Coordinación de Artes Visuales ciclo de exposiciones

Septiembre – Diciembre 2014 Del 25 de Septiembre al 7 de diciembre de 2014. INAUGURACIÓN: jueves 25 de septiembre 19:00 horas. Recorrido Inaugural: 19:00 horas - Salas Eloísa Jiménez 19:30 horas - Salas del Teatro María Grever 20:00 horas - Galería Jesús Gallardo

Imagen cortesía: Wasted Rita

1. Feliz de no estar tan triste.

Bas Jan Ader, Armando Bonilla, David F. Barajas R. [ DFBR ], Yasuhiro Imai, Manuel Ibarrola, Christian Jankowsky, Spike Jonze, Gerardo Jacques, Phill Kelly, Rolando López, Emeric de Meyer, Juan Meliá, Lourdes Méndez, Favio Montoya, Helio Montiel, Lothar Müller, Juan Nepomuceno Herrera, Jorge Ortega del Campo, Mario Plasencia, Martha Estela Quiróz, Wasted Rita, Ramsés Ruiz, Julio Ruelas, Carla Rippey, Antonio Tun Naal, José Zarzi, Slavoj Žižek Curador : Leonardo Ramírez Del 25 de septiembre al 7 de diciembre de 2014 INAUGURACIÓN: jueves 25 de septiembre 20:00 horas. Galería Jesús Gallardo Planta baja, planta alta y sala blanco y negro Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama León, Guanajuato México. Horario de atención al público: Martes, Miércoles, viernes y Sábado de 10:00 a 18:30 hrs Jueves, horario especial de 10:00 a 20:00 Horas Domingo de 11:00 a 18:30 hrs “Feliz de no estar tan triste”, es un proyecto que incluye a 25 artistas, 1 filósofo, 2 agrupaciones de música popular y un taxista. Una variedad de propuestas, épocas y productores de arte que conjuga, melancolía, tristeza e ironía, reuniendo una serie de piezas que hablan, de placeres culposos, de falsa conformidad pero al mismo tiempo de un sentido de artificialidad que hace que las piezas se transformen en algo incisivo, beligerante y con mucho sentido del humor. El concepto de genio, que en la imaginación popular estaba estrechamente vinculado con la melancolía, se ha tomado y relativizado como absurdo en la época actual, haciendo de la paradoja su arma más efectiva. Los artistas en esta exposición funcionan como una especie de termómetro que cataliza la antiquísima mancuerna de creatividad y melancolía bajoneadora en una extraordinaria secuencia de frases rudas, imágenes disociadoras de espacios familiares, secuencias narrativas autistas, diseño interior emo y disfuncionales empleadores de tiempos muertos. Feliz de no estar triste es un ensayo plástico sobre el odio funky, el Zeitgeist facebookero, la insatisfacción, la insólita unión de imposibles y la idea campirana del “todo está bien”, “nomás estaba vacilando”… creo.

Con la amable colaboración de: Colección Kunsthaus Colección Miguel Ángel García Padilla Ricardo Ibelles Colección MIM Museo Universidad De Lasalle Bajío Colección David Ramírez Chávez Las muertas proyectos espaciales La mágica drawing team Proyectos cebadina Villasana Plasencia et al. Imagen Cortesía: Emeric de Meyer

