Todo Al Rojo. Realismo Socialista

8/19/2019 Todo Al Rojo. Realismo Socialista

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TODO AL ROJO - PÁGINA 1

UNED2014-2015Grado en Historia del Arte

Arquitectura y Vanguardiaen el Periodo de Entreguerras

TODO AL

ROJO

Boris VladimirskiROSES FOR STALIN


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UNA VISITA VIRTUAL AL REALISMO SOIALISTA

PRUEBA DE EVALUACIÓN CONTINUA

Nombre y apellidos: Mª Nazaret Castro

Dirección:

Correo electrónico: [email protected]

Código de la asignatura: 67024027

Centro asociado:


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En el año 1917 marca el fin del régimen zarista y se

instaura el primer régimen comunista del mundo. En

1927, se entrega el poder a Stalin, comenzando la era del

Stalinismo. En su gobierno se establecen unos planes

quinquenales para el desarrollo del país, poniéndoseen marcha el primero en 1929. Dos eran los objetivos:

desarrollar la industria y colectivizar la tierra. En la

década de 1940, Rusia había alcanzado el tercer puesto a

nivel mundial en producción industrial, después de EEUU

y Alemania.

La sociedad couminsta no conocía el paro ni las crisis

de los países capitalistas, pero el nivel adquisitivo de la

población era tan bajo que apenas permitía su subsistencia.

Por otra parte, la represión ideológica era enorme. Las

purgas políticas eliminaban cualquier posible adverariodel Estado. Diez millones de personas murieron durante

el Estalinismo. Stalin estuvo en el poder hasta su muerte,

en 1953. Para entonces, la URSS ya era una de las potencia

económicas y militares más importantes del mundo.

En este marco social se desarrolla el Realismo Socialista.

Al contrario que el periodo revolucionario de 1917-

18, caracterizado por el vanguardismo, se impone el

realismo llamadao “fotográfico”, donde los artistas y

arquitectos tenían que seguir las reglas del romanticismo

revolucionario. Se caracterizó por una crítica feroz a las

vanguardias, quedando prohibidas en 1932 en la URSS.

Todos los artistas fueron incorporados (a la fuerza) a la

Unión de Artistas.

TODO ALROJO

UNA EXPOSICIÓN SOBRE EL REALISMO SOCIALISTA


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El Realismo Socialista fue el estilo oficialdel arte Soviético desde mediados dela década de los 30 del siglo XX hasta ladisolución de la Unión Soviética. Su esenciareside en las premisas de los escritos deMarx, Engels y Lenin, emergiendo comoresultado del esfuerzo institucional en laintensificación y codificación del control

de las artes. Ekaterina Degot, en suartículo “El realismo socialista desde elpunto de vista de la crítica de arte”, explicaeste movimiento como contraposicióna las vanguardias, como un tipo de artetotalitario y propagandístico revestido de

formas conservadoras.

La vanguardia practicada por artistas

como Goncharova, Rodchenko y Malevichdominaron el periodo revolucionario en suprimer momento, ya que la nueva política

y el arte no tradicional fueron vistos comocomplementarios.

Sin embargo, el liderazgo comunista nuncaestuvo a gusto con este tipo de arte yquería un estilo que pudiera ser utilizadocomo propaganda para el estado soviéticoy que el hombre común pudiera entender.En 1930, las vanguardias fueron atacadas

por ser áridas, sin alma, formalistas y

fomentar el culto a las máquinas.

Su propósito era ser accesible a las masasy tener un propósito social desde unaóptica idealizada y optimista, a través dela transformación de los “habitantes de

la nación” en “ciudadanos soviéticos”. Enpalabras de Andrei Zhdanov, mediantela remodelación ideológica y educacionalde la clase trabajadora en el espíritu del

socialismo.

PRESENTACIÓN

“La educación es una arma cuyo efecto depende de quién

la tenga en sus manos y de a quién apunte”.

Josef Stalin.

REALISMOSOCIALISTA/


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ALEXANDER GERASIMOV /

Stalin y Voroshilov en el Kremlin

1938. Óleo sobre tabla. 150 x 195 cm.

Galería del Estado Tretyakov. Rusia.

YURI NEPRINTSEV/

Descanso después de la batalla

1955. Óleo sobre tabla. 192 x 300 cm.



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Con Stalin comenzó un proceso de censurasin límites con la intención de controlartodo el arte nacido en el seno de la URSS.Se suprimieron escuelas de arte y el canonsocialista se impuso.

En una sociedad revolucionaria, con ungobierno revolucionario, el arte debíaserlo también. El que no encajara debía

ser depurado. Todo arte formalista yprogresista fue considerado capitalista,por lo tanto no debía tener importanciapara el proletariado ni el proletariadopara él, por lo que fue censurado. MaximGorki llamó a la vanguardia (1907-1917) “ladécada más vergonzosa en la historia de laintelectualidad rusa”. Teniendo en cuentala severa represión, no es de extrañar quemuchos de los artistas más prolíficos dela vanguardia huyeran. Kandinsky, Chagall,Gabo y Pevsner se encontraban entre losque emigraron a causa de la represiónsoviética. Al final de los años 30, muchosartistas fueron incluso condenados amuerte o a trabajos forzados. Aquellosque no encajaban fueron censurados yacusados de formalismo artístico.

El propósito del Realismo Socialista fueelevar a la clase obrera y su trabajo, asícomo educar a los ciudadanos en lasmetas y el significado del comunismo. Adiferencia del arte burgués, no fue creado

para museos, galerías, coleccionistas

particulares ni especialistas, sino que

tuvo como único consumidor al propio

Estado. La cultura estalinista se proyectó

de una forma anticomercial, con el únicoobjetivo de educar y sobre todo dirigir alas masas.

