Todo hombre un Rembrandt"Every man a Rembrandt"

----- Epifanía del reflejo -----

Juan Felipe Salamanca Fajardo

Trabajo de grado presentado para optar por el título de Maestro en Artes Visuales con énfasis en Expresión Audiovisual

Asesor

Andrés García La Rota

PONTIFICIA UNIVERSIDAD JAVERIANAFACULTAD DE ARTES

ARTES VISUALESBOGOTÁ, NOVIEMBRE DE 2009

_______________________

Firma del Asesor

Todo hombre un Rembrandt / II

Nota de aceptación:

________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________________

________________________________ Firma del jurado

________________________________ Firma del jurado

________________________________ Firma del jurado

Todo hombre un Rembrandt / III

Agradecimientos

Quiero agradecerle primero que todo a mis padres, Adriana y Juan Carlos; por estar ahí de una u otra forma, los tres sabemos que nada a sido fácil, pero se que estamos seguros de nosotros y de lo que somos capaces de hacer (en el buen sentido). Gracias por enseñarme a soñar y a trabajar por lo que quiero. Camila, mi hermanita (siempre será mi hermanita chiquita); gracias por ser esa personita de carácter que a pesar de la adversidad su corazón es honesto y lleno de ilusión.

A mi esposa Adriana, y mis hijas Antonia y Martina. Son las mujeres que me impulsan a soñar con el mundo en mis manos; un mundo para los cuatro en el que vamos a construir un castillo con todos los colores del arco iris, donde la luz de las estrellas siempre hará parte de nosotros. ¡Esto es solo el principio!

Camilo Pérez y Carlos Roa, gracias por creer en mi de la forma en que lo hacen. Estén seguros que en nuestra compañía nunca se pondrá el sol.

Por último a todos mis profesores, especialmente a Carlos García por tener una enorme paciencia y tratar de ver el lado humano en mi. Andrés Garcia La Rota por creer en mis ideas, por ayudarme a traducirlas a un lenguaje universal y por depositar su confianza en mi. Ana Maria Lozano por la mirada critica pero siempre constructiva y comprensiva. Clemencia Póveda por enseñarme a ver todo el espectro del color y transmitirme parte de su sabiduría.

Quisiera hacer un agradecimiento especial a Julio Robayo. Gracias por ser la persona que es, la universidad no hubiera sido igual sin un amigo como usted.

Todo hombre un Rembrandt / IV

Para Adriana, Antonia y Martina.

¡Lánzate Al Vacío! (Se extenderán tus alas)

Julio César Payán de la Roche

Todo hombre un Rembrandt / V

ÍndiceMódulo NEGROIntroducción 3

Pregunta 7

Objetivos (general y especí!cos) 7

Propósito 8

Hipótesis 8

Metodología 8

Técnica 8

Montaje 9

Módulo ROJOUn momento en el tiempo, crisis y oportunidad 3

Arte y Ciencia 5

Arte y Tecnología 6

Arte, ciencia y tecnología: convergencias en la practica artística 9

Espacios de exhibición 14

Institución y mercados 16

Originalidad y Apropiación 18

La corrupción en el arte 20

Notas 22

Fuentes de las imágenes 13

Todo hombre un Rembrandt / VI

Módulo VERDETodo hombre un Rembrandt 3

Modularidad 4

Inmersión 5

Instalación 8

El Espejo 11

Notas 12

Fuentes de las imágenes 13

Módulo AZULConclusión 3

Bibliografía 4

Páginas WEB 5

Artículos 5

Todo hombre un Rembrandt / VII

Todo hombre un Rembrandt / VIII

Módulo NEGRO

AbstractHistóricamente, las instituciones y el mercado han determinado la practica artística. La regulación tiene como consecuencia la limitación en el alcance de las ideas y el levantamiento de barreras a nuevas subjetividades. Por medio de una instalación en el espacio, apoyada en recursos tecnológicos, se pretende desaparecer al espectador dentro del espacio de exhibición, situándolo frente a un espejo que no muestra su reflejo; de esta forma, se articula un discurso sobre la necesidad de un contexto donde no existan fuerzas reguladoras, donde la practica pueda ser ejercida libremente y el valor estético de las obras no sea medido por el alcance comercial en el mercado.

2 / Módulo NEGRO

Introducción  

"En ciertos momentos me parecía que el mundo se iba volviendo de piedra. ...Era como si nadie pudiera esquivar la mirada inexorable de la Medusa."(levedad)

Calvino, Italo. Seis propuestas para el próximo milenio, Ed. Siruela, Madrid (1989)

Todos los hombres y mujeres habitamos un mundo regido por las instituciones, el consumo y el mercado. La corrupción y las apariencias se vuelven constantes que dominan toda relación con nuestro entorno. Si por un momento todo esto desaparece, sólo queda la noción de autonomía de las ideas. Se le concede la libertad de expresión a toda la humanidad, se genera un lugar donde es posible que cada persona sea un artista.

Desde los orígenes de todas las culturas, los hombres siempre hemos sido fascinados por el reflejo. Pero así como Walter Benjamin nos recordaba, cada persona ve lo que quiere ver en él, y como consecuencia, en este momento el hombre atraviesa un tiempo que lo dispersa a la posibilidad de realidades múltiples. Como Narciso, corriendo el riesgo de perderse en la ilusión de su propio reflejo y como el vampiro sin nunca llegar a verlo.

Me parece importante plantear al hombre contemporáneo como un vampiro/narciso procreado por la sociedad del consumo. Un hombre convertido en mercancía gracias a su propio consumo. Hombres que buscan liderar grupos que portan sus mismas etiquetas, en el que inevitablemente hay que consumir para no ser consumido; hombres que no ven su reflejo en el espejo y al mismo tiempo están enamorados de la ilusión de ese reflejo, obligando a emprender una búsqueda incesante por encontrar la imagen ideal de la que están enamorados.

"... el devenir mundo de la mercancía que es también el devenir mercancía del mundo. Así, por una astucia de la razón mercantil, lo particular de la mercancía se desgasta

combatiendo, mientras que la forma-mercancía va hacia su realización absoluta." (66)

Debord, Guy. La sociedad del espectáculo, Pre-Textos, Valencia (2002)

Este texto inicia planteando una inconformidad con la sociedad de consumo y un interés personal por la concepción de realidad relacionada con las diferentes categorías que componen la base de la práctica artística. El mercado, los espacios de exhibición, los espectadores y la creciente relación interdisciplinar de las artes visuales con la ciencia y la

Módulo NEGRO / 3

tecnología son algunos de los elementos que determinan al arte contemporáneo, la práctica y la técnica.

Este proyecto parte con el ánimo de analizar las relaciones que han existido en el arte a través del tiempo. Relaciones que van desde el cuerpo con el espacio, el mercado y la producción, los espacios de exhibición y las obras hasta la relación de los espectadores y sus formas de percepción. Se articulará la premisa de la existencia de una corrupción en la institución artística que ha manipulado la práctica y ha transformado el concepto de realidad; y se hará el acercamiento a estos temas empleando un sistema propio de los nuevos medios y la tecnología, el principio de modularidad.

En el caso del arte con soporte en nuevos medios (que por su naturaleza parte del uso de tecnologías aplicadas), se adopta una forma de lectura modular. Este principio de modularidad, o "estructura fractal" de lectura, proporciona un eje central para el desarrollo del proyecto.

Las relaciones que se establecen en el proyecto "Every man a Rembrandt" serán determinadas bajo una formulación teórico-práctica de acuerdo a una construcción modular. El principio de modularidad es inherente a los nuevos medios y es determinante para la práctica artística contemporánea evidenciándose en todas sus formas de representación; imágenes, formas y sonidos poseen en su base formal, pixeles, muestras, vectores y datos que al interrelacionarse en conjuntos (módulos) con características específicas, construyen estructuras complejas sin perder su identidad individual. De aquí parte, entonces, el interés por clasificar y desarrollar modularmente el proyecto.

Mas adelante, en el texto, existe una unidad dedicada a la modularidad. Por esta razón, por ahora sólo quiero plantear una definición breve. La modularidad es una forma de clasificación por unidades. Éstas están relacionadas unas con otras de acuerdo a características específicas. Cuando estas unidades se empiezan a mirar en conjuntos van estructurando algo cada vez más complejo, donde cada unidad es de igual importancia para esta estructura. Cada pequeña parte se asemeja a los pequeños tornillos de un gran puente colgante o a los cimientos de un altísimo edificio, donde ninguna parte – por pequeña que sea –es imprescindible.

Retomando el interés por el espejo, es pertinente afirmar que este ha sido históricamente un referente para abordar múltiples temas; en este caso, la instalación que este texto soporta teóricamente, es un espejo. Un espejo que presenta una ilusión como reflejo y la muestra como realidad, introduciendo una paradoja que apunta hacia una dimensión alternativa en la lectura del cuerpo y el espacio frente a la obra artística. La realidad y el espejo sirven de plataforma para abordar una discusión que ha sido desplegada desde el minimalismo y tiene que ver con lo que se ve, con lo que se percibe, con lo que se conoce y con la forma cómo esto afecta la lectura de la obra y de nosotros mismos.

Este proyecto consta de cinco módulos clasificados por colores sin ninguna jerarquía de uno sobre otro. La estructura modular del proyecto sugiere la posibilidad de una lectura no lineal de cada uno de sus componentes. Los colores son cinco: rojo, verde, azul, blanco y negro;

4 / Módulo NEGRO

estos no obedecen a un orden específico y son intercambiables entre ellos. Se sugiere que para una mejor apreciación del proyecto se empiece con el negro y se termine con el blanco. Este módulo (negro), no posee mayor importancia sobre los otros colores, se sugiere que sea el primero porque obedece a la naturaleza del negro, (la cual es la ausencia de color). Se asume que el lector se enfrenta al proyecto sin saber qué encontrará en él. Es un módulo de acercamiento donde se asume que existe una ausencia de conocimiento de lo que acá se desarrolla. En este módulo se introduce al proyecto, se enuncian sus objetivos y se propone una metodología en cuanto a técnica y montaje.

