CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA CHICAGO SYMPHONY CHORUS JESSICA RIVERA / BERNARD HAITINK

RAVEL DAPHNIS ET CHLOÉPOULENC GLORIA

DAPHNIS ET CHLOÉ

FRANCIS POULENC / Gloria

1 Gloria in excelsis Deo 3:052 Laudamus te 3:103 Domine Deus, Rex caelestis 3:554 Domine Fili unigenite 1:225 Domine Deus, Agnus Dei 6:086 Qui sedes ad dexteram Patris 6:12

Jessica Rivera, soprano

MAURICE RAVEL / Daphnis et Chloé

Première Partie7 Introduction 2:388 Danse religieuse 4:359 Scène – Danse générale 3:18

10 Danse grotesque de Dorcon – Scène 2:0311 Danse lègére et gracieuse de Daphnis 3:3912 Scène – Danse de Lycéion – Scène (les pirates) 4:0113 Scène – Danse lente et mystérieuse 4:37

Deuxième Partie14 Introduction 2:5215 Danse guerrière 4:5016 Scène – Danse suppliante de Chloé 5:05

Troisème Partie17 Lever du jour – Scène 5:4918 Daphnis et Chloé miment l’aventure de Pan et de Syrinx 6:1819 Danse générale 3:41

TOTAL 77:18

CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRACHICAGO SYMPHONY CHORUS / DUAIN WOLFE, DIRECTORJESSICA RIVERA, SOPRANO / BERNARD HAITINK, CONDUCTOR

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FRANCIS POULENC / GLORIA In August 1936, while Francis Poulenc, the irrepressible bad boy of French music, was vacationing in southwestern France, he learned that fellow composer Pierre-Octave Ferroud had been beheaded in a car crash. Haunted by the violence of Ferroud’s death, Poulenc began the first sacred work of his career. Over the next twenty-five years, as Poulenc examined his own beliefs and confronted the Roman Catholicism of his childhood, he developed a unique religious musical style, one that confirms and, in turn, questions the significance of faith. The Gloria, completed in 1960, is his last word on the subject.

After Poulenc’s own death in 1963, the American composer Ned Rorem called Poulenc “a whole man always interlocking soul and flesh, sacred and profane.” That duality is the heart of the radiant and moving Gloria he composed shortly before he died. In six movements, alternately introspective and breezy, Poulenc’s Gloria resembles no other work of sacred music. The fanfare-like opening confirms how brilliantly Poulenc was able to make something fresh and effective of a style Stravinsky had worn out long ago. The lovely third and fifth movements, with their ethereal soprano solos, find him at his most reflective and touching. Of the jauntier sections, such as the saucy Laudamus te, with its dance-hall rhythms and off-kilter text settings, Poulenc said they simply reminded him of a favorite fifteenth-century fresco by Benozzo Gozzoli in Florence’s Palazzo Medici Riccardi, in which the angels stick their tongues out at one another.

MAURICE RAVEL / Daphnis et Chloé Maurice Ravel’s Daphnis et Chloé is one of the most brilliant products of Sergei Diaghilev and the Ballets Russes during their glory years. It was conceived in 1909, before the troupe had set Paris ablaze with a series of new ballets unlike anything the worlds of music or dance had known, starting with Stravinsky’s Firebird in 1910 and climaxing with the scandalous premiere of The Rite of Spring in May 1913. Ravel’s contribution, Daphnis et Chloé, was not introduced until June 8, 1912, due to the composer’s difficulties finishing the score, compounded by backstage squabbling once rehearsals began.

The principal players in the creation of Daphnis et Chloé were a distinguished group: Sergei Diaghilev, the

impresario; Michel Fokine, the choreographer; Léon Bakst, the designer; Pierre Monteux, the conductor; and Vaslav Nijinsky and Tamara Karsavina, the leading dancers. Ravel worked tirelessly with Fokine to translate the most famous of the Greek prose pastorals into a scenario for ballet—the collaboration partly hampered, as the composer admitted, because Fokine didn’t know a word of French, and Ravel knew only how to swear in Russian.

At first, there was also a serious difference of opinion about the style of the piece. Ravel later said that his intent was to compose a vast musical fresco that was less concerned with archaism than with reproducing the Greece of his dreams, which he likened to that imagined by French artists at the end of the eighteenth century. Fokine, on the other hand, had in mind the ancient dancing depicted in red and black on Attic vases. The result has something of the classical austerity of Jacques-Louis David’s canvases as well as the stunning clarity of Greek pottery. But it is both more sumptuous and subtle than either.

In rehearsal, Fokine and Nijinsky fought relentlessly over the choreography, and Diaghilev grew so tired of serving as intermediary that he finally threatened to cancel the project. As it was, he was forced to postpone the premiere twice, largely because Ravel was having trouble completing the final dance. (When the music was delivered at last, Diaghilev’s dancers were stymied by the finale’s asymmetrical 5/4 meter—Ravel suggested chanting “Ser-gei-Dia-ghi-lev” to each measure to help them keep their place.) Ultimately, the rancor and tension of the Daphnis rehearsals led to a rift between Diaghilev and Fokine, who left the company at the end of the season.

Daphnis et Chloé is the largest orchestral work Ravel would write; he called it a “choreographic symphony in three parts,” and in its scale and developmental detail it is as close as he ever came to tackling symphonic form. It is perhaps the greatest example of Ravel’s remarkable ear for orchestral sounds, and of the subtlety with which he shades and colors his canvas. Few passages in music are as justifiably famous as the opening of part 3, when the rising sun gently bathes the music in warmth and light. The use of a wordless chorus, not only in that scene, but at several key moments in the

ballet, creates an extraordinary sonority, remarkable for its shimmering gradations of color.