El Realismo Socialista no fue entendido enla URSS como una corriente, sino como unametodología. Aunque podamos pensaren él como el “arte oficial”, el arte estabahecho por artistas que, aunque atados aun método y temática, podían desarrollarlas obras según sus ideas.

Hasta su final, las piezas artísticas del

Realismo Socialista fueron portadorasde la idea de comunismo del futuro, másque del socialismo de la época. Entresus temas encontramos la glorificacióndel héroe de la clase trabajadora, la

representación del crecimiento industrial,

la agricultura colectiva y la lucha contra el

capitalismo. Aun así, debido a su amplitudde temas, géneros, técnicas y prácticas, sudefinición como movimiento sigue siendocontrovertida.

En su mejor momento, nos dejó obrasllenas de vida, de una energía inmediatay llenas de potencia. En el peor, quedó deél una propaganda vacía que no enseñanada, que no emociona.

Sus orígenes se remontan al mismoRealismo y a la estéticas de los Ambulantesdel siglo XIX. En relación al Realismo,sus premisas básicas compartían larepresentación de la realidad lo más fielmente posible, apartándose de loideal y buscando lo bello en la realidadmisma. Como ejemplo podemos nombrar aDeineka y su obra “Futuros Aviadores”, enla que podemos observar la expresividad

de su libre creación aunque su temática secircunscriba al programa institucional.

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Respecto a los Ambulantes, dentro de laimpronta que dejaron en el arte ruso hastalos años 20, encontramos situaciones dedenuncia social y campesinos idealizados,como los de Reptin o Venetsianov, siendo

en una exposición celebrada en 1922cuando los artistas del Realismo Socialistasubrayan su conexión con ellos.

Después de la Revolución, variosmovimientos dispares surgieron pararepresentar el espíritu revolucionario. Elestallido de la Revolución Rusa provocóel exilio de muchos intelectuales queallí vivían, y a los que la dictadura del

proletariado no les agradaba aunqueeran de corte liberal y progresista. Otrossectores innovadores y rupturistas

surgieron, siendo uno de ellos fue la nuevaformación de la Asociación de Ambulantes,bajo la forma de Artistas Revolucionariosde Rusia.

Mientras tanto, los postulados del Realismo

Socialista comienzan a surgir, quedandorodeados por otras olas de expresióninfluenciadas por las dos décadasanteriores. Se recogieron en los sindicatosde artistas como El Frente de Izquierda,el Proletkult y la Sociedad de Pintoresde Caballete. Estos grupos captaron larevolución de forma diferente entre sí, yaunque finalmente fueron condenados por

el Régimen Soviético, sus ideas tuvieroncierta influencia en el posterior estilo delRealismo Socialista.

ALEKSANDR DEINEKA/

Futuros aviadores1938. Galería del Estado Tretyakov. Rusia.


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De 1932 a 1934 se publicaron más decuatrocientos textos sobre el RealismoSocialista. Dentro de ellos, se preguntabauna y otra vez qué tipo de realismopodría corresponder a los objetivosdel movimiento. Según las primerasdefiniciones, consistía en una mezclacontradictoria de varias filosofías,por lo que el establecimiento de sus

verdaderos objetivos y directrices resultóser problemático. De alguna manera, elinquebrantable sentimiento revolucionariodebía ser combinado con el realismo delos Ambulantes, que se basaba en granmedida en la documentación sobre lalucha de clases.

Para la realización del programa artísticoestatal, los artistas no podían dejar de

aprovechar algunas de las estilizacionespopularizadas en las décadas precedentes.Muchas técnicas de principios de sigloencontraron su camino en las grandes obrasde este periodo. En particular, el sentidodecorativo del color y el tratamiento de lalínea, se pueden observar en piezas comolas de Gerasimov retratatando a Stalin parael Congreso del Partido XVIII (1939).

Este movimiento no se dedicó a larepresentación estricta de la naturaleza yde las escenas sociales de una forma literal,sino que el “naturalismo” fue condenadodesde el principio. Lo “real” dentro deeste movimiento era más emocional e

intangible que las narrativas sociales y los

paisajes impresionistas de los Ambulantes.

Buscaban en la representación la ideade una fuerza poderosa, que evocara elorgullo soviético y que el movimientopudiese trascender a través del arte.

Además de la técnica, debemos tratar unelemento más concreto como fue el énfasispuesto en el tema. La importancia quedebía tener el mensaje en las obras quedóasí: debía representar un futuro comunistay un presente glorioso. Con este fin, loshéroes rusos, tanto contemporáneoscomo históricos, fueron representadosconjuntamente.

Un trabajo de Laktionov, Carta desdeel frente (1947), capta este mensaje.Representa a una familia donde se reúnenpara disfrutar felizmente de las noticiasllegadas desde las trincheras. Aunque laacción se llevó a cabo en un día nublado,sin sol, se iluminó la escena con un solbrillante, que encuentra la perfectarealización de la idea. El brillo, sin sertécnicamente real, dispara la fuerza de lapintura a través de un sentimiento optimistade vida e inmediatez. El arte soviético tuvo“alta misión” de describir con veracidadla vida de las personas, inspirándolaspara construir el comunismo y educar agrandes hombres, de sentimientos nobles

y un profundo conocimiento de la vida.

Las obras debían ennoblecer al hombre,

inspirándolo y dirigiéndolo hacia un actodel que sentir orgullo.

