Principios de composición

Aquel sujeto que desea ser un buen fotógrafo debe saber algo más que manipular palancas y

botones: tiene que imaginar la escena, explorarla y percibir que encierra una fotografía antes de disparar y registrarla. Hay quien ha nacido con un buen ojo para la fotografía, pero casi todo el mundo debe aprender tomando fotos, analizándolas y volviendo a tomarlas. Honestamente, no hay normas absolutas que garanticen la toma de buenas imágenes. Todo empieza por aprender a sujetar bien la cámara, y después se debe explorar la escena desde el visor. Por último sólo queda aplicar los principios generales de la composición. Exploración de la escena

Es importante tener en cuenta que no siempre haremos obras maestras con cada toma. Una de las ventajas del formato de 35 mm es que se pueden tomar muchas fotos. Hay que utilizar a la cámara como un dispositivo de exploración, como un cuaderno de notas. Debemos aprender a ver con "otros ojos", explorar las escenas y aquellas situaciones que encierran potencial fotográfico. Cambie la distancia al sujeto. Imaginemos que somos directores de cine y estamos por preparar la próxima escena. En primer lugar, deberemos estudiar los planos para posteriormente centrarnos en un sujeto. Hay que buscar la mejor iluminación y el fondo más atractivo. Hay que estar atentos para evitar los fondos confusos. Hay que acercanos, rodear al sujeto y dispara cada vez que veamos algo con posibilidades. Acercanos al sujeto siempre nos permitirá concentrar la atención en algo.

Asimismo, es indispensable modificar el punto de vista. Es importante explorar otras perspectivas. Casi todas las fotos se toman desde la perspectiva del ojo, que es desde donde todos contemplamos el mundo. Las imágenes ganan interés cuando se prueban otras opciones: hay que mirar desde donde mira un gusano o un pájaro. Si hacemos fotos de personas siempre será más importante si mantenemos a los sujetos ocupados. De tal manera se sentirán más cómodos y se relajarán. No hay que tomar tan sólo fotos horizontales. Es casi una regla que cuando empezamos a fotografiar, lo más cómodo es sujetar la cámara de modo horizontal. Esta no es

necesariamente la mejor forma de encuadrar todas las escenas. No debemos tener temor a experimentar. Para mejorar no hay más remedio que experimentar, sobre la base de ciertos principios. Se ha definido a la composición como la forma más vigorosa de ver. Casi siempre se habla de ella y de sus principios, pero como de verdad se aprende es practicando. Con el tiempo, la composición se vuelve instintiva. Después de cierta experiencia podremos afirmar como lo hizo Edwar Weston: "consultar las reglas de la composición antes de fotografiar es como consultar las leyes de la gravedad antes de dar un paseo". Esto no significa que la composición carezca de importancia, sino que por lo general no domina el pensamiento al momento de tomar una foto. Sin embargo, la composición o el diseño de la imagen es decisiva. De tal modo, debemos estudiar los principios o reglas de composición, para después, si lo deseamos, quebrantarlos. En ocasiones, la fuerza de una imagen radica en su sencillez. Debemos buscar que todos los elementos que participen en una imagen aporten algo coherente. Hay que estar atento a aquello que pudiera distraer la atención de nuestro objeto de interés. El centro de interés Toda fotografía debe tener un centro de interés. No obstante, debemos advertir que el centro de interés de una fotografía no tiene por qué estar situado en el centro. Desde un punto de vista gráfico, el centro geométrico es el más débil de un rectángulo. Los puntos más fuertes vienen determinados por la llamada regla de los tercios, y corresponden a las intersecciones de las cuatro líneas imaginarias que dividen el rectángulo en partes iguales, tanto en vertical como en horizontal. El centro de interés puede colocarse en cualquier punto indicado por la regla. Otra opción consiste en colocarlo en cualquiera de los ángulos. En la obra La sintaxis de la imagen A. Dondis afirma que "el poder de lo previsible palidece ante el poder de la sorpresa". (Dondis, 19: 41) Es decir, para hacer atractiva nuestra obra debemos recurrir a lo visualmente inesperado. Debemos buscar la "tensión" en nuestra composición. En un campo visual rectangular, resulta sumamente sencillo colocar el punto de interés inmediatamente en el centro. Dicha elección no ofrece sorpresa visual, Y si por el contrario colocamos el centro de interés en cualquier ángulo, esto provocará tensión, nivel de aguzamiento en nuestra mirada. Es importante destacar que nuestra mirada tiene cierta preferencia por la zona inferior izquierda de cualquier campo visual. Este favoritismo para con la parte izquierda del campo visual puede estar influido por los hábitos occidentales de la impresión y por el hecho de que aprendemos a leer de izquierda a derecha . Otras teorías tienen en cuenta el hecho de que el lado izquierdo del cerebro tiene un riego sanguíneo mayor que el derecho, lo cual puede ser una simplificación de diferencias mucho más complejas en la estructuración del sistema nervioso. Aunque no sepamos con certeza la razón, tal vez baste saber que este fenómeno se reproduce realmente.