El módulo blanco es la instalación. Este se sugiere para el final porque es el resultado tangible que deja la investigación, funciona como una síntesis de todo lo que durante este texto es planteado (es una mezcla de todos los colores). La escogencia de los demás colores obedece únicamente a las posibilidades cromáticas que con estos tres colores restantes se tiene. La mezcla de ellos – en proporciones específicas – tiene como resultado cualquier otro color. De esta forma se aplica una metáfora que se ajusta al principio modular del proyecto y pretende dejar una huella en el que lea y vea esta obra, moldeándose a la experiencia personal que el lector y espectador extraiga de la misma.

A continuación se esbozan rápidamente las unidades que conforman los módulos rojo, verde y azul, para así dibujar un horizonte general del proyecto como una estructura completa.

En el módulo rojo se delimita y puntualizan relaciones y conceptos fundamentales para la obra de arte usando el contexto actual como denominador, se observará detenidamente la emergente relación interdisciplinar entre arte, ciencia y tecnología, logrando una postura adecuada para analizar diferentes contextos y conceptos que afectan a la obra de una manera directa e indirecta.

La idea de examinar el vínculo de las artes visuales con los espacios de exhibición, la técnica, el mercado, el espectador, la crítica y las técnicas apropiacionistas, pretende fijar un trazado o un mapa general que contextualiza y estructura el proyecto, centrándose en las características propias de cada una de estas relaciones. Así persiste un interés por la problemática que surge al examinarlas y se propone una lectura alternativa a la percepción ordinaria y al papel del cuerpo frente a la obra de arte, ya que lo desmaterializa y constituye una independencia o relación paralela con nuevas genealogías que se acercan a la esencia o idea primera del arte como práctica libre.

El módulo verde indaga acerca de las unidades temáticas vitales para la consecución del proyecto, inmersión, modularidad, la instalación y tecnología. Se empieza introduciendo el concepto de inmersión, examinando los diferentes niveles de inmersión, clasificándolos, para así determinar el alcance de este concepto en relación con la obra, el espacio de exhibición y el espectador, haciendo un acercamiento a un espacio de análisis, donde el espectador está inmerso en la obra. Se hace referencia al principio de modularidad, su naturaleza y aplicación dentro del proyecto. Se plantean y analizan tres módulos, idea, conceptualización y desarrollo enmarcando el proyecto como un todo.

Módulo NEGRO / 5

Analizamos el carácter instalativo de la obra haciendo referencia a la teoría y naturaleza de la intervención espacial desde su orígen. Finalmente se analiza, enuncia y referencia la tecnología aplicada dentro del proyecto.

El módulo azul es un manual sobre el proyecto donde se desarrolla la metodología desde la parte técnica, soporta las referencias bibliográficas y enuncia las conclusiones finales de “Every man a Rembrandt”.

6 / Módulo NEGRO

Pregunta

¿Son las instituciones y el mercado factores de regulación determinantes para los artistas y sus obras en cuanto a que limitan la posibilidad de nuevas subjetividades?

Objetivo General

Proponer una instalación en el espacio que genere una reflexión crítica acerca del papel del espectador en la sala de exhibición, de la institución como determinante de la práctica y del mercado como canal de distribución para la obra de arte.

Objetivos Especí!cosA.Utilizando soportes técnicos específicos – como programación de software, audio y video –, generar en el visitante la sensación de inmersión espacial, relacionándolo con el espacio que habita mientras visita la instalación.

B.Haciendo uso de la sensación de inmersión que genera la instalación, lograr que el espectador tenga la ilusión de estar frente a un espejo que no refleja su imagen y, de esta forma, generar un distanciamiento entre el espectador y su función frente al objeto apreciado.  

C.Por medio de la desaparición física del cuerpo frente a la instalación, generar una pregunta acerca de la función de un espejo como objeto comercializable al estar despojado de su función primaria.

Módulo NEGRO / 7

Propósito

Con la intención de cumplir los objetivos propuestos, esta investigación se estructura en dos grandes módulos: el teórico y el práctico. El módulo teórico está dividido en cuatro módulos: El negro introduce al proyecto, traza los objetivos y propone un desarrollo. El rojo pretende hacer un planteamiento base analizando conceptos básicos que relacionan el proyecto con diferentes factores ligados a la práctica artística. El verde, analiza y describe principios fundamentales para el planteamiento discursivo del proyecto. El azul cierra la propuesta teórica planteando la conclusión a la que se llegó y mostrando las fuentes investigadas. El módulo práctico es el módulo blanco y es el resultado de la experimentación y el desarrollo de los procesos tecnológicos y formales; este proceso se ve sintetizado en la instalación propuesta.

Hipótesis

La relación entre el arte y las instituciones no es de carácter simbiótico. Podría ser propuesta como una relación parásita en la que los artistas se ven afectados por el mercado a tal punto que este llega a determinar sus propuestas.

Metodología

Fuentes secundarias: A partir de libros, artículos de revistas e información encontrada en internet ha sido posible generar acercamientos conceptuales y teóricos a los temas planteados.

Experimentación: A través de pruebas y estudios de diferentes posibilidades técnicas.

Técnica

La técnica aún se encuentra en fase experimental, por esta razón no es posible determinar precisamente cuál va a ser aplicada a la instalación. Los experimentos realizados han sido efectuados en Processing y Max/MSP con el plug-in Jitter.

8 / Módulo NEGRO

Montaje

A continuación se describe un montaje de dimensiones variables para la instalación.

Módulo NEGRO / 9

Módulo ROJO

En este modulo se delimita el alcance de algunas relaciones características en el arte, siendo conceptos teóricos fundamentales para la estructuración formal del proyecto: arte/ciencia, tecnología, instituciones, espacios de exhibición, espectador, mercado y artistas. Este análisis es desarrollado con la intención de incorporar estas relaciones a la estructura teórica que este texto soporta; sin embargo, también se busca marcar un punto de partida dentro del contexto en el que el proyecto es desarrollado. Se analizan referentes prácticos, teniendo en cuenta las técnicas empleadas y los discursos propuestos, relacionándolos con el entorno de la práctica artística contemporánea. Este cuerpo de relaciones, prácticas y teóricas, buscan promover un vínculo diligente entre el proyecto y su espacio/tiempo, ubicándolo en un lugar dentro del diálogo con las artes, ciencias y nuevas tecnologías; tales relaciones resultan determinantes para una lectura apropiada del discurso que se plantea en “Every man a Rembrandt”.

2 / Módulo ROJO

Un momento en el tiempo, crisis y oportunidad.

A través de la historia, diversos motivos han promovido la necesidad de hacer arte en cada una de las culturas. Así pues, el arte ha cumplido distintas finalidades, algunas son arte lúdico, arte con fines políticos y arte utilitario (Fig. 1, 2). Si analizamos cualquiera de estos enfoques de realización artística, encontraremos algo en común: se busca fomentar un estímulo estético a partir de una intencionalidad específica, la cual se ve determinada por múltiples factores; Una institución, el mercado o el activismo artístico, son algunos de estos. Al existir una motivación concreta, es acertado afirmar que existe una voluntad de regulación por parte del elemento decisivo correspondiente a cada uno de estos fines, que busca una homogeneización en el discurso propio de cada una de estas.

“Aquí esta el Sr. Hart, que quiere infectar a todos con su propia imagen y a su vez convertir a todos ellos en sí mismo...”

Burroughs, William. The Electronic Revolution, Expanded media Editions, Alemania, (1970)

Fig. 1 - Hans Haacke, "State of the Union." (2005)

Fig. 2 - Charles and Ray Eames, "Eames La Chaise" (1948)

Se denomina institución a todo agente considerado como regulador del arte (iglesia, industria, crítica, curaduría, espacios de exhibición, espectadores, medios de comunicación y mercado). Siguiendo este principio, se busca proponer la regulación como detonante del impulso creativo. Así mismo, como la razón por la cual los artistas producen obras que han servido para generar

Módulo ROJO / 3

coyunturas, que dan paso a nuevas técnicas y nuevos enfoques en la forma de apreciar el arte mismo.

Fig. 3 - M. Duchamp (R. Mutt), “Fountain” (1917)

Existen múltiples casos para ejemplificar y describir lo que se plantea como un precepto del impulso creativo. No obstante, esta investigación pretende referenciar situaciones que se presentan una y otra vez en la historia, que sugieren que esta no transcurre de forma lineal. Una historia donde los hechos se reescriben y repiten contextualizados en épocas distintas.  

“El descenso terminal de un periodo del arte que lleva en si mismo la certeza de un nuevo renacimiento nos da la misma parábola con otro contenido. (pág. 137) ...

el arte no avanza sino retrocediendo en la dirección de los resortes de su progreso, ya presentes en un estadio anterior. (pág. 142)”

Debray, Regis. Vida y Muerte de la Imagen, Ed. Paidós, Barcelona, (1994)

Los puntos de presión que genera la regulación contribuyen a estimular nuevas propuestas y enfoques alternativos frente a todos los aspectos relacionados con el arte; concretamente, abren las puertas a la experimentación. Los nuevos medios, especialmente, han sido de vital importancia para la experimentación gracias a sus características y posibilidades de manipulación. Estos evolucionan día a día, siendo soportes adecuados para construir nuevos discursos y relaciones relevantes en el arte.

Estas relaciones y los nuevos planteamientos discursivos preparan el terreno para proyectos como “Every man a Rembrandt”, donde se pretende articular una mirada al cuerpo, al espacio y las relaciones obra/espectador, basado en nuevas tecnologías aplicadas al arte, y situándose en el

4 / Módulo ROJO

contexto socio-cultural en que es propuesto. De esta manera, contribuyen a la experimentación y presentan un enfoque alternativo relacional compactado en una pieza interactiva.

Arte y Ciencia

¿Qué es común entre el arte y la ciencia? ¿Hasta donde llega esta relación? Es posible afirmar, que el punto de encuentro está en la creación, en el impulso que empuja la creatividad. La emoción de la forma, el sonido y el color se puede equiparar a la hipótesis que se extiende más allá de la realidad. La idea de ambas disciplinas yace en sobrepasar nociones de percepción, presentando evidencias tangibles. Para cumplir este propósito hay que tener en cuenta que existe un largo camino por recorrer (investigativo, experimental y técnico), un camino delineado por nuestra propia necesidad de sorprendernos.

