DÍAZ

El Romanticismo Musical

Elaborado por:

ID 148894

Universidad de las Américas Puebla

La Música es el sueño organizado, el sueño que

sin dejar de serlo ha pasado por el tiempo y ha

aprehendido del tiempo, ha aprovechado el tiempo.

María Zambrano, “El sueño creador”.

1

DÍAZ

El siglo XIX fue un metrónomo que permitió en Europa la transición del

clasicismo hacia el estilo Romántico en la música. En este péndulo musical, los

procesos estilísticos estuvieron ligados a la pasión y sensibilidad, a buscar

respuestas en las viejas y olvidadas mentes del barroco como Vivaldi y Bach, y

plasmarlas con una esencia de supremacía e intensidad, es así como se

moldea este estilo que adoptaron los “maestros” como se les llamaba en esta

época a los genios.

Escogí el Romanticismo ya que en mi punto de vista es un siglo en el que

el arte explota, detona de una manera en la que el artista rompe con las reglas

establecidas y empieza a expresar fuerte y significativamente sus sentimientos

mas profundos. Rompiendo con lo clásico el artista se centra en el contrapunto,

la complejidad y la expresión, creando supremacía como en el siglo XVII,

exquisitez como en el XVIII, y pasión, sentimentalismo, drama… que

caracteriza al siglo XIX.

A esto cabe decir que no menosprecio los demás periodos ni mucho

menos a sus compositores, pero es en el romanticismo donde encontramos un

mayor numero de compositores relevantes y que a criterio de muchos

musicólogos como Drezner y Zambrano es la época de los grandes genios, por

ejemplo en el clasicismo se conocen a Amadeus Mozart, Boccerini, Haydn,

Cherubini, el primer periodo de Beethoven, Clementi, Leopold Mozart, Weber y

Schubert, y en el romanticismo a Beethoven, Rossini, Berlioz, Mendelssohn,

Chopin, Liszt, Wagner, Verdi, Bizet, Saint-Saens, Brahms, Tchaikovsky,

Puccini, Mahler, Bruckner, Strauss, Ravel, Debussy, stravinsky. Como

podemos ver es en el Romanticismo donde hay compositores mas

2

DÍAZ

sobresalientes e importantes, aunque sin los músicos del clásico los del

romanticismo no hubieran logrado lo que lograron. (Drezner, 2010)

La belleza en si ya no es suficiente, la perfección sola no basta para

convertirse en arte. La experiencia estética debe elevar el alma por encima de

su medida ordinaria. El genio; según “Kant” es la capacidad espiritual innata, no

aprendida, que no pertenece a la colectividad técnica o de una escuela sino al

talento individual, busca la libertad para expresarse. Su imaginación a

reproducir con elocuencia y exactitud la naturaleza debe trascenderla. Esta

sola idea afirmó a la originalidad como valor en una obra de arte y catalizó la

reflexión sobre el desarrollo de un repertorio, de cierto moda este periodo no

rechazara las formas clásicas, pero debe reelaborarlas cada vez. (Zambrano,

2011)

Durante el periodo clásico, las obras y piezas musicales se componían

en un régimen estricto y litúrgico, pero igual que le ocurrio al barroco cuando se

encontraba en una cumbre difícil de igualar, por no decir superar, dentro de lo

clásico se llego a un climax y los grandes artistas de la época, contando

escritores, pintores y filósofos, dersde finales del siglo XVIII y todo el siglo XIX,

buscaron metas distintas a los que ya habían recorrido los otros. Por otra parte,

los ideales revolucionarios, tenían que afectar al arte y los creadores buscaron

otros medios de expresión con mayor libertad, mas espontáneos y que reflejan

de forma exacta las emociones y la personalidad del artista, no como en el

clásico que solo podían expresarse los burgueses, sino que ahora era cualquier

persona que quisiera demostrarle al mundo su arte, cosa que mencionaba

mucho Robert Shcumann. (Drezner, 2010, p. 115)

