejo de la Cultura y el Patrimonio que será el que renueve las políticas culturales con un horizonte de mediano plazo. Hemos trabajado en conjunto con la Dibam y el Consejo de Monumentos en elaborar una propuesta que permita incorporar bajo un mismo alero a los tres servicios principales que hoy componen la institucionalidad cultural pública. ¿Por qué en la gestión de la actual administración se ha hecho énfasis en modificar y ampliar la Ley de Donaciones Culturales?La ley ya tiene más de 21 años y lo que se busca es destrabarla y hacerla más amigable. Hoy, en la práctica, funciona bien para grandes empresas donantes y grandes proyectos y, precisamente, la incorporación de nuevos donantes y más beneficiarios busca hacerla más fácil y asequible a personas naturales y Pymes. Es una

señal de apertura que la ley considere a los pequeños y medianos, no sólo a los grandes. En la misma línea, la secretaría ejecutiva no sólo será un órgano que califique los proyectos, los apruebe y haga su seguimiento, sino que también contará con un banco digitalizado de proyectos atractivos para los donantes.

¿Cómo califican el avance en cuanto a políticas públicas en el ámbito cultural desde el año 2010?En materia de políticas públicas culturales hemos trabajado sobre tres ejes: primero, la modernización de la institucionalidad cultural que crea el Ministerio de Cultura y Patrimonio. Adicionalmente se ha hecho un trabajo de ordenamiento general al interior del servicio, mejorando la ejecución presupuestaria de un 86% en 2009 al actual 98% en 2011, de saneamiento administrativo y pago de deudas a proveedores que han convertido al CNCA en el mejor pagador de la administración pública actualmente. En segundo término, con el objeto de romper la enorme brecha de acceso que existe entre Región Metropolitana y las Regiones, hemos generado una inversión de 75 mil millones de pesos para el período en infraestructura cultural que incluye la creación de 3 grandes Teatros Regionales (Bíobio, La Serena y O`Higgins) y la recuperación de 2 espacios emblemáticos como son el Teatro Municipal de Iquique y Punta Arenas, además de 50 centros culturales de escala comunal de los cuales ya hay 22 inaugurados. Y en tercer lugar, llevamos a cabo una agenda pro desarrollo cultural que busca mejorar problemas históricos del sector en materias de financiamiento cultural, patrimonio y circulación de bienes culturales por el país, principalmente.

luCiaNo CruZ-Coke, MiNistro de Cultura

la cultura ha estado muy lejos de las prioridades políticas del estado.


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• Detalle de la obra, "Cosmos", Técnica Mixta, 280 x 210 cm..

marcela KrausePor Alejandra Torres, periodistaFotografía cortesía del artista

Pinta a partir de lo que ha vivido, aunque en el momento mismo en que lo está haciendo, no se da cuenta. La iluminación viene después. Al ver su obra montada algo le hace click y entiende todo. “Mi vida afecta mi obra y mi obra afecta mi vida”, señala convencida.

ara la artista visual Marcela Krause sus procesos personales tienen directa relación con sus obras. “Me interesa el crecimiento personal, el conocerme de manera

cada vez más profunda y con ello ir liberándose de creencias y dogmas que nos atan. Mi obra crece conmigo, y cada etapa pictórica tiene justamente una estrecha relación con la etapa personal en la que me encuentro”, nos cuenta desde su taller, ese espacio personal y único donde no entran teléfonos y donde medita un poco antes de empezar a trabajar. Es ahí donde Marcela deja que los materiales fluyan y actúen libremente sin mayor intervención ni control; “una vez establecidas las reglas del juego, dejo que la obra hable por sí misma y al observarla, veo hacia dónde va”.

En su camino como artista ha aprendido que los procesos de la vida se pueden apreciar cuando ya pasaron. Por lo mismo cree que la obra o la investigación de una determinada serie le habla del proceso que está viviendo aún cuando no logre entenderla completamente cuando la está realizando. Su última exposición se llamó Espíritu Salvaje y “justamente tuvo que ver con un proceso interno y muy profundo de liberar

algunas creencias antiguas y rígidas que tenía arraigadas en mí, así como el cambio de algunos dogmas sociales y familiares que en ese tiempo estaba trabajando por verlos y liberarlos.Cuando estaba desarrollando esta expo, estaba viviendo el proceso de limpiar y profundizar en ciertos patrones que ataban mi forma de ser y de expresarme. Luego se me ocurrió el nombre, y pensé le había puesto Espíritu Salvaje ya que la mayoría de las obras eran de caballos. Pero lo cierto es que me interesaron los caballos

por lo que yo estaba viviendo y el nombre era la culminación de esa etapa”.

Ahí fue cuando Marcela entendió lo que significaba: “me di cuenta que yo me había transformado en

un espíritu salvaje, un espíritu libre tanto en el pensar como actuar, me había librado de los juicios, las viejas creencias, la necesidad de ser aceptada y el hacer lo que pensaba que la sociedad u otros esperaban de mí”.

Por estos días está trabajando e investigando acerca de las transparencias en la pintura, buscando nuevos soportes, tintas y pigmentos. La experimentación de diferentes materiales y soportes es uno de los pilares de su obra.

“una vez establecidas las reglas del juego, dejo que la obra hable por

sí misma y al observarla, veo hacia dónde va”

LOs PROCEsOs DE LA PInTURA

EntREvIStA

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EntREvIStA

on mucha energía, Macarena Illanes expresa la importancia del arte en su vida. Desde pequeña, siempre supo que ésta era su vocación. Amante de

la gráfica y las imágenes pensó estudiar diseño, pero su intuición y destacada vocación la llevó a estudiar arte. Luego de aprender diversas disciplinas comprendió que la pintura era el modo de expresión que mas la identificaba. “Yo quería pintar, y también hice grabado. Dos años después entendí que el dibujo no era mi fuerte; era mas feliz expresándome con materias, con colores”, nos cuenta.

Las obras de Macarena destacan por la mezcla de materiales y técnicas que las componen. El acrílico es el elemento base de su trabajo, pero hace un tiempo la serigrafía cobró un rol protagónico que ha ido incorporando poco a poco en su obra y que nació de la necesidad de lograr secuencias repetidas de imágenes, como los pájaros que destacan en sus más recientes trabajos. Podemos decir que su proceso creativo resulta bastante versátil. No hay límite de tamaño en sus lienzos, tampoco de soporte. Las diversas técnicas se entremezclan y todo

logra incorporarse de manera única para lograr espacios destacados por su color y fuerza, que envuelven al espectador en una atmósfera llena de energía y vitalidad.

La manera de incorporar el diseño a través de la impresión de perros, chanchos, pájaros entre otros animales, nos muestra que éste se ha vuelto una buen aliado en su trabajo plástico; “yo repito, ornamento la tela, la decoro. Las

imágenes son gráficas, limpias y por eso quise plasmarlas”. En este punto, Illanes hace especial hincapié en no encasillar su obra con ninguna imagen en particular y eso se refleja en la gran cantidad de mallas y bastidores serigráficos que

guarda como bitácora de un recorrido a través del color y la imagen, en el que el destacado artista y profesor Eugenio Dittborn ha sido un gran soporte y del que dice, ha aprendido muchísimo.

Para el próximo año, la artista espera exhibir sus últimos trabajos en los que ha estado trabajando desde hace bastante tiempo.

• Detalle de la obra, serie Pájaros, "Pajarínes celestes", año 2012, técnica mixta, 210 x 80 cm.

COLORIDA PREsEnCIA

macarena illanesPor Bernardita Garib, escritora y artistaFotografía cortesía del artista

La obra de Macarena Illanes refleja su personalidad. Espontáneo y audaz, de colores intensos y una delicadeza en la imagen, su trabajo nos invita a entrar en un mundo visual marcado por la búsqueda incesante de técnicas vanguardistas.

luego de aprender diversas disciplinas, comprendió que la

pintura era el modo de expresión que mas la identificaba.

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claudia HidalgoSala de Arte CCU

Av. Vitacura 2670www.ccuenelar te.c l

AGEnDAHAsTA EL 8 DE sEPTIEMBREdestacado del mesLuego de varios años de un arduo trabajo de taller e investigación pictórica, llega la primera muestra en solitario de la pintora Claudia Hidalgo a la sala de arte CCU. “Pintura”, como se titula la muestra, busca enfatizar la idea de una búsqueda en la materia misma, su interacción con el soporte, las tensiones internas, su capacidad y sus posibilidades.

santiago

la muestra cuenta con la curatoría de la experta en coleccionismo y consultora de arte contemporáneo Pabla ugarte.

• Claudia Hidalgo, "Sin Título", 2010-2013, PVC sobre PVC, 200 x 1260 cm.

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Museo de la Solidaridad Salvador Allende

Av. República 475 Santiagowww.mssa.c l

Hasta el 3 de octubre

D21 Galería de Arte

Nueva de Lyon 19, departamento 21, Metro Los Leones, Providencia

www.departamento21.cl

Hasta el 1 de septiembre

Galería de Arte Contemporáneo

SOFA

Santa Isabel 0151www.sofa .c l

Hasta el 15 de agosto

LOCAL Arte Contemporáneo

Av. Italia 1129, Providenciawww.localartecontemporaneo.com

Hasta el 11 de agosto*

La muestra crea un espacio de diálogo entre distintas generaciones, al contar con artistas de trayectoria como Alfredo Jaar y artistas jóvenes como Alejandra Prieto y María Gabler.