En la cultura occidental, hasta el Renacimiento, no existía una diferencia entre arte y ciencia; aún hoy, en las culturas indígenas estas disciplinas son practicadas por la misma persona. Su separación es el resultado de la especialización que se llevó a cabo en ambas, – resultado inminente de la modularización de la sociedad –, donde cada día aparecen nuevas ramificaciones que hacen necesaria una técnica cada vez más concreta.

Fig. 4 - Leonardo da Vinci

“Estudio: feto en útero” (1510)

Fig. 5 - Chamán de la selva ecuatoriana

(2006)

La interacción entre artistas y científicos es a menudo fructífera, pero un real dialogo interdisciplinar no es siempre fácilmente establecido. Esta relación tiene características particulares; la más importante radica en que ambas prácticas requieren de una base teórica para articular un discurso o formular una hipótesis, siendo esta, la plataforma resultante para el inicio de una investigación. El primer punto de convergencia es, pues, la investigación. Esta es una característica fundamental compartida que permite fijar un punto de partida para analizar lo

Módulo ROJO / 5

que acontece como una sinapsis que empuja el quehacer creativo y experimental en ambos bandos.

En el arte y en la ciencia se investiga con el ánimo de trazar mapas de navegación, guías para recorrer caminos. En el arte las opciones son probablemente más amplias que en la ciencia: un boceto, una idea, un concepto o una técnica pueden servir como punto de partida; mientras que en la ciencia se debe partir de una formulación teórica, un método de experimentación o de observación. Así encontramos un segundo punto de convergencia: la observación. Tanto artistas como científicos tienen que desarrollar un método de observación. No es posible describir el método con una serie de pasos a seguir. La observación tiene como resultado encontrar el pequeño detalle escondido, es ver mas allá de lo que se presenta a primera instancia. Esto me recuerda a Roland Barthes.

“El punctum de una fotografía es eso que en ella me despunta (pero que también me lastima, me punza) (pág. 65).”

Barthes, Roland. La Cámara Lúcida, Ed. Paidós, Barcelona, (1992)

El punctum es ese pequeño detalle que encontramos al observar detenidamente, es lo que nos duele en lo que vemos, un elemento que trasciende en nuestra conciencia.

Estos puntos convergentes, investigación y observación, han sido de gran importancia para “Every man a Rembrandt” ya que la conceptualización del proyecto ha recorrido un camino determinado por estas metodologías, brindando la posibilidad para explorar nuevas formas de percepción y modificando concepciones establecidas sobre el papel de los espectadores, las instituciones y el mercado en relación con la obra de arte.

Arte y Tecnología

La tecnología puede ser definida como cualquier creación mas allá del aparato corporal. 1

No quiero analizar esta definición en el sentido cronológico, ya que me obligaría a hacer un recorrido por la evolución de las herramientas y, en lo que concierne al proyecto, esto no es pertinente, pues nos dispersaría de la temática central. Propongo que empecemos en un lugar fundamental, y es en el cambio masivo de percepción que se empieza a dar con respecto a las imágenes en la sociedad con la aparición de los nuevos medios.

“La persuasión por medio de la fotografía, el cine y la televisión funciona sumergiendo poblaciones enteras dentro de nuevos imaginarios. (pág. 374)”

6 / Módulo ROJO

McLuhan, Marshall. La comprensión de los medios como las extensiones del hombre Ed. Diana, México D.F. (1980)

Fig. 6 - Nicéphore Niépce “Vista desde la ventana en Le Gras” (1826)

La afirmación de McLuhan puede darle paso a una discusión acerca de las diversas finalidades que cumplen las imágenes producidas con medios como la fotografia, la televisión y el video en diferentes contextos, pero basta con afirmar que esas imágenes están inmersas dentro de nuestras configuraciones mentales y desde su origen han determinado nuestra forma de ver el mundo. Más adelante analizaremos la relación de las imágenes con la sociedad y el consumo, pero por ahora sólo nos interesa la forma como estos medios afectan la técnica, los procesos y la forma de percibir las obras.

Los avances tecnológicos y técnicos han marcado de forma indeleble el curso de las artes. Estos procesos tecnológicos aplicados al arte dieron paso a nuevos imaginarios, un punto de vista alternativo para ver el mundo. Una obra como “Good Morning Mr. Orwell” de Nam June Paik, que se transmitió en vivo en más de 5 ciudades a la vez y llegó a más de 25 millones de personas, definitivamente modifica conceptos como la visión, la distancia y la temporalidad. Conceptos que se han visto reconfigurados en sus formas de percepción a un nivel en el que se convierten en plataformas para explorar campos posteriores como la automatización, la interactividad y la virtualidad.

Módulo ROJO / 7

Fig. 7 (pág. anterior) - Nam June Paik “Fotogramas de la transmisión satelital Good Morning Mr. Orwell” (1984)

“... el tiempo de la automatización de la percepción ... la percepción asistida por computador... visión sin mirada... visión sintética...

Detrás de la pared no veo el cartel que hay pegado en ella; delante de la pared, el cartel se me impone, me percibe. (pág. 81-82)”

Virilio, Paul. La Máquina de Visión, Cátedra, Madrid, (1989)

Las máquinas (cámaras, computadores y televisores) son aceptadas como soporte para la creación artística, gracias al proceso de configuración mental que hemos atravesado. De nuevo tenemos que mencionar las imágenes creadas a partir de máquinas, (desde el tren llegando a la estación de los hermanos Lumiere, pasando por los estudios de movimiento de Muybridge hasta obras como las de Jeffrey Shaw o Rafael Lozano-Hemmer); obras que cambian la forma de percibir el mundo para siempre y marcan gradualmente la transformación del imaginario social acercándose a la idea de una aldea global, como menciona McLuhan. 2 El resultado de este cambio en el imaginario de la sociedad promueve la comprensión de las obras, los conceptos y posiciones que proponen sus discursos. Las imagenes-máquina 3 no son reemplazo de técnicas tradicionales, pero gracias a estas es posible que cualquier persona esté dispuesta a participar de proyectos interactivos y a sumergirse en experiencias de inmersión, explotando así el potencial propositivo de las obras.

Fig. 8 - Auguste Lumière & Louis Lumière “La llegada de un tren a La Ciotat” (1895)

8 / Módulo ROJO

Algunas de las nuevas subjetividades propuestas por los nuevos medios son vitales para este proyecto. La interactividad es una de las características más importantes (sirve como herramienta tecnológica que contribuye a sustentar el discurso específico que en este caso se propone), ya que genera una respuesta que sólo es posible dado el apoyo tecnológico y a las propiedades de este, que responden a estímulos en el espacio ya sea de color, forma o sonido por medio de sistemas de programación compleja.

Estas técnicas han marcado un gran avance en los planteamientos conceptuales y gracias a ellas se tiene a disposición un amplio espectro de posibilidades programables y reconfigurables.

La obra “The golden Calf” de Jeffrey Shaw es un ejemplo muy claro de una forma de interactividad. En esta el visitante sostiene un monitor en sus manos que muestra la imagen de un becerro dorado. Por medio del movimiento se brinda la posibilidad de explorar todos sus ángulos.

Fig. 9 - Jeffrey Shaw “The golden calf” (1994)

“Con el apoyo de la tecnología, las ideas tradicionales en torno a nuestras concepciones visuales y estéticas han sufrido una alteración radical (pág. 32)”

Weibel, Peter. El mundo como interfaz,Publicado en: “Elementos: ciencia y cultura” Dic-Feb Vol. 7, Número 040

Arte, ciencia y tecnología: convergencias en la práctica artística

Existen artistas que mediante sus obras proponen puntos de convergencia entre arte, ciencia y tecnología. A continuación analizaremos algunos de estos para ver como se traslapan estas

Módulo ROJO / 9

disciplinas y cómo cada una de estas obras propone un discurso relativo al tema específico que aborda proponiendo relaciones con el tiempo, la naturaleza, el cuerpo o el espacio.

Walter de Maria The Lightning Field

Fig. 10 - Walter de Maria “The lightning filed” (1977)

Esta obra realiza un acercamiento a la naturaleza, específicamente a un fenómeno natural: el rayo. Está dispuesta sobre un terreno de 1600 x 1000 metros, en un área desértica al oeste del estado de Nuevo México en los Estados Unidos. La obra consta de 400 postes de acero inoxidable pulido, dispuestos en una cuadrícula con una separación de 67 metros entre cada uno de ellos. En temporada de tormentas, la cuadrícula de postes funciona como un campo de atracción para rayos.

La obra es catalogada dentro del movimiento del Land Art, el cual propone un discurso de oposición frente a la comercialización de los objetos y los espacios de exhibición tradicionales. Utiliza los materiales de la tierra como soporte y evidencia una desmaterialización del objeto. 4

Stelarc ParaSite

En esta obra de performancia se fusiona el cuerpo del artista con la máquina. Propone una relación simbiótica y parásita paralela con la información, donde imágenes recogidas de Internet, por medio de motores de búsqueda, son aleatoriamente distribuidas y dispuestas sobre el cuerpo por un sistema muscular simulado. Las imágenes responden a los movimientos del cuerpo de acuerdo a características programadas, luego son proyectadas en el espacio en el que se realiza la acción performática, al tiempo que son subidas a un portal en Internet. El discurso plantea un cuerpo que consume y es consumido por las imágenes al tiempo que las transforma y es transformado. 5

10 / Módulo ROJO

Fig. 11 - Stelarc “ParaSite” (1997) Diagrama técnico

Eduardo Kac Génesis

Fig. 12 - Eduardo Kac “Génesis” (1999)

En esta obra se exploran relaciones entre el arte, la biología, tecnología, informática, ética y religión. La pieza clave del proyecto es un “gen de artista”, un gen sintético creado por Kac al traducir una frase del libro bíblico del génesis a código morse. El código morse es escogido por ser la primera forma de comunicación a distancia y, por ende, marca el nacimiento de la comunicación global. El gen, con el código, es incorporado a un cultivo bacteriano mostrado en la galería. A través de una pagina web, los participantes pueden prender y apagar una luz ultravioleta dentro de la galería. Esta produce mutaciones biológicas naturales en la bacteria.

