La Fotografía directa fue  un movimiento en  el   que   se  buscaba   reivindicar   la   fotografía como medio artístico, sin preparar o intervenir el tema a representar en las imágenes.

A   comienzos  del siglo   XX,   los   artistas   progresistas   comenzaron   a   interesarse  por   una nueva estética basada   en   las   propiedades   características   singulares   de   su   medio   de expresión. Así como los escultores comenzaron a respetar  la estructura del mármol,  en vez   de   intentar   simular   la   suavidad   de   la   piel,   los   fotógrafos   comenzaron   a   hacer fotografías que no emularan a otros medios, como en la fotografía pictorialista. El objetivo era obtener resultados a través de medios estrictamente fotográficos. Por fin la fotografía era aceptada como medio artístico legítimo.

Los fotógrafos que siguieron esta nueva tendencia, capturaban imágenes en exteriores con  breves  tiempos  de exposición.  Además  permitían  que   sus modelos posasen  por   sí mismos, a diferencia de las forzadas posturas de la fotografía pictorialista.

Alfred   Stieglitz fue   el   exponente   de   la   Fotografía   directa.   En 1907,   Stieglitz   realizó   la fotografía "La cubierta de un barco", considerada por muchos como una de sus mejores obras. Para lograrla, tomó rápidamente su cámara para sacar la fotografía esperando que cuando volviera, todo continuara en la misma posición. Al regresar, todo se encontraba como   lo   había   dejado.   Fue   el   resultado   de   un   reconocimiento   instantáneo   de   tema y forma, ya no se trataba de encontrar  un ambiente y esperar  que todo estuviera en equilibrio.

En 1921, Stieglitz organizó una exposición con toda su obra. Cada una de sus fotografías era asombrosamente directa y el efecto causado en el público fue impactante. Se produjo un gran revuelo porque nadie sabía de qué tipo de fotografía se trataba, pero causaba conmoción. Eran fotografías directas y simples, diferentes a lo que se veía normalmente en las galerías. En el catálogo de la exposición, Stieglitz escribió que lo que había hecho era poner en su debido lugar una idea. Su maestro era la vida, el trabajo y el experimento continuo.

Produjo centenares de fotografías con nubes y soles y las procesó con medios al alcance de cualquier aficionado. Las dispuso en series con otras imágenes de carácter expresivo, como   unas  manos   de  mujer   apretadas   junto   a   las   rodillas.   Llamó   a   estas   imágenes "equivalentes",   pues   las   entendía   como   equivalentes   a   sus   pensamientos,   ideas   y aspiraciones, a sus desilusiones y temores. Vistas objetivamente con sus negros profundos y   sus   blancos   luminosos,   mostraban   la   belleza   de   sus   formas. Eran abstraccionesfotográficas   pues   la   forma   queda   abstraída   de   su   significación ilustrativa, aunque no deja de advertir qué es  lo que se ha fotografiado. La belleza de esas composiciones fueron fotografiadas en lugares comunes.

En   los   últimos   números   de Camera Work,   publicados   en 1917,   Stieglitz   reprodujo   las fotografías de una nueva figura en el mundo de la fotografía: Paul Strand. Incluía una serie de   retratos   realizados   espontáneamente   en   la   calle   y   otras   imágenes   en   las   que   se resaltaba la forma y el diseño. De estas fotografías Stieglitz escribió: "Sus fotografías son la expresión directa del presente, evitando los trucos y cualquier 'ismo', evitando cualquier intento de mistificar a un público ignorante, incluyendo a los fotógrafos mismos".1Señalaba un marcado contraste con la mayoría de la obra producida por los miembros de la Photo-Secession, según Strand "un fotógrafo debe tener un respeto por lo que tiene delante, no usar trucos o manipular el proceso, sino utilizar el método de la fotografía directa".  La fotografía directa empezó a expandirse así entre los fotógrafos.

La fotografía comenzó a ser considerada como un medio artístico en sí misma y no como una  forma de  imitar   la  pintura  artística   (Fotografía  pictorialista).  No sólo   la   forma de fotografiar   era   lo   que   cambiaba,   sino   también   el   tema   fotografiado,   se   buscaba   la espontaneidad, lo natural, sin poses ni manipulaciones.

