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U n i v e r s i d a d N a c io n a l d e C ó r d o b a
F a c u l t a d d e F i l o s o f í a y H u m a n i d a d e s
E s c u e l a d e A r t e s – D e p a r t a m e n t o d e P l á s t i c a
L i c e n c i a t u r a e n P i n t u r a
L i c e n c i a t u r a e n e s c u l t u r a
C á t e d r a A r t e A r g e n t i n o y L a t i n o a m e r i c a n o
P r o f e s o r a M a g í s t e r M O YA N O , M a r í a D o lo r e s
SAN JORGE, Marisol
BLANAS, Elsa
DALMASSO, Nicolas
ZOLLA, Carolina
CORDOBA, 2010
1
Índice
Introducción ……………………………………. pág. 2
Desarrollo ……………………………………. pág. 3
Conclusiones ……………………………………. pág. 6
Bibliografía ……………………………………. pág. 7
Apéndice
Currículum del Artista…………………… pág. 9
Transcripción entrevista personal………… pág. 11
Imágenes obras……………………………. pág. 15
2
Introducción
El presente trabajo de investigación ha sido elaborado a pedido de la Cátedra Arte Argentino
y Latinoamericano de la Licenciaturas en pintura y en escultura.
El objetivo es analizar la obra de la artista plástica Marisol San Jorge en el contexto del arte
contemporáneo; deteniéndose en su última y más reciente producción llamada “Mudar”, la cual es
objeto de análisis de la presente monografía.
Observar cómo dialoga con el arte de género en relación con el concepto de arte abyecto en
las que se enmarca, detectar posibles contactos con artistas del medio como influencias y referentes.
3
Desarrollo
Marisol San Jorge, artista plástica cordobesa que se desarrolla en diferentes campos
del arte, en pintura, escultura y diseño gráfico. Nace en Córdoba en 1972, luego se traslada a
Venezuela donde vivió parte de su infancia y adolescencia, hecho que le va a dejar impronta en la
realización de su obra.
Al regresar a Córdoba, ingresa en la escuela provincial Lino Enea Spilimbergo de la
cual se egresa como dibujante publicitaria. Años más tarde ingresa en el terreno del arte cuando
decide estudiar pintura en la escuela Provincial Dr. José Figueroa Alcorta. Durante ese mismo
período obtiene una beca de la Fundación Antorchas. También realiza clínicas de perfeccionamiento
con Jorge Macchi, Sergio Bazán, Valeria González, Rafael Cipollini y Carina Cagnolo, las cuales le
han sido muy enriquecedoras, tanto para su obra como para su desarrollo como artista. A partir del
año 2002 ha realizado numerosas exposiciones, tanto locales como nacionales y en el extranjero.
Sus más recientes y significativas obras, la serie “Mudar”, la cual es el eje central de
este trabajo monográfico, está comprendida por varios trabajos bidimensionales y otros
tridimensionales los cuales dialogan conjuntamente. Dentro de los primeros encontramos imágenes
en papel, comprendida por una síntesis entre pintura y dibujo, en los cuales emplea técnicas mixtas,
esmalte sintético en aerosol, tinta, rotuladores y lápices.
Por otra parte las obras escultóricas comprenden una serie de trabajos realizados en
diferentes formatos y materiales, como ser madera, metal, espejos, con algunos ensambles de
objetos industriales, como cables, goma, cuero, botella, etc.
La obra de Marisol la podríamos inscribir dentro del arte de género, crea una
peculiar visión del mundo femenino, una mirada autorreferencial, sobre la mujer, su naturaleza, sus
mutaciones, dolores y emociones.