El destacado fotógrafo Jorge Brantmayer muestra un trabajo inédito y muy representativo de su rutina cotidiana en este oficio, que desarrolla desde hace tres décadas.

Expo/Venta de pintura contemporánea integrada por: Josefina González, Francisco Aballay Verdugo, Paula Ferrer y Natal ia Álvarez, entre otros.

LOCAL escogió a siete estudiantes de para presentar sus obras en una muestra colectiva que se volverá a realizar dentro de 10 años, con los mismos participantes

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Sala de Arte Las Condes

Av. Apoquindo 3300Segundo piso. Metro El Golf

www.lascondes.c l


La exposición reúne 80 obras de 20 diseñadores jóvenes, quienes conceptualizaron nuestra identidad, creando íconos de lo más esencial de nuestra idiosincrasia.

Galería de Arte Chimkowe

Av. Grecia 8787Peñalolén

www.cultura.penalolen.cl

La recientemente inaugurada galería exhibe 50 pinturas de grandes autores chilenos, colección itinerante de la Universidad Metropolitana de las Ciencias de la Educación (UMCE)

Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña*


COLECTIVA DE 7 ARTISTAS jÓVENES

EN MEDIO / ARTE y SOCIEDAD

ChILOGO, íCONOS NACIONALES

jORGE BRANTMAyER

EXPOSICIÓN COLECTIVA

EXPOSICIÓN COLECTIVA

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www.twitter.com/ARTE_AL_LIMITE

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AGEnDAregiones

• Fabián Nonino y Diego Alberti, "Residual", 2010, perfomance danza interactiva.

exPosición internacional: arte Política Y medio ambiente

Centro Cultural Estación Antofagasta

Bolívar 280, Antofagastawww.facebook .com/Centro.Cultural .

Estacion.Antofagasta

HAsTA EL 31 DE AGOsTOdestacado del mesCentro Cultural Estación Antofagasta (CCEA) presenta una exhibición que conjuga video arte, objetos, caligrafía y fotografía, con sonidos y luces en las creaciones de cinco artistas: Arcángel Constantini y Karen Perry, de México; Mohamed Abou El Naga, de Egipto; Andrea Juan, de Argentina y Dagmara Wyskiel, de Polonia.

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GUáRDAME EL SECRETOBosque NativoAv. Vicente Pérez Rosales 1305, Puerto Varas


LOS ATLETAS DEL SABERBodegón cultural Los VilosElicura 135, Los Vilos


www.galer iabosquenat ivo.c l

La destacada artista nacional Tatiana Álamos presenta su exposición individual “Los Atletas del Saber”, donde realiza una reconstrucción visual del mundo alejandrino, inspirada en la novela de Jean François Luminet.

www.bodegonlosvi los.c l

La artista nacional Loreto Sapiain presenta la muestra Guárdame el secreto, una invitación a revisar desde el collage, las problemáticas de los medios de comunicación escritos, evocando el inconsciente colectivo.

FOTOCONCIENCIACC Puerto MonttCasa del Arte Diego RiveraQuillota 116, Puerto Montt


PATIO TRASEROCasa ELautaro Rosas N° 344, Cerro Alegre, Valparaíso


www.corporacionculturalpuertomontt.cl

Con objetos cotidianos, escombros y el uso del espacio, la artista Noelia Araya recrea una escena encontrada en el puerto, reflexionando sobre modos de vivir donde se tensionan decadencia y belleza, pobreza y modernidad.blogcasae.wordpress.com

Imágenes que conjugan la belleza con el interés científico de las investigaciones que se desarrollan en la Región de Los Lagos dan vida a la muestra “Fotoconciencia”, imágenes seleccionadas del concurso organizado por el Centro de Investigación y Desarrollo Austral.

INDEX / CULINARIAGalería ModiglianiCalle 5 norte 168, Viña del Mar

Hasta el 1 de septiembre

GRAFFITI DE SALÓNCECALIsabel Riquelme 479, Chillán


La exposición reúne a 10 destacados artistas del graffiti de Chillán, que trasladaron sus obras al formato canvas, utilizando técnicas mixtas de pintura urbana, connotando la expresión simbólica de la manifestación del arte urbano.www.cecal.udec.cl

En Index / Culinaria, el artista Felipe Carrión rescata gráficamente -a través de las técnicas del grabado en metal- una serie de artefactos de cocina estrechamente ligados a nuestra memoria e identidad local.

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http://www.galeriamodigliani.cl


www.facebook.com/arteallimite.com


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te presentamos las coordenadas de nuestros Artistas Al Límite.

AGEnDAweb

w w w . a r t e a l l i m i t e . c o m / c a r m e n a l d u n a t e

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / g e r a l d i n a a h u m a d a

w w w . b e r n a r d i t a g a r i b . c o m

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AnDRéS HERMOSILLAInternat ional Ar t Flag ExhibitionLa muestra está integrada por las obras de artistas de 40 países

MARíA ELEnA EtCHEPAREMujeres por el Arte

en la exhibición también participan las artistas nacionales muriel gallardo, maría eugenia akel y lídice morales, entre otras.

*www.ar tea l l im i te . com/Mar í a E lena E t c h e p a r e

Convocada por la Galería de la Municipalidad Provincial de Arequipa, Perú, la artista visual chilena María Elena Etchepare participa en una muestra que se inserta en la Semana de la Mujer y una exhibición de arte binacional, compuesta por arte postal y afiches.

Hasta el 5 de agostoGalería de Arte Vinatea ReinosoPalacio Municial de ArequipaPlaza de armas s/n

CARMEn ALDunAtEMuestra individualMuestra de óleos, grabados y pinturas en nueva sala de exposición

GERALDInA AHuMADA

MARIA ELEnA GAnAÁrbolesLa artista expone una serie de sus pinturas que abordan la naturaleza y sus bosques.

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HASTA EL 31 DE AGOSTO

Sala Cero de la Universidad de

Los Andes

San Carlos de Apoquindo 2200.

Las Condes, Santiago

HASTA EL 30 DE AGOSTOPaseo frente al mar Mediterráneo, distrito central, Beirut, El Líbano

HASTA EL 20 DE AGOSTOUniversidad Autónoma de Talca5 Poniente 1670, Talca

santiago Mon AmourLa artista devela las rutinas de la metrópolis, los sueños y pesadillas de sus transeúntes.

HASTA EL 20 DE AGOSTOMuseo Nacional Benjamin Vicuña MackennaAv. Vicuña Mackenna 94, Providencia

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www.arteallimite.com

*w w w . a c a d e m i a d e p i n t u r a f v i l l a l o n . c l

FRAnCISCO vILLALón

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / r a q u e l y u h a n i a k

RAquEL YuHAnIAKTalleresClases y Venta Arte Textil

w w w . a r t e a l l i m i t e . c o m / s e b a s t i a n u t r e r a s

SEBAStIán utRERAS

w w w . a r t e a l l i m i t e . c o m / c a r o l i n a b a r r o s

CAROLInA BARROSObra Grabada: Las estaciones del Taller 99Muestra de grabado y xilografía de 33 artistas pertenecientes al Taller 99

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*w w w . f r a n c i s c a l o h m a n n . c l

FRAnCISCA LOHMAnn

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / c y n t h i a - m a r i n k o v i c

CYntHIAMARInKOvICLectura de obraEduca MAC ofrece un encuentro con la artista expositora

w w w . a r t e a l l i m i t e . c o m / b r u n a t r u f f a

BRunA tRuFFA

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tERE ORtuzAR

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DURANTE TODO AGOSTODurante todo [email protected]

10 DE AGOSTOMuseo de Arte ContemporáneoParque Forestal s/n

HASTA MARzO DE 2013Museo Andino de Viña Santa RitaCamino Padre Hurtado 0695, Alto Jahuel, Buin

HASTA EL 5 DE OCTUBRESala de Exposiciones del Instituto ARCOSSanto Domingo 789, Santiago Centro

Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original*

Mi jardín interiorMuestra colectiva de 70 artistas, quienes recrean su mundo interior.

HASTA EL 11 DE SEPTIEMBREClub de Jardines Parque BicentenarioAvda Bicentenario 3800, Vitacura

venta de TallerLa muestra y venta de obras incluye grabados, pinturas y trabajos en técnica mixta de la destacada artista chilena.

