Universidad de GuadalajaraProyecto Festival Cultural Iberoamericano En conmemoración al Bicentenario de las Independencias de América Latina y Centenario de la Revolución de México

2010

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1. Carta de presentación del presidente de la Fundación Universidad de Guadalajara 3

2. Presentación General 4

3. Objetivos Generales 6

4. Justificación del proyecto 9 5. Programación sugerida 11 - Música 12 - Danza 28

- Teatro 33 - Ópera 40

- Teatro de Calle 44

- Artes Visuales 51

6. Presupuesto 58

7. Proyección de Ingresos Institucionales 60

ÍNDICE

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El Bicentenario de la Independencia de México, así como el Centenario de la Revolución Mexicana, son dos coyunturas políticas, sociales y culturales que sin duda marcaron el pasado y siguen teniendo un significado importante en nuestro presente. Una celebración idónea, es reunir y conjugar a las más importantes expresiones contemporáneas del arte y la cultura de Iberoamérica en un festival.

El Festival Cultural Iberoamericano al ser un encuentro de las más grandes expresiones artísticas, permitirá que todos celebremos la historia y la identidad que los pueblos iberoamericanos hemos forjado a lo largo de doscientos años.

El Festival Cultural Iberoamericano reunirá a los más destacados artistas de la música, la danza, el teatro, la ópera, el teatro de calle y las artes visuales, para dejar de manifiesto, el florecimiento de las culturas que dentro y fuera de México se ha dado a partir de estos dos acontecimientos, pero sobre todo, reflejará el inherente potencial que la cultura y las artes portan para entender y mejorar el mundo en que vivimos.

El Festival Cultural Iberoamericano será un hito en la historia de los festivales en nuestro continente y una de las muestras más espectaculares de la grandeza que nos representa a todos.

Raúl Padilla LópezPresidente de la Fundación

Universidad de Guadalajara

Presentación general

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La conmemoración de la independencia y de la revolución demanda y merece una profunda reflexión. La Universidad de Guadalajara como una de las más importantes instituciones de educación pública del país, además de la revisión académica de lo que significa la independencia y la revolución, propone a través del Festival Cultural Iberoamericano, reunir diversos proyectos que muestren cómo ambos fenómenos sociales trastocaron artística y culturalmente, sobre todo, la percepción colectiva.

Si para México el independizarse de la corona española significó un verdadero reto político, violento y de organización interna, la Revolución Mexicana de 1910 constituyó uno de los procesos socioculturales que marcaron el resto de la historia de nuestro país. A la víspera de los aniversarios a conmemorarse en 2010, estos acontecimientos se vuelven dignos de celebrarse por dos razones: la manera en que han modificado la vida de quienes conformamos esta nación y los múltiples sentidos en que hemos sido trastocados como sociedad.

Objetivos Generales

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1.- El Festival Cultural Iberoamericano será la mayor exhibición de las artes de Iberoamérica. La cultura y por ende las disciplinas artísticas, no tienen sentido si se mantienen ajenas a los extraordinarios contextos sociales e históricos; por tanto el arte, resultado inmediato de la sensibilidad y el pensamiento de los pueblos y las sociedades. Reunir a artistas de toda Iberoamérica en un mismo escenario, tiempo y espacio, generará un festival que además de promover la reflexión y la celebración, exhiba la diversidad cultural que constituye la identidad no sólo de nuestra sociedad, sino de las que nos han acompañado a lo largo de estos años y se han alimentado de nuestras manifestaciones.

El presente proyecto propone la realización de un festival en donde tengan lugar las manifestaciones artísticas que se mencionan a continuación:

La música y su infinita capacidad de atomizar en una mínima melodía todo un mensaje y sentimiento que convierte al momento, en un acto irrepetible.

El teatro, siendo una de las mejores herramientas para ubicar lo complejo de una idea y representarla como un todo congruente y articulado en las vidas de las personas. Pero no sólo en escenarios convencionales, el teatro de calle retomando los elementos primordiales de las artes escénicas, para llevar al espectador a mundos imaginarios por medio de la risa, el peligro y la curiosidad.

Las artes plásticas, cuya materialización de las ideas y los sentimientos en la mayoría de las veces nos llevan a imprevistos encuentros con lo más profundo del espíritu.

La ópera como la suma total de las artes en un mismo espectáculo: drama, música, literatura y una propuesta plástica que comunican lo más determinante de la condición humana.

Y la danza, proponiendo la articulación en movimiento de lo más abstracto que conocemos: tiempo, espacio y forma resultando una de las manifestaciones más sublimes del complejo pensamiento contemporáneo.

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2.- El Festival Cultural Iberoamericano no sólo invitará a un encuentro de varios mundos a partir del arte, de lo que fuimos y somos después de la separación de la corona española y la revolución (que sentó las bases de la democracia en nuestro país). El festival se propone también desencadenar la generación de empleos en relación directa con la infraestructura cultural de la región convirtiéndose desde su diseño y ejecución, en un detonador importante de turismo para Jalisco y el occidente de México.

La función social del Festival Cultural Iberoamericano, comienza por el beneficio que se extiende a la población de Guadalajara y estados vecinos, al generar una oferta rica en diversidad; porque la cultura es donde verdaderamente se conjuntan todos los mitos, verdades y posibilidades de entender una sociedad.

Justificación del proyecto

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El Festival Cultural Iberoamericano es el proyecto cultural más ambicioso que ha visto el Occidente de México en mucho tiempo. Combina la relevancia histórica de los suscesos que celebra con la vanguardia artística que caracteriza a Guadalajara. Será la mayor acumulación de artistas que ha visto una ciudad mexicana. Se extiende en más foros y recintos que cualquier otro evento que ha visto Guadalajara y promete nada menos que calidad mundial en cada uno de los espectáculos. Lo más relevante de todo esto es que Guadalajara tiene ahora una oportunidad para demostrar que es una ciudad modelo con la infraestructura necesaria para lograr, de un proyecto de esta magnitud una realidad que le traiga beneficios al estado de Jalisco.