3

DÍAZ

Lo emocional empezó a crecer y a tener primacía sobre lo racional, de

esta forma el arte comenzó a ser reflejo de uno mismo, de los seres humanos,

de los individuos. Poco a poco fue imponiéndose la teoría de que la expresión

artística no debía ser reflejo del mundo exterior sino del alma de cada uno. Los

románticos decían dejaron de buscar la belleza y la estética y comenzaron

plasmar la verdad, aunque esta no fuera bella. Los artistas miraron al pasado, a

los viejos romances medievales, enfatizando aventuras de caballeros y de

heroísmo lo cual le da el nombre a romanticismo. (Drezner, 2010, p. 113)

En el momento de hablar de los grandes maestros hay que ver no hacia

atrás sino por el contrario, muy a lo porvenir. Hombres como Haendel, los

Bach, Rameau, Grety, Méhul y Cimarosa, han dado gran impulso a la música

cuya lengua esta formada y osee pureza, riqueza flexibilidad y ligereza,

habiendo llegado a toda la perfección que podía alcanzar, perfección que

anuncia ya una transformación; entra pues en un mundo nuevo.

Parece que nuestro siglo musical se coloca bajo el nombre de

Beethoven ; a el podemos referir todos los atrevimientos y todas las audacias,

mas no sin antes ver los origines de su genio.

Beethoven procede de una escuela alemana y vienesa muy amplia, uno

de sus grandes maestros fue Haydn “el príncipe del clásico” y tiene grandes

similitudes con Amadeus Mozart, pero antes de esto estudio a los Bach,

Haendel y Gluck, aunque en realidad Beethoven no abusa de las formas

escolásticas del arte, pero si el maestro reconoce el genio de Mozart y desecha

las ideas Haydenianas para lograr sus propias composiciones. En la historia de

la música, a partir del estreno de la quinta sinfonía cerca de 1808, se reconoce

la existencia del estilo romántico, ya que rompe con lo básico y lo moldea a

4

DÍAZ

algo magistral, no por nada las escuelas musicales de todo el mundo reconoció

a la quinta sinfonía, la mas bella de las composiciones orquestales, “al haberse

agotado con este maestro todas las formulas de la critica, de la hipérbole y de a

estética trascendental, no hemos de repetir estas disertaciones, que pueden

resumirse en este único pensamiento Beethoven ha sido el mas grande de

todos los músicos” (Frederic Chopin)

Al hablar de genios alemanes no podemos omitir a Mendelssohn, uno de

los primeros artistas absolutos. Es muy común el estereotipo del gran artista de

genio que a pesar de este a duras penas puede ganar el pan de cada día y

pasa por toda clase de problemas económicos, en el caso de nuestro

compositor no, el nació en una familia rica, hijo de un banquero que financio las

batallas de Napoleón y nieto de un importante filosofo.

A diferencia de muchos compositores como Beethoven, el mostró

inclinaciones hacia otras disciplinas como la pintura, aunque su genialidad lo

llevó a componer su primer octeto a los 17 años, pieza que muchos críticos

compararon con las primeras composiciones de Mozart llegando a la

conclusión de que Mendelssohn era mejor. Mendelssohn es uno de los

compositores que adopto la posición de retomar obras del barroco y de el

medievo para sus obras; existe una leyenda que habla de que Mendelssohn

estaba en un mercado comprando pescado y que el comerciante, al entregarle

el producto lo envolvió en una de las fugas mas dificilies de Sebastian Bach y

fue aquí cuando se empezó a conocer sobre la obra de Bach que había sido

olvidada durante mas de un siglo. (Lavoix, 2008)

Nuestra admiración hacia la escuela poética de los alemanes, no debe

de centrarse, no debemos olvidar a la refinada escuela italiana que es

5

DÍAZ

representada por el gran Rossini. Este compositor es uno de los más

aclamados y grandes músicos de principios del siglo XIX, al ser hijo de dos

músicos, desde que nació y sin estudios previos tuvo el instinto de la escena;

fue bien recibido desde sus primeros trabajos, prometía genialidad y compuso

sus primeras óperas bajo la tutela del maestro Mattei en 1810. (Drezner, 2010)

Fue Rossini quien glorifico el termino bufo tomando la resolución en la

que el cantante no improvisara a su gusto sobre su música, innovación que

muchos compositores como Cimarosa habían intentado sin tener éxito.