4 Y 5 DE AGOSTOGalería de Arte KunstAv. Santa María 0316 # 610, Providencia

Caballos chilenosLa artista expone y vende óleos de pequeño, mediano y gran formato

HASTA OCTUBREHotel Villa el DescansoLongitudinal Sur Km 186, Curicó

Clases de pinturaCursos de pintura, técnica mixta para adultos y niños

DURANTE TODO AGOSTOChesterton 7718, Las Condes027924357 - [email protected]

Masonería, misterio reveladoEl fotógrafo refleja el mundo de la masonería por dentro, en 25 contundentes imágenes

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PerFilarte

www.arteallimite.com/artistas

PERFIL ARtE

sebastian utrerasmarcela vicuña

isabel barros claudia Parodi

carmen aldunate

ARTIsTAs Más VIsTOs En nUEsTRO sITIO wEB / JULIO 2012www.arteallimite.com

+de 400artistas

nacional e internacional

comunidad

virtual

arte global

A COnTInUACIón TE PREsEnTAMOs LOs sIGUIEnTEs ARTIsTAs

artistas Julio 2012

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La pintora Dominique Salles dejó su casa en Punta Arenas para estudiar arte en la Universidad Finis Terrae, donde egresó en 2007. Desde entonces desarrolla diferentes estilos y trabajos artísticos paralelos, que dan cuenta de su versatilidad. No sólo se dedica a la pintura sino que también trabaja en Magallanes con un colectivo de diseño independiente llamado “Inmensidad”, y hoy postulan a un Fondart con el proyecto: “Inmensidad, Diseño, Pampa y Coirón”, nombre inspirado en el paisaje patagónico y el coirón, una maleza dura característica de la zona.En 2008 empezó una serie de cuadros que tratan sobre “las propias herencias familiares” y su interés por los años 20-30 y la Belle Époque europea; “siempre me he sentido como alguien que pertenece a otra época. Mis gustos y mi forma de ser son más antiguos”. Comenzó los primeros cuadros mientras estudiaba, pero luego ocupa otras técnicas, como antiguas fotos familiares, cartas, papel floreado, diferentes desgastes y, por último, borda sobre sus pinturas, lo que le resulta cómodo pues cose y borda desde niña.Dominique también participa en el proyecto “Huellas” de la Fundación Arturo López Pérez, que se mostrará hasta el 25 de agosto en la Galería de Arte CCU (Vitacura

geraldina aHumadaEsculpiEndo historiasPor Valentina Acuña, periodista.

• Detalle obra "Conversaciones de Saloon", esculturas en gres, quema a gas, año 2011, 33x39x20 cm.

• Detalle "Agustina, 2011, óleo sobre tela, 140 x 120 cm.

Con un pequeño caballo al estilo “Botero” en su mano que esculpió cuando tenía cinco años, Geraldina Ahumada

www.ar tea l l im i te . com/gera ld inaahumada

www.ar tea l l im i te . com/domin iquesa l l e s

dominique salleslEnguajE íntimo y vErsátil Por Rocío Munizaga, periodista.

2680). Son cuadros diseñados por diferentes artistas que trabajaron con pacientes, familiares y funcionarios de la fundación para que los pintaran usando sólo su huella digital.

cuenta cómo empezó su camino en la escultura. Durante su época escolar siempre supo que tenía talento para moldear la greda, el equino fue primera obra. Desde los 14 a los 18 años estudió cerámica en el taller de Bladis Monardes.Sin embargo, el material la desencantó ya que “no encontraba su lenguaje propio, como el de un escritor”, comenta la artista. Estudió arquitectura en la Universidad de Chile, se casó y formó una familia, pero siempre sintió un vacío.;"cuando mi hija cumplió dos años volví a tener la necesidad de esculpir y contar historias, vi que mis niños eran un poco más independientes y tuve el tiempo de retomar mis cuenta-cuentos”.En la bajada de la escalera se observa una de sus obras más representativas, una escultura de color claro, dos figuras humanas, un molino y una silla. La autora explica que la obra "plasma la vida de mis padres, en un lado se ve la silla favorita de mi papá, donde se sentaba siempre."Su última exposición “Santiago Mon Amour” es un recorrido por Santiago, que invita a ver la ciudad desde sus experiencias personales. Con muchas ganas de seguir creando y mostrar sus obras en Chile y el extranjero, la artista espera seguir creciendo y que la greda siga contando sus historias.

PERFIL ARtE: GERALDInA AHuMADA I DOMInIquE SALLES

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• Detalle de la obra, "Sin Titulo ", 2012, acrílico, óleo, pastel graso y tinta sobre papel, 105 x 75 cm.

• "Renacer",2011, acrílico, 81x100 cm.

La artista Alicia Urrea se autodefine como una persona “muy urbana”. “Me encanta la ciudad, su dinámica, la rapidez con que ocurre todo, el movimiento, las luces, y cada detalle que se aprecia en ella”. Este interés la llevó a apropiarse de las imágenes citadinas, recomponiendo un imaginario urbano donde abstrae las formas “simplificándolas hasta obtener imágenes donde prima la geometría y el color”. Desde temprana edad, Urrea desarrolló su talento en diversos talleres de pintura y hoy continúa mezclando técnicas y materiales, en un afán de investigación constante; “la experimentación surge a través de la exploración de los materiales. Es interesante ver como a través de diferentes materiales se puede llegar a plasmar una misma intención”. Como inspiración, la artista toma la ciudad. La recorre caminando y observando cada detalle de edificios y avenidas; “voy armando un imaginario que luego me sirve de experiencia y referencia para hacer mis obras”, trabajos plásticos a menudo plasmados alternativamente mediante acrílico, óleo, esmaltes sintéticos y barnices sobre tela o diferentes tipos de lápiz pastel y tinta sobre papel. La artista tiene agendadas dos exposiciones para lo que resta del año. Una de ellas es “Arte Ayuda”, evento que se realiza desde el año 2006 y en el que participan varios artistas chilenos con el fin de apoyar a Fundación Paréntesis. La segunda, “Art Freedom” tendrá lugar en Francia como exposición colectiva patrocinada por de la Asociación Cultural Colombiartística, que se dedica a difundir el trabajo de artistas latinoamericanos en Europa. En 2004, escapando de la monotonía del trabajo, María

José Edwards encontró un refugio en la pintura. “Integré el taller de Concepción Balmes, quien me ayudó a pintar sin miedo con trazos sueltos y espontáneos, llegando a crear una identidad en mi pintura”, recuerda. Su técnica le permite expresarse sin limitaciones, soñar y transmitir emociones por medio del color y el trazo, formando corazones, símbolo que ha acompañado por varios años su pintura.. “el arte es para mí un complemento, una forma de ver la vida disfrutando de los colores que nos entrega”. El proceso creativo de la artista es espontáneo, comienza por la elección de una paleta de colores, para luego trabajar las texturas sobre tela con espátulas y brochas. En la actualidad, Edwards se encuentra trabajando en la obra que donará a Arte Ayuda 2012, evento en beneficio de la Fundación Paréntesis, y preparando una serie de “Corazones”, para una exposición colectiva que realizará en Noviembre. Sus obras pueden visitarse en la Galería de Arte Wenteche, (Cerro Alegro, Valparaíso) y en su sitio web www.mjedwards.cl.

maría alicia urreaExpErimEntación sobrE El paisajE urbanoPor Francisca Medina, historiadora del arte

maría José edwardstrazos EspontánEosPor Antonella Galarce, periodista

www.ar tea l l im i te . com/mar i aa l i c i aur rea

www.ar tea l l im i te . com/mar i a jo seedwards

PERFIL ARtE: MARíA AL IC IA uREA I MARíA JOSé EDWARDS

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• "Sin título", 2012, óleo sobre acrílico,100 x150 cm.

El pintor Gonzalo Riscal decidió abocarse por completo a la pintura en 2007, luego de una larga temporada trabajando como diseñador industrial. En una búsqueda incesante de colores

La curiosidad por la naturaleza y la contemplación de su entorno, se despertó a muy temprana edad en la artista visual Carolina Oltra. Esto, debido a los constantes viajes con su familia dentro de Chile y su temporada viviendo en Brasil; “tenía la costumbre de contemplar y dibujar minuciosamente los detalles de mi entorno, era mi vínculo con el lugar”. Sus estudios en arquitectura la llevaron a desarrollar la investigación del hombre y su ambiente. Oltra indaga en el paisaje desde un registro naturalista, utilizando en sus obras la fotografía, el collage y técnicas mixtas. “Los temas centrales en mi trabajo son el uso del registro fotográfico, aunque desde la experiencia de los apuntes de viaje, la problemática de la representación del paisaje-jardín y la apropiación de residuos del paisaje. La idea es acumular notas sobre el paisaje y luego condensarlas como un todo en la obra”. Oltra concibe el arte como un punto de vista, una manera de mirar, vivir la vida y apropiarse de ella. “El arte para mi es tan imprescindible como respirar”, admite. La artista comienza observando un paisaje o una fotografía, alcanzando un estado de abstracción que le permite rescatar

gonzalo riscalbúsquEda EstéticaPor Antonella Galarce, periodista.

carolina oltraartE como bitácoraPor Antonella Galarce, periodista.

www.ar tea l l im i te . com/gonza lor i s ca l

www.arteallimite.com/carolinaoltra

• Detalle, "Jardín privado",2012, Fotografía intervenida, collage, 48cm x70cm

y texturas, descubrió el Taller K, espacio dedicado al grabado en Ñuñoa. “Hemos hecho varias exposiciones, tenemos un colectivo bien potente y estamos con múltiples proyectos”, cuenta. Previo a ese proceso e intuyendo su natural talento para las artes, tomó clases con el pintor Sergio Stitchkin, quien lo guió en el camino de encontrar un estilo propio. “Comencé con óleo, ahora utilizo acrílico según la necesidad. Me integré también el mundo del grabado, que es el fuerte del Taller K”, señala. Con el colectivo liderado por el grabadista Klaudio Vidal, ha montado diversas muestras en Santiago y regiones, entre las que destacan las exhibiciones en Valparaíso, en el Palacio Cousiño; en Viña, en el castillo Wulff y a principio de año en el Hotel Dreams de Valdivia. Para Riscal, el arte es un trabajo que aborda con un ánimo investigativo, buscando trasladar el realismo de su obra previa a un concepto de figuración y aspectos de abstracción, conjugando los medios como la pintura, el grabado y otros tantos por profundizar. La figura humana le atrae, pese a que intenta romper con sus propios moldes pictóricos, buscando generar cosas estéticamente bellas y que emocionen al espectador. Con cinco años dedicados al estudio de la pintura, el creador se encuentra actualmente buscando nuevos horizontes y espacios de exhibición, sin perder de vista sus orígenes, tal como se observa en una antigua curiosa fotografía familiar que retrata a militares y mapuches y que el artista traspasó a la tela.

