Serenata Italiana

Julian RiemRaphaela Gromes

Ferruccio Busoni (1866–1924) 1 SERENATA, OP. 34 6:51

Giuseppe Martucci (1856–1909) CELLO SONATA IN F-SHARP MINOR, OP. 52

2 I. Allegro giusto 9:32 3 II. Scherzo – Trio 5:47 4 III. Intermezzo 3:29 5 IV. Finale: Allegro 9:04

Alfredo Casella (1883–1947) 6 TARANTELLA, OP. 54. ALLEGRO MOLTO VIVACE 1:54

Leone Sinigaglia (1868–1944) TWO PIECES, OP. 16

7 I. Romanza – Quasi Adagio 3:32 8 II. Humoresque – Allegro con brio 6:09

Matilde Capuis (1913–2017) 9 ANIMATO CON PASSIONE 4:12

Mario Castelnuovo-Tedesco (1895–1968) 10 FIGARO. ALLEGRO VIVACE 6:07 (Concert paraphrase of “Largo al factotum” from Rossini‘s “The Barber of Seville”, for cello and piano)

Total Time: 56:44

Raphaela Gromes, cello Julian Riem, Piano

℗ & © 2017 Sony Music Entertainment Germany GmbH • Recording: July 11–14 2016, Studio 2 Bayerischer Rundfunk, Germany • Executive Producer: Falk Häfner (BR), Michael Brüggemann (Sony Music) • Recording Producer: Sebastian Braun • Recording Engineer: Winfried Messmer • Piano Tuner: Mariusz Bartczak Publisher Capuis: Furore Verlag • Publisher Castelnuovo-Tedesco: Carl Fischer Music Raphaela Gromes plays a violoncello by Jean-Baptiste Vuillaume dating from the years around 1855 that a private owner has placed at her disposal. Raphaela Gromes spielt ein Violoncello von Jean-Baptiste Vuillaume aus den Jahren um 1855, das ihr aus privater Hand zur Verfügung gestellt wird. Photos: Wild und Leise • Artwork: Roland Demus www.raphaelagromes.de • www.sonyclassical.de

Serenata Italiana

Truffles from an unknown Italy

Italy? “Rome, Florence, Venice.” Even as a child Raphaela Gromes repeatedly heed-ed the siren call of the south, a response inspired by her mother’s enthusiasm for Italy: “Not just Raphael, Michelangelo and the Renaissance but also classical antiq-uity: Italy has long been the focus of my yearnings.” Art, culture, the countryside and la dolce vita. And music? “The most important thing that I associate with Italy is opera. Not necessarily within the country itself but in Munich and Vienna, where I got to know all the works of Rossini, Verdi and Puccini and learnt to love their music.”

For a long time opera eclipsed all other musical genres in Italy. During the Age of Baroque concertos in the form of Corelli’s concerti grossi and Vivaldi’s solo concer-tos flourished alongside opera, but by the time of Rossini, Bellini and Donizetti and their bel canto operas, opera had become almost the only feature on the musical landscape in Italy. “People tend not to associate Italy with Romantic or late Romantic chamber music,” admits Raphaela Gromes. “That is why Giuseppe Martucci is central to this new recording. He is widely regarded as the man responsible for breathing new life into Italian instrumental music.”

GIUSEPPE MARTUCCI was the son of a military bandmaster and studied in Naples, where he later taught at the city’s Conservatory. His early career was as a concert pianist, in which capacity he earned the admiration of Liszt, among others. His style was essentially influenced by the German Romantics. As a conductor he champi-oned the music of Wagner, whose Tristan und Isolde he introduced to Italian audi-ences in Bologna in 1888. But he was equally passionate in his love of Brahms. “Time and again you can sense the proximity to Brahms,” says Raphaela Gromes, “even in his Cello Sonata. Martucci’s sense of form is borrowed from Brahms, who was his elder by twenty-three years, whereas his musical language tends rather to draw on elements of Puccini and Wagner. The effervescence of the Scherzo is even vaguely reminiscent of Mendelssohn.” But it is the Intermezzo that Raphaela Gromes sees as “the heart of the work”. Recitative-like in character, it contains, in the cellist’s view, reminiscences of Albinoni. “But these are all just comparisons, for Martucci has his very own musical language, which we fell in love with two years ago, when we played his Piano Quintet. It was while performing this work that our attention was drawn to his Cello Sonata.”