Grupo f/64: su formación y obra

Luego   del   abandono   definitivo   de   la   estética   pictorialista,   y   la   valoración   y   el reconocimiento  de   la   fotografía  por   las  vanguardias,   surge  una  nueva   tendencia,  que descarta el uso de procedimientos que ornamenten la fotografía pura. Se buscaba una mayor nitidez en la toma y el uso de temáticas cotidianas, especialmente aquellas que brindaba la naturaleza.

Tanto  Edward  Steichen,  como Alfred Stieglitz  y  Paul  Strand  (1890-1976),  aunque éste último no perteneció directamente a Photo Seseccion, fueron los antecedentes directos del Grupo f/64 y  la fotografía directa,  que habrían de ganar en auge durante los años siguientes a la Gran Guerra. En 1917 Strand escribe: 

El  problema del   fotógrafo  es  ver   las   limitaciones  de su medio y  al  mismo tiempo sus cualidades potenciales.  La honestidad y  la  intensidad de visión suponen un respeto al objeto,   su  más plena  realización  se obtiene sin  trucos,  mediante  la   fotografía directa. (1917, pp. 524-525)

Edward Weston (1886-1958) fue un fotógrafo californiano, pionero en el uso de la straight photography, denominación que aludía al uso de la toma directa sin intervenciones en el

proceso ni de laboratorio, ni de revelado, ni compositivo. Para Weston el artista debía visualizar de antemano el resultado final. Su virtuosismo técnico exigía la claridad en la forma,   la   perfecta   delineación   de   la   superficie   de   la   imagen,   para   poder   apreciar sustancias y texturas hasta llegar a la ilusión.

Sus temáticas siempre asociadas a la naturaleza, rescataban la belleza de la realidad, en palabras de Sontag: “Weston entiende a la fotografía como una manera genuinamente nueva de ver”. (1996, p. 109)

En  1932 un  grupo de   jóvenes   fotógrafos   impresionados  con su  trabajo   formaron  una sociedad   a   la   que   llamaron   Grupo   f/64.   Eligieron   este   término   óptico   porque generalmente, fijaban sus lentes en esa abertura, para asegurarse una máxima nitidez de imagen, tanto para el primer plano como para la lejanía.

Los miembros fundadores fueron Ansel Adams (1902-1984), Imogen Cunningham (1883-1958), John Paul Edwards (1884- 1968), Sonya Noskowiak (1900-1975), Henry Swift (1891- 1962), Willard Van Dyke (1906-1986) y Edward Weston.

Formularon una estética  que se basó en una serie  de  dogmas:   la   fotografía debe ser nítidamente enfocada en cada detalle, impresa por contacto en papel brillante blanco y negro, montada sobre una superficie blanca, no debe ser manipulada y su temática será alusiva  a   la   realidad exclusivamente.  Esta  estética  reaccionaba contra  el  estilo  débil  y sentimental que era habitual entre los fotógrafos artísticos de California en esa época.

La  exposición   inaugural   del   nuevo  grupo   se   realizó   en   1932,   en  el  M.  H.  Del   Young Memorial Museum, de San Francisco. Durante los años que existió esta sociedad informal fue la más progresista de Estados Unidos, e incluso una vez disuelta su influencia persistió siendo el Grupo f/64 sinónimo de la fotografía directa.

Para los fotógrafos del Grupo f/64 la realidad era la fuente inacabable para sus temas de composición.  La virtud que  los distinguió en su obra,  es  la capacidad de vislumbrar   la belleza   y   la   poética  en   la   cotidianidad  que   los   rodeaba,   explotando   las  posibilidades técnicas de la cámara fotográfica,  sin  intervención de manipulaciones ajenas al medio, combinándolas con sus propias sensibilidades y gustos.