El impacto del Festival Cultural Iberoamericano está basado en la universalidad del atractivo de las artes. Las artes y la cultura son uno de los mayores atractivos y estímulos al turismo en el mundo. El festival incide claramente en dos importantes esferas que se cruzan con lo económico y la proyección que México necesita promover al interior, como al exterior de sus fronteras.

1) La promoción de la cultura nacional e internacional, con una programación rica de artistas y proyectos multidisciplinarios de todo Iberoamérica.

2) El posicionamiento de México como un país con la infraestructura suficiente y el capital humano de profesionales de las artes, capaz de generar y gestionar producciones artísticas, del más alto nivel internacional que constituyen un atractivo turístico más para México.

Finalmente, ponernos en comunión con un pasado significativo, un vertiginoso presente y enriquecedor futuro a través del Festival Cultural Iberoamericano, es como proponemos celebrar el devenir histórico de nuestros países.

Programación sugerida

Música

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Orquesta Sinfónica de VenezuelaVenezuela

Gustavo DudamelVenezuela

La Orquesta Sinfónica de Venezuela (OSV) es considerada una de las mejores orquestas del mundo. Fue fundada por Vicente Emilio Sojo el 24 de junio de 1930. Durante estos 79 años de tesonera labor, la Orquesta Sinfónica de Venezuela, ha recibido la visita de notables figuras del mundo de la música, entre ellos: Wilhem Furtwaengler, Igor Stravinsky, Sergio Celibidache, Carlos Chávez, Keith Brown, Mstlav Rostropovitch, Arturo Rubinstain, Claudio Arrau, Yo Yo Ma, Pablo Casals, Wilhem Kemp, entre otros. Durante sus inicios, la Orquesta Sinfónica de Venezuela no sólo ha cubierto con creces las expectativas para las cuales fue creada sino que ha incursionado en todos los ámbitos posibles de la manifestación orquestal: ópera, ballet, musicales, música de cámara y series de conciertos, grabaciones de soundtracks, variados espectáculos sinfónicos, entre los cuales destacan conciertos didácticos-infantiles, navideños, de música folclórica y popular, rock sinfónico y tangos, entre otros.

Es uno de los directores de orquesta más destacados a escala internacional que llamó la atención desde sus veinte años de edad. Para un músico que comenzó a conducir en 1995 e hizo su debut profesional en el 2005, ha llegado a la cima del pódium reconocido como ningún otro director de orquesta. Recientemente hizo su debut en la Orquesta filarmónica de Los Ángeles en el Walt Disney Concert Hall el 08 de octubre de 2009.

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Orquesta Filarmónica de las AméricasMéxico

La orquesta, integrada por 73 músicos, bajo la visión artística de su directora, Alondra de la Parra, ha adoptado el concepto de un conjunto contemporáneo que enfatiza la importancia de la música de alto nivel de Latinoamérica y del resto del mundo. Se concibe a sí mismo como un laboratorio para la expresión artística, aceptando su responsabilidad de apoyar a compositores, directores y solistas jóvenes prometedores, y a toda clase de artistas de Latinoamérica. Cada uno de los integrantes, reconoce que es de vital importancia difundir la música universal como parte indispensable de la vida del ser humano. Ha ofrecido más de ocho conciertos con asistencias que rebasan las 3,000 personas. En sus pocos años de existencia, la Filarmónica de las Américas ha logrado colaborar con importantes solistas, entre los que destacan Horacio Franco, Eugenio Toussaint y Paquito D’Rivera.

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Carlos PrietoMéxico

Carlos Prieto es uno de los violonchelistas más respetados en el mundo. Interpreta composiciones realizadas especialmente para él hechas por autores latinoamericanos, estadounidenses y europeos. Ha recibido el aclamo del público y ha ganado excelentes críticas por sus presentaciones a través de los Estados Unidos, Europa, Rusia, China, India y América Latina. De su debut en el Carnegie Hall, el New York Times escribió: “Prieto no tiene limitaciones técnicas y sus instintos musicales son impecables”

Ha sido invitado a la mayoría de los teatros más prestigiosos y ha interpretado con orquestas como la Real Filarmónica en Londres, la Orquesta Sinfónica en Nueva York, la Orquesta Sinfónica de Berlín, la Orquesta de Cámara de Moscú, la Orquesta Nacional Española, la Orquesta de Radio y Televisión Española y la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina, entre otros.

La revista “Strings” dedicó un artículo a Carlos Prieto llamándolo “Hombre del Renacimiento” y calificó “su impresionante vida como músico, autor, trotamundos e incansable promotor de compositores Latinoamericanos.”

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Lluís ClaretEspaña

Nacido en el Principado de Andorra en 1951, de padres catalanes exiliados, Lluís Claret empieza los estudios musicales a los 9 años.

Su futuro musical quedará fuertemente marcado por el contacto con grandes profesores como Maurice Gendron, Radu Aldulescu y Enric Casals (hermano de Pau Casals) quien, sin ser violonchelista, fue durante años su principal consejero musical en Barcelona.

Sus encuentros con György Sebök, Eva Janzer y Bernard Greenhousetambién han sido determinantes en el desarrollo de su personalidad artística.

Regularmente, Lluís Claret es invitado a formar parte del Jurado de Concursos Internacionales (Rostropovitch-Paris, LeonardRose-Washington, Pablo Casals-Kronberg, Paulo-Helsinki, Adam-Nueva Zelanda,...) y preside el Concurso Internacional “Lluís Claret-Ciudad de Moguer” (España).

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Ensemble Elyma Ginebra

Integrado por cantantes e instrumentalistas en música latina de la época barroca y del Renacimiento, reconocida internacionalmente por el redescubrimiento de la música antigua de Latinoamérica.