The story is adapted from a tale by the fifth-century Greek author Longus. Daphnis and Chloe, abandoned as children and raised by shepherds, have fallen in love (Daphnis seduced Chloe by playing for her on his panpipes). In the first part of the ballet, Daphnis earns Chloe’s kiss; pirates land and abduct Chloe. In part 2, Pan and his warriors rescue Chloe. Part 3 reunites the lovers in a magnificent sweep of music that begins with the gradual awakening of nature, followed by one of the most celebrated flute solos in music, as Daphnis and Chloe recreate the old story of Pan wooing the nymph Syrinx, and concludes with the extraordinary final dance that took Ravel, perhaps the greatest perfectionist among composers, a full year to polish.

Phillip Huscher is the program annotator for the Chicago Symphony Orchestra.

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FRANCIS POULENC / GLORIAEn août 1936, alors que Francis Poulenc, l’infatigable enfant terrible de la musique française, était en vacances dans le sud-ouest de la France, il apprit que son collègue compositeur Pierre-Octave Ferroud avait été décapité dans un accident de voiture. Hanté par la violence de la mort de Ferroud, Poulenc commença la première œuvre sacrée de sa carrière. Et, au cours des vingt-cinq années suivantes, examinant sa propre foi et confronté au catholicisme de son enfance, Poulenc développa un style religieux unique, qui confirme et met en question tour à tour la signification de la foi. Le Gloria, achevé en 1960, est son dernier mot sur le sujet.

À la mort de Poulenc lui-même en 1963, le compositeur américain Ned Rorem le décrivit comme « un homme entier qui entrelace toujours l’âme et la chair, le sacré et le profane ». Cette dualité est au cœur du Gloria radieux et émouvant qu’il composa peu de temps avant sa mort. Écrit en six mouvements, tantôt introspectifs et tantôt enjoués, le Gloria de Poulenc ne ressemble à aucune autre œuvre de musique sacrée. Le début en fanfare confirme que Poulenc savait de manière éclatante faire quelque chose de neuf et d’éloquent d’un style que Stravinsky avait épuisé depuis longtemps. Les ravissants troisième et cinquième mouvements, avec leurs solos de soprano éthérés, révèlent le compositeur sous son jour le plus méditatif et le plus touchant. À propos des sections gaies, tel que l’aguichant Laudamus te, avec ses rythmes de danse et ses décalages par rapport au texte, Poulenc disait qu’elles lui rappelaient une fresque du XVe siècle de Benozzo Gozzoli qu’il aimait beaucoup, au Palazzo Medici Riccardi de Florence, où les anges se tirent la langue l’un à l’autre.

MAURICE RAVEL / Daphnis et ChloéDaphnis et Chloé de Maurice Ravel est l’une des productions les plus brillantes de Serge Diaghilev et de ses Ballets russes dans leurs années de gloire. L’œuvre fut conçue en 1909, avant que la troupe n’eût enflammé Paris avec une série de nouveaux ballets, différents de tout ce qu’avait connu le monde de la musique ou de la danse, à commencer par L’Oiseau de feu de Stravinsky en 1910, et culminant avec le scandale de la création du Sacre du printemps en mai 1913. L’œuvre de Ravel, Daphnis et Chloé, ne fut donnée que le 8

juin 1912, car le compositeur avait eu du mal à achever la partition, outre qu’il y eut des disputes en coulisses une fois les répétitions commencées.

Les principaux acteurs de la création de Daphnis et Chloé formaient une équipe prestigieuse : Serge Diaghilev, l’impresario, Michel Fokine, le chorégraphe, Léon Bakst, le décorateur, Pierre Monteux, le chef d’orchestre, et Vaslav Nijinski et Tamara Karsavina, les principaux danseurs. Ravel travailla inlassablement avec Fokine pour traduire la plus célèbre des pastorales en prose grecques en un scénario de ballet – la collaboration fut entravée, comme le reconnut le compositeur, par le fait que Fokine ne savait pas un mot de français, et que Ravel ne savait que jurer en russe.

Au départ, il y eut également de graves divergences sur le style de l’œuvre. Ravel dit par la suite que son intention était de composer une vaste fresque musicale qui se souciait moins d’être archaïque que de reproduire la Grèce de ses rêves, qu’il comparait à celle imaginée par les artistes français de la fin du XVIIIe siècle. Fokine, en revanche, avait en tête les danses antiques dépeintes sur les vases attiques rouge et noir. Le résultat a un peu de l’austérité classique d’une toile de Jacques-Louis David ainsi que l’étonnante clarté de la céramique grecque. Mais il est à la fois plus somptueux et plus subtil que l’une ou l’autre.

En répétition, Fokine et Nijinski se disputèrent sans arrêt sur la chorégraphie, et Diaghilev se fatigua de servir d’intermédiaire, au point qu’il finit par menacer d’annuler le projet. En l’occurrence, il fut obligé de retarder la création à deux reprises, surtout parce que Ravel avait du mal à terminer la danse finale. (Lorsque la musique fut enfin livrée, les danseurs de Diaghilev furent déroutés par la mesure asymétrique à 5/4 du finale – Ravel leur conseilla de psalmodier « Ser-gueï-Dia-ghi-lev » sur chaque mesure pour s’aider à garder le rythme.) Finalement, la rancœur et les tensions émanant des répétitions de Daphnis finirent par provoquer la rupture entre Diaghilev et Fokine, qui quitta la compagnie à la fin de la saison.

Daphnis et Chloé est la plus vaste œuvre orchestrale que Ravel ait jamais écrite ; ce qu’il appelait sa « symphonie chorégraphique en trois parties » est ce qui se rapproche le plus chez lui, dans ses proportions et dans son développement, de la forme symphonique. C’est peut-être

le plus grand exemple de son oreille remarquable pour les sonorités orchestrales, et de la subtilité avec laquelle il nuance et colorie sa toile. Peu de passages sont aussi justement célèbres que le début de la troisième partie, lorsque le soleil levant baigne délicatement la musique de chaleur et de lumière. L’utilisation d’un chœur sans paroles, non seulement dans cette scène, mais à plusieurs moments-clefs du ballet, crée une sonorité extraordinaire, remarquable pour ses gradations chatoyantes de couleur.