El fotógrafo alemán, Albert Renger- Patzsch, seguidor de la fotografía directa, señala con simpleza, citado por Newhall, las posibilidades que emanan del uso exclusivo del lenguaje

propio  del  medio,   al   decir:   ”procuremos   con  medios   fotográficos   crear   fotos   que   se sostengan por si  solas,  debido a su carácter fotográfico, sin pedir nada a otras artes”. (2009, p. 195)

Fotógrafos:

Ansel Easton Adams 

(20   de   febrero de 1902 - 22   de   abril de 1984) fotógrafo estadounidense,   nacido   en San Francisco, desarrollador del sistema de zonas.

Fotografía por Ansel Adams - Trabajadores frente al Monte Williamson.

Espero ansioso nuevos procesos y nuevos desarrollos. Creo que la imagen electrónica será el próximo gran avance. Estos sistemas tendrán características estructurales ineludibles, y tanto   los   artistas   como   los   técnicos   deberán   hacer   un   renovado   esfuerzo   para comprenderlos y controlarlos.

Ansel Adams.

Conocido   por   sus   fotografías   en   blanco   y   negro   de   paisajes   del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros.

Su sistema   de   zonas es   una   demostración   de   cómo   la   cámara   o   el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris  quiera  fijar   como punto  de  medición.   El   fotómetro  de   cualquier   cámara,   incluso digital,   siempre   "quiere"   ver   la   zona   medida   como   un   gris   medio. 

Imogen   Cunningham,   fotógrafa   nacida   el 12   de   abril de 1883 en   Portland, Oregón y fallecida el 24 de junio de 1976 en San Francisco.

Comienza su trabajo en fotografía en el año 1901 como estudiante en la universidad de Washington de química fotográfica. Fue inspirada por la fotógrafa pictorialista conocida internacionalmente Gertrude Käsebier.

Durante sus años en la universidad trabajó en el estudio fotográfico de Edward Sheriff Curtis, donde aprendió la técnica de la platinotipia y a retocar negativos.

En 1909 recibe una beca para estudiar en la escuela superior de Dresde bajo la tutela de Robert Luther, donde realizó un estudio comparativo entre los distintos métodos de la platinotipia.   Durante   su   estancia   en   Europa,   visitó   a Alvin   Langdon   Coburn y Alfred Stieglitz quienes nuevamente la inspiraron.

En 1910, tras su regreso en los Estados Unidos abre su propio estudio en Seattle y obtiene rápidamente   reconocimiento   por   sus   retratos   y   su   trabajo  pictorialista.   Sus  primeros retratos fueron encargos de personajes de la alta sociedad, lo que evidencia el prestigio que   la   artista   se   estaba   forjando   dentro   de   la   comunidad   local.   Al   mismo   tiempo estableció sólidos lazos con el mundo artístico de la época y, bajo la influencia de Gertrude Käsebier, creó la mayoría de sus exquisitas imágenes de estilo pictorialista.

En 1917,   tras  casarse con el  artista  y  grabador Roi  Partridge,  se  traslada a  California, donde   nacen   sus   dos   hijos.   En   estos   años   de  maternidad,   Cunningham   no   dejó   de fotografiar su entorno más cercano al  mismo tiempo que se mantenía al  tanto de  las nuevas tendencias del arte y la fotografía a través de revistas como Camera Work o Vanity Fair. 

En 1932, junto a Ansel Adams, John Paul Edwards, Sonya Noskowiak, Henry Swift, Willard van Dyke y Edward Weston funda elgrupo f/64.

Sonya Noskowiak 

fue   una   fotógrafa   nacida   el 25   de   noviembre de 1900 en Leipzig, Alemania,   y   fallecida el 28 de abril de 1975 en Greenbrae, EE. UU.

Comienza su carrera  en 1929 en el  estudio de Johan Hagemeyers en Los  Ángeles.  Poco después trabajará para Edward Weston, con quien vivirá entre 1929 y 1934, manteniendo al mismo tiempo su propia clientela de retratos.

En 1932 funda,   junto   a Imogen   Cunningham, John   Paul   Edwards, Ansel   Adams, Henry Swift, Willard van Dyke y Edward Weston el Grupo f/64.