Asimismo, la complejidad, la inestabilidad y la irregularidad incrementan la tensión visual, y en consecuencia atraen la mirada. Con el propósito de seguir incrementando nuestra cultural

visual es imprescindible que tengamos en cuenta los elementos que forman parte de la composición. La elaboración de la imagen en fotografía

Para elaborar una propuesta visual lo más eficaz posible es necesario disponer de los elementos visuales que son: líneas, formas, ritmos y tonos, de tal manera que la composición final sea satisfactoria. Elaborar la imagen es escoger y controlar dichos elementos, o descubrir el momento preciso en que se disponen ellos. Debemos aprender a observar y en consecuencia discriminar ciertos objetos que sólo le restarían fuerza o interés a nuestra imagen. Al igual que en la literatura, donde los grandes escritores escogen determinadas palabras para poder expresarse, el fotógrafo controla y escoge los elementos visuales para tratar de decir algo. Claro está que no existen reglas rígidas, pero hay que trabajar sobre ciertos elementos para después proponer algo nuevo o inusitado. El simple hecho de seleccionar un tema aumenta la importancia del mismo frente a la confusión que le rodea. En fotografía, se define a la composición como la forma más vigorosa de ver. Casi siempre que se habla de ella se habla de principios. Con el tiempo y la utilización de los elementos visuales que la integran, la composición se vuelve instintiva y se incorpora a la forma de concebir una imagen. Y aunque reviste cierta importancia, la composición muchas veces no domina el pensamiento al instante de fotografiar. Y sin embargo, ésta es decisiva. A continuación, los elementos visuales que forman parte de la composición: Línea: esta proporciona la estructura a la imagen. Unifica la composición, llevando de una

parte a otra de la fotografía. Centra la atención en el lugar conveniente o aleja la vista hacia el infinito; por repetición crea ritmo. La línea también otorga sensación de profundidad.

La disposición general de las líneas comunica ritmo a nuestra imagen; por ejemplo, una curva en una carretera, un camino en zig-zag. Por lo general, las líneas curvas y en espiral dan sensación de movimiento y tensión. Las verticales y horizontales dan un resultado más estático. Variando el punto de vista puede alterarse la dirección de las líneas. Las verticales y horizontales se pueden transformar en diagonales al girar la cámara. Ritmo: el ritmo consiste en la repetición de líneas y formas. Es un elemento que se encuentra en casi todas partes, desde la ciudad hasta el paisaje natural. Puede llegar a constituirse por sí solo tema de fotografía, o se puede utilizar elemento secundario para estructurar la composición, o para llamar la atención. Con el ritmo hay que ser prudentes para que éste no se imponga al tema principal y lo llegue a confundir.

