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Historia del Arte 2º de Bachillerato. Tema 11: La pintura del Cinquecento: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. © Juan Antonio García Rex

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TEMA 11: LA PINTURA DEL QUINQUECENTO: LEONARDO, RAFAEL

Y MIGUEL ANGEL

1. Leonardo Da Vinci

a) Aspectos biográficos

b) La obra pictórica de Leonardo: Evolución cronológica

2. Rafael. (Raffaello Sanzio. Pintor y Arquitecto. 1483-1520):


b) La obra pictórica de Rafael.

3. Miguel Ángel, pintor


b) La obra pictórica de Miguel Ángel

4. La escuela veneciana: Tiziano


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1.-Leonardo Da Vinci


Nace a mediados del siglo XV en Vinci, cerca de Florencia. Fue hijo ilegítimo de un

rico notario florentino y de una campesina. Fue pintor, arquitecto, ingeniero, biólogo,

músico y escritor. Se formó en el taller de Verrochio. Estuvo al servicio de Ludovico el

Moro, en Milán, donde permaneció cerca de veinte años. El destronamiento de Ludovico

le hizo recorrer Italia durante algunos años, hasta que, al final de su vida, entró al servicio

de Francisco I de Francia.

Por su notable deseo de saber, de poseer y de dominar todas las técnicas y de

inventar, es, quizás, el genio más representativo del Renacimiento. Como artista le interesó

especialmente conocer el cuerpo humano, tanto en su estructura interna, de lo que son

buena muestra sus dibujos de anatomía, como en su aspecto expresivo y en sus

movimientos. Las actitudes de sus personajes son mucho más complicadas y ricas que las

de sus predecesores, y en este aspecto su influencia en los maestros posteriores es decisiva.

El interés por el movimiento le lleva a preocuparse por el arte de enlazar unas

figuras con otras, tanto formal como espiritualmente. Paralelo a este interés por el

movimiento es el que siente por la luz y la sombra. El tránsito suave de una a la otra es una

de sus principales preocupaciones dando lugar al sfumato.

Además, Leonardo fue un gran teórico que nos dejó expuestas sus doctrinas en su Tratado

de la Pintura.

b) La obra pictórica de Leonardo: Evolución cronológica

Entre las obras más significativas de la producción pictórica de Leonardo destacan las

siguientes:


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1. La Virgen de las Rocas.

Pintado en 1483, este óleo sobre lienzo se encuentra en el Museo del Louvre aunque

Leonardo realizó una variación del mismo tema muchos años después que se encuentra

actualmente en Londres.

Es su primera gran obra milanesa. En ella las figuras de la Virgen, Jesús, San Juan y

el ángel se inscriben en un triángulo. Es pues, una composición piramidal.

Utiliza como recuso la técnica del sfumato. En su obra “Tratado della pintura” nos

explica que toda cosa lejana o cercana al pintor debe ser considerada como inmersa en el

aire, el cual tiende a dulcificar los contornos, a fundir las masas, a dar distintos tonos al

color: esta es la base del sfumato, es decir, la sustitución del dibujo lineal de los pintores

del siglo XV por el modelado vaporoso que tiene por efecto fundir los contornos de la

atmósfera. En este cuadro nos habla de la belleza ideal. El tema es San Juan niño,

adorando a Jesús, que está situado en el centro y bañado de luz en presencia de un ángel y

de María. Las figuras miran hacia el centro. Parece más una expresión poética que una

realidad, ya que pinta a las figuras emergiendo de la penumbra de una gruta solitaria y

rocosa, en una atmósfera de humedad, generada por un estanque, que vela sus formas con

una especie de neblina, con rocas puntiagudas destacando sobre un cielo rojizo del sol

poniente.

2. La Última Cena.

Fue pintada en 1495-1498 en el Refectorio del Convento dominico de Santa María de

las Gracias, en Milán. La técnica utilizada es óleo y temple sobre muro. Es una obra

monumental (4,20 x 9,10 ms.). A Leonardo no le interesaba el procedimiento del fresco ya

que su rápido secado exigía prontitud de ejecución y el artista necesitaba tiempo para

estudiar cada detalle. Ante esta circunstancia trató de inventar un sistema que le permitiera

pintar al temple en la pared. El resultado fue poco afortunado y la obra se deterioró

rápidamente.