2. Los Woodmans La historia de Francesca Woodman Un documental de Scott Willis Documental del año 2010 que indaga la historia de la familia de Francesca Woodman, fotógrafa estadounidense que se suicidó en 1981 a los 22 años. Del 25 de septiembre al 7 de diciembre de 2014 INAUGURACIÓN: jueves 25 de septiembre 20:00 horas. Videosala Galería Jesús Gallardo Planta alta Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama León, Guanajuato México. Horario de atención al público: de Martes, Miércoles, viernes y Sábado de 10:00 a 18:30 hrs Jueves, horario especial de 10:00 a 20:00 Horas Domingo de 11:00 a 18:30 hrs Vida y muerte de Francesca Woodman Una película documental y varias exposiciones indagan en la precoz fotógrafa suicida Un ego obsesivo y una frágil personalidad coexistían en Francesca Woodman, la fotógrafa estadounidense que se suicidó en 1981 a los 22 años dejando tras de sí mucho más que la promesa de un misterioso talento. Desnudos fantasmagóricos, juegos surrealistas y una sexualidad tan ansiosa como etérea: probablemente pocos han visto el desasosiego femenino con la lucidez de esta niña-artista fruto de un sólido matrimonio bohemio (ella, ceramista y escultora; él, pintor y fotógrafo) que vio cómo el hermoso retrato familiar se hacía trizas con la violenta muerte de su hija pequeña, quien para añadir más dramatismo a la escena no se conformó con una muerte discreta, si no con un aparatoso salto al vacío desde su casa del Lower East de Manhattan, desfigurando su preciosa cara. Su corta vida y su enorme obra (se sabe que sus padres poseen un archivo de más de 800

fotografías) podrían encontrar la madurez ahora, gracias a varias exposiciones en el Reino Unido y EE UU. La más importante: en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, viajará en 2012 al Guggenheim de Nueva York. Francesca Woodman se crió y formó entre EE. UU e Italia. Fue una niña americana en la Toscana, rodeada de artistas amigos de sus padres, y una adolescente becada en Roma. Probablemente su gusto por los escenarios bucólicos y decadentes no se entiende sin ese contacto con el viejo mundo. Empezó a hacer fotografías a los 13 años, en blanco y negro, de pequeño formato y casi

siempre con ella misma como protagonista. Imaginaba libros para aquellas imágenes que pegaba en sus cuadernos y diarios. La naturaleza (ramas, bosques, pájaros...) y las casas (paredes, muros, ventanas...) jugaban un papel fundamental en la composición, había algo siniestro en aquella densidad simbólica, historias llenas de melancolía y tristeza con ella como único centro de todo. Llegó a publicar un libro solamente: Algunas geometrías interiores desordenadas. Francesca se suicidó cinco días antes de que su padre, George Woodman, inaugurara en el Guggenheim de Nueva York una importante exposición colectiva. La sombra de la hija no ha abandonado a los padres, que desde su muerte se han dedicado al legado de una artista que pese a su corta edad es para muchos clave en la modernidad crepuscular del siglo XX. The Woodmans se estrenó la semana pasada en el Film Forum de Nueva York e indaga en la historia de esta familia alejándose del drama. Dirigida por C. Scott Willis, se documenta con entrevistas a los miembros de la familia (padres y hermanos mayores), amigos y estudiosos de la obra de la artista. Además incluye parte desconocida de su obra. "Creo que mi mayor sorpresa fue poder leer sus diarios y cuadernos y ver sus trabajos en vídeo", explica el director del filme. "En ellos descubres que su obra es mucho más vital de lo que parece y que no tiene tanto que ver con la ausencia como con la celebración de la vida. Creo, como dice su hermano en la película, que el arte era una religión para ella y su familia. Y quizá es ahí donde surge el problema". Para Scott Willis el arte no mató a Francesca Woodman sino que la sujetó a la vida, pero fue cuando empezó su crisis creativa y empezó a mermar su capacidad de trabajo (directamente relacionadas ambas con sus crisis emocionales) cuando la artista entró en el profundo desequilibro que acabó con su vida. "Fue enormemente prolífica de niña, pero sus problemas psicológicos le empezaron a robar espacio a su obra. Pese a lo que se dice, hay alegría en su trabajo porque era el arte lo que la mantenía viva". Drogas, desamores En sus diarios, la fotógrafa deja ver sus grietas, las drogas, los desamores. El director de The Woodmans dice que su aproximación no es crítica si no biográfica. Fue difícil entrar en el ámbito reservado de esta familia, para quienes el arte es un ejercicio obsesivo y monacal. Cada día, cada uno de sus cuatro miembros se encerraba en el estudio a crear como quien entra cada mañana en una fábrica. De esa intensa relación con la inspiración nace esta niña prodigio. "Conocí a los Woodmans en un acto público, me acerqué a ellos porque mi hija es artista y entusiasta admiradora de la obra de Francesca. Lo que yo no sabía entonces es que estaba muerta". Desconocida en vida, la fotógrafa empezó a ganar en 1986, cinco años después de su muerte, gracias a la primera exposición de su obra, en el Wellesley College. Francesa Woodman vivió convencida de que tenía un destino. Para muchos está cifrado en sus fotografías, para otros está oculto en ellas. Elsa Fernández Santos Artículo Publicado por el periódico EL PAÍS el 26 de enero de 2011.