la esencia del paisaje observado; “en ese estado doy rienda suelta a la experimentación, pinto, corto, pego, rompo y uso la fotografía análoga, libretas de apuntes y materiales diversos”. Actualmente, la artista está realizando una serie de trabajos entorno al jardín privado y la territorialidad, en cajas de luz o papel, intervenidos a la manera del collage. Su exposición más reciente, “Ensambles al Cubo”, ya fue exhibida en la Galería Artium en Santiago, Bosque Nativo de Puerto Varas, Hotel Dreams de Punta Arenas y se presentará en octubre en Iquique.

PERFIL ARtE: GOnzALO R ISCAL I CAROLInA OLtRA

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• Detalle, "Sin título", óleo sobre tela, año 2010, 180 x 60 cm.(tríptico)

Mujeres de épocas pasadas conviviendo con esa marca de jabón tan famosa, con el agua mineral que alguna vez bebimos. Es ahí donde se mueve el último trabajo de Magdalena Errázuriz, quien a partir de recuerdos va construyendo una obra llena de símbolos y una fuerte carga emocional. “Se trata de devolver el valor que tiene la imagen respecto a las experiencias que vivimos, a los lugares que transitamos”, afirma Magdalena. A partir del collage, óleo, acrílicos, grafitos, tintas y una amplia gama de colores, la artista va recreando épocas pasadas dando un importante valor a la figura femenina, rescatando la delicadeza propia del género a partir de una serie de detalles. De manera paralela, Magdalena utiliza el arte y los sentimientos que evoca para sanar. Siempre tuvo una vocación social, es por eso que comenzó con el arte terapia, donde la disciplina artística adquiere fines terapéuticos, educativos y de rehabilitación. Actualmente trabaja en la Corporación Esperanza y Alter Ego; “en el taller de arte terapia se encuentra un espacio donde los pacientes pueden expresarse de otra manera y les provee una contención emocional muy importante en su proceso”. Actualmente, la artista también trabaja en su primera exposición individual en Santiago, que abrirá el 9 de agosto en la Scuola Italiana. Asimismo se prepara para presentar su trabajo en la galería Agora de Nueva York en septiembre de 2013.

Una habilidad para las matemáticas y destreza para dibujar, llevaron a Francisco Silva Torrealba a transformarse en arquitecto. En cambio, la pasión por las artes lo incitó a ser pintor, diseñador, realizador audiovisual, y un amante de la música. La obra visual de Silva se inició con el cambio de milenio cuando llegó a sus manos un libro del pintor austríaco Egon Schiele “el cual gatilló en mí esa necesidad de dibujar, y posteriormente pintar”. En un comienzo fue la mímesis, luego las figuras. Hoy desarrolla obras más abstractas y bosques."Mi arte es un reflejo formal de mis estados anímicos en relación a todo lo que me rodea”, explica, agregando que la autocrítica le permite ir perfeccionándose. Sus obras actuales concentran un punto de apertura en la tela. El corte, tajo, abismo de colores se abre para cubrir los espacios, dinámica acompañada de líneas rectas que se cruzan y entrecruzan, reminiscencias de los estudios arquitectónicos de Silva.Su actual trabajo son los bosques, producto de sus recuerdos de infancia, cuando muchas veces se perdió entre los árboles tupidos del sur; “es una visión recurrente que tengo y que me ha hecho pintar sólo a partir de mi memoria”. Son infinidad de troncos apreciados desde la altura de los ojos de un niño que no nos permite ver donde terminan ni donde comienzan.

Francisco silva torrealbala apErtura dE la tElaPor Carla Vásquez, licenciada en estética.

magdalena errázurizrEivindicando El pasadoPor Yuriko Takahashi, periodista.

www.arteal l imite.com/franciscosi lva • Detalle, "Una casa", 2012, técnica mixta, 100 x 170 cm..

www.ar tea l l im i te . com/magda lenaer razur i z

PERFIL ARtE: FRAnCISCO S ILvA I MAGDALEnA ERRázuRIz

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• Detalle, serie " Bajo la mesa", grabados aguatinta, 112 x 76cm.

• Detalle de la obra, "Sin título" , prueba de la artista, 2012, aguafuerte y aguatinta sobre papel arches, 30 x 45 cm.

Con una larga trayectoria en el grabado, Javiera Moreira despliega su creación en la temática de la figura humana, la soledad, las multitudes, las sombras y el silencio. Su escuela fue el Taller 99, donde Rafael Munita fue su maestro y la incentivó a investigar técnicas, tintas y metales. De ahí su incursión en el aluminio, lo que le abrió un nuevo espacio de experimentación; “la técnica pasa a ser parte de tu lenguaje, trabajándola para que ella esté al servicio tuyo y no tú al servicio de la técnica, el aluminio es un material más blando que el cobre y da otros resultados gráficos, se trabaja con otros ácidos y al ser más blando puedes usar técnicas directas, lijas, punta seca”. También fue alumna de Nemesio Antúnez a quien recuerda como “un gran maestro del dar, de mostrarte y enseñarte todo sin egoísmos, y sin ego”. Su trabajo en este taller ha sido una enseñanza fundamental, donde ha aprendido cuestiones propias del trabajo colectivo, “siempre dispuesta a ayudar, y enseñar al de al lado, a escuchar y aceptar críticas, consejos, saber ver y saber escuchar”. Moreira acaba de participar en un emotivo homenaje al fallecido Francisco de la Puente en Puerto Varas, con una exposición junto a otros artistas como Robinson Mora, Lise Moller, Ismael Frigerio y Andrés Vio. En septiembre estará con una exposición individual en la Galería Blanc y continúa dando clases en su taller Puerta Verde.

Liberándose de lo establecido y derrumbando los convencionalismos, la artista Mónica Paz crea un lenguaje único, que le permite sumergirse en su propio imaginario “y desde ahí ilustrar mi fantasía”, dice; “este estado de inspiración íntima y personal, es bastante frecuente. Lo difícil es dar el paso posterior, es decir expresarlo tangiblemente. Se requiere de disciplina y un trabajo riguroso para poder apreciar los resultados. Si tu trabajas constantemente serás aún mas creativo”. Por medio de la calcografía, Paz se sumerge en un mundo mágico: “algunos amigos dicen que es como 'cocinar', tienes muchas alternativas a estudiar dependiendo de lo que quieras lograr”. La experimentación constante y la posibilidad de concebir un resultado contrario al esperado, es precisamente lo que atrae a la artista a esta técnica. Paz toma su inspiración de la música y del imaginario y las creencias de los pueblos “afortunadamente vivo en un lugar cerca de la isla de Chiloé”. Actualmente, la artista dicta cursos de grabado en el taller Agualluvia en Osorno y en el taller de la Casa Richter del Teatro Del Lago en Frutillar.

Javiera moreiramultitudEs En sombras Por Denise Madrid, periodista.

monica Pazimaginario propioPor Antonella Galarce, periodista.

www.ar tea l l im i te . com/ j av ie ramore i r a

www.ar tea l l im i te . com/mon icapaz

Además, se encuentra preparando una muestra para octubre de este año en el Centro Cultural Sofía Hott de Osorno.

www.arteallimite.com/artistas

PERFIL ARtE: JAvIERA MOREIRA I MOnICA PAz

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• Bolsa (wayuna) lana. Pica, Tarapacá norte arido colección.

por Ennio bucci, licenciado en teoría e historia del arte y Estética, miembro de la aica

belleza Y arte en obJetos Precolombinos PresentaexPosición “cHile 15 mil años: colección museo cHileno de arte Precolombino”en centro cultural Palacio la moneda.

Fotografía cortesía del Centro Cultural Palacio la Moneda.

na interesante y valiosa muestra de arte precolombino inaugurada recientemente se está presentando en el Centro Cultural Palacio de la Moneda. Ésta hace un

recorrido por 15 mil años de historia donde podemos apreciar piezas de gran valor artístico y estético, realizadas por nuestros originarios pueblos indígenas. La exposición rescata su valor artístico y cultural, donde a través de sus objetos nos dan su visión de mundo, de la sociedad, las costumbres, los rituales religiosos, las jerarquías y formas de organización comunitaria.