Módulo ROJO / 11

Mutaciones que producen un cambio estructural en el ADN que luego es traducido a código morse y a inglés. De esta forma, resulta un cambio en el lenguaje a nivel molecular.

Lo más interesante de este proyecto tiene que ver con el mensaje introducido y el gesto simbólico de modificarlo utilizando un método científico. El pasaje bíblico dice: "Que el hombre tenga dominio sobre los peces del mar, y sobre las aves del cielo, y sobre todo ser viviente que se mueve sobre la tierra. Fue elegido - por Dios - para lo que implica la noción dudosa de la supremacía de la humanidad sobre la naturaleza”.

Al modificar el mensaje, se niega su significado tal y como se ha transmitido y se evidencia la emergencia y búsqueda de nuevos significados para este. 6

Dan Graham Present, Continuos, Past(s)

Graham plantea una serie de relaciones complejas, con metodologías simples entre cuerpo, tiempo y espacio; lo logra con un cuarto de espejos, una cámara y un monitor. La propuesta de la obra tiene que ver con la percepción del tiempo. El espectador entra a un cuarto de espejos donde el espejo representa el tiempo presente, una cámara registra ese momento y lo reproduce en el monitor con un delay de 8 segundos. Cuando se reproduce de nuevo la acción en el monitor transcurridos los 8 segundos, esta vuelve a quedar registrada en la cámara pero esta vez aparece 16 segundos después en el monitor dentro del monitor. De esta forma, genera un movimiento de vaivén, dentro de las diferentes temporalidades del pasado que son percibidas por el espectador en el presente. 7

Fig. 13 - Dan Graham "Present, Continuos, Past(s)" (1974)

12 / Módulo ROJO

Rafael Lozano-Hemmer Pulse Front

“Pulse Front” es una instalación interactiva compuesta por 20 luces robóticas de búsqueda de alto poder, 20 estaciones con sensores de medición de ritmo cardiaco y una estación de control y programación. En cada una de las 20 estaciones, (compuestas por una luz y un sensor que mide el ritmo cardíaco) el visitante toma con sus manos el sensor; este registra su frecuencia cardíaca y la transcodifica a intermitencia y movimiento en las luces robóticas.

Lozano plantea con este trabajo una relación entre la fisiología del cuerpo, el espacio urbano y el arte. 8

Fig. 14 - Rafael Lozano-Hemmer “Pulse Front” (2007)

Módulo ROJO / 13

Espacios de exhibición

Hablaré brevemente del espacio de exhibición con la intención de evidenciar la influencia de la institución y el mercado en la configuración de este, haciendo énfasis en las coyunturas más importantes que generaron cambios vitales en su evolución.

El museo, el salón y la galería son ideas que nacen a finales del siglo XVII y se extienden por Europa y EEUU durante el siglo XVIII y XIX. Pero es el salón de arte francés el que marca un precedente y fue este por casi doscientos años el espacio de exhibición más importante del mundo (es pertinente ver este inicio como un inicio marcado por las instituciones donde el arte académico aprobado era el avalado para participar de los salones).

“...la existencia de todo un conjunto de técnicas y de instituciones que se atribuyen como tarea medir, controlar y corregir...(pág. 203)”

Foucault, Michel. Vigilar y Castigar: Nacimiento de la Prisión, Siglo veintiuno editores, Buenos Aires, (2002).

Se plantea el origen del espacio de exhibición como un espacio abierto, pero al mismo tiempo controlado, un espacio al que únicamente ciertos sectores de la sociedad y ciertos artistas académicos tenían acceso.

El primer gran cambio en esta concepción de la exposición y el museo se da en 1874. Durante este año, se organiza una exposición independiente al salón de París, con lo cual se da origen a un espacio alternativo para la exhibición. En esta exposición se dieron a conocer obras hoy consideradas muy importantes; entre ellas, “Sol naciente” de Claude Monet, que propuso una nueva forma de ver. Esta primera coyuntura abre paso al salón de arte independiente, que transforma el espacio y la mirada justo a tiempo para la llegada de las vanguardias.

El segundo punto de giro importante, se presenta durante la Segunda Guerra Mundial. La persecución a los artistas y las precarias condiciones para la práctica en Europa tienen como consecuencia un traslado del foco creativo a Nueva York. Una vez en los Estados Unidos, nace la idea de la galería comercial, un lugar donde abunda el arte de vanguardia y se evitan las obras de grandes maestros, ya que estas galerías son fundadas por personas con dinero a las que les interesa tener gran cantidad de obras y poder comerciar con ellas, no les interesa invertir grandes sumas en obras que tienen poca salida en el mercado.

Durante la década de los 60 y 70, principalmente, emergen movimientos artísticos que cuestionan todos los planteamientos del arte, su función, los espacios y las obras. Arte conceptual, fluxus, land art, arte povera, minimal, articulan discursos que obligan a realizar acercamientos diferentes a las obras y los espacios, dando paso a una tercera etapa en el desarrollo de esta evolución marcada por la desmaterialización del objeto, la inconformidad con el comercio y el activismo artístico-político.

14 / Módulo ROJO

Fig. 15 - Christo & Jeann-Claude “Running Fence” (1972-76)

Paralelamente a esta tercera etapa, emergen una serie de relaciones con la arquitectura, los espacios íntimos, Internet y los mundos de realidad virtual que presentan alternativas nuevas para la exhibición. Sin embargo, no quiero proponer esta etapa como un cambio radical en la evolución del espacio de exhibición, ya que son extensiones de los planteamientos de la segunda mitad del siglo XX.

Fig. 16 - Jeffrey Shaw “El museo virtual” (1997)

Las alternativas de exhibición en la actualidad trascienden el espacio y el objeto, se proponen relaciones con las obras y los espacios en los que la necesidad discursiva plantea las pautas, no existen límites demarcados por paredes, se plantea una relación más directa y personal, incluso inmersiva entre las obras y el espectador. “Every man a Rembrandt” pretende aprovechar estas propuestas y proponer una relación inmersiva, distanciadora frente a la institución y alusiva a los cambios de perspectiva en los espacios de exhibición, presentando alternativas en la lectura del cuerpo en el espacio.

Módulo ROJO / 15

Institución y mercados

Existen varios componentes vitales que consolidan los mercados: la producción enfocada al consumo, la correlación oferta/demanda y la distribución. Estas etapas de introducción al mercado y comercialización se ven controladas por las instituciones. En el caso del arte (en algunos casos), convierten las obras en productos, mercancías no distintas de ninguna otra y por consiguiente regidas por las mismas normas.

“...el mundo del arte no es mas que una prolongación de los mercados especulativos... (pág. 193)”

Rosler, Martha. Imágenes Públicas: La función política de la imagen, Ed. Gustavo Gili, Barcelona (2007)

Para examinar el mercado del arte, es necesario definir cada uno de los elementos que lo componen.

Mercancía: Las obras. Se ha llegado a considerar que el valor comercial es determinado por el valor cultural. No obstante, ha sido demostrado que no son directamente proporcionales. Un ejemplo claro se puede ver en el cráneo incrustado de diamantes del artista Damien Hirst. El valor comercial es determinado por las tendencias.

Oferta / Demanda: La oferta y la demanda son el motor principal del mercado. La tendencia por invertir en arte es cada vez mayor de parte de grandes empresarios y estos están interesados en arte contemporáneo de corrientes principales. Las instituciones (no todas, pues existen galerías y curadores especializados en movimientos al margen de estas corrientes) utilizan metodologías curatoriales que seleccionan las obras con salida comercial, de acuerdo a los contextos en los que estén inscritas, de nuevo obedeciendo directamente a las tendencias.

Institución: Dentro de esta categoría es necesario inscribir a las galerías, los críticos y curadores. La galería funciona a través de una selección de obras, a partir de las cuales se hacen curadurías, se analizan las obras partiendo de una temática/técnica específica, dando como resultado exposiciones. Los críticos son parte fundamental de esta categoría, ya que de su ejercicio depende en gran parte la vida y muerte de las galerías y las obras que estas poseen. De esta forma, es posible notar que, así como la institución resulta muy importante para el arte, es también generadora de conductas corruptas, altamente perjudiciales, dentro de esta.

Audiencia: La audiencia puede ser clasificada en varias categorías. A continuación, se hace referencia a una serie de cuadros informativos que ayudaran a elaborar un mejor acercamiento a la composición de esta. Es necesario aclarar que estos datos que se muestran en los cuadros fueron recogidos en Estados Unidos y son utilizados como referencia únicamente. La intención no es reflejar la realidad de un país como Colombia, sino brindar un panorama documentado acerca de la composición general de la audiencia.

16 / Módulo ROJO

Tabla 1. En 1973 Hans Haacke hizo una encuesta a los visitantes de la galería John Weber en SoHo, NY. El primer cuadro muestra el resultado a una pregunta acerca del contexto socioeconómico de los encuestados (1324 respuestas).

Contexto Socio Económico %

Pobreza 3

Clase media baja 18

Clase media alta 34

Ricos 4

No respondieron 11

Tabla 2. Este cuadro muestra el resultado de otra encuesta realizada por Haacke al siguiente año y la pregunta fue acerca de la profesión (858 respuestas).

Ocupación / Profesión %

Artistas 30

Profesionales, funcionarios y trabajadores similares (incluyendo profesionales del arte y demás) 28

Directores y propietarios 4

Trabajadores de oficina < 1

Comerciantes 0

Artesanos 1

Operarios < 1

Amas de casa 3

Estudiantes 19

Otros 2

Ninguno 1

No responden 6

Módulo ROJO / 17

Fuentes de las tablas: Tabla 1 y 2, Hans Haacke, Framing and Being Framed (Press of the Nova Scotia College of Art and Design y New York University Press, Halifax y Nueva York, 1975). Fuente: Martha Rosler, Imágenes Públicas: La función política de la imagen Ed. GG, Barcelona, 2007), p. 93, 94.

