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Papini Martina
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Trabajo Practico N°4
3° entrega: “Album”
“Postimpresionismo, Dadaismo, Cubismo y Fauvismo”
Consigna:
Elegir una obra de cada movimiento y analizarla según la biografia.
Vincular con obras de diseñadores de la actualidad que tomen elementos de estos
periodos o realizar diseños propios.
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POSTIMPRESIONISMO
El postimpresionismo, comienza a finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al
impresionismo; era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus
limitaciones. El crítico de arte y pintor Robert Fry fue el primero en el utilizar el término
"postimpresionismo" cuando en 1910 organizó una exposición en las Grafton Galleries de
Londres titulada “Manet and the Post-Impressionists”, en la que los protagonistas más
destacados fueron Cézanne, Gauguin y Van Gogh.
Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la
pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y
expresión a su pintura.
Basaban sus obras en el uso del color experimentado por los impresionistas; buscaban ampliar
los horizontes expresivos de la pintura, sin resignarse a plasmar pasivamente lo observado en
la realidad (en contraste con los impresionistas, que estaban interesados en captar efectos
fugaces reflejándolos en el lienzo tal y como eran observados en la Naturaleza). “Presentaron
una visión más subjetiva del mundo.”
Sus formas más exageradas y el uso del color, estructura y líneas prepararon el terreno para
los estilos que seguirían más adelante del siglo XX, como el fauvismo o el cubismo.
Algunas características generales, y el pintor que mejor las representa:
- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras
humanas.
- Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que
casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).
- Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne)).
- Empleo de colores contrastantes para definir los planos y formas.
- Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
- Utilización de colores puros con gran carga emotiva (Van Gogh) y modulados (Gauguin).
- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el
desconsuelo interior (V. Gogh).
- Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
- Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas
cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).
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Los representantes más destacados de este movimiento artístico fueron:
Paul Cezanne, Vicent Van Gogh, Gauguin y Toulouse.
- Paul Gauguin. Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable,
familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada
a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo
que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en
grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Su obra es preferente del
simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a
la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano
igual que en las pinturas japonesas.
- Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y
la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas;
todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las
sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas
distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista. Su pintura es el punto
de arranque del cubismo.
- Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y
paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un
apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y
angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa;
los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja.
Él abre las puertas al expresionismo del XX
- Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas,
cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del
movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. En
sus obras, destaca: Moulin Rouge.
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VICENT VAN GOGH
Análisis de la obra:
Título: La Noche Estrellada (De sterrennacht).
Artista: Van Gogh
Datación: 1889.
Dimensiones: 73 cm x 92 cm.
Ubicación: Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte
Moderno de Nueva York (Estados Unidos).
Técnica: Óleo sobre lienzo. – Postimpresionismo.
Género: Paisaje.
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Contexto histórico del momento y del propio autor:
En 1889 es internado en un manicomio de Saint Rémy... Allí, permaneció un año alternando la
alucinación con momentos de tranquilidad. En ningún momento dejó de pintar, las obras de
este periodo evidencian sus tensiones y desequilibrios. Trigales y cipreses se hacen frecuentes
en la producción de este tiempo. Las llamaradas oscuras y la pincelada crispada y nerviosa
permiten descargar su tensión interior. La naturaleza que le atrae es trémula, con escabrosos
accidentes de terreno. Predominan las visiones tétricas y lúgubres que distorsionan la realidad.
También realiza copias de los grandes maestros a partir de grabados en blanco y negro. Su
recluimiento no le impide el realizar algunas de sus obras más importantes.
Análisis de la obra:
Soporte:
- Soporte: lienzo
- Medidas: 73x92cm
- Composición: horizontal
Análisis:
- En pocas obras ha mostrado la naturaleza con tanta fuerza como en este cuadro. Van
Gogh se encuentra recluido en el manicomio y muestra en sus imágenes lo que
contempla desde su ventana.
- La noche era un tema recurrente que siempre le había atraído, especialmente porque
se trata de una luz diferente a la que se había empleado hasta esos momentos.
- En la obra se destaca el tratamiento de la luz de las estrellas como puntas de luz
envueltas en un halo luminoso a su alrededor, obteniendo con una de las pinceladas
más personales de la historia del arte, (un trazo a base de espirales que dominan el
cielo), tomando como inspiración a Seurat y la estampa japonesa. Al fondo se aprecia
la silueta de un pueblo con la larga aguja de la torre de la iglesia presidiendo el
conjunto.