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Leonardo, siguiendo las leyes de la perspectiva lineal, agranda ópticamente el muro

frontal del refectorio con un cenáculo (comedor) fingido. El recurso utilizado consiste en

hacer converger las líneas de fuga hacia las tres ventanas abiertas a las espaldas de Cristo,

que dan profundidad y luz natural a la estancia. La posición de los discípulos detrás de la

mesa y agrupándose en tríos, es nueva. Hasta entonces solía situarse a Judas aislado en

frente del resto de los comensales.

La escena recoge le momento en que Jesús comunica a sus discípulos que uno de ellos le

va a traicionar y entregar. El artista tiene que plasmar dos aspectos (según explica en su

Tratado della pintura): el hombre físico y los movimientos del alma; lo primero es fácil, lo

segundo no, porque tiene que representarlo a través de las actitudes y los gestos de los

personajes. Leonardo visualiza este “movimiento del alma” en el dramatismo de los

discípulos y sus reacciones de incertidumbre e interrogación ante el anuncio de la traición.

Sólo uno comprenderá las palabras de Cristo: Judas, que se siente descubierto y exterioriza

la conciencia del peligro, estrujando con inquietud la bolsa de monedas. Las palabras de

Jesús hacen reaccionar a sus discípulos y sus caras expresan sorpresa, incredulidad,

estupor, indignación, dolor, amor...

3. La Gioconda o Mona Lisa. (Selectividad)

Identificación

Título: La Gioconda

Autor: Leonardo da Vinci

Cronología: 1503-1505

Estilo: Renacentista (Quinquecento)

Técnica: Óleo sobre tabla

Dimensiones: 77 x 53 cms (Pequeño formato, pintura de caballete)

Localización: Museo del Louvre


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Tema: Retrato individual.

Análisis:

Composición:

Es aparentemente sencilla: una mujer sentada en una silla de brazos, frente a un

paisaje, con el cuerpo vuelto a un lado y mirando al espectador que dirige inevitablemente

su mirada hacia el enigmático rostro de la mujer y en segunda instancia hacia sus manos

entrelazadas.

Lo que más llama la atención es su enigmática mirada y su no menos misteriosa

sonrisa, fruto de una elaboración parsimoniosa y de la superposición de varias capas o

veladuras casi transparentes que producen efectos de luz y sombra muy idealizados y casi

mágicos. El paisaje del fondo, con dos partes que no coinciden, aumenta aun más el

sentido misterioso de la obra.

Este óleo es el retrato más célebre de su carrera y probablemente de la pintura

universal. Representa a una florentina que tras casarse en 1495 con Francisco Giocondo,

fue conocida como Gioconda. Otros piensan que modelo es la española Constanza de

Ávalos y otros que una joven florentina de la que estaba enamorado Juan de Médicis.

Leonardo se sintió tan seducido por esta imagen que siempre la llevó consigo, y lo

cubrió con una ancha pátina protectora.

Sobre un paisaje de atmósfera vaporosa, siluetea una figura que luego difumina,

otorgándole una expresión enigmática. Presenta un sfumato de gran refinamiento, que le

da ese aire de misterio.

4.- Santa Ana, La Virgen y el Niño. (Selectividad)

Identificación:

Título: Santa Ana, La Virgen y el Niño

Autor: Leonardo da Vinci


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Cronologia: 1510-1513


Técnica: Óleo sobre tabla

Dimensiones: 168 x 139 CMS. (Pequeño formato, pintura de caballete)

Localización: Museo del Louvre

Tema: Retrato individual.

Análisis:

No se sabe con exactitud quién encargó esta obra ni cuándo. Actualmente se la data

hacia 1510-13. Generalmente se considera que fue un encargo para el retablo de la Basílica

della Santissima Annunziata en Florencia. El tema de Santa Ana, la Virgen y el Niño había

ocupado a Leonardo desde hacía tiempo. En efecto, se conserva en la National Gallery de

(Londres) el llamado Cartón de Burlington House, que incluye a las tres figuras y además un

niño representando a Juan el Bautista. Este cuadro está en el Louvre desde el año 1810.

Realizó esta pintura en los últimos años de su vida. Quizá por estar pintada dentro

de la época en la que Da Vinci se dedicaba a La Gioconda existe ese gran parecido entre el

rostro de Mona Lisa y Santa Ana. Las exigencias que planteaba ese otro encargo, hicieron

que la pintura quedase incompleta, siendo de otro pintor la figura del cordero.

