Retrato Scon Alma

8/17/2019 Retrato Scon Alma

1/115

1.

FOTOGRAFIA BOUDOIR (Curso en imágenes)

BOUDOIR proviene del francés y significa “tocador” y antiguamenteera la habitación donde las damas se arreglaban y se empolvaban.Hoy en día la fotografía Boudoir puede tener muchos estilos ysugerir imágenes muy diferentes. Para nosotros es sinónimo deimágenes sensuales y elegantes que revelan la belleza de la mujer.Es el arte de fotografiar el cuerpo y la personalidad mostrando ellado más femenino, creando imágenes en las que la mujer puedaver reflejada su belleza, al mismo tiempo de ofrecerle unaexperiencia divertida, refrescante y sexy. Toda mujer,independientemente de su edad o constitución puede transmitir

dulzura y seducción.

Es nuestra intención que en este juego de imágenes puedasaprender mucho sobre el uso de la luz natural, para así maximizarel rendimiento de tu equipo y mejorar tus habilidades de edición. Encada foto te iremos contando lo que fuimos haciendo durante el set


2/115

y te compartiremos muchos trucos importantes. Algunas veces teenseñaremos los antes y después y uno que otro truco de edición.Sin embargo, no podemos regalar todo por nada y sería muycomplicado, así que te invito a nuestros talleres en donde te será

más sencillo y a la vez, podremos compartir equitativamente y dedos vías nuestros esfuerzos.

Es nuestra filosofía personal evadir complicaciones y el uso deequipos onerosos, sin embargo algo de técnica hay en todo y hayque aprender un poco, pero de cualquier forma, verás que es muysencillo si te guían de manera divertida y con lenguaje fácil.

Como verás en este juego de imágenes, el escenario erasencillísimo, el equipo el menor posible y cuando veas como seeditó, reirás de esos que presumen tanto de ser profesionales, puesa la corta y larga, no es algo del otro mundo, lo que si, el buengusto y la clase, no son cosas que sean sencillas de lograr, es poreso que debemos aprender a conectar con el alma y el corazón,para que la fuerza y la belleza universales nos guíen dándonos esetoque de maestría que solo proviene de dos fuentes, la divinidad yla práctica constante.

Ilse y yo, pusimos todo nuestro amor en este trabajo, para que secumpla nuestro cometido, que es ver cientos de grandes artistashaciendo el trabajo con gusto y por el simple amor al arte. Teinvitamos pues a seguir este extenso set y a leer lo que ponemosen cada foto, vale la pena aprender así, casi de “groles” y con el

cariño que lo estamos compartiendo, al final, verás que tu trabajomejora y me muero por ver que nos superas, pues un maestro solo

es grande si sus estudiantes lo son mas que él.

Puede que nuestra actitud y visión de la fotografía te parezca pocoprofesional, eso no importa, de hecho es a propósito así, lo queimporta es que lo uses para crecer y poco a poco te contagies de lasencillez, que es la madre de la belleza. Acompáñanos pues, no te


3/115

pierdas ninguna foto, pues puedes perder un gran tip. Las láminasestán numeradas para que las puedas leer en orden.

Ilse & Ben.

2.

EL ESCENARIO

El gran problema con que siempre nos enfrentamos para ser creativoses el abismo que hay entre lo ideal y lo práctico, entre lo que se tiene ylo que se desea. Un artista de verdad, debe ser una persona quepueda armar belleza hasta con basura, no se necesita llegar a lo ideal,

para poder hacer lo que toca, con lo que se tiene se puede lograrperfectamente. Dios sabe por qué lo dejó así y es de genios eladaptarse y crear con fe.


4/115

Amanecimos con ganas de hacer fotos, para nosotros jugar a hacerlases como el aire que usamos para respirar, si no lo hacemos nosmorimos, así que le dije a Ilse hagamos fotos y minutos después ellase estaba maquillando.

IMPORTANTE: Jamás le digo a mis modelos que hacer, al contrario,les dejo hacer lo que les nazca y sin presión, les dejo guiar, yo solodisparo y pongo la mesa. De esta manera le dije Ilse, maquíllate comomás te guste hoy y vístete o desvístete como te nazca, haremosBodoir a nuestra manera, con lo que hay. Debemos confiar más ennuestro sujeto que lo que él mismo pueda confiar, el sujeto es la partemás importante, si le matas con ordenes, matas todo.Subí al tercer piso y vi el escenario vacío, las pinches ventanas con

cedazo verde y las casas algo feas del exterior, las paredes sin repelloy pintura y el piso de cemento. Es el mismo escenario en que hemosvenido haciendo escenas de ventana, pero esta vez necesitaba unahabitación. Rápido busqué en mi mente las imágenes que Dios memandaba y corrí una camita vieja que hay tirada allí, subí una mesa denoche, una lamparita, una guitarra, puse mi reflector en una silla pararebotar algo de luz dorada en las sombras y armé un escenario.Decidimos usar un edredón blanco como base de la cama para rebotarluz y llenar sombras, estaba nublado y había poca luz, así que yosabia que usaría un ISO alto y quería evitar excesos de ruido. Paracubrir a Ilse buscamos una sábana y la escogimos verde para jugarcon la pequeña contaminación de verde que produce el cedazo y así jugarían bien verdes, oros y blancos. Tuve cuidado de graduar bien misaturación y mi balance de blancos en la cámara, para así tener unaapariencia natural y sin saturaciones altas, que los blancos fuerannaturales y las tomas aun así, cálidas. Estas decisiones se toman muyrápido, por lo que recomiendo practicar mucho para que se vuelvan de

segunda naturaleza. Yo lo hago sin mi modelo, para no cansarle, lohago por “joder” cuando estoy solo. Si cansamos o aburrimos a

nuestro modelo, ya perdimos la sesión, los momentos de iluminacióndel alma duran muy poco y debemos estar listos para capturar sufugaz aparición.


5/115

Tomé cuidado de colocar la guitarra justo donde el escenariodesaparecía para que no tuviera vacíos en la composición y también,de colocar los sombreros en lugares que ambientaran la habitación, detal manera, que en la ilusión de las tomas, nadie se percatara mucho

de que no era un cuarto, sino una bodeguita vacía.

Luego, medí mi luz y vi que tendría autonomía, es decir, dispararíasuficientemente rápido para no tener que usar un trípode y así podríaseguir a Ilse desde muchos ángulos, para así dejarla fluir y a la vez,tener muchas tomas diferentes de un mismo día.

Sabía que iba a ser difícil, que no he hecho esto en algunos años y

que no tenía mucha idea de que saldría, pero sabía que el espíritu deIlse si sabia que hacer y que el mío me diría cuando hacer click.

Tomé nota mental de que debía tener cuidado con mis líneashorizontales y los enmarques, para que la perspectiva de la habitaciónno me arruinara las fotos y también, me di cuenta que para usar miamado telefoto, debía alejarme un poco, así que también preparé unsegundo lente, más corto por si hacia escénicas.

Una cosa que siempre cuido es que la haraganería no me robe misfotos, así que me quité los zapatos y me puse listo apara tirarme alpiso, subirme a las sillas y brincar por todos lados para así pescar mistesoros del día. Me encanta cuando disparo olvidar mi edad y ser unchaval, no le temo a los ataques cardiacos cuando soy feliz. Removídel escenario cosas con las que me pudiera golpear o tropezar y mefije en las variaciones de luz al pasar las nubes, pues tendría que estar

listo para cambiarlas, sin poder ver mi pantalla, pues si hacia esto, me jugaba el chance de perder momentos.

Lo primero que hice fue sentarme a orar a mi manera, pidiendo al cieloque tomara mis manos y mi cámara y que me dejara hacer una gransesión de esta, que como siempre digo, podría ser mi última y así,


6/115

después de orar tranquilo, confié en que Dios haría lo suyo y seríangeniales. Pensé en Ilse y sus fotos y pensé en ti que ahora me lees.

3. LA GRADUACION DE LA CAMARA

Lo primero que tomé en cuentapara graduar mi cámara fue lapoca luz y lo tenue de la misma.Pro esa razón usé ISO 800, paraque la cámara estuviera sensibley a la vez, pudiera disparar a alta

velocidad y así no solo congelarlas tomas en movimiento, sinolograr una mejor definición en lasmisma, ya que si se mueve unpoco la maquina, salen moviditasy menos enfocadas, además,quería usar mi telefoto 50-200para tener ancho cuando lonecesitara y acercamientos detipo revista al acercarme, porello, necesitaba que la velocidadde la cámara fuera al disparar almenos la misma del largo dellente y si posible el doble. Sintrípode, debemos saber que lavelocidad recomendada siempre

debe ser la del doble del lente, es decir, si disparas con un lente

200mm tu velocidad debe ser un 400/sec.

No quería perder momentos, así que revisé que la luz me variabaentre un 250/sec cuando oscuro y un 640/sec cuando claro, así queme mentalicé a estar pendiente de los cambios de luz, de seguir miintuición cuando la voz me dijera oscura o clara y revisé unas cuantas


7/115

tomas para estar seguro. Cuando estoy disparando, no me gustavoltear a ver la pantallita y perder a mi modelo de vista, por eso meajusto a mi visor y me olvido de la maquina digital por un rato, disparocomo cuando era análogo, solo confiando en mis limites y decisiones.

La razón por la que uso lentes largos, como un 200 o 300mm, es porla compresión de distancias; los lentes cortos tienden a exagerar latercera dimensión y hacen que nuestro modelos se vean mas gorditosy redondos, a su vez, también enfocan todo demasiado y no me dejanhacer “enfoque selectivo” cosa que me sirve en la composición de mi

imagen. Yo prefiero usar telefoto y así dar ese look de revista y que loshombros y otros objetos cuando enfoco, estén achatados y fuera del

“área de atención”, solo uso lentes cortos cuando mi sujeto esta enescénica y si posible los uso en enfoque infinito, para que todo este enfoco y mi modelo no se deforme.

Lo siguiente fue ajustar manualmente mi balance de blancos, micámara me permite partir de un “preset” y ajustarlo manualmente a

donde me guste el color. Eso pues es un regalo de Pentax.

Coloque mi motor de auto foco en prefijado, para que la cámara noperdiera tiempo siguiendo a mi sujeto y así antes de disparar yoenfocaba los ojos y luego re enmarcaba la toma antes de disparar,esto toma práctica, pero lora mejores enfoques. También, coloque lamatriz de enfoque en manual y un poco arriba, para que siempre lastomas predominaran enfoque al rostro, aun así, había que enfocar ymover un poco la cámara para re enmarcar.