Al emplear el ritmo en fotografía es importante incluir alguna variación para que la repetición no se torne monótona. Cabe citar que el contraste tonal (grises, blancos y negros) y la supresión de elementos como la textura y el volumen refuerzan al ritmo. El encuadre y el punto de vista pueden intensificar el efecto general del ritmo de una imagen. Textura: la textura representa las cualidades de la superficie de un objeto o de un sujeto. Puede usarse para dar realismo y carácter, y hasta puede convertirse en el tema mismo de una fotografía, Esta se consigue fotografiando de cerca o a una distancia suficiente para que las distintas superficies se fundan y creen la textura. La calidad y la dirección de la luz son de capital importancia al reproducir la textura: tendrá que dar una amplia gama tonal, que puede aumentar la exposición y el positivado. Para trabajar muy de cerca es imprescindible un objetivo de buena calidad, con el fin de conseguir nitidez. Todos los elementos que forman parte de una imagen deben comunicarnos algo. Por lo tanto, hay que estar atentos de los fondos que distraen, de los objetos que compiten y de las presencias precindibles. Otro paso importante en la elaboración de una imagen es el encuadre y la iluminación. El cambio de posición de la escena en el visor permite alterar la composición y la misma imagen. El empleo de distintos puntos de vista nos permitirá obtener resultados originales y muy llamativos. Es preciso observar desde distintos ángulos el objeto a fotografiar. Cualidades del sujeto Si buscamos grandes contrastes, debemos tener en cuenta las cualidades del sujeto. La luz, las propiedades reflectoras de los materiales y los colores afectan al intervalo tonal. Por ejemplo, un objeto puede tener muchos tonos grises entre el blanco y el negro, o bien ser predominantemente oscuro o claro. Las imágenes en tonos muy altos o muy bajos suelen dar una fuerte sensación de ambiente delicado o misterioso, o pueden otorgar sensación de teatralidad y fuerza. Por otra parte, la forma es otro elemento básico para la elaboración de una imagen. Al igual que la línea, la forma proporciona la estructura principal a la mayoría de las composiciones. Las formas resaltan más si se colocan contra un fondo plano y contrastado. El ejemplo más extremo es el de la silueta a contraluz, en el que la forma se ve acentuada gracias a la eliminación de volumen y textura. Cuando un tema incluye varias formas hay que tratar de

situarlas de manera que combinen unas con otras, evitando así los conflictos y a su vez tratando de crear un ritmo que anime al espectador a explorar la imagen.

La composición fotográfica de estudio tiene una gran referencia en la composición pictórica; es por eso que el estudio de naturalezas muertas o

bodegones nos llevan a un aspecto visual tan importante y trascendente como artistas visuales.

Una clave importante para la composición de elementos tiene que ver con la visualización casi geométrica de nuestro espacio de trabajo. Primero

debemos separar e identificar los elementos de mayor tamaño o volumen. Estos se denominaran como elementos de mayor peso. Por el contrario

los elementos de menor tamaño serán una referencia o complemento de los grandes.

En esta gráfica podremos ver como los elementos de diferentes formas y tamaños crean a lo que llamamos peso visual. El círculo predomina ante

nuestros ojos.

Entendiendo el anterior concepto podremos ver el segundo paso. Acomodaremos los objetos dependiendo de su forma, volumen o tamaño. Es

importante ver que al moldear el conjunto de objetos formares una imagen geométrica muy parecida a un triángulo. Entonces veremos estas lineas

diagonales imaginarias lograran un mayor impacto visual en nuestra composición. El tercer paso es establecer la perspectiva o nuestro punto de

vista. Es verdaderamente importante observar cada ángulo de visión, ya que este nos dará un impacto diferente del moldeo en nuestro encuadre o

mirilla. Es importante Analizar que diferente ángulo afectara nuestro juego geométrico visual, por lo tanto es importante manejar nuestra

composición en base a nuestra perspectiva y composición de elemento. En próximos artículos hablaremos sobre como la luz juega también un

aspecto importante en la naturaleza muerta. Por el momento se presentan algunos ejemplos de perspectiva y orden de elementos básicos que

podrán compara con obras de naturaleza muerta ya sea en pintura o fotografía.

“Composición con peso a la derecha e izquierda”

Perspectiva frontal en axis-x al lente

Perspectiva en Picada (mas dimensionalidad)

Figuras con volumen

Diferencia entre proximidad de elementos

Sobre los bodegones o naturalezas muertas.