Composición:

En la composición hay ya un incipiente manierismo (barroquismo).Lo que hace

inusual a esta pintura es que hay dos figuras colocadas de forma oblicua, superpuestas:

María y Santa Ana, con la primera sentada sobre las rodillas de la segunda. María se inclina

hacia delante para sujetar al Niño Jesús mientras éste juega, de manera bastante brusca, con

un Cordero, símbolo de su propio sacrificio. Los rostros son dulces y amorosos,

apreciándose gran parecido entre madre e hija. La escena se desarrolla en un paisaje

atemporal rocoso, como ocurre en La Virgen de las Rocas. Los picos montañosos parecen


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evaporarse en una atmósfera azulada que inunda toda la composición. La luz proviene de

una fuente indeterminada. Las pinceladas son ligeras, con el típico sfumato mediante una

técnica de veladuras sucesivas que crean un efecto neblinoso. La defectuosa conservación

ha aplanado el color en los mantos de la Virgen y de santa Ana.

Iconografía:

La representación de este grupo de figuras proviene del culto a Santa Ana, nacido en

la Edad Media. Las narraciones sobre Santa Ana se incluyeron en la "Leyenda Dorada" (obra

del siglo XIII escrita por un monje), y en los siglos posteriores se difundió el culto a la

santa por Occidente. Además del simbolismo de Cristo jugando con el cordero, Fra Pietro

Novellara, un monje de la orden carmelita vio un significado simbólico más profundo en

esta pintura. Creía que la serena expresión de Santa Ana, que contrasta con la ansiedad de

María hacia el Niño, «quizá representa a la Iglesia, preparada para la Pasión de Cristo».

5.-Otras obras de Leonardo son:

Se le atribuye el Ángel del “Bautismo de Jesús” de Andrea Verroccio, el “Retrato de

mujer”, del museo de Washington, “La Anunciacion”, “La Virgen del clavel”, “San

Jerónimo”, “La dama del armiño”, “La bella ferronière” y “Leda y el cisne”.

2.-Rafael. (Raffaello Sanzio. Pintor y Arquitecto. 1483-1520):


Nació en Urbino y su pintura representa el ejemplo del Renacimiento por su

clasicismo basado en la perfección de la luz, de la composición y de la perspectiva. Su

padre y primer maestro (Giovanni Santi) lo introdujo pronto en el arte de la pintura y a los

diecisiete años trabajaba ya como artista independiente. Lo cierto es que lo superó

rápidamente como se desprende de sus Desposorios de la Virgen. Desde 1504 hasta 1508,

trabajó fundamentalmente en Florencia, en donde recibió la influencia del arte de

Leonardo. De entre sus obras de este período las más celebradas son sus variaciones sobre

el tema de la Virgen y la Sagrada Familia. Los personajes están situados en un marco de


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paisajes sencillos y tranquilos. Su maestría en la composición y la expresión y la

característica serenidad de su arte se despliegan ya en plenitud en “La Madonna del jilguero”.

En 1508, con sólo veinticinco años, el Papa Julio II lo llamó a Roma para que

decorara sus aposentos en el Vaticano, conocidos como las Estancias del Vaticano. Rafael

pintó uno de los ciclos de frescos más famosos de la historia de la pintura. Entre 1509 y

1511 decoró la Estancia de la Signatura, en la que realizó grandes composiciones entre ellas

La escuela de Atenas. El pintor simultaneó la decoración de las Estancias del Vaticano con la

realización de otras obras, como los frescos de El triunfo de Galatea para la Villa Farnesina.

A este período corresponden también numerosos retratos, de gran veracidad y penetración

psicológica (Ej.: Retrato de un Cardenal del Museo del Prado). A partir de 1518, Rafael se

ocupó de la decoración de las Logias del Vaticano con pequeñas escenas del Antiguo

Testamento envueltas en paneles de grutescos. Sus trabajos arquitectónicos, de menor

importancia que los pictóricos, incluyeron la dirección de las obras de San Pedro del

Vaticano

b) La obra pictórica de Rafael.

Entre sus obras más significativas vamos a analizar las siguientes:

1.- Los Desposorios de la Virgen. (Selectividad)

Identificación

Título: Los desposorios de la Virgen

Autor: Rafael Sanzio de Urbino

Cronología: 1504


Técnica: Temple y óleo sobre tabla

Dimensiones: 170 x 117 cms. (Pequeño formato, pintura de caballete)

Localización: Pinacoteca de Brera (Milán)

Tema: Pintura religiosa.


