Historia del Diseño Gráfico

NIKE

Chill Out

Imagología

Alain Le Quernec

Curiosidades

Las Letras Capitulares

o el afiche como enfermedad crónica

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Diseño + Diagramación lImpresión l

Mauricio Sánchez + Ana María VargasLitografía Grafix

Bienvenidos

Pensar en crear una revista de diseño gráfico se puede

considerar una utopía en un gremio que, como el de los diseñadores

gráficos es tan drástico, tan crítico y tan ávido de propuestas nuevas

sobretodo en la parte gráfica.

Pero crear una revista de diseño gráfico que sólo se enfoque en las

necesidades de información, formación, actualización y proyección de los estudiantes de Diseño Gráfico, mas que un sueño, para nosotros, es

una imperiosa necesidad.

Por esta razón nace OTRO DISEÑO. Para dar una visión del diseño más

cercana a la realidad del nuevo diseñador gráfico: más información,

conocimiento, cultura y una visión más realista de su profesión y su aporte a la

sociedad como comunicador visual.

El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del

mismo periodo, fue una reacción contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX. El símbolo de la tipografía moderna es la tipografía sin serifa o de palo seco, inspirada por los tipos industriales de

finales del siglo XIX

El diseño gráfico no comienza a identificarse como tal hasta finales del siglo XIX, pero lo encontramos latente en las pinturas rupestres del Paleolítico y en el nacimiento del lenguaje escrito en el tercer milenio adC.El libro de Kells es un muy hermoso y temprano ejemplo de diseño gráfico, en una forma que sería aceptable incluso hoy. Se trata de una Biblia manuscrita profusamente ilustrada, r ea l i z ada po r mon je s irlandeses del siglo IX ddC.La introducción de los tipos móv i les por Johannes Gutenberg hizo los libros más baratos de producir, aumentando su difusión. Los primeros libros impresos (incunables) marcaron el modelo a seguir hasta el siglo XX. El diseño gráfico de esta época se conoce como Estilo Antiguo (especialmente la tipografía que estos primeros t i p ó g r a f o s u s a r o n ) o Humanista, como la escuela filosófica predominante de la época.Tras Gutenberg, el diseño gráfico fue una evolución gradual, sin cambios significativos, hasta que a finales del siglo XIX, especialmente en Gran Bretaña, se hizo un

esfuerzo por crear una división clara entre las Bellas Artes y las Artes Aplicadas.Entre 1891 y 1896, la imprenta Kelmscott de William Morris publicó algunos de los productos gráficos más significativos del Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), y fundó un lucrativo negocio basado en el diseño de libros de gran refinamiento estilístico, vendiéndolos a las clases pudientes como objetos de

lujo. Morris demostró que existía un mercado para los trabajos de diseño gráfico, estableciendo la separación del diseño con respecto a la producción y las bellas artes. El t r aba jo de l a imprenta Kelmscott está caracterizado por su recreación de estilos histór icos, especia lmente medievales.El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue una reacción contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX. El símbolo de la tipografía moderna es la

tipografía sin serifa o de palo seco, inspirada por los tipos industriales de finales del siglo XIX. Destacan Edward Johnston, autor de la tipografía para el Metro de Londres, y Eric Gill.

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David Carson es la culminación del movimiento contra la sobriedad y la contricción del diseño moderno -- algunos de sus diseños para la revista Raygun son intencionadamente ilegibles, diseñados para ser más experiencias visuales que literarias.

Desde entonces, el diseño gráfico se ha transformado enormemente por causa de los ordenadores.

Jan Tschichold plasmó los principios de la tipografía moderna en su libro de 1928, New Typography. Más tarde repudió la filosofía que expone en esta obra, calificándola de fascista, pero continuó siendo muy influyente. Tschichold, tipógrafos de la Bauhaus como Herbert Bayer y Laszlo Moholy-Nagy, y El Lissitzky son los padres del diseño gráfico como lo conocemos hoy día. Fueron pioneros en las técnicas de producción y en los estilos que se han ido usando posteriormente. Hoy, los ordenadores han alterado drásticamente los sistemas de producción, pero el enfoque experimental que aportaron al diseño es más relevante que nunca -- el dinamismo, la experimentación e incluso cosas muy específicas como la elección de tipografías (la Helvetica es un revival; originalmente era un diseño basado en la tipografía industrial del siglo XIX) y las composiciones ortogonales.

En los años siguientes el estilo moderno ganó aceptación, al tiempo que se estancaba. Nombres notables en el diseño moderno de mediados de siglo son Adrian Frutiger, diseñador de las tipografías Univers y Frutiger; y Josef Müller-Brockmann, importante cartelista de los años cincuenta y sesenta.