Ensamble fundado en 1981, y dirigido por Gabriel Garrido; la composición de su música varia según las obras, para restablecer su autenticidad cultural y temporal.

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Jordi SavallCatalunya , España

Jordi Savall, nacido en 1941 es un violinista y conductor de Cataluña. Ha sido una de las mayores figuras de la música reciente desde 1970 y ha sido el mayor exponente de solo viola da gamba y su aproximación al ensamble es una de las mas inovadoras. Su repertorio va desde la época medieval hasta el barroco francés. Su discografía está dividida en 4 partes: “Grabaciones originales”, “Compilaciones”, “Películas” y “Selecciones”

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Banda Mixe y Goran BregovićMéxico / Yugoslavia

Banda Mixe

Conjunto de marchas y pasodobles, todas vivaces, descriptivas y con un sello esencialmente oaxaqueño, es como se describe la Banda Mixe de Oaxaca, cuyo director titular es el maestro Joel Wilfrido Flores Villegas y el subdirector, Alejandro Bravo. La diversidad temática es evidente, aunque en cada pieza siempre destaca el aire que la motivó, la sensibilidad de su director, de la banda, de Oaxaca, que oscila entre lo ostentoso y la sobriedad, con predominancia de lo grandioso, de lo majestuoso, como corresponde al espíritu de la Banda.

Goran Bregović

Gran compositor de nacionalidad yugoslava. Reconocido internacionalmente por ser el autor de las bandas sonoras de varias películas de fama mundial, Bregović es uno de los más afamados compositores de la región balcánica. Su producción mezcla sonidos del folclore tradicional con rock, música búlgara y otros estilos musicales Bregovic. Ha compuesto para una gran gama de artistas, desde Iggy Pop hasta Cesaria Évora. Entre las bandas sonoras que ha compuesto se encuentran las películas, Times of Gypsies, Arizona Dream y Underground.

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La Selección Nacional de TangoArgentina

Los músicos que integraron las más importantes orquestas de la historia del Tango se reúnen para formar la Selección Nacional. Una Orquesta Típica que cuenta con bandoneones de lujo, una fila de cuerdas impecable y un piano con sello propio, con la particularidad de que los Maestros alternan su rol de músico y director: cuando otro dirige, integran la fila de su instrumento. El grupo resalta por el profesionalismo de los Maestros, así como su marcada trayectoria en el ambiente del Tango.

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AterciopeladosColombia

Es un grupo colombiano de rock en español. Esta banda que nació en los años 1990 ha alcanzado un gran éxito nacional e internacional. Su segundo álbum El Dorado, es considerado como uno de los mejores discos de la historia del rock Colombiano. Su primer éxito internacional Bolero falaz, los llevó a posicionarse en MTV Latinoamérica. Su vocalista Andrea Echeverri fue invitada por Soda Stereo para cantar con ellos en su MTV Unplugged, y logró además la difusión de varios videos en la cadena MTV Latinoamérica. El quinto disco Gozo poderoso, con una propuesta alternativa y un mensaje positivo en sus letras, consigue ganar el premio Grammy Latino en 2001 como Mejor Álbum Rock Grupo o Duo, además de la nominación al Grammy como Mejor Álbum Rock. La banda se reagrupó y lanzó el sencillo Complemento de su nuevo álbum Oye en octubre de 2006. Complemento ocupó los primeros lugares de las listas en el mundo Alternativo, el segundo sencillo Canción protesta también fue un éxito y revivió la música de protesta. Una banda sumamente posicionada como una de las mejores de rock en español, a nivel mundial.

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Daniela MercuryBrasil

Reina del reggae- samba, de la bossa y del carnaval, Daniela Mercury encarna por si misma toda la energía y la sensualidad de Brasil. Bailarina, compositora, productora y actriz, Mercury se ha convertido en todo un fenómeno social y en la gran estrella de la música popular brasileña. Su voz de oro le ha valido la colaboración de Chico César, Carlinhos Brown, y Milton Nascimento. Fue la encargada de animar el espectáculo de clausura de los Juegos Panamericanos en Río de Janeiro 2007. Ganadora del Grammy 2007 “ Mejor álbum de música regional brasileña”.

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LenineBrasil

Cantante, compositor, arreglista, músico y productor; pocos artistas reúnen el reconocimiento de su talento en tantas actividades; su sonido innovador, traspasa las fronteras de Brasil y se consolida en el exterior como un artista talentoso que mezcla sonidos pop-rock con ritmos tradicionales de Brasil.

Notable en sus composiciones la alusión a escenarios de ciencia ficción. Utiliza en la instrumentación muchos sonidos de sintetizadores y guitarras acústicas con sonido crudo. Lenine se ha vuelto una personalidad de la música brasileña.

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Rock en ÑEspaña

Es un festival que celebra la fuerza del rock en castellano. Se logra por medio de caravanas o giras, con el objetivo de acentuar la cada vez mayor presencia, prestigio e influencia del rock en castellano en un mercado tradicionalmente dominado por los artistas anglosajones. El patrimonio cultural y lingüístico de los autores hispanoamericanos sigue siendo su principal tarjeta de presentación y la gira Rock en Ñ, es una de sus mejores plataformas promocionales, ya que se trata de un proyecto que vincula a todos los sectores de la industria musical: artistas, público, empresas discográficas, medios de comunicación, productores, representantes, etc. Rock en Ñ habrá pasado, desde el año 2000, por más de 10 países y 25 ciudades, con la participación de más de un centenar de bandas en más de 70 conciertos. En estos años, el cartel ha incorporado a nombres españoles tan relevantes como Enrique Bunbury, Estopa, Amaral, Piratas, Violadores del Verso, Maga, Deluxe, La Excepción o Vargas Blues Band, a los que se han sumado artistas latinoamericanos como Julieta Venegas, Aterciopelados, Jorge Drexler, Coti, Babasónicos, entre otros.