El bodegón es uno de los temas fotográficos más exigentes de la fotografía profesional, pues requiere equipo y preparación técnica de alto nivel: sistemas sofisticados de iluminación, cámaras de medio y gran formato, un amplio abanico de accesorios como fondos, elementos de atrezzo.., por no hablar de los conocimientos necesarios para obtener el máximo rendimiento de tanto utillaje. Todo esto acaba por disuadir al aficionado, que raras veces se atreve a adentrarse en este mundo aparentemente reservado a los profesionales. Sin embargo, conseguir un buen bodegón se encuentra al alcance de cualquiera, vamos a verlo. Es difícil que los aficionados, incluso con conocimientos se atrevan con los bodegones. Esto se debe principalmente a que en ellos el fotógrafo no se encuentra con nada hecho y debe construir por completo la totalidad de la imagen. En un paisaje, la iluminación o los elementos del mismo no dependen exclusivamente de nosotros, al igual que en el reportaje donde se trabaja con sujetos “fuera de control” bajo una iluminación dada. En un bodegón, sin embargo, todo lo pone la imaginación de su autor, resulta de su capacidad para producir y crear la escena: primero con la acertada elección de sus objetos, prestando especial atención a sus formas, volúmenes, tamaños, colores y texturas; segundo con un perfecto dominio de la iluminación que cree la atmósfera adecuada y proporcione un toque especial a lo fotografiado, resaltando con fuerza sus características. Tercero, con una composición y encuadre elegantes fruto de una colocación armónica de los elementos y de un fondo acorde con ellos.

Estos tres factores (tema, luz y composición) resultan determinantes a la hora de conseguir una foto de bodegón que merezca la pena, pero no es cierto que debamos partir de planteamientos complejos y elaborados o que hagan falta equipos especializados. Los bodegones sencillos apenas son exigentes en este sentido; vale cualquier cámara analógica o digital equipada con una óptica zoom estándar que permita intervenir al fotógrafo en los controles básicos de exposición, diafragma y enfoque. La iluminación puede ser sólo natural, con lo que eliminamos la necesidad de saber iluminar, aunque algún esquema sencillo también explicaremos con el propósito de ayudar a quienes quieran hacer sus “pinitos” en el estudio. Los requerimientos, sin embargo, en estos bodegones minimalistas de creatividad y saber hacer son máximos: no vale cualquier tema, iluminación ni fondo o composición, algo común a toda fotografía, pero que en el bodegón resulta todavía más evidente, en el sentido de que en este caso sí que tales factores se deben sólo al fotógrafo. En otra clase de tomas el azar o la luz ambiente nos pueden echar una mano, en el bodegón los posibles fallos dejan al desnudo sin más nuestras carencias fotográficas. Lo que no es nada malo, muy al contrario, el bodegón es una escuela excelente para aprender y practicar la fotografía porque ayuda a resolver sus aspectos esenciales de forma y contenido, simplemente al plantearlos desde el principio como la única forma de construir la imagen fotográfica, esa mezcla de composición, luz y tema.

Otra dificultad añadida en los bodegones referente a su tema se encuentra en la variedad y número de objetos necesarios en la imagen. Los principiantes deben ser conscientes de que cuanto más elementos diferentes haya en la escena, más dificultades se encontraran a la hora de obtener una fotografía armónica. Las diferencias de tamaño, proporción, color, forma y textura crean conflictos entre los objetos de un bodegón, que bien resueltos concluyen en una imagen con riqueza y “contrastes”, y mal empleados en una barroca y confusa. Por eso la primera regla, sobre todo cuando no se tiene demasiada experiencia, es la simplicidad: un tema sencillo, un fondo neutro y una sola luz junto a una cartulina blanca, plateada o un espejo para suavizar el contraste de la iluminación principal. Así un buen procedimiento de trabajo que lleva al éxito es empezar con muy pocos medios pero aprovechando al máximo todas las posibilidades: un tema fácil formalmente bello lo aporta muchas veces uno o dos objetos; una fuente de luz única que puede ser una ventana de luz natural o un simple flexo casero cuando sea necesaria una iluminación más especular; y un fondo uniforme o muy sencillo lo proporciona una cartulina, tela, madera envejecida y sin pulir, lonas, piedras o chapas de metal con óxido. Analizar el bodegón. A continuación comienza un proceso de análisis y estudio con la finalidad de conseguir la mejor imagen posible: hay que ver y fotografiar el tema con diferentes colocaciones de sus elementos, de la cámara y de la luz (si no tenemos focos de estudio vale cualquier luz, los resultados no serán espectaculares, pero se aprende mucha iluminación). Conviene igualmente probar con varios encuadres y objetivos (vertical y horizontal, desde más cerca y lejos) porque se obtienen versiones distintas de un mismo tema con perspectivas asimismo cambiantes. Al final se evalúan los resultados obtenidos y se eligen las imágenes más interesantes, que se sabe cómo están hechas, ya que se habrá ido tomando notas a lo largo de todo el proceso. Indudablemente, la herramienta que facilita y agiliza el trabajo en estos casos es una cámara digital: se dispone de las imágenes instantáneamente en color y en blanco y negro sin los gastos adicionales del laboratorio. Otra ventaja de la simplicidad