Tomé una decisión contradictoria al graduar mi apertura, la puse entre

f4 y f5, para perder enfoque en la profundidad de campo, meinteresaba un look de ensueño y que solo la mirada de Ilse o aquelloque me fuera importante en la composición quedara en foco. Tambiénsabia que el telefoto me daría lindos desenfoques y se mejoraban conesto.


8/115

Limpié mis memorias y me dispuse a graduar el sensor di mi cámaracomo sigue en la siguiente lámina.

4. GRADUACION DE CAMARA II

Muchos creen que uso Pentax o porque soy bruto o por pobre, misrazones son muy claras, son maquinas muy configurables y bienpensadas para mi trabajo y que hacen cosas que las demás no hacen

del todo. En este paso gradué la saturación de mi cámara un pocoabajo para tener una piel suave y que me hablara de un clima que noes local, aumente manualmente la luz en las sombras para que elrebote de luz fuera mas eficiente, limité los brillos para que no se mequemara en ninguna parte, reduje el contraste en las sombras paraque no hubieran negros absolutos y al graduar esto, gane como 4


9/115

paradas de luz y de libertad, también prendí el reductor de ruidoparamétrico a solo quitármelo completo en las zonas de sombras,medio en las medias luces y aun menos en las zonas de luces. Deesta manera, casi retoque la piel desde la cámara y gané tiempo y

esfuerzo, al solo tener que revelar con ligero cuidado los crudos. Tuvecuidado de bajar el afilado de la cámara a medio, para que no meafilara el ruido y así mejor afilar mi imagen después en Photoshop,cuando ya estuviera curada. Reduje la densidad de la sombras encámara también, para sacarle provecho al bronceado de Ilse y hacerque su pelo y ojos lucieran más claros.

Como te digo, no trates esto en casa, tu cámara no lo hará, puede que

con estas condiciones de luz, en otra maquina, hubieras tenido querebotar mas luz, bajar velocidad o aumentar tu ISO a 1600 y hubierassufrido de “escandalo” en vez de ruido, sin embargo, hay trucos para

cada cámara, no siempre tuve una k-5.

5. LA TOMA


10/115

Los estudiantes a menudo cometen el error de interesarse más en losaspectos técnicos de la cámara que en la filosofía, la psicología y laciencia que está detrás del captar momentos; de nada sirven las

aperturas, velocidades y luces si somos retrasados mentales en estaparte, que es, la más importante. Aun con la cámara en automático, elque sabe pescar momentos, hace más fotos que eltecnófilo y amenudo, de mayor calidad artística. Capturar momentos, capturaralmas, tiene una ciencia aun más profunda y delicada que lagraduación de la cámara y el que comprende esto, seguramente seencamina a ser un gran artista, más que un “camarista”.

Habiendo graduado mi cámara como lo expliqué en las laminasanteriores, me propuse a empezar a hacer las tomas con Ilse, como esnormal, al empezar siempre nuestro modelo está lento; les toma unrato llegar al “calor” a ese momento donde ya se la creen y sus almas

empiezan a brotar, pero como fotógrafo debo saber inyectar fe,seguridad y energía ilimitada a mi sujeto. Esta parte es al principiocomo empujar cuesta arriba, pero en algún punto ellos toman aviada,lo importante es no perder la actitud, esta misma, es la materia primade toda una sesión. La música que le gusta a tu modelo, ayuda muchoen ello y más, si les vas diciendo que lo hacen bien cuando lo hacen,para que sepan que están haciendo las cosas correcta. Hay que pararde vez en cuando, para enseñarles las imágenes y así su propiainteligencia mejora lo que se va haciendo, no temas a esta parte, esbueno tener un socio creativo y el modelo siempre lo es, si confías.

Durante las conversaciones con mi modelo, a menudo me fijo bien ensus expresiones y así cuando disparo, me adelanto un poquito para

captarlas en su momento y que no me salgan ojos entre cerrados,sonrisas fuera de tiempo etc, así es como logro esos mementoscongelados. Yo ya conozco esos mutis y simplemente los espero aldisparar. Algunas veces, disparo tomas de más solo para mantener lamarcha y así darle tiempo a uno de esos “momentums” para aparecer.


11/115

Para mi es importante tener una relación estrecha con mi modelo,pues se refleja en las tomas, una buena y sincera amistad, unahermandad, no se me confunda en esto, no es necesario ser pareja detu modelo, como es mi caso, siempre logro tener una relación

extremadamente fuerte con todos mis sujetos. Parte de no tener miedode mi, parte de no tener vergüenza de quien soy y de la fe que tengoen ellos, más que en mi.

Cuando yo miro a alguien, miro como es en su película, no en la mía ytrato de pescar eso que congela el tiempo y su alma. Siempre busco elyo más alto que poseen dentro y lo sostengo por encima de suspropios miedos e inseguridades. Cuando yo tomo fotos, amo a mi

sujeto, como Pigmaleón amaba tanto a su escultura, dicen que un díahasta cobró vida.

Respeto con todo el alma a mis modelos, pero no por ello, pongodistancia, pues en ese momento sagrado de hacer tomas, somos uno.

En esta toma en particular, estoy parado por encima de Ilse, aunque elescenario estaba graduado para tomas laterales, sentí el impulso desaltar encima de la cama y hacerle unas tomas desde allí, tuve quehacerlo de tal manera de estar listo cuando ella se volteara y asícongelar su mirada. Cosa importante fue tener en mente que altomarla desde otro ángulo, la luz variaría, dándome una toma, másoscura o más clara. Mientras salté oí la voz de mi espíritu decir: “sube

a un 500/sec” y sin ver la pantallita solo cambié eso y disparé, aun así,

me la dejó tostadita, en clave alta, justo para lo que había visto en mimente antes de empezar. El resultado fue una toma balanceada y conmucha luz, una mirada eterna justo a tiempo, entre momentos. Luego,

al final del disparo vino la carcajada de Ilse al ver la posición en quequedé después del salto.


12/115

6. LA COMPOSICION I

Muy a menudo escucho a jovencitos y entusiastas decir comentarioscomo: “Le cortó la manita”, “Dejó el piecito fuera”, “no esta centrada”,

no entro en novenos”, etc; lamentablemente las reglas para algunos

son prisiones y la falta de cultura artística un maldición. En lacomposición hay mucho de gusto propio, de sentido común y unasreglas que más bien son sugerencias para seguir, ninguna está mejorque la que te guste a ti mismo, sin embargo, hay algunos detallestécnicos y otros psicológicos que tomar en cuenta. Si todas las fotos

del mundo estuvieran centraditas y con todo dentro, no habríaexpresión creativa y todo sería muy aburrido, pero la genialidadconsiste en manejar otros elementos en la composición que usan ladinámica y la imaginación para terminar de contar la historia, que alfinal, es el reto para la fotografía en si, pues un objeto de dosdimensiones, aparentando tener tres y contando una cuarta, el tiempo,


13/115

el movimiento.

Hay tres elementos fundamentales en la fotografía de retratos, elsujeto, el tema y el ambiente. Estos son manejados con el enfoque, la

atención psicológica y la provocación de la imaginación en elobservador. La fotografía para mi es una ventanita que nos enseñauna pequeña parte que nos hace imaginar todo lo demás y este esplacer que el observador encuentra en ver imágenes. Si todo estuvieraincluido sería un documento, un dato, más la gracias es que cuandoveamos un retrato sintamos que nos odia, nos ama, nos besa y hastapaseamos con la chica y somos guapos. Estos elementos últimos, sonlos que crean la composición psicológica de la imagen y estos

mismos, están más ligados a la cinematografía que a la foto de por si.Si nos fijamos en el cine, no están las manitas y los pies dentro,tampoco esta centrado en 9 cuadros y mucho menos lo que está enfoco es a menudo el sujeto, el movimiento, el sonido y la luz, a vecesnos hacen poner atención en algo que inclusive muchas veces, noesta dentro de la imagen. Hacer uso de estos elementos, hará quenuestras fotos además de lucir bien estéticamente, hablen.

En esta imagen, cuidé de colocar mi sistema de enfoque a central,enfoque a los ojos y como tenia el motor del AF en prefijado, al moverrápido la cámara para re enmarcar, no perdí la mirada de Ilse comofoco de atención. La poca profundidad de campo que use en F.4 meenfocó el pelo, los ojos pero rápidamente me saco del plano de laatención lo demás con un enfoque selectivo causado por estos ajustesy la combinación de un telefoto 200mm extendido, que causa un “blur”brusco en el fondo.

Observando esta foto veamos que cualquiera diría que Ilse es elsujeto, la mujer y su cuerpo el tema y la luz el ambiente, pero no es asídel todo, la idea que da no habla sobre ella, habla sobre quien estásiendo observado por su mirada, ese es el sujeto tácito que le llamo, elque no esta en la imagen, pero forma parte principal de la escena. Eltema de la foto no es La chica tampoco, ni su cuerpo ni la habitación,


14/115

es la cacería, lo que hará con el observador, que dicho sea de paso,es el observado en este caso y el ambiente es la habitación y el climaque refleja la luz, dejando el cuerpo de la mujer fuera de la atención.Este en si, es el secreto de la elegancia en el Boudoir y el desnudo

artístico, que nunca se abarate ni se exponga a una mujer como unobjeto físico o de gratificación masculina. Hay que cuidar muy bien deestos valores y practicar mucho, siendo un juez acucioso con unomismo. Hay que ver buenas imágenes para empapar las neuronas decalidad y buen gusto.

Respecto a la composición física de la foto, manos y pies están fuera,no eran importantes y los hubiera incluido, hubiera perdido al

observado y a la cazadora; más bien, dejé una mano como agarrandola pantalla, la otra como ahorcando del cuello al que ve la foto y dejebien borrosos los pies fuera de la imagen. Todo esto estaba en mimente mientras motivaba a Ilse con mi actitud, acción y también unúltimo factor, el tiempo.

A propósito la mirada de Ilse no está centrada en ninguno de losnueve cuadritos que se usan para guiar el enmarque cuando se dividela imagen en nueve pedazos iguales, no, ella esta ligeramente a laizquierda y entre puntos por así decirlo, eso, es lo que crea un sutilsensación de desplazamiento, como que viene de una escena y va aotra. Era importante en este set poder tener cosas que compartir eneste librito, una de ellas eran estas sutiles cosas que pasan cuandocreamos ideas en las fotos.

Adicional a lo anterior, en esta imagen pasó algo pre visto, Ilse sedesplazó de atrás de la cama, en donde la luz pegaba intensa, hacia el

frente donde estaba más oscuro; mi margen de paradas desde un 250hasta un 640/sec en la velocidad me dio el chance de aun al estar unpoco más oscura, obtener una buena imagen. No re ajuste laexposición a propósito, en estudio a veces lo hago muy rápido pero eneste caso, yo quería que la idea de estar en la habitación con todo ysus cambios de luz, estuviera presente en la toma, para que fueran


15/115

más naturales y dieran una sensación de clima real; al final del set,obtendré una tarde con Ilse, una historia completa y variada, como unbuen playlist, o un buen libro y sus capítulos.

