Programa de Mano 2008`

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PU€LICRF|UNA EIVPRESA CARVAJAL

Regresa el Cartagena Festival lnternacionalde lrús¡ca del 5 al 12 de enerc de 2008, arlistas

reconocidos a nivel internacjonal aclüarán bajo el marc0 de los históric0s escenarios de

Carlaoena.

Desds el momento en que la Fündación Salv¡ nos presenló el pr0qrama, PUBLICAR se

vinculó estrecnamenle con el leslival, pues comparte el propésito de la fundación de

conlribuk de maneÍa el¡caz a la restauración del lejido social, utjlizando la música c0m0

heram¡enta para la lucha c0ntra lav¡olencia y la pobreza en C0l0mbia.

Bajo la dirección arlística del alamado pianista y creador de leslivales internacionales

de música de cámara, Charles Wadsyvorlh, el evenlo de 2008 ofecerá 16 concierlos en

algunos de los escenarios más históricos y p¡nlomscos de la c¡udad, que incluyen el Teafo

H0red¡a y las capillas de los holel€s Sofitel Santa Clara, Charleslon Ca agena Santa Teresa

y la lglesia dB Saflto Toribio, así como la Plaza de San Pedro Claver.

El programa de 2008 incluye ¡nolvidables obras ds: Beelhoven, Brahms, Chopin, Debussy,

Desenne, Dvorak, Gluck, Golijov, G0ugsofl, Haydn, lvlilhaud, Moza , furgolesi, P0ulenc,

Ravel, Saint-Saéns, Schumann, Smetana, Tchaikovslry, felemann, Vaughn-Williams, Vivaldi,

además de un tema original compreslo por el pianista y Directff Artíslico Adjunto del

festival, Stephen Prulsman

Los niñ0s, los ióven€s y la orquesta saben que esta es una oportunidad privilegiada en el

proc€so de enseñanz¿ y aprendizaje de la música

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Tabla de ContenidoCarta de Julia Salvi, Presidente del Festival 4Balance Social 6Amigos del Festival 8Santiago Cárdenas 10Calendario de Programación 12

PROGRAMA 2008 17 Cocierto Grupo Nacional de Chocolates 18Notas al programa 19El arte de la grabación musicalConferencia por Martha DeFrancisco 20Concierto Grupo Bancolombia 22Notas al programa 23Concierto Azúcar Manuelita 24Concierto Coalcorp 26Natas al programa 27Pavarotti y Calla inmortales en el arte líricoConferencia por José Félix Patiño 28Concierto Deutsche Bank 30Notas al programa 31Concierto Coalcorp 32Notas al programa 33Taller de Interpretación Seminario por Susan Wadsworth 34Concierto Protección, Suratep, Susalud 36Notas al Programa 37Concierto Pastas La Muñeca 38Concierto Coalcorp 40Notas al programa 41El Mecenazgo en el Siglo XXIConferencia por Juan Alonso Mendoza 42Concierto Suramericana 44Notas al programa 45Concierto Julio Mario Santo Domingo 46Concierto Coalcorp 48Natas al programa 49Taller de Interpretación Seminario por Susan Wadsworth 50Colombia Joven Impulsando el Talento Colombiano 51Concierto Fundación Salvi 52Notas al programa 53Concierto Colinversiones 54Notas al programa 55Concierto Exito 56Concierto Argos 58Notas al programa 59

ARTISTAS 60 Charles Wadsworth, Director Artístico y Pianista 61Stephen Prutsman, Director Artístico Asociado y Piano 62Yuli Turovsky, Director Musical de la Orquesta I Musici de Montréal 63Paula Robison, Flauta 64Todd Palmer, Clarinete 65Jose Franch Ballester, Clarinete 66Wendy Chen, Piano 67Jean-Yves Tibaudet, Piano 68Catrin Finch, Arpa 69Romero Lubambo, Guitarra 70Cyro Baptista, Percusión 71Elina Väjälä, Violín 72Livia Sohn, Violín 73Angélica Gamez, Violín 74Hcin Yun Huang, Viola 75Andrés Díaz, Cello 76St. Lawrence String Quartet 77I Musici de Montréal 78 Qué significa estar en el Festival - Stephen Prutsman 82Desde adentro de I Musici 84Cartagena: La ciudad de la fiesta musical 86La música: Cultura, entretenimiento y medicinapor Carlos Lleras De la Fuente 88Guía 90Compromiso Social y Empresa Privada 92Benefactores - VIP Package 94Junta Directiva, Planta Administrativa y Asesoras 95Agradecimientos 96

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Cartagena de Indias, Enero 5 de 2008

Nos sentimos honrados de dar inicio al Cartagena, II Festival Internacional de Música y continuar con este proyecto que es de todos los colombianos y con el cual nos sentimos aún más comprometidos al ver la respuesta del público en la primera edición, 2007.

Ha sido una sorpresa para muchos descubrir que la música clásica tiene un gran público en Colombia; un público que responde de manera entusiasta a cada uno de los conciertos que los convoca durante esta semana de Festival. Vemos que el país está esperando un Programa como el que la Fundación Salvi Colombia ha diseñado.

La labor que hemos empezado para apoyar los programas de música del país, está aún muy lejos de completarse, pero sabemos que hemos dado el primer paso para motivar a las instituciones para que continuen trabajando y mejorando cada vez más su nivel.

Las palabras no me alcanzan para expresar el compromiso y emoción que siento por los jóvenes estudiantes de música que he tenido la oportunidad de conocer desde que inicié el programa “Formando Música”. Admiro profundamente el interés con que estudian y mantienen vivo el amor por la música, enfrentando los obstáculos que se les presentan.

Aunque Colombia es un país de inmensas contradicciones, tiene en sí mismo algo especial: mantiene la esperanza, ve el futuro con grandes espectativas y busca algo mejor para las nuevas generaciones.

Agradezco y aprecio enormemente la confianza que me han brindado y el apoyo que he recibido de todos ustedes para hacer realidad este sueño nacido del amor por la música. Esta semana esta dedicada a cada uno de ustedes, esperamos poder complacerlos con todo lo que esté a nuestro alcance para que disfruten de esta maravillosa experiencia!

Julia SalviPresidente Fundación Salvi

C O L O M B I A

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El balance social de las actividades organizadas por la Fundación Salvi Colombia a lo largo del año 2007 presenta unos resultados muy importantes y positivos en el cumplimiento de la misión de la Fundación de contribuir de manera eficaz a la restauración del tejido social, utilizando la música como herramienta principal para la lucha contra la violencia y la pobreza en Colombia.

I Festival Internacional de Música, enero 6 al 13El 2007 se inicia con el rotundo éxito de la primera versión del Cartagena Festival Internacional de Música que, además de haber sido un gran evento cultural, abrió las puertas para muchos otros proyectos y programas directamente relacionados con el aprendizaje de la música y el amor por los instrumentos.

“Formando música”, el programa educativo de la Fundación Salvi Colombia, desarrollado en el marco del Festival tuvo como resultado la participación de más de 250 niños y jóvenes en las 40 clases magistrales dictadas por los artistas asistentes al Festival.

Gracias al contacto que tuvieron los artistas invitados con los profesores y estudiantes de música colombianos, se han generado relaciones que son muy importantes para continuar mejorando el nivel de los programas musicales en Colombia.

Se destaca la relación e interés que surgió entre los miembros del Cuarteto de Cuerdas St. Lawrence y el Cuarteto de estudiantes de la Universidad Juan N. Corpas, a quienes invitaron a participar en el Festival de Música de Cámara 2007 en la Universidad de Stanford.

De igual forma el decidido apoyo dado por la Orquesta I Musici de Montréal a la agrupación de jóvenes pertenecientes al proyecto orquestal de la Fundación Música por Colombia a través de la donación de cuerdas, metrónomos, instrumentos, partituras y material de enseñanza que contribuyen a enriquecer la formación musical de estos jóvenes del barrio Nelson Mandela. Adicionalmente tres integrantes de la Orquesta, durante el año ofrecieron dos semanas de clases especial y completamente dedicadas a estos jóvenes.

Otras actividades realizadas:

Abril de 2007. Convenio Fundación Salvi – Compensar: • Concierto a cargo del arpista israelí Sivan Magen en el Auditorio de Compensar el 28 de abril de 2007• Clases magistrales de arpa con Sivan Magen, entre el 29 de abril y el 1 de mayo en las instalaciones de

Compensar con la asistencia de profesores y estudiantes de Villavicencio, Manizales y Bogotá

Agosto de 2007. • Concierto a cargo del arpista francés Emmanuel Ceysson en el Auditorio de Compensar el 25 de agosto

de 2007 con el apoyo de la Embajada de Francia y la Universidad Nacional de Colombia• Clases magistrales de arpa con Emmanuel Ceysson en, entre el 21 y el 26 de agosto de 2007 en las

instalaciones de Compensar con la asistencia de profesores y estudiantes de Villavicencio, Manizales y Bogotá

Noviembre de 2007.• Taller de Mantenimiento de instrumentos de cuerda en convenio con Fundación Escuela de Artes y Oficios

Santo Domingo, Ministerio de Cultura, Salvi Harps y con apoyo de la Fundación Batuta. Participaron 25 luthiers de todo el país, en un programa de formación con los luthier italianos Giancarlo Quarante y Marcelo Mirattidonna

Al presentar el balance social de las actividades realizadas a lo largo del año 2007, la Fundación Salvi Colombia quiere agradecer nuevamente a los patrocinadores que hicieron posible cada uno de los eventos programados, al público asistente y a los niños, jóvenes, docentes y músicos que participaron con tanta convicción en ellos.

Balance SocialFUNDACIÓN SALVI COLOMBIA

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Balance SocialFUNDACIÓN SALVI COLOMBIA

Anfitrión en Bogotá de la Orquesta I Musici de Montréal Canadá

Conciertos didácticos, enero 3 al 5 de 2008

Los conciertos didácticos preparados por Stephen Prutsman, Director Artístico Asociado del Cartagena Festival Internacional de Música, demuestran su interés y compromiso por hacer realidad el lema del Festival: “La música es para todos”.

Liderados por Prutsman, en los conciertos participarán varios de los artistas invitados al Festival como Angélica Gámez, Andrés Díaz, Livia Sohn, Hsin-Yun Huang y Christopher Costanza, entre otros. Estos conciertos se realizan para acercar la música a toda la comunidad cartagenera.

Próximamente

Entre el 17 y el 22 de enero de 2008, se hará presente en Bogotá el joven arpista francés Emmanuel Ceysson quien continua su labor docente en la Cátedra Salvi de Arpa, iniciada en agosto de 2007.

Su regreso trae buenas noticias no sólo a los profesores y estudiantes de arpa sino también a los amantes de la música que tendrán la fortuna de escucharlo en el concierto Mazda el lunes 21 de enero, en el Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano.

Emmanuel Ceysson viene gracias a la Fundación Salvi Colombia, en asocio con la Fundación Mazda para el Arte y la Ciencia, la Universidad Nacional de Colombia y la Embajada de Francia.

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Amigos del Festival

Los Amigos del Cartagena Festival Internacional de Música

La organización del Cartagena Festival Internacional de Música es un gran esfuerzo que no sería posible si no se contara con un grupo muy especial de personas que reconocen la importancia de la música para las nuevas generaciones.

Los Amigos del Festival creen en el talento juvenil, apoyan la labor que se hace para invitar a los artistas, reconocen la importancia de un evento de esta categoría y, ante todo, están convencidos de que la música es para todos.

Apoyar el Festival no es únicamente garantizar su permanencia en el tiempo sino también poder ampliar en cantidad y calidad las actividades educativas que se realizan durante el desarrollo del mismo: clases magistrales, conferencias, conciertos públicos, etc. Todas las donaciones recibidas se destinan a esto!

Círculo Jóvenes TalentosLa Fundación Salvi reconoce la importancia de propiciar espacios y encuentros especiales entre jóvenes talentosos y los artistas invitados al Festival; con los aportes de los padrinos se desarrollan estas clases magistrales.

Círculo San Pedro Claver Esta plaza adornada por la iglesia de San Pedro Claver se convierte en un majestuoso escenario abierto: Cuatro conciertos gratuitos se convierten en un armonioso espectáculo para disfrutar las noches cartageneras.

Círculo Teatro Heredia La joya de la ciudad hermosamente decorado por el artista cartagenero Enrique Grau hacen de este teatro el perfecto lugar para la música de cámara.

Círculo Santa Clara El Hotel Sofitel Santa Clara presta su capilla como escenario de dos conciertos para 250 asistentes cada uno. Esta bellísima capilla permite generar una iluminación con velas generando una sensación celestial en cada interpretación.Círculo Santo ToribioSanto Toribio es el escenario de los conciertos matutinos, se realizaran cuatro conciertos a las once de la mañana. Esta acogedora iglesia apenas cobija 200 personas, creando un ambiente íntimo entre los artistas y el público.

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Amigos del Festival

Círculo Jóvenes Talentos HyundaiMuelles El Bosque Cámara de Comercio de CartagenaCotelcoEmbajada de Estados Unidos de AméricaOrganización Servimos S.A.

Círculo San Pedro Claver Carlos Lleras De la FuenteMauricio Toro Víctor RiveraBenjamín VillegasFernando España Vicente CasasJuan De SanctisFalco Campamentos

Círculo Teatro Heredia

Control Plus Alessia Abello Patricia Jimeno Nicolás GamboaMargarita Vargas de Valencia Vicente Dávila SuárezGonzalo CórdovaNatalia Murillo Gabriela Febres

Círculo Santa Clara

Fernando Caballero Tomas Held Koch Gilberto Saa Navia

Círculo Santo Toribio Diana Barco Juan Carlos Arcila

Benefactores Individuales

Jean Claude Bessudo Roberto Arboleda Angulo Jorge Cárdenas GutiérrezRafael Carvajal ArgáezJorge Cavelier Gaviria Gabriela De la Vega Pinzón Constructora Fernando MazueraSantiago Figueroa Alberto FurmanskiArmando GutiérrezInversiones Dama Salud S.A.Jorge Bernardo Londoño GutiérrezErnesto Mendoza Lince Francisco Montoya Caballero Martha Patricia MújicaPatricia San Clemente Barco Felipe Vallejo y Abogados Ltda.Diecinueve Benefactores Anónimos

Benefactores Corporativos

RCN Carsonia Ltda.Cemex S.A. Chaid Neme Hermanos S.A. Deutsche BankFundación Nacional Batuta Generali Colombia Ladrillera Santa Fe Profesionales de Bolsa

Colaboradores

Harry Sasson Sofitel Casa IbáñezFlores Don Eloy Caras Avianca Cato´s wine cellar

BenefactoresPreludio Septiembre 14 de 2007

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…”Nada más evidente que la existencia de una especie de parentesco entre las artes. Pintores, escultores, músicos, poetas, son levitas en el mismo templo. Si no sirven a las mismas divinidades, sirven desde luego a divinidades análogas. Hermandad de las musas; compañerismo de los artistas, así manejen ellos el cincel o la estilográfica, el pincel o el arco; unidad del genio en todas sus modalidades(…) el arte no es únicamente lo que produce la obra; es lo que la guía y orienta” .

Santiago Cárdenas, artista colombiano de la más alta figuración en la plástica mundial donó la imagen del afiche del Cartagena, II Festival Internacional de Música, 2008: “Me interesan todas las artes y cuando me han pedido los afiches para convocar al público a festivales lo he hecho con mucho gusto, como lo hice en el pasado para los festivales de música religiosa de Popayán y para el Teatro Libre. Todo eso me ha gustado”.

Consolidar el Festival implica darle su propia imagen, razón por la cual la Fundación Salvi Colombia buscó un artista que representara, con su obra y convicción, los objetivos del Festival.

Con el apoyo y colaboración de Paulina Mallarino, Directora de la Galería de Arte y Diseño DEIMOS, se hizo la solicitud al Maestro Cárdenas que accedió inmediatamente: “Me parece muy bonito colaborar en un evento que es importante para Colombia y para Cartagena; un evento de música clásica abierto a todos los públicos”.

EL ARTISTASantiago Cárdenas es un versátil artista con una mirada y experiencia en diversas manifestaciones del arte: pintura, dibujo, obra gráfica, arquitectura y diseño. Obtuvo el título de Bachelor of Fine Arts en la Rhode Island

Santiago CárdenasEL ARTISTA Y LA IMAGEN DEL FESTIVAL

School of Design de Providence, Estados Unidos; adelantó una maestría en Bellas Artes en la Yale University School of Art and Architecture de New Haven, escuela de arte de gran prestigio de los Estados Unidos.

Contrae matrimonio con Cecilia Fischer y se radica en Colombia desde entonces. Como un homenaje a su esposa pinta “Retrato en amarillo” (1965, Oleo sobre lienzo 142 x74 cms.) actualmente obra de la colección del Banco de la República-. Se vincula como catedrático de la Universidad Nacional a la cual dedica más de una década, hasta 1974, con un objetivo claro en mente: transmitir a su alumnos la libertad y la amplitud sin fronteras del pensamiento creativo.

En ese mismo período, Santiago Cárdenas obtiene el Primer Premio en el Festival de Arte de New Haven, en el III Salón Nacional Croydon, hace parte del proyecto experimental “Espacios Ambientales” convocado por Marta Traba, y en el cual participan Alvaro Barrios, Bernardo Salcedo, Feliza Bursztyn, Victor Celso Muñoz y Ana Mercedes Hoyos.

Cárdenas “emplea la misma arquitectura de la sala como soporte de la pintura ampliando engañosamente el espacio”. En sus propias palabras el Maestro Cárdenas define su obra en “Espacios Ambientales” como una “Pintura mural que falseaba el espacio de las paredes. Las salas se veían más grandes. Usé el mismo estilo arquitectónico, de manera que el espacio se sintiera desocupado y para que uno tuviera el deseo de meterse entre las paredes” Este es un rasgo característico en la obra de Santiago Cárdenas: la importancia de la relación de su obra con el espectador, como parte de la obra misma.

En 2006 se destacan dos exposiciones que marcan la vigencia del proyecto de Marta Traba: “Santiago Cárdenas, dos exposiciones retrospectivas”

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realizadas por el Museo de Arte Moderno de Bogotá, MAMBO y el Museo de Antioquia, en Medellín, donde realiza las instalaciones Espacio Ambiental II y Espacio Ambiental III, respectivamente.

La riqueza y versatilidad de las obras de Santiago Cárdenas, obras que van desde lo figurativo, las pinturas bajo la influencia del trompe l´oeil, los bodegones, las pizarras, hasta sus espacios ambientales, por mencionar solamente algunos de sus momentos de su incansable trabajo devenir artístico, confirman su acertada elección como artista invitado para abrir con su diseño la imagen del CARTAGENA, II FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA, 2008.

“EL ARTE ES UNA NECESIDAD FUNDAMENTAL, UNA NECESIDAD FÍSICA”

Santiago Cárdenas, el artista que ama a Colombia y que ama la música, se expresa sobre el tema del afiche para el Festival: “el motivo del afiche del Festival se relaciona con lo autóctono, con la música popular, con Cartagena. Utilicé una gaita, un instrumento de origen indígena representativo de la Costa Atlántica. Precisamente esta relación con lo autóctono en medio de un festival de música clásica es porque creo que toda la música tiene una hermandad. Muchas obras de música clásica se han basado en aires locales”.

Y añade: “El Festival tiene un elemento popular muy importante: volcó a todo el pueblo. Me encanta la idea de hacer un afiche que toda la gente pueda tener, esparcido por todas partes. La gente lo usa como si fuera una obra de arte. La gente tiene necesidad del arte, cuál es la importancia del arte dentro de tantas otras necesidades…. El arte es salud. El arte es una necesidad fundamental, es una necesidad física”, concluye el Maestro Cárdenas.

SORIAU Ettiene, “La correspondencia de las Artes”, Fondo de Cultura Económica- Breviarios, pág. 7 y 34.ARDILA Jaime y LLERAS, Camilo, “Verdades sobre arte y mentiras sobre papel”. Bogotá, 1984.

Más información:LUCIE-SMITH, Edgard, “Santiago Cárdenas” Seguros Bolívar, Villegas Editores págs. 16, 17, 23, 27, 28, 207-224.

FERNÁNDEZ María Stella, entrevista personal a Santiago Cárdenas - julio 11 de 2007.

Santiago Cárdenas Retrospectiva

enero 2 a febrero 2 Museo de Arte Moderno de Cartagena, Sala Argos

Plaza San Pedro Claver Calle 30 No. 4 - 08

Apoyan:

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Calendario- Programación

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1 TEATRO HEREDIA Centro Cra. 4A # 38-10 Plaza la Merced 2 IGLESIA SANTO TORIBIO Plaza Fernández Madrid

3 CAPILLA HOTEL SOFITEL SANTA CLARA Calle del Torno Barrio San Diego

4 PLAZA SAN PEDRO CLAVER 5 CAPILLA HOTEL CHARLESTON SANTA TERESA Claustro de Santa Teresa Cra.3 # 31 - 23

6 OFICINA DEL FESTIVAL Escuela Supeior de Bellas Artes Centro, Barrio San Diego Kra 9 #39 - 12 Tel. 6649796 Fax. 6600724

LUGARES DE CONCIERTO

7 FORUM DISCOS Y LIBROS Plaza de la Artillería 8 MUSEO DE ARTE MODERNO Calle 30 No. 4-08

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ProgramaCartagena, II Festival Internacional de Música

Enero 2008

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TEATRO HEREDIAEnero 57:30 p.m.

CHARLES WADSWORTHDirector Artístico

Paula Robison, flauta - Apoya Embajada de Brasil

Jean-Yves Thibaudet, piano - Apoya Embajada de Francia

Orquesta I Musici de Montréal - Patrocina Sarl Centre Français de la Harpe et du Piano

Yuli Turovsky, Director

Obertura Cartagena “Palenkumbé” Paul Desenne (1959 ) (Estreno Mundial)

Concierto en Do Mayor para Piccolo, y Orquesta RV 443 Antonio Vivaldi (1678 – 1741) Allegro Largo Allegro

Concierto en Sol Mayor para Piano y Orquesta Maurice Ravel (1875 – 1937) Allegremente Adagio assai Presto

INTERMEDIO

Sinfonía No. 5 en Do Menor Opus 67 Ludwig van Beethoven (1770 – 1827) Allegro con brio Andante con moto Allegro (scherzo) Allegro presto

CONCIERTO

GRUPO NACIONAL DE CHOCOLATES

PROG

RAM

A

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NOTAS AL PROGRAMA

El concierto de apertura del Cartagena II Festival Internacional de Música va desde una pieza escrita en el siglo XXI, comisionada es-pecialmente para el Festival, hasta un concierto barroco compuesto hace aproximadamente cuatrocientos años.El programa comienza con la premier mundial: la Obertura Carta-gena Palenkumbé, compuesta por el venezolano Paul Desenne. El conjunto de obras de Desenne es una cautivadora fusión de fuentes suramericanas y tradición artística europea. Expone el alcance y atractivo global del compositor. En opinión de Desenne, haberle pedido que compusiera una obra para un evento como éste, es un regalo. La esencia de este nuevo trabajo la constituye la cumbia, ritmo musical de Colombia, cuyo sabor en esta región costera es distinto al de otras regiones del país. La cumbia es un ritmo vital. Palenkumbé es un saludo festivo al todavía joven Festival de Car-tagena.

Después de Palenkumbé se presentarán dos obras virtuosas. La primera de ellas proviene del Barroco, el Concierto en Do mayor para piccolo y orquesta RV 443 compuesto aproximadamente en 1728 por Antonio Vivaldi, uno de los más grandes compositores de su época. Vivaldi se ordenó como sacerdote a los 25 años de edad, recibiendo el apodo de “Padre Rojo” por su resplandeciente barba y cabellera roja, pero su pasión por la música lo llevó a dejar la carrera eclesiástica. Después de su ordenación y a lo largo de los siguientes seis años, desempeñó el cargo de maestro de violín y música del coro del Ospédale Della Pietà en Venecia, un orfana-to para niñas (quienes muy probablemente eran hijas de “amoríos secretos de la ‘élite”) situado en las inmediaciones, donde recibían muy buena educación. Allí, Vivaldi compuso cientos de conciertos para que sus alumnas desarrollaran sus habilidades como solistas y músicos de orquesta. Sus alumnas alcanzaron tal nivel de maestría que los amantes de la música de toda Europa iban hasta Venecia a escuchar sus presentaciones. Vivaldi contribuyó a dar forma a la estructura del concierto, al componer un alto número de éstos; cerca de la mitad de sus conciertos –230– fueron compuestos para violín, pero también compuso obras para fagot, violonchelo, flauta, laúd, mandolina, oboe, flauta dulce y viola de amor. El Concierto en Do mayor para piccolo y orquesta RV 443 es uno de los tres conciertos que Vivaldi compuso para flauta piccolo. Este concierto brilla con la originalidad, vivacidad e invención melódica que hicie-ron de Vivaldi uno de los más grandes compositores del Barroco.