Martucci was twenty-four when he wrote his Cello Sonata. He often appeared in the concert hall with the cellist Alfredo Piatti, just as most of the composers featured in the present recording were members of regular duo formations: Casella with Arturo Bonucci, Sinigaglia with Francesco Serato, Matilde Capuis with Ugo Scabia and Castelnuovo-Tedesco with Gregor Piatigorsky.

FERRUCCIO BUSONI was both an individualist and a universal spirit, or, as his pupil Kurt Weill once put in, the “spiritual European of the future”. To quote Raphaela Gromes, “He is widely regarded as one of the harbingers of modernism. He propa-gated a style that he himself termed ‘Young Classicism’. He wanted to preserve the old, while filling it with new ideas. Although his Serenata is an early work – he was only sixteen when he wrote it! – it already contains hints of this personal style.” An example of classical ternary form (ABA plus coda), it already finds Busoni strik-ing out in an unusual direction, more especially in the area of harmony. The main themes in the A and B sections are notable for their use of fourths and fifths, un-usual intervals in a context normally dominated by thirds. “Thanks to the use of so many pure intervals, the whole work seems to float and to create the impression of questing, of uncertainty and, as it were, of improvisation, with Busoni fluctuating between major and minor tonalities with striking frequency.”

ALFREDO CASELLA was born into a family of musicians in Turin. He assisted Alfred Cortot in Paris and after the First World War spent many years teaching in Rome. He was a pioneering figure in the rediscovery of Vivaldi’s music in Italy and as a conductor was one of the first to champion Mahler. “Casella is one of the most im-portant representatives of the generazione dell’ottanta that advocated the rebirth of a typically Italian kind of instrumental music,” Raphaela Gromes is keen to stress. He left two sonatas for cello and piano and another work dating from 1934: Not-turno e tarantella. “His music draws its strength from the field of tension between dancelike motoric rhythms, melody and the sort of folk music that is characteristic of southern Italy.” This is a brief and virtuosic piece which at the same time is “typical of Casella’s style”. The term “tarantella” is derived from the Italian word tarantola, a spider whose venomous bite was said to have only one cure: the victim had to dance as wildly as possible until the poison was driven from his or her system. In the 19th century this folk remedy gave rise to the tradition of the tarantella as a form of art music. “The galloping rhythms and pithiness of this music have been thrillingly captured by Casella.”

Folk elements also characterize the music of LEONE SINIGAGLIA, who achieved fame in two completely different fields: both as a musician and as a mountaineer who was the first to scale many of the peaks in the Dolomites. Like Casella, Sin-igaglia was born in Turin and, financially independent, travelled not only to the Dolomites but also to Vienna, where he became acquainted with Brahms, Mahler and Goldmark as well as with Oskar Nedbal, the founder of the Bohemian String Quartet. Nedbal put Sinigaglia in touch with Dvořák, who gave the Italian composer private music lessons for several months in 1901. In 1944 Sinigaglia was on the point of being arrested as a Jew when he suffered a fatal heart attack.

The influence of Brahms and, even more, of Dvořák may be found in Sinigaglia’s two op. 16 pieces, a Romance and a Humoresque. “Dvořák taught Sinigaglia how to turn folk dances into art music,” Raphaela Gromes explains. “Shortly after working with Dvořák Sinigaglia edited a volume of Piedmontese folksongs.” It was also at around this time that he wrote his Romance and Humoresque, which he dedicated to his regular cellist, Francesco Serato. “The Romance is quite an idiosyncratic com-position,” says Raphaela Gromes. “Its main theme is pentatonic, whereas the Hu-moresque is based on an instantly memorable theme, which is, however, subjected to exciting developments and surprising breaks and contrasts.” Sinigaglia demands that the piece be played as an Allegro con brio. This is no comfortable, informal humoresque but a work with very real fire to it.