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Mono BlancoMéxico

Elogiado internacionalmente, Mono Blanco es el líder dentro del movimiento progresivo que hoy vive el son jarocho.

Desde su fundación en 1977, el grupo se ha presentado en todos los lugares de su patria, difundiendo el son jarocho. También ha realizado giras en Asia, Europa, Centroamérica, África, los Estados Unidos de Norteamérica y Canadá.

Mono Blanco goza de un sonido único, fijamente arraigado en una antigua y asombrosa tradición. “Verlos y escucharlos -ha escrito un crítico del diario mexicano “La Jornada”- es experimentar el pasado, el presente y el futuro al mismo tiempo”.

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Café TacvbaMéxico

Grupo musical de rock alternativo mexicano, formado en 1989, ganador del Grammy y el Grammy Latino. Es una de la bandas musicales más arriesgadas y creativas del boom del rock alternativo de los 90. Su música no se puede colocar fácilmente en una categoría particular, debido a la versatilidad de sus ritmos que combinan pop modernos con la música folclórica latina y mexicana. Su mas reciente material discográfico fue lanzado en 2007 con el título de “Sino” del cual se desprendieron los sencillos “Volver a Comenzar,” “Esta Vez” y “Vámonos”, con el cual una vez mas ha logrado sobrepasar las fronteras mexicanas.

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Caetano VelosoBrasil

Veloso es compositor, cantante, guitarrista, escritor y activista político. Lo han llegado a considerar uno de los mejores cantantes del siglo, y hasta lo han considerado como el Bob Dylan, de Brasil. Fue unos de los fundadores del movimiento de música Tropicalísimo, en Brasil. Ganador de cinco grammys latinos e ícono de la música Brasileña.

Danza

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Compañía Nacional de DanzaNacho Duato/ España

Nacho Duato

Nacho Duato, tanto desde su profunda formación escolástica como desde su generosa apertura a otras figuras de la coreografía universal (Kylian, Forsythe, van Manen y Mats Ek, entre muchos más), ha sabido recoger este sentimiento en la Compañía Nacional de Danza, poniéndola en línea con otras formaciones similares de su entorno internacional, que practican la saludable fórmula de la síntesis que admite -en íntima conjugación- técnicas clásicas con lenguajes modernos, y viceversa. La preocupación de Duato es encontrar el equilibrio entre la coreografía, el ballet y la forma de vivir. Para él la riqueza de la cultura y el folklore español constituyen un influjo inagotable para su trabajo. Su éxito internacional hace sentir el orgullo de esa nueva España en la que la gente de la compañía se ha empeñado.

Con la entrada de Nacho Duato, se formó una compañía con identidad propia, en la que, sin olvidar los preceptos clásicos, se derivó hacia un estilo más contemporáneo. Con este fin se incluyeron en el repertorio de la compañía nuevas coreografías creadas específicamente para ella, junto con otras de contrastada calidad, reconocida en numerosas compañías internacionales. Añadiendo algunas de nuestras esencias que resultan más coreografiables: meridionalidad, mediterraneidad, naturalidad. Tres elementos que dan sustantividad y carácter diferencial a una Compañía Nacional de Danza que va encontrando su puesto, su espacio, en el mundo de la coreografía.

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Quazar Dirección artística Henrique Rodovalho / Brasil

Henrique Rodolvaho

Con formación en Artes Marciales y Educación Física, Rodovalho comenzó su trabajo como coreógrafo en 1988. Ganador de numerosos premios nacionales e internacionales como, por ejemplo, el Premio de Composición Coreográfica en México. Su talento y notoriedad le han dado la oportunidad de trabajar con ballets de la talla del Balé da Cidade de São Paulo, o del Ballet Gulbenkian, además de haber sido invitado a coreografiar una pieza en el prestigioso Nederlands Dans Theater.

Quazar

Fundada en 1988 por Vera Bicalho y Henrique Rodovalho, Quazar Cia de Dança es una de las compañías de danza más reconocidas de Brasil. Tiene sus orígenes en el Grupo Energía, formado en Goiânia, Goiás, al inicio de los años 80. Instalada en el Brasil Central y formada por 9 bailarines, Quazar ha conseguido destacar en el panorama nacional e internacional de la danza contemporánea gracias al desarrollo de un lenguaje propio, y a una clara apuesta por la cualidad artística y la implicación. El repertorio lo componen las, hasta el momento, 20 coreografías creadas por su director artístico, mismas que indagan en la complejidad existencial del cuerpo y del alma a través del vigor, el humor o la simplicidad.

Quazar siempre ha priorizado la libertad y la investigación de otros lenguajes creativos por encima de las normas académicas. Unos signos rítmicos inconfundibles, junto con el alto nivel técnico de sus bailarines, dan a Quazar una identidad muy personal.

Quazar recibió el pasado 7 de octubre de 2008 la Orden del Mérito Cultural de Brasil que recompensa a personas o colectivos por su contribución a la cultura brasileña.

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Hace dieciocho años inicio en París esta travesía llamada L’Explose, con la idea de construir un universo donde la danza fuera la punta del iceberg del flujo emocional y donde el movimiento consiguiera hablar de la complejidad del ser humano.

La llegada del director, Tino Fernandez, a Colombia fue el encuentro con otra cultura, más cercana a su España natal que la francesa. Encontró un país exuberante y lleno de contrastes, capaz de generar miles de historias que contar; un lugar donde la gente construye emociones a través del baile, como si el mundo sentimental estuviera escrito en el cuerpo. Descubrió fascinado que la danza estaba en la sangre de Colombia y sólo había que “codificarla” para volverla manifestación artística.

L’Explose realiza periódicamente giras nacionales e internacionales, mediante las cuales da a conocer su repertorio y sus últimas creaciones. Dentro de este objetivo, L’Explose ha presentado su trabajo exitosamente en Europa, Estados Unidos, Asia y América Latina.