La afinidad que comparte el Concierto en Sol mayor para piano y orquesta de Maurice Ravel con el concierto de Vivaldi, se torna evi-dente a medida que la pieza de Ravel se desarrolla. Aunque el Con-cierto para piano fue escrito unos trescientos años después, Ravel heredó el gusto por la estructura elegante y la belleza que Vivaldi había refinado en sus composiciones. Estas cualidades, además de una impresionante exhibición de texturas instrumentales, fueron el legado personal de Ravel. Quien como instrumentista, empleó habilidosamente su gama auditiva para delinear la estructura de sus composiciones. Ravel compuso el Concierto en Sol mayor para piano entre 1929 y 1930, poco después de su primera visita a la ciudad de Nueva York, durante el auge de la Era del Jazz. Ravel conoció los clubes de jazz de Harlem de la mano del legendario compositor y escritor de canciones norteamericano, George Gers-hwin. De hecho, el Concierto para piano de Ravel, con sus melodías aceleradas y brillantes, que parecen casi improvisadas, sugiere un tributo a la Rapsodia en Azul de Gershwin. La influencia del jazz se hace más fuerte hacia el final de la obra, cuando todos los instru-mentos se unen al piano en una deslumbrante resolución.

El concierto cierra con una de las obras maestras de todos los tiem-pos: la Sinfonía No. 5 de Ludwig van Beethoven, terminada en 1808. Se ha escrito tanto acerca de esta sinfonía que algunos críticos han dicho que la mejor manera de honrar esta obra maestra sería dejar de escribir sobre ella. Naturalmente, debido a que esta obra cons-tituye uno de los pilares de la cultura musical en el mundo, esto no podría ocurrir nunca. La Sinfonía No. 5 de Beethoven le envía distintos mensajes a cada época que la escucha –desde los tiem-pos de Beethoven, cuando no era apreciada, hasta nuestra época. A medida que la sinfonía avanza a través de sus cuatro movimientos, intervalos de intensidad ascendente se alternan con pasajes líri-cos y sorprendentemente silenciosos. La transición entre el tercer y cuarto movimiento es verdaderamente asombrosa a medida que los susurros de las cuerdas dan paso a la creciente explosión orquestal. La Quinta Sinfonía de Beethoven, cuenta una historia llena de men-sajes siniestros. No obstante, al final, prevalecen la luz, el heroísmo y la alegría, brindando así un clímax propicio para este programa, que comienza y termina con música de celebración.

Notas de programa, Stephanie CreaseTraducción, Adriana Velásquez y Patricia Velásquez

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El Arte de la Grabación Musical

CAPILLA HOTEL CHARLESTON CARTAGENAEnero 63:30 p.m$12.000

Martha de Francisco presentará la grabación musical como un puente de sonido entre los intérpretes y su público. Desde el descubrimiento de los primeros métodos para grabar música hace ya 130 años, han sucedido gran cantidad de invenciones y desarrollos técnicos, pero más allá de un simple registro de las ondas sonoras, las técnicas modernas de grabación otorgan al intérprete musical la posibilidad de expresar su arte en una forma tan detallada, como antes nunca se había logrado hacer. La grabación musical es un vehículo por medio del cual el músico logra transportar su interpretación a través del tiempo y el espacio. Martha hablará sobre los aspectos artísticos de la grabación musical.

CONFERENCIA

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Martha DeFranciscoUniversidad de McGill

Martha de Francisco es productora musical e ingeniera de sonido, Tonmeister, especializada en música clásica. Además, se desempeña como catedrática maestra de Ingeniería de grabación y producción musical en la Universidad de McGill, Montréal, Canadá.

Graduada como Tonmeister en la prestigiosa Escuela Superior de Música de Detmold, Alemania Federal, Martha fue una de las pioneras de la grabación digital en Europa que se inició alrededor de 1980. Como productora e ingeniera de sonido de Philips Classics en Holanda, Martha ha colaborado durante varias décadas con numerosos y célebres artistas, como Alfred Brendel, Jessye Norman, la Academia de St. Martin in the Fields dirigida por Sir Neville Marriner, la mayoría de las orquestas sinfónicas de Londres asi como la Met de Nueva York. Martha ha grabado en una gran cantidad de salas de conciertos en muchos países, incluyendo la Sala Dorada del Musikverein en Viena, la Sala del Festival de Bayreuth, la Catedral de Notre Dame en París, el Conservatorio de Moscú, Santori Hall en Tokio y el Palau de la Música de Barcelona,

Hoy produce grabaciones para diversas casas discográficas internacionales en varios países del mundo. Sus producciones se distribuyen a nivel internacional y reciben distinciones y premios altamente codiciados en el campo de la grabación musical.

Martha de Francisco es también consultora de artistas y orquestas prominentes, como la Orquesta Sinfónica de Montréal y la Orquesta de Filadelfia, cuyas nuevas producciones musicales están bajo su cuidado y dirección.

Además, es una reconocida conferencista en importantes congresos de audio y de musicología a nivel mundial. Ha sido invitada a realizar master classes y talleres de grabación para instituciones académicas en lugares como Moscú, Bogotá, Düsseldorf, Buenos Aires y Nueva York.

Las directivas de la Fundación Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al

Hotel Charleston Cartagena por su decidida colaboración al

Cartagena, II Festival Internacional de Música.

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Wendy Chen,pianoAndrés Díaz,celloJosé Franch-Ballester, clarinete - Apoya Embajada de EspañaHsin-Yung Huang, violaTodd Palmer, clarineteStephen Prutsman, pianoLivia Sohn, violín - Patrocina Comfenalco - Sociedad de Mejoras Públicas de CartagenaElina Vähälä,violín - Patrocina SterlingCuarteto de Cuerdas St Lawrence - Patrocina Audi ColwagenGeoff Nuttall, violínScott St. John, violín Lesley Robertson, violaChristopher Costanza, cello

Trío en Do Mayor Opus 87 para piano violín y cello Johannes Brahms (1833 1897) Allegro

Sonata para dos Clarinetes Francois Poulenc (1899 – 1963) Presto Andante Vif

Cuarteto con Piano No. 2 en Mi bemol Mayor K.493 Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)Allegro Larghetto Allegretto

INTERMEDIO

Sexteto para Cuerdas en Re menor Opus 70“Souvenir de Florence” Pjotr Ilich Tchaikovsky (1840 – 1893) Allegro con spirito Adagio cantabile e con moto Allegro moderato Allegro vivace

CONCIERTO

GRUPO BANCOLOMBIA

PROG

RAM

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NOTAS AL PROGRAMA

A menudo se hace referencia a Johannes Brahms (1833-1897) como el heredero de Beethoven, especialmente en cuanto a su música de cámara. Brahms compuso tres tríos para piano, el primero cuando era joven y los otros dos en su madurez artística. Escribió el primer trío cuando tenía aproximadamente 20 años de edad; por invitación de su editor, lo revisó muchos años después, junto con otras de sus primeras obras. Al parecer, Brahms nunca quedó muy satisfecho ni con la revisión ni con su versión juvenil.

El Trío en Do Mayor Opus 87 fue —por fortuna— una historia diferente. Brahms hizo un borrador de su obra en 1880 y lo completó dos años más tarde mientras descansaba en el campo. Las ricas sonoridades y el espíritu romántico de Brahms están presentes en el primer movimiento, Allegro, interpretado esta noche. El primer tema definido por el violín y el violonchelo en octavas, es hermosamente desarrollado por el piano. El movimiento completo está cuidadosamente creado sobre la manera cómo los tres instrumentos –piano, violín y violonchelo– comparten e intercambian material temático en una conversación siempre cambiante, ofreciendo a los músicos una riqueza de material que desafía el espíritu.

La siguiente pieza, Sonata para dos Clarinetes, de Francis Poulenc, se contrapone a las tradiciones desarrolladas por Brahms. El compositor francés Poulenc (1899-1963), no fue heredero musical de nadie. Alguna vez escribió que había estudiado composición “casi exclusivamente a través de los libros porque temía ser influenciado por un maestro”. Describió su reacción ante algunos de sus antecesores y su legado musical, así: “No me gusta Beethoven para nada… detesto a Wagner… En general, soy ecléctico, pero aunque reconozco que la influencia es algo necesario, odio a aquellos artistas que permanecen a la raíz de los maestros… soy un músico sin rotulaciones”. Poulenc compuso la Sonata para dos Clarinetes en 1918, cuando aún no cumplía los 20 años de edad, poco antes de conformar, junto con otros cinco jóvenes compositores modernistas, el grupo conocido como Les Six, cuyas obras eran marcadamente anti-impresionistas.

Esta Sonata es una obra sorprendentemente imaginativa; no obstante, desde la perspectiva actual, se pueden escuchar claras influencias, por ejemplo, los compositores franceses eran particularmente habilidosos al componer para instrumentos de viento; también rinde tributo a Stravinsky, con sus intervalos disonantes precisos y su vitalidad rítmica. La singularidad de Poulenc se puede escuchar en las melodías poco comunes donde el compositor expande las habilidades de los clarinetistas en la técnica y la riqueza expresiva.

La Sonata es animada por el espíritu de los artistas jóvenes que vivían en París durante la Primera Guerra Mundial y todavía suena muy contemporánea. Por fortuna, la lista de artistas del Festival de este año incluye a dos clarinetistas virtuosos, que propician la oportunidad de presentar esta joya modernista rara vez interpretada.

El Cuarteto con Piano No. 2 en Mi bemol Mayor K.493 de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), fue compuesto en 1786, poco después del exitoso debut de su ópera Las Bodas de Fígaro. Este fue el segundo de tres cuartetos para piano pedidos por encargo a Mozart por Franz Anton Hoffmeister, compositor y editor musical que tenía la esperanza de que la entonces novedosa combinación de piano, violín, viola y violonchelo, se pusiera de moda. Para cuando Mozart terminó la obra, el sueño de Hoffmeister de una nueva moda musical se había desvanecido. Otro editor aceptó imprimir el Cuarteto con Piano No. 2, obra muchísimo más ligera y jovial que el primero y que posiblemente utiliza con mayor éxito los cuatro instrumentos juntos.

La noche llega a su fin con la obra maestra, Sexteto para Cuerdas en Re menor Opus 70 “Souvenir de Florence”, compuesta por Pjotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893). Poco después de la exitosa premier de la Bella Durmiente, que tuvo lugar en San Petersburgo en enero de 1890, el compositor viajó a Florencia, Italia, para trabajar en su nueva ópera La reina de Espadas. Concluyó la ópera de regreso a Rusia ese verano y también se dispuso a trabajar en el Sexteto para Cuerdas. El subtítulo“Souvenir de Florence” habla de los orígenes de la obra, así como lo hace su efusividad, que hace eco a la ascendente dulzura de la Serenata para Cuerdas, una de las obras del compositor qué más se ha interpretado.

El Sexteto, una grandiosa obra en cuatro movimientos, comienza abruptamente con un tema vigoroso y dramático —no tiene introducción— que atrapa inmediatamente. Esta pieza fue compuesta diez años después de la Serenata para cuerdas. Los dos movimientos finales, Allegro moderato y Allegro vivace, con temas y ritmos rusos claramente alegres crecen en intensidad hasta lograr un final sorprendente. La energía de la música hace que la obra suene como si el compositor la hubiera concebido para una orquesta de cuerdas. De hecho, el Sexteto fue arreglado para una orquesta de cuerdas más grande en el transcurso del año siguiente a su premier en 1892. Esta noche se presenta la obra en su versión original para sexteto, que delinea bellamente la claridad de la interpretación para las parejas de instrumentos: violín, viola y violonchelo.

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CONCIERTO

AZÚCAR MANUELITA

La música es para todos…

El lema del Cartagena II Festival Internacional de Música expresa una gran verdad: la música atraviesa fronteras, espacios y barreras (incluso el tiempo) para llegar al alma y llenarla.

Cuatro conciertos especialmente organizados, cuatro conciertos esperados, cuatro invitaciones que demuestran que Cartagena y su gente reconocen que existen espacios y eventos que no se pueden perder. Sin importar la hora, la plaza San Pedro Claver se convierte en un gran escenario apreciado tanto por los artistas como por los visitantes y el pueblo cartagenero que se reúne en torno a la música.

Para la Fundación Salvi Colombia y los patrocinadores del segundo Festival es además una forma de agradecer a una ciudad y a un pueblo la amabilidad con que acoge y atiende, al grupo de artistas, estudiantes y profesores de música y al público que viene de todos los rincones de Colombia y del mundo, a disfrutar este encuentro con la música clásica.

¿Por qué escoger la Plaza? Además de brindar un bellísimo escenario, la Plaza San Pedro Claver es uno de los sitios históricos representativos de Cartagena que permite a la Fundación Salvi Colombia, lograr un punto de unión entre la historia de la música y la historia de esta ciudad.

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Entrada Libre


PLAZA SAN PEDRO CLAVEREnero 6 11:00 p.m.



Concierto Azúcar Manuelita

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IGLESIA SANTO TORIBIOEnero 711:00 a.m.


José Franch-Ballester, clarinete - Apoya Embajada de España

Cuarteto de Cuerdas St Lawrence - Patrocina Audi Colwagen

Geoff Nutall, violínScott St. John, violínLesley Robertson, violaChristopher Costanza, cello

Quinteto para Clarinete y Cuerdas en La Mayor K.581 Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)LarguettoAllegretto con variazioni

Cuarteto de Cuerdas en Sol Menor No. 1 Opus 10 Claude Debussy (1863 – 1918)Animé et trés decidéAssez vif et bien rhytméAndantino, doucement expressif

CONCIERTO

COALCORP

PROG

RAM

A Los cuatro conciertos matinales del Festival ofrecen a los oyentes la oportunidad de una experiencia plena de música de cámara, con música para grupos pequeños en el escenario íntimo de la Iglesia de Santo Toribio. Gran parte del

repertorio de la serie de esta mañana se centra en música para el cuarteto de cuerdas.

Por respeto a la iglesia se ruega el favor de vestir prendas apropiadas

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NOTAS AL PROGRAMA

La serie de la mañana abre con dos movimientos del Quinteto para Clarinete y Cuerdas, K. 581 de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), el afamado Larghetto y el Allegretto con variazioni. Esta fue la única pieza de Mozart para la combinación de clarinete y cuarteto de cuerdas y es una de las primeras y más populares obras para clarinete. Fue compuesta para el destacado clarinetista Anton Stadler, miembro de la orquesta de la corte de Viena y quien se convirtió en amigo de Mozart cuando él se estableció allí en 1781. Por aquel tiempo, el clarinete era todavía una novedad en el mundo musical de las familias de la élite. Por lo que las obras que lo destacaban eran muy solicitadas.

Mozart crea un diálogo entre el solista de los instrumentos de viento y las cuerdas como una sola voz de varias capas. El clarinetista es, sin embargo, la voz que más sobresale a lo largo de casi todo el Quinteto; entretanto, la composición para las cuerdas es intrincada y expresiva y le imprime a la obra su ímpetu de movimiento hacia adelante. Es bastante notable el amoroso y suave timbre de esta pieza: una armonía sostenida de la madera.

En impactante contraste, el Quinteto es seguido por el Cuarteto de Cuerdas en Sol Menor, Opus 10, del compositor impresionista, Claude Debussy (1863-1918). Debussy compuso su primer y único cuarteto para cuerdas en 1893; aunque había planeado un segundo cuarteto, nunca llegó a trabajar en él. El Cuarteto fue escrito cuando el compositor se encontraba en un punto crucial de su carrera: obteniendo, finalmente, reconocimiento por sus obras bellas y poco comunes —obras tan modernas como la pintura y la literatura que fueron también su inspiración en el París de finales del siglo XIX. La música resplandece con movimiento vívido: un juego de luz y sonido que inmediatamente cautiva los sentidos.

Si la composición de Mozart para cuerdas presentada aquí es idiomática y leal al lenguaje del modelo de Haydn, Debussy transporta su composición para cuerdas hacia el futuro. El cuarteto de Debussy expande el rango de sonidos provenientes de estos cuatro instrumentos domésticos, particularmente en el segundo movimiento, Assez vif. Su composición vívida y colorida –con melodías y temas llenos de giros y sorpresas— usa las capacidades de las cuerdas a cabalidad y en forma pronunciada; por ejemplo, cuando la viola se eleva fuera de una onda de sonidos pizzicato, enfáticamente rítmicos.

La serie de la mañana abre con dos movimientos del Quinteto para Clarinete y Cuerdas, K. 581 de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), el afamado Larghetto y el Allegretto con variazioni. Esta fue la única pieza de Mozart para la combinación de clarinete y cuarteto de cuerdas y es una de las primeras y más populares obras para clarinete. Fue compuesta para el destacado clarinetista Anton Stadler, miembro de la orquesta de la corte de Viena y quien se convirtió en amigo de Mozart cuando él se estableció allí en 1781. Por aquel tiempo, el clarinete era todavía una novedad en el mundo musical de las familias de la élite. Por lo que las obras que lo destacaban eran muy solicitadas.

Mozart crea un diálogo entre el solista de los instrumentos de viento y las cuerdas como una sola voz de varias capas. El clarinetista es, sin embargo, la voz que más sobresale a lo largo de casi todo el Quinteto; entretanto, la composición para las cuerdas es intrincada y expresiva y le imprime a la obra su ímpetu de movimiento hacia adelante. Es bastante notable el amoroso y suave timbre de esta pieza: una armonía sostenida de la madera.

En impactante contraste, el Quinteto es seguido por el Cuarteto de Cuerdas en Sol Menor, Opus 10, del compositor impresionista, Claude Debussy (1863-1918). Debussy compuso su primer y único cuarteto para cuerdas en 1893; aunque había planeado un segundo cuarteto, nunca llegó a trabajar en él. El Cuarteto fue escrito cuando el compositor se encontraba en un punto crucial de su carrera: obteniendo, finalmente, reconocimiento por sus obras bellas y poco comunes —obras tan modernas como la pintura y la literatura que fueron también su inspiración en el París de finales del siglo XIX. La música resplandece con movimiento vívido: un juego de luz y sonido que inmediatamente cautiva los sentidos.

Si la composición de Mozart para cuerdas presentada aquí es idiomática y leal al lenguaje del modelo de Haydn, Debussy transporta su composición para cuerdas hacia el futuro. El cuarteto de Debussy expande el rango de sonidos provenientes de estos cuatro instrumentos domésticos, particularmente en el segundo movimiento, Assez vif. Su composición vívida y colorida –con melodías y temas llenos de giros y sorpresas— usa las capacidades de las cuerdas a cabalidad y en forma pronunciada; por ejemplo, cuando la viola se eleva fuera de una onda de sonidos pizzicato, enfáticamente rítmicos.

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Pavarotti y Callas Inmortales en el Arte Lírico

CAPILLA HOTEL CHARLESTON CARTAGENAEnero 7 3:30 p.m$12.000

Septiembre de 2007 fue un mes luctuoso para el arte. El día 6, a los 71 años moría en Módena, su tierra natal, Luciano Pavarotti, el tenor de la voz potente, pura y melodiosa, ícono de la ópera mundial. El 16 se conmemoraron los 30 años de la muerte de María Callas, La Divina, la más grande cantante en la histo-ria de la humanidad.“No puedo hablar, la emoción me embarga y las lá-grimas se me agolpan. De rodillas he escuchado a María Callas. Nunca creí que Dios me pudiera permi-tir este fenómeno vocal”, escribió María Romero en El Universal el 28 de junio de 1950 después de oírla en Il trovatore, ópera con la cual concluyó su primera temporada en la Ciudad de México.Dice P.H. Lang: “en la ópera el canto no es simple-mente el engrandecimiento de un hablar apasionado, sino la transliteración en un medio diferente. Porque el sonido de la voz cantante se relaciona con el hablar emocionado, trae la música a una intimidad espiritual

AMAREY NOVA MEDICAL S.A.

que ninguna otra forma de arte, ni aun la música ins-trumental, es capaz de igualar”. Callas y Pavarotti, dos figuras extraordinarias que marcan hitos en la historia de la ópera, y que hoy podemos escuchar en grabaciones digitales de alta fidelidad, representan la superación sobrehumana para lograr esa expresión sublime del sentimiento que es el canto con acompañamiento orquestal y fastuosa escenografía: la ópera, expresión suprema de la lírica.En esta conferencia se repasan aspectos llamativos de sus vidas artísticas en el marco y el entorno de las épocas, con apartes de varias de sus más reco-nocidas interpretaciones en escena, en grabaciones musicales y en videos. Los amantes de la ópera la sabrán apreciar, y los indiferentes podrán acercarse a ese mundo maravilloso que engrandece el espíritu y que ofrece una satisfacción estética sin par.

CONFERENCIA

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José Félix Patiño

José Félix Patiño Restrepo es doctor de Medicina de la Universidad de Yale, donde también completó su especialización en cirugía general, toráxica y cardiovascular. Ha sido Ministro de Salud y Rector de la Universidad Nacional de Colombia, donde realizó una profunda reforma académica y amplió la planta física mediante un ambicioso plan de desarrollo. Ha sido Presidente de la Academia Nacional de Medicina, de la Asociación Colombiana de Cirugía y Director Ejecutivo de la Asociación Colombiana de Facultades de Medicina y de la Federación Panamericana de Facultades de Medicina. Es el único latinoamericano que ha ocupado la Presidencia de la centenaria Sociedad Internacional de Cirugía, entidad que reúne a los cirujanos de todas las naciones. Es miembro honorario del Colegio Americano de Cirujanos, de la Sociedad Americana de Cirugía y de varias sociedades de cirugía y academias de medicina del mundo. Actualmente es Profesor Honorario de la Universidad Nacional de Colombia, Profesor Titular de la Universidad de los Andes y Jefe Honorario de Cirugía en la Fundación Santa Fe de Bogotá. Reconocido humanista y amante de la ópera, poseedor de una de las bibliotecas particulares más ricas de Colombia, es autor de numerosas publicaciones y de varios libros de texto, entre ellos una biografía meticulosamente documentada de María Callas, La Divina, cuya tercera edición apareció en julio de 2006. Su colección discográfica de María Callas comprende prácticamente la totalidad de sus grabaciones, más de 250 álbumes en CD.




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CAPILLA HOTEL SOFITEL SANTA CLARAEnero 77:30 p.m.



Todd Palmer, clarineteOrquesta I Musici de Montréal - Patrocina Sarl Centre Français de la Harpe et du Piano


Sinfonía No. 15 en Sol Mayor KV 124 Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)AllegroAndanteMenuettoPresto

Melodía para Flauta y Orquesta Cristoph Willibald Gluck (1714 - 1787)

From “The Dreams and Prayers of Isaac the Blind” para cuerdas y clarinete Osvaldo Golijov (1960 )

INTERMEDIO Sinfonía No. 40 en Sol Menor KV 550 Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791) allegro moltoAndanteMenuetto: AllegroAllegro assai

CONCIERTO

DEUTSCHE BANK

PROG

RAM

A

Las directivas de la Fundación Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al Hotel Sofitel Santa Clara por su decidida colaboración al Cartagena, II Festival Internacional de Música.

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NOTAS AL PROGRAMA

El legado musical de Mozart se escuchará a lo largo de esta semana de Festival: este concierto comienza y termina con el espíritu y esplendor de dos sinfonías de este gran compositor.