Algunos autores comentan que elmovimiento insistió de manera innata enuna estética imposible. El historiador dearte Mateo Cullerne Brown, en PinturaRealista Socialista, sostiene que elrealismo socialista pecó de ambicionescontradictorias, asegurando de esta forma

su fracaso como forma de arte. Se apoyóen los precedentes anteriores del realismo,

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pero mirando hacia delante, hacia un futurocomunista, aunque caracterizado por sunegativa a “crear”. La experimentación fueduramente criticada y rechazada comoarte genuino. Cuando el primer Congresode la Unión de Artistas de Rusia se reúneen 1960, se reafirman sus principios y,aunque se permiten algunos cambios, seburlan de los artistas “no oficiales”. Con

artistas no oficiales entendemos los quetenían que vender , ya fuera en privado o através de marchantes (o trabajar en otrasprofesiones para salir adelante). Muchosde estos artistas fueron exportados a losEstados Unidos.

Un punto de vista más matizado, tanto

artística como políticamente, es el quemanifestó el círculo de historiadoresdel arte norteamericanos de izquierdasagrupados en torno a la revista October.Esta línea de opinión se formó en buenaparte bajo la influencia del artículo“AvantGarde and Kitsch”, de ClementGreenberg, donde se analiza el artesoviético desde el punto de vista de lamodernidad occidental. Se describe comoel más clamoroso ejemplo de kitsch ycontraponiéndolo a la vanguardia más

innovadora, por su carácter mecánico,y a la obra única, por su propensión a lareproducción masiva.

Por el contrario, la concepción que adelantóBoris Groys insiste en que éste representa eldesarrollo creativo de todas las tendencias

artísticas precedentes y, por lo tanto,

también de las vanguardias. Los críticosde Groys habitualmente argumentan quesu concepción representa una lecturaposmoderna del arte estalinista. Esto escierto en cuanto que el realismo socialistase veía a sí mismo como un arte “posteriora la modernidad burguesa”.

ALEXANDER LAKTIONOV/

Carta desde el frente1947. Óleo sobre lienzo.



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REALISMO SOCIALISTAEN DIEZ PUNTOS ESENCIALES


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Estilo que dominó la pintura soviética durante 50 años a partir de la década de 1930.Tanto el estilo como el contenido fueron controlados por el Estado con el propósitode promover los objetivos del socialismo y el comunismo.

Hunde sus raíces en el neoclasicismo y en las tradiciones del realismo en la literaturarusa del siglo XIX, que describe la vida de la gente sencilla. Se ejemplifica con lafilosofía de Gorki, el trabajo de los Ambulantes y Jacques-Louis David como influencianotable.

Los artistas estuvieron bien entrenados en las escuelas de arte, mientras que estatradición se fue debilitando en Occidente, donde la originalidad se consideró másimportante que el estudio riguroso.

Para Occidente fue objeto de burla por considerarlo Kitsch, pero el estilo cuenta conobras de gran interés y originalidad.

Las obras de arte, según los postulados del Régimen debían ser:

Proletarias: relacionadas con los trabajadores y comprensibles para ellos.

Típicas: escenas de la vida cotidiana y de las personas.

Realistas: en el sentido de representación.

Comprometidas: con los objetivos del Estado y del Partido.

Su objetivo fue elevar al trabajador común, ya fuera de fábrica o agrícola, mediante larepresentación de su vida y el trabajo de una forma que resultara admirable.

La censura y los intentos de controlar el contenido del arte no habían comenzadotras la Revolución, sino que eran una característica de largo arraigo en la vida rusa.El castigo por incumplimiento era un asunto serio, pudiendo llegar a la exclusión y aldestierro del artista.

Mientras que en las sociedades de mercado, los artistas profesionales se ganaban lavida vendiendo a la alta burguesía o aristocracia, en la sociedad soviética no solo sesuprime el mercado, sino que pocos o ninguno de los individuos fueron capaces depatrocinar las artes y no había un comprador posible que no fuera el estado. La faltade competencia no proporcionó un incentivo para sobresalir, lo que embrutece tantolas artes como otras esferas de la vida soviética.

El arte estaba lleno de salud y felicidad, con pinturas repletas de escenas industrialesy agrícolas, donde entraban en acción “héroes” en el sentido socialista del término.

Los artistas tenían el mismo estatus que matemáticos, escritores y funcionarios delEstado, permitiéndoles por ello el acceso limitado a otras ciudades para perfeccionarsu técnica y mantener relaciones de cierta diplomacia.

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GALERÍA

Artistas invitados:

Isaac Brodsky. Lenin en el Instituto Smolny.

Valentina Kulagina. Panel para la Unión de Exposiciones Agrícolas.

Gustav Klutsis. Bajo la bandera de Lenin para la construcción del socialismo.

Boris Kustodiev. El Bolchevique.

Yuri Pimenov. Nueva Moscú.

Mijaíl Nésterov. Los filósofos.

Kliment Redko. Sublevación.

Aleksander Deineka. Corredores.


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ISAAC BRODSKY

Isaac Brodsky (1884-1939), nace en Ucrania y

se forma como pintor de paisajes y retratos

de corte academicista. Su maestro fueel gran autor realista Ilya Repin. Tras la

revolución proletaria rusa (1917) y la guerra

civil, su obra se inscribe dentro del Realismo

Socialsita, derivando hacia postulados

hagiográficos que ensalzaban las virtudes

de la clase obrera y el socialismo, dentro de

las directrices marcadas por Stalin.

ISAAC BRODSKY/

Lenin en el Instituto Smolny

1930. Óleo sobre lienzo.

190x187 cm


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Su técnica logró desmarcarle de otros pin-tores, mediante el empleo del color y la

luz, que hace de sus obras piezas de granbelleza estilística. Tampoco participó delos excesos respecto al engrandecimien-to exagerado de temas y personajes quemanifestaron otros autores, pero sí con-siguió acercarnos la tensión y la emo-ción catacterísticas de este movimiento.Sabemos que en ocasiones empleaba fo-tografías como base de sus composicionesque, sumado a su formación academicista,explica el por qué de un realismo tan verazen sus cuadros.