Al analizar la información que se aprecia en los cuadros, es posible hacer dos conclusiones importantes. Primera, la audiencia con capacidad de compra (teniendo en cuenta que una obra de arte es un objeto de alto valor comercial) representa un porcentaje menor a 5% de la totalidad de la audiencia que visita una exposición de arte. Segunda, las personas que mas visitan las exposiciones son artistas o tienen que ver con el arte en algún nivel.

Es vital revelar las características de los mercados y la institución dentro del proyecto, ya que en este se desarrolla una posición crítica frente a estos dos conceptos. Al examinar de cerca sus componentes, podemos tener una visión más clara de las posibilidades de regulación de estos sobre las obras y, de esta manera, establecer límites dentro de los cuales se desarrolla “Every man a Rembrandt”.

Originalidad y Apropiación

Esta unidad busca resaltar la importancia y las consecuencias de la democratización de la imagen y la desmaterialización del objeto. La idea de la muerte del autor como ha sido abordada por Barthes, a partir de una de-significación de los significantes y la supremacía de los significados como entes independientes es vital para entender la propuesta formal del proyecto.

En el caso de “Every man a Rembrandt” el reflejo es el significado, mientras que el significante es el espejo. Pero, en el imaginario común de una persona, el significado (reflejo) es lo que tiene como referencia (así este no muestre su imagen). De esta forma, le otorga el status de ente independiente al significante sin importar el significado, reconfigurando su función.

“... no buscamos fuentes ni orígenes, estamos en busca de estructuras de significación: bajo cada imagen siempre habrá otra imagen.”

Crimp, Douglas. Imágenes, Publicado en: Appropriation, edited by David Evans. MIT Press, Cambridge (2009)

La sociedad contemporánea ha replanteado gran cantidad de conceptos modernos, desde la década de los 50 y 60, con la aparición del arte conceptual y la idea como plataforma discursiva se evidencia un inicio hacia una nueva exploración temática.

18 / Módulo ROJO

Movimientos como Fluxus, Minimal, Land Art. Artistas como Sherry Levine y Hank Herron, las primeras obras que usaron el video como soporte, Andy Warhol, Barbara Kruger, y ahora las obras interactivas de Shaw y Hemmer, son consecuencias claras y afortunadas del pensamiento contemporáneo. Nos encontramos en una temporalidad donde el valor estético ha dejado de ser medido por la formalidad de la utilización del soporte y es determinado por el alcance y solidez de la propuesta que presenta.

En el libro “La idea como arte”, un compendio de textos recopilado por Gregory Battcock (NY, 1973), hay un texto que especialmente captó mi atención. Probablemente, puede ser ese el punto de partida para la investigación de este proyecto. “La superioridad de lo falso” por Cheryl Bernstein, es un ensayo en el que la autora habla de la obra de Hank Herron. Herron se dedica a copiar obras de Frank Stella. Bernstein sostiene que la obra de Herron propone algo que el propio Stella no logró con su obra. Herron deja atrás la búsqueda de la autenticidad en la expresión artística, y en un año logra lo que Stella demora diez. 9

Lo más interesante de este texto es que ni Bernstein ni Herron son personas reales. El texto es un experimento crítico realizado con la intención de polarizar y generar polémica. Es un ejemplo claro de una posición posmoderna, donde la idea de apropiación y originalidad convergen gracias a una discursividad teóricamente estructurada.

Veamos ahora una obra específica de Hans Haacke que sintetiza el poder de la apropiación y la originalidad, aplicada al poder del discurso y no a la innovación técnica.

Fig. 17 - Hans Haacke “Photo Opportunity” (Walker Evans / After the Storm) (1992)

La obra de Haacke siempre ha estado permeada de intencionalidad crítica, a través del estímulo estético. En ella, particularmente, se introduce el factor político a nivel estético, lo cual genera un sentimiento de ironía. La similaridad compositiva de ambas fotografías no es lo único en común entre ellas, a esto se le suma la expresión facial de los personajes. Esta enfatiza en ridiculizar el sufrimiento de un político, y así lo yuxtapone a la realidad de un sector marginado donde se vive todos los días.

Módulo ROJO / 19

La corrupción en el arte

Esta unidad pretende consolidar una idea que viene esbozándose en las unidades anteriores con respecto a la institución artística, el mercado y las tendencias. Tomaremos como referentes a dos artistas situados en contextos completamente distintos, pero que realizan acercamientos a problemáticas similares: el alemán Hans Haacke y el uruguayo-alemán Luis Camnitzer. Haacke mira la sociedad como un “organismo cultural” donde cada modificación afecta íntimamente las relaciones existentes en cada una de sus partes. Su obra denuncia el poder político e institucional que resulta íntimamente relacionado con el mundo del arte. Haacke plantea una corrupción dentro de las instituciones, donde mostrar la realidad desde un punto de vista objetivo resulta perjudicial para interéses específicos. Como consecuencia, la obra de Haacke ha sido excluida sistemáticamente de algunos espacios de exhibición.

Veamos una obra de Haacke y analicemos brevemente que sucede.

Fig. 18 - Hans Haacke “Shapolsky et al. Manhattan Real Estate Holdings, A Real-Time

Social System, as of May 1, 1971” (1971)

Esta obra muestra datos de “especulación urbanística” tomados de gran cantidad de inmuebles por toda la ciudad de Nueva York. En ese mismo año estaba planeada una exposición individual en el museo Guggenheim de esta ciudad. Su director, en repetidas ocasiones, expresó a Haacke su incomformidad con esta obra, intentando persuadirlo de retirarla de la lista de obras que se planeaba mostrar. Tras la negativa del artista, el museo canceló la exposición. Al parecer, varias de las compañías que aparecían dentro de estos análisis especulativos figuraban entre los contribuyentes del museo.

La exclusión, claramente, se puede ver en el caso particular de Haacke como una forma de corrupción en la que se propone silenciar una voz crítica. En el caso de Camnitzer se presenta una incomformidad con el mercado y sus esquemas manipulativos al tiempo que propone estrategias para hacer parte del mismo.

20 / Módulo ROJO

“Es nuestra obsesiva preocupación con el mercado, ... la frustración al no tener acceso al mismo ... . Solo cuando nos resignamos al fracaso criticamos. Mientras pensemos que aún hay

una oportunidad para el éxito, criticaremos poco ...”

Camnitzer, Luis. Acceso a la corriente principal. Publicado en: Antología de textos críticos, Ed. Uniandes, Bogotá (2007)

De esta forma llegamos a una conclusión muy particular, que en términos populares sería algo así: “Lo malo de las roscas es no estar en ellas”. Camnitzer lo pone en términos menos coloquiales y habla de un “cinismo ético”.

“El dilema no tiene solución y, como consecuencia, me armé una estructura moral que terminé denominando "cinismo ético". La esencia de esta posición se basa en la idea de que prostituirse a sabiendas es mejor que prostituirse inconscientemente. En el primer caso es estrategia, en el

segundo es corrupción.”

Camnitzer, Luis. La corrupción en el arte / El arte de la corrupción, Publicado en 1995 en el contexto de "El Síndrome de Marco Polo"

Es posible interpretar esto como una propuesta para adoptar una posición hipócrita frente a la institución y el mercado, lo cual sería una lectura errónea. Se propone construir estructuras más sólidas dentro de las propuestas artísticas, de forma que se determinen rangos más amplios de visión en el espectro del arte. Propuestas que demanden un examen más riguroso apreciativo y construyan identidades propias, que planteen estrategias para que los artistas introducirse a las corrientes principales, sin despojarlas de sus principios discursivos.

“el asunto ... no es nuestro acceso a la corriente principal, sino del acceso de la corriente principal a nosotros. Solamente situándola en este orden puede ella actuar como una caja de resonancia para nuestras actividades sin desgarrarnos. ... Lo principal es que nos mantengamos en el oficio de construir una cultura y sepamos, ... cuál y de quién es esa cultura que estamos construyendo.”

Camnitzer, Luis. Acceso a la corriente principal. Publicado en: Antología de textos críticos, Ed. Uniandes, Bogotá (2007)

Módulo ROJO / 21

Notas

1. Ver: (pág. 89) Wilson, Stephen, Information Arts, MIT Press, Cambridge (2002)

2. Ver: (pág. 106) McLuhan, Marshall, La comprensión de los medios: como extensiones del ser humano. MIT Press, Cambridge (1994)

3. Ver: Machado, Arlindo, Máquina e Imaginário: o Desafio das Poéticas Tecnológicas, ED. USP, São Paulo (1993)

4. Ver: http://www.diaart.org/sites/page/56/1375

5. Ver: http://www.stelarc.va.com.au/parasite/index.htm

6. Ver: http://www.ekac.org/geninfo2.html

7. Ver: http://www.medienkunstnetz.de/works/present-continuous-pasts/

8. Ver: http://www.lozano-hemmer.com/english/projects/pulsefront.htm

9. Ver: Bernstein, Cheryl, La superioridad de lo falso, Publicado en: Battcock, Gregory. La idea como arte: documentos sobre arte conceptual, Gustavo Gili, Barcelona (1977)

22 / Módulo ROJO

Fuentes de las imágenes

Fig. 1 - http://www.nyartsmagazine.com/index.php?option=com_content&task=view&id=4129&Itemid=703

Fig. 2 - http://www.momastore.org/museum/moma/ProductDisplay_Eames%20La %20Chaise_10451_10001_14023_-1_11476_11583____v41333

Fig. 3 - http://en.wikipedia.org/wiki/File:Duchamp_Fountaine.jpg

Fig. 4 - http://en.wikipedia.org/wiki/File:Da_Vinci_Studies_of_Embryos_Luc_Viatour.jpg

Fig. 5 - http://fr.wikipedia.org/wiki/Fichier:Chaman_amazonie_5_06.jpg

Fig. 6 - http://en.wikipedia.org/wiki/File:View_from_the_Window_at_Le_Gras,_Joseph_Nic %C3%A9phore_Ni%C3%A9pce.jpg