Francesca Woodman (1958 - 1981) Phillips Academy en Massachusetts y se graduó de la Escuela Isla de Diseño de Rhode (RISD) en 1979. Francesca Woodman se encuentra a menudo junto a sus contemporáneos de finales de 1970, como Ana Mendieta y Hannah Wilke, sin embargo, su trabajo también figura con artistas de la talla de Cindy Sherman, Sarah Lucas, Nan Goldin y Karen Finley . Hasta su muerte prematura en 1981, con tan sólo 22 años, produjo un extraordinario cuerpo de obra aclamado por la singularidad de estilo y rango de técnicas innovadoras. Desde 1986 (después de una muestra retrospectiva organizada por el Museo de la Universidad de Wellesley), El trabajo de Francesca Woodman, muy difundido, ha sido objeto de un amplio estudio crítico en los Estados Unidos y Europa. Las grandes presentaciones en solitario de su trabajo incluyen una exposición comisariada por la Fondation Cartier pour l'art contemporain (París) en 1998, viajando a lugares como Kunsthall (Rotterdam), la Galería de Fotógrafos (Londres), y Douglas Hyde Gallery (Irlanda). Su trabajo ha aparecido en numerosas exposiciones colectivas internacionales y está representado en colecciones como el Museo Metropolitano de Arte, el Museo Whitney de Arte Americano, el Museo de Arte Moderno, el Instituto de Artes de Detroit, y Fondation Cartier pour l'art contemporain. Francesca Woodman tuvo una gran exposición retrospectiva de su trabajo en SF MoMA en 2011, y en el museo Guggenheim de Nueva York en 2012.

C. Scott Willis (Director / Productor) Scott Willis es un veterano de las Noticias y el documental con 30 años de experiencia, 27 años con ABC News como productor en el Medio Oriente y Londres, y como jefe de producción de senior Nightline, posteriormente como Productor Ejecutivo de Noticias ABC en horario estelar. Ganador de 11 premios Emmy y dos DuPont Columbia por su trabajo como documentalista, en temas que van de la caída del imperio soviético al ascenso a la presidencia de los Estados Unidos de Bill Clinton. En 2001, Willis comenzó su propia compañía de producción (C. Scott Films LLC) ha producido y dirigido casi una docena de documentales para televisión, incluyendo una serie de reportajes de investigación para NOVA de PBS. Los Woodmans es su primer largometraje documental.

Imagen: Rutilo Patiño. Cortesía: Las muertas proyectos espaciales

3. Mirando al cielo desde la hierba [Manifestaciones poéticas en torno a la muerte] Efraín Álvarez Juárez, Olivier Ballast / Rick Franssen / Koen de Moi, Flor Bosco, Cinthia del Rocío

Calderón Martínez y Rafael Gutiérrez Mercadillo, Rafael Centeno, José Chávez Morado, Carlos

María Flores, Nayeli Gómez Esteves, Joaquín García Márquez, José Huerta, Mauricio Hernández

Colmenero, Manuel Ibarrola, Francisco Juárez, Hannah Jacobs y Victoria Manfield, Rutilo Patiño,

José Guadalupe Posada, Diane Pearce, Geffen Rafaeli, Vanessa Salas, Ariadna Vargas, Alondra

Velázquez y Ying Yang.