La reacción a la cada vez mayor sobriedad del diseño gráfico fue lenta pero inexorable. Los orígenes de las tipografías postmodernas se remontan al movimiento humanista de los años cincuenta. En este grupo destaca Hermann Zapf, que diseñó dos tipografías hoy omnipresentes -- Palatino (1948) y Optima (1952). Difuminando la línea entre las tipografías con serifa y las de palo seco y reintroduciendo las líneas orgánicas en las letras, estos diseños sirvieron más para ratificar el movimiento moderno que para rebelarse contra él.

Un hito importante fue la publicación del Manifiesto Lo primero es lo primero (1964), que era una llamada a una forma más radical de diseño gráfico, criticando la idea del diseño en serie, carente de valor. Tuvo una influencia masiva en toda una nueva generación de diseñadores gráficos, contribuyendo a la aparición de publicaciones como la revista Emigre.

Los avances de principios del siglo veinte fueron fuertemente inspirados por avances tecnológicos en impresión y en fotografía. En la última década del mismo siglo, la tecnología tuvo un papel similar, aunque esta vez se trataba de ordenadores. Al principio fue un paso atrás. Zuzana Licko comenzó a usar ordenadores para composiciones muy pronto, cuando la memoria de los ordenadores se medía en kilobytes y las tipografías se creaban mediante puntos. Ella y su marido, Rudy VanderLans, fundaron la pionera revista Emigre y la fundición de tipos del mismo nombre. Jugaron con las extraordinarias limitaciones de los ordenadores, liberando un gran poder creativo. La revista Emigre se convirtió en la biblia del diseño digital.

Otro notable diseñador de finales del siglo XX es Milton Glaser, que diseñó la inconfundible campaña (1973), y un famoso cartel de Bob Dylan (1968). Glaser tomó elementos de la cultura popular de los sesenta y los setenta.

I Love NY

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La historia de Nike es más casual que otra cosa. Todo comenzó con la pasión por el deporte que profesaba Phil

Knight, un norteamericano vinculado a la Universidad de Oregon. El joven, recien licenciado en empresas, viajó a

Japón a finales de los años 50 y consiguió una entrevista con la firma de zapatillas de deporte Tiger, de Onitsuka,

una de las grandes del país nipón.

Se hizo pasar por representante de una importante distribuidora de calzado americana interesada en

comercializar su producto al otro lado del océano. En esa misma entrevista y fruto del apuro nació el nombre y la

empresa germen de Nike: Blue Ribbon Sports.

Blue Ribbon Sports consiguió vender las zapatillas japonesas Tiger en Oregon, donde se estableció su primera

tienda.

A mediados de los 60 BRS ya tenía ganancias considerables y Knight decide registrar un nuevo nombre para la

empresa: NIKE, que significa victoria en griego y alude a la diosa griega Atenea Niké. Será por estos años cuando se

una a la empresa un amigo de Phil K., entrenador en la Universidad de Oregon, Bill Bowerman, que será el

encargado de los diseños de zapatillas.

Y viendo que las cosas iban tan bien el nuevo dúo de Nike encarga en 1971 a una estudiante el diseño de un logo. La

estudiante, Caroline Davidson, será la futura esposa de Knight y la marca Swoosh sería el futuro logo de Nike, tan

conocido o más que el propio nombre.

Ya entrados los setenta Nike termina sus relaciones con Onitsuka y empiezan a producir su propia línea de calzado.

Knight idea una estrategia de publicidad y para darse a conocer en el ambiente deportivo, que era donde él quería

mantenerse, contrata a un representante que va visitando equipos y universidades. En pocos años la firma es muy

conocida y logra hacerse un importante hueco en el mercado norteamericano, así que se decide a probar

también con otras prendas de deporte, además del calzado: camisetas, pantalones, etc... Por esto llega a

tener un puesto relevante en eventos deportivos y campeonatos, con lo que se publicita la marca en el

ambiente del deporte pero también llega a los seguidores y a los espectadores desde sus casas, gracias a la televisión.

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En la década de los ochenta Nike, con una agencia de publicidad contratada, Wieden & Kennedy, al modo de las mejores marcas, empieza a hacer spots publicitarios. Y es en estos años también cuando entre los jóvenes norteamericanos se pone de moda llevar zapatillas de deporte y ropa informal normalmente, con lo que Nike tiene cabida y bombo sufuciente.Sin embargo a mediados del decenio Nike tiene algunos problemas y baja sus ventas. Reebok, uno de sus más grandes competidores en Estados Unidos, le sigue muy de cerca.Pero la publicidad, de nuevo, salva las espaldas de los de Oregon. En 1985 Nike ficha entre sus filas a una promesa del baloncesto que empezaba a brillar, el mítico Michael Jordan. Comienza una etapa brillante para la compañía, que pronto se da cuenta de que Jordan es una mina de oro. Diseñan toda una línea de calzado inspirado y publicitado por él como las zapatillas Air Force o las Air Flight y el as de basket se hace un hueco fundamental en los hogares americanos junto a Nike.