En esta obra, el artista ha elegido unmomento y lugar específico para plasmarla acción de la pintura (los primerosmeses del régimen soviético, cuyo ComitéCentral se encuentra en el edificio del

Instituto Smolny para las Damas Noblesde Petrogrado).

Una atmófera íntima preside lacomposición, en la que Brodsky pretendetransmitir un retrato con una semejanzaabsoluta del retratado, donde presentaa Lenin concentrado, mostrándonos unaspecto casi empresarial, concentrado en

su tarea, y de perfil respecto al espectador.La figura está dibujada a una escala casi

natural, lo que asegura la sensación derealismo y permite al espectador sentirte

justo delante del líder, por así decirlo.

La representación por el pintor es tanprecisa y minuciosa, que de hecho loconsigue. El color de la pintura se asemejamucho al color real del ambiente, dondeno escatima en detalles como el cable deluz a la salida. Esta especificidad ayuda afortalecer la exactitud de la interpretación

y subraya la importancia histórica delmomento.

Esta obra fue hecha después de la

muerte de Lenin, y tenía la intención de

canonizar a la imagen del líder mundial del

proletariado, consiguiendo una obra que,

además de introducir al espectador en la

historia del siglo XX, le obliga a reflexionar

sobre su pasado.

Dentro de un régimen tan opresor, su obrano solo sirve de crónica del momentohistórico, sino también de que el arte,independientemente de los mecanismospolíticos que lo gestionen, puede

entenderse e interpretarse desde diversospuntos de vista.

INDEPENDIENTEMENTE DE LOSMECANISMOS POLÍTICOS QUE

GESTIONEN EL ARTE, ÉSTE PUEDE

ENTENDERSE E INTERPRETARSEDESDE DIVERSOS PUNTOS DE VISTA.


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VALENTINA KUNAGINA

Poco sabemos acerca de las mujeres

artistas de la década de 1930 bajo el

gobierno de Stalin. La generación demujeres artistas de la década de 1930basaron el logro de sus antecesorasconstructivistas en el diseño del cartel,aunque con algunas diferencias. Muchasde ellas trabajaban este medio no porel borrado de la jerarquía de las artes através del arte utilitario, sino porque elsistema artístico soviético era cada vez másconservador y volvió menos accesible elacceso de la pintura a las mujeres. Por otraparte, se centraron en el tema de género no solo por su compromiso, sino porquea menudo eran los únicos temas que seles asignaban, dentro de una estructurainstitucional sexista, en la que solo a losartistas masculinos se les otorgó acceso alos temas “universales”.

Valentina Kulagina es una figura detransición entre las mujeres artistas dela vanguardia de la década de 1920 y sushomólogas figurativas en la década de 1930.Estudió a los constructivistas e incluso secasó con uno de ellos, trabajando en eldiseño de cartelería como un compromisocontinuo para hacer llegar el constructivimoa las masas.

A través del trabajo deValentina Kulagina

,los actos cotidianos del trabajador y

soldado se vuelven heróicos.

VALENTINA KUNAGINA/

Panel de fotos para el hall de entrada delPabellón de Siberia de la Unión de

Exposiciones Agrícolas.1938. Impresión en plata.

21x11,5 cm


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Su representación de varias figurasque realizan la misma tarea al unísono,refunden las actividades mundanas enheroicas para el colectivo. De hecho, suscarteles más conocidos tratan el tema delDía Internacional de la Mujer Trabajadoraen 1930 y 1931. Aunque Kulagina utiliza

la técnica del fotomontaje, sus diseñosson conceptualizados sobre todo entérminos de forma y color, con fotografíasadicionales en los planos secundariosy normalmente sumergidas bajo capasde color. Sus temas, tanto históricoscomo contemporáneos, a menudo sonmodificados por grandes figuras dibujadasa mano que tratan de transmitir la energíade la obra proletaria.

Fue criticada por usar imágenes dibujadasa mano en sus carteles, lo que la apartabade la ortodoxia vanguardista en contra decualquier tipo de figuración que no fuerafotográfica. Sin embargo, muchas mujeresartistas modernistas la tomaron comoinspiración, experimentando nuevasformas de figuración. Desarrollaron unnuevo tipo de arte moderno y realista,como medio de transmitir el idealsocialista de una mujer igual de fuerte,no estando sujeta a desigualdades y a la

objetivación a la que se enfrentaban las

del occidente capitalista. Para Kulaginano había diferencia entre el fotomontajey el dibujo, sino que eligió las imágenesque mejor transmitían el tema asignado.

En esta obra, respondió a la difícilasignación de presentar una imagenpositiva de las trabajadoras del colectivo

femenino proletario, precisamente en elmomento más brutal de la colectivizaciónforzada del gobierno soviético dela industria. Dado que las mujereseran particularmente resistentes a lacolectivización, debido a la tradición delideal de vida doméstica y religiosa, el

gobierno las convirtió en el foco de suscampañas de propaganda. Kulagina hizohincapié en la importancia de las mujeressoviéticas y sus logros, como contrapesoa su objetivación, que persistió en la URSSa pesar de la retórica de igualdad.

Kulagina nació en 1902 y se unió ala Vkhutemas en 1920. Allí estudióconstrucción gráfica y arte, donde conoce

a Klutsis, casándose al año siguiente. Alo largo de esa década, vivieron en comobecarios en la escuela, que tambiénalbergaba a Rodchenko, Stepanova ySenkin. En 1928, se une al grupo October,un grupo de artistas cuyos miembrosincluyen a Klutsis (que estaba a cargo dela sección de fotomontaje), Rodchenko,Ignatovich y Lissitzky.