L’ExploseColombia

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Compañía DelfosMéxico

La compañía Delfos Danza Contemporánea fue fundada en 1992 por los coreógrafos y bailarines mexicanos Víctor Manuel Ruiz y Claudia Lavista, con el objetivo de abrir un espacio para la creación, el intercambio, la formación y la comunicación a través de la danza contemporánea. Está reconocida como una de las agrupaciones de danza contemporánea más importantes de Latinoamérica y es residente del Teatro Ángela Peralta de Mazatlán y Núcleo de la Red de Promotores Culturales de Latinoamérica y el Caribe.

Delfos es un laboratorio de imágenes y emociones en movimiento, a partir del cual se crean obras que surgen de un trabajo introspectivo, cuyo propósito es llegar, a través del lenguaje del cuerpo, a la intimidad del ser humano para descubrir los mundos insospechados que puedan surgir dentro de él. La visión estética de sus integrantes, le han impreso a la compañía un sello particular que se caracteriza por la plasticidad, la versatilidad, la fisicalidad y la poética contenida en cada una de sus obras

Su trabajo ha sido elogiado por la crítica nacional e internacional y se ha presentado en: Canadá, Venezuela, Colombia, Brasil, Estados Unidos, Corea, Bolivia, Italia, España, Panamá, México y Grecia.

Teatro

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O Paraíso PerdidoTeatro da Vertigem / Brasil

Teatro da Vertigem

Los elementos característicos del Teatro da Vertigem son la utilización de espacios no convencionales de la ciudad, la creación de espectáculos basados en el desarrollo personal de sus integrantes, el fuerte carácter investigador que prima en la búsqueda de un teatro construido de forma colectiva y democrática entre los actores, el dramaturgo y el director –conocido como proceso colaborativo y la investigación sobre los procesos de interferencia en la percepción del espectador. Tales características impulsan el trabajo de este grupo brasileño, impulsado en 1991 y que mantiene su repertorio siempre activo. Actualmente, el Teatro da Vertigem sigue con sus estudios teóricos y discusiones sobre su próxima investigación.

Con este espectáculo se abordan la pérdida del paraíso, su nostalgia y la consecuente búsqueda de un vínculo con el origen. Inspirados en los relatos mesopotámicos de la creación, la génesis bíblica y los textos apócrifos de los libros de Adán y Eva hasta la obra de John Milton O Paraíso Perdido, poema responsable del origen y la articulación de este proyecto.Es la infancia del hombre y no la de un hombre específico la que se aborda.

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La OdiseaTeatro de los Andes / Bolivia

Teatro de los Andes

Habitando en un teatro-granja, cerca de Sucre, el teatro de los Andes, fundado en 1991, se propone formar un actor-poeta en el sentido etimológico del término: hacedor, creador. El que crea y hace. Para esto realizan un entrenamiento cotidiano, físico y vocal, y trabajan sobre formas de improvisación y composición. En sus obras, unen las reflexiones sobre el espacio escénico, sobre el arte del actor y la necesidad de contar historias, de recordar, de «volver en sí». Buscando hacer un teatro que podrían llamar del humor y de la memoria.

El grupo esta compuesto por profesionales que busca confesar sus motivaciones en público. Y es la relación con el público que determina su quehacer: sacar el teatro de los teatros y llevarlo donde está la gente, a universidades, plazas, barrios, pueblos, lugares de trabajo, comunidades. Buscar un nuevo público para el teatro y crear un nuevo teatro para este público.

Antífates es el tren que devora a los miserables que, trepados en su lomo, atraviesan México para llegar a la frontera. Polifemo es el jefe de la mara salva trucha que extorsiona, viola y asesina a los emigrantes, caribdis son las aguas del golfo de Guatemala donde se ahogan aquellos que desde Colombia parten en barquitos hacia el norte. Escila son los perros guardianes de cualquier frontera, las sirenas y el Hades son el canto de casa, la nostalgia suprema. La tercera madeja fue enfrentar estos paradigmas partiendo de nosotros mismos, de nuestro presente. ¿Qué significa emigrar, volver, esperar, viajar, enfrentar monstruos, vengarse, abusar, buscar?

La profecía de Tiresias es una descripción de cómo vería Bolivia un emigrante que regresara luego de 20 años. La agresión y humillación de Ulises por mano de los pretendientes tiene el tono y las palabras de las agresiones racistas que hoy ocurren en nuestro país. La Odisea de Homero termina con una guerra civil que Zeus y Atenea interrumpen. En nuestra Odisea no existe ningún Deus ex Machina. La guerra incumbe a todos y cada uno deberían hacer cuentas con lo que ella significa.

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Tercer cuerpoClaudio Tolcachir / Argentina

Claudio Tolcachir

Claudio Tolcachir es actor, director, dramaturgo y docente, actual actor y director de la compañía argentina Timbre 4. Hizo su primera incursión en el campo de la dramaturgia con la multipremiada obra “La Omisión de la Familia Coleman”. A sus casi 33 años, “Tercer Cuerpo” es su segunda creación como autor.

Tercer cuerpo

Cinco personajes se alternan en un mismo espacio, intentando conectarse como seres humanos con todos sus defectos y vicisitudes, los une la soledad y la incomprensión.

Sandra, Moni y Héctor son compañeros de trabajo de oficina, Manuel y Sofía, una joven pareja cuya historia se mezclará con la de los primeros ,alterará los vínculos aparentemente estables.

La pieza enlaza la vida de cinco personajes que transitan la angustia de la soledad en Buenos Aires. El diálogo existe, pero cuesta mucho que la realidad sea realmente un diálogo; cada uno en su mundo trata de defender lo que puede hacer de sus realidades, preocupaciones y secretos.

El entorno de oficina es solamente la fachada que oculta la angustia de cada uno de los personajes que, acompañados por la acción de las luces y los objetos y la expresión no verbal, van marcando un paralelo de caos interno y externo que permite percibir las carencias de ese Tercer cuerpo.