Hacia estos años también sale a la luz uno de los eslóganes más famosos de la historia de la publicidad, que perdurará largo tiempo en vigencia - cosa inusual, por otra parte -. Se trata del "Just Do it". No podemos olvidar la autonomía que llegó a cobrar el Swoosh, más reconocible que el propio nombre de la marca y distintivo inigualable.Nike había conseguido hacerse con un lugar privilegiado dentro del mercado y había logrado mantenerlo, incluso crecer, gracias a muy buenas estrategias de marketing y publicidad. A finales de los 80 era indiscutible el primer puesto de Nike en ropa deportiva dentro de Norteamérica y más allá y era innegable el importante papel que desempeñaba en torneos, trofeos y otros campeonatos deportivos, como en su momento ideó Adidas.Por otra parte, Nike, también como Adidas y siguiendo la línea de ésta, ha tenido un amplio equipo de deportistas de diferentes disciplinas contratados por la marca que ha llevado, mejor que cualquier agencia, la imagen de Nike a todas partes. Entre ellos:Charles Barkley, Tim Duncan o Gary Payton (basket)Ken Griffey l John McEnroe, André Agassi y Pete Sampras l Ronaldo y Romario de Brasil, , Ben Olsen de Estados Unidos l Maurice Greene, Marion Jones y Michael Jonson l Tiger Woods .

( béisbol) ( tenis)

(fútbol)(atletismo) (golf)

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Chill out (a veces chillout), un término derivado de una prescripción del argot para relajar, emergido entre los comienzos y mediados de los 90s como término recopilatorio para los varios estilos relativamente

suaves, música slow -tempo hecha por productores contemporáneos en la escena electrónica . Una serie de compilaciones con el término "chill out" en sus títulos fueron lanzadas en los mediados de los 90´s y más allá, ayudando a establecer el genero como muy cercano al downtempo y del trip hop pero también incorporando, especialmente en los comienzos del 2000, las variedades más lentas de música house, el nu-jazz, y la lounge music. El genero también incluye algunas formas de música trance, ambiente, y de IDM, y ha incluido en te ramente e l viejísimo genero

, aunque ese término todavía se

utiliza alternativamente como chill out.

El Chill out es generalmente tonal, relajante (o por lo menos no

tan "intenso" como los otros estilos de música de donde proviene),y no incorpora

generalmente la música que acentúa "hard," "deep," o particularmente ritmos hipnóticos. Se

ha creado una cultura alrededor del chill out, con muchos bares de moda y clubes, diseñados con ambiente retro futurista, dedicado al genero. Ministry of Sound, en Londres, ha patrocinado muchos eventos de Chill Out en lugares tales como Ibiza y hay centenares de títulos de la compilación de la mezcla incluyendo las palabras "chill out" o apenas "chill” que surten a los fanáticos del chill out. Desde el 2005 el chill out es reconocido por las principales revistas de música dance y sus listados. Los estilos del chill out son similares al estilo de Leftfield inspirada por la banda del mismo nombre. Hay muchisimas bandas que hacen chill out como Lemon Jelly ; Djs que se especializan en chill out como Youth, Alex Patterson, Dr. Chill, Unity Dub, The Only Michael, Chris Coco, Pete Lorenzo y Mixmaster Morris, este último reconocido por haber lanzado el Chillage global; organizaciones que se enfocan en este estilo como

; sellos discográficos como , Vagalume, Ultimae e Interchill; y eventos como

. La música se mezcla a menudo con el video arte por VJs con imágenes apacibles y relajantes de la naturaleza o gráficos electrónicos. El es un gran evento anual para fanaticos del chill out en

,Worcestershire con prresentaciones de d.j.´s residentes como Gilles Peterson y Jay normando.

Balearic Beat

Chillout Zone and Liquid de Portugal Liquid Sound DesignThe Big Chill and Sundaze

Big Chill festival Eastnor

Castle

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TÉRMINO

AMB001 era la referencia que aparecía en la portada del disco "Music for Airports" con que Brian Eno lanzaba su serie Ambient. Era la primera vez que se utilizaba el término ambient music, y la razón era obvia, ya que el disco contenía cuatro pasajes de delicada música ambiental con abundantes silencios. El propio Eno decía en las notas de portada: "El objetivo de la música ambient es inducir a la calma".

HIMNOS 1. Mr. Fingers - Can you feel it

2. The Orb - Blue room3. Sun Electric - O'Loco

4. Original Rockers - Sexy selector5. Seefeel - Lief

CRONOLOGÍA A DESTACAR

Se comercializa el Theremin (en español, en el apartado instrumentos eléctricos), instrumento ligado a la

estética spacey.