La muestra cuenta con un montaje de las piezas donde se aprecia una concepción museográfica de nivel. La exhibición se divide en las dos salas del centro cultural.En la primera sala se puede hacer un recorrido desde los primeros cazadores y recolectores nómades que se asentaron en las costas del norte en nuestro territorio nacional. Los aborígenes se dedicaban a la pesca y fabricaban sus instrumentos de caza donde destaca el arte en la confección de arpones para cazar peces grandes y mamíferos marinos.Es así que los antiguos cazadores usaron el “arpón de cabezal“, fabricado en huesos de diversos tamaños, donde se puede apreciar un alto nivel de ejecución técnica en la manufactura.

U

CRItICAS

Otro aspecto sobresaliente en la muestra es la presencia de pequeñas embarcaciones para navegar en el mar, realizadas en madera con decoración de pinturas rojas en su superficie.Cabe destacar la representación de una réplica de una balsa de cuero de lobos estilo diaguita-Inca realizada en piedra de una gran belleza estética (1400 a 1535 dc.)

Como en la mayoría de los pueblos antiguos, el culto a los muertos está representado por la presencia de cuatros nichos muy bien montados donde nos encontramos con las momias de chinchorro. La intención de esta cultura era mantener un vínculo con sus muertos a través de la ilusión que las personas seguían vivas. Por ello, ejecutaban rituales funerarios donde la persona iba al más allá con un rico ajuar de modo que no le faltase nada en su camino al otro mundo.

Un aspecto importante de la muestra es la presencia de la colección de tejidos prehispánicos del norte de Chile. Estos desempeñaron múltiples roles sociales y políticos, en especial comunicaban el rango social y la identidad de quienes lo portaban. Los primeros tejidos eran realizados con fibras vegetales y datan de 3000 años ac.

El visitante podrá encontrar bellos textiles finamente confeccionados, desde camisas trapezoidales, faldellines de cordeles, gorros de 4 puntas con decoraciones geométricas donde queda manifiesto el alto sentido estético que poseían nuestros antepasados.También destacan los complejos de alucinógenos que tenían funciones medicinales. También servían para que los sacerdotes y chamanes entraran en transe y se comunicaran con la divinidad. En la muestra destaca una tableta de rape (nombre dado por los europeos), donde se aprecia la figura de un chaman danzando en un ritual de adoración.En la segunda sala, podemos apreciar la presencia y contacto de invasiones foráneas que se asentaron en el territorio, la presencia de la civilización inca y posteriormente la española.

Destaca aquí el montaje sobre el “espíritu de los antepasados” con la presencia de los Guardianes del bosque, los ritos de Kurikawin, y el de las artes textiles del pueblo mapuche, que muestran los Ukus (poncho) hasta llegar a la manta de nuestros hombres de campo.La muestra que se presenta en el CCPLM hasta el 18 de octubre es especialmente valiosa por su contenido cultural, didáctico y educativo, al apreciar el gran aporte que realizaron al arte nuestros pueblos precolombinos.

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Fotos cortesía del artista.

por Ernesto muñoz, crítico de arte y miembro de la aica

• “La forma en la dulce infelicidad de ocho meses de trabajo o de como volver auspiciosamente a la pintura”, 2012, óleo sobre tela, 120 x120 cm.

belleza Y arte en obJetos Precolombinos PresentaexPosición “cHile 15 mil años: colección museo cHileno de arte Precolombino”en centro cultural Palacio la moneda.

“en la forma de la dulce infelicidad de ocho meses de trabajo o de cómo volver auspiciosamente a la pintura”, muestra de álvaro oyarzún s en la galería aFa

os parámetros en los cuales se desarrolla el excelente trabajo de Álvaro Oyarzún son incontables. Su exposición lo coloca en un

espacio de reflexión y en ella vemos cómo los grandes temas de la pintura entran en juego, concediéndonos una visión donde la elaboración crítica empalma con el soporte donde transitan las capas de pigmentos.

En palabras de la historiadora del arte Lise Martinot: “La pintura fue la gran exiliada del postmodernismo. Ahora bien, Álvaro Oyarzún, avezado en los trabajos gráficos que nuestros tiempos prefieren, presenta aquí una serie de cuadros al óleo como bonitas imágenes pintadas a partir de clichés fotográficos tomados durante sus escapadas por tierras chilenas.

¿Tendremos entonces ante nuestros ojos cartas postales pintadas, recuerdos de vacaciones, decorativos y

L complacientes? Ciertamente estos ocho cuadros son derivados de clichés, pero modificados, adaptados, penetrados por el ojo discriminante del artista, donde los primeros planos cortados y los ángulos de vista invertidos vuelven extranjero lo ordinario, sumergiendo al mismo tiempo la mirada en un baño de óleos pigmentados.

El paseo que nos ofrece Oyarzún no es el de los operadores turísticos, sino una invitación en la que debe descubrirse las nuevas comarcas que vive la pintura de hoy, dónde coexisten, sin complejo, figuración y abstracción. La incompatibilidad de estos dos modos parece haber desaparecido, resolviéndose así la aporía que se imponía a las generaciones anteriores”.

La exposición estará abierta al público hasta el 31 de agosto en la Galería AFA, ubicada en Phillips 16 departamento 16, Santiago.

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CR It ICAS

boris grigoriev (1886-1939) en el instituto cultural de Providencia

Fotografías cortesía del Instituto Cultural de Providencia.Por Pedro Labowitz, crítico de arte y miembro de la AICA

ste pintor ruso, cuyas obras se han cotizado hasta en millones de dólares en remates en Nueva York, estuvo en Chile en dos ocasiones y por

muy poco tiempo; pero su importancia y su influencia en el desarrollo de la historia de nuestra pintura han sido fuera de toda proporción a esa estadía en el país.

Ante la revolución bolchevique en Rusia, Grigoriev se auto-exilió a París, donde fue contratado en 1928 por Carlos Isamitt, entonces Director del Museo de Bellas Artes, para ejercer las funciones de Profesor de Pintura a los cursos superiores de la Academia de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Sin embargo, dificultades burocráticas bajo el régimen del Presidente Carlos Ibáñez del Campo le impidieron ejercer este cargo en debida forma y volvió a Europa a sólo seis meses, en 1929.

Pero este corto tiempo le permitió contribuir a innovar radicalmente en las ideas artísticas de muchos de sus alumnos de Bellas Artes, imbuyéndoles de las ideas del Modernismo, que fueron entusiasmadamente aceptadas por ellos y que contribuyeron para cambiar para siempre el clima de conservadurismo en las artes visuales que reinó

E en esa época en Chile. Grigoriev era un expresionista moderado, cuyos antecedentes debemos buscar en Cézanne o en Van Gogh; y sus ideas significaron en el Chile de fines de la década del los ´20 una renovación total. Posteriormente, Grigoriev volvió a nuestro país en 1936, pero por un lapso igualmente corto de unos seis meses.

La presente exposición en el Instituto Cultural de Providencia consta de casi un centenar de obras de diversas épocas del quehacer pictórico de Boris Grigoriev, provenientes en gran parte de Rusia, especialmente del Museo de San Petersburgo. Se trata de retratos, paisajes, flores y algunas naturalezas muertas, pero sin duda alguna son los retratos al óleo que más llaman la atención al visitante. Destacan el vigor, la naturalidad y la expresividad de sus personajes siempre serios por una parte, y la densidad y fuerza de los colores por la otra. Soluciona sus fondos en forma variada, a veces no-figurativa de campos de color, siempre de una manera adecuada y grata al ojo de quien los contemple. Así tenemos el excelente “Tocador de Acordeón” o ese retrato de un personaje masculino en múltiples gamas de rojo que armonizan plenamente entre sí. O bien el “Bebedor”,

más quieto en su pose, en su chaqueta amarillenta que contrasta suavemente con los tonos rojizos de las manos y la cara. Es muy original el concepto de “Venecia” en que las góndolas se ven cual aletas de tiburones. Aquí, como siempre en sus pinturas, Grogoriev dibuja con feliz libertad, como puede apreciarse también en algunas fachadas de casas.

En los dibujos a grafito el artista se inclina más a vers iones real is tas, especialmente en los bocetos preparatorios de retratos.

U n a e x p o s i c i ó n d e verdadero valor histórico, que puede visitarse hasta el 24 de agosto en Av. 11 de septiembre 1195.

• "Retrato de Nikolai Rémizov y su esposa", 1926 o 1933, Óleo sobre lienzo. 76 x 94 cm. Museo Ruso, San Petersburgo, Rusia.

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boris grigoriev (1886-1939) en el instituto cultural de Providencia

por Enrique solanich s., magíster en teoría e historia del arte, miembro de la aica

Y sin embargo se mueve, Instalación de Constanza Alarcón tennenDie Ecke Arte Contemporáneo/ 20 de julio al 25 de agosto de 2012.

Fotografías cortesía de la Galería Die Eccke

a frase Y sin embargo se mueve, se atribuye, sin mucho asidero histórico, a Galileo Galilei (Pisa 1564 - Florencia 1642), astrónomo, filósofo,

físico, matemático y, músico. A todas luces, un genuino exponente del aliento habido durante renacimiento italiano. Tal locución habría sido pronunciada por él, sotto voce, tras abjurar ante el Santo Oficio u Inquisición, de sus divagaciones en torno al movimiento de los astros, sumándose a las teorías del polaco y clérigo católico Nicolás Copernico (Torún 1473 – Frombork 1743), de la quietud del Sol como centro del universo y, al contrario, de la circulación de la Tierra y otros cuerpos celestes a su alrededor. Considerados sus pensares “necios, absurdos y heréticos,” hoy la glosa se la estima paradigma y lema de todas las confrontaciones victoriosas de la ciencia y sus rigorosos conocimientos ante los mitos o las supercherías.