- Las líneas del contorno de los edificios están marcados con gruesos trazos de tonos
oscuros, igual que las montañas que recuerdan la técnica empleada por Gauguin.
- Los tonos que Van Gogh utiliza son comunes a todas las obras de esta primavera del
89; malvas, morados y amarillos que muestran el estado de ánimo eufórico del artista,
aunque de la impresión de predecir la grave recaída que sufriría el artista en el mes de
julio.
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Objetivo del autor:
- El autor a mi propia opinión no tenía un objetivo puntual por el cual pintar la obra,
más en el estado mental en el que estaba, él retrataba sus sentimientos, de la manera
que él pensaba.
Estudio del contexto:
Autor:
“Vicent Van Gogh es el símbolo del artista solitario y rebelde. Fue un genio
incomprendido que vivió enfervorizado por la pintura. En solo diez años
elaboro 800 telas con uno de los estilos artísticos más definidos. Su entrega lo
llevo a la locura y al suicidio. Apenas valorado en su época e inspirador del
expresionismo, actualmente está considerado como uno de los pintores más
cotizados.”
Vincent van Gogh, “por quien el color era el símbolo principal de expresión”, nació el 30 de
marzo de 1853 en Groot-Zundert de Holanda.
Fue hijo de un pastor, criado en una atmósfera religiosa y refinada
En 1880 decidió entregarse por completo al dibujo y la pintura. Su formación fue
autodidactica, aunque en 1882 recibió lecciones de su primo AntonMauve, conocido paisajista.
Al comienzo Van Gogh pretendió reflejar la vida de los campesinos al estilo del francés
JeanFrancoisMillet.
Hacia fines de 1883, volvió a vivir con sus padres y permaneció con ellos entre 1884 y 1885.
En marzo de 1886, se fue a vivir a Paris con su hermano Theo con quien siempre mantuvo una
buena relación; Allí conoció a muchos pintores, como, Toulouse, Gauguin y a Pissarro.
En febrero de 1888 dejo Paris y se trasladó a Arles.
En el fin de 1888, después de un incidente, Gauguin tuvo que salir de Arles. Van Gogh le
persiguió a Gauguin con una cuchilla, fue parado por Gauguin, pero se cortó una parte de su
propia oreja. La vida de Van Gogh empezó a alternar entre los ataques de locura y la lucidez.
Van Gogh fue enviado al manicomio en Saint-Rémy para su tratamiento.
En mayo de 1890, parecía mucho mejor y fue a vivir en Auvers-su-Oise bajo el ojo atento de
Doctor Gachet. Estuvo muerto dos meses después cuando se disparó a sí mismo “por el bien
de todo.” Durante su carrera breve vendió solamente una pintura. Las obras más finas de Van
Gogh fueron producidas en menos que tres años por una técnica que crecía más y más
apasionada en brochada, en color simbólico e intenso, en tensión superficial, y en el
movimiento y la vibración de forma y línea. La fusión inimitable de forma y contenido de Van
Gogh es poderosa, dramática, rítmica, imaginativa y emocional. El artista estaba absorto
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completamente en el esfuerzo para explicar su lucha contra de su locura o en la comprensión
de la esencia espiritual de hombre y naturaleza.
Mi opinión:
En esta obra se puede ver fácilmente el estado en el que se encontraba Van Gogh. Los efectos
que utilizo para generar las estrellas genera que la obra sea muy llamativa y los colores quedan
para la vista del espectador acordes.
Vinculación:
Vincule a este movimiento y a este artista, relacionándolo con mi carrera, (diseño gráfico), con
la parte “publicitaria”, la modificación de un logo, en este caso por un homenaje hacia Van
Gogh.
Vincent van Gogh, Celebración de su nacimiento el 30 de marzo de 2005
CUBISMO
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El cubismo fue uno de los primeros movimientos artísticos que surgió en el siglo XX,
transformándose en una verdadera revolución dentro de la pintura.
El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914.
Los artistas más nombrados y reconocidos en el movimiento fueron: Picasso, Gris y Braque.
Las formas que construyen los pintores del cubismo siguen unos esquemas rígidamente
geométricos, muy propios de la pintura intelectualista; en este sentido, son muy significativas
dos frases representantes de este estilo.
El artista de este momento escoge un tema pictórico con un objetivo
determinado, buscando los cubistas fragmentar un tema y ordenarlo en una
composición.