El muzak y la easy listening definen un nuevo campo sonoro: la música periférica, la música del entorno. Un concepto que habr ía de ser recuperado por el ambient. Además

de un estilo, muzak es el nombre de una empresa de Música Funcional (oficinas, supermercados, micros, ascensores... .

La Easy Listening es también denominada lounge music o cocktail

music. Música de fácil escucha que, fundamentalmente en los años 50 y 60,

contribuyó a las bandas sonoras de divertidas comedias inofensivas, a ambientar bares y a alimentar los emergentes hilos musicales. Desde Les Baxter y Esquivel hasta James Last o Augusto Algueró. Es decir, música despreocupada y hedonista, con estribillos infecciosos y coros "daba daba da". Su combinación con la electrónica actual ha dado origen a la escena future listening, en la que destacan Pizzicato Five, Gentle People , Towa Tei, Money Mark o Jimi Tenor.

Brian Eno inventa el término Ambient y le da este título a una serie que comienza con su "Music for Airports".

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La denominada New Age (Nueva Era) hace prácticamente desaparecer al Ambient del mapa sonoro.La música New-Age tiene sus orígenes a principios de los 70 cuando Mike Oldfield con su

disco Tubular Bells hizo un cambio en la comprensión de la música Pop tradicional.

Sueño Latino, en Italia, y Mr. Fingers y Virgo, en Chicago, retoman el concepto de música ambiental, ahora aplicada a la música de baile.

Nace el ambient house (Chill-House).

Se publica el álbum "Chill Out", de KLF, un disco fundamental para entender el surgimiento de los chill out rooms.Los Chill Out Rooms son zonas, normalmente

separadas de la discoteca central (donde suena la música de baile), habilitadas para hacer una pausa de los ritmos de la música de baile. Se escucha principalmente Ambient e Intelligent Techno, aunque en realidad se puede escuchar cualquier cosa diferente a la pista central).

El ambient vive una renovada juventud gracias a nuevos fenómenos como el Ambient Dub el Post-Rock o el Aislacionismo.

La publicación del disco "Chill Out", de KLF, en 1990 es otro de los hechos importantes en la historia del ambient. Se trata de una sinfonía atmosférica, compuesta por pequeñas piezas encadenadas en las que Bill Drummond y Jimmy Cauty recuperan la filosofía planeadora. A partir de ese momento, comienzan a proliferarlos sellos (Apollo, Silent, Fax, Source) especializados en ambient, así como los artistas y proyectos: Biosphere, The Orb, Locust, Sun Electric, el prolífico Pete Namlook, Scanner, Spacetime Continuum,, Global Communication, Heavenly Music Corporation (título de un tema de Fripp '''''Et'''' Eno), Atom Heart o Irresistible Force, que aparecen también en recopilaciones como "Ambient", de Virgin; "Chill Out Or Die", de Rising High; "Ambient Compilation", de Fax; o "From Here to Tranquility", de Silent.

No tardarían en aparecer derivaciones del género, y así, en 1992, se publica "Ambient Dub Volume 1" en el sello Beyond, sentando las bases de un sonido que combina los ritmos y efectos del dub jamaicano con las capas de teclados y las texturas más atmosféricas, y que ha sido desarrollado por proyectos como Higher Intelligence Agency, Original Rockers, Banco de Gaia, The Orb, Extremadura, Astralasia o el proyecto Divination de Bill Laswell. Por otro lado, grupos de ambient pop y ambient noise (o ambientcore) como Bark Psychosis, Flying Saucer Attack, Seefeel, Main o Scorn (proyecto de Mick Harris, ex batería de Napalm Death) anticipan la era del post-rock y el aislacionismo.

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HÉROES

1. David Toop:Si Brian Eno es el capitán, se puede decir que David Toop es el segundo de a bordo. Es, desde luego, uno de los grandes ideólogos del ambient, y ha publicado varios libros sobre el fenómeno, además de multitud de artículos en revistas como 'The Face', 'The Wire', 'Arena', 'Billboard' o 'Spin'. Además, ha desarrollado una amplia carrera musical, formando parte del grupo ALTERATIONS, y colaborando con gente como Steve Beresford, John Zorn o Flying Lizards. En 1975 grabó el disco "New and Rediscovered Music Instruments", junto a Max Eastley, para el sello de Brian Eno. Después de veinte años, volvió a editar un nuevo disco con Max Eastley, "Buried Dreams" (Beyond, 94), una obra descriptiva y casi naturista. Y en 1995 publicó el magistral "Screen Ceremonies", un disco con el que se inauguraba el sello discográfico de la prestigiosa revista 'The Wire', y que supone una apuesta por un ambient exótico y sensual.