En el terminado de esta foto, que tenía diferente luz de la anteriorpublicada, fui menos intenso en el trabajo de la imagen, más que unacabado de portada, quería mucha realidad en ella, pues el bronceadoy su piel formaban parte de la ilusión de verano que quería en el climade la foto. Me interesaba más la historia en la foto, que se sintiera muyreal y viva, la idea psicológica aquí era que el observador pudieraimaginar a la modelo como realmente siendo parte de su propia vida yno una muñeca de escaparate. A propósito también, no se removió la

contaminación de verde causada por el cedazo y la sábana verde, sedejaron como parte del ambiente y el ruido que posee, fue agregado alfinal, para darle su apariencia característica.

7. LA LUZ I

A diferencia de cómo muchasveces se nos enseña, losfotógrafos en realidad nopintamos con luz, pintamos consombras. El sensor es un pañoen blanco, como una hoja depapel y vamos pintando con lassombras el boceto de lo que seránuestra foto, como quien dibuja alápiz y asura las sombras y los

rasgos. Con la graduación de lacámara decidimos que tan blancodejamos el papel y que tandefinidas las líneas y con losrebotes de luz y otros elementos,nos aseguramos que el contraste


16/115

del asurado no sea tan intenso que acabe con la textura en el papel.

Las condiciones de luz no pueden ser rebasadas en una fotografía deapariencia natural, es decir, no hay Photoshop que arregle una mala

foto o una mala graduación, ni un mal escenario y menos un malmomento., por esta razón, si bien el post proceso es la mitad de lafoto, debemos cuidar los aspectos del estudio o escenario paraconstruir reflejos, matices, luces y sombras que pinten una ideaclimática y definan a nuestro sujeto en la historia. Hay que sercuidadoso en esto, pero no tanto, que matemos la vida de la foto, esmás como un cocinero inspirado al mezclar los ingredientes y no tantocomo un ingeniero alemán diseñando un motor.

Las luces en los bordes de un cuerpo o de un rostro, como en el casode esta foto, delinean la figura del sujeto, haciéndole lucir másdelgado, por el contrario, las luces frontales aplanan el rostro yensanchan la cara. Las luces muy de lado, incrementan las sombrasen la textura de la piel y puede ser desastroso para asuntos dearrugas o piel mayor. En toda esta serie, hecha en la misma hora ymedia de trabajo, hay muchas versiones de Ilse, unas más delgada,otras más joven, otras mayor, otras mas rellenita, todo se logró con laluz y el momento escogido.

La temperatura del color de la luz, la saturación y la sobre o subexposición hacen que la foto nos cuente de un lugar, una hora y unclima. No todas fotos deben lucir como de calendario de verano biensaturadas y no todas deben “cantar” de en que época o lugar fueron

hechas, a veces el secreto de componer con la luz es lograr sacar alsujeto de la cotidianidad y del país y clima en que se estaba haciendo

la toma, de esta forma, parecen más ricas y finas.

En esta foto, eran las 12 y algo del día, hacia un calor muy fuerte yaunque medio nublado, se notaba el sol de verano, sin embargo, lequitamos lo azul del cielo de Guatemala y la hora, pudiendo serEuropa, México, Guatemala o cualquier otro lugar y quizá, al


17/115

amanecer o pasado este, para darle una apariencia de que Ilseamanecía en esa cama en un día nublado o cuando aun no calienta elsol. Desde luego, en el caso del retrato hay que medirse, pues la pielno debe ni lucir enferma, ni plástica.

Hay tres elementos en la composición de la luz de retrato, no importasi es estudio o luz natural, no importa si se tiene mil lámparas yventanas, siempre son las mismas, aunque se agrupen, luz principal,luz de relleno y luz de efecto.

En este retrato la luz principal es interesantemente la del rebote, estafue la que expuse y tome en cuenta para definir mi punto de

graduación, la luz de relleno, que definía las zonas oscuras, en muchaparte se logró con el edredón blanco en la cama y el rebote del techo yparedes. La luz de efecto se combino en dos puntos, la luz de lasventanas que bordeaba y quemaba los rasgos en la figura y la luzdorada del reflector pasivo que tintaba el ligero color de la toma.Interesantemente, la que debía ser luz principal, quedó al fondo en lasventanas y también sirvió para efecto del fondo. Los brillos en el pelo ylos ojos, son muy importantes de cuidar y a veces tenemos que meterespejos y sabanas colgadas por allí para lograr que la imagen queasuramos en el papel, quede bien descrita, pues hay que recordar quela foto es un objeto de dos dimensiones, aparentando tener tres; estambién un objeto quieto, que habla de movimiento, aun cuando elsujeto esté fijo, la idea que cuenta es de dónde viene o hacia dóndeva, lo que está pasando, etc.

Si bien, cada quien ve lo que quiere y puede y cada uno le gustancosas diferentes, hay cosas que el creador de la imagen controla. En

esta foto usé un truco de enfoque para la composición, bajé la cámaray enfoque el paño blanco entre las piernas de Ilse y luego subí lacámara y re enmarqué. De tal manera que la mano y el paño quedaranenfocados y ella quedara ligeramente fuera de foco, también,aprovechando el telefoto, hice uso de el enfoque selectivo y eso medio mucho desenfoque en el fondo, con este truco, logré darle una


18/115

ligera sensación de ensueño y a la vez, me ahorré trabajo para elretoque de piel, dejando una sensación suspensión del tiempo en laimagen a la vez.

Es muy divertido sentarse a usar Photoshop, pero consume muchotiempo a veces y podemos usando estos trucos ahorrar mucho tiempo,pues no tuve que agregar ni blur, ni tocar la piel en lo absoluto, sinembargo, si te fijas, los labios y los ojos tienen tercera dimensión yesto lo logré moviendo un poco el reflector dorado en ángulo antes deempezar la serie, lo hice sin distraer a mi modelo y sabiendo más omenos lo que venia.

Cuando busqué disparar la toma, me coloqué en el sitio donde elblanco de una ventana del fondo manchara a Ilse por detrás y de esaforma, logre separarla del fondo y crear mi tercera dimensión ficticia,que cancelara un poco la compresión de distancias del telefoto. Noson cosas que pienso, son cosas que hago sintiendo “la voz”.

Puede que mis imágenes te gusten o no, eso no es importante, lo quesi lo es, es que la tuyas te gusten y recuerda que el mejor vino, es elque te gusta; nadie debe decirte nunca si tus imágenes son buenas ono, lo que importa es que tu corazón te lo diga a ti. Si esto no fueraasí, Picasso hubiera hecho tarjetas de cumpleaños con monjitas todasu vida y no hubiera inventado su propio estilo.

A todo esto te preguntarás y ¿Cómo muevo luces que están fijas,como las ventanas etc? La respuesta es sencilla, te mueves tu, tecambias de lugar hasta lograr lo que buscas. Es bien importante aprender a ver por el visor y no tanto la pantallta, a ver tus imagenes en

la mente, pues no siempre da tiempo de perder minutos valiososcuando el sujeto está en movimiento e inspirado.


19/115

8. LA MIRADA

Primeramente me inspiro a decirte que en gustos se rompen géneros,que nunca debes pensar que eres bueno o malo en algo basado enlas opiniones ajenas. Si bien uno al principio debe ser humilde desaber que no se es profesional en algo hasta después de muchosaños de hacerlo y de aprender muchas cosas, aun allí en el futuro,siempre la gente te dirá que esto o aquello está mal o bien, esto sedebe al factor gusto; en sesiones donde hemos compartido unamodelo entre 41 fotógrafos, es impresionante ver que cada uno hizoalgo totalmente diferente de lo de los demás y si nos guiamos por elaplauso, terminaremos siendo esclavos de la opinión. Debes

incansablemente hacer lo que te gusta y como te gusta hasta que tupropio esfuerzo y desarrollo te lleven a donde quieres llegar; cadaquien tiene un estilo característico de tomas e iluminaciones y lo únicoque debes cuidar es de hacer algo maravilloso hoy y algo aun mejormañana, de acuerdo a tu propio juicio. Si hay mucho que aprender y sicometemos muchos “errores”, pero el juez está adentro y lo mejor que


20/115

puedes hacer es observar y callar, hacer tus fotos y ser paciente desaber que tarde o temprano llegarás a donde quieres; cuando hagasesto es que te sentirás bien, aun cuando el mundo entero diga queestas mal en lo que haces. Como dije en un principio, este libro no

está dedicado al que busca desenvolverse en el ámbito comercial,donde si hay estándares que seguir y parámetros que no se puedenromper, este libro es para el artista libre, como tu y yo, que buscamosdivertirnos y crecer. Llegará el momento en que también puedasmanejar esos estándares, pero lo harás con mucha riqueza. El que noes libre de experimentar, no es libre de crecer. Tu gusto manda en tucasa, que no te lleguen a mover abusivamente los muebles.

Aclaro también y vale la pena hacerlo a esta altura, que en este librohe escogido las fotos no pensando en solo enseñar las más perfectas,no he cuidado que tengan ni el mismo color, ni el mismo acabado;busco en este curso enseñarte posibilidades para hacer tu propiotrabajo y desarrollar tu propio estilo, sin embargo también aclaro, queesto no se puede hacer en un trabajo comercial, donde hay que cuidarque el acabado y color sean los mismos en todas las fotografías, puesen ese caso, no es uno el dueño de las imágenes, se hicieron “a la

carte” para alguien más. Cada una de las imágenes que he colocado,

muestran algo que tiene que ver con lo que escribo a la par y no sepueden interpretar sin haber leído todas las demás. Vale la pena quereflexiones y observes, quizá de este juego que te propongo,desarrolles un gusto y una gama de decisiones que en tus propiasimágenes te lleven a hacer lo que a ti te gusta.

Escogí esta imagen para hablarte de la mirada. La mirada en unsujeto, es la conexión con su presencia, más no necesariamente el

alma, todo el cuerpo, el momento y la pose te hablan de su sentir y porende del alma. Una foto puede tener los ojos cerrados y estar con elrostro fuera de enfoque y aun así, contar de lo que el alma de alguiensiente. En algunas tomas, escojo y prefiero total atención y foco de losojos; total luz al rostro y quiero la presencia del alma en la mirada,pero en otras quizá quiera otro “moode”. Las personas en la vida real


21/115

no siempre nos miran de frente, a veces piensan al vernos, otrasveces están serias, otras tristes, otras “idovaricos”, como a quien se le

va la baranda, etc. Todos estos momentos son parte del alma de lapersona y cuentan una historia; el gusto propio es lo que debe

mandarte y inspirarte a escoger y ver venir estos momentos antes dedisparar y al elegir tus fotos. Lo que si, no hay que ser alcahuete enerrores típicos como dejar los ojos a medio camino, así como de chivoahorcado, como que si estuvieran estrangulando al modelo o comoque si fuera un zombi, turnio, con un ojo para cada lado o fuera decontexto.