Curadores: Leonardo Ramírez e Irazú Páramo Del 25 de septiembre al 7 de diciembre de 2014 INAUGURACIÓN: Jueves 25 de septiembre 19:00 horas. Sala Eloísa Jiménez Portal delicias sin número Zona peatonal León, Guanajuato, México. Horario de atención al público: de Martes, Miércoles, viernes y Sábado de 10:00 a 18:30 hrs Jueves, horario especial de 10:00 a 20:00 Horas Domingo de 11:00 a 18:30 hrs “Mirando el cielo desde la Hierba” manifestaciones poéticas en torno a la muerte, es un

homenaje con fecha diferenciada de los festejos del tradicional día de muertos. Las piezas

reunidas en esta narrativa visual, hacen énfasis en discursos que toman a la muerte como un

pretexto poético y que dinamizan la manera de abordar un tópico tan conocido y sobado en el

arte popular mexicano como lo es la muerte.

Esta exhibición evita una rígida disposición jerarquizadora de piezas; esto es video, esto arte

popular o esto: fotografía; lo que hace es unir las imágenes como si fueran palabras en un discurso

que habla de germinación, viaje, tiempo transcurrido, violencia, festejo de reinicio, todo

enmarcado en una particular secuencia de tiempo circular y renovador.

Con la exposición; “Mirando al cielo desde la hierba”, quisimos encontrar una manera de enlazar

los outfits punks con las monjas coronadas, las travesuras de principios de siglo XX con las sonrisas

de las pelonas de Posada, la imagen de una muerte por sobredosis con una muy poco científica

descripción de órganos diseccionados por medio del dibujo. Nuestra exposición no hace

distinciones, todo lleva al mismo lugar, a la misma discusión, al mismo gran final.

Con la colaboración de: Colección MIM Museo de la Universidad de La Salle Colección Miguel Ángel García Padilla Las muertas proyectos espaciales El santo León Cola de pez Gallo dioro Imagen Cortesía: Geffen Rafaelli.

Imagen Cortesía: Alexis de Chaunac.

4. Mala Sangre Alexis de Chaunac Curadora: Gloria Maldonado Del 25 de Septiembre al 7 de diciembre de 2014. INAUGURACIÓN: jueves 25 de septiembre 19:30 horas. Salas 1 y 2 del Teatro María Grever Álvaro Obregón #217 Zona peatonal centro León, Guanajuato, México. Horario de atención al público: de Martes, Miércoles, viernes y Sábado de 10:00 a 18:30 hrs Jueves, horario especial de 10:00 a 20:00 Horas Domingo de 11:00 a 18:30 hrs. Con la amable colaboración de: Museo Iconográfico del Quijote. ALEXIS DE CHAUNAC “MALA SANGRE” Por Gloria Maldonado Ansó Después de su reciente participación en la Art 3 Gallery, la primera exposición individual de Alexis de Chaunac es acogida por el Museo Iconográfico del Quijote, espacio emblemático de la ciudad de Guanajuato fundado por el publicista y mecenas cervantista Eulalio Ferrer y posteriormente en las salas de exposiciones del Teatro María Grever de la ciudad de León, Guanajuato. La selección que se presenta muestra ya la expresividad de su trazo así como su búsqueda creativa. Dibuja figuras humanas con rasgos imaginarios y seres pertenecientes a un bestiario fantástico. Lo mismo encontramos a un enorme ajolote (anfibio endémico mexicano en vías de extinción. (del náhuatl “axolotl”, monstruo acuático)), encaramado en la cabeza de un hombre, que un gallo, una serpiente o un elefante exacerbados. Son claras las inquietudes literarias de Alexis de Chaunac: en sus dibujos abundan las referencias al Quijote, a la Biblia, a Rulfo, Kafka, Gogol, Sade, Jarry, Nietzche, Melville, Burroughs o a Rimbaud, cuyo texto “Mauvais sang” (“Mala sangre”) da título a la exposición.