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Análisis:

Es un cuadro hecho a imitación de una tabla del mismo tema obra de Perugino maestro de

Rafael. Igualmente consideran los críticos que la pintura se inspiró en otra del mismo

autor: Cristo entregando a san Pedro las llaves, del ciclo de frescos en la Capilla Sixtina

No obstante, existen una serie de detalles que evidencian que Rafael pertenece, ya, a

otra generación de pintores. Rafael se aparta del tipo de composición de su maestro y toda

la representación es muy mecánica, muy calibrada y calculada.

Para enlazar la parte superior de la tabla con la inferior se usan las losas del

pavimento, que subrayan la perspectiva. El grupo principal se resalta en detrimento de las

figuras acompañantes. El sacerdote es de hecho el centro focal de la escena entre la Virgen

y las mujeres, y San José, y todos los hombres. Estas figuras se inscriben en un

semicírculo, forma circular que se reitera en el templo del fondo y en la forma superior de

la tabla.

En primer plano hay un adolescente que rompe un bastón. Se introduce así el tema

de los pretendientes rechazados. Hay toda una serie de figuras detrás del grupo principal

que llevan la mirada hacia el templo del fondo. Algunas están en la plaza que precede al

templo: una pareja de viandantes a la izquierda, un grupito más numeroso a la derecha, en

estos grupos prevalece el color rojo. También aparecen figuras en el exterior del templo.

De esta manera se consigue equilibrar y marcar la profundidad del cuadro. Predominan los

colores cálidos. Esta obra marca la culminación de su actividad juvenil. La acción se sitúa

en un amplio escenario, con un esquema general que recuerda al realizado por Perugino.

2.-La Madonna del Jilguero. (Selectividad)

Identificación

Título: La Madonna del Jilguero (Madonna del Cardellino)



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Cronología: 1504


Técnica: Temple y óleo sobre tabla

Dimensiones: 107 x 77 cms. (Pequeño formato, pintura de caballete)

Localización: Galería de los Ufizzi (Florencia)

Tema: Pintura religiosa

Análisis:

En esta pintura, como en la mayor parte de las Vírgenes de su periodo florentino,

Rafael colocó las tres figuras (la Virgen María, el Niño Jesús y San Juanito) dentro de un

esquema geométrico. Aunque las posiciones de los tres cuerpos son naturales, juntos

forman un triángulo prácticamente regular.

La Virgen sostiene un libro, lo que permite identificarla como Sedes Sapientiae

(«Asiento de la Sabiduría»). El jilguero es un símbolo de la futura muerte violenta de Cristo.

San Juan ofrece el jilguero a Cristo como advertencia en relación con su futuro.

En este cuadro la maestría de Leonardo destaca en particular en el tratamiento

atmosférico del paisaje del fondo, que se pierde en las brumas del horizonte. Los rostros

del Bautista y de Cristo tienen una clara influencia de Leonardo en el sfumato que les rodea y

en los rasgos.

La composición piramidal o triangular, era la más utilizada, tanto en pintura como en

escultura, sobre todo en los grupos sagrados. Se añade un fondo de paisaje concebido

únicamente como marco de las figuras, no como tema en sí de un cuadro. Es una obra

maestra llena de vida, lozanía y gracia. Es un canto a la infancia y a la maternidad.

3. La Escuela de Atenas. (Selectividad)

Identificación


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Título: La Escuela de Atenas




Técnica: fresco sobre muro

Dimensiones: base de 7,72 ms (Gran formato)

Localización: Sala de la Signatura (Vaticano)


Análisis:

Está situada en las Estancias vaticanas. Representa la Filosofía, a través de una escena

en la que se narra una sesión entre los filósofos clásicos. En esta obra, Rafael adapta el

espacio a las leyes de la superficie. Ordena las figuras de izquierda a derecha. La perspectiva

queda rota por los muros laterales .Es la representación del pensamiento mediante la

disputa filosófica. Presenta el interior de una gran basílica (quizá el Vaticano). Reproduce

la Escuela de Atenas, representando a filósofos como Platón (retrato de Leonardo) con la

mano dirigida hacia el cielo (mundo de las ideas), y Aristóteles con la mano dirigida hacia

el suelo (mundo de los sentidos), situados en lo alto de la escalinata. Destaca la amplitud

de la composición, la distribución rítmica del espacio y la disposición de la arquitectura

con las bóvedas que dan grandeza a la obra.