2.The Orb:(web no oficial)El proyecto más popular de todo el movimiento ha sido definido como el Pink Floyd del ambient,

3.Biosphere:El noruego Geir Jenssen (Tromsoe, 1962), alma y único miembro de Biosphere, comenzó su trayectoria como miembro de BEL CANTO, un trío (ahora dúo) que combinaba folk, ambient y new age. Cuando salió del grupo, creó BLEEP, y publicó un único álbum, "The North Pole by Submarine" (Crammed, 90), que fue grabado tras la participación de Jensen en una expedición arqueológica al Círculo Ártico, intentando transcribir el gélido y crepuscular ambiente vivido.

KLF - Chill Out (KLF Communications, 90)

Las ovejas pastando en el campo que aparecen en la portada de este disco ya anticipan su contenido relajante y su espíritu hippy. Desde la Trancentral, Jimmy Cauty y Bill Drummond se dedican a componer, compilar, recortar y pegar todos los sonidos que aparecen en esta obra maestra del arte del collage sonoro, concebida como una sinfonía de sintetizadores acolchados, ecos, voces, cencerros, balidos de ovejas, cantos de pájaros, murmullos de arroyos, sampleos distorsionados del "In The Ghetto", de Elvis, dubs, retazos de country y muchos sonidos más. Es, desde luego, un tratado de ambient en sentido estricto. Jimmy Cauty ese mismo año hizo algo parecido, pero en onda espacial, con el nombre de Space.

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Este nuevo neologismo no debe ser confundido ni con iconografía, iconolatría, ni con los iconoclastas ya que cada uno tiene su propio significado, y a este apenas va a ser explicado a continuación. Ahora con las elecciones de cámara y senado podemos ver en todo su esplendor lo que es la imagología, una publicidad abundante en afiches, volantes, calendarios, etc; cientos de rostros posando para esa foto en la cual el pueblo discernirá sobre sus políticas o “encantos” para que sea un buen representante nacional e internacional; paro hay que detallar algunas de esos rostros con esa actitud de triunfadores, sonrientes, honorables, humildes, luchadores por los “Derechos Humanos” y mirando hacia el firmamento o mirándonos a los ojos, retándonos que no hay nada mal en ellos. Cuando los vemos haciendo sus discursos y tratando de expresarse adecuadamente; ellos se encuentran detrás, observando para después corregir sus errores.Claro que los imagólogos existían antes de que se creara su poderosa institución que aunque no la conocemos están ahí.

Hasta Hitler tenia su imagólogo personal que le decía como expresarse y como debería mover las manos, que gestos utilizar para poder fascinar a las masas. Pero que hubiera pasado donde su imagólogo hubiera dado una entrevista a los periodistas, Hitler no hubiera durado un día con la indiscreción de aquel funcionario.Lo importante en esta simple palabra nos permite finalmente unir bajo un mismo techo lo que tiene tantos nombres : las agencias publicitarias, los asesores de imagen de los hombres de estado, los diseñadores ya sean gráficos, de moda e industriales, los peluqueros y las estrellas de “show business” que dictan la norma de la belleza física a la que obedecen todas las rama de la imagología.Pero el error mas grande es que las agencias que se encargan de una campaña publicitaria tiene una visión muy ingenua del asunto. Y es que vender el producto no es tan importante como creemos.En este caso con la política no es atestar la ciudad con miles de fotos y propaganda, es crear un sentido de pertenencia y hacer que la campaña sea amada.¿Y es que la publicidad y la propaganda no podrán compararse, porque una está al servicio del comercio y la otra al de la ideología? Realmente ya la ideología se ha convertido gradualmente en imagología. Mirando al pasado en Rusia los marxistas se reunían secretamente en círculos para estudiar el “manifiesto de Marx”; simplificando el contenido de esta sencilla ideología en una colección de seis o siete consignas que ya difícilmente podrían llamarse ideologías. Y precisamente porque lo que quedo de Marx hacia ya tiempo no es un sistema lógico de ideas; sino una serie de imágenes (un obrero que sonríe con un martillo, un hombre negro, uno blanco y uno amarillo que se dan fraternalmente la mano, la paloma de la paz que echa a volar al cielo etcétera) y eso es lo que podría llamarse justificadamente y planetaria transformación de ideología en imagología.

Y se debería empezar a utilizar

como término entre agencias de

publicidad, diseñadores y en

general por las personas.

¿Pero que es la imagología?

Un nuevo neologismo creado por Mila Kundera, escritor checo

l Por: Luis Pereira

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La primera experiencia de Alain Le Quernec con la imagen evidencia su propensión a la futura enfermedad. Originario de Bretaña, región francesa cuya economía es de primer nivel (en especial por la agricultura, la pesca y la ganadería) y que en los años 40 constituía una de las zonas más atrasadas de Francia, situada a 600 kilómetros de París, Le Quernec nos cuenta: «En mi infancia se pintaban anuncios publicitarios sobre las paredes de las casas que bordeaban la carretera. Loupot, uno de los padres del grafismo francés, había creado la imagen del aperitivo St. Raphael, que representaba la silueta realista del perfil de dos hombres: uno rojo, el otro blanco. Un día, Loupot renovó la identidad de St. Raphael, haciendo un dibujo geométrico, simplificado, de las dos siluetas: los perfiles realistas se transformaron en una composición abstracta, incomprensible para un niño de cuatro años, que se esforzaba por entender, por dilucidar cómo era posible cambiar la cabeza de un camarero por un círculo rojo o por una informe figura blanca [...]».