Escogí esta foto, aparte de que a mi en lo personal me gusta mucho y

como dirían en mi tierra ¿Y qué?, para poderte ilustrar algunosdetalles físico-Psicológicos de la toma de miradas. No es la foto usualque quizá gustaría a mi cliente o al productor fotográfico, pero a mi mehabla de momentos de Ilse que yo conozco y he observado,momentos de ella que me gustan.

Las personas a veces nos miran, pero están pensando en algo más, aveces un ojo nos mira y sigue y el otro está viendo algo más; unasveces están viendo para adentro, en su propia mente, mientras sumirada nos sigue en el exterior, pero puede verse muy claro que elfoco de atención no es exterior, esos momentos también son bellos.Esas miradas taciturnas a veces, en el aspecto idea de movimiento,nos cuentan de que la persona está entre dos momentos o que algopasa por su mente, nos enseñan su melancolía o tristeza, pues nosiempre las fotos de carita alegre son las más bonitas; nadie dijo quetodas las personas deben estar viendo con completa atención y directoa la cámara, nadie dijo tampoco que todos deben decir “cheese” y reír

con carita de foto Kodak, tu gusto personal debe guiarte en esto.

Se dice a menudo que la mirada es la vida del retrato, pero no siemprees cierto; a veces puede ser una mano, una pose, un brazo o el pelo,todo depende de la composición general de la imagen y el momentocaptado, vale la pena leer las laminas de composición que incluí para


22/115

entenderme completamente, pero si vale la pena decirte que no hayque confundirse en esto, no hay nada más feo que ver una imagen endonde obviamente la mirada era el centro de atención y quedo oscura,mal enfocada o fuera de brillos en las pupilas, etc; hay que ser

inteligente en esto y observador, delicado y minucioso. Practicar yobservar es la clave. Vale la pena observar mucho lo que los artistaseuropeos están haciendo; algunas veces ellos dejan las imágenes conun “look” amateur a propósito, simplemente porque les gustan así.

Ellos gozan de más libertad que nosotros, no necesitan la aprobacióncomercial y por eso sus fotos no lucen todas como de “Foto El Chato”.

Si bien el sueño comercial es el ideal de muchos al empezar en estecamino, un verdadero artista no anda buscando prisiones creativas.

El cerebro humano está configurado por dos lóbulos, uno derecho yotro izquierdo. Uno es el emocional y el otro el racional; cada ojo estáconectado a uno de ellos y a la vez, al centro de la atención. Cuandologramos atención entera del sujeto, ambos ojos están conectados alcentro frontal de la atención, pero algunas veces, como es obvio enesta foto, uno ojo esta viendo y el otro pensando o sintiendo. El ojoderecho, está conectado al lóbulo izquierdo y el otro al revés, de formacruzada, sólo son centrales en momentos de atención completa. Lasimágenes y los recuerdos se observan en el ojo izquierdo, paraadentro de la mente y los pensamientos y actos conscientes, en elderecho. En el caso de esta imagen, es obvio que Ilseconscientemente me miraba con un lado de su mente, pero el otrodemuestra que ella pensaba o miraba imágenes y sentimientos con elotro. Quizá sobre lo que siente por mi o quizá en su próxima pose, loque leyó en Facebook o una canción. Las personas que nos aman amenudo nos miran así y es bello, claro, si estuviera tornea, no

estaríamos hablando de lo mismo. Esto es importante saberlo, puescon la vos, nuestras muecas o nuestra lenguaje corporal controlamosla atención frontal de nuestro sujeto, pero a veces hay que callarse ydejar que esos otros momentos sucedan. No siempre somos la parejade nuestro sujeto, pero si podemos lograr que al ver el lente, que casies siempre es lo único que ven de nosotros, les permita ver y pensar


23/115

en ese que aman o desearían amar, admirar, desear, etc. No se trataaclaro, de ser temporalmente el novio de nuestra modelo, se trata demuy respetuosa e inteligentemente lograr que lo sean del lente y queuna parte de sus mentes esté allá, fuera de este lugar donde hacemos

las fotos, para que todo el que mire la foto, se sienta amado por esamirada, especialmente, ese por quien están haciendo esas fotos aveces. A mi me gustó mucho esta mirada de Ilse porque es la quepone cuando está recordando algo que le dije o algo que le gusta demi, cuando lo que hago afuera la lleva a algo que ella puede verdentro; la saca del tiempo presente, que también es un elemento de lacomposición.

La mirada que también es importante es la mía cuando hago fotos. Yono disparo con el “Battery Grip” en la cámara, uno porque pesa muchoy me cansa los brazos haciendo que me tiemple el pulso y dos, porqueme tapa la cara, también, amo mi cámara porque es peque, no tangrande que me tape la boca. Lo único que mi modelo ve de mi es unojo y mi boca. Estos, son mi puente de comunicación con ella; una demis manos también debe estar libre para comunicar y por eso unacámara pesada y grande me lo impediría. Mis “Bocas” y mi “ojito” le

van diciendo que sentir; cuando estuve en la entrevista me fije biencomo respondía a mis chistes, dramas, juegos y cosas que le digo,dándome una ida de “que provoca que” en el mundo de sus

expresiones y luego lo uso cuando disparo. Mi mano libre le habla dedinámicas de movimiento, mi cuerpo le transmite el animo, si másactivo o más pasivo y lo más importante, tener los dos ojos abiertosme ayuda a ver a veces la cámara y a veces el escenario completo,para no tropezarme, y para ver el resto de su cuerpo y poder acercar oalejar mi enfoque a la hora de enmarcar muy rápidamente. Así es

como veo los momentos venir, pues el visor es demasiado pequeño yme desconecta del escenario. Lleva práctica hacer esto, pero sepuede pasar al atención de un ojo al otro sin problema o a veces vercon los dos cosas diferentes. Lo que si remarco es que al tener unabuena porción de la cara tapada, puedo fácilmente salirme del frente ydejar que la modelo mire a quien ella quiera mientras le disparo. A


24/115

menudo, mi brazo y mis caras son como la batuta del director deorquesta, yo solo doy el animo y el volumen, pero respeto mucho lapartitura que mi modelo va sintiendo, pues no le quiero perder y ponertiesa dictando poses. Recuerda que si no confías en el interior de tui

modelo, no lograrás que su alma salga al frente. Para lograr tomasintimas, no se necesita ser el novio de la modelo, ni estársela“cantineando” como a menudo piensan los principiantes enamorados

de la idea del “casanova” fotógrafo, todo lo contrario, el respeto y la distancia son la clave, pero el truco aquí, es saber estar presente, sinestarlo, dejando que la modelo tenga una relación virtual con lacámara. Una verdadera modelo, se corta cuando detecta intencionessexuales o morbosas en el fotógrafo, ero también lo hace, cuando

siente a un hombre inseguro y avergonzado frente de si.

Otra parte importante de la mirada es el maquillaje, pero sigue en otralámina. Te recuerdo también que en el arte es igual que en la cocina,la sal y el azúcar tienen su punto, mucha o poca pueden arruinar tutrabajo, demasiado o muy poco de esto aquello, son el problema delchef. Hay que aprender a estar allí, donde está perfecto y eso solo selogra con la practica y la auto observación.

9. EL ANIMO

El ánimo, o “mood” de una fotografía viene en su mayor parte del día

de las tomas, de el ambiente y la relación del fotógrafo y el sujeto, nose puede inventar con Photoshop, queda grabado en las tomas yhasta en lo más sutil de los pestañeos, poses, las posiciones demanos, etc, pues en mucha parte, el posar es un lenguajesubconsciente y la modelo al menos en mi estilo de disparar, no lo

piensa, solo lo deja salir. Sus ingredientes fueron la música, la luz, ellugar de trabajo, mis palabras, miradas, lenguaje corporal y sobretodo, la actitud.


25/115

En mi ámbito de trabajo enfrento muchas condiciones y situaciones,modelos que no conozco hasta el día de las tomas, gente con mejor opeor tipo de piel, con mas o menos actitud, etc, pero siempre intentohacer mi mejor trabajo; el ultimo trabajo que hago, debe ser mejor queel anterior. A veces son gente soltera o casada, joven o mayor y aunasí, necesito que sean tomas grandiosas, al menos para mi estándar,que como ya digo es exigente, pues siempre supero lo último que hice,esa es mi meta personal en todo lo que hago. Hay que saber sacarlindo a gorditos y flaquitos por igual.

A menudo de jóvenes o no tan jóvenes, cuando empezamos en estacarrera, nos entra el “rockero”, creemos que ser fotógrafo es rock and

roll, sexo y etc, que seremos el “playboy” de las modelos y estaremosrodeados de chicas lindas y si posible desnudas, pero estosingredientes no son deseos sinceros de hacer arte o calidad, son masbien deseos reprimidos del ego y sueños de adolescente. El que nopuede tener una guitarra a menudo toma la cámara y cree que es elchico de “Aerosmith” o “AC/DC” en el peor de los casos. Por esta


26/115

razón, las modelos que consiguen, también responden a ese juego yno necesariamente son serias o buenas, las fotos que hacen denotanmugre, deseos bajos y exceso de libido. He visto fotógrafos babeandocuando hacen su trabajo, sudando y con cara de “agüita en el

desierto”; antes que poder hacer Boudoir, un fotógrafo debe trabajarsus inseguridades, sus deseos reprimidos y sus carencias, pues no esnada cómodo estar del lado de la modelo con un fotógrafo “chuco” y

lambiscón. Es todo lo contrario, aunque suene aburrido, este trabajono tiene nada de “playboy”, es un trabajo profundo y serio, que viene

de mucha técnica y una profunda filosofía de realmente admirar a lamujer, su forma y su naturaleza y en verdad, las personas lo sienten yconfían más en una persona que es verdaderamente profesional en

estas cosas. Ahora bien, nadie sale sexy con un cura viéndole, hayque aprender a saber provocar el animo en la modelo sin meterse conella, ser divertido, listo, creativo, ameno y hábil para conseguir elanimo correcto. Yo hago fotos de mujeres de toda edad, gente seria ycasada, también de mujeres muy jovencitas, de gente gay, etc y entodos los casos, gracias a Dios, ya logro el “mood” sin invadir, sinmolestar pero a la vez, sin aburrir. Hay que tener un ética muy estrictaen esto, pero de nuevo, nadie sale sexy frente a un viejito, sentado enun a silla, con actitud cura y con un trípode enfrente, que no se mueve,que no se emociona, que le dan vergüenza sus piernitas y que sienteque ya le pega su mujer. Este balance solo se logra con años depráctica y de hacer esto bien, pues la gente siente y percibe laexperiencia y la seguridad. Tampoco es gracioso, ni divertido, serperseguida por un fotógrafo casanova que te persigue después de lasesión para enamorarte.