El programa abre con la Sinfonía No. 15 en Sol Mayor KV 124, compuesta por Mozart en Salzburgo en 1772, a los 15 años de edad, tras un exitoso viaje a Italia en compañía de su padre. En el transcurso de ese año y el siguiente, Mozart se lanzó con frenesí a escribir sinfonías, en una época en la que la forma sinfónica estaba aún en proceso de maduración. Las orquestas pequeñas eran enormemente populares entre las familias de la corte regente, quienes eran los clientes musicales más generosos de todos. Un compositor contratado para escribir una sinfonía podía suponer confiadamente que había recursos disponibles para quizás un par de oboes y cornos, una sección de cuerdas y un teclado. La forma musical solicitada, estaba conformada normalmente por cuatro movimientos con un tercer movimiento anticipado, el Minueto -reservado para bailar. Mozart, quien complacía a las multitudes de adolescentes, era fiel a los deseos de sus clientes y seguía este patrón, inyectándole su afición por la melodía y el alborozo juvenil.

La segunda obra del repertorio de esta noche es Minueto y Aire (“Danza de los espíritus bendecidos”) de Orfeo y Eurídice, compuesta por Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Las vidas y carreras de Gluck y Mozart se superponen de manera curiosa: Gluck era 40 años más viejo que Mozart, sin embargo ambos músicos murieron con tan sólo una diferencia de cuatro años. Las ideas de Gluck sobre la ópera influenciaron enormemente a Mozart que se había convertido en la vedette de los vocalistas –Gluck quería restaurar un sentido de equilibrio en la ópera- concediendo la misma importancia a contar las historias, las letras y la música. La ópera de Gluck, Orfeo y Eurídice, cuyo debut tuvo lugar en Viena en 1762, logra esto bellamente. La historia se basa en el mito griego de los amantes Orfeo y Eurídice y posee una de las tramas más trágicas que ópera alguna haya tenido jamás: Orfeo intenta, en vano, rescatar a Eurídice de los bajos mundos. Gluck compuso Minueto y Aire, para flauta y orquesta, “Danza de los espíritus bendecidos”, para una nueva producción de la Ópera de París en 1774. Esta pieza se ha convertido en una de las obras más apreciadas y perdurables de Gluck. La flauta es la voz de Eurídice, quien narra su infausto viaje hasta el Hades, su delicada melodía inmortaliza su belleza e inocencia.

La siguiente obra nos lanza precipitadamente al siglo XXI. No obstante, “Sueños y plegarias de Isaac el Ciego”, para cuerdas y clarinete solo, compuesta por Osvaldo Golijov, extrae su inspiración de siglos de tradiciones musicales y culturales. Golijov, al igual que su contemporáneo Paul Desenne, trabaja en un plano global. Oriundo de Argentina, Golijov fue criado en un hogar con raíces judías de la Europa central; su vigoroso lenguaje nace del choque cultural, principalmente entre las culturas latina, klezmer y clásica.“Sueños y plegarias” está inspirada en la mítica historia de Isaac el ciego, legendario rabino de la Cábala, convencido de que las claves del destino humano están escritas en códigos embebidos en el mundo. El compositor explica que “(...) la devoción imperecedera de Isaac por su arte es tan impactante como aquella de los cuartetos de cuerdas y músicos klezmer en su búsqueda de comunión (...) la palabra klezmer significa “instrumento musical”.

En la obra de Golijov, la voz del clarinete es completamente distinta al sonido etéreo de la flauta de Gluck: el clarinete interpreta la música derviche, salvaje y dionisíaca, profundamente apasionada. La grabación de “Sueños y plegarias de Isaac el ciego”, interpretada por el clarinetista Todd Palmer y el Cuarteto de Cuerdas de St. Lawrence, contribuyó a que la obra de Golijov llegara a un mayor público. Esta noche, el maestro Palmer y la orquesta de cuerdas I Musici de Montréal interpretarán esta obra.

Este repertorio concluye con la famosa Sinfonía No. 40 en Sol Menor KV 550 de Mozart, que contrasta categóricamente con la primera obra que escuchamos esta noche: la Sinfonía No. 15 del mismo compositor. En julio de 1788, Mozart terminó su Sinfonía No. 40 en Viena, durante tres meses de excepcional productividad en los que además completó las Sinfonías Nos. 40 y 41, casi indiscutiblemente sus tres mejores sinfonías. La Sinfonía No. 40 en Sol Menor es la obra de un compositor en su madurez, un artista en la cúspide de su capacidad, buscando alcanzar la máxima expresividad en la forma sinfónica. Por su aguda intensidad y belleza, Beethoven mismo copió 29 compases de esta obra en su cuaderno de partituras. El renombrado musicólogo Charles Rosen, escribió que en su último movimiento Mozart alcanza “el límite de la complejidad dramática”. Esta obra maestra de Mozart, vivaz y resplandeciente de ingenio y majestuosidad, lleva la noche a un dramático cierre.

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Catrin Finch, arpa - Patrocina Salvi Harps

Hsin-Yung Huang, violaElina Vähälä,violín - Patrocina Sterling

Geoff Nutall, violínScott St. John, violínAndrés Díaz,cello

Suite los Viajes de Gulliver para dos violines Georg Philipp Telemann (1681- 1767)

“Moldavia” versión para arpa solo Bedrich Smetana (1824 – 1884)

Trío de Cuerdas en Sol Mayor Opus 9 No. 1 Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)Adagio, allegro con brioAdagio, ma non tanto, e cantabileScherzo, allegroPresto

CONCIERTO

COALCORP

PROG

RAM

A

Las directivas de la Fundación Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al Presbítero Carlos Enrique Lozano, párroco de la Iglesia de Santo Toribio, por su decidida colaboración al Cartagena, II Festival Internacional de Música.


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NOTAS AL PROGRAMAEl concierto de esta mañana presenta una versión condensada del amplio rango de programas de esta semana de Festival, especialmente con la obra de apertura, Suite los Viajes de Gulliver para Dos Violínes compuesta por Georg Philipp Telemann (1681-1767). Telemann fue contemporáneo de J.S. Bach, un prolífico compositor barroco y hombre de muchos talentos. Compuso la Suite de Gulliver en 1728, justo un año después de que la gran sátira de Jonathan Swift, Los Viajes de Gulliver, un libro de gran éxito editorial aún en su propia época, fuera publicado en alemán.

La interpretación que hizo Telemann de los Viajes de Gulliver, su Suite de Gulliver para dos violines, es una obra encantadora en sí misma. Telemann grabó y publicó la Suite de cinco partes en fascículos en una popular revista de música de su época. Los dos violines representan las maravillosas criaturas imaginarias de Swift, tanto pequeñas como grandes –los liliputienses e indomables Yahoos entre ellas— exhibiendo el ingenio e imaginación del compositor en este viaje musical.

El Moldavia (Vltáva) es el segundo poema sinfónico en Ma Vlast (Mi país), la serie de seis poemas sinfónicos compuestos por el gran compositor checo, Bedrich Smetana (1824-1884), en el transcurso de varios años. El Moldavia, compuesto a finales del otoño de 1874, es el más conocido y más bello de estos seis poemas. Smetana pinta un paisaje musical en un sonido tan exuberante y sinuoso como el río del cual lleva su nombre. Esta transcripción para solo de arpa de Catrin Finch explica con mayor detalle el rol del arpa –a veces delicada, o tenue, pero fuerte— en la orquestación de Smetana. Aquí, el arpa proporciona las corrientes continuas del bienamado río, llevando al oyente a lo largo del curso de bosques del río, los espíritus danzantes del agua y así sucesivamente hasta los rápidos.

Trío de Cuerdas en Sol Mayor, Opus 9, No. 1 de Ludwig van Beethoven (1770-1827). Beethoven compuso cinco tríos para cuerdas. El primero de ellos, Opus 3 en Mi Bemol, es una ambiciosa obra en seis movimientos que muy probablemente fue inspirada por el Trío para Cuerdas K.563 de Mozart. El segundo, la Serenata en Re, Opus 8, muestra a Beethoven experimentando con caracteres más extremos y usos inusuales de la forma.

En los últimos tres tríos de Beethoven, Opus 9 Nos.1-3, el joven compositor se expresa con intensa pasión y sorprendente autoridad. Son considerados como puntos culminantes de su estilo al comienzo y obras maestras en su propio derecho.

Este Trío, Opus No. 1, el primero de un conjunto de tres, fue compuesto en 1798, a comienzos de la carrera de Beethoven. Los tres tríos presentan el reto de componer música para esta combinación de instrumentos; en esto, el joven compositor triunfó con gran ovación. Los Tríos, Opus 9 empujaron a Beethoven al primer plano de la vida musical de Viena, y finalmente lo enrutaron hacia la composición de cuartetos de cuerdas.

El Trío de Cuerdas en Sol Mayor, Opus 9 exhibe bellamente el acierto de Beethoven para los tres instrumentos de cuerdas. Creó un diálogo musical en constante cambio; cada instrumento uno tras otro se vuelve la voz melódica más prominente, con los demás instrumentos interpretando acompañamientos melódicos entretejidos. Esta interacción –a veces juguetona y profundamente expresiva siempre— resulta en una armonía llena de riqueza para el trío, así como en la creación de un nuevo conjunto de texturas y sonoridades.

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Taller de Interpretación


SEMINARIO

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Susan Wadsworth

Susan Wadsworth es la directora y fundadora de Young Concert Artists, Inc. de Nueva York, fundación sin ánimo de lucro que se dedica a descubrir y promover a jóvenes talentos musicales en todo el mundo. Desde el primer ciclo de conciertos de Nueva York en las temporadas 1961- 1962, la Funda-ción ha promovido la carrera de importantes músicos como Murray Perahia, Pinchas Zukerman, Emanuel Ax, Richard Goode y Dawn Upshaw, a través de Young Concert Artists Series. La señora Wadsworth ha recibido doctorados honorarios de instituciones como Mannes College of Music, The Manhattan School of Music y New England Conservatory. En el año 2001 fue conde-corada por la República de Francia con la orden de Chevalier dans l’ordre des arts et des lettres, la cual es otorgada a quienes promueven la cultura francesa.

La señora Wadsworth ha sido jurado en numerosas competencias y even-tos musicales como New Jersey Symphony Young Artists Competition, y concursos establecidos en Peabody Conservatory of Music, The Manhattan School of Music, y Yale School of Music. Forma parte del Comité Asesor del Avery Fisher Prize Program, Van Cliburn Competition, Vendome Piano Competition, Young Audiences, Inc., y del Oberlin College and Conservatory of Music. Adicionalmente, ha sido consultora del New York State Council y del National Endowment for the Arts, y es Miembro Honorario de la Junta Directiva de Young Concert Artists Trust en Londres, Reino Unido, organiza-ción que ayudó a fundar.

La señora Wadsworth es miembro del Foro Internacional de Mujeres, ha par-ticipado en seminarios de desarrollo en el TCU/ Cliburn Piano Institute of the Van Cliburn Competition, la Universidad de Maryland, The Juilliard School, y la Escuela de Artes de Carolina del Norte. En 1984 fue Miembro del Con-sejo Directivo de la fundación Woodrow Wilson National Foundation.

Susan Wadsworth nació en la ciudad de Nueva York. Estudió piano con el eminente pianista y profesor polaco Mieczyslaw Munz. En el año de 1958 se ganó un B.A. (Bachelor of Arts) en Inglés en Vassar College, donde ade-lantó estudios de piano y violín y fue miembro de la orquesta y coro de esta institución. Igualmente, la señora Wadsworth estudió con Jean Casadesus y Nadia Boulanger en el Conservatorio de Fontainebleau en Francia, y en el Mannes College of Music. Actualmente está casada con el pianista Charles Wadsworth.




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Wendy Chen, pianoAndrés Díaz, celloHsin-Yung Huang, violaStephen Prutsman, pianoPaula Robison, flauta - Apoya Embajada de BrasilLivia Sohn, violín - Patrocina Comfenalco - Sociedad de Mejoras Públicas de CartagenaJean-Yves Thibaudet, piano - Apoya Embajada de FranciaElina Vähälä, violín - Patrocina SterlingCuarteto de Cuerdas St Lawrence - Patrocina Audi ColwagenGeoff Nuttall, violínScott St. John, violín Lesley Robertson, violaChristopher Costanza, cello

Sonata para Flauta y Piano Francois Poulenc (1899 – 1963)Allegretto melancólicoCantilena: assez lentPresto giocoso

Quinteto para Piano y Cuerdas en Mi bemol Mayor, Opus 44 Robert Schumann (1810 – 1856)Allegro brillanteIn modo d’una marciaScherzo: molto vivaceAllegro, ma non troppo

INTERMEDIO Proyección de Búster Keaton´s Sherlock, Jr Película muda con música original Estreno en Colombia Stephen Prutsman (1960 )

CONCIERTO

PROTECCIÓN - SURATEP - SUSALUD

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NOTAS AL PROGRAMA

El repertorio que se escuchará en esta semana de Festival presenta obras de épocas, estilos y orígenes asombrosamente diferentes. El repertorio de esta noche es particularmente inusual: incluye una apreciada obra francesa, compuesta por Francis Poulenc, la obra de Robert Schumann Quinteto para Piano y Cuerdas en Mi bemol Mayor, Opus 44 y para terminar, una nota completamente diferente: el tema de Stephen Prutsman para una comedia clásica del cine mudo.

La Sonata para Flauta y Piano de Francis Poulenc fue compuesta en 1956, cuando el compositor tenía 57 años de edad. Ya no era el testarudo iconoclasta que había sido en su juventud, no obstante aún en los últimos años de su carrera, un famoso crítico francés lo describía como “mitad pícaro, mitad monje”. Poulenc, compositor muy activo, escribió distintos géneros que incluyen música de cámara, óperas, ballet y obras corales. Desde sus primeros años como autodidacta, la música de Poulenc mantuvo una postura individualista, casi excéntrica.

A pesar del fuerte anti-impresionismo de su juventud, la Sonata para Flauta y Piano es una obra impresionista. Sus tres movimientos se derivan claramente de la forma sonata clásica, aunque el contenido melódico es propio de Poulenc —libremente fluido y lírico, inspirado por la sonoridad y versatilidad de la flauta. Una danza entre la alegría y la tristeza impregna la pieza entera, a medida que el melancólico segundo movimiento da paso a un “presto” que evoca el can-can y la música parisina de salón de baile. Su presentación es un tributo a la tradición musical francesa, ilustrada por los intérpretes de esta noche, el pianista Jean-Yves Thibaudet y la flautista Paula Robison, cuya formación estuvo directamente ligada tanto a los flautistas legendarios del Conservatorio de París como a los compositores impresionistas.

Robert Schumann (1810 – 1856) terminó su Quinteto para Piano y Cuerdas en Mi bemol Mayor, Opus 44 en unas pocas semanas de creatividad frenética en octubre de 1842, año que se reconoce como su “año de música de cámara”. Durante este período, Schumann estudió febrilmente los cuartetos para cuerdas de Haydn, Mozart y Beethoven, compuso tres cuartetos para cuerdas, un trío y un cuarteto para piano, además de su Quinteto para Piano. Las periódicas explosiones de creatividad, intenso estudio y composición, alternadas con períodos de profunda inestabilidad y depresión, acabaron por vencer a Schumann.

El Quinteto, composición que Schumann dedicó a su esposa Clara –pianista consumada- es una obra virtuosa llena de fuerza que exige lo máximo de sus intérpretes; construída de forma maravillosa: enuncia el tema principal en el primer movimiento, para luego

desarrollarlo magistralmente a través de los movimientos internos, un deslumbrante scherzo y un audaz final. Félix Mendelssohn, amigo cercano de Schumann, ejecutó la parte para piano —una fuerza avasalladora a lo largo de toda la obra—a primera vista. A menudo se ha dicho que entonces Mendelssohn de inmediato hizo algunas sugerencias. El debut público del Quinteto para Piano se celebró el 8 de enero de 1843 con Clara en el piano. Esta obra se convirtió en pieza primordial en su repertorio y ha sido desde entonces una referencia musical obligada.

Este año se hizo una maravillosa adición al Festival de Cartagena, la proyección del clásico del cine mudo Sherlock, Jr., dirigida y protagonizada por Buster Keaton, uno de los más grandes genios cómicos de la época del cine mudo. Esta comedia clásica de 1924 sigue deleitando a los espectadores nuevos. El acompañamiento musical fue compuesto por Stephen Prutsman, quien lo interpreta aquí con el Cuarteto de Cuerdas St. Lawrence.

El maestro Prutsman escribe lo siguiente sobre este tema original: “La regla fundamental para todo aquel que intenta componer el tema de cualquier tipo de película es que la música nunca debe obtener atención a expensas del elemento visual. Sin duda, han existido excelentes compositores que aprendieron este precepto básico en carne propia, descubriendo con desilusión que gran parte de sus esfuerzos se cortaron o quedaron casi inaudibles en la grabación final. Tomando esta norma al componer el tema original del clásico del cine mudo “Sherlock Jr.”, no intenté hacer nada demasiado complejo, demasiado denso, ni demasiado alejado de un centro tonal y métrico. Más bien, la música consiste en temas simples que se repiten, ‘relleno’ armonioso ocasional y alusiones imitativas a parte de la música popular de la época (como el charleston, el swing, o el ragtime). Además, la personalidad de Buster Keaton exhibe una mezcla cautivadora de tristeza, dulzura y humor, que me recuerda las obras de Erik Satie, cuya influencia se puede escuchar.

(…) Es importante anotar que los intérpretes carecen de pistas auditivas para guiar los tempos y coordinar los cambios musicales con las imágenes. Por lo tanto, se deja mucho a la espontaneidad y flexibilidad que caracterizan al Cuarteto St. Lawrence. Hay períodos en los cuales se requiere algo de repetición para prolongar el acompañamiento y otros en los que se requiere un salto rápido para seguir un cambio de escena. Siendo el carácter bufonesco un elemento esencial de la película, éste se reproduce ocasionalmente con efectos instrumentales, esperando no distraer la atención de la genialidad que de por sí es ya bastante conmovedora sin el sonido”.

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CONCIERTO

PASTAS LA MUÑECA

“Tocar en la Plaza San Pedro Claver significa para nosotros una gran alegría. Para empezar, la plaza misma es un lugar muy bello y la energía que tiene cuando se llena de miles de personas felices es algo increíble. Pareciera que la noche misma bailara. Estamos muy emocionados de tocar allí nuevamente y de poder unir nuestros corazones con la gente cartagenera.”

“Estar en la Plaza San Pedro Claver y ver cómo, con varias horas de anticipación, la gente comenzaba a llegar a la plaza y a esperar nuestro espectáculo es un sentimiento indescriptible. Nos hizo muy felices saber que la gente quería estar allí para oírnos y acompañarnos. La respuesta del público en los conciertos del 2007 fue fantástica: sentíamos que cada una de las notas que tocábamos les llegaba muy hondo y esto es algo que todo artista espera sentir al estar en el escenario. La gente fue muy cariñosa y muy alegre. No veo la hora de estar nuevamente en la Plaza! Espero poder entregar y descubrir más cosas esta vez: saber que te conocen te permite acercarte de una forma distinta y estar más conectado con la gente.”

Paula Robison, Romero Lubambo y Cyro Baptista

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Entrada Libre

PLAZA SAN PEDRO CLAVEREnero 811:00 p.m.



Romero Lubambo, guitarra - Apoya Embajada de Brasil

Cyro Baptista, percusión - Apoya Embajada de Brasil

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Todd Palmer, clarineteCuarteto de Cuerdas St Lawrence - Patrocina Audi Colwagen


Cuarteto en Sol Mayor Opus 77 No. 1 Franz Joseph Haydn (1732 - 1809)Allegro moderatoAdagioMenuet: PrestoFinale: Presto

Quinteto para Clarinete y Cuerdas en Si Menor No. 2 Opus 115 Johannes Brahms (1833 - 1897) AllegroAdagioAndantinoCon moto

CONCIERTO

COALCORP

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Las directivas de la Fundación Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al Presbítero Carlos Enrique Lozano, párroco de la Iglesia de Santo Toribio, por su decidida colaboración al Cartagena, II Festival Internacional de Música.


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NOTAS AL PROGRAMAEl Cuarteto de Cuerdas en Sol Mayor, Opus 77 No. 1, compuesto por Haydn en 1799, fue uno de los últimos dos cuartetos que el compositor completó de los 83 cuartetos que él mismo incluyó como suyos. Fueron editados en Viena en el otoño de 1802, y dedicados al Príncipe Franz Joseph Maximilian Lobkowitz, que había encargado un grupo de seis (Haydn nunca terminó los grupos restantes). Fue a través del propio genio de Haydn que el idioma del cuarteto de cuerdas se desarrolló y refinó en el curso de la larga carrera del compositor en la Corte de Eszterházy. Para la época en que el Opus 77 fue editado, otros compositores, en especial Mozart y Beethoven, usaron el modelo de Haydn para crear cuartetos de cuerdas que fueron una expresión musical profunda y personal, comenzando así una tradición continuada por generaciones de compositores.

Este cuarteto, Opus 77, No. 1 tiene la claridad de línea y estructura que hizo tan influyentes a las obras de Haydn. Además, tiene el encanto, la simetría y la belleza ejemplificada por los cuartetos de Haydn.

Johannes Brahms (1833-1897) compuso su Quinteto para Clarinete y Cuerdas en Si Menor No. 2, Opus 115 en 1891. Igual que el Opus 77 de Haydn, fue la obra tardía de un compositor que fue famoso toda su vida. Si bien, a diferencia de Haydn, Brahms se había casi retirado de la composición, fue seducido nuevamente a esta actividad al escuchar al virtuoso clarinetista, Richard Mühlfeld; los dos pronto formaron un lazo. Brahms estaba tan enamorado de la interpretación de Mühlfeld que compuso cuatro obras extendidas para clarinete: un Trío para Clarinete; el Quinteto para Clarinete y las dos Sonatas para Clarinete y Piano. Éstas fueron unas de las últimas obras de cámara que Brahms compuso en su vida, y han permanecido como obras importantes para este instrumento.

Brahms claramente se regocija en las sonoridades que surgen de esta combinación de instrumentos, como lo hizo Mozart en su Quinteto para Clarinete y Cuerdas, escuchado en el primer concierto de la mañana. Aquí, el clarinete emerge de la cadencia de las cuerdas en una forma orgánica. Entretanto, la composición para las cuerdas tiene la riqueza de un acompañamiento orquestal: intrincado, sutil y lleno de detalle. El quinteto de Brahms emula la estructura expansiva de Mozart; todos los movimientos están relacionados temáticamente, con el tema y las variaciones del último movimiento haciendo eco a los temas principales anteriores. Las melodías libres de Brahms realzan las capacidades expresivas del clarinete –sus variaciones de timbre y color— en combinación con las de las cuerdas, todas resultando en una obra maestra perdurable.

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El Mecenazgo en el Siglo XXI La Fundación Albeníz Modelo a Seguir


La creación y expresión del Arte es indispensable en el proceso de desarrollo de una sociedad saludable. Desde tiempos inmemoriales ha estado apoyada por personas o instituciones que la han sabido apreciar. El Arte transmite unos valores y aporta una sensibi-lidad que redunda en beneficio de todo aquél que puede disfrutarlo. En el siglo XXI, la sociedad re-presentada tanto por el Estado como por la empresa privada y las personas físicas, debe asumir su res-ponsabilidad de apoyo al Arte como factor decisivo en el bienestar social. Por su parte, la Entidad Artís-tica puede y debe a su vez crear vías de desarrollo y comunicación que puedan dar retribución al apoyo recibido.

Un ejemplo de esta sana relación, llevada a un nivel de socios igualitarios, la encontramos en la Funda-

APOYA FUNDACIÓN ALBÉNIZ

ción Albéniz y sus Mecenas. Creada gracias al sueño y a la inquietud y energía de su Presidenta Paloma O´Shea, esta fundación es el marco institucional de proyectos artísticos tan sólidos como el Concurso Internacional de Piano de Santander, la Escuela Su-perior de Música Reina Sofía, el Instituto Internacio-nal de Música de Cámara de Madrid, el Encuentro de Música y Academia de Santander y el proyecto de educación musical vía Internet MagisterMusicae.comInteresante ejemplo de creación artística con apoyo privado, al cual podremos acercarnos para estudiar su fundamento, filosofía de gestión y perspectivas de futuro.