Dentro de grandes mentes como los italianos y los alemanes, existieron

compositores que glorificaron el termino romántico, en mi opinión no existen

mayores expositores del romanticismo como la escuela de mediados del siglo

XIX, estos artistas son Chopin, Liszt, y Wagner, músicos que no solo

compartieron sus habilidades sino que también compartieron vidas intimas.

(Zambrano, 2011, pp. 136-141)

La música de estos personajes refleja la pureza, el virtuosismo, la

complejidad, la pasión del romanticismo. Chopin fue uno de los primeros en

aprovechar los avances del piano para crear música con una capacidad

expresiva superior, ya que en esa época el piano era un instrumento de

virtuosos. Las obras de Chopin, por sus conceptos revolucionarios, tuvo una

influencia excepcional en la música romántica, me atrevo a decir que fue

Frederick el mayor expositor del romanticismo, además compuso en estilos

únicos como los Scherzi, Mazurcas, Polonesas, y Nocturnos. (Zambrano, 2011,

p. 145)

6

DÍAZ

Liszt por otro lado era llamado mercachifle de la música por Schumann y

un filisteo, pero en verdad fue uno de los adalides de la llamada escuela de

Weimar, que buscaba nuevos estilos en la música, en especial con libertinaje

en la estructura, rompiendo lo clásico, “nuevos vinos necesitan nuevas botellas”

era el lema de ellos y con esa búsqueda la expresión del modernismo en el

siglo XX. (Zambrano, 2011, p. 145)

En conclusión el periodo Romántico en lo que se conoce como música

académica y docta es el mas importante, y el que cuenta con mayor repertorio,

teniendo en cuenta la cantidad de virtuosos con la que se forjo este estilo y las

escuelas y periodos que están tras de ellas.

El Romanticismo es una época de virtuosos, no solo en la música sino

en el arte, la ciencia, la humanidad en general se abrió bajo ideales

revolucionarios y de libertad, hubo grandes mentes que llevaron a la cúspide

este hermoso periodo; gente como Hayez, Daguarre y Fox Talbot, Flaubert,

Hegel, Camille, Babbage, Lautrec, Nietzche, Darwin, Krapotkin… iluminaron

este siglo con principios de ideales que más tarde llevaron desenvolvieron en el

modernismo, esta transición me parece de lo mas relevante para elaborar un

video blog sobre los grandes músicos del romanticismo.

Me gustaría mencionar que este blog cuenta con la mayor parte de los

músicos de este periodo, y no solo sus biografías sino algunas de sus obras

más importantes con una critica personal y los datos de la misma así como

imágenes del compositor.

Lavoix, H. (2008). Historia de la música. Madrid, España: La España Editorial 1909.

7

DÍAZ

Zambrano, R. (2011). Historia mínima. La música en occidente. México, Distrito Federal , México: El Colegio de México .Drezner, M. (2010). Civilización y cultura a través de la música. Del barroco al clasicismo. (Vol. Del barroco al clasicismo). (S. DISONEX, Ed.) Colombia, Colombia: Fonolibros de Colombia, S.A.Honolka, H., Reinhard, H., Establein, B., Engel, H., & Netil, P. (1980). Historia de la música. Zurich, Alemania: Edaf, S.A. .

.Para subrayar las influencias que recibió el más depurado estilo clásico, las

siguientes páginas se centran en dos de los compositores más eminentes de la

época: Franz Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart, de quienes, a partir

de ciertos comparativos, trataremos de determinar, además de su lograda

evolución, las aportaciones que desplegaron con maestría y luminosidad en la

estilística del clasicismo, así como un criterio particular para decidir quién de

los dos músicos fue el mejor expositor del estilo clásico.