La presencia del cuerpo en el arte de género se da porque se ha utilizado como un
campo de batalla, como decía Bárbara Kruguer en una de sus obras gráficas “Tu cuerpo es un de
batalla”1. El cuerpo se ha convertido en metáfora social que condensa las categorías de género,
sexo y sexualidad. La serie “Mudar” se la puede pensar como una búsqueda de libertad femenina,
cuerpos fragmentados que muestran a una mujer en continuo movimiento como si deseara escapar,
lograr una transformación de una manera drástica. Los cuerpos desnudos de las mujeres, siempre
1 Kruger Bárbara, Sin titulo (your body is a battleground), fotografías sobre vinilo, 284x284 cm, The Broad Art
Fundation, Santa Mónica. 1989
4
bellos y perfectos, han servido para representar ideas abstractas como la Belleza, el Amor o la
Verdad, desde una visión androcéntrica, con las que el arte de género pretende romper.
Desde una perspectiva particular sus obras muestran, una fuerte carga de emoción,
quizás un tanto silenciada, donde la expresión que emana de lo representado se contrapone con el
tratamiento gráfico de las imágenes, en estrecha relación con lo que Hal Foster observa como
característica en el arte contemporáneo, la “voluntad de situar al espectador ante algo vil y
terrorífico, ante lo abyecto, ante una tensión entre la escena y lo obsceno, entre lo vital y la forma,
entre lo real y lo simbólico”2.
En un sentido general, el concepto de arte abyecto, abarca obras que usan fluidos
corporales o aluden a ellos, Kristeva apunta que “lo abyecto perturba la identidad, el sistema, el
orden. Aquello que no respeta las fronteras, las posiciones, los roles.”3 Acabados los discursos que
legitimen la verdad, belleza, y bondad, propio del pensamiento posmoderno, diferentes lenguajes,
desafían al público mediante lo feo y lo horrendo. Estas características y estrategias están
presentes en artistas tales como: Francis Bacon, Kiki Smith, Cindy Sherman; a nivel nacional en
Cristina Piffer, Monica Van Aspere; y a nivel local en Celeste Martínez quien en sus obras pretende
seducir al espectador para que se aproxime a través de sus imágenes y objetos de aparente belleza,
pero con una mirada más detenida pueda revelar una realidad terrible contenida, como el descubrir
imágenes de lunares malignos estampados en un adorable vestido de niña.
En “Mudar” cuerpos fragmentados, vísceras desgarradas se diseminan por el plano,
literalmente expone a estos órganos donde la presencia del personaje se vuelve una ambigüedad, ya
que por momentos da la sensación de una mujer en continuo movimiento, como en una danza sin
sentido, que parece por momentos no percatarse de lo que sucede a la vez que se desarma
provocando una escena traumática. Su obra propone una mirada un tanto perturbadora hacia una
mujer en continuo cambio, un cambio visceral, quizás un cambio que transmite un mensaje de dolor
donde los elementos simples son conjugados con delicadeza y perspicacia. La paleta de colores y
tratamiento de las formas, un tanto naif y colorido, no se corresponde con la imagen que presenta,
generan una tensión, una imagen ambigua, algo así como una imagen agradablemente horrenda.
El dolor es un tema recurrente para aquellos artistas que han expuesto su cuerpo
como soporte o elemento artístico. Todos ellos intentan mostrar lo que el ojo no puede ver, algo
que va mas allá de la contemplación de la representación; esto pone en evidencia la herida del
cuerpo de la mujer. Al representar los cuerpos femeninos mediante los signos de lo abyecto
sabotea la gratificación del placer visual masculino y obliga al espectador a prestar atención a los
2 FOSTER, Hal: El retorno de lo real. La vanguardia a finales de siglo, Akal, Madrid, 2001, pag. 156
3 Kristeva, J. El poder del horror, un ensayo sobre la abyección, Editorial Anagrama, Barcelona,1990, Pag. 12
5
tabúes sociales que rodean el cuerpo de la mujer y sus funciones biológicas.