Por otro lado, siendo fotógrafa mujer las cosas cambian, pues se nota

bien fácil cuando había una mujer en la cámara, las expresiones decomplicidad, de eros, de encanto desaparecen por unas un poco massuaves, bellas, pero a veces medio muertas, por ello, debemos aprender a trasladar a nuestro sujeto a una relación virtual, una que noesté presente y saber “no ser mama” por un rato para que nuestramodelo, no salga con cara de “bien portada”. El boudoir, busca


27/115

sensualidad, natural, sin posar, saliendo del alama de lo que es bello,la feminidad misma.

A menudo me preguntan, ¿Cómo hace para que se le desnuden? Y yo

contesto al menos 6 de cada 10 sesiones que hago incluyen al menosalgo de semi desnudo, sino desnudo completo. La gente misma me lopide, no tengo que hacer nada para ello. Las personas, hombre ymujeres, sienten una confianza natural en mi, me ven capaz de sacarlo sensual de ellos, pero me ven totalmente falto de deseo personal.Yo ya trabaje mi propia psique, invertí en ello, estudié, fui a terapias ydesarrolle la madurez que se necesita para esto.

También, si no estas bien en la casa, debes arreglarlo primero, unfotógrafo con la vida destruida, se le hace muy difícil no meterse enenredos. Uno no puede hacer este tipo de trabajo tampoco conprejuicios feministas, machistas, morales y religiosos, debe aprender aver la desnudez y la sensualidad como algo artístico y bello,independiente de que la modelo sea delgada o gordita, mayor o joven.Importante saber también respirar y hacer algo de Chi Kung, pues losnervios se transmiten y uno debe ser activo, pero estar en paz pordentro, con suficiente oxigeno y energía.

Salvo con mi pareja, nunca estoy solo cuando hago desnudo oboudoir, siempre está conmigo mi asistente o maquillista, escojo deobligadamente personal femenino para que mis modelos se sientancómodos y sobre todo, seguros. Pero esto hay que saberlo hacer, anadie le gusta posar desnudo con 25 gentes viéndole la “lonja”. Lapersona debe estar, pero no estar y manejar la misma ética que tu.Jamás te metas con menores de edad, ni con permiso de sus padres,

ni con contrato, ni con nada. Tampoco tengas contacto físico deninguna especia con tus modelos.

Hay muchas personas que guardan la morbosa fantasía de “la modelo

y el fotógrafo”, hay que aprender a detectar esto, pues son líos

seguros. Si tomas el camino de los enredos, quizá la goces un rato,


28/115

pero a profesional o artista de verdad, seguro no llegarás.

Te voy a regalar un secreto de un millón de pesos, el secreto de lograrel animo correcto, es hablar de alma a alma e ignorar por completo el

cuerpo, ese es el truco en realidad. En el caso de hombres o mujeres,es lo mismo, uno debe aprender a honrar a la masculinidad y a lafeminidad como que si fueran lo que son, Dios mismo y aun así, lograrsensualidad, poder, fuerza, paz, belleza y todas las emociones quecon el “ánimo” se logran en la fotografía. La actitud de Papá o demamá, tampoco ayuda mucho, la gente no es la misma frente a losque suponen ser sus autoridades.

La discreción y la seguridad, también son cosas que aprender amaneja con este tema, nadie quiere que sus fotos intimas terminen enmedio Facebook y la gente se ría de ellos, hay cosas que seguroharás y que nunca podrás enseñar a nadie., no por malas, sino porqueno son tuyas. En mi caso, yo me reservo el derecho de exhibición decasi todo lo que hago, pero en el caso de material intimo, solo publicoel que produzco como mío o nuestro en el caso de Ilse y yo o cuandolo pacto así por contrato. Los discos duros donde guardas estas tomasdeben estar asegurados y con password, pues no te puedes dar el lujode líos y problemas.

Prometo hablar más de psicología del modelo en otra lamina, ahorahablaremos de la foto de hoy. Cuando en cierta parte de la sesión ledije a Ilse, vuélate la ropa, ella me dijo pero no las vas a publicar y yoconteste, claro que no, escogeremos las fotos juntos, solo vuélate laropa para poder captar momentos intermedios y con dejes de lodemás. Así lo hicimos, dejé que el desnudo fuera fluyendo, pero mepuse “pilas” para captar enmarques y momentos que siguieran la regla

que mencioné en otra lámina, que la figura solo fuera un segundo otercer plano y que no pasara de Boudoir a porno, pues se trata deexaltar lo femenino y no de hacer posters para taller mecánico.


29/115

Yo estaba subido en la ventana, a unos metros de ella, lejos, fue conel telefoto que conseguí el acercamiento, pero aun así, como el animoestaba bien creado, su mirada es directa y hay complicidad en la pose,ella estaba en su realidad virtual, no conmigo.

A veces para crear el animo correcto, hay que hacer uso de losarquetipos, cosa que explico en una lamina próxima, pues es materialde primera y un tema de por si. Cuídate mucho de no querer hacerfotos para decir: “Mira la tetota que saque” o el “papasote” que

fotografié, esos son deseos del ego, no del arte, ni la belleza pura. ElBoudoir no es un menú de nalgas, ni de muchachonas de calendario,es un arte de pintar lindo al sujeto, con pureza y belleza, pero si, muy

sensual.

En resumen, trabaja tu interior y tus deseos, limpia tu consciencia dedeseos reprimidos y de necesidades de realización sexual, aprende arodearte de personas y sujetos que también, estén claros y dispuestosa jugar este juego bello, que una altísima forma de arte y una lindaoportunidad para la auto estima de ambos, fotógrafo y modelo.

Recuerda que la madurez llega con la experiencia y la práctica, noforzada ni corriendo a demostrar que ya eres un profesional al mundo.Hoy en día todos quieren ser “Fulano de tal Photography” aunque

hayan comprado la cámara ayer, nunca antes tanta gente quiso serfotógrafo, pero eso digo siempre que hay que cuidar de no querer serprofesional, es un arquetipo, hay que siempre recordar que lo que enrealidad somos artistas y que hacemos belleza, por el amor al arte.Hay gente que con unos añitos en esto ya juzga y critica a los demáshasta en publico, como que si lo supieran todo, siendo jovencitos y sinla madurez necesaria, que no te atrape el fantasma de “Fotógrafo

Profesional” recuerda que más que eso, somos servidores de la vida,

no importa el ámbito que nos desarrollemos, el comercial o el libre.


30/115

10. EL JUEGO DE LOS ARQUETIPOS

Un secreto de mi arsenal es el juego de arquetipos; pongo a mimodelo a jugar a ser alguien. Un arquetipo es un modelo decomportamiento; el bombero, el policía, la musa o como en este caso,el cantante favorito de Ilse. Mientras la música sonaba con su canciónfavorita, le dije que me mirara con las miradas de su cantante y que loimitara, aunque rió mucho de nervios al principio, cosa que me diofotos lindas de risas y sonrisas, cuando ya entró en conexión meempezó a regalar caras y muecas que normalmente no utiliza. Este

juego es importantísimo cuando alguien que no es profesional nosposa, aun con profesionales lo utilizo. Odio las poses de quinceañera,con la barriga metida y los pies torcidos, de catalogo de zapatos quetodas las jovencitas me traen creyendo que eso es modelar. En mitrabajo yo lo que yo busco son momentos grandiosos de la persona ensi, naturales y bellos, como de una película propia, si me posan con


31/115

pasos aprendidos no está el alma allí y la manera en que lo solucionogeneralmente es jugando a los arquetipos. Otro momento en que mesirven es cuando las personas no saben que hacer, siempre pasa asíal principio. Jugamos a ver a Brad Pitt o angelina Jolie en una mesa, a

ser malo, bueno, perverso y así nos vamos riendo y disfrutando de jugar al modelo y fotógrafo. Entre payasada y payasada, yo estoy muypresto a captar esos momentos entre escenas donde el alma de lapersona me regala sus momentos. Ahora bien, hay que ser muydelicado con esto, uno nunca sabe cuando le pones el arquetipoequivocado a alguien y le matas la inspiración, si esto pasa, hay quereír y dejar ir, lo mejor es seguir adelante con el juego. En lo personal,no me gustan las risitas a menos que sean espontaneas y naturales,

no me gusta la gente riendo por pose, eso paparte de trillado, es antinatural. Así que me pongo a explorar esos otros lados de la persona;los lados de poder, ira, tristeza y otros arquetipos que son catapultaspara que me regalen esos “yo” que ni ellos conocen y así logro quetodos tengamos nuestro momento “Hollywood”. Ahora bien, el secreto,

es creerse tu mismo temporalmente el arquetipo también. Suspendertemporalmente el sentido de la realidad y eso, te hará divertirte miles ylograr grandes tomas.

Hablando de arquetipos, cuando ataco al “Fotógrafo Profesional” eneste texto, lo hago atacando al arquetipo, al modelo decomportamiento y no a las personas, así que pido se me disculpen sime paso atropellando a bellas gentes que se dedican a esta profesión.Lo hago, porque a menudo en la vida nos atrapa en un arquetipo y nosalimos de el, se vuelve una prisión para el alma, impide que lacreatividad y el espíritu creativo funcionen, la sencillez y laespontaneidad de nuestro caminar se den de manera brillante y es

solo por eso. Podría ser el doctor, el arquitecto, el papá, etc, todas sonprisiones del alma. Una cosa es jugarlos conscientemente y otra viviratrapado en ellos.