CONFERENCIA

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Juan Alonso Mendoza

Nacido en Bogotá (Colombia), recibió el diploma de solista de oboe en el Mozarteum de Salzburgo y estudió gestión cultural becado por la Fundación Mazda en el Instituto de Administración Cultural-IKM de la Escuela Superior de Música de Viena, recibiendo el grado de master laureado.

Ha sido miembro de diferentes orquestas como la Camerata Académica de Salzburgo, la European Symphony Orchestra o la Sinfónica de Tenerife, entre otras, y solista con las principales orquestas colombianas, como la Sinfónica de Colombia, Filarmónica de Bogotá y de Cámara del Valle. Como profesor de oboe y música de cámara, ha impartido cursos en Austria, España y Colombia.

En su faceta de traductor, ha colaborado en las ediciones castellanas del ABC de la Música Clásica y el ABC de la Ópera, de Editorial Taurus, Santillana.

Tiene una amplia experiencia como gestor de artistas, orquestas, productor de conciertos y óperas, como Turandot de G. Puccini, bajo la dirección de Zubin Mehta, en la “Ciudad prohibida” de Pekín. En Austria estuvo vinculado a la agencia “Melos Konzerte”, fue Gerente de la “Sinfonietta Baden” y Director del departamento de música de American Overseas Tours, coordinando giras europeas para orquestas como la Israel Philharmonic, Gustav Mahler Jugendorchester o Saito Kinen, entre otras.

Desde 1998 reside en Madrid, en donde se vinculó primero al departamento de producción del Teatro Real y desde el año 2000 desempeña el cargo de Coordinador Académico-Artístico de la Escuela Superior de Música Reina Sofía, del Encuentro de Música y Academia de Santander, así como del Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid, los principales proyectos educativos de la Fundación Isaac Albéniz. En estos centros dirige el Departamento Artístico, que programa más de 240 conciertos al año, coordina sus actividades académicas, y forma parte de la Junta Directiva que rige los destinos de estas importantes instituciones educativas de carácter internacional.




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Geoff Nutall, violínLivia Sohn, violín - Patrocina Comfenalco - Sociedad de Mejoras Públicas de Cartagena

Elina Vähälä, violín - Patrocina Sterling

Andrés Díaz, celloWendy Chen, pianoOrquesta I Musici de Montréal - Patrocina Sarl Centre Français de la Harpe et du Piano


Introducción y Allegro para Arpa y Orquesta Maurice Ravel (1875 – 1937)

Concierto parta dos violines, cuerdas y continuo en Re menor BWV 1043 Johann Sebastian Bach (1685- 1750)VivaceLargo ma non tantoAllegro

Le Boeuf sur le toit Darius Milhaud (1892 - 1974)

INTERMEDIOTriple concierto para Violín, Cello, Piano y Orquestaen Do Mayor Opus 56 Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)AllegroLargoRondo alla Polacca

CONCIERTO

SURAMERICANA

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NOTAS AL PROGRAMA

La Introducción y Allegro para Arpa, Vientos y Cuerdas, compuesta por Maurice Ravel (1875-1937), es la primera de varias obras importantes que se interpretarán esta semana en la que se presenta el arpa como instrumento virtuoso. Compuesta en 1905, es una de las obras de cámara más hermosas que existen.

La historia que esconde es la de la cruel rivalidad comercial entre los dos constructores de arpa más importantes de Francia. En 1903, la compañía Pleyel le encargó a Claude Debussy la composición de una pieza para mostrar su nueva arpa cromática. Dos años más tarde, a modo de respuesta, la firma Erard le pidió a Ravel que compusiera una pieza para exhibir su propio instrumento. Ravel escribió Introducción y Allegro en una semana frenética, ya que estaba próximo a salir de vacaciones en barco (al parecer, casi pierde la única copia del manuscrito mientras se alistaba para salir). La Introducción de Ravel elevó el estatus del arpa al de instrumento virtuoso dentro de la orquesta al ser un concierto que exhibe las capacidades técnicas y expresivas del arpa en un escenario moderno.

La elegancia y claridad de la obra de Ravel constituye un legado de la brillantez de los compositores barrocos, como Johann Sebastian Bach (1685-1750). Aunque la música de Bach fue olvidada durante casi un siglo después de su muerte, Bach es considerado hoy uno de los más grandes compositores de todos los tiempos. Su Concierto para dos violines, cuerdas y continuo en Re menor BWV 1043 constituye una de sus obras más populares y uno de los mejores ejemplos de finales del período barroco. Bach la compuso en Leipzig entre 1730 y 1731 muy probablemente para el Leipzig Collegium Musicum.

El Concierto para Dos Violínes es una maravilla de la composición contrapuntística. A lo largo de sus tres movimientos, los dos violines presentan los temas principales en una danza expresiva, con la orquesta actuando como acompañamiento de teclado. El segundo movimiento Largo desacelera todo, ofreciendo una visión elegante de los sencillos temas principales. El ritmo se acelera nuevamente a lo largo del tercer movimiento, Allegro, llevando todas las líneas y subtemas a un cierre simétricamente bello. Constituye un desafío lleno de entusiasmo para ambos violínistas el mantener el dinamismo de las líneas entre sí.

El baile continúa de vuelta al siglo XX con "Le Boeuf sur le toit" compuesta por Darius Milhaud (1892-1974), uno de los compositores franceses que conformaron el grupo de Les Six. Milhaud fue un compositor increíblemente prolífico durante toda su vida y las obras que lo hicieron más famoso las que escribió en París cuando era

joven, en los años cercanos a la Primera Guerra Mundial. Milhaud y sus colegas crearon una nueva aproximación a la composición que dejó una marca imborrable en la música contemporánea.

"Le Boeuf sur le toit" (“El buey sobre el tejado”) hace parte de otras obras escuchadas esta semana, que ilustran la rica fusión sonora de ritmos y melodías suramericanos y tradiciones orquestales europeas. Milhaud vivió en Río de Janeiro de 1917 a 1918, donde se desempeñó como agregado francés al servicio del poeta Paul Claudel, entonces Ministro de Francia en Brasil.

De vuelta en París, Milhaud compuso Le Boeuf sur le toit (1919) como tema para una película de cine mudo. Sin embargo, la música atrajo más la atención como tema de un ballet diseñado por Jean Cocteau, otro artista de vanguardia. La melodía principal de Le Boeuf sur le toit está basada en una canción callejera extrañamente encantadora como su nombre. Milhaud toma esta tonada y la cambia completamente, mientras que los ritmos se difunden en estilo carnaval en distintos grupos de instrumentos. El compositor tiene una manera irresistible de usar la politonalidad como un color y sus inspiraciones son profundamente personales. Alguna vez comentó que sentía “mil músicas simultáneas corriendo hacia mí desde todas las direcciones”.

Ludwig van Beethoven (1770 – 1827) comenzó a componer su Triple Concierto para Violín, Cello, Piano y Orquesta en Do Mayor, Opus 56 en 1803. Para entonces, había completado ya varios tríos para piano, sonatas para violín y piano, y sonatas para cello y piano. Estaba totalmente familiarizado con la composición para los tres instrumentos y conocía completamente las características propias de cada uno de ellos. Interesado en crear algo nuevo, se dio a la tarea de combinar los tres instrumentos de forma tal que evocaran el Concierto Grosso de la época de Bach, con varios solistas y la orquesta. Pero, el Triple Concierto se volvió algo completamente nuevo —un trío para piano, con acompañamiento de orquesta.

En 1804, Beethoven envió el manuscrito a los editores con una nota en donde explicaba lo novedoso de la forma. El Triple Concierto fue publicado finalmente en 1807; la premier de esta pieza tuvo lugar en 1808 con el compositor al piano. Ésta es la única pieza de su clase para solistas de violín, cello y piano con orquesta. Una de las intenciones de Beethoven era reunir a todos los músicos de la manera más desafiante posible. El Triple Concierto de Beethoven exige el virtuosismo máximo de los tres solistas, pero también un diálogo íntimo.

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CONCIERTO

JULIO MARIO SANTO DOMINGO

El círculo distintivo del Cartagena II Festival Internacional de Música

Un círculo en plata con un fino grabado de un pentagrama y unas notas musicales son el símbolo del Cartagena Festival Internacional de Música: una joya que contribuye a apoyar la organización y sostenibilidad de este evento. En diversas tradiciones, el círculo ha representado la perfección, la eternidad y la música.

El diseño de la pulsera del Festival es la interpretación de Paulina Mallarino –directora de la Galería de Arte DEIMOS y artista de gran refinamiento-, de la idea concebida por Julia Salvi de crear un símbolo para el Cartagena Festival Internacional de Música, que representara la fuerza y el poder que tiene la música.

Una “edición” única de 1500 pulseras y 500 collares que se pueden conseguir en los almacenes FORUM y en el Teatro Heredia en Cartagena.

Un grupo de artesanos, encabezado por Yerzon David López, egresado de la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo (EAOSD) y destacado artista del burilado (corte hecho a mano sobre la lámina de plata) han sido los encargados de hacer la impresión de los pentagramas y las notas, una a una, lo cual hace de cada pulsera una pieza única.

Yerson David López fue monitor en burilado de la EAOSD durante dos años; trabajó en el taller de Alexandra Agudelo. Entre los reconocimientos que ha obtenido se destacan el premio Lápiz de Acero de la Revista Proyecto Diseño y el premio Julio Mario Santo Domingo otorgado por “constancia en el oficio”, con el cual tuvo la posibilidad de abrir su propio taller en la sede de la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo en Bogotá.

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Entrada Libre

PLAZA SAN PEDRO CLAVEREnero 911:00 p.m.


Livia Sohn, violín - Comfenalco - Sociedad de Mejoras Públicas de Cartagena

Andrés Díaz , celloWendy Chen, pianoStephen Prutsman, pianoCharles Wadsworth, piano

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Hsin-Yun Huang, violaCuarteto de Cuerdas St Lawrence - Patrocina Audi Colwagen


Sonata para Flauta, Viola y Arpa Claude Debussy (1863 – 1918) Pastorale: Lento, dolce rubatoInterlude: Tempo di minuettoFinale: Allegro moderato risoluto

Cuarteto en La menor No. 15 Opus 132 Ludwig van Beethoven(1770 – 1827)Assai sostenuto – allegroAllegro ma non tantoMolto adagio – andante – “Heiliger Dankgesang eines Genesenen an die Gottheit, in derlydischen Tonart”Alla Marcia, assai vivaceAllegro appassionato – Presto

CONCIERTO

COALCORP

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A Las directivas de la Fundación Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al Presbítero Carlos Enrique Lozano, párroco de la Iglesia de Santo Toribio, por su decidida colaboración al Cartagena, II Festival Internacional de Música.

Por respeto a la iglesia se ruega el favor de vestir prendas adecuadas

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NOTAS AL PROGRAMA“Permítasenos a todo costo preservar esta magia particular a la música, pues de todas las artes es la más susceptible a la magia”. Así lo escribió Claude Debussy en 1913; justo un año después, la amenazadora guerra en Europa y asuntos personales, incluyendo su salud, afectaron su trabajo completamente. No obstante, la confusión también lo reabasteció con energía. Debussy fue inspirado para reafirmar su patriotismo por Francia a través de sus tradiciones musicales. Planeó un conjunto de seis sonatas para varias combinaciones de instrumentos. Sólo pudo terminar las tres primeras, incluyendo la Sonata para flauta, viola y arpa, que completó en 1915, durante los primeros años de la Primera Guerra Mundial. Le escribió a un amigo, “Estoy escribiendo toda la música que cruza por mi mente como un loco, y más bien tristemente”. La filosofía creativa de Debussy –el arte debería dejar que reine la intuición– está totalmente presente en esta singular obra. Los sonidos de estos tres instrumentos tan diferentes —flauta, viola y arpa— conjuran un mito, como lo hizo la oda del compositor a Pan, Syrinx, de 1910. Los instrumentos interactúan en un remolino de color y movimiento, improvisado en realidad; no obstante, los temas de Debussy aparecen y reaparecen articuladamente. El minueto Interludio es el tributo del compositor al barroco francés, reinterpretado con los elementos musicales –armonías de la forma, melodías libres que limitan con la abstracción– que fueron los sellos distintivos de su destreza artística del siglo XX. Los últimos cuartetos de Ludwig van Beethoven (1770-1827), escritos durante los últimos dos años de vida del compositor, perduran como un monumento a toda la música, el arte y la experiencia humana. Tal como lo comentó un escritor, están “para siempre amortajados en misterio y sobrecogimiento”. Son obras difíciles y complejas –para el intérprete y para el oyente. Al igual que las otras composiciones de Beethoven presentadas esta semana, uno puede maravillarse continuamente de la inagotable capacidad del compositor por el genio, la innovación y la profundidad de su expresión emocional. El Cuarteto para Cuerdas en La Menor No. 15, Opus 132, hace parte de un conjunto de tres cuartetos encargados por el Conde Galitzin de Rusia, a quien fueron dedicados después de su finalización. Beethoven comenzó a componerlo en la primavera de 1825, durante unos cuantos meses que estuvieron llenos de interrupciones, incluyendo problemas familiares y su propia enfermedad grave. Se

mudó al balneario de Baden para recuperarse, y lo pudo terminar. La obra tuvo su premier en Viena en noviembre del mismo año, y se le envió al Conde junto con las otras dos. Galitzin, para su enorme vergüenza personal, cayó en tiempos difíciles y nunca le pagó a Beethoven por ninguna de ellas. Este cuarteto es una obra monumental en cinco movimientos, innovadora en el ingenio de su estructura y la interrelación de sus temas. Entonces al igual que ahora, todos los últimos cuartetos constituyen un enorme reto y no son interpretados con frecuencia. El Opus 132, así como los demás, requiere de virtuosismo, sensibilidad y expresividad máximos. El tercer movimiento Molto Adagio es la obra maestra reconocida dentro de una obra mayor. Es la interpretación de Beethoven de un himno modal medieval, “Canto de acción de gracias a la Divinidad de un convaleciente”, dando las gracias a Dios por su recuperación. Entre el himno y sus variaciones se encuentra un tema alegre, titulado “Sintiendo nueva fortaleza”. El movimiento concluye con una sensación de tranquilidad.

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Las directivas de la Fundación Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al Hotel Charleston

Cartagena por su decidida colaboración al Cartagena, II Festival Internacional de Música.

Taller de Interpretación Susan Wadsworth



SEMINARIO

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COLOMBIA JOVEN: IMPULSANDOEL TALENTO COLOMBIANO

El Programa Presidencial Colombia Joven cuenta con una estrategia que tiene como objetivo impulsar el talento de los jóvenes. Estrato “T” significa que estrato talento, busca ofrecerles a los jóvenes la oportunidad del pleno desarrollo de su talento hasta convertirlo en un producto de exportación. Así mismo busca demostrar que la juventud colombiana tiene el talento necesario para impulsar la buena imagen del país y ser motor y gestor de su propio desarrollo, la sinergia de todos los sectores permite la generación de oportunidades para esta población. Esta estrategia permite destacar el rol que han protagonizado los jóvenes en diferentes aspectos de la cultura, el deporte, la ciencia y la tecnología, ca-nalizando esfuerzos de los diferentes sectores con el propósito de fomentar su talento, luchar contra las problemáticas que los afecta y convertirlos en una oportunidad para el desarrollo del país. Estrato “T” identifica en forma clara y rotunda a Colombia y a sus jóvenes como “un país joven que quiere la paz”, para de este modo fortalecer la buena imagen del país, acercando la brecha entre la realidad y la percepción actual y posicionando al talento joven como el mejor embajador de esta buena imagen y fomentando el desarrollo interno de los jóvenes y la expor-tación de su talento. Actualmente Colombia cuenta con 18,4 millones de jóvenes; es decir el 25% de la población total. Los jóvenes son los más afectados por los problemas del país como la violencia y el desempleo. El desarrollo de estas actividades y las oportunidades que se abren con esta estrategia son una opción positiva para ellos, manteniéndolos así alejados de otras opciones negativas en las que puedan incurrir, como la drogadicción, embarazo adolescente, recluta-miento en grupos armados al margen de la ley, entre otros. El Cartagena Festival Internacional de Música organizado por la Fundación Victor Salvi es un espacio ejemplo de encuentro y generador de talento jo-ven, ya que logra unir a talentos de la música internacional con jóvenes co-lombianos que en otras ocasiones no tendrían la oportunidad de conocer.

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CAPILLA HOTEL SOFITEL SANTA CLARAEnero 107:30 p.m.





Hsin-Yun Huang, violaTodd Palmer, clarineteRomero Lubambo, guitarra - Apoya Embajada de Brasil


Cuarteto de Cuerdas St Lawrence - Patrocina Audi Colwagen


Choro, Bossa y Samba Brasileros

INTERMEDIO

Fantasía para Arpa y Violín Camille Saint-Saëns (1835 1921)

Quinteto para Cuedas en Sol menor K. 516 Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)Allegro ma non troppoAdagio – Allegro

Premiere Rhapsody para Clarinete y Piano Claude Debussy (1863 – 1918) Versión para Grupo de Cámara de Todd Palmer

CONCIERTO

FUNDACIÓN SALVI COLOMBIA

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Las directivas de la Fundación Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al Hotel Sofitel Santa Clara por su decidida colaboración al Cartagena, II Festival Internacional de Música.

La Fundación Salvi Colombia reitera su compromiso con la realización de este concierto.

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NOTAS AL PROGRAMAEn este concierto la flautista Paula Robison con los brasileños Romero Lubambo y Cyro Baptista; interpretarán sus singulares arreglos de choro, samba y bossa nova, estilos populares del Brasil.

La música se remonta siglos atrás a los rituales africanos, los lamentos de trovadores portugueses y los bailes de las cortes europeas. Lleva en su alma el ritmo vibrante de la conexión brasileña y africana. El choro es un estilo instrumental que se desarrolló en 1870 entre los músicos aficionados en Río de Janeiro. Los grupos de choro incluían instrumentos de la familia de la guitarra, como el violao y el cavaquinho, uno o dos cobres, maderas y percusión y la flauta, a menudo la estrella de estos grupos. El choro era la música urbana más popular de Brasil en la década de 1920. La samba y el choro, pueden ser alegres o tristes, ruidosos o suaves, lentos o ágiles.

El bossa nova surgió en Río durante la década de 1950. Los principales creadores de este estilo, Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto y Louis Bonfa, aparecieron con sus ideas casualmente, tocando con sus amigos. Sus canciones y composiciones deambularon junto a la samba, con melodías y armonías que tenían elementos del jazz de aquellos años, así como elementos de los compositores impresionistas franceses. Sensuales y urbanas, las canciones del bossa nova hacen parte del repertorio de jazz.

La Fantasía para Arpa y Violín, Opus 124, fue compuesta en 1907 por Camille Saint-Saëns (1835-1921) cuando tenía 72 años de edad. Muchas de las composiciones de Saint-Saëns fueron escritas a lo largo de décadas de cambios extremos en estilos musicales: fue aclamado como modernista y, más tarde, como un reaccionario y feroz crítico de las tendencias musicales de principios del siglo XX, particularmente del impresionismo.

Aún así, la Fantasía para Arpa y Violín no suena como la obra de un reaccionario. Es una fantasía de libre movimiento en cinco partes: una pieza única del repertorio de cámara. Exige el máximo virtuosismo de ambos instrumentos y emplea todos sus registros. Esto se ilustra bellamente hacia el final de la pieza: el arpa interpreta un ostinato fuerte y rítmico en su registro más bajo mientras el violín recrea las variaciones virtuosas por encima del arpa. Con todos sus desafíos técnicos, es una obra llena de belleza, con la claridad de línea, colores y texturas cambiantes, sello distintivo de las obras de Saint-Saëns.

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) escribió en total seis quintetos para cuerdas con dos violas, considerados por muchos como su logro supremo entre sus composiciones de cámara. Mozart compuso el primer quinteto a los 17 años y el último cerca de su muerte. Escribió dos de ellos en la primavera de 1787 –el Quinteto para Cuerdas en Do Mayor K.515 y en Sol Menor K.516– como parte de las composiciones que siguieron al conjunto de cuartetos dedicados a Haydn. Es inevitable maravillarnos ante la incesante imaginación y energía de Mozart —siempre forzado a ampliar el rango de posibilidades para cualquier grupo de instrumentos o forma musical determinados. El tratamiento que Mozart daba al quinteto era diferente al de sus colegas: Normalmente, el primer violín y la viola formaban un dueto de primer plano y el violín segundo, la viola y el cello jugaban un rol de acompañamiento. En lugar de ello, Mozart usaba la segunda viola para crear las voces de movimientos internos; en el proceso, expandió el alcance de la forma, dando igual importancia a todos los músicos y enriqueciendo la complejidad y expresividad de la música. El Quinteto para Cuerdas en Do Mayor, en particular, es una obra de grandes dimensiones, en términos de la forma y de su profundidad de expresión.

Para 1909, la música de Claude Debussy (1863-1918) obtenía finalmente reconocimiento en París y en el exterior. El año anterior, Debussy había tenido gran éxito con La mer y Prélude à L’après-midi d’une faune entre otras obras. En consecuencia, fue invitado a formar parte del “Conseil Supérieur” del Conservatorio de París, en aquel entonces bajo la dirección de Gabriel Fauré. Por esa época, el Conservatorio de París era la principal institución musical de Francia, las invitaciones a enseñar eran altamente codiciadas, aunque algunos compositores –como Debussy- lo consideraban muy conservador. En todo caso, no era una nominación para rechazar. Poco después de su nombramiento, fue invitado a componer dos piezas para el examen del concurso de clarinete, una para la clase de interpretación y una para la prueba de lectura a primera vista.

Debussy compuso Première Rhapsody para Clarinete y Piano a finales del invierno de 1909, al mismo tiempo que escribía su primer libro de Preludios para Piano. La obra, que encontró un lugar importante en el repertorio para clarinete, no suena en lo absoluto como un ejercicio: está construida cuidadosamente y emplea todo el rango expresivo del instrumento. La interpretación de esta noche es para Clarinete y Orquesta de Cámara, con arreglos de Todd Palmer.

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Angélica Gámez, violín - Patrocina Challenger

Hsin-Yung Huang, violaAndrés Díaz, celloRomero Lubambo, guitarra - Apoya Embajada de Brasil


Wendy Chen, pianoStephen Prutsman, pianoJean-Yves Thibaudet, piano - Apoya Embajada de Francia Charles Wadsworth, piano

Sonata para dos Violines y Continuo en Sol Mayor Giovanni Battista Pergolesi (1710 – 1736)

Introducción y Polonesa Brillante en Do mayor Opus 3 para Cello y Piano Frederic Chopin (1810 – 1849)

Choro, Bossa, Samba y Jazz Brasileros

INTERMEDIOQuinteto para Piano y Cuerdas en La Mayor Opus 81 No.2 Antonin Dvorak (1841 – 1904)Allegro, ma non tantoDumka: Andante con motoScherzo: Molto vivaceFinale: allegro

CONCIERTO

COLINVERSIONES

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NOTAS AL PROGRAMAEl programa de esta noche comienza con la Sonata para Dos Violínes y Continuo en Sol Mayor compuesta por Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736). Es un ejemplo encantador de la música del Barroco escrita por el joven compositor para sus clientes en Nápoles. Las dos obras más famosas de Pergolesi: la ópera cómica "La Serva Padrona" y su mordaz ambientación "Stabat Mater", tienen una personalidad completamente diferente a la de la Sonata, y entre sí. La ópera tuvo gran influencia en el desarrollo de la ópera bufa. Pergolesi compuso Stabat Mater durante sus últimos meses en el monasterio Franciscano donde se alojaba y donde murió de tuberculosis a la edad de 26 años. A su muerte, gran parte de su música permanecía sin editar. El reconocimiento póstumo de Pergolesi aumentó enormemente cuando "La Serva Padrona" se interpretó con gran ovación en París en 1752, convirtiéndo a la ópera cómica en el género más popular en esa época. La Sonata es una acertada obra de este compositor: su música es alegre y melódica, creada para deslumbrar al público.

El espíritu alegre del baile continúa con el trío compuesto por Paula Robison, con Romero Lubambo en la guitarra y Cyro Baptista en la percusión. Baptista es un brillante “escultor” de sonido que usa pitos, campanas e instrumentos propios para crear un mundo rítmico atrayente. En la guitarra, Lubambo continúa el legado de los compositores del bossa nova, delineando hermosamente la sutileza y compleja armonía de esta música. La flauta de Paula Robison juega con las sambas y da vueltas de un lado al otro de los choros.