Después de graduarse, trabajó paraIzogiz (Grupo de Arte Editorial del Estado)y VOKS (Sociedad para las RelacionesCulturales en el exterior), encargándosede la recepción de comisiones nacionalese internacionales para los diseños decarteles de exposiciones. Después de ladetención y ejecución de Klutsis en 1939,y hasta el comienzo de la Segunda Guerra

Mundial en 1941, trabajó como diseñadorade fotomontajes para la Unión deExposiciones Agrícolas.

LA IMPORTANCIA DELAS MUJERES SOVIÉTICAS Y SUS

LOGROS, COMO CONTRAPOSICIÓN A

SU OBJETIVIZACIÓN.


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GUSTAV KLUTSIS

Gustav Klutsis fue uno de los pioneros enel uso del fotomontaje dentro de las artesgráficas soviéticas. Combinó imágenes dearchivo con figuras políticas, de su propiafamilia, y fotografías de carteles de la callecuidadosamente compuestas de dirigentesy trabajadores soviéticos.

GUSTAV KLUTSIS/

Bajo la bandera de Lenin para

la construcción del socialismo.1930. Litografía.

37x27 cm


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Experimentó con las técnicas de la doble

exposición y el fotograma, documentando

su proceso artístico fotografiando como

trabaja sus montajes, siendo a veces una

fotografía el formato final de su pieza

terminada. Sus obras, encargadas por el

Estado, conmemoraron los aniversarios

y acontecimientos políticos, mientrasque la valorización del proletariado la

consiguió exhortando a los trabajadores

a tomar el mando a la manera de Marx,

Lenin y Stalin.

En esta obra, celebra la rápida

industrialización que se había iniciado

en el marco del Primer Plan Quinquenal

de 1928. Retrata a Stalin como legítimo

sucesor de Lenin en el liderazgo dela Unión Soviética. A pesar de estar

conectados, Stalim aparece de una

forma algo fantasmal al fondo. Lenin,

sin embargo, ocupa la posición central y

sugiere que fue Lenin y no Stalin el padre

de los bolcheviques. A pesar de todo,

la estrella de Stalin continúa brillando.

Aunque el mensaje era ortodoxo, el cartel

tiene el tipo de composición dinámica queStalin condenó. Lo llamó “formalismo”,

convirtiéndolo en un crimen artístico.

Justo después de la realización del cartel,

a principios de 1930, el estalinismo se

centró en el diseño de cartelería a base

de fórmulas rígidas y banales dentro del

arte de propaganda.

El “culto a la personalidad” fue un aspectomuy importante dentro del programa

de propaganda visual del partido

comunista. Todas las áreas de la vida civil

fueron inundadas con retratos, carteles

y estatuas que celebraban el legado de

estos grandes hombres. De hecho, el culto

a la personalidad juega un papel muy

importante en la preservación y facisnación

que el comunismo despierta en nuestros

días. Con el nazismo encontramos tambiénun ejemplo parecido.

Klutsis nace en Letonia en 1985. Fue

reclutado por el ejército ruso en 1915 y

participó en el derrocamiento del zar y

el asalto al Palacio de Invierno de 1917.

Desarrolló su lealtad a Lenin a principios

de su vida, ya que sus hermanos fueron

arrestados y llevados al exilio como

opositores al régimen. Klutsis intentótraer a Lenin de vuelta en sus últimos

carteles, a pesar de los intentos de Stalin

de erigirse como el gran fundador del

bolchevismo.

Klutsis estudió en Vkhutemas, con

Malevich, donde conoce a su futura

esposa, Valentina Kulagina. Fue profesor

en la escuela después de la graduación ycofundaron el grupo de artistas October,

junto a El Lissittzky, Rodchenko y

Einsenstein. En 1937, Klutsis supervisó la

producción de los paneles de fotomontaje

para el pabellón soviético en la Exposición

Internacional de Arte y Tecnología en París.

Fue arrestado por el gobierno de Stalin en

enero de 1938, poco después de regresar

de París, por su presunta participación enuna organización fascista-nacionalista.

Fue ejecutado tres semanas más tarde.

EL CULTO A LA PERSONALIDAD JUGÓUN PAPEL MUY IMPORTANTE EN LA

PRESERVACIÓN Y FASCINACIÓN DEL

COMUNISMO.


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BORIS KUSTODIEV

Kustodiev nace en Astracán en 1878.Estudia en San Petersburgo, en la Academia

de Bellas Artes, siendo uno de los alumnosfavoritos de Ilya Repin. Retratista notable,fue invitado por su maestro para trabajaren una gran pintura ceremonial de losmiembros del Consejo de Estado. Sinembargo, el artista expresó al máximo enlas pinturas de género el tema de la vidade los comerciantes en Rusia.

BORIS KUSTODIEV/

El Bolchevique.1920. Óleo sobre lienzo.

101x141 cm. Galería Estatal de Tretyakov. Rusia.


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Sus pinturas son festivas, con colores

brillantes. Visitó Francia y España como

titular de la Academia, estudiando através de Europa los grandes tesoros del

arte occidental.

Durante la primera revolución rusa (1905-

1907), Kustodiev dibujó caricaturas para

diversas publicaciones. En 1908, comenzó

a trabajar en el campo del retrato

escultórico. Desde 1911, fue miembro deasociaciones como la Unión de Artistas

Rusos. Su vida y obra están vinculadas

inseparabalemente con el Volga y con

los campos de la zona, donde pintaba

escenas de la vida rural tradicional,

como las ferias, el carnaval y las fiestas

populares. Kustodiev ocupa un lugar de

honor entre los artistas de principios

del siglo XX que trabajaron para crearuna nueva cultura socialista. Un pintor

con mucho talento, maestro del retrato

psicológico e ilustrador de libros.

Su talento se hace más evidente en sus

pinturas sobre temas de género, en las

que transmitió la fuerza inagotable y la

belleza del alma rusa. A pesar de contraer

tuberculosis y posteriormente quedar

inválido, su trabajo permanece radiante yoptimista.