Yendo a la foto, roté ligeramente el enmarque original de la foto, aunsacrificando un poco de las manos, uno, porque no eran parte del


32/115

sujeto y dos, porque no lucían mutiladas, es con esto último que hayque tener cuidado, no se puede dar la idea de que alguien es manco ocojo, eso si es feo, pero por lo demás, no eran una parte esencial ydejé un poco de ellas, como cuando se ve por una ventana. Al rotar, le

di dinámica a la escena, al menos para mi gusto. Insisto que esto es almodo mío y deberás explorar tu propio estilo. Luego, si observas, elfoco esta en la boca, el beso probable es el sujeto tácito, como hableen la lamina de composición. Los ojos no están en ningún noveno,están hasta ligeramente fuera de profundidad de campo, la baca si loestá, cerca de uno y es el sujeto primordial; el sujeto en esta toma esla idea que te da la boca, el tema, probablemente lo que ella transmitey el ambiente su cuerpo mismo, que esta ligeramente cálido, pero

fuera del campo de atención primaria. Cuando estaba haciendo estastomas, tenia el modo de enfoque en punto central, así que presioné ala mitad mi botón de disparo enfocando la boca y luego muyrápidamente re enmarqué, así como lo expliqué en otra lamina. Hayque practicar este “Kung Fu fotográfico”, aprender a no estar viendo la

pantallita, a ver por tu visor, a ver las fotos con la mente y tomardecisiones y actos como este, tal como lo hacíamos en la épocaanáloga. Esto te garantizará no perder momentos.

11. LAS ZONAS PROHIBIDAS

Aprovecho hoy para conversar sobre las zonas prohibidas; la zonaincómoda, la zona del riesgo y la zona sutil.

Un fotógrafo dinámico y que pretende salir de lo común debe aprender

a moverse en la zona incómoda; la zona donde agacharse, ponerse derodillas, girar por el piso, ensuciarse, sudar, cansarse y salir de larutina sean el reto. Cuando nos acomodamos salimos de la zonaincómoda y nos volvemos rutinarios y planos. Esto se aplica a nuestraactividad física el disparar, pero también se aplica a las decisiones dedisparo, edición, enmarque e incluso a nuestro estilo personal. Que


33/115

conste que quien me enseñó esto, estaba en una silla de ruedas y aunasí lo lograba.

En cuanto a nuestro desempeño físico si nos ponemos en posescómodas y dejamos de ser libres, hacemos que nuestro sujeto seduerma, quede frio y no refleje la acción, dejamos de apoyar a lamúsica y el ambiente, esto se ve reflejado en nuestras tomas.Tenemos que entender que nuestro modelo se alimenta de nuestraenergía mientras esta frente a nosotros, es con nuestro lenguajecorporal, nuestra acción que se alimenta y sigue vivo; estar frente a lacámara es algo muy cansado, puede que nuestro sujeto tengahambre, etc y solo si nosotros somos capaces de transmitir emoción,

acción y energía seguirá vivo y activo. Como cuando estamosenamorando a alguien y no hay chance de que se nos vaya a casa. Nohay nada menos inspirante que un señor con zapatos de vestir,calcetines negros y pantaloncito planchado, que no se mueve, que nogoza, que esta sentadito en la zona de confort tratando de inspirar aun modelo a la acción. Además nos cae bien para la salud, es ejercicio


34/115

puro: cargar nuestro equipo, sudarla sesión, moverse, bailar, brincar,estar vivo; todo esto es genial, es energía vital para nuestro sujeto ypara nosotros mismos.

Pero en cuanto al estilo es igual, generalmente nos acomodamos yaallí, donde creemos que ya llegamos a alguna parte y dejamos morir anuestro alma; debemos pensar que cada trabajo es nuevo y es elprimero, con todo ese animo que pusimos la primera vez. No podemosdarnos el lujo de acomodarnos y quedarnos tiesos; debemos crecer,alimentar de vida y energía nuestro trabajo, movernos, saltar,ensuciarnos, tirarnos rodando al estilo Rambo y así mantendremos lavida en nuestro arte. La mediocridad y la monotonía son hermanas. La

zona incomoda es prohibida para muchos que se creen serios, pero esimportante saber meterse en ella sin darse un madrazo, eso solo lologra la actitud y la práctica; cuando hacemos de esto un habito. Noimporta la edad que tengas debes saber que la edad está más en lacabeza que en el cuerpo y si te gusta este tu hobby o profesión, debestomarlo como un matrimonio, que si acomodas, matas. Debes sersiempre creativo e innovador, conquistarlo a cada sesión, mantener lasensación de noviazgo para siempre. Al principio cuesta, como todo loque lleva esfuerzo, pero al rato, como estar en el gimnasio, ya no tecuesta y se vuelve placentero.

Lo que hace diferente a un piloto de carreras y una abuelita al volantees la zona de riesgo. El miedo a golpearse duele más que el golpemismo y dura mucho más. En cuestiones de momentos, enmarques,tomas, sesiones, props, luces, etc, el piloto con cámara debe practicarllegar allí, al borde del riesgo, justo donde casi rompe la regla o larompe con tanta gracia que se lleva el aplauso. Este es el secreto de

los genios, que no solo piensan diferente, que además tienen tantodominio de su auto, que se pueden dar el lujo de ir donde la bandadano se atreve y por eso nos parecen maravillosos. Lo hacen en suforma de pensar y sentir, en su forma de hacer las cosas, en su vida,etc. Son personas que ya no tienen miedo del que dirán y de cometererrores; ven los errores como algo temporal y sus genialidades tienden


35/115

a borrar cualquier historia no tan linda de sus vidas. Claro que soncriticados, siempre es así; al principio lo desconocido inquieta, pero sicontinuas un poco, al rato hasta te imitan y siguen, como Forest Gumpcuando empezó a correr. Por eso es en el fondo que les admiramos,

porque son graciosa y elegantemente valientes. Con su actitud noshacen hacer vidas mejores y nos inspiran a ir más allá de lo común.Por eso es que tenemos a Lennon, Mercury, Fangio, Jagger y otroslocos como dioses, porque se movieron en la prohibida senda delriesgo. Pero ojo, no se trata de moverse a la zona de lairresponsabilidad, se trata de reemplazar el miedo con prudencia ydominio; todo es cuestión de actitud y práctica. No importa si erestímido; una cosa es ser tímido y otra lisiado de voluntad. Lo difícil es

mantener los valores de moral, respeto, ética y belleza a la vez, poreso es imperativo auto juzgarse y practicar, ver opciones yposibilidades siempre.

Por último la zona de la sutilidad; es importante entender y respetar laimaginación del observador. Se lo suficientemente sutil paradespertarla y a la vez, lo suficientemente respetuoso para no ponerleel bocado en la boca. Es placentero ver fotografías, pero no tanto porlo que el autor nos enseña, sino por lo que nos hace imaginar.Sutilmente nos hace volar por cierto sendero y a la vez, respeta lo quevayamos a imaginar por nosotros mismos; si nos da todo muyexplicito, ya no imaginamos y si no respeta nuestro propio cerebro,nos parece plano y le rechazamos. Insisto de nuevo en decir que lafotografía es una ventanita que nos enseña menos en el cuadro queen la imaginación, vemos más sobre lo que no está incluido que lo queen realidad ven nuestro ojos y esta en el retrato, sobre todo y en elboudoir, es la clave del éxito; si enseñamos todo el cuerpo, los

órganos sexuales, etc, ya no transmitimos el alma de nuestro sujeto yno logramos que el observador sueñe que es el amado, deseado obesado; nos volvemos baratos, sucios y faltos de belleza. Debemossutilmente dejar las cosas que harán a nuestro observador volar y asíle daremos un grato momento y a la vez, dejamos la ventana abierta ala imaginación para que vuele y sea libre de ver lo que quiera. Si


36/115

escuchas bien las canciones, casi nunca dicen nada en concreto, perolas sientes como escritas para ti, pues sutilmente te dicen algo y estealgo, te lleva a imaginar lo que tu quieras de tu propia vida, he allí elsecreto de porque una sola frasecita vende tantos discos.

Todas estas zonas también se aplican al manejo de nuestra modelo,sutilidad de decirle por donde sin dar una orden, dejando que brote desu interior el momento que lleva en su alma, respeto y elegancia,dinamismo para mantenerle fuera de la zona cómoda, seguridad paramantenerle en la zona prohibida y sentido del humor para hacerleplacentero. Prometo hablar más del tema de manejo de modelos enotra lamina.

En la foto de hoy, tome el riesgo de extender mi telefoto al máximopara perder profundidad de campo, me subí en una escalera quebailaba debajo de mi, sabiendo que mi apertura era la máxima que mepermitía el lente yo sabia que el enfoque selectivo sería brusco, asíque en vez de buscar el rostro me di cuenta rápido que la mano eramás importante y estaba cerca de los labios y disparé para crear unsutil efecto que llevara al observador lejos del cuerpo desnudo y de lapresencia personal de la modelo, creando un alineamiento de susestado entre soñandora y dormida con los sueños del observador. Useel enfoque central, enfoque y re enmarqué, si hubiera tenido elenfoque matricial o el pre ajustado puesto, no hubiera podido seguireste punto, por eso uso mi sistema y no los otros generalmente. Mearriesgué haciendo un corte donde sus piernas y desnudo, su cabezay pelo dejaran de ser sujeto y lo que ella sueña fuera el sujeto tácito.Para lograr la toma obvio me tuve que mover en la zona incomodapara subirme corriendo a la escalera y para lograr la toma moví a mi

modelo sin que lo sintiera a la zona de la sutilidad, dejando que suimaginación me regalara el momento. Casi en el aire tome la decisiónde abrir un aparada mi velocidad, me bajé a un 250/sec, que era mipunto más abierto, porque me di cuenta que la mayor parte de sucuerpo estaba en sombras y así logre los brillos y la luz en el sujeto.Como expliqué antes, antes de empezar vi que mi zona de exposición


37/115

de mi escenario estaba entre un 250/sec y un 650/sec, fue algo quemedí antes de empezar, por eso no tuve que ver pantalla y perder elmomento que duró muy poco, ella ya iba hacia otro mutis, este ligeropunto de movimiento, dejó la dinámica de movimiento aun presente en

la composición; ella va a algún lado, no está quieta; en este caso,hacia el sueño, el recuerdo o el amor de su vida; el observadordecidirá que ve.

12. UN MUNDO SIN TIEMPO

Aunque hoy en día existen muchos “pluggins” para lograr un blanco ynegro con bonitos resultados, para lograr blancos y negros tenemos

que adquirir un poco de cultura fotográfica. Blanco y negro no essimplemente desaturar nuestras fotos, es mucho más que eso. Elblanco y negro necesita que entendamos un poco de cómo se hacíanlas fotos en análogo y cual era el proceso, pues de otra forma,estaremos haciendo música clásica, pero sin saber escribir solfa;puede que termine sonando un poco más a regetón que a Mozzart.