El tratamiento de los objetos de la serie “Mudar” difieren de las pinturas en cuanto al
tratamiento del cromatismo, resultando obras más austeras y sobrias, pero sin perder fuerza
expresiva. Las piezas escultóricas son tratados como objetos de uso, desde su tratamiento
constructivo hasta su constitución de obra, esto lo demuestra los nombres atribuidos a los mismos,
“valija”, “tendedero”, espejos, etc.
Las piezas que comprenden la serie “Espejos”4 está compuesta por pequeñas piezas
de espejos, comúnmente utilizados por la mujer para embellecerse, pero articulados con diferentes
objetos cotidianos, se encuentran extrañados, hay una alegoría, emulan instrumentos cuasi
ortopédicos, invitan al público a ser manipulados y de esa manera a entrar en relación con el objeto,
“el arte objetual intenta que el sujeto no sólo sea espectador, sea parte de la obra, partícipe, se aleje
de los convencionalismos, para ello utiliza todo aquello que la vida, la naturaleza nos ofrece”5.
Las obras interactúan con el espectador, de una manera psicológica más que física,
incitan a experimentar la propia fragmentación del cuerpo, posicionando al observador en el lugar
de aquella mujer frágil de las pinturas, para generar un cambio en la mirada sobre uno mismo y
reflexionar sobre ello.
En la imponente obra “Valija”6, el espejo recorta la realidad en forma de pollera,
posiciona al espectador en la situación de la mujer, en el ámbito de lo femenino. Expresa el dolor
de llevar a cargo esa valija, manifestado por las grandes púas en su perímetro, por las dimensiones y
por el peso que implicaría llevarla consigo. Se la puede leer como una carga difícil de llevar, y lo
difícil de cambiar de rumbo, del que habla Marisol, en un mundo androcéntrico.
Los materiales sugieren un mundo de sensaciones táctiles relacionadas con
experiencias corporales. El “perchero”7 se presenta como una metáfora del cuerpo, que emana calor
desde sus entrañas, pero lejos de ser un calor reconfortante, es un calor que quema interiormente,
que quema el aire que respira.
En la obra “Tendedero”8 la presencia de trenzas de alambre confunden al espectador,
respecto de si son trenzas de mujer o sus propias entrañas, colgadas en un tendal como un trofeo de
dolor. Como una forma de expresar, de sacar de adentro el dolor, de exponer sus propias entrañas en
exposición.
4"Espejo 1", “Espejo 2”, “Espejo 3”. apéndice imágenes, pág. 22
5 Marchán, Fiz, Del arte objetual al arte de concepto. Epílogo sobre la sensibilidad “postmoderna”, Ed.Akal,
Madrid, 1990. P. 174 6 "Valija", apéndice imágenes, pág. 21 7"Perchero" apéndice imágenes, pág. 22 8 "Tendedero" apéndice imágenes, pág. 21
6
Conclusión
Marisol San Jorge ha propiciado un arte particular que se enmarca perfectamente en la
contemporaneidad, por ser multidisciplinario, desde la técnica y el lenguaje, y por el tema que trata:
la situación de la mujer en los tiempos que corren, ya no es una lucha política, sino social: qué lugar
ocupa, cómo es vista y cómo le cuesta a cada mujer acarrear con los mandatos impuestos por la
sociedad y los supuestos condicionamientos del género.
Su obra dialoga entre el arte de género y el realismo traumático, donde las obras se basan en
lo abyecto, repulsivo y horrible, características propias de la posmodernidad, la de no querer
agradar, o el ser repulsivamente agradable.
7
Bibliografía
FOSTER, Hal, El retorno de lo real. La vanguardia a finales de siglo, Akal, Madrid, 2001
GUTIÉRREZ, María Laura, Crítica de la Estética Androcéntrica. Arte y Feminismo en la
cultura contemporánea, Tesis de Licenciatura en comunicación social, Facultad de Ciencias de la
Educación, Universidad Nacional de Entre Ríos, 2008
HUYSSEN, Andreas, Después de la gran división. Modernismo, cultura de ma-sas,
posmodernismo, Adriana Hidalgo editora, Buenos Aires, 2002
Kristeva, J. El poder del horror, un ensayo sobre la abyección, Editorial Anagrama, Barcelona,
1990
MARCHÁN FIZ, Simón, Del Arte Objetual al Arte del Concepto; Epilogo sobre la sensibilidad
„postmoderna‟, Ediciones Akal, Madrid, 1990
8
Apéndice
9
Currículo vitae
Marisol San Jorge Nace en Córdoba en 1972, Argentina.