El nacimiento del cubismo constituye uno de los hitos del arte contemporáneo, ya que
representa la ruptura definitiva con la pintura tradicional, distinguiéndose dos fases en
este ismo:
a) Cubismo analítico: Analiza y descompone la realidad para plasmarla con elementos
geométricos superpuestos y con una gama cromática restringida. No es una realidad
visual sino una realidad del conocimiento, que reconstruye los objetos como se sabe
que son, no como se ven.
b) Cubismo sintético: La segunda etapa del cubismo ya no se caracteriza por el análisis
de la realidad sino por concebir el cuadro como una construcción de elementos
plásticos, con inclusión de elementos reales. Otorga mayor importancia al objeto y a
plasmarlo con cierta fidelidad, con un cromatismo más rico.
A partir de esta escuela estética se desarrollaron otras vanguardias europeas que
revolucionaron el panorama artístico del siglo XX. Sin embargo, el cubismo está considerado
como una vanguardia pionera ya que se encargó de romper con la perspectiva, el último
principio renacentista que seguía vigente a comienzos de siglo.
Los cubistas buscaban descomponer las formas naturales y presentarlas mediante figuras
geométricas que fragmentaban las superficies y las líneas. Esta perspectiva múltiple permitió,
por ejemplo, reflejar un rostro tanto de frente como de perfil, ambos a la vez.
Características:
- Ruptura de los conceptos renacentistas de la perspectiva lineal y del “cuadro ventana”.
- El punto de vista de la obra reconstruye el punto de vista del espectador.
- Tiene una paleta monocromática que no es realista.
- Cambia el concepto de arte y su vinculación con la realidad y con el concepto
“belleza”.
PICASSO
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Análisis de la obra:
Autor: Pablo Picasso
Fecha: 1937
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 349,3 x 776,6 cm.
Ubicación: (Museo Reina Sofía)
Contexto histórico:
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- El 26 de Abril de 1.937 la villa vasca de Guernica fue objeto de un cruel bombardeo por
parte de la aviación alemana, que produjo numerosas víctimas inocentes y cuantiosos
daños materiales. El hecho se enmarca en el desarrollo de la Guerra Civil española,
comenzada el 18 de Julio de 1.936, y que enfrentaba al gobierno de la República,
democráticamente elegido, con el ejército rebelde de Franco, sublevado contra el
poder legítimo. Mientras los soviéticos de Stalin ayudaron a la República, Franco
obtenía abundante ayuda humana y material de la Italia de Mussolini y de la Alemania
de Hitler. La aviación de éste último tomó la iniciativa de bombardear Guernica por
cuenta propia, sin pedir ningún permiso ni notificarlo a Franco. Los aviones Junker
alemanes de la Luftwaffe realizaron un bombardeo-alfombra contra la desprotegida
villa. La razón del ataque no podía ser la existencia de depósitos de armas, ni cuarteles
o tropas, ni objetivos estratégicos ni que la villa fuese un nudo de comunicaciones.
Guernica carecía de cualquier importancia militar o estratégica.
- La vergonzosa razón fue probar en fuego real los nuevos aviones y su armamento ante
el avecinamiento de la Segunda Guerra Mundial. Para explicar lo inexplicable, Franco
en una delirante declaración echó la culpa del ataque a los republicanos que así
habrían conseguido una excusa, bombardeando una ciudad de su zona, para poder
acusar a los nacionalistas de Franco. Ni que decir tiene que este argumento no fue
tomado en consideración por nadie.
- El horror que causó este episodio fue muy alto en la opinión pública internacional, no
sólo por el sacrificio absurdo de inocentes, sino, sobre todo, por ser la primera vez en
la historia en que se atacaba desde el aire una ciudad. En poco tiempo, ciudades
inglesas, alemanas y japonesas serían borradas del mapa con ese método.
- Este tipo de desastre masacraría a millones de personas inocentes y dispararía la cifra
de bajas hasta extremos escandalosos
Análisis de la obra:
- El Guernica de Pablo Picasso es la obra cumbre del pintor malagueño y una de las
pinturas más destacables del siglo XX. Tiene todos los ingredientes que se esperan de
una obra maestra. Belleza, recursos simbólicos, lenguaje propio, gran ejecución y un
punto de referencia para otros artistas. La pintura, que fue creada desde un principio
como denuncia de los horrores de la guerra y para representar un mensaje de paz, fue
convirtiendose desde entonces en el icono de ese mensaje para toda la población
mundial, que lo ha reproducido, imitado y representado en innumerables ocasiones y
de todas las maneras posibles.