Algunas de las piezas brasileras que escucharemos esta semana se han convertido en “la canción” de este trío. Brasileirinho –compuesta en 1950 por Waldyr Azevedo, destacado intérprete de cavaquinho- es un choro moderno muy apreciado tanto por los músicos brasileros como por “el pueblo brasilero”, para quienes fue compuesto. La legendaria flautista, Pixinguinha, escribió el exhuberante Um a zero (1 X 0) en 1946 cuando Brasil ganó la Copa Mundo. Apanhei-te, Cavaquinho! (¡Te atrapé, Cavaquinho!), compuesto en 1915 por Ernesto Nazareth, es uno de los choros más antiguos interpretados por el grupo. Especialmente para esta edición del Cartagena Festival Internacional de Música, el trío también hizo arreglos a música de origen colombiano; y como un tributo a J.S. Bach y Heitor Villa Lobos, gran compositor brasilero, el trío interpreta sus propias Bachianas, con base en las piezas Allemande y Aire para la Cuerda en Sol de Bach.

Con la Polonesa Brillante en Do Mayor Opus 3 para Cello y Piano, retornamos al siglo XIX. Esta pieza, compuesta por Frédéric Chopin (1810-1849) cuando tenía diecinueve años de edad, constituye una de sus primeras obras y una de las pocas composiciones que escribió para instrumentos distintos del piano. Chopin la compuso para la hija del Príncipe Antoine Radziwill, admirador del joven compositor y pianista, para que la interpretara en el cello con su padre. En una carta a un amigo, Chopin escribió: “No es más que una pieza de sala de estar, adecuada para mujeres. Me gustaría que la Princesa Wanda la practicara… Es una hermosa niña de diecisiete años y fue para mí un placer dirigir sus delicados dedos”. Las habilidades musicales de Wanda y su padre debieron ser enormes, pues la Polonesa Brillante es una obra exigente para ambos instrumentos y mucho más que una obra ornamental de moda. El cello es la voz melódica dominante en buena parte de esta pieza, que requiere el dominio completo del instrumento; el piano, entretanto, provee un acompañamiento enérgico y alegre, con las florituras virtuosas características de Chopin.

La velada concluye con una estupenda obra de cámara el Quinteto para Piano y Cuerdas en La Mayor, Opus 81, No.2 de Antonin Dvorak (1841–1904). Fue compuesta en 1887, época para la cual el compositor ya había alcanzado gran éxito con sus Danzas Eslavas. Su mayor interés consistía en explorar profundamente la creación de arte desde el lenguaje musical evocador de sus raíces checas, combinado con la tradición clásica europea especialmente, como lo expresó su tutor y defensor, Johannes Brahms. El Quinteto en La Mayor es una obra maestra virtuosa para los cinco músicos. Además, es la culminación de todo por cuanto Dvorak había estado trabajando. Dvorak era un maestro de la forma y la expresión sonora profunda, lo cual se manifiesta en todas las facetas de esta obra bellamente estructurada. He aquí al compositor en su florecimiento, alcanzando el éxito en la creación de la rica fusión de idiomas, el eslavo y el romántico, que impulsó su obra e ideas.

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CONCIERTO

EXITO

Los directivos de la Fundación Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al señora Alcaldesa Mayor de Cartagena de Indias, doctora Judith del Carmen Pinedo Flórez, a los funcionarios de la Administración Distrital, al Párroco y Superior Tulio Aristizábal y a la Sociedad de Mejoras Públicas de Cartagena por la decidida colaboración al Cartagena, II Festival Internacional de Música.

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Entrada Libre

PLAZA SAN PEDRO CLAVEREnero 11 11:00 p.m.




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Stephen Prutsman, pianoOrquesta I Musici de Montréal - Patrocina Sarl Centre Français de la Harpe et du Piano


Coups d’richets Denis Gougeon (1951)

Concierto para Flauta, Arpa y Orquesta en Do Mayor K. 299 Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791)AllegroAndantinoRondeau- Allegro

INTERMEDIO

The Lark Ascending para Violín y Orquesta Ralph Vaughn-Williams (1872 – 1958) Concierto para Piano y Orquesta No. 1 en Mi Bemol Mayor Franz Liszt (1811 – 1886)Allegro maestoso. Tempo giustoQuasi adagioAllegretto vivace

CONCIERTO

ARGOS

PROG

RAM

A

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NOTAS AL PROGRAMA

El concierto final abre con el tema festivo, Coups d’archets, del compositor contemporáneo canadiense, Denis Gougeon, quien lo escribió hace cinco años como un homenaje al decimoquinto aniversario de I Musici de Montréal. Esta obra expresa, de manera teatral, el desarrollo de la orquesta y la inagotable dedicación de su fundador y director, Yuli Turovsky, a quien Gougeon quiso rendir tributo.

Las notas personales de Denis Gougeon explican la obra así: “Coups d’archets sirve de metáfora al nacimiento de I Musici. El solo de cello, interpretado por el fundador de la orquesta, Yuli Turovsky, actúa como un “grito de guerra”. Solo en el escenario, pronto se le unen otros músicos quienes comienzan a armonizar bajo su batuta como director. El solo de cello pronto será interpretado por la orquesta… También hay una sección que destaca los talentos de cada miembro de la orquesta… La obra concluye con un grand tutti (unísono), con un solo ritmo, que enfatiza la energía del grupo”.

El espíritu festivo de la noche continúa con el Concierto para Flauta, Arpa y Orquesta en Do Mayor, K. 299 de Wolfgang Amadeus Mozart (1756 – 1791). Esta es una de las obras más apreciadas, especialmente por su poético segundo movimiento, Andantino. La historia detrás de esta obra contradice la popularidad que tiene hoy día. El 14 de marzo de 1778, Mozart y su madre salieron de viaje hacia París, donde Mozart niño había causado sensación con sus presentaciones. Poco después de su llegada, el Duc de Guines le pidió a Mozart, quien para entonces tenía 22 años, que compusiera un concierto para flauta y arpa para el Duque, flautista aficionado, y su hija, una arpista privilegiada. Mozart también fue contratado para darle lecciones de composición a la hija del Duque. Trágicamente, la madre de Mozart falleció en julio, mientras estaban en París. A partir de ese momento, las cosas comenzaron a salir mal: el Duque nunca le pagó por el Concierto y la hija canceló sus lecciones.

Sin embargo el Concierto en Do Mayor para Piano y Arpa, K. 299 es una obra atrayente, llena de luz y movimiento, que exhibe ambos instrumentos con efectos grandiosos. Aunque este concierto fue compuesto para salón, no para escenarios de conciertos, es rico en color y textura. El último movimiento en particular, Rondeau-Allegro tiene el esplendor que hace cautivadoras las obras orquestales de Mozart.

The Lark Ascending, para Violín y Orquesta, escrita por el compositor inglés, Ralph Vaughan-Williams (1872 – 1958) es totalmente diferente. Su inspiración fue enteramente inglesa: un poema escrito por George Meredith, melodías folclóricas inglesas, la alondra y la belleza del campo. Ralph Vaughan Williams sintetizó bellamente los elementos de la música inglesa a lo largo de los siglos en sus

numerosas composiciones —sinfonías, conciertos, óperas, himnos y ambientaciones de canciones— compuestos en el transcurso de la primera mitad del siglo XX.

The Lark Ascending es una obra maestra de virtuosidad lírica, un ejemplo exquisito del impresionismo musical del compositor, enraizado en la campiña inglesa y en aires ancestrales. Vaughan Williams dedicó esta pieza a la violínista inglesa, Marie Hall, quien la interpretó en un arreglo para violín y piano en diciembre de 1920 y durante la premier de la versión orquestal seis meses después.

El violín entra como la alondra, con una serie de líneas ascendentes, remontándose dentro y por encima de la orquesta. Temas folclóricos surgen de la orquesta, y se alejan nuevamente con gran suavidad; en otros momentos, se nos presentan nuevos paisajes sobrevolando el campo. La alondra, finalmente, desciende a medida que la música lleva a un cierre calmado.

El Concierto para Piano y Orquesta No. 1 en Mi Bemol Mayor de Franz Liszt (1811-1886), fue una obra trabajada a lo largo de casi 26 años. Liszt compuso los temas principales, tan conocidos ahora, cuando tenía 21 años de edad en 1838. El concierto se completó en1849, pero Liszt le hizo varias revisiones importantes en el transcurso de los siguientes años. Finalmente, la obra tuvo su premier en Weimar en 1855, con Liszt al piano y Héctor Berlioz como director.

A lo largo de todos esos años, casi todas las composiciones de Liszt fueron para su instrumento: el piano; aún así, cuando hizo los bocetos de sus temas para esta obra, el piano, tal y como hoy lo conocemos, no existía todavía. No queda más que preguntarnos qué llevó a Liszt a concebir una obra claramente hecha para la fuerza de un gran piano. Algunos eruditos en música creen que a Liszt le tomó tanto tiempo completar este primer concierto para piano porque componer para orquesta era todavía algo nuevo para él. Existen por lo menos seis borradores completos del concierto.

Desde el punto de vista estructural, este concierto es una maravilla de desarrollo temático: los temas principales se desarrollan e intercambian entre el piano y la orquesta en un diálogo hermosamente prolongado. El campanilleo de un triángulo abre el segmento Allegretto vivace del segundo movimiento, por el cual ridiculizaron a Liszt públicamente en su época llamándolo “ Concierto para Triángulo”. El concierto cierra en el estilo bravura, con estruendosos pasajes en octavas del piano y respuestas acentuadas de la orquesta hasta que los temas se resuelven en una conclusión formidable.

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Artistas

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Charles Wadsworth ya era un favorito del público Internacional como pianista y como creador de temporadas de música de cámara cuando en 2006 se convirtió en Director Artístico del primer Festival Internacional de Música de Cartagena, que se llevó a cabo en enero de 2007. En 1960 fue el artífice de los Conciertos de Mediodía (Concerti di Mezzogiorno) del Festival de Dos Mundos que tuvo lugar en Spoleto, Italia, y en 1977 inició las temporadas de conciertos de música de cámara del Festival Spoleto USA en Charleston, Carolina del Sur, las cuales dirige todavía. Como creador y Director Artístico fundador de la Sociedad de Música de Cámara del Lincoln Center dirigió veinte aclamadas,temporadas que le dieron una popularidad sin precedentes a la música de cámara. Comisionó la creación de 65 obras de este género a compositores tan famosos como Pierre Boulez, Samuel Barber y Leonard Bernstein, pero también a compositores nuevos entre los cuales figuran John Corigliano y William Bolcom. En sus conciertos presentó a artistas ya consagrados como Beverly Sills, Dietrich Fischer-Dieskau y André Watts e introdujo al público a Richard Goode, Yo-Yo Ma, Pinchas Zukerman y Jessye Norman quienes entonces eran figuras nuevas La variedad del repertorio que ofreció y su selecta programación inspiraron a una generación de virtuosos para que interpretara música de cámara, y fomentaron la aparición de festivales dedicados a ella en todo el mundo.

CHARLES WADSWORTHDIRECTOR ARTÍSTICO Y PIANO

El maestro Wadsworth es el director artístico de los conciertos conocidos como “Musical Masterworks” (Obras Maestras Musicales) que se efectúa en Old Lyme, Connecticut y de las series de música de cámara que se realizan en Beaufort, Columbia, Hilton Head y Camden (Carolina del Sur). Toca con su grupo de música de cámara de Spoleto, Estados Unidos..

Por sus logros la República de Francia lo honró con la condecoración de Caballero en la Orden de las Artes y las Letras; Italia le confirió el título de Caballero Oficial en la Orden del Mérito y recibió de la ciudad de Nueva York el Medallón Handel. El maestro Wadsworth ha recibido Doctorados Honoris Causa de la Universidad de Carolina del Sur, del Converse College y del Connecticut College. Ha tocado en la Casa Blanca para los Presidentes Kennedy, Nixon, Ford, Carter y Reagan. La ciudad de Newnan, Georgia, donde nació, lo honró al restaurar y rebautizar como Auditorio Charles Wadsworth el auditorio municipal de estilo Art Deco. En este recinto ha ofrecido conciertos anualmente desde 1990.

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Stephen PrutsmanDIRECTOR ARTÍSTICO ASOCIADO Y PIANO

El pianista, compositor y arreglista Stephen Prutsman es reconocido como uno de los músicos más versátiles e innovadores de su generación; se mueve en el mundo de lo clásico, el jazz o la música del mundo, en su búsqueda por explorar y encontrar un fundamento común para la música de todas las culturas.

Nació en Los Ángeles en 1960 y comenzó a tocar el piano de oído antes de iniciar sus estudios formales. En sus años de adolescente tocó en varios grupos de rock y ganó el Gong Show como pianista de música seudo honky-tonk. En la universidad se sostuvo tocando jazz en clubes y salones del sur de California, y como arreglista y pianista para un programa evangélico de televisión.

A comienzos de la década de los 90 ganó medalla en los concursos de piano Tchaikovsky y Queen Elizabeth; obtuvo la beca Avery Fischer que le permitió establecerse como pianista de conciertos y lo llevó a presentarse en varios de los más prestigiosos escenarios internacionales y con importantes orquestas de Estados Unidos y Europa. En el 2004 fue nombrado Socio Artístico de la Orquesta de Cámara de St. Paul, donde trabaja como compositor, arreglista y pianista, dirigiendo conciertos desde el teclado.

Su dedicación a la creación de nuevos entornos musicales y su amor por la música de cámara lo estimularon a fundar festivales en lugares tan apartados como la Isla de Guam y el pueblo fronterizo de El Paso, donde trabajó como director por espacio de 10 años. En la actualidad ocupa la posición de Socio Artístico en la Orquesta Sinfónica del Pacífico. En forma paralela viaja con su trío Nobilis por Europa, los Estados Unidos y por diferentes países en vías de desarrollo.

Como compositor ha colaborado con el Cuarteto Kronos; ha hecho más de 40 arreglos para este afamado grupo. En el otoño de 2006 Kronos presentó una retrospectiva de algunas de sus composiciones, junto con el estreno mundial de su nueva obra para cuarteto y diseño de sonido. Entre otros importantes que han interpretado sus creaciones y arreglos figuran Leon Fleisher, Dawn Upshaw, el Cuarteto St. Lawrence y Yo-Yo Ma. Su labor también se ha extendido a eventos como el Festival de Spoleto (EE.UU) y al Proyecto Silk Road. Como pianista o arreglista, ha colaborado con Tom Waits, Dan Zaney Asha Bhosle entre otros. Su trabajo en películas incluye arreglos musicales para Big Bad Love y The Man Who Cried.

Los estrenos de esta temporada incluyen el de Septet, compuesta por Prutsman para la Sociedad de Música de Cámara de Michigan, una nueva obra para piano a cuatro manos y su contribución a la escritura de un ciclo de obras para películas mudas. También una fantasía de concierto sobre temas de Der Rosenkavalier y una colaboración con su amigo y compositor Osvaldo Golijov. La temporada actual con la Orquesta de Cámara St. Paul incluye Worldbeat, Engine408 y la interpretación de conciertos para piano de Ravel y Mozart junto con la de su obra Jazz Fantasy on the name B-A-C-H, para piano y cuerdas.

Las grabaciones más recientes de Stephen Prutsman incluyen los conciertos para piano de MacDowell con la Sinfónica Nacional de Irlanda, y los de Barber con la Orquesta Real Escocesa; dos nuevos discos bajo el sello del estudio de propiedad de Prutsman (Studio AJEA, con el nombre ‘Brotzman’); El clave bien temperado de Bach y solos de jazz para piano.

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Yuli TurovskyDIRECTOR MUSICAL DE LA ORQUESTAI MUSICI DE MONTRÉAL Y DIRECTOR

Nacido en Moscú, el despertar musical de Yuli Turovsky comenzó temprano. A la edad de siete años ya estaba seriamente comprometido con el estudio del violonchelo. Ingresó al renombrado Conservatorio de Tchaikovsky, donde tuvo el honor de estudiar con la afamada Galina Kozulupova. En 1969 recibió el primer premio en el Concurso de Violonchelo de la URSS. Al año siguiente, estuvo entre los laureados de la vigésima segunda versión del Concurso Internacional de Primavera de Praga. Una vez completados sus estudios, comenzó una de las muchas giras que ha realizado alrededor del mundo como miembro de la Orquesta de Cámara de Moscú, bajo la dirección de Rudolph Barshai.

Después de inmigrar a Canadá y de establecerse en Montréal, el Maestro Turovsky realizó una brillante carrera musical como solista, miembro del Dúo Turovsky con su esposa Eleonora y miembro fundador del Trío Borodin, con los que tocó hasta el año 1993.

Ha hecho presentaciones como solista con las orquestas sinfónicas de Detroit, Montréal, Chicago, Atenas, Jerusalén y Estocolmo que lo acogen con beneplácito como solista. El Maestro Turovsky sigue grabando con compañías como Melodya, CBS, SRC, Chandos y Analekta, con una producción a la fecha de 82 discos de larga duración y CD’s.

En 1983 el Maestro Turovsky creó la Orquesta de Cámara “I Musici de Montréal”, con un repertorio que se extiende desde la música barroca, hasta la contemporánea. I Musici de Montréal se ha convertido en una de las orquestas más importantes de Canadá. Sus presentaciones en Canadá, los Estados Unidos y el mundo superan los 100 conciertos en el año.

El Maestro Turovsky enseña en la facultad de música de la Universidad de Montréal, donde ha ayudado a formar una generación de violonchelistas.

El año 2002 marcó el aniversario número 25 desde que el Maestro Turovsky empezó a hacer su música en Canadá un cuarto de siglo de sorprendente creatividad, que sigue siendo un legado especial y una única fuente de inspiración.

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Paula RobisonFLAUTA

Paula Robison y su apasionado intelecto han inspirado al mundo de la música. Nacida en una familia de escritores, actores, bailarines y músicos, sus presentaciones se han convertido en modelo para los jóvenes flautistas. Su repertorio abarca estilos muy diversos e incluye más de 30 obras comisionadas por ella.

Ha actuado como solista con la Filarmónica de Nueva York y la Orquesta Bach del Gewandhaus de Leipzig. Ha interpretado Halil de Bernstein con Michael Tilson Thomas y las Sinfónicas de Londres y de San Francisco, así como el Concierto para flauta de Nielsen con la Orquesta de la Radio de Dinamarca. Ha encargado conciertos a Leon Kirchner, Toru Takemitsu, Oliver Knussen, Robert Beaser y Kenneth Frazelle. Se ha presentado con muchos artistas y organizaciones como los I Solisti Veneti, Budapest Strings, Mostly Mozart de Nueva York, Jazz en el Lincoln Center y los Festivales de Música de Marlboro y Santa Fe.

En el otoño de 2005, y como artista residente del Museo Isabella Stewart Gardner de Boston, Paula Robison inició el proyecto Variaciones sobre un Tema con el artista conceptual Sol Le Witt. En octubre del mismo año se unió a los brasileños Romero Lubambo y Cyro Baptista para hacer una gira por la Costa Oeste. Entre sus apariciones recientes figuran un recital en la Librería del Congreso en Washington, D. C. y su temporada anual dedicada a Vivaldi en el Templo Dendur del Museo Metropolitano de Arte en Nueva York.

Su labor como maestra la ha llevado por todo el mundo. En 2005 regresó al Conservatorio de Nueva Inglaterra como primera ocupante de la Silla Donna Hieken para flauta, e inició una serie de clases magistrales y talleres en la Escuela de Música Diller-Quaile de Nueva York.

Es una artista prolífica y sus discos son la vitrina de sus ideas innovadoras. En noviembre de 2003 la Galería Pucker de Boston lanzó Lugares del Espíritu, una propuesta desarrollada conjuntamente por Robison y el paisajista Jim Schantz. En la primavera de 2006 Paula viajó a Jerusalén para crear un nuevo

proyecto con el maestro Schantz y la Galería Pucker. El sello discográfico Artemis Records lanzó las grabaciones de las sonatas completas de Bach y de Handel, así como música de compositores Románticos e Impresionistas y Brasileirinho, su primer disco brasileño. Ha grabado también para Sony Classical, CBS Masterworks, Mode, New World Records, King Records, MusicMasters, Musical Heritage Society y Marlboro Recordings.

Las recopilaciones realizadas por Paula Robison son publicadas por Universal, Schott y European-American Music. El volumen titulado To A Wild Rose, publicado por G. Schirmer publicado en 2003, está compuesto por 15 piezas románticas transcritas para flauta y piano. Las transcripciones hechas por Robison comprenden desde obras de Vivaldi hasta música popular de Hungría y de Nápoles.

Paula Robison es conocida por los televidentes americanos a través de los programas de la cadena CBS Sunday Morning, Christmas at the Kennedy Center y Live from Lincoln Center, ganador del Premio Emmy. Sobre su su carrera han sido publicadas secciones especiales en periódicos y revistas como The New York Times, People, Women Who Rock, Ovation, y Musical America. Sus muchas contribuciones a la ciudad de Charleston, le hicieron merecedora de la Ciudadanía Honoraria Perpetua. En 2004 recibió un Premio Vitalicio por sus logros, otorgado por la Asociación Nacional de Flauta.

Nacida en Tennessee, pasó su niñez en California y comenzó a tocar flauta cuando tenía once años. A partir de los diecinueve estudió con Marcel Moyse y Julius Baker; cuando tenía veinte Leonard Bernstein la invitó a presentarse como solista con la Filarmónica de Nueva York. Graduada en la Escuela Juilliard, dio su primer recital en Nueva York auspiciada por la Young Concert Artists y al año siguiente se convirtió en la primera americana en obtener el primer lugar en el Concurso Internacional de Flauta que se realiza en Ginebra. Toca una flauta Brannen-Cooper y es miembro de la Red Sox Nation.

Apoya Embajada de Brasil

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Luego de haber participado en una serie de funciones artísticas creativas y diversas a lo largo de su carrera, el clarinetista Todd Palmer se ha presentado como solista, en recitales, como colaborador de música de cámara, instructor, arreglista y presentador en una diversidad de proyectos musicales en todo el mundo. Se ha presentado con muchas orquestas sinfónicas y de cámara, incluyendo las de Houston, Atlanta, St. Paul, Cincinnati, Montréal, BBC Escocia, y ha colaborado con muchos de los más refinados conjuntos de cuerda del mundo, tales como los cuartetos de St. Lawrence, Brentano, Borromeo, Pacifica y Ying. El maestro Palmer también ha compartido escenario con las sopranos Kathleen Battle, Renée Fleming y Dawn Upshaw, y se presentó en la première mundial de “Orpheus and Euridice”, la pieza para teatro del compositor Ricky Gordon, y en Grandes Intérpretes en el Lincoln Center en el año de 2005, con la coloratura de la soprano Elizabeth Futral. Esta obra fue recientemente regrabada bajo el sello de Ghostlight Records, con el reparto de los artistas originales para quienes fue compuesta, como una importante contribución para la música y canto para clarinete del siglo XX.

Desde que obtuvo el premio de Young Concert Artists International Auditions el Maestro Palmer se ha presentado en recitales y como conferencista en importantes centros de cultura y bellas artes y en universidades en 48 estados. Sus presentaciones en el exterior incluyen conciertos, recitales y funciones de música de cámara en Alemania, Francia, Holanda, Italia, Inglaterra, Canadá, México, Brasil, el Caribe y Japón. Adicionalmente, el Maestro Palmer ha estado estrechamente asociado con el compositor Osvaldo Golijov, y se le considera el campeón de su gran quinteto de clarinetes para música klezmer “The Dreams and Prayers of Isaac the Blind”. En el año 2002 grabó la obra titulada Yiddishbbuk con el Cuarteto

de St. Lawrence para el sello de EMI Classics, la cual se convirtió en una de las grabaciones más vendidas durante ese año. Así mismo, recibió dos nominaciones para los Premios Grammy además del Premio Preludio Clásico de los Países Bajos. Como editor en jefe de la pieza para su publicación, el Maestro Palmer trabajó fuertemente con Golijov en la partitura y en la nueva versión orquestada, la cual estrenó en los Estados Unidos en 2006.