Contacto:
http://marisolsanjorge.blogspot.com/
www.marisolsanjorge.com/
Formación
-Egresada de la Escuela de Artes Aplicadas Lino E. Spilimbergo como Dibujante Publicitaria
-Escuela Provincial de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta, en Córdoba capital. (incompleto)
-Ex Becaria de Fundación Antorchas, realizó estudios de perfeccionamiento y clínicas de obra con
Sergio Bazán, Carina Cagnolo, Jorge Macchi, Valeria González, Rafael Cipollini durante el período
2002/2004.
Actualmente vive y trabaja en Córdoba.
Exposiciones colectivas
2009- Artistas en Residencia, residencia Aleph Arte Contemporáneo, Buenos Aires.
2009- Parques Extremos, residencia Cdad. de las Artes y expo en Centro de Arte
Contemporáneo Chateau Carreras, Córdoba.
2009- Ciclo Saturnalia, Lo bello es bueno?, Centro Cultural España-Córdoba, Córdoba.
2009- Chateau Loading, Centro de Arte Contemporáneo Chateau Carreras, Córdoba.
2008 -Artistas argentinos, Galería Market UpMarket, Montevideo, Uruguay.
2008- Feria PM:08, Puerto Madryn.
2008- Real Visuales, Teatro Real, Córdoba.
2008- ArteBA, Barrio Jóven, stand Loba producciones, Buenos Aires.
2007- Homenaje a Gabriel Sequeira, Cidade. Posadas. Misiones.
2006- "Periférica- arte de base", espacio Loba, Centro Cultural Borges, Buenos Aires.
2006- Intervención en la Casa de Pepino, Espacio de Arte Contemporáneo, Fundación Osde,
Córdoba.
2006- "Las Cordobesas", Galería Zurbarán, Córdoba.
2006- "Arte y Publicidad", instalación, Centro Cultural Borges, Buenos Aires.
2006- "Feria del Zaguán", Casa 13, Córdoba.
2006- Intervenciones específicas, Universidad Empresarial Siglo 21, Córdoba.
2005- "Pequeños Reinos", artistas contemporáneos de Córdoba, Cdad. de las Artes,
Córdoba.
2005- "Periférica- arte de base", espacio Loba, Centro Cultural Borges, Buenos Aires.
2004- IV Bienal de Gráfica ArteBA, Buenos Aires.
2004- "Landscapes - Tickets", Florean Museum, Romania.
2004- "Dame Fuego", muestra colectiva al término de la Beca de Fundación Antorchas,
10
Núcleo Cultural, UNC, Córdoba.
2004- "MO Miradas Oblicuas", muestra colectiva al término del Seminario MO con Carina
Cagnolo, Córdoba.
2003- "Panorama I", Centro de Arte Contemporáneo Chateau Carreras, Córdoba.
2003- "European Cities", National Museum of Art Cluj-Napoca, Romania.
2002- "I Bienal de Arte Emergente", Centro Cultural España Córdoba. Córdoba.
2002- "BienalArte 2002", Centro Cultural Casona Municipal, Córdoba.
Exposiciones Individuales
2010- "Mudar", Museo Caraffa, Córdoba.
2008- Dibujos, Ananda Marga Córdoba.
2007- Intervenciones específicas, Universidad E. Siglo 21. Córdoba.
2006- "Agua", intervención espacial, Universidad E. Siglo 21, Córdoba.
2005- "Sospechas", objetos instalados, Centro de Preservación Arqueológica, Pomán,
Catamarca.