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- Picasso utiliza en el Guernica elementos y simbologías propias y ya presentes en su
obra anterior, como el toro, el caballo y la paloma, y para entender lo que representan
hay que comprender el carácter y la personalidad del pintor, pues, si para la gran
mayoría de la gente un caballo le inspira nobleza, belleza e incluso paz, mientras que el
toro a su vez, viene a ser algo bien distinto, como violencia, muerte o inquietud, para
el artista malagueño significan lo contrario; para un aficionado a la lidia de toros, el
toro es el protagonista de la “fiesta” y el que provoca alegría y satisfacción, y el caballo
(con su picador), es el enemigo del toro. El toro en su obra se puede encontrar
representado como minotauro, algo muy frecuente en su pintura, y en ocasiones como
víctima herida, con dificultades o ciego; se sentía completamente identificado con esta
figura poética, y seguramente el toro en el Guernica se trata de un autorretrato.
- Trabaja la transparencia.
- Hay partes que están afuera y otras que están adentro “del cuadro”.
- Es originalmente en blanco y negro.
- Picasso trabajo esta gran obra por partes.
- Es una obra totalmente representativa, usando figuras que simbolizan otras cosas.
Estudio del contexto:
Autor:
- Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881.
- La formación de él comenzó en Barcelona del modernismo, con sus estudios en la
escuela de bellas artes La Llotija.
- A principios del siglo XX el artista viajo a Paris en 1900, para instalarse de forma
permanente en 1904.
- Allí, como ya había ocurrido en Barcelona, Picasso frecuento la compañía de otros
artistas y visito los burdeles, los locales de los bajos fondos y los espectáculos errantes
como el circo. La decadencia, la tristeza y las pequeñas tragedias cotidianas que
conoció inspiraron el repertorio de las pinturas de sus periodos Azul (1901-1904) y
Rosa (1904-1906), llamados así por el predominio de esos colores.
- Después de la primera guerra mundial, Picasso tuvo un periodo calificado como una
vuelta a la figuración. Aunque pintaba figuras macizas, casi estatuas, inspiradas en el
arte clásico y plasmada con un dibujo elegante y escrupuloso, aun habrían de
sucederse nuevos estilos, como el surrealismo.
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Descripción de la simbología del cuadro: (http://servicios.elcorreo.com/especiales/gernika/cuadro-guernica-
picasso/guernica-grafico.html
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Vinculación:
Este movimiento lo vincule con una publicidad producida por la marca de autos Volkswagen:
- Volkswagen cubista, una campaña con mucho arte
- Publicado el diciembre 9, 2011 por ALBERTO ORMEÑO.
- Nuevos conceptos, nuevas creatividades, esto es lo que ha conseguido el nuevo coche
de la marca alemana, el Volkswagen Pantheon.
- Ya de por si el nuevo coche suena muy histórico, haciendo referencia a uno de los
monumentos más importantes de Roma, el Pantheon. Pero para su nueva campaña
nos transporta a otro momento de la historia del arte, el Cubismo, inspirándose en
cuadros de Pablo Picasso. Desde luego han sido capaces de vincular dos conceptos
muy diferentes en una idea muy sencilla y fácil de entender.
- Su campaña se titula “arrive in bettershape” o lo que es lo mismo, llega en mejor
forma, que se debe a una de las innovaciones que incorpora este modelo mejorando la
estabilidad de la máquina. Solo hace falta ver las imágenes para captar lo que desde la
agencia y la marca nos tratan de transmitir.
- (La campaña la ha realizado la agencia alemana de Grabarz&Partner, un concepto que
enamora por su sencillez a todos los amantes de la publicidad)
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FAUVISMO
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se desarrolló entre 1904-
1908 aproximadamente.
Se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las
circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que
realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la
naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de
convencionalismos.
El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de
disciplinas o como ignorante.
Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este
mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un
ambiente cada vez más vanguardista.
Características del movimiento:
- El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo
exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del
color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son
complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad
entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza
cromática.
- Este planteamiento, conocido como modelo RYB, clasifica los colores en:
Colores Primarios: rojo, amarillo, azul
Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul
(violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).
Complementarios: se entiende por color complementario de otro, el color que
se sitúa en la parte opuesta: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y
para el amarillo es el violeta.