“Ahora todo mi

mundo es micuarto.”

Después de la Revolución, Kustodiev

buscó crear imágenes que transmitieran

la grandeza e importancia de los cambios

que habían tenido lugar en el país.

Inventó entonces un nuevo tipo de héroenacional. Interesado en el diseño de

escenografía, este talento fue evidente en

El Bolchevique. Vemos la figura gigantesca

de un bolchevique que lleva una bandera

de color rojo, caminando a través de

una ciudad. La imagen es enérgica,

indomable, llena de fuerza y voluntad. A

pesar de su ingenuidad y artificialidad,

la pintura se mueve tanto por su estiloaudaz como por su composición, y por la

sinceridad de la respuesta del artista a

los acontecimientos de la época.

El Bolchevique nos remite a La libertad

guiando al pueblo de Delacroix. También

participa de una composición piramidal,

con el vértice en el asta de la bandera, y

un significado de libertad y revolución a

través del movimiento y la acción.

“NO SÉ SI HE TENIDO ÉXITO EN LAEXPRESIÓN DE LO QUE YO QUERÍAEN MI OBRA: EL AMOR A LA VIDA, LA

FELICIDAD Y LA ALEGRÍA. EL AMORHACIA RUSIA: ESE FUE EL ÚNICOTEMA DE MIS PINTURAS.”


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YURI PIMENOV

Yuri Pimenov (1903-1977) participó en el

periodo experimental del arte soviético

durante el nuevo régimen político, pero

inclinándose hacia la figuración y elestilo de la Compañía de los Pintores de

Caballete. Fue un artista único. Aunque el

realismo socialista era el único tipo de arte

en la antigua URSS oficialmente aprobado,

no tuvo miedo en experimentar con estilos

y técnicas y desarrolló su propia manera de

expresar la pintura.

YURI PIMENOV/

Nueva Moscú.1937. Óleo sobre lienzo.

140x170 cm. Galería Estatal de Tretyakov. Rusia.

“El arte tiene un alma sutil. Cuanto más

inteligente y complicado se vuelva un hombre,

más rico y profundo será su arte. Es el arte

el que requiere inteligencia, no la artesanía.

Se requiere de una organización especial y

delicada del alma... la búsqueda de lo real, la

exploración del mundo... no tiene límites.”


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Aunque el objetivo del Realismo Socialistaera dar forma a una visión del mundorevolucionaria, los mundos creados porPimenov no parecen serlo tanto. Suespíritu romántico brilla, incluso a través

de los retratos de los trabajadoresordinarios, vistos ahora como Héroesdel trabajo socialista y constructores delcomunismo. A partir de sus grandes lienzosde la década de 1920, fue trabajandohacia formatos menores, más sutiles enel contenido, la forma y el color, comomedio de evocar la vida cotidiana de suscontemporáneos de una forma poética.

La forma en la que él admiraba la bellezade la vida, la ternura y la preocupaciónque sentía por ella, se hace presente encada escena, en cada retrato, en cadanaturaleza muerta, escribió el académicoBoris Nemensky en sus memorias. Desdemediados de la década de 1930, Pimenovtrabajó en una serie de pinturas sobreMoscú, incluyendo esta obra, que se hizoespecialmente popular. Muchas cosas

parecen estar ocurriendo en esta escena.A primera vista, la imagen recuerda a laatmósfera de Nueva York, sobre todo alas fotografías de Berenice Abbott. Lacomposición se realizó como si de unfotograma capturado por la lente de unacámara se tratara. El artista pone el acentoen la figura de una mujer al volante de unautomóvil, presentándola ante nosotros.A través de ella nos adentra en el espaciode la pintura, y nos invita a mirar a laciudad del mañana a través de los ojos de

su heroína – las siluetas bien formadas decasas nuevas, las grandes extensiones delas calles y las plazas, la letra del metroque se acaba de abrir. Todo esto es es elalegre y renovado Moscú. Conduciendoun vehículo, podemos pensar que laprotagonista está emancipada, y comparte

con occidente el hecho de la conducción,ya que posiblemente su destino era serama de casa. El clavel rojo en la ventana

lateral se nos presenta como símbolo delsocialismo, motivo iconográfico que serepite también en el patrón de su vestido y en las banderas rojas del edificio de laUnión en el frente. Los coches se parecen

a los Ford, y puede ser que lo sean, pero elque ella conduce y la mayoría de los cochesde la época eran versiones soviéticasde automóviles occidentales. No haymuchos coches alrededor porque todavíamuchos no podían pagarlos. Tenemos lasensación de que se dirige hacia algúnevento relacionado con el ocio, porquetanto su vestuario como los de los demás

transeúntes así nos lo sugieren. No soncampesinos o trabajadores. Quizás fuerahacia el teatro, dado el gusto de Pimenovhacia las obras extranjeras y su trabajoen cartelería para teatro. El color, que sepresenta jugando con una multitud decolores y tonos, se define con un trazode pincel que transmite la vibración dela luz y el aire. La técnica de la pinturaimpresionista crea una sensación de

ligereza, de refinamiento, a lo largo detoda la estructura de la lona. La imagencreada por Pimenov fue vista por suscontemporáneos como una imagenpoética de los tiempos, un símbolo de lanueva vida, donde se celebra la ciudady los ciudadanos. Estos rascacielossoviéticos fueron construidos en lo queantes fue Tierra Santa. La mujerse dirigehacia el edificio de la Unión con lasbanderas rojas y la estatua de Stalin oLenin. El estalinismo era la nueva religión.