2003- "La Tarea de Ver", intervención, Escuela de Artes Figueroa Alcorta, Córdoba.
2003- "La Tarea de Ver", intervención, Centro Cultural Casona Municipal, Córdoba.
2002- "Probarme..." instalación, Casa 13, Córdoba.
Salones premios
2009- 31º Salón de Dibujo y Grabado Ciudad de Córdoba, Córdoba.
2007- Salón de Objetos "Ciudad de Córdoba", Cabildo Histórico, Córdoba.
2005- Salón de Pintura "Ciudad de Córdoba", Cabildo Histórico, Córdoba.
2005- III Salón de Escultura Sociedad Freudiana de Córdoba, Cabildo Histórico, Córdoba.
2004- Salón Nacional de Artes Visuales 2004, Palais de Glace, Buenos Aires.
11
Entrevista
¿Cómo fue tu acercamiento a las artes plásticas?
-Empecé estudiando Dibujo Publicitario en la Escuela de artes aplicadas Spilimbergo, hice
cuatro años. Y años después empecé un taller en la Figueroa Alcorta, porque tenía ganas de dibujar
nada más, y al final me terminé enganchando en la carrera.
De chica siempre estuve dibujando, nunca tuve la suerte que me mandaran a ningún lado a
aprender, pero es algo que siempre hice todo el tiempo.
¿Qué rescata de la enseñanza institucional?
A la universidad la empecé también, hice medio año, pero la deje por cuestiones de que
siempre tuve que trabajar a la par, y habían en ese momento horarios muy complicados que no me
permitían trabajar, por eso también decidí una escuela terciaria, que podes ir a la noche, era corta.
En ese aspecto yo creo que no hubiera podido hacer nada si no existiera la escuela
provincial, es como que me facilitó, está hecha para un público que no puede acceder por cuestiones
de trabajo, económicas, entonces la escuela provincial salva eso. Yo por ahí escucho que a la
Figueroa Alcorta la quieren transformar en Universidad, y yo no quiero porque le quita posibilidad
a un grupo de gente, que si no no tienen otra forma de formarse.
He visto por comparación, ahora los planes de estudio han cambiado muchísimo, pero la
Universidad tengo entendido que podías acceder a mas teoría que acá en la Figueroa Alcorta era
todo taller. Yo inclusive tuve materias teóricas, Historia del Arte y no sé si alguna otra. Mucha gente
después le faltaba algo más, iba y hacía la carrera de nuevo en la Nacional.
Yo hice los siete años que en realidad los estiré en diez, y nunca la terminé en realidad
tampoco. Los primero cuatro años me sirvieron. Pero en realidad yo le agradezco mas a la
Spilimbergo que a la Figueroa Alcorta el tema de adquirir técnicas. Yo después como te digo, en la
Figueroa Alcorta en ese momento como que fallaba un poco en lo que es teoría, ibas a aprender,
técnicas de pintura, técnicas de acuarela, muy práctico. Ya después era cosa de uno digamos. En ese
aspecto me parece que lo hice mas sola que a través de la escuela digamos.
¿Cómo definirías tu obra?
Hay un aspecto que siempre me interesó, que es 'la materia'. Entonces nunca podría hacer
una obra conceptual por ejemplo, siempre tengo que trabajar con la materia. De hecho yo antes de
estudiar todo esto, estudié física también, es como que es algo que tuve siempre presente, y siempre
va a estar, me gusta trabajar con materiales, con madera con carbón, con sal, con muchas cosas que
ya de por si tienen una característica fuerte me parece. Y en realidad me guié mucho por lo que el
material dice, no es tanto de pensar una idea antes, y de ver cómo la bajo, si no que el mismo
material me va guiando. Siempre hay dos o tres materiales que me atraen mucho y me quedo en eso.
Los últimos trabajos los empecé a hacer con aerosoles. Todo lo que es experimentación con la
materia está presente.