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En aquella inefable Argentina de principios del siglo XX las familias de su opulenta clase ganadera solían viajar a Europa acompañadas de una vaca. Debidamente acomodada en la bodega del transatlántico la clásica holando pampeana surtía de leche fresca a la prole durante los largos días de embarque.

Escrita en versos que remedan las formas clásicas del teatro romántico la obra es una parodia política basada –justamente- en aquella costumbre emblemática. La relación entre el hijo de la familia –ese inimputable Niño Argentino-, su peón y la vaca -que completa el triángulo clásico-, organiza la trama que se desliza en su hipótesis y su estructura sobre aquella frase de Carlos Marx: Todos los grandes hechos de la historia universal se repiten dos veces. Una vez como tragedia y la otra como parodia.

El espectáculo fue estrenado en el 2006 en la Sala Cunill Cabanellas del Complejo Teatral de la ciudad de Buenos Aires. El éxito de crítica y taquilla hizo que se repusiese en la misma temporada en Teatro Alvear del mismo Complejo.

El Niño Argentino Mauricio Kartun / Argentina

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Compañia que integra de manera poética, lúdica y lúcida el clown, la danza, las artes plásticas, la animación y la música, en una complicidad viva con la imaginación de los niños.

Propone una estética escenográfica muy particular, a través de la integración escénica de las técnicas del clown con las técnicas de la danza contemporánea, la música, las artes plásticas y la animación por computadora.

La propuesta de Triciclo Rojo se nutre de la tentación de imaginar, integrar y generar soluciones escénicas tomando como punto de partida el universo clown y sus representaciones poéticas y lúdicas, en un diálogo incansable con la fantasía y el asombro de las niñas y los niños (y sus acompañantes).

Ha sido reconocido por su autenticidad escénica y su capacidad de realizar proyectos integrales de gran impacto, pisando los escenarios más importantes para las artes en México como el Palacio de Bellas Artes. Ha llevando su obra por la Republica Mexicana y países como Dinamarca, India, Chile, Portugal y Estados Unidos.

El Triciclo RojoMéxico

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AntígonaYuyachkani / Perú

Yuyachkani

Yuyachkani es un grupo que ha persistido durante más de treinta años de manera absolutamente independiente, realizando una actividad escénica en diálogo con la memoria y las problemáticas de su entorno. Específicamente, se trata de un colectivo de artistas que conciben el teatro como una acción política y una investigación de la cultura, realizando talleres en comunidades marginadas, indagando y bebiendo de la rica diversidad corporal y escénica existente en la cultura popular peruana, produciendo textos y publicaciones diversas, y comprometidos en acciones por los derechos ciudadanos.

Antígona narra la historia de una cruenta guerra que enfrentó a hermano contra hermano. El rey ha decretado sepultar con honores a Eteocles, el hermano que defendió la ciudad y condena a Polínices, el hermano insurrecto, a ser dejado a expensas de los perros y los buitres. AntÍgona escucha el edicto y se revela, va en busca de su hermana Ismene a pedirle que la ayude a sepultar el cadáver de su hermano, Ismene tiene miedo, se niega y le dice que nada pueden hacer dos mujeres frente a las leyes de los hombres, Antígona entonces toma la decisión de hacerlo sola, luego de lo cual es descubierta y condenada a muerte.

Ópera

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Il Postino,de Daniel Catán / EUA

Daniel Catán es el primer compositor mexicano cuyas óperas han sido representadas en muchos teatros de los Estados Unidos. Además de óperas ha compuesto música orquestal, de cámara y de cine. En 1998 le fue entregado el Premio Plácido Domingo por su contribución a la ópera, y en el año 2000 recibió el Guggenheim Fellowship.

Il Postino (también conocida El cartero de Neruda ) es una obra que relata la historia real del poeta chileno Pablo Neruda y su relación con un simple cartero que aprende a amar la poesía.

Se estrenó en el MOH de NY, y ha sido presentada también en Alemania y en París.

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Ópera Santa Annalibreto de Carlos Fuentes / México

Antonio López de Santa Anna, once veces presidente de México, vive su vejez en un retiro solitario donde su mujer María Dolores Tosta, recluta mendigos de la calle para hacerle honores al Señor Presidente de la República.

Santa Anna y su mujer miran al pasado y recuerdan al joven gallero jarocho, al héroe de Tampico, al hombre que rehusaba la banda presidencial y acabó por ocupar la silla del águila once veces.

Santa Anna resume la trágica historia de una nación con independencia, pero sin Estado. Al final de sus días le toca a Santa Anna ver cómo Benito Juárez echa las bases de un Estado Mexicano, pero para Santa Anna es demasiado tarde.

Esta obra producida por la Universidad de Guadalajara y la Secretaría de Cultural del Gobierno del Distrito Federal, tuvo las actuaciones de Fernando de la Mora, Lourdes Ambríz, Verónica Alexanderson, Grace Echauri y Hernán del Riego, dirigida por Lorena Maza con música de José Maria Vitier.

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Montezuma de Karl Henrich Granddirección de escena por Claudio Valdéz Kuri / México

Claudio Valdés Kuri

Claudio Valdés Kuri se ha convertido en el director de escena mexicano con mayor presencia en los foros internacionales. Desde el estreno de Becket o el honor de Dios, hace diez años, sus trabajos con la compañía Teatro de Ciertos Habitantes se han presentado en el Festival Internacional Cervantino, la Wiener Festwochen de Viena, el Kunsten Festival des Arts de Bruselas, el Festival de L’Imaginaire en París, entre otros. En un entorno donde la regla es el localismo, el teatro de Valdés Kuri se ha caracterizado por una vocación itinerante excepcional.