Constanza Alarcón Tennen, Licenciada en Artes Visuales de la Pontificia Universidad Católica de Chile, ostenta a la fecha y pese a su juventud, participaciones en muestras tales como Umbrales, en el Centro de Extensión de la Universidad Católica (2009); Tierra Baldía, Sala de Arte CCU (2011), y Concurso Universitario de Arte Joven, Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile en la Quinta Normal (2011).

Hoy comparece en la movida Die Ecke del Barrio Italia, galería adelantada que se apresta recia para la versión Ch.aco de la Estación Mapocho, en sept iembre venidero. El proyecto Y sin embargo s e mueve , e s una proposición escultórica sin par. Integrada por dos masas enormes construidas con madera que, montadas en rieles metálicos, se desplazan en sincronía, sea acercándose o bien, distanciándose. El diseño de las piezas opera como una descomunal maqueta que simula un levantamiento topográfico marcando con nitidez las cotas de nivel y sus sinuosas morfologías.

L El sincopado y rítmico juego de -ensamble y escisión-, programado para un tiempo breve entre los dos volúmenes, encarna una fisura geológica real y perceptible, experiencia cinética que en los espectadores incita una reflexión honda sobre la fuerza telúrica de la naturaleza y, además, de modelos diversos hoy para su representación imaginaria, más aún sí de parajes naturales se trata.

El abierto contenido de la cuidada instalación, concreta la aspiración para que la escultura atienda el paisaje como opción temática. Las premisas básicas orientadoras subrayan que es el territorio geográfico la variante prima que confiere e incuba valores de identidades y pertenencias, no obstante, acaecerle -y en Chile cuánto más-, abruptas mutaciones o hecatombes sísmicas.

De amplias lecturas y polisemias varias, la propuesta asume las complicidades que hoy tienen las expresiones artísticas con las disciplinas científicas y duras, así de las transferencias y auxilios que se prestan. Son ejemplos consumados de los empeños de la creación visual para enfrascarse de los conflictos que sobrelleva la existencia humana en el siglo XXI. La muestra es un acierto de habilidades, facturas y sustancia estética. Pertinente y en contexto local.

• Constanza Alarcón, "Y sin embargo se mueve", 2012, Madera terciada, pintura blanca y dispositivo electromecánico, medidas variables.

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REPORtAJE COLECCIOnISMO

en 1980, los suizos thomas ammann and alexander schmidheiny -amigos desde la adolescencia- deciden aunar criterios en su pasión por el arte y comienzan a formar daros. la colección es hoy la más extensa de arte latinoamericano en europa, integrada en parte por los trabajos de luis camnitzer, guillermo Kuitca, nicola constantini y los chilenos Paz errázuriz y gonzalo díaz.

arte al límite conversó con eugenio valdés Figueroa, director de arte y educación de daros, quien explica en profundidad el dinamismo y las interconexiones entre artistas que genera la colección.

Por Antonella Galarce, periodistaFotos cortesía Colección Latinoamericana Daros.

CAsA dAROs

Cuál es la línea curatorial de la colección?El foco está en el arte contemporaneo latinoamericano, fundamentalmente desde los años '80 en adelante,

pero en cierto momento ingresaron obras a partir de los '50. La mayoría de los artistas en la colección son artistas vivos; Daros se preocupa siempre de acompañar sus procesos creativos. La línea curatorial es amplia y durante los ultimos años la idea que ha acompañado la colección es que sea un lugar de encuentro y reflexión de ese universo bien diverso que es América Latina. No se trata de crear un gueto, si no más bien de plantear el concepto latinoamericano como espacio polémico, donde hay mundos individuales y locales que impactan la producción artística. Entre sí mismos, los países no tienen una comunicación tan fluida como se piensa. Rara vez una colección toma como punto de partida el proponer un lugar de encuentro, tratando de recuperar la voz de los artistas, en un tiempo donde todos hablan por el artista: el critico, el curador. Con el foco en entender la producción artistica como campo de conocimiento, un espacio de laboratorio, nace 2001 la idea de hacer la Casa Daros.

¿Qué significa para Daros la inauguración de la nueva Casa en Río de janeiro? ¿Nos puedes contar detalles sobre el proceso de remodelación del edificio?Esperamos inaugurarla durante el último trimestre de

¿ 2012. Es una obra completa, un edificio del siglo XIX que fue intervenido en su remodelación. Este tipo de proyectos siempre viene acompañados de miles de sorpresas, tenemos la convicción de inaugurar cuanto antes, queremos que el primer semestre sea dedicado al arte comtemporaneo colombiano, generando talleres, seminarios.

Para nosotros involucra la posibilidad de desarrollar una alternativa de trabajo para el arte contemporaneo, donde el artista realmente participe y tenga una opinión. También implica la posibilidad de crear un espacio de discusión de las principales problemáticas que inquietan a la intelectualidad latinoamericana.

¿Cómo se elige a los artistas que pasarán a integrar la colección?Todos los artistas tienen una presencia en la colección que esta respaldada por un criterio investigativo. Por ejemplo, para la inclusión de un artista de la estatura de Gonzalo Díaz (Chile, 1947) es natural que se considerase la importancia de Gonzalo en su contexto de origen pero también importa la relación que se puede establecer entre su trabajo y la historia del arte universal. La historia del arte latinoamericano está aún por escribirse y siempre que se revisa la llamada historia universal, todavía son poco contemplados los nombres de artistas latinoamericanos.

LA VOz DE LOs ARTIsTAs

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• Ariel Orozco, Perro Balón, 2004, C-Print, 88 x 66 cm, Daros Latinamerica Collection, zürich

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Otro ejemplo: el lugar que tiene Julio Le Parc (Argentina, 1928) en la colección indica el foco en una etapa importantísima de su obra artistica, de fondo existe una investigación técnica en un proceso de recuperación de más de 40 obras cinéticas. Todo eso trae a la luz un momento fundamental de la producción de Julio y de la historia del arte latinoamericano.

¿Cómo se une el arte y la educación en Daros?Desde el año 2001 empezamos a concebir un espacio de encuentro entre arte y educación a través del diálogo entre artistas. En esencia, el trabajo de Daros trata de dar continuidad a la colección. Hay un porcentaje importante de propuestas pedagógicas experimentales, cursos y talleres conducidos por los propios artistas. Para nombrar algunos, existen proyectos de interacción: en el programa de formación de jóvenes artistas, durante un semestre los 24 jóvenes seleccionados participaron en debates y

talleres propuestos por artistas de diferentes latitudes, disciplinas y generaciones como Ernesto Neto, Luis Camnitzer, Rosangela Rennó, Vik Muniz y Los Carpinteros, entre otros. En colaboración con el proyecto "Imagens do Povo", del Observatorio de Favelas, en 2007 Casa Daros inició una serie de talleres experimentales y ejercicios pedagógicos para niños a partir de la técnica fotográfica de Pinhole (reciclando latas de leche en polvo y envases diversos para construir cámaras artesanales, y usando una cámara oscura de gran formato que servía a su vez como laboratorio de revelado). Con el título "Meridianos", en mayo del 2011, Casa Daros inició en Río un programa de encuentros entre diferentes generaciones de artistas de origen latinoamericano, procedentes de disímiles latitudes y contextos socio-culturales. Nuestro criterio pedagogico esta inspirado en la pedagogia de Paulo Freire: enseñar es saber escuchar; sobre la base de la escucha se articulan las propuestas de investigación.

• Guillermo Kuitca, L’Encyclopédie, 2001, técnica mixta sobre lienzo,238 x 197.5 x 4.7 cm, Daros Latinamerica Collection, zürich

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38

temprana edad comienza su interés por el arte, influenciado por su abuelo paterno. A fines de la década de los '80, se conecta con la escena creativa de Río de Janeiro y

toma contacto con personalidades como Lygia Clark, Rubens Gerchman y Helio Oiticica. Al mismo tiempo se relaciona con Argentina, con la herencia del Instituto Di Tella, donde asiste a charlas de Jorge Romero Brest. “A pesar de ser una época políticamente muy dura para Sudamérica, había un interés por lo contemporáneo”, recuerda. Por esa época también se encuentra con los artistas indigenistas en Ecuador, con Eduardo Kitman y Oswaldo Guayasamín. “Las galerías eran los centros donde sucedía todo; pero se respiraba cierto adormecimiento. Los museos sólo mostraban la tradición y las galerías tenían una función más contemporánea, pero siempre se satisfacía al poder, que en ese momento eran los militares”, explica.