Durante sus estudios de arte en París, Le Quernec se interesó más por la imagen pública callejera que por lo que entenderíamos como concepto oficial de arte. Su primer afiche se imprimió y publicó en 1962, y a partir de allí su atracción por la imagen evolucionó y dos futuros encuentros le marcarían el camino a seguir: una exposición de afiches polacos y Mayo del 68. La revolución de Mayo, tomó las calles de la ciudad para manifestarse. Cada mañana las paredes se llenaban de nuevas imágenes de protesta, de denuncia, imágenes trágicas o humorísticas. Ningún transeúnte podía dejar de encontrarse con afiches de la revolución que se le imponían al público, que comunicaban en masa y que se renovaban constantemente de acuerdo con la evolución de los sucesos. Los autores de estas imágenes se imponían a la sociedad, cuestionaban a los peatones, los involucraban.

La propensión.

El trauma.

Su trabajo, comprometido con la sociedad, invita

a los diseñadores a que manifiesten su opinión

sobre la actualidad mundial a través de imágenes

y tipografías que puedan transmitir la función

pública del diseño, ganarle al desarrollo de

soluciones comerciales para ingresar a una

dimensión política, cultural y social.

l Tomado de: www. .comtipografica

El creador del

emblema del grupo de

rock The Rolling Stones, (boca con

lengua) aparecido por primera vez en su LP

"Sticky Fingers", fue Andy Warhol.

Victor Mars y su asociado Mr. Merrie, inventaron el dulce M&M en el año

1941, llamando a su compañía de igual manera. Las iniciales corresponden a

sus nombres: Mars y Merrie.

Antes de que se convirtiera en símbolo Nazi, la swástika tuvo varios

significados, todos ellos positivos. En sanscrito, la palabra swastika

significaba "conductivo al bien-estar". Para los arianos de la India era un

símbolo de bondad y poder regenerativo. Los griegos y persianos le

dieron significado de prosperidad y felicidad. Los antiguos crisitianos

disfrazaban la cruz por una swástika para evitar su persecución. Los

Nazis lo consideradon como un símbolo rúnico por estar presente en

inscripciones vikingas como elemento decorativo en representación

del sol. Hitler mismo creó la bandera del Movimiento Nazi. El rojo

significaba la idea social; el blanco, la idea nacionalista; y la swástica,

"la misión de luchar por la victoria del hombre ario"..

La actriz del cine mudo Norma Talmadge, inició la tradición de

grabar las huellas de sus pies en el Teatro Chino Grauman en la

ciudad de Hollywood, cuando accidentalmente pisó en cemento

fresco frente al teatro en 1927.

Bugs Bunny fue creado en 1936 por un grupo de artistas de la

Warner Bros. en el que se encontraban Chuck Jones y Friz

Freleng, aunque los primeros bocetos fueron enviados por el

artista Ben "Bugs" Hardaway. De ahí el

nombre".

En las primeras máquinas de escribir, el

alfabeto aparecía de la A a la Z de

izquierda a derecha y de arriba hacia

abajo de forma continua hasta que

Christopher Sholes redistribuyo las

teclas que más se utilizan lejos unas de

otras para escribir rapidamente en su

modelo de 1867 que fue distribuida

por la REMINGTON COMPANY.

Oliver Pollock revolucionario y mercader

americano aplicó el signo de dólar ( $ ) en

1778. Aunque también se dice que tiene un

origen español, que era un símbolo

específicamente utilizado en las monedas de 8

reales. Su existencia es la razón por la que dichas

monedas se llamaron Pillar Dollars (columnarios)

y es el origen del actual símbolo del dólar "$".

Los padres de Albert Einstein, llegaron a pensar

que su hijo era retrasado. Hablaba con mucha

dificultad hasta los nueve años, le costaba

responder a las preguntas más sencillas y en el

colegio recibía malas calificaciones

Parece ser que la compañía petrolera Shell tiene sus

orígenes en una tienda de Londres, llamada The Shell

Shop. Fue a mediados de 1800, cuando su dueño,

Marcus Samuel, ganó bastante dinero vendiendo cajas

de conchas de mar. Además se dedicó a la importación

y exportación de conchas. Con esta experiencia se

dedicó a exportar keroseno. La compañía pasó a

llamarse Shell Transport and Trading Company y

posteriormente, Shell Oil Company.