L’histoire est adaptée d’une fable d’un auteur grec du Ve siècle, Longus. Daphnis et Chloé, abandonnés dans leur enfance et élevés par des bergers, sont tombés amoureux (Daphnis a séduit Chloé en jouant de la flûte de Pan). Dans la première partie du ballet, Daphnis obtient un baiser de Chloé ; des pirates accostent et enlèvent Chloé. Dans la deuxième partie, Pan et ses guerriers partent à la rescousse de Chloé. La troisième partie réunit les amants dans une musique magnifique qui débute par le réveil progressif de la nature, suivi de l’un des solos de flûte les plus célèbres de toute la musique, au moment où Daphnis et Chloé recréent la vieille histoire de Pan courtisant la nymphe Syrinx, avant de conclure avec l’extraordinaire danse finale que Ravel, peut-être le plus grand perfectionniste parmi les compositeurs, mit une année complète à peaufiner.

Phillip Huscher est le rédacteur des programmes du Chicago Symphony Orchestra.

Traduction: Dennis Collins

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FRANCIS POULENC / GLORIAAls Francis Poulenc, das unverbesserliche enfant terrible der französischen Musik, im August 1936 seine Ferien im Südwesten Frankreichs verbrachte, erfuhr er dass der Komponist Pierre-Octave Ferroud bei einem Autounfall regelrecht enthauptet worden war. Zutiefst betroffen von der Grausamkeit des Todes von Ferroud, begann Poulenc mit der Arbeit an dem ersten Sakralwerk seiner Karriere. Im Laufe der nächsten 25 Jahre, während Poulenc seinen eigenen Glauben ergründete und sich mit dem Katholizismus seiner Jugend auseinandersetzte, entwickelte er einen einzigartigen religiösen musikalischen Stil, der die Bedeutung des Glaubens zugleich sowohl unterstreicht, als auch in Frage stellt. Das Gloria, vollendet im Jahre 1960, stellt sein letztes Wort zu diesem Thema dar.

Nach Poulencs Tod im Jahre 1963 nannte ihn der amerikanische Komponist Ned Rorem „einen ganzen Menschen, immer in Fleisch und Seele verbunden, heilig und profan.“ Dieser Dualismus ist das Herz des strahlenden und bewegenden Gloria, das er kurz vor seinem Tod komponiert hat. In sechs abwechselnd introspektiven und forsch-fröhlichen Sätzen geschrieben, gleicht Poulencs Gloria keinem anderen musikalischen Sakralwerk. Die fanfarenhafte Einleitung bestätigt, wie es Poulenc gelang aus einem Stil, den Strawinsky schon vor langer Zeit aufgebraucht hatte, etwas neues und frisches zu schaffen. Im lieblichen dritten und fünften Satz mit den ätherischen Sopransoli, zeigt sich Poulenc von seiner introspektivsten und rührendsten Seite. Von den fröhlicheren Abschnitten, wie zum Beispiel dem frechen „Laudamus te“ mit seinen Tanzrhythmen und ungleichmäßig betonten Texten, sagte Poulenc, dass sie ihn an eines seiner Lieblingsfresken des fünfzehnten Jahrhunderts von Benozzo Gozzoli im Palazzo Medici Riccardi in Florenz erinnern, in welchem sich die Engel gegenseitig die Zunge ausstrecken.

MAURICE RAVEL / Daphnis et ChloëMaurice Ravels Daphnis et Chloë ist eines der brillantesten Erzeugnisse von Sergei Diaghilew und den Ballets Russes während ihrer Glanzzeit. Es wurde 1909 konzipiert, noch bevor die Truppe Paris mit einer Reihe von Balletts auf den Kopf gestellt hatte, wie sie die Welt noch nie zuvor gesehen

hatte, beginnend mit Strawinskys Feuervogel 1910 und gipfelnd mit der Skandalpremiere der Sacre du printemps im Mai 1913. Ravels Beitrag, Daphnis et Chloë, wurde erst am 8. Juni 1912 aufgeführt, aufgrund der Schwierigkeit en des Komponisten, die Arbeit an der Partitur zu Ende zu bringen, und erschwert durch Streitereien hinter den Kulissen, als die Proben endlich begannen.

Die Hauptakteure in der Entstehungsgeschichte von Daphnis et Chloë bildeten eine herausragende Gruppe: Sergei Diaghilew, Impresario; Michail Fokin, Choreograph; Leon Bakst, Bühnenbildner; Pierre Monteux, Dirigent; und Waslaw Nijinsky und Tamara Karsawina, die Tänzer in den Hauptrollen. Ravel arbeitete rastlos mit Fokin daran, den berühmtesten griechischen Hirtenroman in Ballettszenen zu übersetzen — wie der Komponist zugab, wurde die Zusammenarbeit dadurch erschwert, dass Fokin nicht ein Wort Französisch sprach und Ravel auf Russisch nur fluchen konnte.

Anfangs gab es zudem ernsthafte Meinungsunterschiede über den Stil des Stückes. Ravel sagte später, dass es seine Absicht war, ein weitläufiges musikalisches Fresko zu komponieren, dass weniger um Archaik bemüht war, als um die Reproduktion des Griechenlands seiner Träume, welches er mit dem imaginären Griechenland der französischen Maler gegen Ende des achtzehnten Jahrhunderts verglich. Fokin andererseits schwebten die in schwarz und rot auf attischen Vasen dargestellten antiken Tänze vor. Das Resultat hat sowohl etwas von der klassischen Strenge der Gemälde Jean-Louis Davids, als auch von der beeindruckenden Klarheit griechischer Töpferkunst. Dennoch ist es zugleich aufwändiger und subtiler als beide.