Sus fotografías se publican por primera vez en 1934 en una exposición del Grupo f/64. En los  siguientes  años  también  realizará  sus  propias  exposiciones  en  las  galerías  deAnsel Adams, Denny-Watrous y Williard Van Dykes.

En 1935 funda su propio estudio en San Francisco, en el que trabajará hasta el año 1965.

Muchas   de   sus   fotografías   se   encuentran   hoy   día   en   el Center   for   Creative Photography en Tucson.

Harry Callah 

Nació   en Detroit, Míchigan y   comenzó   a   fotografiar   en   1938   de  manera autodidacta. Durante esa década trabajó para el laboratorio fotográfico de General Motors en Detroit. Sobre   1946,   recibió   el   apoyo   de László   Moholy-Nagy para   enseñar   fotografía   en   el Instituto  de  diseño  de Chicago.  Callahan   se   retiró  en  1977,   cuando  daba  clases  en   la escuela de diseño de Rhode Island.

Su   hija   Barbara   nació   en 1950.   Incluso   antes   de   su   nacimiento   ya   aparecía   en   las fotografías del embarazo de Eleanor, esposa del fotógrafo. Entre 1948 y 1953 Eleanor (y a veces   Barbara)   aparecían   en   las   fotos   de   paisajes   como   contrapunto   a   las   grandes extensiones de los parques, línea del cielo o el mar.

Tomó fotografías de su esposa Eleanor, y de su hija Barbara así como de las calles, las escenas y los edificios de las ciudades donde vivió, mostrando un fuerte sentido de la línea y la forma, de la  luz y la oscuridad. Trabajó con exposiciones múltiples y otras técnicas como dobles y triples exposiciones, desenfoques y película de pequeño o gran formato. El trabajo de Callahan fue una respuesta muy personal a su propia vida: Era muy conocido por  animar  a   sus  estudiantes  a  convertir   sus   cámaras  en sus  vidas,  y  él  mismo daba ejemplo con su vida. Callahan fotografió a su esposa, como tema principal, durante un período de quince años. Eleanor fue esencial para su creación artística desde 1947 hasta 

1960. La fotografió en todas partes: En el hogar, en las calles de la ciudad, en paisajes, sola o con su hija, en color o blanco y negro, en desnudos...

Murió   en Atlanta en   1999  dejando   alrededor   de   100.000  negativos   y  más   de   10.000 pruebas de impresión. El Centro de Fotografía Creativa de la Universidad de Arizona, que de manera activa colecciona, preserva y pone a disposición de los ciudadanos la obra de fotógrafos norteamericanos del Siglo XX, conserva su archivo fotográfico. Callahan no dejó apenas  obra  escrita   (diarios,   cartas,   libros  de  notas  o  notas  de   clase).  Su  método de trabajo consistía en salir casi cada mañana, pasear por la ciudad en la que vivía y tomar multitud de fotografías.  Después dedicaba cada tarde a sacar pruebas impresas de los mejores negativos que había realizado durante el día. De toda esta actividad fotográfica, el   propio  Callahan  estimaba  no haber  producido  más  de  media  docena  de   imágenes definitivas al año.

Willard Van Dyke 

(5 de diciembre de 1906 - 23 de enero de 1986) 

Fue   un productor   audiovisual y fotógrafo estadounidense  cofundador   del Grupo   f/64. Defendía que la fotografía ejercería una gran influencia en el mundo.

Realizó   estudios   en   la Universidad   de   California y   en   1929   entró   como   aprendiz   de fotografía   con Edward   Weston.   Realizó   colaboraciones   fotográficas   en   revistas como Harper's Bazaar, Life y Architectural Forum. 

En 1932 fue   cofundador   del Grupo   f/64 junto   a Edward   Weston e Imogen Cunningham entre otros, del que está considerado como uno de sus promotores teóricos. 

En 1935 expuso el trabajo de Dorothea Lange en su galería de Oakland, lo que permitió que   entrara   a   colaborar   con   Stryker   y   Tugwell   en   el   equipo   de   la Resettlement Administration que en 1937 fue adoptado por la Farm Security Administration. 