Ha participado en el Festival Spoleto USA en Charleston, Carolina del Sur, por 13 años y es miembro del popular grupo de gira Spoleto Chamber Music USA, que se ha escuchado en todos los Estados Unidos durante 10 años y también en transmisiones radiales anuales de la NPR. Durante años ha participado en muchos otros festivales de verano en los Estados Unidos y Canadá, incluyendo el Festival de Ravinia, el Festival de Verano de La Jolla, Bravo!, y los Festivales de Caramoor, Bridgehampton, Portland y el de Música de Cámara de Vancouver. Adicionalmente, participó en el Festival de Música de Marlboro en Vermont durante cinco veranos, así como en el Festival de Música de Tanglewood, donde recibió el premio de la Confraternidad Leonard Bernstein. Ha sido clarinete principal en la Orquesta de Minnesota, la Ópera Gotham, así como en el Festival Grand Teton.

Al ser un arreglista ávido, el Maestro Palmer ha logrado que muchos de sus arreglos se interpreten en diferentes escenarios en todo el país, además de las muchas transmisiones radiales al año en el programa Performance Today de la cadena NPR - siendo la mayoría de ellas nonetos de cámara de la obra Invitación al Baile (Invitation to the Dance) de Weber y dos suites del ballet Las Dos Palomas (The Two Pigeons) de André Messager.

Todd PalmerCLARINETE

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José Franch-BallesterCLARINETE

Nacido en Moncofa, España, en una familia de clarinetistas y cantantes de Zarzuela, José Franch-Ballester ha sido descrito por The News-Gazette (Champaign-Urbana) como “un raro descubrimiento, un artista cuya brillante destreza para interpretar su instrumento hace juego con sus dones fuertes y firmes como músico”; el New York Times declaró que “el Sr. Franch-Ballester toca con magia en la técnica y con incansable entusiasmo”.

Ha ofrecido recitales en el Gardner Museum de Boston (Museo de Isabella Stewart), en la Sociedad de Música de La Jolla, en el Centro Kravis para las Artes Musicales, en el Monmouth College, en la serie Música para los Jóvenes, en el Centro Washington para las Artes Musicales, y en la Universidad del Suroeste del estado de Missouri. Sus actuaciones en concierto incluyen la Sinfónica de Westmoreland y la Sinfónica de Haddonfield.

Como músico de cámara ha interpretado el Cuarteto para el fin del tiempo, de Olivier Messiaen, con Arnold Steinhardt violínista del Cuarteto de Cuerdas Guarneri; se ha presentado en el Festival de Música de Fuego del Ángel, el Usedomer Musikfestival (Alemania) y el Festival Verbier (Suiza). En 2004 tocó en el estreno mundial del ciclo de canciones Rosas de invierno, de Jake Heggie, con la mezzo-soprano Frederica von Stade.

Obtuvo el primer lugar en la versión 2004 de las Young Concert Artists International Auditions en las cuales también recibió el Premio Alexander Kasza-Kasser, que patrocinó su debut en el Kennedy Center de la ciudad de Washington D.C. Igualmente le fue otorgado el Premio Claire Tow que patrocinó su primera presentación en la Calle 92 Y de la ciudad de Nueva York, así

como el Premio al Solista de la Orquesta de Nueva Inglaterra, el Premio de la Sociedad de Música La Jolla y el Premio del Festival de Artes de Fredericksburg (MD). Figura en la nómina de Astral Artistic Services en Filadelfia, habiendo sido el ganador del primer premio en sus Audiciones Nacionales del 2004.

En España se presentó con la Orquesta de Música del Valle de Uxo y ocupó el primer puesto en el Concurso del Consejo Cultural de Valencia durante tres años consecutivos (2001-2003), el primer puesto en la versión 2001 del Concurso de Clarinete “Allegro”, y el primer lugar en el Concurso de Solistas Intérpretes “Francisco Hernández Guirado”. José Franch-Ballester comenzó sus lecciones de clarinete con Venancio Rius Marti, a la edad de nueve años. Ofreció su primer recital en Valencia cuando tenía dieciséis y se graduó del Conservatorio de Música Joaquín Rodrigo en el año 2000. Viajó a los Estados Unidos e ingresó en el Instituto de Música Curtis de Filadelfia, donde estudió clarinete con Donald Montanaro y Ricardo Morales, y música de cámara con Pamela Frank; en esa institución obtuvo una Licenciatura en Música en el año 2005. Se ha presentado bajo la dirección de Sir Simon Rattle, Mstislav Rostropovich, Yuri Temirkanov, Charles Dutoit, David Zinman y Hans Vonk con la Orquesta Sinfónica del Instituto Curtis.

Apoya Embajada de España

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Wendy ChenPIANO

Wendy Chen se ha presentado como solista con la Filarmónica de Los Ángeles, la orquesta Boston Pops, la Sinfónica del Pacífico, la Filarmónica de Florida, la Sinfónica de Phoenix, la Sinfónica de Utah, la Orquesta de Cámara de Nueva York, la Sinfónica de Cincinnati, la Orquesta de Cámara de Cincinnati, la Orquesta de Cámara de Baltimore, la Orquesta de Cámara de Santa Bárbara, la Orquesta Sinfónica del Sodre de Uruguay, la Filarmónica Auckland de Nueva Zelanda y la Wellington Sinfonia. La señorita Chen se presentó recientemente con la Orquesta de Cámara de Wisconsin, interpretando “Rhapsody in Blue” de Gershwin, en un programa único en el que también se presentó Art Garfunkel. Ha trabajado bajo la dirección de distinguidos conductores, incluyendo André Previn, Carl St. Clair, Keith Lockhart, Marco Armiliato, Michael Stern, Federico Cortese y Larry Rachleff. La señorita Chen ha ofrecido recitales en muchos lugares de los Estados Unidos, incluyendo presentaciones en el Alice Tully Hall de la Ciudad de Nueva York, el Avery Fisher Hall, el Merkin Concert Hall, el 92nd Street Y, el Weill Recital Hall del Carnegie Hall, el Centro John F. Kennedy en Washington D. C. y más recientemente, en la Corte Suprema de los Estados Unidos, en una velada especial presentada por La Honorable Ruth Bader Ginsburg. Como intérprete de música de cámara se ha presentado en los festivales de Tanglewood, Aspen, Montréal, Seattle, Bridgehampton, Strings in the Mountains y el festival de Spoleto, así como en Tannery Pond y la Sociedad de Música de Cámara de Boston.

Entre sus presentaciones para la temporada 2006 / 2007 se destacan funciones con importantes orquestas y grupos de música de cámara en los Estados Unidos, presentaciones en “Sunday Morning” de St. Paul y en “Performance Today” de la cadena NPR, recitales en Corea y presentaciones en el

Festival Internacional de Música de Cartagena en Colombia, Sudamérica. Su calendario para el verano incluye su décima presentación en el Festival de Spoleto USA en Charleston, Carolina del Sur.

Además de su calendario de presentaciones, la señorita Chen da clases magistrales en los Estados Unidos y se ha desempeñado como artista visitante en la Universidad de Louisville desde el año 2005, ofreciendo recitales, así como trabajando con estudiantes en forma privada.

La señorita Chen ha ganado numerosos premios, incluyendo el primer puesto en la competencia de “Young Concert Artists International Auditions” y el “Washington International Competition”. En el año de 1990 fue la ganadora más joven de la historia en el concurso “National Chopin Competition”, fue una de las ganadoras del Premio para Jóvenes Artistas “Irving S. Gilmore” en su sesión inaugural y fue nombrada Colegiala Presidencial por la Fundación Nacional de las Artes. En 2004 se le solicitó que sirviera de panelista para la “National Endowment for the Arts”.

Nacida en Los Ángeles, Wendy Chen asistió al R.D. Colburn School of Performing Arts como alumna de Dorothy Hwang y recibió lecciones privadas de Aube Tzerko. La señorita Chen se graduó en el Conservatorio de Peabody de la Universidad de John Hopkins, donde fue alumna de Leon Fleisher. Su grabación como solista de BOLERO con piezas de Chopin fue lanzada bajo el sello RCM. Esta grabación recibió mucha ovación por parte de “American Record Guide”, en donde se dijo que “ella brilla y sí es oro”.

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Jean-Yves ThibaudetPIANO

El Pianista Jean-Yves Thibaudet sigue cautivando audiencias con sus fascinantes presentaciones y sus poéticas interpretaciones. Músico versátil es respetado por su dominio del color, los matices y detalles rítmicos, Thibaudet es invitado por las principales orquestas, los más connotados directores y los más renombrados festivales de música y los más afamados músicos; ha sido aclamado por la prensa como “uno de los mejores pianistas del mundo”.

Jean-Yves Thibaudet se presenta en todos los continentes con las principales orquestas y en festivales internacionales de música: la Filarmónica de Los Ángeles en el Hollywood Bowl, la Orquesta Sinfónica de Boston en Tanglewood, la Orquesta de Filadelfia en el Saratoga Performing Arts Center, la Orquesta del Festival Mostly Mozart en el Lincoln Center. Entre las orquestas europeas que lo invitan figuran la Sinfónica de Londres, la Orquesta de la Suiza Romana, la Orquesta Nacional de Bélgica, la Orquesta Sinfónica de Viena y la Orquesta del Festival Verbier de la UBS.

El Maestro Thibaudet puede ser oído en las presentaciones que realiza por todos los Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia. De especial relevancia fue el estreno en septiembre de 2005 de la banda sonora de la película Orgullo y Prejuicio producida por Universal Pictures, con la participación estelar de Jean-Yves Thibaudet y la Orquesta de Cámara Inglesa. Entre sus actuaciones más sobresalientes se encuentran las dos que hizo en el Carnegie Hall en octubre de 2005 y marzo de 2006, un recital en el Festival de Piano 2000 de Lucerna, una gira de música de cámara por los Países Bajos y España con el Cuarteto de Cuerdas Rossetti, un recital en el Concert Hall de Walt Disney en Los Ángeles, y un gira por China con la Orquesta Sinfónica Occidental Australiana.

Adicionalmente su agenda registra presentaciones con la Royal Concertgebouw, la Orquesta Real Nacional Escocesa, la Orquesta Sinfónica de Bournemouth, la Orquesta Filarmónica de Rótterdam, la Orquesta Beethoven de Bonn, la Tonhalle Orchester Zurich, la Sinfónica de Berna, la Orquesta Nacional de Lyon, la Orquesta Sinfónica Occidental Australiana y la orquesta Musikkollegium Winterthur. Ha dado recitales en la sala de la Filarmónica Kölner, la Dortmund’s Konzerthaus, el Teatro de los Campos Elíseos,, en el Klavier Festival Ruhr, el Göteborg’s Konserthuset, el Arnhem’s Musis Sacrum en los Países Bajos, el Palacio de la Música de Valencia y el Teatro Bellini de Cagliar.Jean-Yves Thibaudet se siente igualmente cómodo con la música de cámara, los recitales y el repertorio para piano y orquesta. Es muy aclamado como acompañante y frecuentemente toca y graba con artistas como Renée Fleming, Cecilia Bartoli, Angelika Kirchschlager, Yuri Bashmet y el Cuarteto

de Cuerdas Rossetti. También ha sido un impulsador incansable de artistas jóvenes como Julia Fischer, Daniel Müller-Schott y John Matz.

Ha ganado numerosos premios, ha sido nominado a los Grammy y graba exclusivamente para el sello Decca con el cual ha realizado más de 30 discos. Entre sus grabaciones recientes está el título de “Satie: la música completa para piano solo” que obtuvo el Choc de la Musique en 2003; La Magia de Satie, publicada en el otoño de 2002 y ganadora del Premio Eco en 2003 por el Mejor Repertorio para Solistas del Siglo 20; un disco con los conciertos para piano de Mendelssohn; una colección de arias titulada Canciones nocturnas con la soprano Renée Fleming, premio alemán Echo Classical al mejor recital de Lieder en 2002, y un disco con obras de Chopin y Grieg con la Filarmónica de Rótterdam dirigida por Valery Gergiev; la grabación de las obras completas para piano de Ravel recibió una nominación al premio Grammy. Así mismo ha hecho incursiones exitosas en el mundo del jazz, que se han plasmado en en los discos Reflexiones sobre Duke: Jean-Yves Thibaudet interpreta la música de Duke Ellington, y Conversaciones con Bill Evans. Thibaudet ha recibido, entre otros, los premios Echo y Schallplatten Preis, el Diapason d’Or, el Choc de la Musique, el Gramophone y el Edison.

El talento del Thibaudet también ha sido reconocido fuera de los escenarios de concierto. En noviembre de 2004 actuó como presidente de la subasta anual de caridad en el prestigioso Hospicio de Beaune en Borgoña (Francia), un honor que se le concede a personajes verdaderamente sobresalientes. Para la película Retrato de una Dama interpretó dos Impromptus de Schubert. En 2000 fue protagonista del programa Piano Grand!, un especial de televisión producido por PBS/Smithsonian y presentado por Billy Joel en conmemoración de los 300 años de historia del piano.

El mundo de la moda tambi’en se ha ocupado de Thibaudet. El vestuario para sus conciertos es diseñado por la reconocida diseñadora londinense Vivienne Westwood.

De ancestros alemanes y franceses, Jean-Yves Thibaudet nació en Lyon (Francia) donde comenzó sus estudios de piano cuando tenía cinco años e hizo su primera aparición ante el público a los siete. A los doce ingresó al Conservatorio de París y allí estudió con Aldo Ciccolini y Lucette Descaves, amiga y colaboradora de Ravel. A los quince fue ganador del Prix du Conservatoire y tres años más tarde ganó las Young Concert Artists International Auditions en Nueva York. En 2001 la República de Francia le otorgó el título de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, y en 2002 recibió el Premio Pegasus del Festival de Spoleto por sus logros artísticos.

Apoya Embajada de Francia

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Catrin FinchARPA

“La Reina de las Arpas.....Catrin Finch ha hecho más que cualquier otra persona en la historia del arpa por llevar su instrumento a un público más amplio” (Revista ClassicFM Magazine, 2004). Su llegada a la prominencia se dio casi tan pronto como tocó las primeras cuerdas. Después de haber sido inspirada a la edad de cinco años, ha estado deleitando a las audiencias de todo el mundo.

Obtuvo su primer premio importante en 1999 cuando ganó el renombrado Concurso Internacional de Arpa Lily Laskine que se lleva a cabo en Francia y es una de las competencias más respetadas en el mundo. Luego fue ganadora de las Young Concert Artists International Auditions en Nueva York, distinción que le deparó presentaciones en más de treinta estados de los Estados Unidos, bien en recitales o bien como solista de orquesta, y debuts en las ciudades de Nueva York, Boston y Washington D. C. En Mayo de 2004 fue nominada para un “Classical Brit Award” y se presentó en la ceremonia de ITV con Bryn Terfel. Igualmente, fue ganadora de un Echo Klassik Award en Alemania.

Además de las extensas giras que ha realizado en los Estados Unidos también se ha presentado en el Medio Oriente, Asia y Europa. Entre sus actuaciones más sobresalientes figuran las realizadas con la orquesta Boston Pops, con la Academy of St Martin in the Fields en el Festival Mostly Mozart que tuvo lugar en el Centro Barbican de Londres, con la Orquesta Filarmónica Real en los Proms galeses, un recital para Radio Francia y conciertos con la Orquesta Nacional de Gales de la BBC, con los London Mozart Players y Sir James Galway, con la Orquesta Filarmonía, con la Sinfónica de Charlotte y con la Sinfónica de Lake Charles. Los eventos más importantes de la temporada 2006 incluyeron un recital en el Weill Recital Hall de Nueva York, el debut en concierto en el Lincoln Center dentro del Festival

Mostly Mozart, una presentación en el Festival Musiksommer MDR en Leipzig, conciertos con la Camerata de Manchester, la Sinfónica de Carolina del Norte, los London Mozart Players y la Orquesta Inglesa de Cámara, como también actuaciones en el Millennium Centre de Cardiff, el Festival de Edimburgo y el Festival de Salzburgo.

Catrin fue Arpista Real de Su Majestad el Príncipe de Gales. Tuvo el honor de revivir esta antigua tradición que se conservó hasta 1873 y desempeñó ese papel entre 2000 y 2004. Durante tales años tocó en muchas ocasiones en los palacios reales y para los miembros de la realeza de todas partes del mundo.

Ha colaborado estrechamente con el compositor Karl Jenkins, incluyendo el estreno de un nuevo concierto para dos arpas encargado por Su Majestad el Príncipe de Gales; actualmente está trabajando con John Rutter y Howard Goodall en la creación de nuevas obras para el instrumento.

Ha grabado para las principales compañías internacionales de grabación como lo son Universal Records, Deutsche Grammophon, EMI y Sony Classical, en calidad de solista y en compañía de artistas notables como Bryn Terfel, Sir James Galway, Julian Lloyd-Webber y Katherine Jenkins. Su versatilidad en los diferentes géneros de la música ha sido demostrada en sus múltiples grabaciones, que van desde recitales y conciertos clásicos hasta una mezcla ecléctica lograda con su propia banda de 14 integrantes llamada CF47.

El trabajo de Catrin con la comunidad y las nuevas generaciones es ampliamente reconocido. Está comprometida con llevar no solo el arpa sino la música clásica en general a los jóvenes de todo el mundo.

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Romero LubamboGUITARRA

Nacido en Río de Janeiro en 1955, desde muy joven Romero Lubambo estudió piano clásico y teoría de la música. En el momento en que tocó sus primeras notas en la guitarra, cuando tenía trece años, decidió dedicarse por completo a este instrumento.

Los ritmos y melodías característicos de la música brasileña y el jazz americano fascinaron a Lubambo. Fue un autodidacta a través de la búsqueda y la práctica intensas, y desarrolló una habilidad, versatilidad y fluidez excepcionales tanto en los ritmos del jazz como en los de la música brasileña. En 1985 salió de Brasil y emigró a Nueva York donde comenzó a ser muy solicitado, no solamente por su auténtico sonido brasileño sino también por su destreza y su dominio de varios estilos. Después de reencontrarse con sus compatriotas Duduka da Fonseca y Nilson Matta, las sesiones casuales que con ellos organizaba condujeron finalmente a la formación del Trio da Paz, un trío brasileño de jazz ampliamente reconocido por sus innovaciones, su creatividad y su intensidad dinámica. El grupo se ha convertido en una gran fuerza para revitalizar y hacer evolucionar el rico legado musical de Brasil. A partir de su primer y muy exitoso álbum Brasil desde dentro el Trío da Paz ha seguido abriendo nuevos horizontes con su mezcla especial de ritmos brasileños tradicionales e improvisaciones de jazz.

Romero también se ha establecido como compositor e intérprete de sus propios proyectos de grabación, y ha tocado con muchos artistas sobresalientes entre ellos Dianne Reeves, Michael Brecker, Yo-Yo Ma, Kathleen Battle, Diana Krall, Herbie Mann, Wynton Marsalis, Jane Monheit, Kenny Barron, Ivan Lins, Grover Washington Jr., Vernon Reid, Flora Purim y Airto, Sadao Watanabe, Paquito D’ Rivera, Harry Belafonte, Larry Coryell, Gato Barbieri, Leny Andrade, James Carter, Paula Robison, Dave Weckl, Claudia Acuña, Jason Miles, Regina Carter, Luciana Souza, Gil Goldstein y César Camargo Mariano.

En 1978 se graduó en la Escuela de Música Villa-Lobos de Río de Janeiro, donde fue un alumno sobresaliente en la cátedra de guitarra clásica. En 1980 recibió su grado en ingeniería mecánica de la Pontificia Universidad Católica de la misma ciudad.


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Cyro BaptistaPERCUSIÓN

Desde que salió de su país natal, Brasil, en 1980 y emigró a los Estados Unidos, Cyro Baptista ha surgido como uno de los principales percusionistas de la nación. Su destreza para la percusión brasileña, así como los muchos instrumentos que él mismo ha creado, lo han lanzado a la fama mundial.

La interpretación musical en compañía de algunos de los artistas más populares le ha dado a Cyro Baptista una inmensa credibilidad dentro del mundo de la industria musical. El Maestro Baptista creó su propio proyecto: el conjunto de percusión y danzas “Beat the Donkey”. El grupo lanzó su segundo CD, Ritmo, con “Out of My Mind” el sello discográfico independiente del Sr. Baptista, interpretando ritmos duros de percusión y de Brasil.

“…Es el hombre que los astros llaman cuando quieren agregar ese otro sabor mundano a la mezcla…” (Time Out New York).

Los reconocimientos del Maestro Baptista se interpretan como un “Quién es Quién” de la música moderna. En el año 2002 estuvo de gira con el Proyecto Brasil de Yo-Yo Ma. Hizo grabaciones e interpretaciones alrededor del mundo con El Mundo de Gershwin, la obra de Herbie Hancock, ganadora de un premio Grammy. Estuvo de gira con la obra Ritmo de los Santos de Paul Simon durante más de dos años y apareció en la edición de su Concierto en el Parque Central.

La gran variedad de artistas con los cuales el Maestro Baptista ha grabado e interpretado incluyen: David Byrne, Kathleen Battle, Gato Barbieri, Dr. John, Brian Eno, Robert Palmer, Melissa Etheridge, Laurie Anderson, John Zorn, James Taylor, Daniel Barenboim, Bobby McFerrin, Wynton Marsalis, Yo-Yo-Ma, Medeski Martin & Wood, Trey Anastasio, Santana y Swing. Y la lista sigue y sigue. También ha tocado con

muchos reconocidos artistas brasileños, tales como Milton Nascimento, Caetano Veloso, Ivan Lins, Marisa Monte, y Nana Vasconcelos.

El Maestro Baptista ha participado en cinco álbumes que fueron ganadores del premio Grammy: Gracias Brasil de Yo-Yo Ma, Luz Azul hasta el Amanecer y The Chieftains’ Santiago de Cassandra Wilson, Una Aventura de Amor de Ivan Lins y el Mundo de Gershwin de Herbie Hancock. Se grabó un documental sobre su principal proyecto, “Beat the Donkey”, para el programa La Plaza de la cadena WGBH-TV de Boston, el cual ganó tres Premios EMMY en 2002 y continúa en el aire en las estaciones de PBS en toda la nación.

La versión con el mismo título “Beat the Donkey” fue escogida por The New York Times como uno de los diez mejores álbumes alternativos del año 2002. Así mismo, los lectores de la revista JAZZIZ & DRUM nominaron este álbum como el Mejor CD de Brasil del Año y eligieron al Maestro Baptista como el Mejor Percusionista de 2002. Y la versión No. 51 de la votación anual de críticos de la Revista Downbeat lo nombró como la “Estrella Naciente” de la percusión.

Villa Lobos/Vira Loucos, su primera grabación como solista es una mezcla temeraria de sus propias composiciones con el trabajo del brillante compositor brasileño Heitor Villa Lobos, ha sido aclamada como “el trabajo más valiente, brillante, cómico, dramático e imaginativo que se haya desarrollado recientemente”. Blue Note Records lanzó “Supergenerous”, un CD doble que se grabó con el guitarrista Kevin Breit. La revista Billboard describió a Supergenerous “como un placer auditivo puro” y el Washington Post como “un estreno maravilloso que se puede sentir como externo e íntimo al mismo tiempo.”


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Elina VähäläVIOLÍN

Su interpretación fue deslumbrante; respondió a todas las exigencias de la música en cuanto a potencia, virtuosismo y suave melancolía. Un sentimiento puro y poético en el sonido del violín y una entrega total a la interpretación. En realidad, fue absolutamente brillante... (Svenska Dagbladet. Comentario sobre la interpretación del Concierto para violín, de Kalevi Aho)

Elina Vähälä es una de las instrumentistas finlandesas más solicitadas por los escenarios musicales internacionales. En 1999 fue ganadora de Young Concert Artists International Auditions, como también de los premios otorgados por los concursos Lipinsky-Wieniawski (recibió esta distinción cuando tenía 15 años) y Joseph Joachim.

Entre los compromisos más importantes que tiene esta violínista durante la temporada 2007/08 se destacan presentaciones con las orquestas sinfónicas de Minnesota bajo la dirección de Osmo Vänskä y de Oregon dirigida por Carlos Kalmar, recitales en Washington D.C y en San Antonio, y actuaciones en los festivales de Música de Naantali, de Música de Cámara de Kuhmo, Internacional de Música de Cartagena y el festival MIAGI en Sudáfrica.