MATILDE CAPUIS died in January 2017 at the ripe old age of 104. Her name was brought to the attention of Raphaela Gromes and Julian Riem by a friend who works in the “Woman and Music” Archives in Frankfurt. “We’d borrowed a number of works by female composers and already played them through together before we opted for Matilde Capuis: her music touched us deeply from the outset.” From the late 1960s Capuis taught composition and theory at the Giuseppe Verdi Conserva-tory in Turin, where she remained for the next fifteen years. She was born in Naples and studied the violin, piano and organ. By the 1940s she was winning various prizes for her compositions, including the Concorso International de Compositoras H. Rubinstein in Buenos Aires.

“Capuis expressed her love of the cello in a number of chamber works, no doubt also with the practical thought at the back of her mind of performing them with the cellist Ugo Scabia. As a result, we had a relatively large group of works to choose from. Her style tends to be indebted to the 19th century, to late Romanticism.” She once put her artistic credo into words, when she said that music without melody isn’t music. Who could assert this more convincingly than an Italian composer? “The authenticity of her emotions was always her principal source of inspiration.” Animato con passione dates from 1944, when the Second World War still had a year to run. This may help to explain its dramatic and sombre character. It is as stirring “as a roaring waterfall or a vast wave that sweeps you along with it”. Capuis’s work is in stark contrast to the many other pieces in this disc that are carefree and jovial in tone, but it serves to forge a link with Martucci’s extremely rousing and dramatic musical language.

Like Sinigaglia, MARIO CASTELNUOVO-TEDESCO was born into a Jewish family, hence his decision to move to the United States in 1939. Like Erich Wolfgang Ko-rngold, he proved adept at writing film scores, providing the soundtracks for more than 200 movies. Castelnuovo-Tedesco’s paraphrase on Figaro’s “Largo al facto-

tum” from Rossini’s Il barbiere di Siviglia is an exciting, fiery and virtuosic piece, not only providing a link with Raphaela Gromes’s and Julian Riem’s next CD marking the Rossini jubilee in 2018 but also representing the many 20th-century works that reflect the spirit of Romanticism enhanced by resources associated with the world of modernism. “This music creates the impression of a commentary on Rossini. On the one hand, the work is in the tradition of Lisztian paraphrases, while on the other it draws its strength from a certain tendency to wink knowingly at the listener, notably when Castelnuovo-Tedesco introduces jazz harmonies and compositional subtleties into the piece. Time and again it demonstrates its composer’s detailed knowledge of both instruments, allowing him to exploit their possibilities in all their abundant wealth.” In the process Castelnuovo-Tedesco even manages to outdo Rossini’s sense of comedy.

Serenata Italiana is not only Raphaela Gromes’s homage to Italy, it is also the re-sult of a voyage of discovery with her pianist Julian Riem. “What was particularly thrilling for us was to decode each composer’s musical language.” In consequence this recording is not least a welcome demonstration of the fact that, however much it may have been overshadowed by great opera composers, Italy can still offer us a whole series of magnificent trouvailles from the by no means infertile field of chamber music.

Christoph VratzTranslation: texthouse

Trüffel im unbekannten Italien

Italien? „Rom, Florenz, Venedig“. Schon als Kind folgte Raphaela Gromes immer wieder dem Lockruf des Südens, beflügelt durch die Italien-Begeisterung ihrer Mut-ter. „Raffaello, Michelangelo, die Renaissance, aber auch die Antike: Italien ist schon sehr lange der Ort meiner Sehnsucht.“ Kunst, Kultur, Landschaft, Dolce Vita. Und die Musik? „Das Wichtigste, was ich mit Italien verbinde, ist die Oper. Nicht unbedingt in Italien selbst, aber in München und in Wien habe ich all die Rossinis, Verdis, Puccinis kennen und ihre Musik lieben gelernt.“