Fig. 7 - http://www.ubu.com/film/paik_orwell.html

Fig. 8 - http://www.youtube.com/watch?v=2cUEANKv964

Fig. 9 - http://www.jeffrey-shaw.net/html_main/frameset-works.php3

Fig. 10 - http://www.diaart.org/sites/page/56/1375

http://4.bp.blogspot.com/_k_4fuiTvDFw/SRp7xllZGqI/AAAAAAAAB1U/5RUhH-Ax6Xk/s320/ g_landart_1.jpg

Fig. 11 - http://www.stelarc.va.com.au/parasite/diagram.htm

Fig. 12 - http://www.ekac.org/geninfo2.html

Fig. 13 - http://www.medienkunstnetz.de/works/present-continuous-pasts/

http://www.museudochiado-ipmuseus.pt/image/view/547/preview

Fig. 14 - http://www.lozano-hemmer.com/english/projects/pulsefront.htm#photos

Fig. 15 - http://www.christojeanneclaude.net/rf.shtml

Fig. 16 - http://www.jeffrey-shaw.net/html_main/frameset-works.php3

Fig. 17 - http://books.google.com.co/books?id=rtRdpNIIRrwC&pg=PA235&lpg=PA235&dq=hans+haacke +%22photo+opportunity%22&source=bl&ots=T8BVOvNbyp&sig=eykY138q3RaJeFvRrACTrLtXYY&hl

Módulo ROJO / 23

=es&ei=7RDzSvaNEsHK8QbL47jfAQ&sa=X&oi=book_result&ct=result&resnum=2&ved= 0CA4Q6AEwAQ#v=onepage&q=hans%20haacke%20%22photo%20opportunity%22&f=false

http://www.burningbird.net/photos/walker1.jpg

Fig. 18 - http://www.stichting-mai.de/hwg/amb/aai/ill/jpg/haacshap.jpg

24 / Módulo ROJO

Módulo VERDE

Este módulo sirve de eje central para “Every man a Rembrandt”, en este se amalgaman en una sola estructura el discurso y la técnica aplicada por medio de una serie de enunciados que analizan y relacionan aspectos fundamentales que proporcionan plataformas para el desarrollo formal del proyecto. El resultado de esto introduce la propuesta de una intervención espacial por medio de una instalación electrónica interactiva que sintetiza la intención, el desarrollo y el resultado de la investigación.

2 / Módulo VERDE

Todo hombre un Rembrandt

¿De dónde viene? La motivación principal que impulsó este proyecto fue una incomformidad hacia la regulación por parte de la institución. El mercado, el precio de una obra de arte, el aval de un curador y la entrada a un espacio de exhibición son algunos de los elementos que configuran esta incomformidad. La corrupción juega un papel determinante dentro de los sistemas de comercialización y se vuelve un factor que contamina el arte en todos su niveles. En este momento quiero aclarar que lo que planteo aquí NO es con el ánimo de generalizar la situación del arte en todos los contextos. Existen curadores, críticos, artistas y espacios de exhibición que, a su manera, esquivan las tentaciones de caer en el juego de las influencias y el mercado.

¿Para dónde va? Este proyecto plantea una reflexión crítica acerca de la regulación en el arte y de la aproximación a las obras como mercancía; regidas por las mismas reglas del consumo. La intención del proyecto es poner en evidencia la fragilidad de la institución y el mercado frente a la obra de arte.

¿Cómo pretende hacerlo? Por medio de una instalación electrónica interactiva usando técnicas de inmersión y recursos tecnológicos.

Joseph Beuys hablaba de un arte libre, donde todos los hombres podían ser artistas. La metodología planteada para lograr esto era mediante una implementación de procesos pedagógicos en instituciones educativas, proponía un ejercicio de exploración para encontrar la fuerza interna creadora en cada persona. 1

"la libertad humana como punto de partida creativo (pág. 56)"

Bodenmann - Ritter, Clara. Joseph Beuys: Cada hombre, un artista, Ed. Visor, Madrid, (1998)

La propuesta de Beuys es un ideal difícil de cumplir, la idea de modificar todo el sistema educativo de una nación es prácticamente imposible de llevar a cabo, de nuevo porque en un gobierno existen regulaciones, intereses particulares y corrupción. “Every man a Rembrandt” es un proyecto que no propone un cambio radical; Busca generar una inquietud en quienes lo conozcan, una experiencia que de una u otra forma proponga un estímulo estético; precisamente el de desmaterialización del cuerpo en la sala de exhibición y así sustentar la idea de la inexistencia de jerarquías frente al arte; un lugar común en el que nos desvanecemos frente a la realidad y todos estamos al mismo nivel; un lugar donde “Todo hombre es un Rembrandt”.

"... disolver el cuerpo como objeto en virtud del medio ..."

Hernandez, Iliana. Mundos virtuales habitados: Espacios electrónicos interactivos.Ed. Javeriana, Bogotá, (2002)

Módulo VERDE / 3

Para contextualizar una experiencia de desmaterialización es necesario acudir a una temporalidad habitada por la sociedad en general. La era espacial es un momento en el tiempo donde el individuo reside en medio de una tormenta de información. Es un individuo inmerso en relaciones desmaterializadas y mediadas por interfaces que hoy son posibles gracias a los avances tecnológicos. Un fenómeno como las redes sociales es consecuencia de esto, la interactividad entre dos individuos esta mediada por una máquina y un sistema que permite una relación entre los participantes. La experiencia de la vida ha dejado de ser localizada y limitada para ser simultánea y universal. 2 El arte no ha sido excluido de esta nueva forma de relacionarnos con el mundo. Las imagenes-máquina de las que nos habla Arlindo Machado son evidencias tangibles de la relación arte-tecnología-maquinaria; una relación que ha evolucionado con la investigación e innovación (ejemplo la fotografía, análoga/digital) y ha dado paso al arte electrónico. 3

“El arte electrónico desplaza al arte desde un estadio centrado en el objeto a un estadio dirigido al contexto y al observador.(pág. 24)”

Weibel, Peter. El mundo como interfaz. Publicado en: “Elementos: ciencia y cultura” Dic-Feb Vol. 7, Número 040

Modularidad

Entendamos la modularidad partiendo de una mirada a la naturaleza; esta es modular, si analizamos por ejemplo una planta o el cuerpo humano, encontramos que este es un conjunto de sistemas (digestivo, nervioso, respiratorio, óseo, muscular, vascular y epitelial) compuestos por una serie de órganos especializados (corazón, pulmones, músculos, huesos, hígado, etc.). Estos órganos que conforman los sistemas están compuestos por células propias de cada uno de ellos (células óseas, musculares, neuronas, etc.), siendo estas mismas compuestas por unidades más pequeñas llegando a las cadenas de ADN que es lo más pequeño que conforma nuestro cuerpo.

La analogía se aplica a nuestro entorno, vivimos en un mundo con estructura modular; Una máquina como un computador, ampliamente utilizado como soporte de técnicas propias del arte (electrónico), puede ser diseccionada de la misma forma en la que se hizo con el cuerpo (pantalla, cpu, procesador, memoria, board, circuito, transistores, resistencia, etc.) hasta llegar a sus unidades mínimas (transistores). Igual una imagen creada digitalmente, una imagen de video, una pieza musical, etc.

De nuevo formulemos una pregunta: ¿Que tiene que ver la modularidad con este proyecto? “Every man a Rembrandt” está construido y fue concebido siguiendo un principio modular; su estructura teórica y tecnológica esta construida a partir de módulos. ¿Por qué módulos? La

4 / Módulo VERDE

modularización se lleva a cabo con la intención de agrupar elementos a gran escala sin que ninguno de ellos pierda su individualidad dentro de la colectividad. El principio modular permite un acceso aleatorio a sus unidades de composición. Este texto, el planteamiento conceptual y el resultado formal son propuestos como módulos, ya que están compuestos de gran cantidad de pequeñas unidades; así mismo estas estructuran el proyecto como un todo.

Lev Manovich habla sobre la modularidad cuando se refiere a los nuevos medios.

“Los propios objetos -de los nuevos medios- pueden combinarse a su vez dando lugar a objetos aún más grandes; sin perder, ellos tampoco,

su independencia. (pág. 76)”

Manovich, Lev. El lenguaje de los nuevos medios de comunicación. Ed. Paidós, Barcelona, (2005)

Inmersión

La inmersión resulta muy importante para la comprensión de la propuesta conceptual que presenta este proyecto. A continuación realizaré un análisis de este concepto con la intención de sustentar por qué es vital para apoyar la experiencia que se busca generar en el espectador; Así mismo explicaré algunos conceptos importantes que surgen al momento de abordar este término.

"... avanzamos un nivel más en la captura de atención del espectador... hablamos de inmersión ... (Tercera Parte, Pág. 115)"

Hernandez, Iliana. Mundos virtuales habitados: Espacios electrónicos interactivos.Ed. Javeriana, Bogotá, (2002)

¿Que tienen que ver la inmersión con "Every man a Rembrandt"? La instalación es un dispositivo de inmersión, el espectador hace parte de esta; se puede decir que sin el espectador no esta completa la instalación, no cumple su función. La obra es hecha por el que la visita y por eso “Todo hombre es un Rembrandt”.

Existen varios grados de inmersión, estos van desde la inmersión sencilla; por ejemplo cuando vemos una película y lloramos, hasta la inmersión total producida con el apoyo de una máquina de realidad virtual. En todos los casos existe un componente fundamental que afecta al grado de inmersión, la interfaz. Antes de entrar en detalle, es de gran importancia que se entienda qué es una interfaz.

Módulo VERDE / 5

Interfaz. (Del inglés interface, superficie de contacto). f. Inform. Conexión física y funcional entre dos aparatos o sistemas independientes. 4 A través de una interfaz se manipulan diferentes sistemas con la intención de obtener un resultado específico. La interfaz es un elemento mediador, la mejor forma para hacernos una idea apropiada es partiendo de ejemplos específicos.