In den Proben stritten Fokin und Nijinski erbarmungslos über die Choreografie, und Diaghilew wurde seiner Vermittlerrolle dermaßen müde, dass er gar drohte, dass Projekt gänzlich abzusagen. Letztendlich war er gezwungen, die Premiere zweimal zu verschieben, hauptsächlich weil Ravel Schwierigkeiten hatte, den Schlusstanz fertigzustellen. (Als die Musik endlich vollendet worden war, waren Diaghilews Tänzer vom asymmetrischen 5/4-Takt des Finales verwirrt — Ravel schlug vor, die Silben „Ser-gei Dia-ghi-lew“ zu jedem Takt zu singen, um ihnen zu helfen, sich zurechtzufinden.) Die Spannungen und die Bitterkeit

während der Proben zu Daphnis führten letztlich zu einem Bruch zwischen Diaghilew und Fokin, der die Truppe am Ende der Saison verließ.

Daphnis et Chloë ist das größte Orchesterwerk, das Ravel je schreiben sollte; er nannte es eine „choreografische Symphonie in drei Teilen“, und gemessen an seinem Umfang und den strukturellen Details bleibt es seine größte Annäherung an die symphonische Form. Es ist vielleicht das großartigste Beispiel für Ravels erstaunliches Ohr für Orchesterklänge und für die Subtilität, mit der er seine Leinwand schattiert und ausmalt. Wenige musikalische Passagen sind zu Recht so berühmt, wie der Anfang des dritten Teils, als die aufgehende Sonne die Musik in Wärme und Licht badet. Der Gebrauch eines wortlosen Chores, nicht nur in dieser Szene, sondern auch in verschiedenen Schlüsselmomenten des Balletts, schafft eine außerordentliche Klangfülle, die bemerkenswert ist für ihre schillernden Farbabstufungen.

Die Handlung ist einer Geschichte des griechischen Autors Longus aus dem fünften Jahrhundert entnommen. Daphnis und Chloe, als Kinder ausgesetzt und von Schäfern aufgezogen, verlieben sich ineinander (Daphnis hat Chloe mit seinem Panflötenspiel verführt). Im ersten Teil des Balletts gewinnt Daphnis Chloes Kuss, erobert Land und entführt Chloe. Im zweiten Teil retten Pan und seine Krieger Chloe. Der dritte Teil vereint die Liebenden erneut in einem großen musikalischen Bogen, der mit dem allmählichen Erwachen der Natur beginnt, gefolgt von einem der berühmtesten Flötensolos der Musikgeschichte als Daphnis und Chloe die alte Geschichte von Pans Umwerbung der Nymphe Syrinx nachstellen und der mit dem außergewöhnlichen Finaltanz endet, für dessen Vollendung Ravel, als der möglicherweise größte Perfektionist unter den Komponisten, ein ganzes Jahr benötigte.

Phillip Huscher ist der Programmkommentator des Chicago Symphony Orchestra.

Übersetzung: Milos Kovacevic

DAPHNIS ET CHLOÉ CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA 5

1. Gloria in excelsis Deo. Et in terra pax hominibus bonae voluntatis.

2. Laudamus te. Benedicimus te. Adoramus te. Glorificamus te. Gratias agimus tibi propter magnam gloriam tuam.

3. Domine Deus, Rex caelestis, Deus Pater omnipotens.

4. Domine Fili unigenite Jesu Christe.

5. Domine Deus, Agnus Dei, Filius Patris. Qui tollis peccata mundi, miserere nobis. Qui tollis peccata mundi, suscipe deprecationem nostram.

6. Qui sedes ad dexteram Patris, miserere nobis. Quoniam tu solus sanctus. Tu solus Dominus. Tu solus Altissimus, Jesu Christe. Cum Sancto Spiritu, in gloria Dei Patris. Amen.

Glory to God in the highest, and on earth peace to men of good will.

We praise you, we bless you, we adore you, we glorify you. We give you thanks for your great glory.

Lord God, heavenly King, God the Father almighty.

Lord Jesus Christ, the only-begotten Son.

Lord God, Lamb of God, Son of the Father, who takes away the sins of the world, have mercy on us. Who takes away the sins of the world, receive our prayer.

Who sits at the right hand of the Father, have mercy on us. For you alone are holy. You alone are the Lord. You alone, Jesus Christ, are most high, with the Holy Spirit, in the glory of God the Father. Amen.

Gloire à Dieu, au plus haut des cieux, et paix sur la terre aux hommes de bonne volonté.

Nous te louons, nous te bénissons, nous t’adorons, nous te glorifions, nous te rendons grâce, pour ton immense gloire,

Seigneur Dieu, roi du ciel, Dieu le Père tout-puissant.

Seigneur, Fils unique, Jésus Christ,

Seigneur Dieu, Agneau de Dieu, le Fils du Père. Toi qui enlèves le péché du monde, prends pitié de nous toi qui enlèves le péché du monde, reçois notre prière ;

toi qui es assis à la droite du Père, prends pitié de nous. Car toi seul es saint, toi seul es Seigneur, toi seul es le Très-Haut, Jésus-Christ, avec le Saint-Esprit, Dans la gloire de Dieu le Père. Amen.

Ehre sei Gott in der Höhe Und auf Erden, Friede den Menschen, die guten Willens sind.

Wir loben Dich, wir preisen Dich. Wir beten Dich an, wir verherrlichen Dich. Wir sagen Dir Dank ob Deiner großen Herrlichkeit.

Herr und Gott, König des Himmels, Gott, allmächtiger Vater.

Herr Jesus Christus, eingeborener Sohn.

Herr und Gott, Lamm Gottes, Sohn des Vaters, Du nimmst hinweg die Sünden der Welt: Erbarme Dich unser. Du nimmst hinweg die Sünden der Welt: Nimm an unser Gebet.

Du sitzest zur Rechten des Vaters: Erbarme Dich unser. Denn Du allein bist der Heilige. Du allein der Herr. Du allein der Höchste, Jesus Christus. Mit dem Heiligen Geist, zur Ehre Gottes des Vaters. Amen.