Die Oper hat in Italien lange Zeit alle anderen Gattungen kaum zur Geltung kommen lassen. Im Barock blühte das Konzert neben der Oper, die Concerti grossi von Corelli und die Solokonzerte von Vivaldi. Doch spätestens mit der Ära des Belcanto, mit Rossini, Bellini, Donizetti, wurde die Oper fast zum Alleinstellungsmerkmal der itali-enischen Musik. „Romantische oder spätromantische Kammermusik verbindet man ja eher nicht mit Italien“, gesteht Raphaela Gromes. „Daher steht Giuseppe Martucci im Zentrum dieser neuen Aufnahme. Er gilt als derjenige, der die italienische Instru-mentalmusik wiederbelebt hat.“

GIUSEPPE MARTUCCI, Sohn eines Militärkapellmeisters, ausgebildet in Neapel, wo er später Professor wurde, begann als Jugendlicher eine Karriere als Konzertpianist, die ihm nicht nur die Bewunderung von Franz Liszt einbrachte. Wesentlich beein-flusst wurde sein Stil von den deutschen Romantikern. Als Dirigent protegierte er die Musik von Wagner, dessen „Tristan“ 1888 unter Martuccis Leitung in Italien erstauf-geführt wurde. Gleichzeitig gilt er als glühender Brahmsianer: „Die Nähe zu Brahms ist immer wieder spürbar, auch in seiner Cellosonate. Martuccis Formgebung ist eng an die des 23 Jahre älteren Brahms angelehnt, seine Tonsprache schließt dagegen eher Elemente von Puccini und Wagner mit ein. Die Spritzigkeit des Scherzo-Satzes erinnert sogar ein wenig an Mendelssohn.“ Das rezitativisch geprägte Intermezzo hingegen, „das Herzstück der Sonate“, enthält für Raphaela Gromes Reminiszenzen an Albinoni. „Dennoch sind das alles nur Vergleiche – Martucci hat seine ganz eigene Tonsprache, in die wir uns schon vor zwei Jahren bei seinem Klavierquintett verliebt haben, und infolge dessen Aufführung wir erst auf seine Cellosonate aufmerksam wurden.“

Martucci, der diese Sonate mit 24 Jahren schrieb, spielte in seinen Konzerten häufig mit dem Cellisten Alfredo Piatti – wie fast alle Komponisten dieses Albums in fes-ten Duo-Formationen aufgetreten sind: Casella mit Arturo Bonucci, Sinigaglia mit Francesco Serato, Matilde Capuis mit Ugo Scabia, Castelnuovo-Tedesco mit Gregor Piatigorsky.

FERRUCCIO BUSONI, Individualist und universaler Geist zugleich, oder: der „geis-tige Europäer der Zukunft“, wie sein Schüler Kurt Weill einmal formulierte, „gilt als Wegweiser der Moderne. Er propagierte einen Stil, den er ‚Junge Klassizität‘ nannte: Darin will er das Alte bewahren, aber mit neuem Inhalt füllen“, erklärt Raphaela Gro-mes. „Zwar ist die ‚Serenata‘ ein Jugendwerk von ihm – er war erst 16 Jahre alt, als er sie komponierte! –, doch auch hier sind schon Ansätze dieses persönlichen Stils zu finden“. Dem Stück liegt die klassische Liedform (A-B-A mit Coda) zugrunde, doch beschreitet Busoni hier bereits ungewöhnliche Pfade, vor allem harmonisch. Die Hauptthemen, im A- und B-Teil, sind geprägt von Quarten und Quinten – un-gewöhnlich in einem sonst eher terzdominierten Umfeld. „Durch die vielen reinen Intervalle klingt das Ganze schwebend, suchend, unbestimmt, quasi improvisando, und Busoni springt tatsächlich auffällig oft zwischen Dur und Moll hin und her.“