temática se encuentra en que facilita en gran medida la composición.

Los objetos adecuados para un bodegón son aquellos que destacan por su forma; el color y la textura son también importantes aunque como elementos “decorativos”. La perfección de los objetos suele ser obligatoria en la fotografía profesional de bodegón pero no es absolutamente imprescindible en el caso de planteamientos menos comerciales, nuestro bodegón puede emplear cosas no tan perfectas siempre que éstas respeten la lógica y el sentido de la imagen. La primera duda que se presenta en la elaboración de los bodegones se encuentra en saber qué clase de objetos son los adecuados para realizar esta clase de fotografías. En principio no debería haber ninguna clase de limitaciones en este aspecto, pero es innegable que con algunos elementos es más sencillo que con otros. Quizá la característica más relevante de un objeto de bodegones sea su forma; el color y la textura son también muy importantes, desde un punto de vista fotográfico esenciales, pero hay que considerarlos como un lujo añadido nunca como algo suficiente por sí solo. Queremos decir que raras veces funciona un bodegón que se apoye exclusivamente en el color o la textura de sus elementos con independencia de su formas, sin embargo poco importa que la imagen sea monocroma o que los elementos no tengan propiedades superficiales destacables, si su forma, su diseño es atractivo, sugerente y plástico. Pensemos en un edificio, en un coche, en un traje, primero se resuelven los problemas de volumen y espacio, de línea o de corte, sólo una vez que la forma es apropiada se piensa en decorarla con colores y texturas. En este sentido el color y la textura son básicamente decorativas. En conclusión, los objetos ideales para un bodegón son aquellos con formas bellas, plásticas o sugerentes. Esto no significa que tengan que ser perfectas. Es conocido que los fotógrafos profesionales buscan para sus naturalezas muertas ejemplares de absoluta perfección, los