Existen tres categorías para clasificar las interfaces; físicas, virtuales y mixtas. Un ejemplo de una interfaz física es un teclado y un ratón, estos son los elementos mediadores entre los archivos dentro de un computador y un usuario. Un ejemplo de interfaz virtual es el software que usamos para acceder a esos archivos; el software posee una interfaz virtual compuesta por ventanas e hipervínculos que permiten el acceso aleatorio a módulos de información. Una interfaz mixta puede ser encontrada en la popular consola de videojuegos nintendo wii; donde la mezcla de una interfaz física (los controles y el sensor de movimiento) funcionan en perfecta armonía con la interfaz gráfica de un juego que incluso puede ser jugado en red con diferentes participantes alrededor del mundo.

Existe otra clasificación dentro de las interfaces y estas pueden ser artificiales o naturales. La ubicación de la interfaz dentro de estas categorías es determinada de acuerdo a su relación con el cuerpo y la experiencia inmersiva que se logra a través su uso; Las interfaces naturales son las que requieren de menos interlocutores entre el cuerpo y el sistema o aparato, las artificiales están más distanciadas.

Interfaz natural (NUI): Dentro de esta categoría se encuentra de nuevo el nintendo wii, también las crecientemente populares interfaces táctiles como la del teléfono de Apple Inc. iPhone.

Interfaz artificial: Acá encontramos el ratón, teclado, palanca de mando, etc.

En el arte (electrónico), la interfaz es el medio que proporciona la capacidad para generar estímulos estéticos, introduciendo a su vez la capacidad de una interacción del espectador con la obra. La tecnología es el vehículo principal para lograr esta interacción. En el arte es posible encontrar todo tipo de interfaces y aplicaciones tecnológicas como reconocimiento (color, forma, movimiento), cámaras robóticas programadas, entornos de simulación virtual y programación en software especializado.

Indagando sobre la manera cómo la inmersión afecta al proyecto, encontré una serie de relaciones espaciales y temporales que se llevan a cabo en este generando cambios en la percepción sensorial del espectador. Estos cambios son producidos por modificaciones en las relaciones cotidianas con su entorno por medio de estímulos externos a través de sonidos, imágenes de video y control general de las condiciones espaciales. Estos procesos disminuyen la capacidad analítica frente al espejo y aumentan la relación emocional con éste. Es decir se produce un cambio en el espectador que fomenta el paso de un estado de conciencia otro.

La percepción de un espacio es determinada por varios elementos: las condiciones lumínicas, el área, los sonidos, las imágenes, los materiales y las texturas que existan en este. Estos elementos

6 / Módulo VERDE

intervienen la percepción en cuanto el espectador organiza una lectura de reconocimiento y asimilación. El proceso inmersivo se lleva a cabo cuando estos elementos proporcionan similitudes con una realidad cotidiana o introducen modificaciones que determinan la lectura espacial del espectador, haciendo posible un paso de la realidad externa a una realidad propuesta; en este caso se busca que el espectador lleve a cabo un proceso de inmersión en el espacio de exhibición.

A continuación se hace un breve análisis de estos niveles, con la intención de ubicar el nivel que habita la instalación que propone este proyecto.

Inmersión sencilla: La inmersión en una sala de cine, o en un museo; la cual está distanciada del soporte físico.

Inmersión media: Es el tipo de inmersión que produce internet, en esta empiezan a existir interfaces artificiales que promueven la interacción (una sala de chat o Second Life).

Inmersión compleja: Este es el nivel que concierne a este proyecto; Es el nivel de inmersión donde el espectador disminuye considerablemente la distancia crítica frente a lo que ve. A este nivel empiezan a introducirse interfaces tecnológicas compuestas por sistemas con un nivel de complejidad más avanzado; por ejemplo, se implementa el uso de sensores para activar acciones programadas, se utilizan micrófonos y consolas que procesan señales de audio en tiempo real, se programan cámaras para detectar ciertos espectros de color, etc.

Inmersión total: En esta categoría se encuentran los sistemas avanzados de realidad virtual. Entornos de simulación capaces de producir altos niveles de inmersión. A menudo este tipo de entorno es relacionado con la ciencia ficción, pero a medida que la tecnología avanza se han empezado a realizar los primeros acercamientos exitosos. Estos sistemas son capaces de reproducir propiedades químicas y físicas de la materia (olores, peso, texturas, etc.) en entornos de simulación. Sus aplicaciones aún son pocas ya que la gran mayoría de estos sistemas se encuentran en etapas experimentales.

De esta forma, habiendo trazado un plano dentro del cual se sitúa el proyecto en relación a este concepto; veamos dos referentes importantes que trabajan con procesos inmersivos a diferentes niveles en el campo de las artes: Jeffrey Shaw y Dan Graham.

En “Distributed legible city” Shaw genera un mundo virtual en el que dos participantes interactúan por medio de una interfaz (una bicicleta). Dentro de la simulación virtual ambas personas son libres de tomar el camino que deseen mientras estén pedaleando; si se cruzan los caminos estos pueden cruzar palabras entre ellos.

El segundo referente es Dan Graham con “Ma Position Écrits Sur Les Oeuvres”; “se interesó por los efectos de percepción obtenidos al registrar la mirada a través del reflejo en una vitrina de almacén de una calle cualquiera. Interesa comprender cómo la imagen de quien observa queda inserta en la pantalla-espejo de la vitrina, en conjunto con los objetos exhibidos y con los elementos urbanos que se encuentran detrás de quien mira. Se genera así una relación de deseo

Módulo VERDE / 7

de lo mirado y de intercambio de roles entre el espectador y la mercancía en venta y un intercambio de lugares por el efecto de espejo que hace como si quien mira quedara atrapado dentro de la vitrina por el reflejo” 5 El efecto que logra Graham con esta obra en términos de inmersión es de inmersión compleja a través de métodos de inmersión sencilla. Me interesa mucho esta obra especialmente como referente ya que su discurso de intercambio hombre/mercancía se traslapa con la temática de “Every man a Rembrandt”.

Fig. 1 - Jeffrey Shaw, "Distributed legible city" (1948) ZKM, Alemania.

Instalación

La instalación ha sido un medio muy importante desde las décadas de los 60 y 70. Existieron movimientos como arte conceptual y Fluxus, los cuales sentaron las bases para su desarrollo. En el tiempo anterior al surgimiento de estos movimientos el arte estaba configurado para ser visto

8 / Módulo VERDE

en dos formas: a través de la pintura y la escultura; Existieron indicios de un interés por buscar alternativas a estos medios pero solo fue hasta la segunda mitad del siglo XX que tomaron fuerza estas propuestas. El cambio más importante que se dió con el surgimiento de la instalación fue la relación de la obra con el espectador. El método relacional pasó de ser pasivo y distanciado a ser dinámico e inmersivo. Aunque es posible llegar a un nivel de inmersión sencilla contemplando una pintura o una escultura, es poco probable que el espectador pierda completamente la distancia crítica frente al objeto; mientras que las obras con carácter instalativo si tienen la capacidad de promover estados de inmersión más avanzados en los que la distancia critica disminuye considerablemente mientras que la emocional aumenta.

La parte formal de este proyecto propone una instalación en el espacio. El carácter instalativo de “Every man a Rembrandt” se configura en la fase de conceptualización del proyecto. En este momento, cuando se empiezan a formular las preguntas de las que parte la investigación, se llega a una primera conclusión: la parte formal no puede ser presentada como un todo, el espectador debe tener un punto de vista inclusivo (desde el interior) de la obra. Según el planteamiento conceptual, el espectador completa la obra. La necesidad del espectador como complemento de la obra y el carácter inmersivo que se busca solo son posibles con una intervención de carácter instalativo.

La instalación como soporte expresivo en general no está sujeta a un uso determinado de materiales ni a un espacio específico. Una intervención espacial puede llevarse a cabo usando imágenes de cualquier naturaleza y en cualquier soporte, objetos con carácter escultórico, sonido, video, computadores y cualquier otra cosa que se quiera utilizar. Por medio de estos materiales se busca modificar la percepción de un espacio en particular no limitado al espacio de exhibición. La instalación “Every man a Rembrandt” propone generar un espacio alusivo a una sala de exhibición. Se busca recrear la experiencia del entorno particular de este espacio y promover una relación inmersiva en el espectador otorgando importancia al punto de vista de este, así pues la experiencia personal es la que marca la adaptación al nuevo entorno. Este es un punto muy importante, significa que la relación de cada individuo con la obra puede ser diferente; La posibilidad de que dos personas entren y tengan exactamente la misma percepción es difícil de lograr ya que no tienen la misma experiencia personal. Las únicas cosas de las que un espectador puede estar seguro al recorrer la instalación son sus propios pensamientos, ideas y las normas básicas del espacio y el tiempo; Se busca una íntima experiencia ligada a la visión personal.

La instalación “Every man a Rembrandt” funciona en el campo de la percepción sensorial y es una instalación electrónica interactiva. Generalmente, una instalación interactiva involucra al espectador que entra en ella y responde de alguna forma específica a la actividad que éste realice. Este tipo de instalación (electrónica interactiva) basa su funcionamiento en plataformas tecnológicas como programación de software, utilización de cámaras, sensores y aplicación de efectos sonoros; No obstante también hace uso de recursos espaciales y temporales propios de la instalación. Este tipo de instalaciones tienen auge en las propuestas artísticas desde la década de los 90, los artistas muestran un interés creciente por la participación del espectador. Los avances en tecnología que empiezan a estar cada vez más disponibles al público permiten una

Módulo VERDE / 9

exploración más allá de los límites conocidos. Los métodos de experimentación y los soportes dan cabida a nuevas relaciones y niveles de inmersión cada vez más avanzados.

" No son objetos sino eventos que proponen otras relaciones con el público. Se trata de obras que cuestionan la idea de objeto único, acabado, autónomo.(pág. 80)"

Hernandez, Iliana. Mundos virtuales habitados: Espacios electrónicos interactivos.Ed. Javeriana, Bogotá, (2002)

En este punto quiero proponer un referente que trabaja con instalación, Olafur Eliasson. Su trabajo me interesa mucho ya que genera un nivel de inmersión complejo de alto nivel. Además pienso que la parte formal es completamente excepcional, es una intervención en el espacio que definitivamente genera una experiencia temporal, espacial e inmersiva.