GLORIA

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DAPHNIS ET CHLOÉ CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA 7

With an international conducting career that has spanned more than five decades, Amsterdam-born Bernard Haitink is one of today’s most celebrated conductors. He was music director of the Royal Concertgebouw Orchestra of Amsterdam for twenty-five years, and he is conductor emeritus of the Boston Symphony and an honorary member of the Berlin Philharmonic. Mr. Haitink is a frequent guest with the London Symphony Orchestra and the Vienna and Berlin philharmonic orchestras. He received a Grammy® Award in 2004 for his recording of Janácek’s Jenufa with the orchestra, soloists, and chorus of the Royal Opera House, Covent Garden.

Bernard Haitink made his debut conducting the Chicago Symphony in March 1976, in a series of concerts that included Mendelssohn’s Scottish Symphony, Stravinsky’s Symphony in Three Movements, and Shostakovich’s Fourth Symphony. He was appointed principal conductor of the Chicago Symphony Orchestra in 2006.

Avec une carrière internationale qui s’étend sur plus d’un demi-siècle, Bernard Haitink est l’un des chefs d’orchestre actuels les plus célèbres. Né à Amsterdam, il a été directeur musical de l’Orchestre royal du Concertgebouw pendant vingt-cinq ans ; il est également chef émérite du Boston Symphony et membre honoraire du Philharmonique de Berlin. Il est fréquemment l’invité du London Symphony et des Philharmoniques de Vienne et de Berlin. Il a reçu un Grammy en 2004 pour son enregistrement de Jenufa de Janácek avec l’orchestre, les solistes et les chœurs du Royal Opera House, Covent Garden.

Bernard Haitink a dirigé pour la première fois le Chicago Symphony en mars 1976, lors d’une série de concerts au programme desquels figuraient la Symphonie écossaise de Mendelssohn, la Symphonie en trois mouvements de Stravinsky et la Quatrième Symphonie de Chostakovitch. Il a été nommé chef principal du Chicago Symphony Orchestra en 2006.

Mit einer internationalen Karriere als Dirigent seit mehr als fünf Jahrzehnten, ist der gebürtige Amsterdamer, Bernard Haitink, einer der meist gefeiertsten Dirigenten unserer heutigen Zeit. Er war 25 Jahre lang Musikdirektor des Royal Concertgebouw Orchestra of Amsterdam und er ist Conductor Emeritus an der Boston Symphony und ein Ehrenmitglied der Berliner Philharmoniker. Haitink ist ein häufiger Gast an der London Symphony sowie der Wiener und Berliner Philharmoniker. Er wurde im Jahr 2004 mit dem Grammy® Award für seine Aufnahme von Janácek’s Jenüfa mit dem Orchester, den Solisten und dem Chor des Royal Opera House, Covent Garden, ausgezeichnet.

Bernard Haitink hatte sein Debut als Dirigent an der Chicago Symphony im März 1976, in einer Konzertserie, die Mendelssohns Schottische Symphonie, Strawinskys Symphonie in drei Sätzen und Shostakovichs Vierte Symphonie umfasste. Er wurde im Jahr 2006 zum Hauptdirigenten des Chicago Symphony Orchestra ernannt.

BERNARD HAITINK / CONDUCTOR

DAPHNIS ET CHLOÉ CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA 8

Hailed by The New York Times as a “vocally luminous young soprano,” Jessica Rivera has forged unique artistic collaborations with many of today’s celebrated composers including John Adams, Osvaldo Golijov, and Nico Muhly, and she has worked with esteemed conductors including Bernard Haitink, Sir Simon Rattle, David Robertson, Esa-Pekka Salonen, Robert Spano, and Michael Tilson Thomas.

Ms. Rivera gave the world premiere of John Adams’s opera A Flowering Tree, singing the role of Kumudha, in a production directed by Peter Sellars (commercially available on CD). She made her European operatic debut as Kitty Oppenheimer in Peter Sellars’s production of Adams’s Doctor Atomic with the Netherlands Opera (commercially available on DVD), a role in which she also made her debut at the Lyric Opera of Chicago, and she joined the Metropolitan Opera’s production of Doctor Atomic under the direction of Alan Gilbert.

Saluée par The New York Times comme « une jeune soprano à la voix lumineuse », Jessica Rivera a noué des collaborations artistiques uniques avec bon nombre de compositeurs actuels célèbres, dont John Adams, Osvaldo Golijov et Nico Muhly, et a travaillé avec des chefs aussi prestigieux que Bernard Haitink, Sir Simon Rattle, David Robertson, Esa-Pekka Salonen, Robert Spano et Michael Tilson Thomas.

Jessica Rivera a donné la création mondiale de l’opéra de John Adams, A Flowering Tree, chantant le rôle de Kumudha, dans une mise en scène de Peter Sellars (disponible en CD). Elle a fait ses débuts lyriques en Europe en Kitty Oppenheimer dans Doctor Atomic de John Adams, mis en scène par Peter Sellars, avec l’Opéra des Pays-Bas (disponible en DVD), rôle dans lequel elle a également fait ses débuts au Lyric Opera of Chicago et rejoint la production de Doctor Atomic du Metropolitan Opera sous la direction d’Alan Gilbert.

Von der New York Times als „junge Sopranistin mit einer strahlenden Stimme“ gelobt, kann sich Jessica Rivera einzigartiger künstlerischer Zusammenarbeit mit vielen gefeierten Komponisten der Gegenwart erfreuen, darunter John Adams, Osvaldo Golijov, und Nico Muhly. Sie hat mit zahlreichen angesehenen Dirigenten zusammengearbeitet, einschließlich Bernard Haitink, Sir Simon Rattle, David Robertson, Esa-Pekka Salonen, Robert Spano, und Michael Tilson Thomas.