¿Cómo surge tu primera galería en Ecuador?Empiezo a desligarme del indigenismo y a sentirme atraído por la nueva figuración que era una propuesta más contestataria. Esta es una época de rupturas en el arte latinoamericano, el arte más ‘nuevo’ era un arte de resistencia. En 1982 en esa ‘mezcolanza’ estética abro ATMA en Ecuador, porque la galería siempre fue un negocio paralelo para mantener la vida espiritual. De esos añoshicimos con mi socio Franco Ponticelli, sin tener conciencia de que fuese un gesto avant garde en el mundo del arte, nuestra primera acción pictórica que es la famosa historia del Baby Cóndor. Se trataba de un gesto que nos permitiría refinanciarnos. Tomábamos aves de rapiñas pequeñas (zopilotes,

A buitres, gallinazos, en cada lugar tienen un nombre diferente) y los pintábamos y vendíamos como cóndores bebés. Teníamos un slogan: Twenty Dollar Baby Condor. Eso ha quedado en mi historia como una metáfora: cuando tomo un artista nuevo y empiezo a trabajar en su proyección, mientras que espero que pase algo con su carrera me encuentro en la incertidumbre de saber si en efecto es un Baby Cóndor u otro artista ‘fake’.

¿y cómo trasladas tu propuesta a Costa Rica?Costa Rica era un desierto, ahora lo es menos. Toca empezar a hacerse de un camino, acostumbrar a un público más amplio a un arte más ‘complejo’. Costa Rica siempre tuvo fama de estabilidad política en el continente, por lo que fue un lugar atractivo para montar un centro de operaciones y dedicarme, como buen trotamundos, a moverme desde acá con un rollo de pintura debajo del brazo. Las cosas no han cambiado mucho, hasta hay una obra paródica del artista chileno Francisco Valdés en la que muestra fotográficamente un bulto de fotografías gigantes de alfombras, porque así se me visualizó en una época, como un vendedor de alfombras. En Costa Rica la historia se complejiza, son los años en que conozco a Kuitca, en que descubro la nueva transvanguardia en Latinoamérica de la mano de Glusberg. El arte argentino y el colombiano son los que más me despiertan una empatía estética. Este interés por el arte de otros países me diferencia del modelo de galería latinoamericana que era hasta ese entonces muy regional.

¿Cómo llegas a desarrollar el “ojo” para descubrir a los

EntREvIStA JACOB KARPIO

• Jacob Karpio.

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EntREvIStA JACOB KARPIO

EL ARTE COMO LO Más CERCAnO y sUBJETIVO QUE TOCA EL ALMA

Jacob KarPio

Por Antonella Galarce, periodistaFotografía cortesía de Jacob Karpio

El galerista costarricense nació en 1959 y es una de las figuras más controversiales en el contexto del arte

latinoamericano. Es extravagante y encantador. Vegetariano y seguidor de Krishna. Con 30 años de carrera, su espacio

de arte en san José, es considerado como una de las 75 galerías más importantes del mundo.

que se consagrarían como los mayores talentos del arte contemporáneo actual?Hay algo que es muy intuitivo, pero son 30 años leyendo, buscando, observando, siendo educado. Mi formación es empírica y quizás poco ortodoxa, pero me ha permitido desarrollar una sensibilidad estética particular. Tengo la capacidad ahora de reconocer una copia o mal epígono de un artista o movimiento, diferenciándolo del que elabora su propuesta como un continuo dentro de la historia del arte. Pero ciertamente hay algo subjetivo, que intelectualmente no puedo explicar. Pero es muy ingenuo y pretencioso también creer que sólo es una cuestión de dones.

¿Qué es lo que te atrae a primera vista de una obra?El diseño de la obra misma. No importa si no estoy entendiendo, es una cuestión de seducción. Lo otro que me interesa es el ‘diseño mental’ del artista. Esas veces que no entiendo y que el artista me habla y me dice de qué universo estético o conceptual está bebiendo y me abre un campo infinito de posibilidades. Ese momento es una comunión con él y su obra. Pero en general tengo debilidad instantánea por la factura.

¿Cuales son tus obras favoritas?Bacon, Cardenal, Vermeer. El Descendimiento de Piero della Francesca, en la Catedral de Amberes. Hay video instalaciones que me vuelven loco, la magia de Bill Viola, por ejemplo. Toda la obra de Marina Abramovic, me llama la atención su propia experiencia de lo espiritual. Para mí el arte es lo más cercano y subjetivo que toca el alma

¿Crees que el arte de hoy tiene la incidencia cultural o en los procesos sociales que tenía en el pasado?No creo. Ahora lo que pasa es que hay más sociología que arte. El arte se olvidó de que su primera función es el arte mismo. Sin embargo, veo que hay grandes preocupaciones como el medio ambiente o el reconocimiento de una identidad temporal –ser negro, ser migrante, ser gay-, pero la mayoría de las veces son llamadas de atención y el tratamiento de los temas en la obra es superficial. Amor y arte son palabras que hoy están vacías de sentido. A veces el terrorismo es más puntual y eficaz porque al menos tiene ideales auténticos.

¿Qué traerá la celebración de tus 30 años de carrera? ¿Nos das detalles del evento?Pienso que trae solidaridad. Solidaridad de parte de los artistas que siempre han tenido una relación de "toma y saca" conmigo. Las actividades comienzan el lunes 27 de agosto y culminan el domingo 2 de septiembre. En mi galería tendremos a Manuel Esnoz y Francisco Valdés. Adán Vallecillo está exponiendo en el MADC con apoyo de la galería y esto se suma al conjunto de actividades. Vamos a tener un show de fotografía peruana contemporánea de parte de TKProjects, que es un proyecto de mi hija Tulsi Karpio. Y exposiciones en la Galería Klaus Steinmetz Arte Contemporáneo, Galería Andrómeda y otros tres sitios de la ciudad. Habrá conciertos, degustación de comida vegetariana, fiestas alternativas y contaremos con la presencia del excelente perfomer y músico Dani Umpi. Vienen amigos artistas, coleccionistas, de los medios. Será una auténtica fiesta.

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LA IMAGInERíA DEL DEsHECHO COnsTRUCTIVO

amelia errazurizPor Antonella Galarce, periodista. Fotografía cortesía de la artista.

Con una sólida formación en arquitectura, a la artista Amelia Errázuriz le apasiona todo lo relacionado con la construcción del espacio en el que vivimos, re contextualizando el material de deshecho sin olvidar sus orígenes.

Recojo lo que está olvidado y botado y lo re contextualizo generando una mezcla de lenguajes, símbolos potentes que transforman su precario origen. Quiero romper este uso

literal de materiales y objetos y encontrar un rasgo individual, subjetivo y único en la obra artística”, explica Errázuriz.

“El camino que ha mostrado el arte se cruza con todas las corrientes y avances del mundo moderno, desde la tecnología hasta los grandes avances en el conocimiento de la biología y la física”. Dicha transversalidad inspira a la creadora a retomar el deshecho, conceptualizando su rechazo en el mundo de hoy.“'la imaginería del desecho constructivo es algo a lo que nuestra sociedad, camino al desarrollo, (construcciones) y habituado a los continuos movimientos sísmicos (destrucciones) tiene en su inconsciente colectivo. Esto es, desde mi punto de vista chileno, una imagen identitaria de nuestra cultura -algo humilde que lo visibilizo para dignificarlo- , como otro símbolo más”.

Para la artista, esos materiales de construcción y sus respectivos deshechos poseen significados históricos y culturales y se han ido construyendo en el día a día, cargados con la presencia

“la imaginería del desecho constructivo' es algo a lo que nuestra sociedad, camino al desarrollo,

(construcciones) y habituado a los continuos movimientos sísmicos (destrucciones) tiene en su

inconsciente colectivo”.

del ser humano; “son cotidianos y conocidos, por lo tanto, no necesitan de metáforas, solo hablan de nuestra precariedad”.

Actualmente Amelia prepara su participación en la 18° Bienal de Santa Cruz en Bolivia, que se realizará entre el 14 de septiembre y el 30 de octubre de este año y gira entorno al concepto de la “Crueldad”. La autora presentará dos obras sobre el soporte cotidiano de una cortina de palitos; “abordo

la crueldad desde el punto de vista femenino, la discriminación y olvido de la sociedad del real valor de la mujer en muchos países en pleno siglo XXI”.

“Al igual que el desecho que explicaba antes, la mujer, muchas veces, tiene el mismo

tratamiento, la no inclusión. Aquí lo hago visible con una imagen fuerte de tablas botadas y en desuso, que dialogan con objetos a los que debe recurrir la mujer para hacerse 'visible': aquellos de belleza y cosméticos”, explica sobre la obra.

Algunas de sus obras se encuentran en su taller de Lo Barnechea y otras se encuentran en Perú, en proceso de selección para un proyecto turístico-hotelero, que incluye a artistas peruanos y nacionales cerca de la frontera con Chile.

• Detalle de la obra, Díptico Paisaje, 2011, técnica mixta sobre tela, 140 x 150 cm.

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EntREvIStA

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los balmesPor Juan José Santos, crítico de arte @andyjuanjolFotografías cortesía de Juan José Santos

José Balmes y su mujer Gracia Barrios comparten taller, y a unos pocos metros está el de su hija Concepción Balmes. Un caso excepcional en el que la vida se desarrolla entre óleos, lienzos y cafés.

oncepción Balmes Barrios; ¿Qué significa el taller para ti?El taller es un espacio que está en mi historia personal

desde muy niña, yo soy hija de pintores, gran parte de mi vida se desarrolló cerca, adentro o alrededor de los talleres de los artistas. Para mí es como un espacio sagrado pero también muy cotidiano, muy hogareño.