ALFREDO CASELLA, Spross einer Turiner Musikerfamilie, später in Paris Assistent bei Alfred Cortot, war nach dem Ersten Weltkrieg viele Jahre Dozent in Rom. Er hat die Wiederentdeckung von Antonio Vivaldi in Italien entschieden vorangetrieben und war als Dirigent einer der frühen Gustav Mahler-Pioniere. „Casella ist einer der wichtigsten Vertreter der ‚Generazione dell’Ottanta‘, die sich der Renaissance der typisch italienischen Intrumentalmusik verschrieb“, betont Raphaela Gromes. Zwei Sonaten für Cello und Klavier hat er hinterlassen, dazu „Notturno“ und „Tarantella“ aus dem Jahr 1934. „Seine Musik lebt vom Spannungsverhältnis zwischen tänzeri-scher Motorik, Melodik und süditalienisch geprägter Volksmusik.“ Es ist ein kleines, virtuoses Werk, das zugleich „repräsentativ ist für Casellas Stil“. Der Begriff Taran-tella geht auf das Gift einer Spinne zurück. Als einzig probates Gegenmittel galt ein Tanz, die Tarantella, bei der das Opfer so lange und wild wie möglich tanzen muss-te, um das Gift aus dem Körper zu jagen. Im 19. Jahrhundert erwuchs aus dieser volkstümlichen Therapie die Tradition des Kunstmusikstücks. „Die galoppierenden Rhythmen und die Prägnanz dieser Musik hat Casella hinreißend eingefangen.“

Volksmusikalische Einflüsse prägen auch das musikalische Werk von LEONE SINI-GAGLIA, der gleich doppelte Berühmtheit erlangt hat: als Musiker und als Bergstei-ger, als der er viele Erstbegehungen in den Dolomiten unternommen hat. Sinigaglia, wie Casella in Turin geboren, war jüdischer Abstammung und reiste, weil er finan-ziell unabhängig war, nicht nur durch die Berge, sondern auch nach Wien, wo er mit Brahms, Mahler und Goldmark Bekanntschaft schloss – und mit Oskar Nedbal, dem Gründer des Böhmischen Streichquartetts, der Sinigaglia an Antonín Dvořák vermittelte, der ihn 1901 mehrere Monate lang als Privatschüler unterrichtete. Als Sinigaglia 1944 wegen seiner jüdischen Herkunft festgenommen wurde, starb er an Herzversagen.

Der Einfluss von Brahms und noch mehr der von Dvořák schlägt sich in den bei-den Stücken Op. 16 nieder, einer Romanze und der folgenden Humoreske. „Dvořák hat Sinigaglia nahegebracht, wie man Volkstänze in Kunstmusik verwandelt“, er-zählt Raphaela Gromes. „Kurz nach der Zusammenarbeit mit Dvořák hat Sinigaglia außerdem einen Sammelband mit piemontesischen Volksliedern herausgegeben.“ In dieser Zeit entstanden auch Romanze und Humoreske, die Sinigaglia seinem Duo-Partner Francesco Serato gewidmet hat. „Die Romanze ist ziemlich eigenwillig komponiert, das Hauptthema etwa ist pentatonisch aufgebaut, während der Humo-reske zwar ein eingängiges Thema zugrunde liegt, welches aber spannende Entwick-lungen und überraschende Brüche und Gegensätze durchläuft.“ „Allegro con brio“ fordert Sinigaglia – das ist keine Gemütlichkeits-Humoreske, sondern ein Werk mit Feuer!

Auf MATILDE CAPUIS, die im Januar 2017 im hohen Alter von 104 Jahren gestorben ist, sind Raphaela Gromes und Julian Riem durch eine Freundin im Archiv „Frau und Musik“ in Frankfurt gestoßen. „Nachdem wir uns dort einige Werke verschiedener italienischer Komponistinnen zur Ansicht ausgeliehen und sie gemeinsam angespielt hatten, haben wir uns für Matilde Capuis entschieden: Ihre Musik hat uns von Anfang an sehr berührt.“ Capuis war seit den späten 1960ern für anderthalb Jahrzehnte Professorin für Tonsatz und Musiktheorie am „Conservatorio Giuseppe-Verdi“ in Tu-rin. Geboren in Neapel, hatte sie Geige, Klavier und Orgel studiert, bevor sie ab den 40er Jahren verschiedene Kompositionspreise gewann, unter anderem den „Con-corso Internationale per Compositoras H. Rubinstein“ in Buenos Aires.