Frau Rivera sang die Rolle der Kumudha in der Uraufführung von John Adams’ Oper A Flowering Tree in einer Inszenierung von Peter Sellars (erhältlich auf CD). Sie gab ihr europäisches Operndebüt als Kitty Oppenheimer in Peter Sellars’ Inszenierung von John Adams’ Doctor Atomic an der Nederlandse Opera (erhältlich auf DVD), eine Rolle in welcher sie ebenfalls an der Lyric Opera of Chicago debütierte, und sang in der Inszenierung von Doctor Atomic an der Metropolitan Opera unter der Leitung von Alan Gilbert.

JESSICA RIVERA / SOPRANO

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Duain Wolfe was appointed director of the Chicago Symphony Chorus in 1994 by Daniel Barenboim and has since prepared all of the major choral/orchestral works for the CSO, including Schoenberg’s Moses und Aron (Pierre Boulez, conductor) and Brahms’s Ein deutsches Requiem (Daniel Barenboim, conductor) for the Berlin Festtage. He has prepared the chorus for premieres of Bernard Rands’s apókryphos and John Harbison’s Four Psalms. His recordings include Sir Georg Solti’s Grammy® Award-winning Die Meistersinger von Nurnberg and Mahler’s Second (forthcoming) and Third Symphonies (Bernard Haitink, conductor).

He is also chorus director of the Colorado Symphony Orchestra (whose chorus he founded in 1984), and he prepares the major choral works for the Canadian National Arts Centre Orchestra (Pinchas Zukerman, conductor) as well as the Ravinia and Aspen Music festivals.

Duain Wolfe, nommé chef de chœur du Chicago Symphony en 1994 par Daniel Barenboim, a depuis lors préparé toutes les œuvres chorales-orchestrales majeures pour le CSO, dont Moses und Aron de Schoenberg (direction Pierre Boulez) et Ein deutsches Requiem de Brahms (direction Daniel Barenboim) pour les Festtage de Berlin. Il a préparé le chœur pour la création d’Apokryphos de Bernard Rands et de Four Psalms de John Harbison. Sa discographie comprend Die Meistersinger von Nürnberg dirigé par Sir Georg Solti, récompensé par un Grammy® Award, et la Deuxième (à paraître) et la Troisième Symphonie de Mahler (direction Bernard Haitink).

Il est également chef de chœur du Colorado Symphony Orchestra (dont il a fondé le chœur en 1984), et il prépare les œuvres chorales majeures pour l’Orchestre du Centre national des arts du Canada (direction Pinchas Zukerman), ainsi que pour les festivals de Ravinia et d’Aspen.

Duain Wolfe wurde 1994 von Daniel Barenboim zum Chorleiter des Chicago Symphony Chorus ernannt und hat seither sämtliche großen Werke für Chor und Orchester mit dem CSO einstudiert, darunter auch Schönbergs Moses und Aron (Pierre Boulez, Dirigent) und Brahms’ Ein deutsches Requiem (Daniel Barenboim, Dirigent) für die Berliner Festtage. Er hat den Chor für Uraufführungen von Bernard Rands’ Apokryphos und John Harbisons Four Psalms vorbereitet. Seine Diskografie umfasst Sir Georg Soltis mit einem Grammy® preisgekrönte Aufnahme der Meistersinger von Nurnberg, sowie Mahlers Zweite (In Vorber.) und Dritte Symphonie (Bernard Haitink, Dirigent).

Er ist ebenfalls Chorleiter des Colorado Symphony Orchestra (dessen Chor er 1984 gegründet hat), und bereitet die großen Chorwerke für das Canadian National Arts Centre Orchestra (Pinchas Zukerman, Dirigent), sowie für die Ravinia und Aspen Music Festivals vor.

DUAIN WOLFE / CHORUS DIRECTOR

DAPHNIS ET CHLOÉ CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA 10

The Chicago Symphony Orchestra’s distinguished history began in 1891 when Theodore Thomas, then the leading conductor in America and a recognized music pioneer, was invited to establish a symphony orchestra in Chicago. Thomas served as music director for thirteen years until his death in 1905. His successor, Frederick Stock, was music director for thirty-seven years, from 1905 to 1942, and led the Orchestra in its first commercial recordings in 1916. Three distinguished conductors headed the Orchestra during the following decade: Désiré Defauw from 1943 to 1947, Artur Rodzinski in 1947–48, and Rafael Kubelík from 1950 to 1953.

The next ten years belonged to Fritz Reiner, whose recordings with the Chicago Symphony Orchestra are still considered performance hallmarks. It was Reiner who invited Margaret Hillis to form the Chicago Symphony Chorus in 1957. For the five seasons from 1963 to 1968, Jean Martinon held the position of music director. Sir Georg Solti, who was music director from 1969 until 1991, led the Orchestra’s highly acclaimed first European tour in 1971. The Orchestra has since undertaken more than thirty overseas tours and performed on five continents. Daniel Barenboim became the Orchestra’s ninth music director in 1991, a position he held until June 2006. Two celebrated conductors assumed titled positions in 2006: Bernard Haitink became the Orchestra’s principal conductor, and former principal guest conductor Pierre Boulez its conductor emeritus. Riccardo Muti becomes the Orchestra’s tenth music director in 2010.

The Chicago Symphony Orchestra has produced more than nine hundred recordings since 1916. Recordings by the Chicago Symphony have earned 60 Grammy® Awards from the National Academy of Recording Arts and Sciences, more than any other orchestra in the world. In 2007, the Chicago Symphony Orchestra launched its new in-house recording label, CSO Resound.

La prestigieuse histoire du Chicago Symphony Orchestra débute en 1891, lorsque Theodore Thomas, alors le plus grand chef d’orchestre américain, pionnier reconnu dans le monde de la musique, est invité à fonder un orchestre symphonique à Chicago. Thomas en est le directeur musical pendant treize ans jusqu’à sa mort en 1905. Son successeur, Frederick Stock, l’est à son tour pendant trente-sept ans, de 1905 à 1942, et dirige l’orchestre pour ses premiers enregistrements en 1916. Trois éminents chefs prennent la tête de l’orchestre dans la décennie suivante: Désiré Defauw de 1943 à 1947, Artur Rodzinski en 1947-1948 et Rafael Kubelík de 1950 à 1953.