¿Cómo te influencia el tener tu taller al lado del de tus padres?Uno busca sus propias maneras saludables de hacer las cosas. Yo no entro al taller de ellos porque son lugares de trabajo, la obra la vemos más bien cuando ya estamos retirados de ella. Ellos dos sí trabajan mucho juntos, pero es un proceso que necesita de mucha privacidad. El taller es como la cama matrimonial, tú no puedes meterte ahí.

En su caso josé, ¿qué es para usted el taller?Tuvimos taller en Barcelona, en París…en el que estoy más cómodo es en esta cosa loca en la que estamos ahora. De repente imagínate tú, miro ahí y veo este plato con pintura, que es mezcla de trabajo, de pintura, este guante aquí que ni me acuerdo para qué está, y dan ganas de inmediatamente pegarlo y convertirlo en obra. Al final como que el arte es todo, es todo lo que tú

tengas capacidad de ver, lo que te puede sugerir. Todo tiene posibilidades de convertirse en obra.

De todos los talleres que ha conocido de otros artistas, ¿cuál es el que más le ha sorprendido, el que más le ha impactado?Concepción: el taller de Guinovart era muy entretenido, era como una fábrica, el de Julio Le Parc era como de cirujano... José: tomaba un litro de café para dormir porque decía que si no, no podía dormir. Era un tipo de una generosidad enorme…

Gracia; ustedes viven juntos pero también trabajan juntos en el taller… ¿cómo se lleva eso?Nosotros pensamos: desde allá Balmes desde acá yo. Hablamos, conversamos, a veces me acerco y le digo, Balmes, me gustaría haberte sacado eso, robado eso, pero no te puedo pedir ese color que tú lo tienes, porque tu lo pusiste, pero luego pienso, no puede ser, ¡sería un asco que yo le robara!

“el taller es como la cama matrimonial, tú no puedes meterte ahí”. (concepción

balmes)

• Taller de Los Balmes.

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Los cuentos de la cometa, 2012, 42 págs. Por Diego Alfaro, Licenciado en letras.

Ni para tan grandes ni para tan chicos, Álbum Ilustrado supone una obra un tanto más compleja que un mero libro infantil como hoy se los cataloga. Su creadora, Hannah Hoch (1889-1978), sobrepasa cualquier calificativo al mezclar la técnica dadaísta con breves retratos en verso sobre personajes que representan distintos tipos de seres urbanos: el inmigrante, la mujer moderna, un oficinista, un devoto, una madre conservadora, una amante destrozada. Todos ellos son animales novedosos, hechos mediante la técnica del collage, ambientados en parajes coloridos compuestos por distintas texturas orgánicas. El resultado es un mundo de alegorías de la selva citadina y una edición que saca aplausos al reproducir los originales de este trabajo, que Hoch solo lo pensó como una forma de llevar pan a su casa en una Alemania asolada tras la Segunda Guerra Mundial. Compendio de vidas imperfectas y una forma de colorear el pavimento con pedacitos de papel.

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Editores: Daniel Reyes León, Belén Bascuñán, Andrea Lathrop, María Jesús García. Adrede Editorial. 127 págs.

Por Juan José Santos, crítico de arte. @andyjuanjol

La primera publicación de la recién creada editorial Adrede (un homenaje a la difunta “Las ediciones del ornitorrinco”) es este compendio de textos críticos sobre exposiciones y eventos relativos al arte contemporáneo en Chile. Con una intención de revisión y de reflexión, se establece una evaluación acerca de las principales exposiciones acaecidas en el país (como la VI Bienal de Arte Triatlón, Handle with care o Dislocación). Además incluye entrevistas a teóricos como Gerardo Mosquera, revisando su trabajo en “Copiar el Edén”. “Sobre entendidos” es una oportunidad que permite manejar herramientas adicionales acerca del devenir del arte contemporáneo chileno, una brújula para orientarnos desde el pasado y proyectarnos hacía el

futuro. Una reflexión necesaria para críticos, teóricos, curadores y espectadores.

Metales Pesados, 2012, 280 págs.Por Diego Alfaro, licenciado en letras.

Metales pesados lleva un buen tiempo liderando la publicación de ensayos sobre estética y en especial revitalizando las lecturas benjaminianas en Chile. El FILO FOTOGRÁFICO DE LA HISTORIA de la académica Collingwood-Selby no solo ahonda en el margen que puede dibujar su título; desde su partida la triada de Ricouer historia-registro-olvido produce una dialéctica pertinente para indagar las concepciones de Walter Benjamin sobre el arte de la instantánea, sino que también para hacer un repaso a la crudeza y desmemoria del siglo XX. Esta estética de la recuperación, que puede ser rastreada desde sus Tesis para una filosofía de la historia hasta el proyecto de las Iluminaciones, conduce a la autora a dar un análisis que contextualiza el nacimiento de la técnica fotográfica hasta situarlo en su función estética. Un arte que llama “por vez primera, a ofrecerle a la naturaleza la posibilidad de registrarse, de representarse y reproducirse a sí misma” generando un acto de conservación: la creación de un lugar inmemorial.

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“sobre entendidos”,

antología de textos Post curatoriales

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quinta normal y estación central, dos comunas colindantes que en sus zonas límites conforman un recorrido a descubrir por la ruta de matucana y villa Portales, han establecido una oferta cultural especialmente atractiva para todos quienes aprecian las maravillas que ofrecen los espacios públicos con valor patrimonial.

Por Marcela Catalán periodista

BARRIOVISIÓN

MATUCAnA

BARRIOvIS Ión

Parque quinta normal

Matucana 520 Santiago, Región Metropolitana

Fotografías cortesía de Antonella Galarce“Parque Quinta Normal” de Alejandra Suazo Olguín fue la fotografía ganadora del Concurso “Buscamos el mejor ángulo de Matucana”

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on diversos los espacios a conocer en esta parte del recorrido, pero es el Museo de la Memoria y los Dere-chos Humanos la obra con menor tiempo en esta zona

de la comuna. La construcción, inaugurada en 2010, aporta luminosidad a la avenida. Como intentando apelar a un futuro más radiante. Lo anterior no es antojadizo, si consideramos que su edificación tiene el objetivo de reconocer oficialmente las sensibles consecuencias de 1973 en la historia nacional, dando espacio a un porvenir más claro.

Algunos metros más adelante y en plena calle, los visitantes pueden apreciar diversos mosaicos. Es arte al paso.

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laguna del Parque quinta normal

Matucana 520 Santiago, Región Metropolitana

BARRIOvIS Ión BARRIO MAtuCAnA

Cruzando la calle nos encontramos con el Parque Quinta Normal, pulmón verde para la capital que alberga el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), el Nacional de Historia Natural, de Ciencia y Tecnología, el Infantil y el Centro de Extensión Balmaceda Arte Joven. Mención aparte merece el Museo Ferroviario, que se sitúa en un espacio propio, aunque en preciosa relación con el Parque Quinta Normal. Allí se encuentran vagones y carros de hace más de cien años.

Por su carácter de parque, la Quinta Normal le ofrece al visi-tante amplias áreas verdes que contienen zonas de diversión como la Laguna de Botes. Éste punto dota al lugar de particular

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BARRIOvIS Ión BARRIO MAtuCAnA

museo de la memoria villa Portales

Comuna estación central.

Matucana 501 esquina Catedral

encanto, evocando un apacible muelle a su alrededor con bancas desde donde observar la actividad en el agua y una serie de elementos que permiten disfrutan del panorama.

Matucana 100 es otro de los hitos del recorrido. El espacio, inaugurado en 2001, posee una amplia cartelera de artes visuales y escénicas, contando con un teatro con capacidad para 550 personas, y una galería de arte de 300 m².

A pasos de la Quinta Normal se emplaza la Unidad Vecinal Diego Portales, concebida entre 1954 y 1966 por Bresciani, Valdés, Castillo y Huidobro. Ubicada en las vísceras de Estación Central, el complejo habitacional es un símbolo de la arquitectura moderna en Chile. Esto, pues a través de su edificación se generaron nuevas formas de imaginar el espacio público, tendientes a robustecer la actualmente soñada vida en comunidad. Los mosaicos que cubren parte de la fachada de los edificios -trabajo de Ricardo Yrarrázaval- sorprenden y estimulan el goce estético en los vecinos y transeúntes.

Probablemente el empleo de estos recursos refleja la idea primigenia de los arquitectos y del mismo Yrarrá-zaval, en tanto hacer de la Unidad Vecinal un espacio comunitario exitoso a lo largo del tiempo.

Pese al paso de los años, de los deterioros y compli-caciones por las que atraviesa este sector, el valor patrimonial de Villa Portales es admirable en virtud de cómo se entendió a las y los sujetos que habitan la vivienda social: sujetos que necesitan del encuentro con el otro, también hambrientos de recorrer y vivir en lugares “poéticos”. Suerte que esté libre a la mirada del transeúnte, encontrándose todavía a tiempo de ser cuidada y apreciada su riqueza.

Los lugares a conocer en Quinta Normal y Estación Central son múltiples. Sólo resta darse el tiempo de salir a caminar y admirar la riqueza patrimonial que se encuentra en nuestras calles.

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Portada: Hugo Lugo

Martin Creed

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María Angélica Echavarri

Armando Mariño

Carlos Herrera

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Periódico Arte Al Límite Edición 84 Agosto 2012