El movimiento de los grupos y las actitudes de los personajes están concebidos con

un efecto casi teatral. En la fuerza de sus personajes muestra la influencia de Miguel Ángel

aunque sin llegar a la fuerza escultórica de aquél.

4. La Disputa del Sacramento. Estancia de la Signatura. (Frente a la escuela de Atenas)


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Representa el triunfo de Cristo en su cuerpo glorioso y bajo la forma de la

Eucaristía. Está concebida con grandiosidad extraordinaria. Aparece un gigantesco

presbiterio donde se ordenan en semicírculo, a uno y otro lado del altar, pontífices,

cardenales y prelados que discuten acaloradamente adoptando nobles actitudes. Toda la

atención se converge en el ostensorio. Técnicamente tiene las mismas características que la

anterior.

5. Retrato de un Cardenal. Museo del Prado. Óleo sobre lienzo

Es una obra muy elaborada, que da como resultado una gran sencillez. Sus retratos

son una galería de la Roma de su época. Este es un retrato parcial (no de cuerpo entero)

donde realiza una captación y valoración psicológica del personaje. La obra es de una gran

precisión plástica. El colorido brillante que utiliza influirá en la escuela veneciana.

3.-Miguel Ángel, pintor


Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento

italiano, un hombre cuya personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI.

Durante los cerca de setenta años que vivió, sus resultados fueron extraordinarios en cada

una de estas facetas artísticas a las que se dedicó. Sus coetáneos veían en las realizaciones

de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza

de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad

emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que

les confieren su grandeza y su personalidad inimitables.

La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que

dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el Jardín

de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. En 1496

se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la

Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura

de gran belleza y de un acabado impecable.


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Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre

ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza

perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista.

En 1505, el Papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel

Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos

Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que permiten apreciar cómo extraía de

los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos. Julio II le

pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo al que Miguel Ángel se

resistió, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió en su

creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan episodios del

Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes desnudos, en un todo

dominado por dos cualidades: belleza física y energía dinámica.

En 1516, regresó a Florencia, donde proyectó dos obras arquitectónicas magistrales:

la Biblioteca Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son

en el aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular

escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de monumentalidad

en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de Miguel Ángel. La capilla

Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del difunto y las figuras magistrales

del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo.

En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el

fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro

y diseñó la cúpula de la misma.

b) La obra pictórica de Miguel Angel

1. Capilla Sixtina. (Conjunto)

En 1508, Julio II le encarga que termine la capilla de Sixto IV, donde ya habían

dejado su obra otros grandes pintores como Botticelli. Para poder terminar el sepulcro de

Julio II hizo los frescos en un tiempo record, cuatro años (1508-1512). La crítica moderna

admite que contó con colaboradores.


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Los colores son de tonos fríos y azulados con lo que consigue una gran expresividad.

Las figuras están concebidas como esculturas. Los perfiles son agudos e intenta conseguir

un volumen pétreo y escultórico.

La técnica: utiliza una pincelada suelta. Posturas grandiosas y un soberbio estudio de

composición y expresión. Figuras con volumen y giros de los cuerpos (serpentinatas).

El tema seleccionado para cubrir las bóvedas es el período anterior a Moisés y

representa el Mundo desde el primer día de la Creación hasta la caída del hombre en el

pecado. A esto hay que añadirle una serie de Sibilas (mujeres a las que se atribuye poder

profético) y profetas, portadores de la palabra entre judíos y gentiles, ejemplos de la

intervención divina en la salvación de los judíos.

Distribución de las escenas principales

Hay 10 escenas del Génesis: El Diluvio, El Sacrificio de Noé, La Embriaguez de

Noé, La caída y expulsión del Paraíso, La Creación de Eva, La creación de Adán, Dios

separando la tierra de las aguas, La Creación del sol, la luna y las estrellas, La Creación de

los Planetas y Dios separando la luz de las tinieblas.

Cada uno de las escenas principales está flanqueada por cuatro atlantes masculinos

desnudos (los Ignudi, símbolos platónicos de la Belleza y la Bondad) que sostienen

guirnaldas y escudos.