38/115

Empecemos por entender el blanco y negro como tal, que es un arteen si mismo y no es un asunto de simplemente remover el color.Aparte de que el mismo fue el único film disponible para los inicios de

la fotografía y la acompañó en el camino de convertirse en una cienciay un arte, el blanco y negro tiene la particularidad sobre todas susvirtudes de suspender el tiempo; al no haber temperatura de color,nunca sabemos en realidad ni que hora del día era, ni que climaexistía en el momento de la toma, aparte nos muestra un mundo queno es, que se diferencia de lo que ven nuestros ojos y por eso nospermite re apreciar el mundo como que si no fuera este lugar, con ojosnuevos y con otra parte del cerebro.

Empecemos por saber que la película blanco y negro no es como la decolor, no captura millones de gradas de color, solo captura dos tonos,blanco y negro, la ilusión de grises la produce con densidades depuntitos negros; deja muchos zonas fuera de la película, pues no esinfinita. Sus contrastes son mas duros, los blancos mas blancos y susnegros mas intensos. Luego, el papel tiene mucho que ver, existían 10gradas de suavidad o dureza para escoger un papel en que imprimir;esto hacia que el resultado final fuera una impresión mas o menoscontrastada y por último, el grano, sin el grano, no era blanco y negro.El ligero viraje de temperatura que se lograba en el tono de laimpresión se lograba con tintes químicos, temperatura del revelador oincluso, con la edad del papel y más o menos siempre era el mismo.La mayor parte del tiempo, los fotógrafos preferíamos el ASA (Iso) 400y tenia un grano particular y cada marca, tenia sus densidades desombras y luces. Vale la pena, al meterse en este lindo campo, tomarun poco de cultura fotográfica observando imágenes que sean de

origen análogo, muchas, para tomar una idea y consciencia de lo queera este bello arte y así, lograr nuestras imágenes con muchasimilaridad, pues aunque no está prohibido hacer B&N digital, si esimportante que no suene a música corriente, que tenga la clase y elgusto de lo que ha sido un arte clásico. Nunca será suficiente recalcarque hay que ver muchas fotos y aprender a leerlas para crear una


39/115

cultura general grande y una riqueza apreciativa en nuestrosubconsciente.

Otros elementos que eran o son importantes en el B&N son los filtros.

Para lograr las diferentes tonalidades se usaban filtros en el lente,azul, amarillo, rojo, naranja y verde predominantemente. Como lapelícula, ni la cámara balanceaban automáticamente el color, estostenían un impacto directo en el film, que no recibía ningún color, solodensidades de negro sobre el blanco y creaban efectos muy lindos enella. Los rojos podían volverse blancos y los azules grises o negros,etc, no se parece en nada a lo que hacemos con el color hoy en día.Hay que experimentar y si se puede, meterse a un taller de blanco y

negro análogo; creo que eso es, repito, como la solfa, hay que saberde ellos para ser un fotógrafo culto y diestro.

Cuando hago imágenes monocromáticas o lo que llamamos B&Ndigital, todo empieza desde la graduación de la cámara, casi nuncavuelvo una foto B&N al final, a veces pasa, pero no siempre es así. Lamayor parte del tiempo gradúo mi cámara para ello. Yo se que elsensor captura millones de colores y está hecho de tres colores enrealidad, Rojo, Azul, Verde. No le quito el color en cámara; el formatoRAW siempre guarda la información de color, aunque de todasmaneras el archivo guarda esta información, si “trasteo” la graduación

de la misma para que mis monocromáticas salgan lo más realistasposibles.

En mi Pentax K-5 tengo controles que no existen como tal en otrascámaras. Yo puedo ajustar por separado el contraste de las sombras,el contraste medio, la intensidad de las luces y por último el contraste

de los brillos. Tengo control sobre la reducción de ruido de cada ISO ypor último, puedo escoger el tipo de “afilado” o detalle en delgado,

medio o grueso. Con estas herramientas configuro mi cámara cuandosé que hare blanco y negro. Sin embargo, no siempre la tuve y lo quehacia antes era pensar en blanco y negro a la hora de exponer,saturar, poner el balance de blancos y el contraste, de tal manera que


40/115

aunque miraba una imagen de color en la pantalla, sabia comorespondería cuando la editara.

No importando que la cámara haya hecho la mitad del trabajo, la

edición del blanco y negro es otro rollo y la trataremos más adelanteen otra lámina o video, pero sin que venga lo más lista posible desdela toma, nunca será igual. En lo personal, no me gusta apoyarmemucho en “pluggins” pues a la hora de dar clases, no siempre los

estudiantes tiene el presupuesto para comprarlos y siento que esmejor saberse el método más “a mano” posible.

De la foto de hoy. Cuando vi esta serie venir, que fue un set, dentro

del set; más o menos unos 10 minutos de shooting, unas 100 fotosdiría yo, en lo que Ilse tomo un descanso para cambiarse el atuendo yquitarse la camisa y la ropa interior, decidí ajustar la cámara parablanco y negro. Vi que el sol se me había ido, estaba más nublado quecon las tomas anteriores y fue una buena decisión hacerlo. Viréseveramente el balance de blancos a verde, para crear el filtro verde,pero desaturé el sensor a un 70% para que no fuera intenso. Aumentéel contraste de sombras para lograr negros puros en el pelo y otraszonas. También, exageré a tope el contraste de brillos para pintar masduro el pelo y los brillos en las áreas que fuera posible, pero tuvecuidado de disminuir la dureza de los medios tonos, no quería unpapel duro, por así decirlo, quería que el grano en la piel y la texturade la misma, fueran grises suaves, como quien escoge un papel 5 máso menos. Me interesaba muchísimo no quemar el edredón, cosa quetenemos que cuidar sobre todo en vestidos de novia, lencería blanca,etc y a la vez, no quería que contrastes muy duros pegaran al rostro yme dieran una forma alterada de el rostro de Ilse. Estas cosas parecen

difíciles al principio, pero sabiendo que existen y con un buen poco depráctica, ya las decidimos como por segunda naturaleza. Se queprometo fotografía sencilla y sin mucho término técnico, pero más dealgo si hay que saber y tener en mente, pues eso hace la diferencia ennuestras imágenes.


41/115

Me arriesgué muchísimo con el brazo izquierdo de Ilse, lo llevé justo alpunto de quemazón, aun así, preferí quedarme allí que perder la luzen el rostro. Se que pude hacer algo en la edición para evitarlo, peroen esta lamina no quería incurrir demasiado en post proceso para

poder continuar con lógica el manual. Más adelante, seguroaprenderemos juntos como se corrigen estas cosas, sin embargo, enuna foto de apariencia natural, esto suele suceder y no esta tostado al100%, está justo allí donde casi, pero no. Depende claro un poco de tupantalla al verlo, desde luego.

Otra cosa importante fue el uso de las líneas de fuga en el enmarque,cosa que no es obvia pero vale la pena relatar. Al enmarcar tenia dos

opciones o sacaba la línea del bordillo de la pared recta o sacaba a mimodelo recta sobre la cama. He visto lindas fotos de modelos con elmar de fondo donde el autor decide poner a su modelo recta y se queel mar se esta vertiendo seguramente en la cerveza que se estabatomando el fotógrafo; hay que tener gran cuidado con esto, pues haycosas que no se pueden inclinar, al menos si están demasiadoenfocadas, el mar, un lago o piscina son unas de estas. Otras veces,he visto el fondo muy recto y el autor pone a su modelo inclinada paracrear un bonito display, pero ya casi dan ganas de meter las manospara que la modelo no se rompa el alma al caerse. Con estas cosashay que tener cuidado de la idea psicológica que da la imagen, másque con el juego de líneas y formas solamente. Recordemos que en lacomposición la idea psicológica es un factor importante y el sujetotácito también.

En la imagen, decidí que mi modelo saliera recta sobre su cama, puesasí no parecía caerse y dejé las líneas del fondo inclinarse, para que

fueran parte de las líneas de fuga en a perspectiva isométrica, de talmanera que no solo conseguí que mi modelo estuviera estable, sinoque conseguí crear el desplazamiento simulado, un efecto túnel, deuna manera dinámica, pero sutil a la vez. Vuelvo a insistir que lafotografía es un objeto de 2D que debe pintar 3D y contarnos un 4D almismo tiempo. Con el blanco y negro, suspendimos el tiempo y la


42/115

época, logrando ver más detalles del alma y la personalidad de Ilse,que de lo sensual de su cuerpo en esta toma en particular.

El Boudouir, aun cuando sea “pelado” como decimos en mi tierra,

debe ser sutil y elegante, sacar lo más alto de la feminidad al frente yno tan descaradamente sexual que la muestre como un objeto, sinomás bien, todo lo contrario.

Hay que tener mucho cuidado que tu “hambre” personal no te

traicione, muchos fotógrafos hubieran sacado todo el cuerpo de lamodelo para lucirlo entero y así mostrar descaradamente lo que en elfondo desean. Esto lo hubiera convertido en sujeto y no en ambiente,

hubiera llamado más la atención que la mirada; enmarqué con cuidadola toma dejando sutilmente su desnudez presente, para volverlo partedel tema, pero no del sujeto, de tal forma que fuera elegante ysugerente, pero no predominante. Ambiente, sujeto y tema otra vez.Elegancia, respeto, sutilidad. Hay que cuidar de donde llevamos laatención y a donde llevamos la imaginación. La idea psicológica,nuevamente, cuenta mucho.

13. ENFOQUE Y LUZ

Hacer un retrato no se parece en nada a hacer un paisaje, aun cuandotengan algunos elementos técnicos en común y aun cuando loscontroles de la cámara sean los mismos; es otro arte y es otra técnica.Es por ello que hay tanto debate entre profesionales en cuanto al usode diferentes funciones, graduaciones y elementos de composición,enmarque, etc. Yo no le pediría a un paisajista que me hable depersonas, ni aun retratista que me enseñe a captar montañas, las

cosas, aunque tienen mucho en común, no son ni remotamenteparecidas. Empezando, porque el volcán que tengo enfrente, aunquesu luz esté cambiando, no está bailando, ni moviéndose, ni parpadea,ni tiene un color de piel que yo deba cuidar, etc.


43/115

Hay muchos equipos y elementos que ayudan a un paisajista a tomarcuadros nítidos y enfocados, pero hay que tomar en cuenta que decierta forma, este señor, tiene el tiempo para graduar muchas cosas

sin que su sujeto se mueva, se apague o cambie de animo. En eltrabajo de retrato somos cazadores de momentos fugaces y debemosaprender a ser muy rápidos, a tener una técnica muy flexible yadaptiva, dinámica e inteligente. Los momentos del alma humana sonmuy cortos y cuesta pescarlos.