objetos más frescos y vivos, los productos más relucientes y brillantes, ya que se trata de atraer al espectador hacia el objeto con la intención de que éste resulte apetecible. Normalmente la función básica del bodegón de un fotógrafo profesional es la comercial, lo que no es de obligado cumplimiento en nuestros bodegones informales en los que la perfección objetiva no es un dogma inquebrantable. Ambientación y estilismo Sin embargo, no se pueden cometer errores elementales de ambientación y estilismo que vayan contra la lógica de la imagen: si se opta por un esquema clásico, comercial, de productos de exposición no puede haber ni uno solo que no cumpla este requisito, de igual forma que si nos centramos en una caja vieja de herramientas usadas difícil justificación tiene incluir una moderna y reluciente. Estas consideraciones son muy importantes a la hora de elegir los objetos de un bodegón y deben ser tenidas en cuenta siempre que se vayan a comprar o seleccionar, es decir vale todo aquello formalmente atractivo siempre que no se rompa una mínima lógica visual. En concreto es recomendable para los bodegones sencillos usar flores, frutas, verduras, alimentos y los utensilios relacionados con ellas y ellos, así como cualquier clase de objeto fuertemente “humanizado” o de uso común como herramientas, pinceles, lápices, útiles de escritorio, calzado, ropa..., la lista puede ser tan extensa como la creatividad del autor sea capaz de utilizar. La composición Una composición elegante se reconoce rápidamente porque guía la mirada del espectador por la imagen sin crear conflictos entre sus elementos. Otro factor que debe resolverse en un bodegón se encuentra en la composición. En ésta influye tanto la disposición de los objetos de la escena (de la que el único responsable es el fotógrafo) como el encuadre de la cámara (la selección final del cuadro) y la clase de fondo empleado. Muchos fotógrafos se complican demasiado incluyendo muchos elementos en sus fotos de forma que consiguen una imagen caótica y confusa. Lo sensato es empezar como hemos sugerido por una o dos cosas y tratar de conseguir una composición atractiva, sólo pueden añadirse más elementos cuando se sabe organizar los objetos y si, además, con ello se mejora la composición. La imagen se va construyendo poco a poco, un buen truco es componer a través del visor, decidiendo previamente si conviene más un cuadro horizontal o vertical y nunca incluir algo nuevo hasta que no se ha resuelto la anterior. Los fondos simples y lisos siempre funcionan y resaltan más a los objetos cuando son más oscuros o están menos iluminados y tienen colores más apagados que éstos. Para ello se prestan gasas, lonas, cartulinas, piedras y maderas, así como muchos objetos de desván, incluso de chatarrero debidamente dignificados y embellecidos por la huella caprichosa del paso del tiempo. En resumen, un fondo adecuado es el que no se ve y al mismo tiempo aumenta el protagonismo de los objetos del bodegón: si el ojo se va al fondo antes que a nuestra composición evidentemente vamos por mal camino. Hay una serie de formas de ordenar los elementos de un bodegón que facilitan la tarea de conseguir entre ellos un adecuado reparto de sus pesos visuales. Son por así decirlo los dos recursos compositivos maestros de las artes icónicas: la simetría por repetición geométrica y el equilibrio asimétrico de la regla de los tercios. De tan repetidos casi parece que no necesitan explicación, aunque todavía algunos de nuestros nuevos lectores no conozcan quizá de qué estamos hablando. Vamos a explicarlo de forma que ellos aprendan algo y quienes ya se “lo

sepan” encuentren otras aplicaciones. Recursos compositivos Una composición es armónica cuando entre sus partes se llega a establecer un equilibrio de manera que el espectador interpreta el mensaje visual de forma clara y sin interferencias: desde un punto de vista simbólico la composición establece un código que guía al espectador de la imagen sobre lo que debe ver, la importancia de cada uno de los elementos y el orden de su “lectura”. La forma más sencilla de ordenar, de equilibrar una imagen es obviamente la simetría, imaginemos que sólo vamos a colocar un punto negro sobre una hoja blanca, la tentación de hacerlo en el justo centro parece casi irresistible. Pero supongamos ahora que tenemos varios puntos: ¿es sensato colocarlos todos juntos agrupados en el centro o uno a uno en los cuadrantes de intersección de los ejes principales horizontales y verticales? Parece que no, a no ser que se busque a propósito una composición bastante estática donde todos los elementos tengan un mismo protagonismo, en este caso se impone por tanto una estrategia compositiva que establezca armonía a partir de una disposición asimétrica, hemos encontrado así el sentido de la famosa regla de los tercios: organizar la composición alrededor de un objeto protagonista descentrado y puesto en uno de los puntos de intersección de una imagen dividida vertical y horizontalmente en tercios, la regla de los tercios es la forma canónica de componer las imágenes con varios posibles centros de atención. Romper las reglas, esta circunstancia lleva a más de uno a una aplicación mecánica de la regla de los tercios y a despreciar por principio las simetrías simples. Pues bien, esto es un error mayúsculo, porque hay ocasiones donde no seguir un esquema simétrico simplemente no tiene sentido: no hay nada más irritante que aprender una regla para aplicarla dogmáticamente, la repetición es un recurso perfectamente válido del arte como demuestran ejemplos más que sobresalientes de la poesía, la música o la pintura. Formas sofisticadas de componer por repetición simétrica son las sucesiones y las figuras geométricas imaginarias que los objetos de una escena pueden describir dentro del cuadro de la imagen, las más utilizadas, el triángulo y el cuadrado. Resumiendo: hay que huir de los lugares comunes y tratar de componer el bodegón con una amplitud total de miras, con pocos elementos es probable que valga casi cualquier planteamiento y en casos más complejos se haga imprescindible recurrir a simetrías geométricas o a la consabida regla de los tercios, un auténtico salvavidas cuando las diferencias entre los objetos de color, tamaño y textura son además extremas.