8

DÍAZ

Nos encontramos en la segunda mitad del siglo XVII, cuando en Francia

e Inglaterra se encendieron las primeras luces de una transformación que no se

detuvo en el mundo, sino hasta el siglo XIX, en algunos países europeos.

Grandes mentes disiparon la oscuridad de la Europa en crisis por el desmedido

poder de las monarquías, la ignorancia, las epidemias, el hambre y la muerte.

La mente del pueblo estaba en tinieblas. La Ilustración reunió ideales como el

raciocinio, el humanismo y la espiritualidad en una sincronía que reverenció, en

gran modo, a la vida, las ciencias, la creatividad humana y su renovada

exploración de las artes.

La transformación de la música estaba por ofrecerle al mundo lo más

docto de la elegancia y la simplicidad, no sin antes pasar por la criba del rococó

en Francia, donde el desapego social y religioso impregnó al viejo virtuosismo y

a la complejidad —tan apreciados durante el barroco—, que comenzaron a

quedarse en el pasado. Las obras se vieron dotadas de fluidez y transparencia,

una forma innovadora que, para entonces, tuvo que deshacerse de la

voluptuosidad del período que incluyó construcciones musicales como la ópera,

la sonata y el concierto. El público notó los grandes cambios en la música y

experimentó placer y deleite al escucharla. El pueblo en general tuvo acceso a

los conciertos de la época con mayor facilidad, lo que provocó una gran

demanda musical, especialmente de la ópera, que creció en su estructura

conforme a sus líneas melódicas, y sus textos fueron novedosos y accesibles.

(Drezner, 2010)

Por otra parte, se inició la traducción de obras a lenguas vernáculas y se

escribieron guiones cómicos y satíricos, dirigidos al pueblo en general, como la

famosa ópera cómica, creada en Paris. A pesar de los cambios y

9

DÍAZ

transformaciones, no hubo del todo una ruptura. El barroco ofreció a la tradición

clásica una continuidad importantísima en su técnica. (Drezner, 2010, pp.

49,55)

La muerte de Bach, en 1750, coincidió con la publicación de la

Encyclopédie (1751), de Denis Diderot y Jean Le Rond DÁlembert, dando por

terminada una forma de concebir la estilística musical. Seis años después de la

muerte de Bach nació el primero de varios niños prodigio: Wolfgang Amadeus

Mozart. Sin embargo, casi 20 años antes de que falleciera Bach, en 1732, el

nacimiento de Franz Joseph Haydn anunció la llegada del músico que

moldearía, casi a la perfección, el estilo clásico. Haydn, influenciado por la obra

de Karl Philip Emmanuel Bach, después de componer su primera sinfonía para

la orquesta del conde Morzin, fue contratado por el príncipe Paul Antonio

Esterhazy. Vestido como un modesto sirviente de la corte, Hydn fue el ejemplo

de los músicos subordinados.

Fue en 1762, tras la muerte del príncipe Paul Antonio Esterhazy, que

comenzó el punto de partida de uno los músicos cumbres del clasicismo.

Haydn, reconocido como el padre de la sinfonía, sin ser el inventor de la

misma, compuso más de 100 obras de este tipo y realizó la estructura clásica

del movimiento rápido en la forma de sonata, en la que presentaba, desarrolló y

recapituló principalmente dos temas, seguidos de un movimiento lento con

variaciones, un tercer movimiento en forma de danza o minueto y un final

alegre, en forma de rondo.

Mientras tanto, Wolfgang Amadeus Mozart quedaba impresionado con la

orquesta de la corte de Mannheim. Fue a partir de estas técnicas, que Europa

escuchó las sinfonías concertantes de Mozart, herederas del Concerto Grosso.