En algunas de sus obras más personales y sorprendentes, los Salmos y el Libro de Ezequiel, el espacio de la hoja queda saturado con dibujos semifigurativos, casi perdidos en la intensidad de los trazos reiterados ad infinitum, de líneas achuradas y palabras manuscritas con plegarias que acentúan el carácter delirante de la composición. Un aspecto que podría resultar insólito es que, probablemente de manera involuntaria, Alexis nos remite al arte realizado por esquizofrénicos, muchos de los cuales han logrado obras fascinantes que se caracterizan por este ímpetu obsesivo y circular en la línea. Las piezas elegidas se encuentran fechadas entre 2009 y 2010, son de pequeño formato y están realizadas sobre papeles variados; algunos han sido tomados de cuadernos, libretas de apuntes e incluso hojas sueltas provenientes de libros antiguos sobre las cuales pinta personajes de carácter expresionista. Predominan el blanco y el negro, los dibujos han sido realizados con tinta o grafito, si bien Alexis incorpora en ocasiones los lápices de colores con desenvoltura y firmeza. La exploración creativa de Alexis de Chaunac es constante y tenaz. Hoy en día trabaja con nuevos lenguajes, técnicas y formatos de mayor tamaño, mientras sigue nutriéndose de la obra artística y literaria de autores insoslayables para él. La exposición “Mala sangre” seguramente constituirá un hito en la trayectoria de un creador sobre el cual seguiremos oyendo hablar durante largo tiempo, hasta su próximo regreso a Guanajuato. Gloria Maldonado Ansó México D.F., 22 de abril de 2014

Alexis de Chaunac ( Nueva York en 1991) Cine y guionismo en Sarah Lawrence College Nueva York Historia del arte y literatura latinoamericana en la Universidad de Oxford. Es director de Marecafts Productions y cuenta con una carpeta de trabajo creativo que incluye cerca de veinte videos artísticos y cortometrajes. Su biografía resume varias herencias: una es la de su multiculturalismo – padre francés, madre mexicana, largas estancias en distintos países. La otra es el legado de su linaje familiar por el lado materno y paterno. Alexis es nieto de José Luis Cuevas, una de las figuras más brillantes y protagónicas del arte mexicano y latinoamericano de la segunda mitad del siglo XX, miembro de la “Generación de la Ruptura”. También es sobrino de Ximena Cuevas, multipremiada videasta y de María José Cuevas, reconocida documentalista. Su madre Mariana Cuevas es diseñadora de vestuario teatral. El abuelo francés, Philippe de Chaunac-Lanzac, obtuvo premios por sus libros de poesía y literatura. Su padre Emmanuel de Chaunac fue director del departamento de Arte Moderno y Contemporaneo de la célebre subastadora de arte Christie´s en Nueva York hasta su reciente fallecimiento, ocurrido el 17 de enero de 2014, cuando apenas contaba con 51 años. Los primeros años de Alexis transcurrieron entre 1993 y 1998 junto a sus padres y su hermano menor Axel, ahora estudiante de música y cine en Nueva York. Vivieron en la ciudad de México, en una casa ubicada en el barrio de San Ángel. Eran vecinos de sus abuelos José Luis y Bertha Cuevas con los cuales convivían todos los días. Posteriormente, entre 1999 y 2009, la familia de Chaunac radicó en París, en donde los hijos realizaron su escolaridad. Finalmente se instalaron en Nueva York entre 2010 y 2014, ciclo que se encuentra hoy por terminar. Es así como desde su nacimiento Alexis recibe estímulos culturales variados y poderosos en línea directa. Tiene plena conciencia de ello, es reflexivo y ha adquirido una responsabilidad y un compromiso al aprovechar y acrecentar las experiencias que su entorno le ofrece. Desde muy temprana edad ha mostrado afición y destreza por el dibujo y la pintura.