„Ihre Vorliebe fürs Cello hat Capuis in etlichen Kammermusikwerken zum Ausdruck gebracht, wohl auch mit dem praktischen Hintergedanken, diese mit ihrem Cellis-ten Ugo Scabia aufzuführen. Daher war für uns die Auswahl relativ groß. Ihr Stil ist eher im 19. Jahrhundert verhaftet, spätromantisch.“ Capuis hat ihr kompositorisches Credo einmal in dem Satz zum Ausdruck gebracht, Musik ohne Melodie sei keine Musik. Wer könnte das überzeugender behaupten als ein italienischer Komponist? „Die Authentizität ihrer Gefühle war ihr immer die bedeutendste Inspiration.“ „Ani-mato con passione“ stammt aus dem Weltkriegsjahr 1944. Das erklärt den drama-tisch-düsteren Charakter, aufwühlend, „wie ein rauschhafter Wasserfall oder eine riesige Welle, die einen mitreißt.“ Capuis‘ Werk steht im deutlichen Kontrast zu den vielen eher heiteren Werken dieses Albums, schließt aber den Bogen zu Martuccis durchaus aufwühlender und dramatischer Tonsprache.

Wie Sinigaglia, so stammte auch MARIO CASTELNUOVO-TEDESCO aus einer jü-dischen Familie, weshalb er 1939 in die USA emigrierte und dort, ähnlich wie auch Erich Wolfgang Korngold, zu einem erfolgreichen Komponisten von Filmmusik avancierte – mit über 200 Filmvertonungen! Castelnuovo-Tedescos Paraphrase

über Gioacchino Rossinis „Figaro“, mitreißend, feurig, virtuos, bildet nicht nur den Übergang zu Gromes‘ und Riems nächster CD zum Rossini-Jubiläum 2018, sondern steht gleichzeitig für die vielen Werke des 20. Jahrhunderts, die noch den Atem, den Geist des Romantischen widerspiegeln, angereichert von den Mitteln der Mo-derne. „Diese Musik wirkt wie ein Kommentar zu Rossini, das Werk steht einerseits in der Tradition der Lisztschen Paraphrasen, andererseits aber lebt es von einem gewissen Augenzwinkern, etwa wenn Castelnuovo-Tedesco jazzige Harmonik und satztechnische Finesse einfließen lässt. Immer wieder zeigt sich, wie genau er beide Instrumente kannte, er kostet ihre Möglichkeiten in ganzer Fülle aus.“ Damit gelingt es Castelnuovo-Tedesco, Rossinis Komik noch zu übertreffen.

„Serenata Italiana“ ist für Raphaela Gromes nicht nur eine Hommage an Italien, es ist auch das Ergebnis einer Expedition, einer Entdeckungsreise mit ihrem Kla-vierpartner Julian Riem: „Besonders spannend war für uns, die Tonsprache jedes einzelnen Komponisten zu entschlüsseln.“ Und so ist diese Aufnahme nicht zuletzt ein Beleg dafür, dass Italien, im Schatten der großen Opernkomponisten, durchaus eine Reihe von großartigen Trouvaillen der Kammermusik zu bieten hat.

Christoph Vratz

Raphaela Gromes

Raphaela Gromes first began playing cello at the age of four. She made her debut as a soloist at the age of 14, when she performed the cello concerto by Friedrich Gulda, which earned the highest praise from audience and press alike. She completed her studies under Wen-Sinn Yang, Reinhard Latzko und Peter Bruns. Ms. Gromes gained decisive musical insight in master classes by David Geringas, Wolfgang Boettcher, Frans Helmerson and Yo-Yo Ma.