LA ASOCIACIÓN PINTORES DE CABALLETEEran “pintores de género, románticos,muy emocionales y al mismo tiempo

“abstractamente” técnicos.”http://arterusouv.blogspot.es/1295988318/la-pintura-en-la-etapa-del-

realismo-socialista/


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MIJAÍL NESTEROV

Los retratos fueron una parte muyimportante de la obra de Nesterov, ademásde extensa (hasta prácticamente la décadade 1930). Comenzó pintando al estilo de

los Ambulantes, siendo siempre exigenteconsigo mismo. Nesterov creía que susretratos no eran del calibre de los de suspredecesores, como Perov o Repin.

MIJAÍL NESTEROV/

Los Filósofos.1917. Óleo sobre lienzo.

125,5 x 126,1 cm. Galería Estatal de Tretyakov. Rusia.


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Casi todos sus retratos creados antes

de la Revolución fueron destinados más

tarde a ocupar enormes composiciones

o murales. Se centró en las personascercanas a él -miembros de su familia,

amigos y asociados.

Antes de la Revolución Bolchevique de

1917, retrató a destacados pensadores y

filósofos rusos, entre ellos “El arzobispo

Anthony”, “Los filósofos” y, más tarde “El

Pensador” (1922). Estas piezas reflejan su

búsqueda de certezas morales, así comoreflexiones profundas, para despertar la

conciencia de lo que estaba aconteciendo

en el país. Se mostró satisfecho con estos

retratos, que impulsaron su confianza

como artista.

La década de 1920 fue el comienzo de

una nueva etapa en su carrera creativa.

Cuando más envejecía, más pasión y

energía muestran sus retratos. Casi

siempre escogía los modelos a retratar él

mismo, rechazando trabajos por encargo

que le privarían de la comprensión e

interpretación de los mismos. En la

década de 1930, Nesterov pintó retratos

de algunos temas que él ya había tomado

anteriormente, motivado por el deseo de

crear una imagen refinada acorde con lanueva situación política. Pintó a Tolstoi,

Shaliapin y a Pavlov, además de a otros

muchos intelecturales rusos de la época.

No fue amigo de la revolución, pero se

ajustó a ella en cuanto pudo, evitando

las discusiones políticas y refugiándose

en su vida privada. Cuando la revolución

rusa ocurrió, contando con 55 años (y 40

de trabajo tras de él), reunió suficienteresistencia y fuerza de voluntad artística

para convertirse en un artista clásico del

arte soviético, como indican sus retratos.

En “Los filósofos”, Nesterov cuenta con

los grandes pensadores rusos Bulgakov y

Florensky. El retrato fue el resultado de

un entusiasta trabajo, consiguiendo, como

él mismo la denominó “una obra de un

solo golpe”, sin bocetos ni borradores. La

composición representa a los pensadores

teológicos que toman un paseo, tomando

la idea años antes a través de una pieza

de su obra “En la Rus” (Alma del pueblo).

Bulgakov escribió en sus “Notasautobiográficas”: “El artista no planteó

solamente un retrato de dos amigos, sino

una imagen espiritual de la época, con

dos caras que expresan la misma idea,

solo que de manera diferente. Uno de

ellos vio un horror y el otro, la paz. Lo

consideré un acto de previsión artística

de dos imágenes apocalípticas de Rusia.”

LOS AMBULANTES → A partir de 1960, y bajo

el influjo de los escritos de Chernichevski y

de Prakhov, la nueva generación de pintores

rompe con el clasicismo académico y busca

revelar la comunión del hombre ruso con la

naturaleza.

En la Sociedad de Artistas Ambulantes, los

artistas se reúnen para trabajar en un arteque debe estar al servicio del pueblo, con la

idea de difundirlo por todo el imperio (de ahí

el nombre de “Ambulantes”), y mostrar así la

realidad social y política rusa de la época.

Los temas del movimiento fueron la pintura

histórica, de género, el paisaje y como una

escena íntima puede transformarse en una

representación conjunta del pueblo ruso. Los

ambulantes consideraron que solamente elrealismo les permitía actuar y mostrar la vida

social.


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KLIMENT REDKO

Redko vio la Revolución de 1917 como unsímbolo de libertad, una oportunidadúnica para que los artistas pudieranexperimentar libremente, dedicándose a

cultivar su propia técnica. Fue uno de losmuchos artistas que ayudaron a decorarlas celebraciones de la Revolución.

KLIMENT REDKO/

Levantamiento.1925. Óleo sobre lienzo.

170,5 x 212 cm.


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Trabajó para el Centro de Estudios de

Arte y Diseño de Kiev después de la toma

del poder bolchevique, en colaboración

con Chelischev, decorando las calles y

plazas de Kiev con fotos y paneles sobre

el comunismo. En 1927, fue enviado a París

para mejorar sus habilidades artísticas.

Allí trabajó en el departamento de

exposiciones de los delegados comerciales

de la URSS en París, manteniendo

contactos con el diario Le Monde.

Sus obras fueron expuestas en el PalacioReal, y galerías como Grandjean, Castelle

y Vignon. Se hizo amigo de Picasso,

convirtiendo sus años en París en un

periodo de posterior madurez artística.

Después de la Segunda Guerra Mundial,

Redko fue excluido de la Unión de Artistas

por sus tendencias burguesas durante el

segundo periodo de las represiones deStalin. La única manera de ganar dinero se

convirtió en la enseñaza de aficionados al

arte de la Academia Timiryazev. Muere en

1956 sin ningún tipo de reconocimiento

oficial.

En el centro de su vida, un año justo

después de la muerte de Lenin, Redko

completó su obra maestra “Uprising”

(levantamiento). No fue considerada como

una gran obra, pero es en la que más se

involucra como artista.

En un primer momento, pensó en llamarla“RCP”, pero luego le cambió el nombre por

“Revolución”, para finalmente cerrarla con

“Uprising”.