La luz natural de una ventana es la iluminación mágica de quienes no tengan medios, proporciona gratis calidades profesionales sin salir de casa. En el estudio tampoco se deben complicar innecesariamente las cosas. Una buena iluminación puede consistir en dos fuentes difusas a cada lado a 90º y otra cenital de la misma calidad y ligeramente a contraluz. Hemos llegado al último y para muchos el capítulo más importante de un bodegón, aunque tampoco vamos a ser tan dramáticos y le quitaremos un poco de hierro a un asunto que depende de los medios que se posean. Por eso empezaremos por la iluminación más barata, tantas veces mejor y al alcance de todos: la que proporciona una ventana de luz natural difusa de la que todos tenemos alguna en nuestra casa. Sólo hay que colocar una mesa cerca de una ventana en una dirección lateral o en suave contraluz (también es posible la dirección frontal teniendo cuidado de no proyectar sombras sobre la escena) y preparar los objetos y el fondo como hemos explicado para conseguir un bodegón con una iluminación perfecta. Los problemas de contraste debidos a la sola fuente lumínica se aminoran con el uso de discos reflectores comerciales o con espejos, cartulinas blancas o plateadas de fabricación casera que cumplan la misma función. Luz de ventana. La luz del ventanal admite más modificación de lo que parece a primera vista, se puede recortar con pantallas negras delante de la propia ventana o del objeto o hacerla más difusa colocando telas translúcidas o bien papel cebolla o vegetal delante de la ventana. Si se desea que entre sol directo a través de ella es mejor que sea el de la última hora de la tarde por sus características de color, pero en tal caso debe pensarse en un relleno bien dirigido y bastante fuerte para las sombras. Con un flash portátil o de zapata también se puede imitar la luz de una ventana con un procedimiento algo primitivo aunque infalible: con una caja de zapatos pintada de blanco por dentro y negro por fuera, se coloca el flash dentro de ella y se sincroniza a la cámara con un cable, por último la caja se cierra con un metacrilato opalino o un papel vegetal. Esta ventana improvisada proporciona resultados parecidos tanto a las de luz natural como a las que los fotógrafos profesionales emplean en sus estudios por lo que se debe trabajar con ella de idéntica manera. La dirección de la iluminación también incide de manera determinante sobre la composición y

la estética de la imagen. Las iluminaciones frontales proporcionan una perfecta reproducción del color aunque con un modelado pobre y una escasa sensación de volumen; las excesivamente laterales y de calidad especular afectan a la correcta reproducción de los colores, lo que se soluciona con fuentes muy difusas. Las reinas de los bodegones son por ello las luces laterales difusas, su efecto es bastante similar al de una ventana de luz natural, porque añaden a un buen cromatismo una fuerte sensación tridimensional y de textura, donde las sombras desempeñan un papel importante en la composición. Los contraluces son imprescindibles para separar los elementos del fondo, además de ser la luz de referencia con los cuerpos translúcidos y transparentes. La dirección cenital difusa es muy popular entre los fotógrafos profesionales de bodegones, dan una adecuada iluminación básica de apariencia bastante natural con sombras poco molestas al quedarse debajo de los objetos, pero que necesita algún tipo de acento o efecto. ¿Cuál sería entonces una iluminación de estudio válida para casi cualquier bodegón? El esquema que recomendamos emplea tres fuentes o dos más un relleno. La principal es lateral difusa a 90º, la de relleno se dispone de manera simétrica a la mitad de potencia, o se sustituye por sólo un reflector. La tercera fuente difusa se coloca con una dirección cenital en ligero contraluz. Muy pocos temas no se van a poder fotografiar con esta iluminación, se trata de objetos especiales que plantean problemas más propios de la fotografía técnica profesional que de la creativa, pero eso sería motivo de otro tema.