10

DÍAZ

Las sinfonías de Haydn cuentan con sus propias aportaciones en la

construcción y el estilo, como ocurre en la obra “Los adioses”, alcanzando una

insinuación casi humorística. Otro ejemplo es la sinfonía de “La Caza”, donde

utilizó como movimiento final la obertura de “La fidelidad premiada”, ópera en la

que hizo sonar varios cuernos de caza. (Zambrano, 2011)

Mientras Haydn, a los 57 años de edad, en 1789, terminaba una de sus

obras más completas, la Sinfonía Nº 92, también conocida como “Oxford”,

Wolfgang Amadeus Mozart tenía 33 años y aún luchaba por liberarse de la

tiranía del arzobispo Colloredo y del yugo de su padre Leopoldo. Fue en 1781

cuando Viena marcó el futuro del músico austriaco. Su bagaje artístico era ya

impresionante. Había compuesto, como sabemos, sus primeras obras en su

niñez; entre ellas, óperas, conciertos para piano y serenatas. Franz Joseph

Haydn, en su discurso instrumental, dejó atrás la música demasiado elegante,

equilibrada y cauta; es decir, ausente de pasión: características generales del

clásico. Su estilo lo convirtió no sólo en mera influencia, sino en escuela para

otros músicos. En la evolución de sus propios principios musicales, Haydn

experimentó a lo largo de su vida “La pasión según San Mateo”, de J.S Bach,

obra que fue publicada cuando era niño y “La quinta sinfonía”, de Beethoven,

que se estrenó poco antes de su muerte. El estilo y la construcción de sus

obras, únicos e irremplazables, consolidan la época. (Drezner, 2010, p. 113)

Hallar las semejanzas en la estructura, así como las variaciones y el

contraste entre las obras de Wolfgang Amadeus Mozart y Franz Joseph Haydn

nos conduce por las sendas que ambos recorrieron. Sin formar parte de la élite

de niños prodigio y ligado a un sinnúmero de vivencias mundanas, que

pudieron hundirlo en el infortunio musical, la postura estilística de Haydn

11

DÍAZ

parece haberla encontrado en un discreto lugar. Sus habilidades lo distancian,

en apariencia, de su origen, pero es de aquella sencilla casa de donde surge el

músico sutil y elegante. El trazo melódico de Haydn posee gracia e imaginación

para integrar el contrapunto a su nueva estructura y, con ello, conseguir obras

fugadas, que tanto le agradaron a su audiencia. El arte de la Fuga había sido

poco aclamado en el barroco, debido a la pastosidad de notas en el bajo y a su

elevado grado de complejidad, sólo el público más avezado podía disfrutarlo.

Quizá la Fuga sea la forma que más capacidad exige al oyente. Sensibilidad e

inteligencia. Poesía y música que se alimentan: comprensión que genera gozo;

deleite que devela entendimiento. (Zambrano, 2011, pp. 102-103)

A finales del siglo XVII, los músicos se esforzaban por separar la

melodía de aquella saturación de notas que parecía ahogarla. El máximo

contrapunto tonal quedó atrás. La invasión del silencio que distinguió al barroco

no podía desaparecer, exigía transformarse. Fue uno de los maestros de

Beethoven, el músico que logró la nueva construcción formal, la develación en

sus obras de la maestría tonal. Se trataba de Franz Joseph Haydn, el

compositor de óperas magníficas, pero que no alcanzaron la aclamación ni el

virtuosismo de las obras maestras de Mozart. Fue evidente que el genio

Mozartiano, en una lucha entre el solista y la orquesta, dejó huella de su

profunda expresión musical. El ingenio, la elegancia, la intuición, la fecundidad

melódica, el poder de la escena, la maestría con la que Haydn transformó la

ópera seria en conciertos volvió a quedar al margen de la ópera buffa, “Don

Giovanni”, que condujo a Mozart a la consagración. (Drezner, 2010, p. 115)