Les dix années suivantes sont celles de Fritz Reiner, dont les enregistrements avec le Chicago Symphony Orchestra sont encore considérés comme des versions de référence. C’est Reiner qui invite Margaret Hillis à former le Chicago Symphony Chorus en 1957. Pour les cinq saisons de 1963 à 1968, Jean Martinon occupe les fonctions de directeur musical. Sir Georg Solti, directeur musical de 1969 à 1991, dirige la première tournée européenne de l’orchestre, très applaudie, en 1971. L’orchestre a depuis lors fait plus de trente tournées internationales et joué sur les cinq continents. Daniel Barenboim devient le neuvième directeur musical de l’orchestre en 1991, occupant ces fonctions jusqu’en juin 2006. Deux chefs célèbres assument des postes attitrés en 2006: Bernard Haitink est nommé chef principal de l’orchestre et Pierre Boulez, ancien principal chef invité, en devient chef émérite.

Le Chicago Symphony Orchestra a gravé plus de neuf cents enregistrements depuis 1916, remportant avec ces disques 60 Grammys de la National Academy of Recording Arts and Sciences—plus qu’aucun autre orchestre au monde. En 2007, le Chicago Symphony Orchestra a lancé son propre label discographique, CSO Resound.

Die berühmte Geschichte des Chicago Symphony Orchestras begann im Jahr 1891, als Theodore Thomas, der damals führende Dirigent in Amerika und ein anerkannter Pionier in Musikkreisen, aufgefordert wurde, ein Symphonieorchester in Chicago zu gründen. Thomas war bis zu seinem Tod im Jahr 1905 Musikdirektor, nur drei Wochen nach der Eröffnung der Orchestra Hall. Sein Nachfolger, Frederick Stock, war siebenunddreißig Jahre lang Musikdirektor, von 1905 bis 1942, und hat die ersten kommerziellen Aufnahmen mit dem Orchester im Jahr 1916 gemacht. Drei berühmte Dirigenten leiteten das Orchester im darauffolgenden Jahrzehnt: Désiré Defauw von 1943 bis 1947, Artur Rodzinski von 1947–48 und Rafael Kubelík von 1950 bis 1953.

Die nächsten zehn Jahre standen unter der Leitung von Fritz Reiner, dessen Aufnahmen mit dem Chicago Symphony Orchestra immer noch als die Markenzeichen angesehen werden. Reiner ludt Margaret Hillis ein, im Jahr 1957 den Chicago Symphony Chorus zu bilden. Während der fünf Saisonen von 1963 bis 1968 war Jean Martinon Musikdirektor. Sir Georg Solti, der Musikdirektor von 1969 bis 1991 war, nahm das Orchestra auf seine erste berühmte europäische Tour im Jahr 1971. Das Orchester ist seither auf mehr als dreißig internationalen Tours gewesen und ist in fünf Kontinenten aufgetreten. Daniel Barenboim wurde im Jahr 1991 zum neunten Musikdirektor des Orchestras, eine Position, die er bis Juni 2006 innehatte. Zwei berühmte Dirigenten haben im Jahr 2006 wichtige Positionen übernommen: Bernard Haitink wurde zum Hauptdirigenten des Orchestras und der ehemalige Hauptgastdirigent, Pierre Boulez, wurde zum Conductor Emeritus.

Das Chicago Symphony Orchestra hat seit 1916 mehr als neunhundert Aufnahmen gemacht. Aufnahmen der Chicago Symphony haben 60 Grammy Awards von der National Academy of Recording Arts and Sciences gewonnen, mehr als jedes andere Orchester in der Welt. Diese Veröffentlichung der Dritten Symphonie von Mahler ist die erste Aufnahme, die unter dem neuen eigenen Recording Label, CSO Resound.

CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA

DAPHNIS ET CHLOÉ CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA 11

Bernard Haitink Principal Conductor

Pierre Boulez Helen Regenstein Conductor Emeritus

Riccardo Muti Music Director Designate

Duain Wolfe Chorus Director

Osvaldo Golijov and Mark-Anthony Turnage Mead Composers-in-Residence

ViolinsRobert ChenConcertmaster

The Louis C. Sudler Chair,endowed by ananonymous benefactor

David TaylorYuan-Qing YuAssistant Concertmasters*Cornelius ChiuNathan ColeAlison DaltonKozue FunakoshiRussell HershowQing HouNisanne HowellBlair MiltonPaul Phillips, Jr.Sando ShiaSusan SynnestvedtRong-Yan TangAkiko Tarumoto

Baird DodgePrincipal

The Marshall andArlene BennettFamily Foundation Chair

Albert IgolnikovAssistant PrincipalLei HouArnold BrostoffFox FehlingHermine GagnéRachel GoldsteinMihaela IonescuMelanie KupchynskyWendy Koons MeirJoyce NohNancy ParkRonald SatkiewiczFlorence Schwartz-LeeJennie Wagner

ViolasCharles PiklerPrincipal

The Prince CharitableTrusts Chair

Li-Kuo Chang†Assistant Principal

The Louise H. BentonWagner Chair

John BartholomewCatherine BrubakerKaren DirksLee LaneDiane MuesLawrence NeumanYukiko OguraDaniel OrbachMax RaimiRobert Swan‡Thomas Wright

CellosJohn SharpPrincipal

The Eloise W. Martin ChairKenneth OlsenAssistant Principal

The Adele Gidwitz ChairPhilip BlumLoren BrownRichard HirschlKatinka KleijnJonathan PegisDavid SandersGary StuckaBrant Taylor

BassesJoseph GuastafestePrincipal

The David andMary Winton Green Chair

Daniel ArmstrongRoger ClineJoseph DiBelloMichael HovnanianRobert KassingerMark KraemerStephen LesterBradley Opland