La maestra Vähälä hizo su debut como solista a la edad de 12 años con la Sinfonia Lahti. Más tarde el director Osmo Vänskä la seleccionó como “Joven Maestra Solista” de esa agrupación para la temporada 1993/94. Desde entonces ha colaborado contínuamente con esa orquesta, ganadora del prestigioso Gramophone Award. Vähälä se ha presentado como solista con las principales orquestas de su país, entre las cuales figuran la Orquesta Sinfónica de la Radio Finlandesa, las filarmónicas de Helsinki, Turku y Tampere, la Sinfonietta Tapiola y los Virtuosi di Kuhmo. Así mismo con la Orquesta Inglesa de Cámara con la cual se ha presentado en

el Reino Unido, Finlandia, Sudáfrica, Polonia, Turquía, Grecia, el Caribe, y en 2005, en España junto a Maxim Vengerov.

El amplio repertorio de Elina Vähälä abarca obras desde el barroco a lo contemporáneo. En la primavera de 2006 estrenó el Concierto de Cámara de Aulis Sallinen y el Doble concierto de Curtis Curtis-Smith, ambos compuestos para ella y el director y pianista Ralf Gothoni. En la temporada de otoño de 2006 fue la solista del estreno en Escandinavia del concierto para violín titulado“El Violín Rojo”, de John Corigliano.

En 1999 se presentó por primera vez en Nueva York y recibió la ovación de excelencia en el periódico The New York Times. Desde entonces ha tocado en los Estados Unidos como solista y como intérprete de música de cámara. Como intérprete consagrada de música de cámara, ha tenido por compañeros a los aclamados Yuri Bashmet, Ana Chumachenco, Chee-Yun, Peter Csaba, Patrick Gallois, Itamar Golan, Ralf Gothóni, Ivry Gitlis, Bruno Giuranna, Jan-Erik Gustafsson, Steven Isserlis, Frans Helmerson, Cho-Liang Lin, Mihaela Martin, Adam Neiman, Arto Noras y al Cuarteto de Cuerdas Orion.

Nacida en los Estados Unidos y criada en Finlandia, Elina Vähälä comenzó a tocar el violín a la edad de 3 años en el Conservatorio Lahti. Luego estudió bajo la dirección de Zinaida Gilels, Ilja Grubert y Pavel Vernikov en la Escuela de Violín de Kuhmo. Entre 1994 y 1999 estudió con Tuomas Haapanen en la Academia Sibelius y recibió su diploma en 1999. En 1998 también recibió clases de Ana Chumachenco en Munich.

Elina Vähälä toca un violín de Antonio Stradivari, fabricado en 1678 y generosamente prestado por la Fundación Cultural de Finlandia.

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Solista de orquesta, intérprete de música de cámara y concertista, Livia Sohn ha sido descrita como “una persona que lo tiene todo: juventud, talento y belleza”. Su carrera ha incluido presentaciones como solista con más de 65 orquestas en cinco continentes.

Entre sus compromisos recientes se destacan sus apariciones con la Sinfónica Edmonton y con la Orquesta de Cámara de San Diego, así como recitales en el Dixon Center de la Universidad Lee de Tennessee y en el Festival de San Miguel de Allende en México. En esta temporada veremos el lanzamiento de dos discos compactos producidos por el sello Naxos. El primero contiene obras de Jonathan Berger y el segundo adaptaciones para violín y piano de célebres pasajes de ópera.

Livia Sohn ha sido solista invitada de las orquestas sinfónicas de Seattle, Rochester, Cincinnati, Milwaukee, Oregon, Phoenix, Pittsburg, Boston Pops, Louisville, y Winston-Salem, de la Orquesta del Festival de Aspen, de la Sinfónica de Nueva York, y de la Filarmónica de Brooklyn, entre otras. Ha tocado muchas veces bajo la batuta de eminentes directores entre los cuales figuran Jesús López-Cobos, James DePreist, Gerard Schwarz, Grant Llewellyn, William Eddins, Myung-Whun Chung, Lukas Foss, Jane Glover y Jorge Mester.

En otros países se ha presentado como solista con la Filarmónica de Budapest, la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México, la Orquesta Filarmónica de Auckland, la Orquesta Sinfónica Nacional de la República Checa, la Filarmónica de Colonia, la Limburgs Sinfonie Orkest, la Sinfónica de la Ciudad de Londres, la Orquesta Filarmónica de Asia y las Filarmónicas de Seúl y Pusan en Corea. Realizó una gira con la Sinfónica Nacional de Sudáfrica y las Orquestas Filarmónicas de KwaZulu-Natal, y ha dado conciertos y

recitales en Nicosia, Jerusalén, Tel Aviv y Haifa. Es artista invitada al Festival de Música de Newport, y también se ha presentado como solista en el Festival de Música de Cámara de Kuhmo, el Festival de Música de Aspen, el Festival Internacional de Música de Caramoor, el Festival Mostly Mozart, los Conciertos de Cámara de Bay, el Festival Brevard, los Conciertos Maverick, el Festival de Música de Verano de Sewanee, el Festival del Sonido en Notario y el Festival de Música del Príncipe Alberto.

En 1999 el programa Performance Today de la Radio Nacional Pública la albergó como Artista Residente. En ese período ella y el pianista Benjamín Loeb ofrecieron, en vivo, un programa diferente cada día. Otros momentos estelares de su carrera incluyen la presentación en el concierto inaugural del Harris Hall de Aspen, y su participación con Lukas Foss y la Orquesta Filarmónica de Brooklyn en el Décimo Primer Concierto de Año Nuevo por la Paz que se ofreció en la Iglesia Catedral de San Juan el Divino de Nueva York, ante una audiencia de 10.000 personas.

Livia Sohn apareció por primera vez en público a la edad de ocho años. En 1989, cuando tenía doce, ganó el Primer Premio en el Concurso Internacional de Violín Yehudi Menuhin en el cual también recibió el Premio de la Audiencia. Cuando tenía siete años asistió a la División de Pre-escolar de la Escuela Juilliard. En ese tiempo comenzó sus estudios con Dorothy DeLay y Hyo Kang, y más tarde los continuó con el legendario Felix Galamir; recibió su grado de Licenciada en Música en 1998. Toca un violín de J.B. Guadagnini, fabricado 1770.

Actualmente es docente en el Departamento de Música de la Universidad de Stanford.

Livia SohnVIOLÍN

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Angélica GámezVIOLÍN

Nació en Bogotá. Inició sus estudios en la escuela de musica de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia. Entre los años 1991 y 1993 participó representando a Colombia en la Orquesta Mundial de Juventudes Musicales.

En 1994 fue ganadora del premio Joven Músico Mazda.Posteriormente estudió como becaria de la fundación Mazda en la escuela superior de artes “Mozarteum” en Salzburgo con los maestros Helmut Zehetmeier y Skow Larsen Lavard.Durante ese período fue miembro de la orquesta de solistas de Salzburgo y representante del Mozarteum,como asistente de concertino,en la orquesta Erasmus en Lyon,Francia.

En el 2000 ganó los concursos de jóvenes intérpretes de las orquestas Sinfónica de Colombia y Filarmónica de Bogotá.En este mismo año ganó primer premio y mención de honor del concurso de violín categoria superior que realizo el Banco de la República. Fue violínista durante 10 años de la Orquesta Filarmónica de Bogotá.

En el 2004 fue la única Colombiana invitada a participar en el Pacific Music Festival en Sapporo,Japón,donde tuvo la oportunidad de compartir con algunos de los mas destacados músicos de la actualidad entre los que se cuentan los maestros Valery Gergiev,Fabio luissi y los principales de las orquestas Filarmónica de Viena,Berlín,Chicago y Filadelfia.

En la actualidad es Asistente de Concertino de la orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y miembro del Cuarteto Manolov

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Hsin-Yun Huang VIOLA

Desde 1993 Hsin-Yun Huang se estableció como una de las principales intérpretes de viola de su generación. Simultáneamente y en el mismo año ganó el primer premio en la ARD Internacional Music Competition y el Bunkamura Orchard Hall Award del cual formaron parte una beca de estudios y presentaciones en conciertos y recitales en Japón. Ha sido la ganadora más joven de la medalla de oro en la historia del Concurso Internacional Lionel Tertis. Como resultado de estos y otros logros, sus presentaciones con la Orquesta de la Radio Bávara en Munich, con los Solistas de Zagreb en París y con la Filarmónica de Tokio han sido filmadas y transmitidas por televisión. Otras transmisiones importantes han incluido conciertos en vivo con la Sinfónica de la Radio de Berlín, la Filarmónica del Estado Ruso y la Sinfónica Nacional de Taiwán.

Nacida en Taiwán, Hsin-Yun Huang actualmente reside en Nueva York y es una muy activa solista e intérprete de música de cámara en los Estados Unidos, el Lejano Oriente y Europa. Es muy admirada en su país de origen donde se presenta cada año con la Sinfónica Nacional de Taiwan. Tocó hace poco para el Presidente Chen Shui-Bian en recital que fue televisado. Ha participado en varios festivales entre los que se cuentan el Festival de Música de Cámara de Roma, el Music Menlo, Spoleto, Música de Cámara del Noroeste, Marlboro, Prussia Cove de Inglaterra, St. Nazaire y Divonne de Francia, el Bridgehampton, El Paso, Festival de Música de Cámara de Vancouver, Festival de los Apalaches y Rockport. Ha tocado con artistas tales como Yo-Yo Ma, Jaime Laredo, Joshua Bell, Joseph Suk, Menahem Pressler, Joseph Silverstein, Gary Hoffman y Michael Tree. En la temporada pasada hizo una gira con el Cuarteto de Cuerdas Orión y la Compañía de Danzas de Bill T. Jones y desarrolló una gira por Europa con el Cuarteto de Cuerdas Brentano. Tiene con este grupo proyectos de grabación y giras de conciertos que contemplan la interpretación de los quintetos

con viola de Mozart, colaboraciones con el Cuarteto de Cuerdas Guarneri, y comisiones a Steven Mackey y Shih-Hui Chen de obras de cámara para viola y grupos mixtos, con estrenos en el Festival de Aspen, en el Festival Da Cámara de Houston, en la Fundación China de Bellas Artes de Boston, y en Taipei con la Sinfónica Evergreen.

Entre 1994 y 2000 fue miembro del Cuarteto de Cuerdas Borromeo con el cual participó en festivales en todo el mundo y tocó en escenarios tan importantes como el Alice Tully Hall de Nueva York, el Wigmore Hall de Londres, el Philharmonie de Berlín y el Casals Hall en Japón. En 1998 el cuarteto fue distinguido con el Cleveland Quartet Award y fue escogido por la Sociedad de Música de Cámara del Lincoln Center para ser miembro de la SMC Two. Hsin-Yun Huang es miembro fundador del Trío de Cuerdas Variation con la violínista Jennifer Koh y la violoncelista Wilhelmina Smith.

Hsin-Yun Huang llegó a Inglaterra a la edad de catorce años para estudiar en la Escuela Yehudi Menuhin con David Takeno. Continuó su formación con Michael Tree en el Instituto Curtis en Filadelfia, donde recibió el grado de Licenciada en Música; en la Escuela Juilliard fue alumna de Samuel Rhodes y allí obtuvo su Maestría en Música. En la actualidad enseña en esta escuela y en el Colegio de Música Mannes de Nueva York.

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Andrés Díaz ha obtenido elogios excepcionales de la crítica especializada por su “visión interpretativa fuertemente personal” (New York Times) y por su manera de tocar “audaz e imaginativa” (Boston Globe). Desde cuando en 1986 ocupó el primer lugar en el Concurso Internacional de Violonchelo realizado en Naumburg, ha entusiasmado tanto a los críticos como a las audiencias con sus interpretaciones intensas y carismáticas. En 1998 fue ganador del prestigioso “Avery Fisher Career Grant”; igualmente recibió una beca del Fondo Susan W. Rose para la Música.

Sus numerosas actuaciones con orquesta han incluido reiteradas apariciones con la Sinfónica de Atlanta, la Sinfónica Americana, las orquestas sinfónicas de Milwaukee, Seattle, y Rochester, Boston Pops, Explanada, Sinfónica de Chicago. Ha estado de gira por Rusia, Taiwán, Hong Kong, Corea, Japón, Nueva Zelanda y Canadá, tocando en recitales y como solista de orquesta.

Andrés Díaz tocó con frecuencia en compañía del fallecido pianista Samuel Sanders. El Dúo Díaz/Sanders actuó en el Carnegie Hall, el Merkin Hall, el Museo de Artes de Filadelfia, el Spivy Hall y otros importantes escenarios de Estados Unidos y del extranjero.

Durante el verano de 2001 ofreció con la Orquesta del Festival de Brevard la première del Concierto para Violonchelo y Orquesta de Gunther Schuller. En Febrero de 2001 estrenó la obra Oration para violonchelo y orquesta, de Frank Bridge. También ha actuado con la Sinfónica Cívica de Boston en el estreno del Concierto para Violonchelo de Thomas Oboe Lee, escrito para Díaz, así como el estreno en Boston y en Washington D.C. de la Música para Violonchelo y Orquesta, de Leon Kirchner.

La primera grabación de Andrés Díaz incluyó obras de Manuel

de Falla y de Robert Schumann, contó con el acompañamiento del desaparecido pianista Samuel Sanders y fue aclamada por el Boston Globe como “fuerte y sutil”. Con el sello Dorian el dúo grabó las sonatas para piano y violonchelo, de Brahms, Las románticas de Rusia, y el disco Visiones Americanas. Las grabaciones de Díaz como solista incluyen el Concierto No. 2 para violonchelo de Heitor Villas-Lobos, con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar. Esta grabación obtuvo en 1996 el Premio Allegro como mejor disco de música para orquesta.

Andrés Díaz toca en muchos festivales de verano como los de Santa Fe, La Jolla, Marlboro, Ravinia, Spoleto, Saratoga, Victoria, Musicorda, Rockporty Tanglewood. Sus presentaciones en este último le merecieron el Premio Pierre Mayer Memorial como Intérprete de Cuerdas Sobresaliente.

Díaz desarrolla una intensa actividad con el Trío de Cuerdas Díaz. En abril de 2003 el grupo interpretó la première de un trío compuesto para él por Guther Schuller. El trío se ha presentado en Pittsburg, Washington, Boston, Los Ángeles, Miami. Ha hecho muchas giras por Suramérica y Canadá. Fue invitado por Isaac Stern para tocar en la celebración del Centenario del Carnegie Hall, y fue trío residente en la Universidad Internacional de la Florida.

Andrés Díaz nació en Santiago de Chile in 1964 y empezó a estudiar el violonchelo a la edad de 5 años. Tres años más tarde se trasladó a Atlanta y estudió con Martha Gerchefski en la Academia de Música de Georgia. Se graduó en el Conservatorio de Nueva Inglaterra donde fue alumno de Laurence Lesser y Colin Carr. Trabajó como Profesor Asociado de Violonchelo en la Universidad de Boston por un lapso de 5 años y fue co-director del Programa de Cuartetos del Instituto Tanglewood de la misma universidad. Toca un violonchelo de Matteo Goffriller que data del año 1698, y con un arco fabricado por su padre, Manuel Díaz.

Andrés DíazCELLO

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Geoff Nuttall, violínScott St John, violín

Lesley Robertson, violaChristopher Costanza, cello

El Cuarteto de Cuerdas St. Lawrence String Quartet es hoy reconocido como uno de los grupos de cámara de talla mundial de su generación. En 1992 ganó el Concurso Internacional de Cuartetos de Cuerda Banff, las Young Concert Artists Auditions, distinciones que apuntalaron su carrera internacional y lo llevaron a Norte y Suramérica, Europa y Asia.

La primera grabación del grupo, con los cuartetos primero y tercero de Schumann, empezó a circular en mayo de 1999 y fue muy bien recibida por los críticos. El disco recibió el Premio de los Críticos Alemanes -el Preis der Deutschen Schallplattenkritik- como también el Premio Anual Juno de Canadá. La revista BBC Music Magazine le dio su puntaje más alto y lo consideró como hito de las grabaciones de esas obras. En octubre de 2001 EMI lanzó su grabación de los cuartetos de cuerdas de Tchaikovsky. En 2002 su disco Yiddishbbuk, con música de cámara del compositor Osvaldo Golijov, recibió dos nominaciones a los premios Grammy.

Anualmente el cuarteto ofrece más de 100 conciertos en todo el mundo. Entre las presentaciones más sobresalientes de la temporada 2005/2006 se destacan una presentación de música de Golijov y Schubert en el Lincoln Center de Nueva York, conciertos en Boston y Palm Beach y funciones en Detroit, Cleveland, Baltimore, Houston, Nueva Orleans, Toronto, Montréal, Vancouver, y Dartmouth Collage, entre otras. El cuarteto ofreció conciertos en Holanda, Alemania y Suiza y participó en festivales de Francia y Alemania con el pianista Menahem Pressler y 20 aclamados conciertos por Australia y Nueva Zelanda.

Su calendario de verano incluye su participación como cuarteto residente del Festival de Spoleto (EE.UU). Otras presentaciones fueron las dadas en el Green Music Festival y en el festival Music@Menlo. St. Lawrence String Quartet ha

participado en innovadores proyectos entre los cuales figuran el desarrollado en 2003 con el Teatro de Danzas de Pilobolus, cuyo estreno se efectuó en la Universidad de Stanford. El cuarteto se presentó así mismo con el Cuarteto Emerson en el Zankel Hall del Carnegie y con el Cuarteto Ying en Washington, D. C. Participó en la obra 4-40 de R. Murray Shafer, tocó con Emmanuel Villaume y la Orquesta del Festival de Spoleto, así como con I Musici de Montréal.

El St. Lawrence interpreta obras tradicionales del repertorio para cuarteto pero también se ha comprometido fervientemente a interpretar y divulgar las obras de compositores contemporáneos. Entre los creadores con los cuales el cuarteto tiene relaciones activas cabe mencionar a R. Murray Schafer, Osvaldo Golijov, Christos Hatzis, Jonathan Berger, Ka Nin Chan, y Mark Applebaum.

Después de estudiar con los Cuartetos de Cuerdas Emerson, Tokio y Juilliard, los integrantes de SLSQ son educadores apasionados. Desde 1998 ha ocupado la posición de grupo residente en la Universidad de Stanford. Además de este nombramiento, el cuarteto ha actuado como grupo invitado en la Universidad de Toronto y en la Universidad del estado de Arizona.

El Cuarteto St. Lawrence String Quartet está profundamente comprometido con llevar su arte a escenarios menos tradicionales. Bien sea en el Lincoln Center o en salón de una escuela elemental, el grupo mantiene un fuerte deseo de compartir las maravillas de la música de cámara con sus oyentes. Alex Ross del diario The New Yorker escribió que “el cuarteto St. Lawrence es extraordinario no solo por la calidad de su música, tan exaltada como ella es, sino por la felicidad que transmiten en el acto de comunicarla”. El cuarteto graba exclusivamente para el sello EMI/ANGEL.

St. Lawrence String QuartetCUARTETO DE CUERDAS

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I Musici de MontréalORQUESTA DE CÁMARA

Fundada por el violonchelista y director Yuli Turovsky, I Musici de Montréal es una orquesta de cámara compuesta por 15 intérpretes de un vasto repertorio que abarca los períodos barroco, clásico, romántico, moderno y contemporáneo. La orquesta tiene un denso cronograma de presentaciones, con más de 100 conciertos por temporada alrededor del mundo y tres prestigiosas series en Montréal. Esta extraordinaria actividad ubica a I Musici de Montréal entre las más importantes orquestas de Canadá.

Desde su fundación, I Musici de Montréal ha grabado para los sellos discográficos Chandos y Analekta más de 40 CD’s distribuidos en más de 50 países. Estas grabaciones le han significado muchos premios tanto a la orquesta como al Maestro Turovsky, entre los cuales figuran un Diapasón de Oro obtenido en 1988 por el registro de la Sinfonía No. 14 de Shostakovich, y en 1992 y un Penguin Guide Rosette por su versión de los Concerti grossi, opus 6 de Handel. Desde entonces, las grabaciones de obras de Handel realizadas por la agrupación se han convertido en referente de la más alta calidad.

En Diciembre de 1998 el Conseil Québecois de la Musique” otorgó dos Premios Opus a la orquesta por el Evento Grabado del Año y Mejor Grabación de Música Contemporánea, gracias a un CD que reunió obras de Gorecki, Pärt y Schnittke. En 1999 el grupo fue distinguido con Grand Prix otorgado por la Comunidad Urbana de Montréal, en reconocimiento a su excepcional aporte a la divulgación de la música tanto en Montréal como en sus alrededores.

En Agosto de 2001 la revista BBC Music Magazine nominó el disco compacto número 40 de I Musici de Montréal como disco del Mes. Se trata de una grabación con obras de Miaskovsky, Schnittke y Denisov titulada Russian Tour of Force. En Abril de 2002 I Musici fue nominada a otro Premio Juno Canadiense por el Mejor Álbum de Música Clásica del Año, luego de haber ganado ese mismo galardón por su disco con piezas de Ginestera, Villa-Lobos y Evangelista.

Bajo la dinámica y visionaria dirección del Maestro Yuli Turovsky, quien también interpreta el violonchelo como solista con la orquesta, I Musici de Montréal se ha presentado en algunas de las más importantes salas del mundo entre las cuales cabe mencionar al Lincoln Center de Nueva York, el Gewandhaus de Leipzig (Alemania), el Seiji Ozawa Hall de Tanglewood, el Tonhalle de Zürich, el Palais des Beaux-Arts de Bruselas, el Kioi Hall de Tokio y el Conservatorio de Música en Luxemburgo. El entusiasmo del público y las aclamaciones de la crítica que subrayan la precisión, cohesión y virtuosismo de sus interpretaciones así como el sonido brillante y característico de la orquesta, confirman el muy destacado lugar de I Musici de Montréal en el panorama musical internacional.

Sarl Centre Français De La Harpe Et Du Piano

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Primer violínEleonora Turovsky

ViolinesDenis Béliveau

Robert MargaryanMadeleine Messier

Françoise Morin-LyonsChristian Prévost

Catherine Sansfaçon-BolducJulie Triquet

Natacha TurovskyLi Zhe

ViolasAnne Beaudry

Suzanne CareauElvira Misbakhova

Jacques Proulx

ViolonchelosAlain Aubut

Luo DiTimothy Bruce Halliday

ContrabajosDenis Chabot

Costantino Greco

FlautasHeather Howes

Jean-Philippe TanguayJavier Cáceres *

OboesKirsten ZanderDiane Lacelle

ClarinetesMark Simons

Airat Ichmouratov

FagotesLise Millet

Carmelle PréfontaineSandra Duque*

CornosJocelyn Veilleux

Jean-Jules Poirier

TrompetasStephane Beaulac

Lise Bouchard

TrombonesGiovanny Scarpetta*

David Alonso Arboleda*

TimbalesRobert Slapcoff

PercusiónMario Alberto Sarmiento*

Alejandro Ruiz*

ArpaBibiana Ordoñez*

MÚSICOS INTEGRANTES

*Musicos Colombianos

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Qué significa estar en el Festival

Es un gran honor y privilegio el haber iniciado este maravilloso viaje como Director Artístico Asociado del Festival Internacional de Música de Cartagena. Habiendo tenido la oportunidad de presentarme y dirigir festivales de música en diferentes lugares del mundo, me sorprendo al ver como Cartagena es un lugar perfecto para la realización de festivales y como este evento se ha convertido en un festival de música tan importante.

¡Qué evento tan grandioso es este! Con la participación de muchos de los grandes músicos del mundo interpretando un apasionado y emocionante repertorio musical en un escenario histórico idílico. Todo esto ocurre en la que es verdaderamente una de las ciudades más bellas del mundo: Cartagena.

Estamos todos emocionados no sólo por las presentaciones que tendrán lugar entre el 5 y el 12 de Enero sino también por la oportunidad de enseñar y apoyar a jóvenes músicos colombianos. También sabemos que nuestras presentaciones para los jóvenes que residen en las áreas suburbanas de Cartagena serán igualmente maravillosas. La música tiene el poder de “animar” el espíritu de las personas, iluminar y retar la imaginación; y como los científicos han descubierto, la música estimula el proceso de pensamiento cognitivo. En resumen, la música es buena tanto para el alma como para la mente. ¿Por qué, entonces, no darle a nuestros niños, nuestro futuro, el mejor regalo: el regalo de la música?