Un sastre judío de Baviera llamado Levi Strauss que emigró

a los Estados Unidos para hacer fortuna, se estableció en

1850 en San Francisco. Allí se dedicó en un principio a

vender a buen precio lona para las tiendas y para cubrir los

vagones. Cuando el Ejército le rechazó una gran partida de

lona que le habían encargado por su mala calidad, decidió

fabricar con la tosca tela unos pantalones que fueran lo

bastante resistentes para el trabajo en condiciones duras de

los mineros y les permitieran guardar en los bolsillos las

muestras de minerales y las herramientas de uso más

frecuente. Para reforzar la prenda, puso remaches en las

costuras del pantalón. En 1860, el sastre decidió cambiar la

lona por una tela más resistente que se fabricaba en Nimes,

Francia, y que era conocida como "serge". En realidad este

tejido es originario de la ciudad italiana de Génova, que los

galos llamaban Genes, de aquí el origen de la palabra

"jeans".

En el cerebro de un adulto, cada día mueren más de cien mil

neuronas, que jamás se reponen. En una borrachera se

llegan a perder millones.

El camello original de los cigarrillos Camel era

un dromedario árabe llamado "Old Joe" que

aparecía en el circo Barnum & Bailey a

principios de siglo y que sirvió de modelo al

fotógrafo en 1914. La compañía tabaquera

R.J. Reynolds buscaba un nombre exótico y un

concepto para lanzar su nuevo cigarrillo.

Dalí fue expulsado cuando en un examen le

pidieron que hablase sobre Rafael, Dalí

respondió al tribunal: "Me es imposible hablar

de ese sujeto delante de los tres profesores,

porque yo sé mucho más sobre Rafael que

todos ustedes reunidos.

Las dos rayas = que indican igualdad comenzó a utilizarlas el

matemático inglés Robert Recorde hace más de cuatrocientos

años. En uno de sus libros cuenta que eligió ese signo porque

"dos cosas no pueden ser más iguales que dos rectas paralelas".

Fue en la guerra de secesión norteamericana, cuando regresaban

las tropas a sus cuarteles sin tener ninguna baja, que ponían en

una gran pizarra '0 Killed' (cero muertos). De ahí proviene la

expresión 'O.K.' para decir que todo esta bien.

El primer anuncio escrito que se conoce data del 3000 a.C. Se

trata de un cartel aparecido en las ruinas de la ciudad egipcia de

tebas, en el que se ofrece recompensa de una moneda de oro a

quien capture y devuelva a su amo un esclavo huido llamado

Shem.

La palabra árabe que se usaba para representar una cantidad

desconocida era 'shei'. Se transcribió al griego como 'xei'. Se fue

acortando y quedó como 'x'. Por eso representamos con X un

número cualquiera.

Mark Twain fue el primer autor que usó la máquina de escribir

para una de sus obras: "Life on The Mississippi". Aunque se dice

que no la escribió directamente sino que otra persona fue la que

la pasó a máquina.

El nombre completo de Picasso era: Pablo Diego José Francisco de

Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiano de la Santísima

Trinidad Ruiz y Picasso.

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«Desde el punto de vista tipográfico,

las letras capitulares tienen una

importancia que no es nada

desdeñable. Y esto es así porque se

conforman en la página como un

foco visual que proporciona énfasis,

variedad y si su diseño es bueno

añaden una placentera invitación a

iniciar la lectura.»

Historia

De acuerdo con un propósito práctico, podemos definir una letra como capitular cuando esta sea mayor que las letras de caja alta o baja que la acompañan. Antes de comenzar su estudio podemos dar un breve repaso al origen y desarrollo de sus inmediatas predecesoras, las

ricas de los manuscritos del

Los más antiguos manuscritos romanos que conocemos están escritos con las letras capitales romanas y rústicas que con el paso del tiempo se transformaron en unas letras con formas más redondeadas que conocemos como unciales. En estos manuscritos apenas había espacio entre las palabras y el tamaño de las letras era uniforme; el aspecto compacto y la regularidad que se obtenía dotaban a la página escrita de una hermosa dignidad pero, por el contrario, eran difíciles de leer. Como ayuda a la lectura la letra inicial de cada párrafo se escribía en el margen con el mismo tamaño que el texto pero conforme el escriba encontraba más espacio disponible esta letra inicial iba siendo cada vez más grande y de formas diferentes a las otras. De este modo, sirviendo a un propósito útil, fue como nacieron las letras capitulares.

iniciales ornamentadas siglo XV.

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Poco tiempo después se produjo una modificación en el alfabeto, a partir de una

simplificación de las letras unciales,

convirtiéndose estas en semiunciales;

esta modificación trajo consigo unas

sustanciales ventajas en cuanto a rapidez

de escritura, mayor legibilidad y superior

aprovechamiento del espacio disponible.