Raphaela Gromes has been a guest artist at festivals such as the Jungfrau Music Festival Interlaken, the Audi Summer Concerts in Ingolstadt with Kent Nagano, the Schleswig-Holstein Music Festival, the Munich Opera Festival, the Marvao Interna-tional Music Festival in Portugal, the Edinburgh International Festival and the Rhein-gau Music Festival. Among other awards, she won First Prize in the Richard Strauss Competition in 2012, First Prize at the International Concorso Fiorindo in Turin in 2013 as well as the 2016 German Music Competition Prize in the solo cello category. She has been the recipient of a scholarship from the Studienstiftung des Deutschen Volkes since 2012. She plays a Jean-Baptiste Vuillaume cello from c. 1855 on loan to her from a private collection.

RBereits als Vierjährige hat Raphaela Gromes mit dem Cellospiel begonnen. Ihr De-büt als Solistin erfolgte im Alter von 14 Jahren mit dem Cellokonzert von Fried-rich Gulda, wofür sie von Publikum und Presse überschwänglich gefeiert wurde. Ihr Studium absolvierte sie bei Wen-Sinn Yang, Reinhard Latzko und Peter Bruns. Entscheidende musikalische Anregungen erhielt sie auf Meisterkursen von David Geringas, Wolfgang Boettcher, Frans Helmerson und Yo-Yo Ma.

Raphaela Gromes war zu Gast bei Festivals wie dem Jungfrau Music Festival Inter-laken, den Audi Sommerkonzerten in Ingolstadt mit Kent Nagano, den Münchner Opernfestspielen, dem Marvao International Music Festival Portugal, dem Edinbur-gh International Festival und dem Rheingau Musikfestival. Sie gewann u.a. 2012 den 1. Preis des Richard-Strauss-Wettbewerbs, den 1. Preis des internationalen Concorso Fiorindo Turin 2013 sowie 2016 den Preis des Deutschen Musikwettbewerbs in der Kategorie Cello solo. Seit 2012 ist sie Stipendiatin der Studienstiftung des Deut-schen Volkes. Sie spielt ein Violoncello von Jean-Baptiste Vuillaume aus den Jahren um 1855, das ihr aus privater Hand zur Verfügung gestellt wird.

JULIAN RIEM

Pianist Julian Riem studied with Michael Schäfer at the Musikhochschule in his na-tive Munich, with Michel Béroff at the Conservatoire National Supérieur in Paris, and with Rudolf Buchbinder at the Musik-Akademie in Basel. He regularly appears as a soloist and chamber musician in Europe, Asia and the US. He plays in the Velit Quartet and the Munich Horn Trio, which won an Echo Klassik Award in 2012.

Mr. Riem has made concert appearances with, among others, the Sinfonieorches-ter Basel, the Madrid Symphony Orchestra, the Württemberg Chamber Orchestra, the Südwestdeutsche Philharmonie, the Munich Chamber Orchestra, and the Mu-nich Bach Soloists. Numerous recordings, especially as a chamber music specialist, testify to his wide-ranging artistry.

RDer Münchner Pianist Julian Riem studierte bei Michael Schäfer an der Musikhoch-schule in München, bei Michel Béroff am Conservatoire National Supérieur in Paris und bei Rudolf Buchbinder an der Musik-Akademie in Basel. Als Solist und Kammer-musiker konzertiert er regelmäßig in Europa, Asien und den USA. Er spielt im Velit Quartett und im Münchner Horntrio, dem 2012 ein Echo Klassik verliehen wurde.

Julian Riem konzertierte u. a. mit dem Basler Symphonieorchester, dem Sympho-nieorchester Madrid, mit dem Württembergischen Kammerorchester, der Südwest-deutschen Philharmonie, dem Münchener Kammerorchester und den Münchner Bachsolisten. Seine breitgefächerte künstlerische Tätigkeit ist vor allem im Bereich der Kammermusik mit zahlreichen CD-Aufnahmen dokumentiert.

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