- En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el
modelado, el claroscuro o la perspectiva. La técnica pictórica fovista emplea toques
rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las
figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad.
- Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento, algo que
anteriormente intentaron los pintores Nabis. Esto hace que percibieran la naturaleza y
lo que les rodea en función de sus sentimientos.
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- El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas. También se destacaba la
función decorativa y se empleaban las líneas onduladas.
- Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto
a la pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el
ámbito artístico.
- Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintaron el
mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores,
mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del
impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.
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HENRI MATISSE
Análisis de la obra:
Autor: Henri Matisse
Fecha: 1905
Museo: StatensMuseum de Copenhague
Características: 42,5 x 32,5 cm.
Estilo: Fauvismo
Material: Óleo sobre lienzo
Copyright: (C) ARTEHISTORIA
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Análisis de la obra:
- La raya verde, que se conserva actualmente en el Museo Estatal de Arte de
Copenhague, es un retrato realizado en 1905 por Henri Matisse, el artista más
importante del fauvismo. El título hace referencia a la amplia pincelada de verde
brillante que define la frente y la nariz de la mujer retratada.
- El elemento fundamental de La raya verde es el color. Matisse dibuja con el color,
suprime las sombras y las sustituye por colores puros, fuertes y brillantes. El color lo es
todo: configura los planos y el espacio. El modelado casi ha desaparecido y la línea,
siempre con carácter sinuoso, sólo aparece cuando se hace irremediablemente
necesaria.
- El autor emplea colores vivos, aplicados con violencia sobre la tela y de manera
arbitraria en relación a la naturaleza (rostro verde, por ejemplo). Sin embargo, la obra
no provoca desasosiego ni aturdimiento en el espectador, sino que, a través de la
estridencia cromática, Matisse transmite una cierta armonía. Quizá contribuye a ello el
esmerado equilibrio de color entre las manchas verdes y las rojas.
- El retrato está trabajado a base de grandes áreas de color puro en las que se adivina
una cierta influencia de Gauguin, de Cezanne y de Van Gogh. De hecho, el fauvismo
hunde sus raíces en la corriente postimpresionista.Matisse proyecta en éste y en todos
sus retratos su propia fantasía, lo que le permite deformar el modelo mediante el color
y el trazo, así como eliminar prácticamente la psicología del retratado.
Autor:
Nació en la segunda mitad del siglo XIX en el norte de Francia, en el seno de una familia de
clase media. Aunque estudió Derecho, se sintió atraído por la pintura y entró en la Escuela de
Bellas Artes de París en 1892. Analizó la pintura de los impresionistas y adoptó la técnica
puntillista.
De esta manera comenzó a experimentar con el color, a base de yuxtaponer pequeñas
pinceladas de pigmento puro para crear poderosos efectos cromáticos visuales. Hacia 1905,
fecha en la que realizó la obra que nos ocupa, modificó la técnica puntillista concediendo
mayor amplitud a la pincelada. El resultado fueron atrevidas obras pictóricas que rompieron
con la tradición anterior: era la auténtica liberación del color. Precisamente por la estridencia
cromática, este grupo de artistas fue bautizado como los fauves, que en francés significa
“fieras”.
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DADAISMO
Se origina en 1916 en Zurich; con artistas exiliados de sus países, otros que le dieron de baja
por su físico en la guerra, y demás.
Fue y es el movimiento más en contra de absolutamente todo desde el principio.
Los artistas al comenzar el Dadaísmo se juntaban en el “Cabaret Volteur”, donde allí tenían sus
charlas y demás.
TristanTzara, es quien escribe el manifiesto dadaísta. Él era un poeta, y al serlo le costaba
mucho romper con lo de costumbre.
Tzara decía que el dadaísmo no es pasional, se burla del artista burguez y su arte.
El dadaísmo se extiende desde lo artístico por la poesía, esculrura, pintura, o la música.
Se basa en el desarrollo de lo lógico, de lo absurdo.
Una obra dadaísta debe ser:
- Novedosa
- Informal
- Natural
- Libre
Dicen que la belleza se vuelve individual, no se debe salir a buscar la belleza en una obra,
también dicen que el arte es privado para uno mismo.
A ellos no les importaba que los espectadores entiendan o le busquen un razonamiento a sus
obras.
Los colores que utiliza cada autor es libre a su elecion.