Por otra parte, el desarrollo del periodo clásico fue, entre otros aspectos,

el reflejo de un sector de la sociedad que deseaba alcanzar el poder. Quería

12

DÍAZ

igualdad. La industria editorial y la propia Revolución criticaron con dureza a los

ricos que pagaban y exigían derechos del repertorio de los compositores. Este

fue el momento en el que, en conclusión, los músicos alcanzaron cierta

libertad. No obstante, haber dejado de ser artesanos de la clase burguesa fue

en algunos casos la pérdida de privilegios que jamás volvieron a ver. Haydn

compuso la mayor parte de su producción musical cuando ocupó, por más de

30 años, el cargo de Director de orquesta, en el principado de Esterhazy. La

extensión de tierras, propiedad de la familia, abarcaba desde lo que hoy es la

provincia austriaca del Burgenland hasta la actual Hungría, sitio donde el

príncipe poseía un castillo que competía con el esplendor del Versalles.

(Lavoix, 2008)

La riqueza del príncipe Esterhazy, independientemente del salario, en

nada beneficiaba a Haydn. Su contrato laboral lo obligaba a componer de

forma exclusiva para el príncipe, a no enseñarle su música a nadie más, a tocar

en la mañana y en la tarde. El origen de la obra era voluntad de Esterhazy.

Haydn estaba obligado a ligar el nombre del príncipe y el de su estado a toda

su producción, mientras viviera bajo su gestión y patrocinio. Indiferente al

dinero, lo que Haydn deseaba era un espacio para la creación y verse rodeado

de iguales, músicos a quienes guiaba como miembros de su orquesta.

(Zambrano, 2011, p. 121)

Amadeus Mozart, el niño prodigio, tuvo una suerte muy distinta. Viajó

desde los seis años, al lado de su hermana y de su padre, por todas las cortes

de Europa, hasta enfermarse de debilidad. De los trece a los 25 años de edad,

Amadeus trabajó para el arzobispo de Salzburgo. Diez años más tarde, el 5 de

diciembre, poco después del estreno de “La flauta mágica”, falleció. Mozart se

13

DÍAZ

encontraba com (Zambrano, 2011, p. 145) poniendo su propio “Réquiem”,

dejándolo inconcluso.

Las experiencias de vida que enfrentó cada uno de estos dos músicos

podrían parecer distintas, pero fueron similares a partir de la época que

consumió a Europa y la arrojó a la Revolución Industrial. Joseph Haydn,

siempre presionado por ser original, rodeado de sus sirvientes y amigos, a

quienes les pidió calma al escuchar los primeros cañonazos que el ejército

napoleónico descargaba sobre Viena, murió a los 77 años de edad, convertido

en uno de los compositores más célebres de Europa. En contraste, a la hora de

la muerte, Mozart se encontraba en la pobreza y casi en el olvido. (Zambrano,

2011, pp. 136-141)

Durante varios siglos la mencionada genialidad de Mozart fue muy poco

cuestionada. El clamor y la alabanza resultaron ser unánimes, y convirtieron al

músico en un objeto cultural, ajeno a estudios minuciosos y objetivos. Contrario

a esta masiva glorificación, Haydn progresivamente cayó en el olvido. El

compositor abanderado de la culminación de la sinfonía y el cuarteto fue

desvalorado a partir del romanticismo, hasta convertirse en un músico

reconocido por la minoría. (Zambrano, 2011, p. 137)

La relación personal que hubo entre Haydn y Mozart, nos permite

deducir que, más allá de cualquier mito, mantuvieron una amistad que inició

con la admiración, que ambos sintieron por la obra del otro. Mozart, en 1785,

compuso seis cuartetos de cuerda, en la ciudad de Viena, y los nombró

cuartetos Haydn, además de habérselos dedicado públicamente. Este es, sin

duda, uno de los momentos más interesantes en la historia de la música.