Estos paneles están sobre las figuras de los Profetas y Sibilas que se alternan en las

pechinas. A cada extremo hay un profeta que cierra la composición. Al lado de cada

profeta y sibila hay dos putti, varón y hembra. De entre las Sibilas-que son cinco: dos viejas

(Pérsica y Cumana) y tres jóvenes (Délfica, Líbica y Eritrea)- destaca La Sibila Délfica

llamada así porque solía formular sus oscuros vaticinios en el templo de Apolo en Delfos.

Es la más famosa de todas y la más hermosa, tiene un óvalo de la cara perfecto y la pureza

de sus líneas recuerda a las Vírgenes juveniles de Miguel Ángel.


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2.La Creación de Adán (Selectividad)

Identificación:

Título: La Creación de Adán

Autor: Miguel Ángel Buonarotti.




Dimensiones: 280 cm × 570 cm

Localización: Capilla Sixtina


Análisis:

Es una de las escenas más famosas de la bóveda, en donde Dios Padre es

representado como un anciano majestuoso de abundante barba envuelto en una alborotada

túnica color púrpura (quizá la figura idealizada de Julio II) rodeado de ángeles que,

contrariamente a la tradición, ni tienen alas ni son frágiles, sino corpóreos y robustos,

creados antes que el hombre, a quien la mano de Dios transmite el flujo de la vida a través

del contacto eléctrico de los dedos. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado para

impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra

en idéntica posición al de Dios Adán abre los ojos a un Paraíso que no es un delicioso

jardín, sino una desnuda pendiente. Presenta la escena un gran dramatismo, y las figuras

están cargadas de gran dinamismo. Los aspectos técnicos ya son los ya señalados en el

análisis del conjunto.


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3.El Juicio Final. (Selectividad)

Identificación:

Título: El juicio Final

Autor: Miguel Ángel Buonarotti.




Dimensiones: 1370 x 1220 cms (gran formato)

Localización: Capilla Sixtina


Análisis:

En el Altar Mayor, en la pared del fondo de la Capilla Sixtina. Miguel Ángel pintó

entre 1533 y 1540 la escena del Juicio Final.

Es la visión apocalíptica del Juicio presidida por la amenazante figura de Cristo Juez

rodeado de santos y beatos que se agitan dramáticamente, como si un viento fuerte

abatiera la escena; a su lado se halla María que se vuelve con una expresión de profunda

melancolía, sabedora de la justa cólera de su Hijo contra los pecadores, que se precipitan

hacia la Laguna Estigia, donde Caronte los traslada a la otra orilla, mientras los elegidos

ascienden hasta el cielo. Se refleja un rigor moral y un profundo pesimismo, con poca o

ninguna alegría en los colores, con tonos grises y sombras profundas. Está presente su

típica terribilitá y la imagen del Cristo que preside la escena parece más una figura pagana,

un Júpiter vengador, que un dios misericordioso. Ante tanto desnudo, hubo muchas quejas

por lo que el Papa mandó a Volterra cubrirlos.


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Hay muchas posiciones en diagonal (preludio del Barroco). Es una composición

grandiosa y teatral. La riada humana que cae hacia el infierno es un estudio magnifico de

formas y actitudes en movimiento. Hay un gran movimiento circular, las figuras surgen de

la izquierda al anuncio de las trompetas de los ángeles del centro y suben hacia la

amenazante figura de Cristo Justiciero en lo alto y luego caen a la derecha con los

condenados al infierno, donde Caronte los empuja, desde su barca, a golpes con su remo.

Los demonios tienen formas humanas. Como todas las obras de Miguel Ángel, sus

personajes manifiestan la típica terribilitá o fuerza sobrehumana muy visible en la figura de

Cristo. Los numerosos desnudos de descomunal tamaño permiten apreciar su preferencia

por el Canon hercúleo, con una musculatura muy desarrollada

4. La escuela veneciana: Tiziano

a) Apuntes biográficos.