¿Cuáles son los disparadores?
Es como una mezcla de varias cosas, por un lado experiencias personales, también leo
bastante sobre temas que me interesan, leo eso también por una necesidad personal de ese
momento; de la calle también rescato cosas. Lo femenino, la muerte, son temas muy presentes. Lo
aparente, lo oculto. Por otro lado siempre me interesó específicamente la materia, y el cuerpo.
¿Qué es lo que hace esa representación? Que te lleva a materializarlo o verlo de esa manera?
En la muestra “Mudar”, partí del tema de la ductilidad de la mujer con el cuerpo, cómo se
metamorfosea desde el mismo hecho de tener un hijo, que en cambio el hombre es impensado para
él. De ahí tratar de llevarlo también a otros planos.
El título “Mudar”, tiene que ver con el reinventarse, pensando la reinvención del cuerpo
12
desde los propios órganos literalmente, poner el intestino acá, revolverle, darle otra configuración,
también por eso el cuerpo de la cintura para abajo, que es lo que te da el movimiento y el traslado,
de poder cambiar de direcciones, y de poder cambiar de dirección dentro de tu propio cuerpo.
En algunos dibujos hay órganos que están repetidos, no sabes si es un cuerpo que esta
conteniendo muchos órganos o es un cuerpo que ha sido usurpado por otros cuerpos también. En
los objetos intento llevarlo a otros planos, mas psicológicos, mas mentales, que la gente se pudiera
relacionar con fragmentos de su cuerpo, donde se pueden ver solo los ojos, y no con la totalidad de
su cuerpo.
También había estado leyendo Castaneda, donde habla que en el curso de su vida uno
desarrolla una dirección, y que esa dirección con el tiempo se va desgastando, y nos vamos
haciendo débiles, y según él marca una forma de cambiar esa dirección. Y un poco también tiene
que ver con eso, de buscar una salida más potente para uno.
Otro filósofo que he estado leyendo es Otto Weininger, que tiene una tesis sobre 'sexo y
carácter' que habla mucho sobre el hombre y la mujer, esa diferenciación, y dice que las mujeres no
tienen una voluntad propia, que todo lo hacen para el hombre. Inclusive él hace un análisis sobre
los movimientos feministas en distintos tiempos y lo presenta como si tuviera un ritmo. No es que
la mujer tuviera realmente la voluntad de cambiar algo sino que naturalmente se da eso y luego se
va a apagar y luego volver… y la obra intenta romper con eso, con esa mujer
¿Cuáles son tus influencias?
Por un lado el diseño gráfico me ha influenciado muchísimo. En un momento quería dividir
el diseño del arte, pero a su vez se juntaban mas. Al final deje de luchar y me di cuenta que esta
bueno el resultado.
También siempre me atrajeron las instalaciones, y todos los artistas que abordaron eso me
han interesado.
Hay mucha gente que vio esta muestra del Caraffa, y me dijo que tenía mucho de Lautrec y
yo me acordaba que cuando era niña, me encantaba Toulouse Lautrec. Es un artista que siempre
trabajo en su obra, pero en el diseño de carteles por ejemplo.
¿Encontrás alguna relación con algunos artistas cordobeses en tus obras?
Siempre uno tiene influencias de otros artistas. Eso pasa un poco. Uno trata de ser lo más
autentico, posible. A lo mejor artistas que tienen rasgos parecidos a uno. De algunas personas me
siendo a lo mejor en el método de trabajo, y no tanto en el resultado. Una vez una persona dijo que
veía algo de Fabián Liguori, algunas cosas en común.
¿Trabajas con otros artistas?
He realizado muestras colectivas, pero en realidad ahora me interesa más mostrar sola por el
hecho de que es difícil trabajar con otra gente, y que trabaje con la misma energía, es un poco
complicado. En la producción siempre he trabajado sola. Me gustaría trabajar con alguien como una
banda de música, aunque para ponerse de acuerdo para trabajar es más difícil. Una vez trabajé con
la gente de LOBA, con ellos producimos varias cosas, fuimos a ARTE B.A, pero fue más gestión.