HarpsSarah BullenPrincipalLynne Turner

FlutesMathieu DufourPrincipalRichard Graef**Assistant PrincipalLouise DixonJennifer Gunn

PiccoloJennifer Gunn

OboesEugene IzotovPrincipal

The Nancy andLarry Fuller Chair

Michael HenochAssistant Principal and Acting English HornScott Hostetler

ClarinetsLarry CombsPrincipalJohn Bruce Yeh**Assistant PrincipalGregory SmithJ. Lawrie Bloom

E-Flat ClarinetJohn Bruce Yeh

Bass ClarinetJ. Lawrie Bloom

BassoonsDavid McGillPrincipalWilliam Buchman**Assistant PrincipalDennis MichelBurl Lane

ContrabassoonBurl Lane

SaxophoneBurl Lane

HornsDale ClevengerPrincipalDaniel Gingrich**Associate PrincipalJames SmelserDavid GriffinOto CarrilloSusanna Drake

TrumpetsChristopher MartinPrincipal

The Adolph Herseth PrincipalTrumpet Chair, endowed byan anonymous benefactor

Mark RidenourAssistant PrincipalJohn HagstromTage Larsen

TrombonesJay FriedmanPrincipalJames GilbertsenAssociate PrincipalMichael MulcahyCharles Vernon

Bass TromboneCharles Vernon

TubaGene PokornyPrincipal

The Arnold Jacobs PrincipalTuba Chair, endowed byChristine Querfeld

TimpaniDonald KossPrincipalVadim KarpinosAssistant Principal

PercussionCynthia YehPrincipalPatricia DashVadim KarpinosJames Ross

PianoMary SauerPrincipal

CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA

*Assistant concertmasters are listed by seniority. **Principal on Poulenc’s Gloria †On leave ‡On sabbatical

DAPHNIS ET CHLOÉ CHICAGO SYMPHONY ORCHESTRA 12

Duain WolfeChorus Director

Don H. HorisbergerAssociate Director

Cheryl Frazes Hill Associate Director

Paul AanonsenBlake AdamsRobin M. AgneAlicia Monastero AkersIna R. AllenMelissa ArningRebekah Kirsten AskelandAmy BakalarDeborah B. BardLisanne Barnes-SeymourMichael BarretteMary Ann BeattyWilliam BennettRebecca BergerMadison BoltMichael BoschertWilliam BouvelLorraine BranhamHeather BraoudakisMichael BrauerTerry L. BucherEdward BudzilowiczW. Michael BultmanDiane Busko BryksCatherine CaccavalloMaryJo CallyStephen CannonMichael CavalieriStephanie ChamberlinWilliam ChinDorea Lynne CookRyan J. CoxSandra CrossBeena DavidTodd Diehl

Ann DieterKathleen O’Brien DietzDawnmarie DomingoKatarzyna DorulaDavid DuBoisCatherine Vartanian DukeJeffrey DukeThomas E. DymitStacy EckertStephen C. EdwardsDaniel EifertMark EldredNicholas FalcoGerald FrantzenGail FriesemaRachel FryKirsten FyrBenjamin GacJohn R. GauthierRuth GaydeElizabeth GentryKlaus GeorgNicoleta GhitaElizabeth GottliebCathy Wozniak GoughDavid GovertsenNida GrigalaviciuteElizabeth GrizzellDeborah GuscottElizabeth HaleyAmy Noël HallKevin M. HallMargaret Quinnette HardenTodd S. HarrisMatthew HaydenMary Catherine HelgrenDaniel Julius Henry Jr.Rae-Myra HilliardBetsy Hoats-SmithDavid Hoffman

Don H. HorisbergerJames HoustonJeanne Hughes-SeyllerPatricia HurdJeff JablonskiTim JaneckeHyun Suk JangCarla JanzenJamie Lee JohnsonMarjorie JohnstonBrad JohnstoneAlison KellyJennifer Kerr BudziakAmanda KingSusan KroutKurt KuehnertNathan LandesNancy A. LassDiana LawrenceEmily Joy LeeLee LichamerAllan K. LindsaySamuel LorenzoMary LutzKathleen MaddenNatalie MannDonald ManuelElizabeth McGheeKevin McKelvieEric MirandaRebecca S. MoanJames Morris, Jr.Hayden MuhlLillian MurphyLinda MurphyLisa NemethCharles M. OlsonSheri OwensWha Shin ParkJuliet PetrusAmy PickeringNancy PiferJoe PiszczorCari PlachyMark Plante

Lisa PomeroyElvira PonticelliAngela PresuttiTimothy J. QuistorffBenjamin D. RiveraAndrew RyeMatthew W. SchlesingerCole SeatonCindy SennekeAndrew SeymourKristy (Sims) SweeneyJoseph SmithSusan Palmatier SteeleDiana StephensHeidi Jo StirlingDenise SullivanMaia SuraceAndrea Amdahl TaylorJoan TeitelmanPaul W. ThompsonMatthew ThurmanSusan L. TurneyScott UddenbergFrank VillellaElizabeth WalkerBenita WandelEric WestDodie Morris WhitakerDebra WilderCharles L. WolterJulieAnn Zavala

Rehearsal pianists:

John GoodwinSharon Peterson

CHICAGO SYMPHONY CHORUS

Producer: James Mallinson

Engineer: Christopher Willis

Audio Post-Production: Classic Sound Limited, UK

Recorded live in Orchestra Hall at Symphony Center November 8, 9, and 10, 2007.

Design: Todd Land

Photography: Todd Rosenberg

© 2009 Chicago Symphony Orchestra

Poulenc’s Gloria: © 1960 Salabert. Sole North American agent Boosey & Hawkes.

CSOR 901 906

CSOR 901 908 Hybrid SACD

cso.org/resound

CSO RESOUND IS UNDERWRITTEN BY A GENEROUS GIFT FROM MR. AND MRS. RALPH SMYKAL.