Fue por tanto normal que las capitulares romanas cayeran en desuso para el cuerpo de texto, pero siguieron usándose en titulares, en la primera letra de los nombres propios y cuando hacía falta enfatizar algo; y en su utilización para señalar el principio de un párrafo en los libros, coloreadas, doradas y adornadas, era cuando alcanzaban su mayor grado de elaboración.

La ventaja práctica de destacar los principios de los párrafos debió ser importante en aquella época, si pensamos, por ejemplo, en los libros utilizados en los ritos litúrgicos por los monjes en lugares con poca luz como las iglesias, y la dificultad que entrañaría encontrar un fragmento determinado. Seguro que una colorida y destacada capitular ayudaría mucho para reconocerlo y situarlo.

Los primeros impresores imitaron a los calígrafos e iluminadores en el uso de capitulares y otros detalles de su trabajo. El primer libro que contiene su fecha de impresión, el famoso Salterio de Fust y Schoeffer de 1457, nos muestra una gran cantidad de estas letras, concretamente A. W. Pollard las cifra en 288 además de la gran B que comienza el primer Salmo. Esta letra está impresa en azul y con un borde interno de color rojo. Fust y Schoeffer poseían también unas letras capitulares, concretamente la Q y la T de similar belleza y calidad que la citada B. Indudablemente existen capitulares, antiguas o modernas, mejor diseñadas y más bonitas en su conjunto, pero lo que es seguro es que las letras capitulares de este periodo inicial se pueden describir (teniendo en consideración el uso de dos colores en su realización) como las más suntuosas y ambiciosas logradas por medio de la imprenta.

De todas formas el uso no sólo del color y los adornos sino de cualquier tipo de capitular, sufrió un pequeño declive debido principalmente a dos razones: el deseo de economizar el coste y la oposición de los iluminadores y grabadores de piezas xilográficas que veían peligrar su profesión. Existen evidencias de que la primera de estas razones fue la que tuvo mayor peso: Gordon Duff nos cuenta como en algunas copias de la primera Biblia fechada, realizada en 1462 y que lleva la marca de Schoeffer, "se intenta imprimir el color azul y el rojo en la misma página, pero que aparentemente, y debido a su laboriosidad, el intento es abandonado. Entonces las letras rojas se imprimen en su color y las que deben ir en azul son impresas en hueco para posteriormente ser rellenadas de azul por los iluminadores". Esto nos muestra dos métodos en conflicto y que no pueden ser armonizados, pero el deseo de los primeros impresores de editar libros bellos y completos unido a la necesidad de hacer estos de forma rápida y con una tirada lo más amplia posible les hace evitar complicaciones y buscar la solución dejando los huecos libres donde los iluminadores insertes las letras capitulares. Para ello, una practica general fue imprimir la letra en caja baja en el espacio correspondiente para que sirviera de guía a los iluminadores menos adiestradosÉ el resultado fue que muchas de estas incongruentes letras aparecen frecuentemente abandonadas y solitarias en los impresos de la época.

Escuela alemana, siglo XV

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Pero la inserción de las capitulares por parte de los escribas no solamente fue un método de poca confianza y un impedimento para que el libro llegara con rapidez del impresor al público; fue un error desde el punto de vista del oficio, era necesario encontrar una manera de hacer mejor las cosas. Un libro escrito e impreso parcialmente pierde su unidad, y la perdida de unidad en un trabajo de arte es un fiasco.

De este modo el intento de usar el color en los libros impresos, basado en un deseo de emular e incluso imitar los libros manuscritos fue vencido por el tiempo y esto ocurrió principalmente porque el objetivo fue un error.

Aún la aplicación del color a mano tenia un cierto uso y las primeras iniciales de madera de Zainer eran siluetas de las letras creadas para ser rellenadas de color por el rubicador, el hombre que se encargaba de añadir al mismo tiempo los títulos de los capítulos y otras notas. Pero el primer paso adelante más importante fue que éstas capitulares eran impresas en negro, lo mismo que el texto. El segundo paso, que supuso un significativo avance, consistió en rellenar el contorno interno y las zonas que rodean a la letra con un fondo decorativo en el que a veces añadía una decoración marginal. Estas letras, aunque destinadas al relleno de color por parte del rubicador, a veces eran impresas sin el mismo. El tercer y último paso tuvo lugar cuando los impresores realizaron pequeños ajustes de disposición en sus diseños que permitieron resaltar el atractivo de estas letras.

El primer impresor de Ausburgo, Gunther Zainer, cuyo primer libro datado fue impreso en 1468, tuvo el honor de pertenecer al grupo de impresores que emprendió el camino correcto.

Escuela alemana, siglos XV y XVIl Tomado de: www. .comunostiposduros

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Diseño lleno de muy buenas ideas.

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