Tazar rompe con el artista “tocado por las musas”, el arte lo puede hacer, difrutar, leer
cualquier persona.
- Se rompe con lo aprendido
- No quieren psicoanalizarce
- Juegan con la tipografía, como la palabra remite varios sentidos.
Los artistas destacados son, Marcel Duchamp, Francis Picabia, Hans Arp, ManRay, Hertfild
John, entre otros…
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PICABIA
Análisis de la obra:
Título: EL NIÑO CARBURADOR
Año: (1919)
Autor: Francis Picabia
Técnica: Óleo y esmalte, lámina de oro y lápiz sobre tabla
Medidas: 126,3 cm x 101,3 cm
Ubicación: Museo Guggenheim Nueva York
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Análisis de la obra:
Esta obra es un dibujo de un real carburador, justo comenzaba la industrialización tecnológica,
y a Picabia le interesó mucho.
La actitud rebelde e irónica de Picabia lo llevó a realizar obras en las que la crítica a la sociedad
y a los valores en ella implícitos era una constante. Esta máquina, realizada en 1918, nos
devela la visión del progreso del artista, sobre todo si tiene en cuenta la inscripción: détruire le
future (destruir el futuro).
Es una obra totalmente simple pero que al espectador le trae mucha inquietud por el hecho de
que le haya puesto ese título a la obra ya que no se ve ningún niño solamente una pieza
mecánica. Que esa inquietud que le generaba al público era lo que el artista dadaísta quería
generar.
Autor:
Pintor francés de origen hispano cubano. Comenzó su carrera artística en el ámbito del
impresionismo y el fauvismo, con obras fáciles que le proporcionaron un gran éxito comercial.
Pero su temperamento inquieto y subversivo le llevó a buscar caminos más comprometidos,
por lo que entró en la órbita del cubismo con obras caracterizadas por la incorporación de
elementos simbólicos y de títulos y frases sin ninguna relación con el tema.
Sus contactos con Marcel Duchamp en Nueva York, donde estuvo en varias ocasiones durante
la década de 1910, y con el grupo dadaísta de Zurich, lo llevaron a decantarse por el dadaísmo
como tendencia artística preferida. A este período corresponde su estilo más característico,
llamado maquinista por centrarse en la representación de máquinas, que en ocasiones son
símbolos de los seres humanos y a veces hacen referencia al mito del maquinismo, del
desarrollo industrial a ultranza.
Pero quizá, más que a la creación artística, la influencia de Picabia en las generaciones
posteriores se deba a la tarea intelectual, de provocación cultural, que llevó a cabo desde las
revistas 391, fundada por él en Barcelona en 1917, y 491, fundada en París en colaboración
con Breton. A partir de 1919, frecuentó en París el grupo surrealista, y en 1924 realizó la
memorable escenografía para la película Entr'acte, de René Clair.
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Bibliografía:
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- http://tom-historiadelarte.blogspot.com.ar/2007/05/el-
postimpresionismo.html(recuperado el: 7/10/13)
- http://enciclopedia.us.es/index.php/Postimpresionismo(recuperado el: 7/10/13)
- http://fcalzado.es/impresionismo/xhtml/05posimp/05a.html(recuperado el: 7/10/13)
- http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/obras/3347.htm(recuperado el: 7/10/13)
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- http://www.vangoghgallery.com/es/misc/biografia.html(recuperado el: 7/10/13)
- http://commons.wikimedia.org/wiki/File:USA-Museum_of_Modern_Art-
Vincent_van_Gogh0t.jpg(recuperado el: 7/10/13)
- http://tom-historiadelarte.blogspot.com.ar/2007/05/el-
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- http://www.nreda2.com/enredados-en-la-cultura/pintura/168-noche-estrellada-
vicent-van-gogh.html(recuperado el: 7/10/13)
- http://wwwgurumalagente.blogspot.com.ar/2009/09/el-nino-carburador-francis-
picabia.html(recuperado el: 7/10/13)
- http://peristilo.wordpress.com/2009/07/07/pintura-5/c54-el-nino-carburador-1919-
picabia/(recuperado el: 7/10/13)
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- http://www.youtube.com/watch?v=dl4QOmlFTzw(recuperado el: 7/10/13)
- http://www.slideshare.net/jpem0001/noche-estrellada-vicent-van-gogh(recuperado
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- http://josemiguel17.wordpress.com/2010/06/23/analisis-de-una-pintura/(recuperado
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