Fig. 2 - Olafur Eliasson, "The weather project" (2003) Tate Modern “Turbine Hall” Londres.

10 / Módulo VERDE

El Espejo

¿Por qué un espejo? La realidad que muestra el reflejo en el espejo está ligada a la experiencia personal; la forma en que percibimos lo que vemos, lo que sentimos y como nos relacionamos con la sociedad. En el arte y la literatura se pueden encontrar muchas referencias a espejos en Magritte, Pistoletto y Graham para nombrar algunos (ninguno de los tres referentes mencionados muestra una realidad objetiva a través de sus espejos; Magritte propone una paradoja, Pistoletto una prolongación del espacio y Graham lo usa para crear ilusiones espaciales y temporales). Una propuesta muy interesante se encuentra en la obra “A través del espejo y lo que Alicia encontró al otro lado” de Lewis Carroll donde habla que detrás del espejo se esconde un mundo de quimeras, proponiendo la idea del espejo como una ventana hacia otra realidad.

El espejo, el reflejo y la realidad proporcionan un punto de partida para la propuesta formal del proyecto. El objeto central del proyecto es un espejo; un espejo que propone una realidad alternativa; una ventana a otra dimensión.

Un ejemplo puntual es presentado por J. Fontcuberta al decir que la fotografía miente siempre, plantea que el fotógrafo exitoso es el que miente bien la verdad. Diría entonces que el espejo miente siempre, vemos en él lo que queremos ver. 6

El espejo de “Every man a Rembrandt” nos muestra su propia realidad, una dimensión alternativa en la que el espectador desaparece dentro de la sala de exhibición evidenciando de esta forma el carácter efímero de este; frente al carácter universal de las obras.

Fig. 3 - Michelangelo Pistoletto,

"Prostitute No. 1" (2008) Luhring Augustine Gallery

Fig. 4 - Rene Magritte, "La reproduction interdite" (1937)

Boijmans Van Beuningen Rotterdam

Módulo VERDE / 11

Notas

1. Ver: Bodenmann - Ritter, Clara, Joseph Beuys: Cada hombre, un artista, Ed. Visor, Madrid, (1995)

2. Ver: Weibel, Peter, El mundo como interfaz. Publicado en: “Elementos: ciencia y cultura” Dic-Feb Vol. 7, Número 040

3. Ver: Ibid.

4. RAE útil. V.1.05 (widget del diccionario de la real academia de lengua española).

5. Hernandez, Iliana, Estética y comunicación en las videoinstalaciones: el espacio inmersivo Publicado en: Signo y Pensamiento 49, Vol. XXV, Jul-Dic (2006)

6. Fontcuberta, Joan, El beso de Judas: Fotografía y verdad, Ed. Gustavo Gili, Barcelona, (1997)

12 / Módulo VERDE

Fuentes de las imágenes

Fig. 1 - http://www.jeffrey-shaw.net/html_main/frameset-works.php3

Fig. 2 - http://blog.daytonc.com/wp-content/uploads/2008/06/olafureliasson_theweatherproject-small.jpg

Fig. 3 - http://www.artnet.com/artwork/425868300/683/michelangelo-pistoletto-prost-n1.html

Fig. 4 - http://www.acceleratingfuture.com/people-blog/wp-content/uploads/2007/12/magritte_mirror.gif

Módulo VERDE / 13

Módulo AZUL

Este módulo presenta la conclusión final de “Every man a Rembrandt”, las referencias bibliográficas, web y de revistas. Acá es donde finalmente se contesta la pregunta inicial, recordemos;

¿Son las instituciones y el mercado factores de regulación determinantes para los artistas y sus obras en cuanto a que limitan la posibilidad de nuevas subjetividades?

La respuesta es NO, a continuación se explica por qué.

2 / Módulo AZUL

Conclusión

El análisis de relaciones entre las obras y sus canales de distribución, que reveló una discordancia entre el mercado y la producción artística se vio repetidamente interrumpido por los artistas que, según el planteamiento inicial del proyecto, necesitan un espacio no regulado para poder ejercer una práctica libre. Lo que quiero anotar es que el impulso creativo del artista está determinado por su propia necesidad de crear. Es claro que existen personas que hacen obras y por algún tipo de influencia logran entrar en los espacios de exhibición, cosa que se convierte en un problema para ellos mismos al no proponer transformaciones en los puntos de vista o ampliamiento de las perspectivas de observación. Por lo general cualquier cambio en las tendencias deja por fuera a este grupo de personas que elaboran “obras”. A diferencia de lo que acabo de afirmar, los artistas y sus obras no tienden a encasillarse en tendencias pasajeras ni tienen como finalidad última tener éxito dentro del mercado.

Sería un error considerable generalizar que, los artistas y las instituciones se encuentran en crisis y están contaminados por la corrupción, hubiera sido un hallazgo desalentador, que probablemente me hubiera obligado a cuestionarme qué función podría desempeñar en un contexto de ese tipo. La situación que descubrí, al contrario, muestra a un grupo ambicioso por mostrar su subjetividad, así que la única posibilidad que me queda es trabajar por ser aceptado dentro de este grupo, un lugar donde la libertad de palabra no es una etiqueta sino una realidad.

El desarrollo de esta investigación se caracterizó al ser impulsado por sentimientos de desaprobación e incomformidad con el sistema. Esto fue cambiando gradualmente mientras indagaba en las metodologías específicas utilizadas por los artistas y las relaciones de los artistas con la institución. Las estrategias de las que habla Camnitzer no deben ser explícitamente adoptadas para que las obras sean aceptadas dentro de la corriente principal, la estrategia esta dentro de cada artista. Dentro de cada obra hay un ingrediente de ironía que se encuentra explícito o escondido debajo de lo que se ve en primera instancia. Me explico, toda obra hecha honestamente tiende a satisfacer a la institución; ya que el contenido de estas no está compuesto solamente por la superficie, debe ser examinado, en lo posible, en el mayor número de componentes internos y externos si se quiere conocer las implicaciones de su producción e intención.

Por ello resultó muy satisfactorio el proceso que se llevó a cabo para la elaboración de este proyecto, sobre todo en lo que refiere a la concepción misma de las obras y su contenido, no como elementos absolutos frente a los cuales hay que darse a la tarea de configurar un único significado, sino como elementos dinámicos, interconectados en una estructura compleja con la percepción del espectador. La conclusión de este proyecto es, entonces, la comprensión de la función de la práctica artística, en medio de contextos específicos, para establecer finalmente un terreno donde coexisten las instituciones, las obras, los espectadores y el mercado.

Módulo AZUL / 3

Bibliografía

Barthes, Roland. La Cámara Lúcida. Ed. Paidós, Barcelona, (1992)

Battcock, Gregory. La idea como arte: documentos sobre arte conceptual, Ed. Gustavo Gili, Barcelona (1977)

Bauman, Zygmunt. Vida de Consumo, Fondo de cultura económico, Mexico D.F. (2007)

Bodenmann - Ritter, Clara. Joseph Beuys: Cada hombre, un artista, Ed. Visor, Madrid, (1998)

Burroghs, William. The Electronic Revolution. Expanded media Editions, Alemania, (1970)

Calvino, Italo. Seis propuestas para el próximo milenio, Ed. Siruela, Madrid (1989)

Camnitzer, Luis, Antología de textos críticos, Ed. Uniandes, Bogotá (2007)

Debord, Guy. La sociedad del espectáculo, Pre-Textos, Valencia (2002)

Debray, Regis. Vida y Muerte de la Imagen historia de la mirada en Occidente. Ed. Paidós, Barcelona, (1994)

Evans, David. Appropriation, MIT Press, Cambridge (2009)

Fontcuberta, Joan. El beso de Judas: Fotografía y verdad, Ed. Gustavo Gili, Barcelona, (1997)

Foucault, Michel. Vigilar y Castigar: Nacimiento de la Prisión, Siglo veintiuno editores, Buenos Aires, (2002)

Grau, Oliver. Virtual Art: From illusion to immersion, MIT Press, Cambridge (2003)

Hernandez, Iliana. Mundos virtuales habitados: Espacios electrónicos interactivos.Ed. Javeriana, Bogotá, (2002)

Hernandez, Iliana. Estética contemporanea nuevas subjetividades en el cruce entre ciencias, artes y tecnologias. Ed. Javeriana, Bogotá, (2000)

Manovich, Lev. El lenguaje de los nuevos medios de comunicación. Ed. Paidós, Barcelona, (2005)

McLuhan, Marshall. La comprensión de los medios como las extensiones del hombre Ed. Diana, México D.F. (1980)

4 / Módulo AZUL

Rosler, Martha. Imágenes Públicas: La función política de la imagen, Ed. Gustavo Gili, Barcelona (2007)

Virilio, Paul. La Máquina de Visión. Cátedra, Madrid, (1989)

Weibel, Peter. El mundo como interfaz. Publicado en: “Elementos: ciencia y cultura” Dic-Feb Vol. 7, Número 040

Wilson, Stephen. Information arts intersections of art, science, and technology, MIT Press, Cambridge (2002)

Páginas WEB

http://www.diaart.org/sites/page/56/1375

http://www.stelarc.va.com.au

http://www.ekac.org

http://www.medienkunstnetz.de

http://www.lozano-hemmer.com

http://www.jeffrey-shaw.net

http://www.universes-in-universe.de/magazin/marco-polo/s-camnitzer.htm

Artículos

Hernandez, Iliana. Estética y comunicación en las videoinstalaciones: el espacio inmersivo. Publicado en: Signo y Pensaiento Vol. 25, no. 49 (Jul. - Dic. 2006), pág. 58-67

Olmo, Santiago. Entrevista con Hans Haacke, imagen de la conciencia critica. Publicado en: Revista Lápiz Vol. 14, no. 116 (Nov. 1995), pág. 56-65

Módulo AZUL / 5