44/115

Si bien humildemente te comparto mi técnica que es muy personal,puedes desarrollar la tuya propia y no importando que milprofesionales “de peso” me contradigan, a las pruebas me remito. Los

más de cuatro mil retratos que he hecho en mi corta carrera, me han

enseñado a ser un poco “rambo” y a romper ciertas leyes y reglas, queno lo hago porque sea un irrespetuoso o un irresponsable, sino,porque conozco leyes superiores y he tenido la suerte de conocer ytrabajar con gente mucho más profesional que yo en este arte, no solode la fotografía, sino también de la pintura y el diseño, donde lapantalla no está partida siempre en nueve y donde la cámara no es elúnico instrumento para crear una imagen balanceada y sobre todo,viva.

Pescar momentos del ama con poco equipo es muy parecido a andarentre la selva cazando animales rápidos e inteligentes, con solo tucuchillo y un poco de lodo en la cara; a tener que ir por el pisoreptando, encubierto en hojas y sin hacer ruido. Cuando veo a “Indiana

Jonnes” me recuerdo mucho a mis sesiones, pues mi modelo ve unfotógrafo enfrente mientras yo me veo a mi mismo más como unencantador de serpientes habilidoso, que sin que se de cuenta su ego,pesco con cerbatana momentos eternos y que no se repetirán mástarde, pequeños lapsos de vida que no estarán allí jamás. Por estomismo los trucos que te comparto no siempre son profesionalmenteaceptados, pues mientras algunos juegan a los ejércitos organizados,yo me veo obligado a utilizar técnicas de guerrilla, no muy ortodoxasen cuanto a mi graduación de cámara, sistemas de medición yenfoque. Me tomaré el tiempo en esta lamina de explicarte un poco deque hago, cuando lo hago y porque lo hago, para que puedaspracticarlos y dominarlos, solo así sabrás cuando usar uno o el otro

con habilidad de maestro, pues es verdad, sin práctica, puede que teadaptes más a lo convencional y aprobado en donde te sentirásseguro y dirás: Fulanito de tal me dijo “nunca hagas esto o aquello” y

te apoyaras en tu limitación, creyendo que ya has logrado ser unprofesional, pero ten cuidado, que si no exploras y practicas, no estrása la altura de los múltiples momentos y situaciones donde hay que


45/115

saber “rifarse el físico” para lograr un retrato maravilloso. El rockero

que no ha tocado clásico, se parece mucho al músico clásico que noha tocado rock, ambos solo tienen una pierna. Esta analogía tambiénes aplicable al que dice “yo solo nikon o canon”, “yo solo color o

blanco o blanco y negro”, “yo solo paisaje o solo personas”; una cosaes hacer lo que te gusta porque lo eliges y otra porque no domines lodemás y lo peor, ponerte hablar mal de lo que no se conoce o sedomina.

Debajo de la foto de hoy he incluido tres diagramitas para ayudarmeen la explicación, en la versión libro de este manual, tendré el chancede incluir más graficas y resultados para que compares, pero no

esperes a entonces para aprender, que si me muero en el camino, teperderás de este humilde legado que ahora hago.

A la izquierda, esta el dibujito de los sistemas de medición de luz, enmedio, el diagramita de los modos de enfoque y a la derecha, losmodos del motor AF.

Empecemos por la izquierda; el sistema de medición de luz es lagraduación que le damos a nuestra cámara para que nos indique si lafoto está bien o mal expuesta. Pero ninguno de los tres modos es maloo bueno, todo depende de lo que estemos haciendo y el resultado quebusquemos. Dentro del el diagrama hay tres modos, a la izquierda elde medición de cuadro completo, en el centro la medición ponderadaal centro y al a derecha la puntual.

En el modo de medición de cuadro completo, el fotómetro utiliza elsensor completo y calcula un promedio en donde las luces y las

sombras estén todas entre los márgenes de una buena medición. Enel modo ponderado al centro, revisa primordialmente el centro ypromedia en base a un porcentaje del área que rodea el mismo, paralograr una imagen que aunque en los bordes pueda quedar sobre osub expuesta, en el área central y su entorno si quede perfecto y en elmodo de medición puntual, el fotómetro solo reporta la medición que el


46/115

centro del lente apunte. Pero esto ¿Para qué sirve? Te lo cuento conmi trabajo.

Como explicaba arriba, el retrato no es un paisaje. La medición que la

cámara me reporta como correcta, depende del modo de medición queescogí y este, de la escena que estoy tomando. Como yo no tengo eltiempo de estar viendo la pantallita de foto en foto, pues pierdo a mimodelo y la conexión con esta o por estarlo haciendo puedo perderlindas fotos que estaban pasando y apagar o dormir a mi sujeto, tengoque tener en mente lo que está pasando con mi cámara. Esta, es laprincipal razón de que yo escoja un modo de medición “x” o “y”.Ninguno es el único, ninguno de los tres es el correcto, todos tiene un

momento diferente de usarse.

Esto es un poco complicado y engorroso, esas partes del a fotografíaque odio pues toma un buen poco de tiempo entender y explicar, perocreo que la manera más fácil de que sea sencillo para ti es contarlo enfunción a mi trabajo y como una historia lo más cronológica posible.

Cuando yo estaba haciendo esta fotografía, tenia algunas cosas quetomar en cuenta en mi mente, la más importante era el edredón blancosobre la cama; si yo exponía basado en el, la piel o la modelo podíasalirme algo oscuras y yo quería una foto ligeramente en el borde de losobre expuesto, pues pretendía mucha luz, pretendía una pielligeramente quemada y un toque metálico en su bronceado y noquería exceso de ruido en sombras. Si hubiera usado el sistema decuadro completo, la tela me hubiera quedado con toda su textura, casigris en ves de blanco y la piel hubiera tenido mucho detalle, hubieralucido un bronceado oscuro y me hubiera forzado a retocar piel y su

textura en el post proceso, me hubiera también forzado a levantar laexposición artificialmente en el revelado y me corría el riesgo de queno me quedara tan natural el efecto metálico. Pensé rápido mover laperilla que Pentax me ha colocado en el pulgar izquierdo (para que notenga que ver la pantallita) a modo central, pero rápido me di cuenta ydije, si hago esto, el cuello o la frente estarán donde yo quiero, pero


47/115

voy a quemar la tela, por esa razón, usé ponderado al centro,sabiendo que el cuello y la piel eran la base de mi medición, pero alhaber un poco más de la escena incluida en la lectura, la tela mequedará entre las -4 y +4 paradas del limite de sensibilidad de mi

archivo RAW, de tal forma que no la quemaré y lograré mi efecto demanera deseada. Corrí rápido la perilla a posición de centroponderado y me quedé media parada arriba en la velocidad de lacámara, para quemar mi piel como deseaba. Punto y aparte.

Tu me dirás, pero Benja, si hubieras usado medición de cuadrocompleto también hubieras podido hacerlo y al revelar hubieras subidola exposición un poco en el camera RAW para lograr lo mismo, te

contesto, no. No olvides que estaba trabajando con ISO alto, en ISO800, el ruido es un factor a tomar en cuenta, siempre hay más ruido enlas zonas oscuras y se llega a convertir en algo llamado “Grunch” que

son manchas gruesas mezcladas con el ruido. El problema de dejaresto es que el ruido “canta” se nota mucho y si luego tengo que alterarla exposición en el revelado, tendría que post procesar demasiado yen el caso de esta toma, quería un look natural. Trabajar con ISO altotiene su truco y si el fabricante invierte en dártelo, no es porque seaidiota, no solo el ISO 100 existe y como vuelvo a repetir, un retrato noes un paisaje. No siempre la cámara está en un trípode, el fotógrafoque este caso era yo parado sobre la modelo, esta en movimiento, ellatambién y la luz no estaba a mil millones de lúmenes, estaba nubladóny estábamos en un interior.

Puede que me digas, Benjamín, pero la medición puntual te hubieraservido y te contestaré, no. Si hubiera medido central, el cuello mehubiera salido en punto, pero hubiera quemado la frente u otra parte

de la foto, necesitaba estar en un promedio cercano a la tela y a lapiel, pues recuerda que tome la decisión de sobre exponer en cámaray me podía pasar llevando alguna parte de la foto. Mejor forma deexplicártelo no tengo, creo que aquí esta más claro que el edredónblanco, pero te recomiendo practicar, para que aprendas a tomar estasdecisiones por segunda naturaleza y muy rápido, sin la práctica, no


48/115

saldrás de la medición de cuadro completo nunca y de tener que ver lapantallita antes de cada juego de tomas, perderás a la modelo o la luzcambiará por perder tiempo en esto. Mi K-5 tiene un botón en el pulgarizquierdo que ajusta el sistema de medición sin que tenga que salirme

del visor, esto lo hace muy fácil y es una de las razones porque uso lamarca que uso y el modelo que prefiero, pero tanto Nikon, comoCanon, en sus modelos profesionales, también lo han puesto a lamano, pero debes practicar saber cambiarlo sin quitar el ojo de lacámara o antes de cada set, insisto que puedes perder las mejorestomas por estar viendo el menú.

Pasemos al diagrama del centro, el modo de enfoque. Aquí también

me ganaré la crítica de los paisajistas, así que mejor te lo explicocronológicamente y con mi trabajo.

Básicamente el sistema de enfoque se divide en tres modos, aunquealgunas cámara tengan muchas más opciones; el modo central, queenfoca al centro del lente, el modo escogido, que enfoca donde tu ledigas, más a la derecha, al centro, arriba, etc y el modo de programade 5, 11 y hasta 51 puntos de promedio. Cada uno tiene su función, suuso y todos son buenos, dependiendo de la situación.

En esta foto yo estaba encima de Ilse, a menos de metro y medio dedistancia, tenía el Zoom, que es muy importante para el retratista pueslos lentes fijos, nos hacen imposible brincar por todos lados y haceracercamientos o alejamientos a voluntad, sin tener que ser nosotroslos que nos movemos. La “bazooka” como le llamo cariñosamente al

mío estaba casi en su inicio de 50mm, contraído dirían algunos ynecesitaba dos cosas, uno, que solo la mirada de Ilse saliera en foco,

no quería piel sobre enfocada, ni que otra parte de la foto seconvirtiera en sujeto y dos, tenía que tener cuidado de que el brazo yla mano, que estaban en movimiento durante el set, fueran a sertomados en cuenta por el sistema de enfoque, haciendo que enalgunas tomas, la mano o el codo, se llevaran el show dejándome elrostro fuera de profundidad de campo; a veces hago esto a propósito,


49/115

pero esta vez no lo quería sí. Otra cosa que tuve que tomar en cuantaera que con el lente totalmente abierto, mi profundidad de campo eramuy corta, solo lo enfocado saldría definido y lo demás algodesenfocado por la misma razón, si por accidente la cámara enfocaba

la nariz, los ojos no estarían “Tack Sharp” e

Documents

Retrato Scon Alma