Montezuma fue escrita por Carl Herinrich Graun. Basado en el libreto de Frederick II, se comenta frecuentemente que es una reflexión de su propia vida. La pieza es una mezcla de realidad, ficción, y los manifiestos personales del autor con el trágico fin de Moctezuma II, el último de los emperadores aztecas. Para llevar a Montezuma al escenario, se asignó a dos creadores latinoamericanos, reconocidos a nivel internacional Claudio Valdez Kuri director de escena, y Gabriel Garrido como director musical. El proyecto intenta generar una lectura contemporánea de los hechos históricos con una nueva interpretación musical.

En 2010 se celebra el bicentenario de la independencia de las Américas, un movimiento que condujo a lo que son las naciones actuales de América Latina, un aniversario que justifica la pertinencia del proyecto.

Es una co-producción con Edimburgo (Festival de Edimburgo), Theater der Welt (Alemania), Festival de Teatro a Mil (Chile) y la Universidad de Guadalajara (México)

Teatrode Calle

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Galpão Brasil

Galpão es una compañía de teatro

creada hace 25 años, con raíces en lo popular y en el teatro de calle, famosos por sus montajes que privilegian la interacción con el público.

Con sus oficinas en Belo Horizonte en el estado de Mina Gerais (Brasil), la compañía ha hecho recorridos extensivos a través de Brasil y en el extranjero, y ha formado parte de festivales en 17 países en América Latina, Estados Unidos y Europa.

Una compañía dirigida por sus actores, con directores itinerantes, Galpão está siempre experimentando con elementos escenográficos diversos, especialmente circo y música, (los actores generalmente tocan los instrumentos), trabajando con adaptaciones de los clásicos del teatro hasta la cultura brasileña, cruzando el folclor hasta la alta cultura.

El Grupo Galpão ha alcanzado un lenguaje único y propio. En su lenguaje hay pistas de Brecht, Stanislavski, habilidades circenses y teatro Balinés, música folk y experimentos musicales. Los alquimistas del Grupo Galpão transforman, con visión crítica y amplia generosidad, un teatro de alta calidad en un gran arte, una verdadera celebración de la vida.

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2 Play España

Acrobacias circenses condimentadas con chispas de comedia, un acto que representa el sublime regreso de una leyenda viviente de la gimnasia olímpica, que aprovecha el respeto y el cariño de su público para romper las reglas sociales, desatando hilarantes situaciones para entretener a todo el público.

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Puja! Argentina / España

Una puesta artística que fusiona los actos circenses de primer nivel con teatro, danza, deportes extremos, música, coronada con una singular arquitectura y ambientación multimedia suspendida en el aire en un asombroso despliegue de ingeniería, presentado por este grupo argentino creado en 1998.

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Murmullo y Metralleta, Teatro Gestual de ChileChile

Entre las intervenciones urbanas más desatacadas se encuentra la del Teatro Gestual de Chile; o más bien la de sus componentes, Murmullo y Metralleta, dos payasos que hacen al público meterse en la acción. La calle dejará de ser sólo eso para convertirse en el escenario en el que los dos payasos hacen de las suyas, utilizando el cuerpo como casi única herramienta para comunicar emociones, crear imágenes, personajes e ilusiones.

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Nocturna, de Circo VaivénArgentina

El trapecio volante siempre fue el acto más atractivo en la historia del circo. Una intrépida Troupe de acróbatas meciéndose a gran altura, venciendo el miedo y el vértigo y transmitiéndonos una enorme sensación de confianza y libertad.

Este fantástico y legendario acto hoy llega de las manos de Circo Vaivén para ser compartido con todos de una manera segura y emocionante.

¿Quién no anheló algún día volar y esa misma noche soñó que volaba?

¿Quién no quiso mirar las cosas suspendido desde las alturas?

¿Quién no necesitó pensar sin los pies sobre la tierra?

¿Quién no deseó, aunque sea por un rato, abandonar todo y dejarse llevar por el viento?

¿Quién no intentó alguna vez desafiar la ley de la gravedad y deseó ser trapecista?

El espectáculo, creado y dirigido por Gustavo “Mono” Silva, es una mezcla fuerte de tango y circo. Tiene una duración de sesenta y cinco minutos, está armado con un elenco de doce artistas y musicalizado con tango electrónico.

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Travelling, Compañía La Arena Argentina

La Arena es una compañía profesional formada por artistas de circo que son a la vez acróbatas, actores y bailarines.

Desde sus comienzos, en 1992, viene creando espectáculos de gran poesía e impacto visual, consiguiendo sorprender, divertir y emocionar a través de una dramaturgia del movimiento, del espacio y del cuerpo en acción.

Travelling

Circo, música y video fusionados en una obra inquietante y de alto impacto visual. Lo digital y lo sensorial se funden para ofrecerle al espectador una vivencia única. Las ideas con las que se rige el movimiento en escena están inspirados en conceptos cinematográficos: Play- Stop- Avance Rápido- Rebobinar- Pausa– Cámara Lenta.

El video dialoga con la acción y se

convierte en un partenaire que expande el espacio. La música marca el pulso de las escenas rigurosamente coreografiadas. El espacio se transforma constantemente, como en un set de cine, desafiando la percepción de la gravedad. El espectáculo, dirigido por Gerardo Hochman está apoyado en una poética contemporánea en la que los recursos tecnológicos y los humanos se amalgaman en una intensa complicidad. Los acróbatas y espectadores sintiendo lo mismo: mareo, vértigo, audacia, complicidad y temor

Artes Visuales

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Javier MarínEscultura / México

En su obra confluyen temas y aspectos universales con otros propiamente mexicanos, de ascendencia prehispánica; pero siempre con una visión muy personal, y siempre, también, representando la figura humana. Durante sus 25 años de trayectoria ha empleado distintos materiales, pues para él es muy importante la sustancia que conforma cada escultura, ya que es inseparable de la concepción y expresión estéticas de cada una de sus piezas. En un principio empleó exclusivamente barro; después trabajó sus obras en bronce, y en los últimos años ha empleado resina poliéster mezclada con semillas de amaranto o tabaco o tierra o pétalos de rosas o fibras de carne seca, sumando en una misma obra, lo industrial y artificial del plástico, en contraste con lo orgánico, natural y hasta sutil de los otros materiales.