He sentido considerablemente la calidez y generosidad de los colombianos. Es nuestro más sincero deseo compartir este sentimiento a través de nuestra música. Espero pronto poder conocerlos a todos ustedes.

Stephen Prutsman

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En el ámbito humano la competencia se constituye culturalmente cuando el que el otro no obtenga lo que uno obtiene se hace fundamental como modo de relación .

Vivimos un mundo globalizado en donde escuchamos reiteradamente a nuestros profetas de la economía hablar de la competencia como el imperativo de nuestra subsistencia personal y como el requerimiento de cualquier grupo humano, de una nación, para poder enfrentar con éxito el presente y futuro de su existencia. Se podría decir, que es un lugar común la idea de que en un mundo de este tipo existe la urgencia de competir, generalmente bajo lo que se llama incrementos continuos de la productividad. La competencia se ha constituido en el valor más preciado de la globalización.

Sin embargo, existen ámbitos humanos en donde la colaboración, la generosidad y el afecto -expresados en el intercambio- nos muestran otros mundos posibles y, por supuesto, también nos renuevan las utopías, aquellas que para algunos ya no existen.

El Festival de Música de Cartagena, en su segunda edición programada para enero de 2008, es un buen ejemplo de esto último. En esta ocasión tendremos el placer de escuchar “dentro” de I Musici, la afamada orquesta de Montréal, a un grupo significativo de jóvenes músicos colombianos. I Musici, tendrá como invitados a 7 músicos nacionales, renovando una de las constantes en la historia del hombre: el aprendizaje o la enseñanza a través del ejemplo. De hecho, esta forma de transmisión del conocimiento es la base de la conformación y divulgación de la cultura. Cultura entendida como el conjunto de modos de vida, costumbres, conocimientos y grado de desarrollo artístico y científico de una época o un grupo social.

El aprendizaje a través del contacto directo con un maestro, en este caso con una institución magistral, ofrece a este grupo de colombianos la opción de enfocarse en una serie de aspectos fundamentales para la vida de un intérprete, entre ellos: el control de la energía y la emoción, la concentración intensa

Desde Adentro de I Musici

por periodos prolongados, el empleo de elementos dramáticos en la escena, la percepción del sonido total del conjunto y, por supuesto lo fundamental, cómo ser un músico de ensamble al máximo nivel internacional de hoy. Este conocimiento, que podría entenderse simplemente como intuitivo, sólo se puede obtener en la experiencia, a través del aprendizaje con un maestro. Cuando se toca en una orquesta o en un ensamble, la persona está inmersa en la música, la siente de manera física, mental y emocional. No es sólo la intensidad personal la que está en juego sino la de uno interrelacionada con la de los otros. Todo esto produce y requiere un estado de alerta general. Se escucha la música desde adentro. Es experiencia directa. El aprendizaje es profundo.

Para valorar esta situación es importante tener en cuenta que la ocasión de aprender de y con los grandes maestros del arte no es un asunto del diario acontecer. Por esto, la oportunidad para este grupo de músicos colombianos de tocar al lado de excelentes artistas, en la misma orquesta, en I Musici, es una circunstancia memorable e inmejorable para madurar intensamente. Los asistentes al Festival de Cartagena serán testigos, en la emoción, de esto.

Por otro lado, entendiendo la educación de la manera en que lo hace Maturana, no el nuestro, sino el biólogo y filósofo chileno Humberto Maturana, es seguro que en esta visita de los I Musici, las transformaciones serán de doble vía. Recordemos que para Maturana la educación es un proceso que se desarrolla como consecuencia de la convivencia, en donde cada uno de los implicados se transforma espontáneamente de manera que su modo de vivir llega a ser más congruente con el del otro, en el espacio de convivencia. En el caso del Festival de Música de Cartagena este espacio de convivencia es uno maravilloso: ¡la música!

Guillermo GaviriaProfesor TitularDepartamento de MúsicaUniversidad Javeriana

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Cartagena es una ciudad llena de contradicciones. Las construcciones coloniales evocan los años en los que la ciudad fue plaza fuerte y centro comercial, defensa del imperio español y núcleo del comercio de esclavos. Las murallas permiten recordar los ataques que sufrió a lo largo de su accidentada historia: piratas, flotas inglesas y francesas, revolucionarios de nuestras guerras civiles. El más terrible de todos, el sitio de 1815, que diezmo la población de una ciudad, que había encabezado las luchas de independencia y empezaba a enfrentar los problemas que su pasado esclavista había dejado. Después de dos siglos de vida independiente, Cartagena mantiene muchas de las heridas y cicatrices de su historia, y trata de superarlas. La búsqueda de la igualdad y el respeto racial hacen parte de una agenda todavía pendiente. El avance económico de las últimas décadas, cuando la industria moderna, el renacimiento del puerto y el turismo han seguido después de más cien años de estancamiento, ha sido en parte absorbido por una población que ve en Cartagena las oportunidades que no pueden encontrar en sus sitios de origen, agobiados por los conflictos recientes del país. El desarrollo de una ciudad eficiente, capaz de atender con plenitud las necesidades económicas, sociales y culturales de toda su población, es el gran desafío del momento. El Festival Internacional de Música constituye, en este entrecruzamiento de procesos difíciles pero llenos de perspectivas, un aporte esencial al presente y al futuro de la ciudad. La población de la ciudad, con una cultura musical rica y compleja, heredera de tradiciones españolas, indígenas y africanas, puede disfrutar, con el entusiasmo que todos pudieron advertir en la primera ocasión, de un contacto apasionante y

Cartagena: La Ciudad de la Fiesta Musical

abierto con la música clásica. Que los niños y profesores cartageneros y de toda Colombia reciban clases y estímulos de grandes figuras de la música internacional, será sin duda un catalizador de la creatividad musical del pueblo cartagenero. El entusiasmo de los habitantes locales se comunica de muchas formas a los músicos invitados, que sienten que están haciendo música con gente que no la vive como una simple forma de recreación, sino como una aventura cultural apasionada y comprometida. Es también evidente que el Festival ayudará a consolidar la posición de Cartagena como centro turístico internacional, y sobre servirá para que la ciudad ofrezca a los visitantes opciones culturales que la diferencien de otros destinos turísticos. La belleza histórica de la ciudad, la tradición que se ha ido formando con otros festivales musicales, cinematográficos y literarios, su rica cultura popular, hacen que Cartagena no sea solo un lugar para disfrutar de playa y sol y son la base para que la ciudad se oriente hacia un turismo complejo y culturalmente enriquecedor. El Festival Internacional de Música estimula la economía de la ciudad, promueve el empleo y el ingreso de su población. Pero es mucho más que eso: en la medida en que ha querido ser ante todo un festival para la ciudad misma, para su gentes, para sus niños, y no solo un evento para turistas, crea oportunidades culturales para todos y siembra unas promesas de creatividad que seguirán vigentes todo el año y muchos años.

Jorge Orlando Melo

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Sarl Centre Français De La Harpe Et Du PianoALQUILER DE ARPAS

PATROCINADOR DE LA ORQUESTA I MUSICI DE MONTRÉALEN EL CARTAGENA II FESTIVAL INTERNACIONAL DE MÚSICA.

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La Música: Cultura, Entretenimiento y Medicina

Según los antropólogos, y mi gusto por la música me impide contradecirlos pues es tan grande que debe ser genético, esta expresión artística –junto con las pinturas rupestres- es una de las primeras manifestaciones humanas de nuestros antepasados de las cavernas. Su evolución a través de miles de años es una de las claras maneras de analizar el desarrollo de la espiritualidad del ser humano, de su capacidad para expresar nobles sentimientos y de influir sobre el comportamiento social e individual en casi todas las circunstancias de la vida.

Si se trata de celebrar la guerra o la victoria son claros ejemplos: la Obertura 1812 de Tchaikovski o La victoria de Wellington, de Beethoven; si se lamenta la derrota, la sonata para piano Los Adioses, también de Beethoven; si de casarse, las marchas nupciales de Wagner, Mendelssohn o Verdi y de enterrar a los seres queridos, los numerosos réquiem encabezados por el de Mozart; de llorar la muerte de Jesús, las pasiones según San Mateo y San Juan, o el Stabat Mater de Dvorak; del transcurrir de la vida, las estaciones de Haydn, de Vivaldi o de Piazzola; de exponer las miserias humanas, Otelo de Verdi o Payasos de Leoncavallo; de exaltar la fantasía, El sueño de una noche de verano o La Flauta Mágica; de hacer dormir a los niños y mejorar su conducta, o de lograr que las vacas den más leche, “el efecto Mozart”; y así sucesivamente.

Entre más complejo, estresante y angustioso se vuelve el mundo, hay más música, más festivales que a atraen millones de personas, más orquestas y más solistas de todo género de instrumentos. Un verdadero renacimiento que ha llevado, además, a expurgar viejas bibliotecas y archivos de antiguas iglesias, monasterios y castillos para recuperar

partituras y músicos olvidados, adelantando en gran escala una labor similar a la de Mendelssohn con la obra de Bach.

Es de señalar cómo son los festivales de música los principales propulsores de este renacer: Salzburgo, Verona, Ravenna, Glyndebourne, Spoleto y cientos, más atraen millones de personas año tras año en forma creciente lo que hace que se dificulte ya –sobre todo desde Colombia- participar en ellos. Esa demanda creciente hace crecer, a su vez, la oferta que incluye los cruceros y los buques de río en Europa.

Los festivales representan para un país la mejor atracción de turistas, el auge de la hotelería y la restauración, la oportunidad de hacer conocer la cultura local (pintura, artesanía, teatro, arquitectura) y de conseguir, casi siempre, que los aficionados a la música extiendan su estadía visitando otras regiones y ciudades cercanas.

Los festivales tienen especiales características: ciudades pequeñas que permiten pasar de un espectáculo a otro a pie y garantizan la seguridad, una hotelería de lujo y restaurantes de excelente calidad gastronómica, sin olvidar hoteles más baratos para gente de menos recursos; participación de la comunidad en conciertos públicos y sesiones pedagógicas y, como la experiencia lo demuestra en países de menos desarrollo como el nuestro, compromiso de los organizadores y músicos con la educación popular. Por último pero no menos importante, fácil acceso por tierra, mar y aire y, agreguemos, la existencia de otros atractivos turísticos en la localidad que permiten aprovechar el tiempo libre.

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¿Qué ciudad de Colombia reúne todos los requisitos de un festival? Cartagena, sin duda.

¿Y quién está desarrollando un Festival Internacional de Música para Cartagena, y por ende para toda Colombia que, además, obedezca a todas las exigencias ya mencionadas? La Fundación Salvi que después del éxito obtenido en 2007 ya lanzó el Festival de 2008 cuyo programa, muy variado como debe ser, hará la delicia de nacionales y extranjeros entre el 5 y el 12 enero.

Vendrán del exterior músicos y orquestas de gran categoría; se seguirá trabajando con la Fundación Batuta y en la incorporación de talentos colombianos a los programas; en fin se ofrecerá al país un Festival que algún día, ojalá no lejano, gane el merecido reconocimiento internacional. Yo, por mi parte, seguiré apoyando esta iniciativa, una de las más importantes de los últimos años en el campo de la cultura.

Los festivales tienen especiales características: ciudades pequeñas que permiten pasar de un espectáculo a otro a pie y garantizan la seguridad, una hotelería de lujo y restaurantes de excelente calidad gastronómica, sin olvidar hoteles más baratos para gente de menos recursos; participación de la comunidad en conciertos públicos y sesiones pedagógicas y, como la experiencia lo demuestra en

países de menos desarrollo como el nuestro, compromiso de los organizadores y músicos con la educación popular. Por último pero no menos importante, fácil acceso por tierra, mar y aire y, agreguemos, la existencia de otros atractivos turísticos en la localidad que permiten aprovechar el tiempo libre.

¿Qué ciudad de Colombia reúne todos los requisitos de un festival? Cartagena, sin duda.

¿Y quién está desarrollando un Festival Internacional de Música para Cartagena, y por ende para toda Colombia que, además, obedezca a todas las exigencias ya mencionadas? La Fundación Salvi que después del éxito obtenido en 2007 ya lanzó el Festival de 2008 cuyo programa, muy variado como debe ser, hará la delicia de nacionales y extranjeros entre el 5 y el 12 enero.

Vendrán del exterior músicos y orquestas de gran categoría; se seguirá trabajando con la Fundación Batuta y en la incorporación de talentos colombianos a los programas; en fin se ofrecerá al país un Festival que algún día, ojalá no lejano, gane el merecido reconocimiento internacional. Yo, por mi parte, seguiré apoyando esta iniciativa, una de las más importantes de los últimos años en el campo de la cultura.

Carlos Lleras de la Fuente

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• La VitrolaEspecialidad: Cocina internacional y de marUbicación: Ciudad vieja Calle BalocoTelf: 6600711 • El SantísimoEspecialidad: Cocina internacionalUbicación: Ciudad vieja, Calle el SantísimoTelf: 6643316 •Cocina de CarmelaEspecialidad: Cocina internacionalUbicación: Ciudad vieja, Calle el SantísimoTelf: 6648298 •San PedroEspecialidad: Cocina internacional, ThaiUbicación: Ciudad vieja, Plaza San Pedro Telf: 6645121 •8-18Especialidad: Cocina internacionalUbicación: Ciudad vieja, calle castelbondoTelf: 6642632 •PalmaEspecialidad: ItalianaUbicación: Ciudad vieja, Calle del CuratoTelf: 6602796 •PalosantoEspecialidad: Internacional y típicaUbicación: Ciudad vieja, Calle de las damasTelf: 6644783 •QuebrachoEspecialidad: CarnesUbicación: Ciudad vieja calle BalocoTelf. 6641300 •Arabe InternacionalEspecialidad: Comida ArabeUbicación: Bocagrande Carrera 3ªTel: 6654365

GUÍA

La cocina Cartagenera es producto del mestizaje y la fusión de españoles, africanos y árabes. En menor escala italianos y mexicanos. Entre los restaurantes mas conocidos podemos mencionar:

•Santo Toribio Especialidad: Comida Arabe e internacional

Ubicación: Ciudad vieja Calle del curatoTel: 6648092

•La Bonga del SinúEspecialidad: Carnes

Ubicación: Av. El ArsenalTel:6601649

•La Fragata

Especialidad: Comida de MarUbicación: Calle Real del Cabrero

Tel: 6648734

•La LangostaEspecialidad: Comida de Mar

Ubicación: Calle Real del CabreroTel: 6640804

•El Portón Santo Domingo

Especialidad: Cocina internacional y de marUbicación: Ciudad vieja calle Santo Domingo

Tel. 6648897

•Club de PescaEspecialidad: Cocina internacional y de mar

Ubicación: Fuerte del Pastelillo en MangaTel: 6604594

•El Mar de Juan ( Internacional, mesa italiana y pizzería)

Especialidad: Cocina internacional y de marUbicación: Ciudad vieja, Plaza San Diego

Tel. 6640148

•La BruschettaEspecialidad: Italiana

Ubicación: Calle del CuratoTelf.6645591

• Donde Olano

Especialidad: Internacional y de marUbicación: Ciudad vieja, calle santo domingo

Telf.6647099

OPERADOR OFICIAL DEL FESTIVAL

Toda la música de los artistas del Festival

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Compromiso Social y Empresa Privada

La Responsabilidad Social Empresarial puede definirse como la contribución activa y voluntaria de las empresas al desarrollo, bienestar y mejoramiento de la calidad de vida de la comunidad y la sociedad donde la empresa está inscrita.

Inicialmente, las empresas se han enfocado en otorgar beneficios tales como educación, vivienda y otros subsidios a sus empleados, para luego ampliar su espectro a la comunidad que la rodea tratando, incluso, de abarcar las zonas y poblaciones que territorialmente no son tan cercanas a ella.

Existen varias razones por las cuales el concepto de responsabilidad social comienza a tomar fuerza: por una parte, la baja capacidad de respuesta del Estado a ciertas necesidades de la población hace que los empresarios comiencen a tomar cartas en asuntos que atañen a las comunidades donde está establecida la empresa.

De otro lado, la empresa puede ofrecer y/o apoyar ideas innovadoras que contribuyan al desarrollo e inclusión social de las comunidades; esto genera un interés especial entre los clientes potenciales que lleva al reconocimiento e diferenciación de la empresa frente a su competencia.

Finalmente, los empresarios encuentran que el ser “socialmente responsables” genera una mayor rentabilidad y es un valor agregado muy importante. En la actualidad las empresas son observadas cuidadosamente, tanto los consumidores como potenciales inversionistas evalúan el grado de compromiso e interés que cada una de ellas tiene en apoyar proyectos sociales de impacto.

Existe una pequeña pero importante diferencia entre la definición de filantropía y el concepto de responsabilidad social: la filantropía se relaciona más con la satisfacción generada al entregar unos recursos para que sean utilizados en un proyecto específico, de interés personal; en tanto que la responsabilidad social está unida a un plan estratégico de la empresa que contempla diversos aspectos: posicionamiento de la empresa, imagen corporativa, relaciones con la comunidad, etc.

Hablar de responsabilidad social en Colombia es un asunto que interesa a muchos: no sólo a la empresa misma sino también al

Estado y a diversas organizaciones no gubernamentales que ven en esto un gran apoyo al desarrollo de programas y proyectos que aunque son importantes y necesarios no siempre cuentan con los recursos para su realización.

De acuerdo con una encuesta realizada por la revista Dinero1 en septiembre pasado, la tendencia de responsabilidad social empresarial en Colombia es apoyar proyectos educativos.

Gran parte de estos proyectos están enfocados en solucionar el problema del analfabetismo incluyendo y ampliando cada vez más el número de niños y niñas que pueden tener acceso a un colegio. Pero existen otros proyectos educativos que buscan algo más: dar esperanza, mostrar un camino distinto, presentar la cultura como un punto de partida para que niños, niñas y jóvenes descubran otro estilo de vida. En nuestro país existen organizaciones que promueven esto y buscan recibir apoyo para continuar desarrollando y ampliando programas culturales que mejoren la calidad de vida de los distintos grupos sociales.

Generar acciones de responsabilidad social empresarial que apoyen temas culturales es algo aún novedoso en Colombia; son pocas las organizaciones cuyas políticas de responsabilidad social incluyen este tema y aquellas que lo desarrollan, lo hacen a través del patrocinio a eventos –tales como exhibiciones, conciertos, etc.- reconociendo en estas expresiones culturales una herramienta que contribuye a la identificación y posicionamiento de su marca.

Aunque lo anterior es un primer paso para la promoción de la cultura, el concepto de responsabilidad social empresarial implica que el apoyo que se otorga en este sentido no tenga otro interés que incrementar el número y calidad de las actividades culturales y al mismo tiempo acercar éstas a un público cada vez mayor.

Adicional al apoyo que la empresa brinde a las diferentes organizaciones culturales es necesario que se fortalezca la relación entre unas y otras estableciendo compromisos de ayuda permanente a programas concretos.

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Benefactores VIP Package

Mr. & Mrs. Howard PhippsMr. & Mrs. Constantine Sidamon - Eristoff

Ms. Faith HentschelMrs. Patty Andringa

Mr. & Mrs. Walter CuttlerMrs. Pat Pickering

Mrs. Nancy WickwareDr. Peggy Mc Evoy

Mr. & Mrs. Raymond De SmedtMrs.Marie Claire Triest

Mrs. Sophie Wyrouboff-GortchacowMr. & Mrs. Fernand Huts

Mr. & Mrs. Karel De BoeckMs. Aileen James Traeger

Dr. Keith L. IronsideMr. & Mrs. Eduardo Barco

Mr. & Mrs. Santiago UrrutiaMr. & Mrs. Adolfo Patron

Mr. & Mrs. Eduardo Castro Mr. & Mrs. Rino Del Roio

Mr. & Mrs. Alexandro AmpudiaMs.Cristina Incisa di Camerana

Mr. & Mrs. Nicolás RuedaMrs. Pat StanleyMr. Bill Mc. Neill

Mrs. Lillo Way

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Junta Directiva y Planta Administrativa

PLANTA ADMINISTRATIVAJulia Salvi • PresidenteGustavo Torres • VicepresidenteClaudia Fadul • VicepresidenteMarialejandra Urbina • Directora GeneralAlcira Tarriba • Asistente de PresidenciaCarolina Medellín • Coordinadora Administrativa

Director Artístico FundadorCharles Wadsworth

Stephen Prutsman • Director Artístico AsociadoAmy Carll Gharibian• Asistente del Director ArtísticoSandra Meluk • Dirección Artística Fundación Salvi

ProducciónMarta Kovacsics • Jefe de ProducciónEddy Gómez • Asistente de Producción

Dirección General de Audio y SonidoMartha DeFrancisco • José Leonardo Pupocon el apoyo de RCN

Prensa y ComunicacionesMaría Teresa Mendoza • PrensaGabriela Soler • ComunicaciónBurson Marstellers • Relaciones PúblicasPeter Kapakos • PK MediaMarilynne Herbert • Asesora PR

OperacionesGema Tourswww.gematours.com

PublicidadYoung & Rubicam BrandsLayouts Arte & Diseño

LegalJuan Pablo González • Asesor Legal

TesoreríaCompañía Profesionales de Bolsa S. A.

JUNTA DIRECTIVA

Julia Salvi (Presidente)Claudia Fadul RosaJuan Pablo González MejíaBruce Mac MasterRoberto Murillo GaviriaGustavo Torres Forero

COMITÉ ASESOR BOGOTA

Carlos Julio ArdilaDanielle BessudoJean Claude BessudoAlfonso de la EspriellaHenry Eder Anna SouzaCarlos Arcesio PazMaría Stella FernándezJoel GoldinEllen GoldinGuillermo GaviriaMarilynne HerbertJuan Pablo HernándezGustavo LenisAlvaro Leyva ZambranoEnrique SantosAlfonso López CaballeroCarlos Lleras De la FuenteClemecia de LlerasPaulina MallarinoMargarita de MurilloJorge Orlando MeloMartha Torres de BecerraAmparo Sinisterra de Carvajal

COMITÉ ASESOR CARTAGENA

Alberto AraujoEmilia Fadul RosaMaria Cristina Pacheco SánchezJavier Martínez IbarraMónica Fadul RosaAugusto Piñeres VélezRaimundo AngúloYolanda MogollónMaría Elsa GutíerrezRafael Tono LemaitreMartha Lucia NogueraFrancisco NogueraEdgar VargasGustavo Lemaitre DonnerMarta Elena Velez de la EspriellaSilvana GiaimoCarlos Rodríguez PizarroCarlos Ignacio Corrales

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Agradecimientos

Andres Forero T.Julieta RendonGustavo TatisNora A. Angel L.Diego ArenasAsociación Nacional de Música SinfónicaMaritza BallestaBanco de la RepublicaRicardo BermúdezJean-Claude Besudo & SraLuz Stella Bonilla de PáramoSivia CalvoCarlos CamachoNicolas CardenasMargarita CardenasCamilo MateusHeather CappleHector Fabio CardonaIvonne CarleoStephanie CreaseCarolina CrúCorporación Turismo Cartagena de IndiasMónica del RiscoJaime DuqueHenry Eder y Anna K Souza Escuela Superior de Bellas Artes CartagenaEstudiantes de Música Escuela Bella Artes Cartagena

Salomón FinvarbJorge GamboaGladys Hernández de Sandoval Rodrigo Hurtado Pilar Jiménez Adriana MejíaLuis MejíaNelcy Mendoza Ministerio de Relaciones ExterioresMonica SaninMaria Isabel MurilloOrquesta Filarmónica de BogotáOrquesta Filarmónica de MedellínMaría Claudia PariasDiego PulidoJorge QuiñonesReal MusicRed de Radio UniversitariaMaria Isabel RestrepoElba RiosSaycoHellmuth SeguraOlga Patricia Sin UribePilar SolanoLimberto TarribaUniversidad Nacional de ColombiaMuseo de Arte Moderno de Cartagena

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Programa de Mano 2008`