Al igual que muchas de las vanguardias,

Redko abrazó la revolución. Pensaba,

como muchos otros artistas, que la nueva

era traería consigo nuevas creaciones en

el arte y nuevas ideas en la forma de vida,nutridas además por las innovaciones

tecnológicas.

Esta obra, a pesar de mostrar su

admiración a Lenin, es considerada por

algunos críticos como una imagen de

la tragedia. A pesar de manifestar la

rebelión, la subyuga a los viejos sistemas.

La composición de “Uprising” recuerda ahitos iconográficos cristianos, con el líder

en el centro del gran diamante rojo como

continuación del Salvador, en majestad.

La geometría de las perpendiculares y

diagonales, donde encontramos a Trotsky,

Krupskaya y Lunacharski, transmite

energía pero nos deja una obra con un

diseño lleno de contradicciones. Aun

acogiendo el beneplácito de la revolución,

nos revela también su lado oscuro.

REDKO PENSABA QUE LA NUEVAERA TRAERÍA CONSIGO NUEVAS

CREACIONES EN EL ARTE Y NUEVAS

IDEAS EN LA FORMA DE VIDA.


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ALEKSANDER DEINEKA

Deineka es uno de los artistas que consiguehacernos dudar de la oposición, en loque a Realismo Soviético se refiere, entrevanguardia y kitsch. Nace en 1899 en Kurks,y estudia en la Escuela de Arte de Kharkov.Participa en la guerra civil posterior a laRevolución, del bando del Ejército Rojo.

Consigue una beca en 1920 para estudiaren los Talleres Artísticos Superiores deVkhutemas, pero abandona ese camino“experimental” (como el de Malévich,Popova o Rodchenko) y prefiere unaestética más conservadora.

ALEKSANDER DEINEKA/

Corredores.1932-33. Óleo sobre lienzo.

Museo Estatal Ruso.


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Una vez que abandona la Vkhutemas,

cofunda en 1925 la OST (Sociedad de

Pintores de Caballete), un grupo que

proclamaba la preeminencia de la pintura

figurativa sobre el arte revolucionario,

aunque no oculta la influencia de la

modernidad en su obra. En las obras

de esta etapa, vemos la influencia

del lenguaje visual del fotomontaje,

desarrollado previamente por Klutsis,

aunque la afina mediante el uso de la

pintura para conseguir una estética más

tradicional.

Este resurgimiento de la tradición pictórica

figurativa puede verse como la vuelta al

orden promulgada por el Régimen.

En esta obra, Deineka nos presenta la idea

de cultura física, higiene y disciplina de

los cuerpos de los ciudadanos socialistas.

Este concepto fue de gran preocupación

para las autoridades soviéticas.

A pesar de que la idea de perfección

física socialista era diferente de la

capitalista, hubo un debate continuo

acerca de su naturaleza, que comenzó

en 1920 y se definió en 1934. Los clubes

deportivos pre-revolucionarios habían

sido accesibles solo a las clases sociales

privilegiadas, dentro de ideologías

contrarias a la bolchevique. El Estado

soviético promovió organizaciones que

alentaron la higiene física al tiempo que

evitaron la competencia malsana que

encarnaba el espíritu del capitalismo. El

programa educativo físico fue dotado de

una gran parte de financiación estatal.

Los cuerpos de los protagonistas aquí

no son objetos de deseo, sino que se

presentan asexuados, oficializados. Si

en el arte nazi se ensalzaba el cuerpo

aristocrático, en el realismo socialista es

el cuerpo proletario el que toma el poder.

El papel del Estado en la salud física fue

una característica notable de la década

de 1930. Consiguió una generación más

saludable que cualquier otra, presentando

los cuerpos sanos como metáfora de

las mentes sanas, inmaculadas ante

la psicosis y las depravaciones de sus

contrarios occidentales.

La cultura física, la disciplina y el

entrenamiento de del cuerpo socialista

como hogar de la mente socialista, fue

uno de los movimientos más populares

de la década. Se ensalzó además la

importancia del deporte de masas,

puesto que el rechazo a la actividad

física de la burguesía y aristocracia se

mostraba como lo sucio y mundano.

ESTE RESURGIMIENTO DE LATRADICIÓN PICTÓRICA FIGURATIVA

PUEDE VERSE COMO LA VUELTA

AL ORDEN PROMULGADA POR ELRÉGIMEN.


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BIBLIOGRAFÍA


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· BATCHELOR, D.; WOOD, P.; y FER, B.: Realismo, racionalismo y surrealismo.

El arte de entreguerras 1914-1945. Madrid, Akal, 1999.

• CHIPP, Herschel B., Teorías del arte contemporáneo: fuentes artísticas y

opiniones críticas. Madrid, Akal, 1995.

· CALVO SERRALLER, Francisco, GONZÁLEZ GARCÍA, Ángel y MARCHÁN FIZ,

Simón, Escritos de arte de vanguardia 1900-1945. Madrid, Istmo, 2008.

· Videoconferencias elaboradas por el Equipo Docente.

· DEGOT, Ekaterina. El Realismo Socialista desde el punto de vista de la crítica

de la arte. Material facilitado por el Equipo Docente de la asignatura.

· Fundación Joan March. ALEKSANDR DEINEKA (1899-1969). Una vanguardia para

el proletariado. Madrid. 2011.

ARTÍCULOS ONLINE

·http://es.rbth.com/articles/2012/01/15/la_utopia_romantica_de_

deineka_15181.html

· http://arterusouv.blogspot.es/

· https://artoftherussias.wordpress.com

· http://www.moma.org/collection/theme.php?theme_id=10195

·http://www.guggenheim.org/new-york/education/sackler-center/sackler-

exhibitions/past-exhibitions/230


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