Desde 1983 ha presentado más de 50 exposiciones individuales y ha participado en más de 200 exposiciones colectivas en importantes espacios culturales en México, Estados Unidos y Canadá, así como en varios países de Centroamérica, Sudamérica, Asia y Europa.

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Daniel LezamaPintura / México

“En Daniel Lezama, la conceptualidad post-duchampiana -no se trata de conceptualismo - se disfraza en juegos cuya ‘perversidad’ iconográfica parece anhelar un desnudamiento, y una desviación, trans-realistas, mientras su revisitación de las raíces doradas y clásicas (en todos los sentidos) del arte moderno es marcadamente no-apropiativa: aquí la imitación no es mimesis simbolista, surrealista o minimal, -y mucho menos ideológica o ‘populista’- sino camino a un ensimismamiento extremo(...)”.

“(...)El momento de la pintura simula una historia, y una narración, imposibles, un tiempo vencido aunque sin resolución, y un ser necesariamente disminuído: pero la desarmada cruauté de su maestría -así como la desarmante maestría de su ternura- nos propone una nueva ética de la mirada ‘immoralista.’ ” Francesco Pellizzi, texto de catálogo, 2000.

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“Goya: los monstruos de la razón”Pintura / España

Grabados del más valioso pintor español del siglo XVIII, Francisco de Goya y Luciente.

La exposición está conformada por las series “Los Caprichos”; “Disparates”; “Desastres de la Guerra”, así como “Tauromaquia” y “Retratos de Autor”.

Varias de las piezas son grabados elaborados en aguatinta con buril, que denuncian males sociales de la época y experimentan formas estéticas de vanguardia.

Otras, representan una censura figurativa a los vicios humanos, pintadas por él en una época en la que pierde el oído y de alguna manera se aísla del mundo. Otras muestran a un creador crítico y sarcástico a los desórdenes sociales, aunque también hay obras “carnavalescas”.

Destacan los grabados que muestran los horrores y las crueldades cometidas por los ejércitos en la guerra, obras desarrolladas entre 1810 y 1815.

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Gervasio SánchezFotografía / España

Nacido en Córdoba, en agosto de 1959, Gervasio Sánchez es periodista desde 1984. Sus trabajos se publican en Heraldo de Aragón y La Vanguardia y colabora con la Cadena Ser, y la BBC.

Es autor de varios libros fotográficos: El cerco de Sarajevo (1995) y los publicados por la Editorial Blume Vidas minadas (1997 y 2002), Kosovo, crónica de la deportación (1999), Niños de la guerra (2000), La caravana de la muerte. Las víctimas de Pinochet (2002), Latidos del tiempo (2004), junto al escultor y artista plástico Ricardo Calero y Sierra Leona, guerra y paz (2005).

Coordinó en 2001 junto a Manuel Leguineche el libro Los ojos de la guerra (Homenaje a Miguel Gil) y en 2004 publicó el libro literario Salvar a los niños soldados.

Ha recibido los premios Cirilo Rodríguez, Club Internacional de Prensa, Andalucía de Cultura, Derechos Humanos de Periodismo, Liber Press, Javier Bueno. Las instituciones aragonesas le han concedido la Medalla de Oro de Santa Isabel de Portugal y la Medalla al Mérito Profesional, además de nombrarle hijo adoptivo de Zaragoza. Es enviado especial por la paz de la UNESCO desde 1998.

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Roberto MattaPintura / Chile

Pintor chileno, partícipe y renovador del surrealismo, fue decisivo en el grupo de artistas del expresionismo abstracto nacido en la escena americana de los años 40. En los inicios de su labor artística, sus obras reflejaron sus preocupaciones metafísicas, la importancia de las creaciones religiosas. Dibujos figurativos que con el tiempo fueron evolucionando hacia una abstracción, con referencia de artistas de la época como Dalí y Picasso y la influencia de El Greco. Elementos como el humor, el erotismo, la reflexión, y el pensamiento estuvieron presentes en estos inicios. Roberto Matta ha realizado un valioso aporte en las artes plásticas universales del presente siglo, ubicándose como uno de los artistas más importantes del movimiento surrealista.

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José Hernández-ClaireFotografía / México

Nació el 30 de abril de 1949 en Guadalajara, Jalisco, México.

Realizó estudios de fotografía en el Pratt Institute

de Brooklyn, Nueva York, de 1978 a 1982. Tiene 25 exposiciones individuales y más de 50 exposiciones colectivas en Hungría, Suiza, Bélgica, Cuba, Reino Unido, Francia, Canadá, Líbano y España.

Su obra pertenece a importantes colecciones en

el Musée De L´Elisée, Suiza; Bibliotéque National, Paris, Musée NicephoreNiepce,Chalon-Sur-Saone, Francia; Portland Museum of Art, EEUU; Museo de Fotografía de Hungría; Collection M+M Auer, Suiza.

En 1984 obtuvo la CMF-INBA Beca para la

producción del ensayo fotográfico. En 1985 recibió la Beca Nikon y primer lugar en Fotoperiodismo The Maine Photographic Workshops, Rockport, Maine, EE.UU.

En 1988 se le concedió el premio WHO-

OMS Ambassador del concurso Internacional de fotografía. En 1989, la Beca para Creadores y Artistas FONCA de México. En 1993, 1997 y 2006 fue ganador de la beca del Sistema Nacional de creadores del FONCA además de la beca de the Mother Jones Fundation en 1996, en San Francisco EE.UU. En el 2001 fue nombrado becario de la John Simon Guggenheim Foundation en Nueva York, Estados Unidos.

Su trabajo ha sido publicado en importantes

revistas en México y el extranjero.