Tiziano Vecellio o Vecelli, conocido tradicionalmente en España como Tiziano o

Ticiano fue un pintor italiano del Renacimiento, uno de los mayores exponentes de la escuela

veneciana. Reconocido por sus contemporáneos como "el sol entre las estrellas", Tiziano es

uno de los más versátiles pintores italianos, igualmente capacitado para ejecutar retratos,

paisajes, escenas mitológicas o cuadros de temática religiosa. Tuvo una larga y dilatada carrera,

y su obra atravesó diferentes etapas, en las que su estilo cambió tan drásticamente que

algunos críticos tienen problemas para creer que los cuadros de su primera etapa y los de

las posteriores hayan salido de la misma mano. El estilo de Tiziano evoluciona hasta el

punto de que, mientras sus primeras obras son de superficies perfectamente terminadas, en

la última emplea una pincelada suelta, casi impresionista. En cualquier caso, el conjunto de

su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y

una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte

occidental.

b) Su obra pictórica


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1.- La Bacanal

Identificación:

Título: La Bacanal

Autor: Tiziano


Estilo: Renacentista de transición al manierismo (escuela veneciana)

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 175 x 193 cms

Localización: Museo del Prado

Tema: Mitológico

Análisis:

Es una obra temprana en la que muestra un gusto por el desnudo y por el paisaje

típico de la escuela veneciana, aunque Tiziano le imprime mayor movimiento. Lo que le

importa del mundo clásico son los desnudos femeninos y el movimiento. Sobre un fondo

azul intenso y de nubes doradas, nos muestra la alegría y la laxitud que el vino produce,

haciendo dormir tanto al viejo en la colina como a la joven que aparece en primer plano, e

inspira la alegría a los que beben y danzan en el grupo central.

También se llamó a este cuadro Los Andrianos, pues muestra la llegada de Baco a la

isla de Andros. Estos temas mitológico-bucólicos resultaban muy gratos a la sensibilidad

de la época. Tiziano rinde culto a la alegría de vivir y al lujo reflejado en las telas. La mujer

recostada que ocupa el primer plano del centro de la tela se dice que es Violante, de quien

el pintor estaba enamorado por entonces. Junto a ella hay una partitura, en la que se lee:

«Quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber».


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2.-La Venus de Urbino también llamada La Venus del perrito.

Óleo sobre lienzo 165 cm × 119 cm Galería Uffizi. Pintado en 1538 presenta a una

Venus reposando en la habitación de un palacio, sobre un fondo de cortinas, recostada en

una cama; al fondo, en el lado derecho, unas doncellas buscan en un arcón las vestiduras

que ocultan su bello desnudo. Contrasta la serenidad de la Venus con las servidoras,

trazadas éstas al modo impresionista con un movimiento de trazos. Hay un gusto por los

colores brillantes, por la luz, por el desnudo modelado por suaves modulaciones de color.

3.-Dánae recibiendo a Júpiter en forma de lluvia de oro.

Óleo sobre lienzo 129 cm x 180 cm Museo del Prado. Muestra uno de los más

hermosos desnudos pintados por Tiziano. La joven Dánae tumbada observa el oro en

polvo, una de las múltiples formas en que se convertía Zeus, que suelta la anciana sentada

a sus pies. La piel blanca y tersa de la joven contrasta con la oscura y áspera de la anciana.

Además, Tiziano fue también retratista de la Casa de Austria. Ejemplo:

4.-Carlos V en la batalla de Mühlberg.

Óleo sobre lienzo, 332 cm x 229 cm Museo del Prado. Este cuadro lo pintó en 1548

para conmemorar la victoria del Emperador sobre los protestantes. Realizó varios encargos

para los monarcas españoles de la casa de Austria. En este retrato se muestra al Emperador

a caballo, dirigiéndose a algún lugar de la batalla, ganada el año anterior a los protestantes.

Tiziano se trasladó a la ciudad alemana de Augsburgo para realizarlo, pudiendo así reflejar

tanto la armadura como el caballo que intervinieron en el acontecimiento. En busca de la

naturalidad, Tiziano renuncia al retrato glorioso y lo sitúa en el campo de batalla. Aunque

Carlos era todavía joven (47 años) aparece avejentado y cargado de preocupaciones Es en

los retratos donde se muestra como un consumado maestro, especialmente en lo que se

refiere a la captación plástica del carácter humano. Crea una tipología de la figura de

cuerpo entero, con una mano apoyada y la otra en actitud solemne portadora de algún

instrumento alusivo al poder..


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IMÁGENES DE PINTURA DEL QUINQUECENTO (SELECTIVIDAD)

Santa Ana, la Virgen y el Niño La Gioconda

Desposorios de la Virgen Madonna del jilguero


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La Escuela de Atenas

La creación (Bóveda Sixtina)

Juicio Final (Capilla Sixtina) La Bacanal (Tiziano)