A partir de 1937 comenzó a dedicarse al cine realizando una serie de reportajes de tipo social. Comenzó trabajando como cámara en la película The River y después comenzó su trabajo  como productor  en The City y   los  documentales Valleytown y The Bridge,  hasta realizar la película Skyscraper en1960 que fue premiada en el Festival de cine de Venecia. Entre otros proyectos en 1945 se encargó de hacer una película oficial sobre la fundación de las Naciones Unidasllamada San Francisco. 

En 1967 formó parte del jurado del Festival de Cine de Berlín. 

Desde 1965 a 1974 fue el director del departamento de cine del Museo de Arte Moderno de   Nueva   York,   también   conocido   como  MoMA.   En 1972 comenzó   a   dar   clase   en laUniversidad  Estatal   de  Nueva  York y  en 1977 se   trasladó  a   la Universidad  Estatal   de Nuevo México.

En 1975 fue el encargado de organizar una exposición retrospectiva de Edward Weston en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Edward Weston

 (24 de marzo de 1886 - 1 de enero de 1958)

Fue un fotógrafo estadounidense que se caracterizó por utilizar una cámara fotográfica de placas con un formato de 18 X 24 cm y emplear el primer plano en temas naturales para obtener   formas   poco   corrientes.   Fue   uno   de   los   fotógrafos   más   importantes   de la fotografía directa y cofundador del Grupo f/64. 

Nacido el 24 de marzo de 1886 en Highland Park, desde temprana edad destacó por su trabajo artístico en fotografía en blanco y negro, aunque en sus comienzos se encuadraba en   el pictorialismo.   En 1911 abrió   un   estudio   de   retratos   en Glendale y   en 1914  fue miembro   fundador  de Los Angeles Camera Pictorialist sin  embargo  en   los  años  veinte 

evolucionó  hacia  una  fotografía  más  abstracta.  En 1921 conoció  a Tina  Modotti que se convirtió en su amante y por ello entre 1923 y 1925 mantuvo un estudio en México y se relacionó   con   los  movimientos   artísticos   del  momento.   La   influencia   de   su   amigo   el pintor Diego Rivera supuso un cambio completo en su estilo. 

El 12 de abril de 1924 expuso una serie de fotografías con tema industrial en el Café de Nadie, durante la Velada Estridentista, donde se dieron cita los artistas experimentales de diversas nacionalidades que en ese momento trabajaban o estaban de visita en la ciudad de  México.   Colaboró   en   el Estridentismo por  medio   de   publicaciones   en   las   revistas estridentistas   Irradiador y Horizonte.  Durante su estancia en México mantuvo amistad con Manuel Álvarez Bravo, Nahui Ollin y Frida Kahlo.

En 1927 regresó   a California instalado   poco   después   un   nuevo   estudio en Carmel contando con la colaboración de su hijo Brett. En sus trabajos fotográficos ya empieza a emplear una gran profundidad de campo y un alto nivel de enfoque en las escenas de paisajes y en sus retratos y de modo especial en los primeros planos de formas naturales poco usuales, que fueron las que le hicieron famoso posteriormente. La mayoría de su obra la realizó en una cámara de fuelle de 8x10 pulgadas lo que le permitía mayor nitidez y definición en las fotografías y poder obtener las copias en papel por contacto. En 1932 es   miembro   fundador   del   grupo   f/64   que   propone   esta   estética   próxima al realismo, que se enfrenta a la concepción pictorialista de la fotografía. 

En 1937 obtuvo una beca de la Fundación Solomon R. Guggenheim que fue la primera que se dio a un fotógrafo. Su compañeraCharis Wilson convivió con él desde 1934 a 1945, año en  que   se  divorció  y  durante  esa  época   realizó   varios   trabajos  por  encargo  como  la ilustración   de Hojas   de   hierba de Walt   Whitman,   o   colaboraciones   con Willard   Van Dyke o Nancy Newhall.

Sus últimas fotografías las tomó en la reserva de Point Lobos en 1948 y en esa época ya estaba   afectado   por   la enfermedad   de   Parkinson.  Murió   en   su   casa   de  Wildcat   Hill en Carmel Highlands en Big Sur, California el 1 de enero de 1958.