Hicimos un par de cosas juntos. Colaboramos pero no era algo que se haya mantenido, fue
fluctuante.
¿De qué modo afecta el lugar de origen de un artista a la producción de su obra, en su caso en
particular?
Para mi afecta en varias cosas, no solamente en el momento actual, también donde uno ha
vivido. Yo viví varios años en Venezuela, y eso me parece que de alguna forma se va reflejando en
algunos aspectos que uno lleva. No es lo mismo hacer una obra en Córdoba que hacer una obra en
Nueva York. Eso es algo que tiene que estar muy presente, si no que terminas haciendo algo que
termina siendo ridículo, que no tiene que ver con tu lugar. En algún punto uno tiene que hablar del
13
lugar en donde está. He visto un arte que es híbrido, que termina queriendo copiar algo que está
afuera que no llega y termina siendo patético, en eso no hay que caer.
El otro día fui a la muestra de artistas que hacen grafitis, que está bueno hacer grafiti, pero me
parece que en un punto terminan copiando la estética, importando una estética que encima se va
degradando. Y pensaba porqué no construyen algo que sea más autentico. El grafiti se supone que
tiene algo más de reacción y porqué están en un museo de arte exponiendo invitados, con algo tan
prolijo, en bastidores, perdiendo la esencia del grafiti. La imagen es un poco importada. En la
Casona Municipal hicieron hace un tiempo sobre la pared grafiti, y eso fue más tomar el lugar.
¿Qué relación tiene con el mercado?
El mercado es muy limitado en Córdoba. Pero creo que le he vendido más a la gente
conocida del diseño que a la gente del arte. Por otro lado, yo tengo mi ingreso fuerte que viene del
diseño. Por ahí ganas mas vendiendo una obra de arte que de diseño, pero es menos frecuente. Hago
diseño gráfico, piezas gráficas, cortos, algo de eso, y de enseñanza también estoy empezando.
¿Te mantenés constantemente actualizada con lo que se produce en Córdoba?
Sí, por momentos no tanto, pero siempre estás en contacto, directa o indirectamente estás
viendo lo que se hace. No es en el caso del diseño que me mantengo al día de lo que se hace y por
donde viene la mano, para saber que hace la competencia y poder estar al tanto. Me muevo
diferente con respecto al arte y con respecto al diseño gráfico. Cada uno tiene su estructura con
respecto al mercado.
¿Cómo circula tu obra?
Me he ido moviendo en pequeñas muestras. A lo mejor una instalación, o tres o cuatro obras
nada más. En los circuitos que están marcados en Córdoba: CCEC, Casa Trece, la Universidad, casi
en todos los lugares en Córdoba he mostrado algo. Ahora en el Caraffa he mostrado más cantidad
de obras. Presentando una carpeta, a veces son invitaciones. Recién ahora voy a meter unas obras
en ARTIS, pero mas como trastienda, no me interesa como lugar para exponer. No trabajo con
ninguna galería. En Corazón Cordobés también tenía otra. Espacio Centro también. Ha sido pareja,
la mitad ha sido porque busque un lugar para exponer, y porque me han invitado.
¿Y estas conforme cómo funcionan?
Es difícil elegir un lugar y que después tenas acceso a ese lugar, son varias cosas que se
conjugan, hay pocos lugares también, es un poco complicado mostrar en Córdoba, pasa que mostrás
en un lugar y termina moviéndose de otra forma a la que pensabas. Los perfiles tan marcados de los
lugares no me terminan de cerrar, terminan siendo lugares predecibles. Vos sabes que vas a
determinado lugar y vas a ver una obra de tal tipo. Eso tiene un desencanto. Esa es la parte que
todavía no me gusta, debería trascender eso. Eso también ocurre en el momento de participar en un
concurso que mandas una obra, y te das cuenta por las obras que eligieron que el concurso tenía este
perfil, o que depende del jurado. Si el jurado tiene un perfil o está buscando determinada cosa. Que
por ahí sería mejor que fueran más explícitos a la hora de elaborar el reglamento.