5. Sonic Boom FGTPY / Sonido Móvil Programa de intervenciones sonoras Única presentación: Jueves 25 de septiembre 20.00 horas Entrada libre Durante la inauguración del tercer trimestre de exposiciones Recorrido Inaugural: 19:00 horas - Salas Eloísa Jiménez 19:30 horas - Salas del Teatro María Grever 20:00 horas - Galería Jesús Gallardo Vestíbulo del Teatro Manuel Doblado Planta baja Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama León, Guanajuato México. artesvisualesicl.blogspot.com El sonido móvil es un proyecto que nace de FGTPY con el propósito de ocupar espacios públicos mediante un remolque- bicicleta que se transforma en cabina para dj y vj, artista sonoro o productor musical. Sonido móvil hace énfasis en la apropiación de los escenarios más inverosímiles, generando audiencias espontáneas, por medio de la inclusión-apropiación de cualquier espacio público e institucional, como plazas públicas, barrios, baldíos, centros culturales, galerías y todo el espacio que tenga el potencial para realizar una improvisada sesión de arte sonoro o música experimental.

BUSCAMOS:

Ilustradores realizadores de art toys diseñadores industriales

realizadores de cómic y dibujantes

para proyecto de exposición en 2015.

Envía tu carpeta para revisión en formato PDF a: artesvisualesicl@gmail.com

Lic. Bárbara Botello Santibáñez Presidenta Municipal de León

INSTITUTO CULTURAL DE LEÓN

Luis Castrejón Durán Director General Instituto Cultural de León

Fidel Valdivia Bretón

Director de Administración y Finanzas

DIRECCIÓN DE DESARROLLO EN LAS ARTES

Manuel Meza Cuervo Director de Desarrollo en las Artes

Concepción Ney Ramírez

Asistente de Dirección de Desarrollo en las Artes

Daniela Yáñez Coordinación Proyectos Especiales

Georgina del Carmen de León

Coordinación Académica

Rafael Centeno Vinculación Artístico-Cultural

Leonardo Ramírez

Coordinación de Artes Visuales

María Esther Jaime Registro y control de obra

Edmundo Castro

Museografía

Armando Anaya Producción

Carlos Martínez

Encargado de sala

Gisela Rojas Administración y relaciones públicas

Irazú Páramo

Servicios educativos y apoyo curatorial

Leonardo Ramírez Coordinación general y diseño de la publicación

CAVI

Coordinación de Artes Visuales Instituto Cultural de León

Dirección de Desarrollo en las Artes

Oficinas:

Interior del teatro Manuel Doblado, Galería Jesús Gallardo, primer piso

Pedro Moreno 202, esquina Hermanos Aldama León, Guanajuato

México c.p. 37000

artesvisualesicl.blogspot.com

artesvisualesicl@gmail.com

INFORMES E INSCRIPCIONES Visitas guiadas, grupos y talleres:

Teléfono * 477 7141400 Con Gisela Rojas, Irazú Páramo y María Esther Jaime

artesvisualesicl@gmail.com gajega_educativos@hotmail.com

Este ciclo de exposiciones ha sido posible gracias a la amable colaboración de :

Andrés Govela, Mary Carmen Aranda, Lothar Müller, Gloria Maldonado Ansó, Paco Flores, Miguel

Ángel García Padilla, David Ramírez Chávez, Ricardo Ibelles, Mario Plasencia, Armando Anaya,

Carlos Martínez, Gisela Rojas, José Huerta, Luis Arcos y línea dorada.

¡Muchas gracias!

CAVI EXPOSICIONES TEMPORALES

SERVICIOS EDUCATIVOS VISITAS GUIADAS

TALLERES PARA NIÑOS Y ADULTOS SALA DE CONSULTA

VIDEO SALA LIBRERÍA