La dedicatoria que Mozart le escribe a Hayd decía lo siguiente:

14

DÍAZ

“Mi querido amigo Haydn,

Un padre que había decidido mandar a sus hijos al ancho mundo

consideró que era su deber confiarlos a la protección y orientación de un

hombre muy célebre, especialmente cuando el último en buena fortuna

era al mismo tiempo su mejor amigo. He aquí por tanto, oh gran hombre

y querido amigo, estos seis hijos míos. Son, en verdad, el fruto de un

largo y laborioso trabajo, aunque la esperanza de que sería en parte

recompensado, que varios amigos me inspiraron, me animó, y me

enorgullezco de que estos vástagos sirvan para proporcionarme

consuelo algún día. Tú, tú mismo, querido amigo, háblame de tu

satisfacción por ellos durante tu última visita a esta capital. Es esta

indulgencia hacia todos ellos la que me lleva a encomendártelos y me

alienta a confiar en que no te resultarán completamente indignos de tu

favor. Puede que por el contrario tengas a bien recibirlos amablemente y

¡ser su Padre, Guía y Amigo! Desde este momento te transfiero todos

mis derechos sobre ellos, rogándote que contemples indulgentemente

los defectos que la parcialidad del ojo de un Padre me impide ver, y a

pesar de ellos continúes en tu generosa Amistad hacia quien tan

gratamente los valora, con todo mi Corazón, mi querido Amigo, tu más

Sincero Amigo”,

W.A. Mozart (Honolka, Reinhard, Establein, Engel, & Netil, 1980)

Después de que Haydn escuchó detenidamente la obra que le dedica Mozart,

le dice al padre de éste:

15

DÍAZ

“Ante Dios, y como un hombre honesto, te digo que tu hijo es el

compositor más grande que he conocido, ya sea de nombre o

personalmente. Tiene gusto, y, lo que es más, el más profundo

conocimiento de la composición”. (Honolka, Reinhard, Establein, Engel,

& Netil, 1980, p. 202)

A lo largo de estas páginas hemos visto, a grandes rasgos, los hallazgos

que en términos musicales ambos músicos aportaron a la evolución del

clasicismo. Vimos que Haydn descubre un estilo que será magistralmente

logrado por Mozart.

En el Siglo de la Luces, el virtuosismo se conseguía con disciplina y la

genialidad podían comprarla las grandes cortes. La aportación que, sin duda,

en ambos músicos no tendría que pasar al olvido es el reconocimiento y la

valoración de las obras que hicieron tanto Haydn como Mozart,

respectivamente. Esta es, en conclusión, la herencia que le entregan al arte, al

humanismo y, particularmente, a la música. Al valorar la obra de otro

compositor, permanece de forma intrínseca, un minucioso análisis de los

hallazgos y estilismo musicales de la misma. Por lo tanto, el primer análisis

serio que recibió la obra de Mozart fue realizado por Haydn, y viceversa. Dos

músicos mayores que se ocuparon, no de halagarse por formar parte de alguna

logia, ni de cultivar una gran amistad, sino de encontrarse a partir del

reconocimiento del virtuosismo, la destreza, la creatividad y la ejecución de sus

obras. Este hecho, al extraerlo de la leyenda que envuelve a ambos

compositores, descubrimos el más notable, minucioso y justo análisis realizado

a las obras musicales de Wolfgang Amadeus Mozart y de Franz Joseph Haydn.

16

DÍAZ

BibliografíaLavoix, H. (2008). Historia de la música. Madrid, España: La España Editorial 1909.Drezner, M. (2010). Civilización y cultura a través de la música. Del barroco al clasicismo. (Vol. Del barroco al clasicismo). (S. DISONEX, Ed.) Colombia, Colombia: Fonolibros de Colombia, S.A.Honolka, H., Reinhard, H., Establein, B., Engel, H., & Netil, P. (1980). Historia de la música. Zurich, Alemania: Edaf, S.A. .Zambrano, R. (2011). Historia mínima. La música en occidente. México, Distrito Federal , México: El Colegio de México .

17