¿Te interesa involucrarte en cuestiones políticas en el arte?
Lo que pasa es que por ahí uno tiene esas intenciones, o una determinada cosa, pero cuando
terminas de hacer la obra, te sale otra cosa, por otro lado. Y en ese aspecto no me interesa manipular
tanto a la obra. Al menos que realmente tenga una gran idea, y que no sea una ocurrencia tampoco,
sino me parece que es forzarla.
En esta última obra algunas personas me preguntaban si tenía algo que ver con el feminismo, de
género o cuestión política. Pero parte de una experiencia propia, o necesidad mía de reinventarme
yo y eso tratar de dibujarlo de alguna forma. En algún punto termino siendo una cuestión un poco
política, con respecto a la mujer. A lo mejor no surgió de un pensamiento tan directo, pero está
14
presente. En ese caso se dio más naturalmente.
¿Qué tipo de reacción espera generar?
Me gustaría con mi obra generar algo, positivo o negativo no me importa, pero que no pase
desapercibido.
¿La idea es denunciar algo?
No sé si tanto, me parece que al ser mi obra muy personal o cuestiones que parten de mi
misma, cuentan cosas que no connotan algo tan de denuncia, quizás sí algo que pasa y que quizás
alguna persona le llegue alguna parte, cada uno tiene su lectura, lo que genera diferentes
interpretaciones. Después de que uno la presenta, ya no se tiene control de lo que produce la obra.
15
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE
PAPEL
93x64 CM. | AÑO 2010
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
100 X 70 CM. | AÑO 2009
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
100 X 70 CM. | AÑO 2009
16
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
100 X 70 CM. | AÑO 2009
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
70X 50 CM. | AÑO 2009
S/T
TINTA Y AEROSOL
SOBRE PAPEL
35 x 50 CM. | AÑO
2009
17
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
100 X 70 CM. | AÑO 2009
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
100 X 70 CM. | AÑO 2009
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
100 X 70 CM. | AÑO 2009
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
100 X 70 CM. | AÑO 2009
18
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
100 X 70 CM. | AÑO 2009
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
100 X 70 CM. | AÑO 2009
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
100 X 70 CM. | AÑO 2009
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
100 X 70 CM. | AÑO 2009
19
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
100 X 70 CM. | AÑO 2009
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
100 X 70 CM. | AÑO 2009
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
93x64 CM. | AÑO 2009
S/T
TINTA Y AEROSOL SOBRE PAPEL
50x70 CM. | AÑO 2009
20
S/T
TIN
TA
Y A
ER
OS
OL S
OB
RE
PA
PE
L
465x64C
M.
| A
ÑO
2009
21
"VALIJA"
METAL, CUERO Y ESPEJO
200 X 120 X 30 CM. | AÑO 2010
"TENDEDERO"
METAL, GOMA Y CABLE
100 X 50 X 50 CM. | AÑO 2010
22
"PERCHERO"
METAL Y RESISTENCIA
150 X 55 X 30 CM. | AÑO 2010
S/T
MADERA, ESMÁLTE Y METAL
130 X 130 X 25 CM. | AÑO 2010
"ESPEJO 1"
MADERA, METAL, GOMA, ESPEJO,
BOTELLA
45 X 34 X 15 CM. | AÑO 2010
"ESPEJO 2"
MADERA, METAL, GOMA, ELÁSTICO,
ESPEJO, TERMÓMETRO
40 X 11 X 13 CM. | AÑO 2010
"ESPEJO 3"
MADERA, METAL, ESPEJO,
COSMÉTICO
40 X 23 X 4 CM. | AÑO 2010
